Wednesday, December 03, 2025

Batman vuelve

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Batman tiene que hacer frente a dos nuevos enemigos, el Pingüino y Catwoman, quienes unen fuerzas para destruirle, mientras un magnate trata de convertir al Pingüino en el nuevo alcalde de Gotham.

EL MURCIÉLAGO, LA GATA Y EL PINGÜINO
Tras el enorme éxito de Batman (1989), estaba claro que se realizaría una secuela, pero pese a la insistencia de la Warner, su director Tim Burton no estaba por la labor, ya que no estaba satisfecho con el resultado de la primera aventura del Caballero Oscuro. "Sentí que no había hecho el 100% de lo que quería hacer con esa película," explicaba Burton a Starlog. De todas formas, el proyecto fue adelante con la idea de dar con un enfoque que gustara al director. 
Sam Hamm, guionista de la película original, escribió un guion para la secuela, que incluía a Catwoman y el Pingüino. "[El estudio] realmente quería al Pingüino," explicaba Hamm en el documental Shadows of the Bat: The Cinematic Saga Of The Dark Kinight. "Porque lo veían como el segundo villano de Batman. Queríamos hacer a Catwoman, así que terminamos haciendo a Pingüino y Catwoman." El libreto de Hamm no interesó a Burton, aunque sería acreditado como co-autor de la historia de Batman vuelve (Batman Returns, 1992).
Después fue contratado Daniel Waters (Demolition Man). Ayudó que Denise Di Novi, productora de Batman vuelve, había sido la productora de Escuela de jóvenes asesinos (1988), película de culto que Waters había escrito. Además el guionista le había presentado tiempo atrás a Burton, una idea para una secuela de Bitelchús (1988). El trabajo de Waters con Batman vuelve gustó a Burton, quien trabajó con él en cinco borradores, y cuyo trabajo le convenció de realizar la secuela. El 9 de enero de 1991, Warner Bros. anunció que el director rodaría Batman vuelve. Burton trató de hacer algo original, y buscó "cómo podía hacerlo más loco, más increíble; en resumen, mejor," según contaba el director a la revista Impact. Waters comenzó su trabajo a mediados de 1990, y se pasó un año trabajando en el guion. El primer borrador tenía 160 páginas, lo que habría dado pie a una película enorme y muy cara, desde ahí comenzó a pulir el guion hasta dejarlo en uno más realista. 
En las versiones de guion de Waters, se incluía el personaje de Robin, mostrado como un mecánico que ayudaba a Batman, después de que el batmóvil, manipulado por el Pingüino, se estrellase en su taller. Se llegó a escoger a Marlon Wayans para el papel, y se construyeron los decorados y se diseñó el vestuario del personaje, pero finalmente la escena se descartó en el quinto borrador, y se reemplazó por Bruce siendo quien reparara el vehículo. En el primer borrador del guion, Max Shreck era el hermano mayor del Pingüino. E inicialmente se incluía el personaje de Harvey Dent, pero sería también descartado.
Después de eso, Wesley Strick (El cabo del miedo) entró para una labor final de reescritura sin acreditar. "Estaba adoptando un enfoque mucho más operístico del que Tim buscaba," confesaba Waters a la revista Fangoria. "Tim quería cambios, y yo no los hacía. Después del quinto borrador, estaba agotado y muy enojado porque me pedían ciertos cambios. Así que Tim finalmente pensó que era más fácil conseguir otro guionista, que seguir discutiendo conmigo sobre los cambios que quería." Strick fue contratado para aportar la subtrama del secuestro de los primogénitos de Gotham, para darle a la película una especie de trama, algo de lo que la película carecía. El guionista se pasó cuatro meses en el set de rodaje junto a Burton.

REPARTO
Michael Keaton repitió en el papel de Batman, y recibió a cambio un sueldo de 10 millones de dólares. Keaton pidió eliminar muchos de sus diálogos, para hacer que Batman fuera menos hablador de lo que estaba previsto en el guion.
Danny DeVito se hizo con el papel del Pingüino, el cual parecía haber nacido para interpretar. De hecho, después del estreno de Batman comenzaron a correr rumores de que DeVito daría vida al villano en la secuela. Tras reunirse con Burton, al actor le interesó el enfoque que éste tenía sobre el personaje, y aceptó participar en la película. "El Pingüino seguía siendo mi personaje menos favorito de los cómics," declaraba Burton a Mad Movies. "Pero la forma en que Danny DeVito lo interpretó me conquistó, y llegué a adorarlo. Casi todo en el personaje del Pingüino proviene de Danny DeVito." El actor se mantenía durante el rodaje siempre dentro del personaje, y no permitía la visita ni de familiares ni de ejecutivos. El aspecto de Pingüino vino inspirado por el personaje de Lon Chaney en La casa del horror (1927).
Burton escogió a Annette Bening para dar vida a Catwoman, pero tras quedar embarazada, tuvo que rechazar el papel. Sean Young quiso hacerse con el papel de la villana. La actriz a punto estuvo de trabajar en Batman, pero se rompió la clavícula al caerse de un caballo, y fue sustituida por Kim Basinger. Se obsesionó hasta tal punto con dar vida a Catwoman, que se presentó en el estudio (acompañada de un ayudante), donde Burton tenía sus oficinas buscándole, y al no dar con él, entró en la oficina de Mark Canton, en la que se encontraba Michael Keaton, y exigió que la contrataran. Si eso no fuera suficiente, asistió a un programa de entrevistas para hablar de la injusticia de su situación, e incluso acudió al "The Joan Rivers Show" vestida de Catwoman. Finalmente la escogida fue Michelle Pfeiffer, quien estuvo cerca de sustituir a Young en Batman, pero Keaton la vetó, ya que habían sido pareja, y él trataba de volver con su ex-mujer. La actriz participó en la película cobrando un cheque de 3 millones de dólares. Cuando llevaba leída sólo la mitad del guion, Pfeiffer le dijo a Burton que haría la película, seguro que el que la villana fuera una heroína de su infancia ayudó a su decisión. Para ser una convincente Catwoman, Pfeiffer entrenó durante meses en el uso del látigo, además de entrenarse en artes marciales y gimnasia. El primer día con su entrenador de látigo le dio en la cara con él, y le dejó sangrando. La actriz hizo aportaciones a la película, como el momento en que Catwoman se lame para limpiarse, idea que gustó a Burton e incluyó en la película.
Christopher Walken dio vida al tercer villano de la película, Max Shreck. El actor recibió una llamada de su agente diciéndole que Burton y los productores de la película lo querían para el papel, y el resto es historia. Cuando se reunió con Burton, este le mostró una foto de Vincent Price en una vieja peli, y quiso que el look de Shreck fuera similar. El propio actor aportó ideas propias a Shreck, recordó un personaje de "El gran Gatsby" que llevaba gemelos hechos con muelas, y le preguntó a Burton si podía llevar unos, al director le gustó la idea y ese mismo día Walken los tuvo, lo que le ayudó a meterse en la piel del villano.
Michael Murphy dio vida al alcalde de Gotham. El actor recibió una llamada preguntándole si le interesaría trabajar en la película, su respuesta fue positiva y le enviaron el guion, éste le gustó y aceptó el papel.
Paul Reubens y Diane Louise Salinger, que habían trabajado a las órdenes de Burton en La gran aventura de Pee-wee (1985), fueron los padres del Pingüino. Éste fue el primer papel de Reubens tras el escándalo de su detención, en julio de 1991, por exhibicionismo en un cine para adultos.
Doug Jones (Hellboy) tiene un pequeño papel como el payaso delgado, uno de los miembros de la banda del Pingüino. Jones consiguió el papel gracias al especialista Bob Yerkes, quien lo recomendó al departamento de especialistas de la película. Jones tuvo que hacer una audición y poner las piernas detrás de la cabeza, una vez Burton lo vio, fue contratado, aunque Jones pensaba que era sólo un personaje muy secundario, descubrió que era un papel mayor y que lo contrataban por siete semanas (que al final se convirtieron en catorce).  
El resto del reparto lo formaron Michael Gough (repitiendo su papel de Alfred, el mayordomo y amigo de Bruce Wayne), Pat Hingle (haciendo lo propio como el comisionado Gordon), Cristi Conaway (en el papel de la princesa de hielo), y Andrew Bryniarski (como Chip, el hijo de Shreck).

RODAJE
La película comenzó a filmarse en septiembre de 1991, y el rodaje terminó en febrero del año siguiente. Batman se filmó en los Pinewood Studios de Inglaterra, y allí se mantuvieron los decorados de la película, mientras esperaban el inicio del rodaje de la secuela, pero la economía del país británico había empeorado cuando debían rodar Batman vuelve, por lo que decidieron filmar la secuela en Los Angeles. Además, según Burton, influyeron otros factores para el cambió de emplazamiento, como los problemas con la prensa durante el rodaje de la primera película, el poder utilizar a más gente de su circulo y no estar obligado a trabajar con gente de Inglaterra, y el dar con otro tipo de energía diferente para la secuela. Aprovecharon los pocos decorados que necesitaban y el resto se diseñó de nuevo. Se ocuparon siete estudios de sonido de Warner Bros. para la película (en el mayor de ellos se construyó el set de Gotham Plaza, y que fueron necesarias 12 semanas para construirlo), además del estudio 12 de Universal Studios, que era el más grande de Hollywood en aquel momento, donde se edificó la guarida del Pingüino. 
Anton Furst, el diseñador de producción Batman estaba ocupado con otros proyectos y no pudo participar en la secuela, por lo que Bo Welch lo sustituyó. Burton le dio carta blanca al diseñador, y le dijo que no tuviera en cuenta el trabajo de Furst. Sus influencias fueron las obras de los pintores Charles Sheeler y Georgia O’Keeffe (de la segunda más concretamente los paisajes urbanos que hizo de Nueva York), además de arte nazi y fotos de ferias mundiales. Según contaba Welch a la revista Cinefantastique, la nueva Gotham poseía, "una estética muy opresiva y decadente, con mucha arquitectura neofascista de feria mundial superpuesta a una antigua ciudad estadounidense. Se pueden encontrar rastros del expresionismo alemán." Welch también se encargó de diseñar el batski de Batman, para el cual realizó treinta diseños en papel, hizo maquetas de tres de ellos, y de esos se quedaron con uno que esculpieron en espuma, que fue el diseño definitivo. Además creó el batarang programable de Batman, y los paraguas del Pingüino que poseen todo tipo de gadgets.
Para diseñar Gotham Plaza, Welch creo una maqueta de 30 centímetros de ancho por 1,2 metros de alto, y para componer el resto de la ciudad, mantuvo esas proporciones. Para la batcueva se creó un pequeño set, si se compara con el resto, y que se completó con un matte painting.
Batman vuelve era la película estrella de Warner para 1992, y el estudio trató de mantenerla en el mayor de los secretos, y elevó las medidas de seguridad, para lo que tomaron algunas decisiones un poco excesivas. Los directores de arte debían mantener las persianas de sus oficinas cerradas, y para poder entrar en los sets, los actores y el equipo debían portar credenciales de identificación con el falso título por el que era conocida la película "Dictel".
Rodar con animales nunca es tarea fácil, si no que se lo digan a DeVito, quien fue atacado por un mono en la ingle. Esto sucedió en la escena en la que un mono le entrega una nota de Batman. Cuando hicieron el primer ensayo, todo fue sobre ruedas, pero para el siguiente, DeVito utilizó el enjuague bucal que simulaba el líquido negro que le sale de la boca al Pingüino, en esa ocasión, el mono entre ver al actor caracterizado como el villano, y el líquido saliendo de su boca, se quedó paralizado y atacó su entrepierna. Como el traje era acolchado no sucedió nada más allá de un susto para el actor.
Ese mono no fue el único animal visto en la película, el Pingüino posee un ejército compuesto por cientos de pingüinos. Utilizaron tres tipos de pingüinos reales, cada uno de un tamaño diferente. En el set donde trabajaban con los pingüinos hacia frío, mucho frío, para el buen cuidado de los animales, y para ello mantenían el agua fría y usaban enormes aires acondicionados. Las aves incluso tenían su propia piscina y zona de "camerinos" refrigerados.
Como había cosas que los pingüinos reales no podían hacer, fue necesaria la creación de pingüinos animatrónicos, y ahí es donde entró Stan Winston y su equipo, compuesto por 56 personas. Crearon 36 pingüinos animatrónicos, de tres tamaños distintos, tan realistas que costaba distinguirlos de los reales. Mediante el uso de cables podían moverles el cuello, algunos eran manipulados desde la parte inferior del escenario, y los movimientos de la cara, el pico, los ojos y las aletas se realizaban por radio. Además construyeron 6 trajes para los pingüinos de mayor tamaño que los animatrónicos, dentro de los cuales iban personas de baja estatura, estos trajes también necesitaban control por radio y uso de cables. Mediante la mezcla de pingüinos reales, animatrónicos y gracias a los efectos visuales que los multiplicó ópticamente, daba la impresión de que el ejército del Pingüino estaba compuesto por cientos de aves.
Los efectos visuales de la película se repartieron entre diferentes compañías. "Boss Films" se encargó de multiplicar a los pingüinos ópticamente. "Video Image Associates" fue la responsable de crear la protección del batmóvil, y los murciélagos que salen del árbol de Navidad de Gotham Plaza. "4-Ward Productions" construyó las maquetas de batmóvil, el batmisil, el batski, Gotham Plaza, el centro de Gotham y Shreck Industries. "Stetson Visual Services" se encargó de la maqueta del Zoo donde el Pingüino tiene su guarida. Y "Matte World" fue la responsable de los matte paintings.
Winston también se encargó del maquillaje del Pingüino. Para convertir a Danny DeVito en el archienemigo de Batman, fueron necesarias prótesis para su cara y un traje. Inicialmente eran necesarias sesiones de cuatro horas y media para ponerle tanto el maquillaje como el traje, que fueron reducidas a tres al final de rodaje. El relleno del traje tenía un peso aproximado de 27 kilos. La saliva negra que hecha por su boca, era enjuague bucal con un colorante alimentario, y antes de cada toma DeVito se lo echaba en la boca.
Para el traje de Catwoman, Burton tenía claro como quería que luciera. "Negro, brillante y gomoso," declaraba el diseñador de vestuario Bob Ringwood a Cinefantastique. Ringwood convirtió los dibujos del director en un traje real. El traje fue un engorro para Pfeiffer. "Fue el disfraz más incómodo que he llevado," declaraba la actriz al The Hollywood Reporter. "Tuvieron que empolvarme, ayudarme a ponérmelo, y luego envasarlo al vacío. Lo pintaron con un acabado de silicona para darle su brillo característico. Tenía esas garras, y siempre se me enganchaban. La máscara me aplastaba la cara y me asfixiaba… teníamos muchos problemas que solucionar." Entre ellos, no habían previsto que la actriz tendría que ir al baño con el traje puesto, así que tuvieron que modificarlo. Además la máscara apenas le permitía oír. Y un mal diseño de las botas provocaba que la actriz se inclinase hacia delante cuando se levantaba.
Hicieron mejoras en el traje de Batman, éste se ajustaba mejor al cuerpo de Keaton que el que había portado en la primera parte, y era más flexible, lo que le permitía moverse con más facilidad. "Lo cierto es que el nuevo traje de Batman se acerca mucho más al concepto original que teníamos para la primera película," explicaba Ringwood a la revista Starburst. "Ahora se parece más a una armadura que a un traje musculoso. También hemos modificado la máscara reforzando las cejas y la nariz, y cambiando la forma de los ojos y la barbilla."
Keaton y Pfeiffer habían mantenido una relación sentimental años antes del rodaje de Batman vuelve, y aunque sus escenas íntimas podrían resultar incómodas, la actriz lo negó, e incluso llegó a declarar que le ayudó el tener un pasado con Keaton. "Tenemos suficiente historia real entre nosotros como para que esas escenas funcionaran mejor," declaraba la actriz a Starlog, "pero no tanta como para que interfiriera."
Las escenas que Pfeiffer mantuvo con DeVito fueron otro cantar, como el actor no se salía del personaje, no paraba de gruñirle y le lanzaba miradas terroríficas a la actriz, de modo que Pfeiffer se apartaba de su compañero de reparto.
Uno de los momentos más chocantes de la película, es aquel en que un pájaro sale de la boca de Catwoman. Esta escena se rodó realmente sin el uso de efectos visuales, Pfeiffer se metió un pájaro vivo dentro de su boca. Por suerte, la escena se rodó en la primera toma.
Fue un rodaje duro para Burton. Además de tener que lidiar con una producción enorme, se sumaba la muerte de un amigo cercano y tenía problemas con su pareja.
Como director de segunda unidad, Burton contó con el editor Billy Weber, con quien había trabajado en La gran aventura de Pee-wee (1985), a sabiendas de que éste quería dar el salto a la dirección. La segunda unidad estaba compuesta por un equipo de entre unas 50 a 60 personas, y estuvo rodando a lo largo de 50 días. Entre las secuencias que cayeron entre las asignaciones de Weber estaban las persecuciones de coches, el prólogo con Paul Reubens y Diane Salinger, o escenas con los pingüinos.
Para la escena del baile de máscaras, al que acuden Bruce y Selina, Bob Ringwood y Mary E. Vogt tuvieron que crear más de 150 trajes en un plazo de 8 semanas, y Ted Shell se encargó de fabricar el mismo número de máscaras. En la escena, hace acto de aparición el Pingüino a través del suelo, tras provocar una explosión, para ese momento participaron más de 90 especialistas, de los cuales más de 12 salieron volando por los aires. 
No fue la única explosión que trajo complicaciones al rodaje. Para la escena en la que Catwoman vuela por los aires los grandes almacenes de Shreck, provocaron una gran explosión dentro del estudio. Para mayor seguridad, los bomberos estaban presentes y utilizaron dobles para los actores. "Las llamas salieron disparadas muy, muy lejos," contaba Stefan Czapsky, el director de fotografía, a American Cinematographer. "Creo que le quemaron la espalda a la mujer que hacía de doble de Michelle Pfeiffer."
Chris Lebenzon se convirtió en el editor de la película gracias a la ayuda de Daniel Waters, quien conoció a Lebenzon en El gran Halcón (1991), película de la que era guionista. El editor se convertiría en un miembro fijo del equipo de Tim Burton.
En los pases de prueba al público le gustó el personaje de Catwoman, pero moría al final de la película, el estudio quiso que el público supiera que seguía viva. De modo que dos semanas antes del estreno de la película, se filmó el plano de Catwoman emergiendo en el plano final de la película (que tuvo un coste aproximado de 250.000 dólares).
Danny Elfman regresó para componer la música de la película, y tras una difícil experiencia trabajando en la primera entrega, aquí fue todo sobre ruedas para el compositor, y se divirtió creando la música.
Batman vuelve llegó a las salas de cine el 19 junio de 1992 batiendo récords. Tuvo la mayor recaudación de la historia en el fin de semana de estreno, con unos increíbles 47,7 millones de dólares. Además fue la segunda película de la historia en alcanzar los 100 millones de recaudación más rápido (necesitó sólo 11 días), siendo la primera Batman que lo consiguió en 10 días. Su recaudación final en Estados Unidos fue de 162.924.631 de dólares (tercera película más taquillera del año en su país de origen), y su recaudación final a nivel mundial fue de 266.941.512 de dólares (sexta película más taquillera del año). Warner estimó que el presupuesto de la película fue de 55 millones de dólares, pero  la productora Denise Di Novi declaró a la revista Maclean’s que ascendía a 65 millones, lo que la convertiría en una de las películas más caras de la historia en el momento de su estreno.
Su éxito fue tal, que como recompensa, Warner les dio a sus empleados cuatro días de descanso durante el fin de semana del 4 de julio.
Pero no todo fue tan positivo en su estreno. La película resultó ser demasiado oscura para los niños, y recibió quejas por parte de padres enfurecidos. Además Warner vio el potencial de la película con el merchandising gracias a Batman, algo que quiso explotar totalmente, pero el tono oscuro de la película no ayudaba a venderla. "En la segunda, empezamos a recibir comentarios de McDonald's como: '¿Qué es todo eso negro que sale de la boca del Pingüino?'," contaba Burton a The Hollywood Reporter. Tanto las empresas jugueteras, como las de comida rápida no estaban a gusto con la película. Esa fue la razón por la que para la tercera entrega, Warner decidió pasar el testigo de la dirección a Joel Schumacher, y darle un toque más ligero a la franquicia.
La película recibió dos nominaciones al Oscar, en las categorías de mejores efectos visuales (Michael L. Fink, Craig Barron, John Bruno y Dennis Skotak) y mejor maquillaje (Ve Neill, Ronnie Specter y Stan Winston).

VALORACIÓN
Batman vuelve me parece un film superior a la primera entrega, le veo más personalidad, es más burtoniana, y eso me gusta, prefiero una adaptación de cómic con sus luces y sombras, con un artista detrás, que algo genérico que sea más fiel al cómic. 
Siempre se ha dicho que Batman vuelve, que el Caballero Oscuro se convierte en un personaje secundario en su propia película, no lo veo así, lo que sucede es que al tener cuatro personajes importantes, el guion trata de equilibrarlos, tanto, que al final los cuatro tienen el mimo nivel de protagonismo. No lo veo un problema, Batman siempre debe estar oculto en las sombras e intervenir en los momentos necesarios, y el resto de personajes son muy interesantes.
La película hace algo muy bien, y es que pese a tener un gran número de villanos (Pingüino, Catwoman, y Shreck), la película funciona, no hay sensación de saturación. Sigue siendo la película que mejor ha reunido varios villanos y lo ha hecho funcionar, una piedra en la que suelen tropezar la mayoría de películas del género.
Pero el guion tiene problemas, como por ejemplo, que Batman encuentre a la princesa de hielo, la mujer que secuestra el Pingüino, simplemente subiéndose a la azotea de un edificio, sin pistas, en una ciudad de las enormes dimensiones de Gotham, en plena noche, y al poco de suceder el secuestro. Todo el plan del Pingüino de tenderle una trampa al murciélago, depende de que éste encuentre a la mujer, pero todo es dejado al mero azar. Es un agujero de guion del tamaño de la batcueva. Además el guion una vez llega a la mitad de su metraje, se olvida de la subtrama de la planta de energía que quiere construir Shreck. Además, Catwoman se alía con el Pingüino para acabar con Batman, porque según dice, trató de matarla, pero parece que se olvida que su jefe trató de hacer lo mismo antes (y no en defensa propia como Batman), y no trata de vengarse de él, pero más tarde cuando llega la fiesta de máscaras, se acuerda que tiene ese tema pendiente y lleva un arma para acabar con Shreck. Esto sucede para que Catwoman y el Pingüino colaboren juntos como los villanos que son, pero resulta un tanto forzado. El guion parece que recupera una trama o idea cuando le interesa, o la deja de lado cuando no le conviene. A Burton lo que le interesa es la relación entre sus personajes y crear la atmósfera del mundo de Batman, y ahí la película brilla.
Batman vuelve es un festival de monstruos, los tres personajes principales (los tres animales) son unos freaks, seres rotos y con problemas, pero Burton no los juzga, de hecho, el verdadero villano de la película, el verdadero monstruo, es Shreck, en apariencia una persona "normal". Esa normalidad dentro del universo de Burton es el mal, y los freaks son unos incomprendidos, creo que Burton se puede identificar con los tres personajes principales. Esto es lo más interesante de la película, de una forma sencilla y condensada, tiene una visión satírica de la sociedad y también de la política, ya que muestra a un multimillonario manipulando a personas y a la sociedad para colocar a una persona en el poder para su propio beneficio, y llega a incentivar una serie de ataques (terroristas) a la ciudad para conseguir que el Pingüino sea elegido alcalde, alguien cuyos méritos son ser popular, y todo esto en el año 1992. Me parece una película muy adelantada a su tiempo.
Además es una oscura película navideña (como lo son Eduardo Manostijeras y Pesadilla antes de Navidad), bajo esa nieve blanca que cubre Gotham, se esconde algo oscuro.
Los actores están geniales, siendo los que más destacan Pfeiffer con su inolvidable Catwoman (uno de esos castings perfectos), y Walken como el terrorífico Shreck. DeVito es memorable como el Pingüino, pero al ser un personaje tan lascivo y horrible no cala tanto como la sutileza de Walken o el magnetismo animal de Pfeiffer. Pero me gusta su reinvención, en la anterior encarnación, la de Burgess Meredith en la serie de los 60, no dejaba de ser un personaje rechoncho con paraguas y que fumaba cigarrillos con boquilla (que aquí escupe cuando le ponen una en la boca), y la película abrazó totalmente la idea de que es un hombre-pingüino.
Me parece increíble que el diseño de producción de la película no fuera siquiera nominado al Oscar, cuando se trata de uno de las películas con uno de los diseños más espectaculares de los noventa. Es totalmente inmersiva y te mete de lleno en este mundo de Batman, el cual es una representación de la psique de Bruce Wayne/Batman. El diseño de tintes fascistas refleja como siente éste que es su ciudad, llena de corrupción y falta de libertad, donde un ser horrible (en todos los sentidos) va a ser elegido alcalde, y un millonario poderoso manipula a todos para obtener sus fines.
El Pingüino es el reflejo oscuro de Batman, al igual que él, es de alta cuna, no tiene a sus padres, usa todo tipo de gadgets, y tiene una guarida secreta, es en lo que Batman podría llegar a convertirse, en un ser lleno de odio.
Catwoman es un ser complejo, al igual que Batman tiene dudas sobre su identidad, el intento de asesinato de Shreck la hace despertar, y descubrir lados de su personalidad que desconocía. La apocada secretaria esconde un aminal feroz en su interior, y al ponerse el traje de Catwoman puede dar rienda suelta a sus instintos. Pero no sabe cual de las dos personas es, y eso la convierten un ser lleno de dudas. Sólo al final cuando decide acabar con su ex-jefe demuestra quien realmente es. Además está destinada a ser Catwoman, está rodeada de símbolos felinos, desde la gata que posee o el logo de la empresa de Shreck que es un gato, Catwoman está esperando a Selina para salir a la superficie. Los tres hombres de la película tratan de matarla en diferentes momentos, y los tres la lanzan desde las alturas, es una mujer chocando continuamente con el patriarcado, y aunque le cueste las nueve vidas, seguirá luchando por ser ella misma.
La mejor escena de la película es la del baile de máscaras, en el que las dos únicas personas que no las llevan son Bruce y Selina, precisamente quienes acostumbran a llevar una, como si la película nos dijera que su disfraz es de las personas que fingen ser en el mundo real, y realmente son los seres que muestran cuando se enfundan en sus trajes. Bruce y Selina descubren sus identidades secretas a través del diálogo sobre el muérdago, que ambos mantuvieron siendo Batman y Catwoman, y se preguntan si ahora tienen que ponerse a luchar. Esa escena define perfectamente a los personajes, y la relación de amor/odio entre Batman y Catwoman.
A Burton no le interesa satisfacer a los fans del cómic, se toma sus libertades, y toma decisiones curiosas, como la falta de protagonismo del comisionado Gordon, el dar de lado a Harvey Dent (que había sido presentado en la anterior película), o restarle minutos de pantalla a Batman, pero el director está tomando lo que más le interesa del universo de Batman, y llevándolo a su terreno, y eso me gusta, por lo menos va a por todas con ello y vemos una película con alma. Considero éste uno de los mejores trabajos de su carrera.
Es un gusto ver una película que no parece pensada para satisfacer a las compañías de juguetes y de comida rápida (como sí serían Batman Forever y Batman y Robin), hoy día sería impensable ver una película de Batman con Catwoman metiéndose un pájaro vivo en su boca, tener a un Pingüino lascivo del que sale bilis negra de su boca y come pescado crudo, ese beso con lengua que Catwoman le da a Batman, o al Pingüino soltar a Catwoman la frase (en versión original): "Just the pussy I've been lookin' for."
Batman vuelve es una gran película de superhéroes, posiblemente una de las mejores del género. El público no la trató demasiado bien en el momento de su estreno, pero creo que el tiempo la ha colocado en su lugar. Es una película desbordante de grandes ideas visuales (ese neón que pone "Hello There" en el apartamento de Selina, y que se convierte en "Hell There" después de que ella destroce el lugar), y profundamente atractiva, con algunos personajes que han quedado para el recuerdo, y que resulta realmente entretenida. Es extraña y oscura, pero también fascinante, irreverente, espectacular y satírica. El Caballero Oscuro estuvo de regreso con una gran aventura.

CURIOSIDADES
El nombre de Max Shreck es un homenaje al actor del mismo nombre, que protagonizó Nosferatu (1922).
Tim Burton declaró que prefiere Batman vuelve por encima de Batman.
Danny DeVito fue nominado al Razzie en la categoría de peor actor secundario.
Michelle Pfieffer reconocía que como movían continuamente los edificios de los sets de Gotham, se perdía en los escenarios.
Con el estreno de la película, se lanzaron videojuegos basados en ella para varias consolas como Game Gear, Master System, Genesis, Sega CD, Amiga, y también para MS-DOS.
En la oficina de Shreck, se puede ver al villano en fotos con Dean Martin, Elvis, Sammy Davis Jr. o Arnold Schwarzenegger. Éste último sería Mr. Freeze en Batman y Robin (1997).
Fue nominada a los premios Hugo a la mejor presentación dramática (Tim Burton, Daniel Waters, Sam Hamm y Bob Kane).
Fue nominada a los premios Saturn en las categorías de mejor película de fantasía, mejor actor secundario (Danny DeVito), mejor director (Tim Burton), mejor vestuario (Bob Ringwood, Mary E. Vogt y Vin Burnham) y mejor maquillaje (Stan Winston y Ve Neill).
La película utiliza el famoso grito Wilhelm, cuando Batman golpea a un payaso y lo lanza por el aire.

BIBLIOGRAFÍA
Cinefantastique Magazine (Vol. 23 Nº 1)
Cinefantastique Magazine (Vol. 23 Nº 2)
Impact Magazine (Nº 38)
Impact Magazine (Nº 39)
Mad Movies Magazine (Nº 77)
Mad Movies Magazine (Nº 78)
Fangoria Magazine (Nº114)
Fangoria Magazine (Nº 115)
Starlog Magazine (Nº 178)
Starlog Magazine (Nº179)
Starlog Magazine (Nº 180)
Starlog Magazine (Nº 181)
Starlog Magazine (Nº 183)
Starburst Magazine (Nº 167)
Starburst Magazine (Nº 168)
Tim Burton por Tim Burton (Mark Salisbury, 1995)
Movies (Los Angeles Times, 10 ene 1991)
Gotham Owes Its Look to the Third Reich (Los Angeles Times, 14 jun 1992)
‘Batman Returns’ to Potent Box Office (Los Angeles Times, 23 jun 1992)
Daniel Waters on 'Batman Returns' (Money Into Light, 2016)
Designing the set of ''Batman Returns'' (Entertainment Weekly, 19 jun 1992)
'Batman 3'! (Entertainment Weekly, 1 oct 1993)
Interview: Wesley Strick (We Are Cult, 10 ene 2018)
The Billy Weber Interview (We Are Cult, 3 jun 2020)
Batman's City Gets a New Dose Of Urban Blight (The New York Times, 14 jun 1992)
Batman Is Back, and the Money Is Pouring In (The New York Times, 22 jun 1992)
Two at the Wheel of the Batmobile (The New York Times, 5 jul 1992)
American Cinematographer Magazine (Jul 1992)
Shadows of the Bat: The Cinematic Saga Of The Dark Kinight (2005)
The Battle to Make Tim Burton’s ‘Batman’ (The Hollywood Reporter, 21 jun 2019)
The Wilhelm Scream (FilmSound)
Hollywood launches a blockbuster sequel (Maclean's, 22 jun 1992)
Danny Elfman interview – Raimi & Burton (FlexibleHead, 13 may 2019)
Batman Returns Official Movie Souvenir Magazine

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Tuesday, November 04, 2025

GoldenEye

"Siempre le han gustado los apretujones."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

James Bond tiene que volver a la acción, cuando una base rusa es destruida y roban una peligrosa arma secreta. 

BOND 17
Licencia para matar (1989) fue percibida como un fracaso, aunque 156.167.015 de dólares de recaudación mundial frente a un presupuesto de 32 millones no es precisamente un fracaso, pero sí es cierto que en la taquilla norteamericana no rindió bien (sólo recaudó 34.667.015 de dólares). Aún así, una tercera película con Timothy Dalton como 007 siguió adelante. Inicialmente tenía previsto su estreno en el verano de 1991, pero tendrían que pasar varios años, antes de que el público volviera a ver a James Bond de nuevo en la gran pantalla.
Richard Maibaum y John Glen, fijos de la saga como guionista y director respectivamente, no volverían para la película número diecisiete de Bond. El proyecto pedía sangre nueva.
Incluso Albert R. Broccoli, productor de la saga, y de avanza edad, cedió el desarrollo de la película en su hija Barbara Broccoli y su hijastro Michael G. Wilson, desempeñando Cubby un papel más secundario.
Para la tercera aventura del Bond de Dalton, Michael G. Wilson escribió un primer guion titulado simplemente como "Bond 17", y que implicaba a robots y que llevaría a Bond a Asia. Posteriormente sería contratado el televisivo Alfonse Ruggiero Jr. (Corrupción en Miami) para una reescritura. Los productores recurrieron a Disney para la creación de un robot, más concretamente a la empresa Imagineering, encargada de crear atracciones para los parques temáticos de la compañía del ratón, entre ellos los animatronics. Barbara Broccoli se reunió con Steven E. De Souza (Jungla de cristal) para trabajar en el guion, pero su agente pidió demasiado dinero, y el guionista se quedó fuera del proyecto (por esa razón De Souza despidió a su agente). Se rumoreó que también se tantearon a otros guionistas como John Byrum (El filo de la navaja) y Gloria y Willard Huyck (Indiana Jones y el templo maldito), pero no fue confirmado. En 1990, los productores recurrieron a la pareja de guionistas William Osborne y William Davies (Los gemelos golpean dos veces) para nuevas reescrituras, ambos trabajaron en el guion durante un año. Timothy Dalton sería el protagonista, cumpliendo así su contrato por tres películas. El guion estaba completo, el cual a Dalton le parecía que tenía una buena historia, que le llevaría por todo el mundo (Libia, Hong Kong, China, Vancouver y Las Vegas), y que implicaba el robo de un caza experimental. No había un director asignado, pero estaban tanteando varios nombres, algunos que sonaron fueron Ted Kotcheff (Acorralado), Roger Spottiswoode (quien dirigiría El mañana nunca muere años después) y John Landis (Un hombre lobo americano en Londres). Pero una disputa legal entre Danjaq (empresa de Broccoli) y MGM/UA retrasó la filmación de la película de forma indefinida.
MGM/UA tenía los derechos de distribución de la saga Bond desde Agente 007 contra el Dr. No (1962), pero el estudio atravesaba problemas económicos, y ahí entró Pathé Communications (cuyo dueño era el italiano Giancarlo Parretti), quien compró el estudio por 1.300 millones de dólares, el 1 de noviembre de 1990. Y pronto comenzaron los problemas por los derechos de Bond. Danjaq puso dos demandas contra MGM-Pathé Communications. La primera en octubre de 1990, antes de la fusión entre ambas compañías, para evitar que MGM-Pathé Communications vendieran los derechos televisivos extranjeros de las películas de James Bond a bajo coste, demanda que después modificó para conseguir una rescisión del acuerdo de distribución que tenía con MGM/UA, y tratar de conseguir una orden para bloquear la venta de los derechos. La siguiente se presentó en febrero de 1991, por firmar MGM-Pathé Communications una serie de acuerdos de licencia de las 16 películas de 007, por debajo del valor del mercado, para así financiar la compra de MGM/UA por parte de Pathé Communications. MGM/Pathe también puso una demanda a Danjaq por dañar su imagen. Todas las disputas legales se resolvieron en 1992. Ahora sí, Bond podía regresar al cine (curiosamente con producción de Danjaq y distribución de la resucitada United Artists). 
En enero de 1993, se le encargó el guion a Michael France (Máximo riesgo), quien partió de una idea original. El guionista se embolsó 400.000 dólares por su trabajo. En este punto se barajaba un presupuesto rodando los 40 millones de dólares.
El británico Michael Caton-Jones (The Jackal) fue considerado como director. Y contactaron con John Woo para saber si estaba interesado en hacerse cargo de la película, pero rechazó la propuesta. El director finalmente escogido fue el neozelandés Martin Campbell (La máscara del Zorro). Campbell llamó la atención John Calley, jefe de United Artists, con Escape de Absolom (1994), quien le llamó para ofrecerle el puesto.
Había dudas, de si después de tanto tiempo fuera de las pantallas, Bond estaba obsoleto o habría verdadero interés por él. "Cuando me ofrecieron el trabajo," contaba Campbell a la revista Cinefantastique, "me pregunté si Bond formaba parte de los 90 o si era un personaje arraigado en el pasado. Decidí que seguía siendo relevante, y que podía ser tan entretenido y exitoso como siempre."
Cuando Campbell entró en el proyecto le entregaron el guion de France, y quedó claro que necesitaba ser trabajado. Contrataron al guionista Jeffrey Caine (El jardinero fiel), quien mantuvo la idea de France del satélite con el impulso electromagnético y el robo, y aportó nuevos personajes (como el coronel Ourumov o Boris). Pero este guion aún no estaba pulido, de modo que, contrataron a Kevin Wade (Armas de mujer), quien trabajó en el guion durante un mes. Un último guionista entró para terminar el guion, y ese fue Bruce Feirstein (El mañana nunca muere). Tras finalizar su trabajo, el guion estaba listo. Jeffrey Caine y Bruce Feirstein fueron acreditados como guionistas, y Michael France sólo consiguió crédito como autor de la historia.
La idea inicial era estrenar la película en el verano de 1995, pero terminaría haciéndolo en noviembre del mismo año.

REPARTO
Como la demanda entre Danjaq y MGM-Pathé tardó varios años en resolverse, a Dalton no le ataba ya ningún contrato con Danjaq. Inicialmente, cuando comenzó el proceso de demanda, y su tercera película se pospuso, Dalton le expresó a Broccoli su interés de abandonar el personaje. Y por otra parte, MGM/UA quería un cambio de actor para Bond. Una vez la demanda se resolvió, Dalton cambió de parecer, y sí tuvo intención de realizar una película más de 007, pero Broccoli le explicó que después de tanto tiempo sin una película del agente británico, no podía volver para participar sólo en una única película, debería hacerlo en cuatro o cinco entregas. Eso implicaban muchos años atado al personaje, y Dalton decidió entregar su licencia para matar, haciéndolo oficial el 11 de abril de 1994. Se abría la puerta a un nuevo Bond.
Se tantearon varios nombres como reemplazo de Dalton, como los de Mel Gibson (quien había rechazado el papel a principios de los ochenta) o Ralph Fiennes. Se rumoreó que le ofrecieron el papel a Hugh Grant, pero el actor lo negó. Después del estreno de La lista de Schindler (1993), Barbara Broccoli llamó a Liam Neeson para saber si estaba interesado en interpretar a Bond, el actor lo estaba, pero la mujer de éste le dijo que si aceptaba el papel, no se casaría con él. Neeson lo dejó pasar.
Pero el papel estaba destinado para Pierce Brosnan. Su mujer Cassandra Harris había sido chica Bond en Sólo para sus ojos (1981). Y la primera película que vio al llegar a Londres, siendo un niño, desde Irlanda, fue James Bond contra Goldfinger (1964). El actor estuvo a punto de ser James Bond en 1986, y de protagonizar 007: Alta tensión (1987). Su popular serie Remington Steele (1982-87), había sido cancelada tras cuatro temporadas, y le ofrecieron el papel de 007, pero la NBC decidió hacer una temporada más (posiblemente para aprovechar la nueva popularidad adquirida por Brosnan). El actor tenía una clausula en su contrato que lo ligaba a la serie, y por la cual NBC tenía un periodo de sesenta días para revender la serie, pero Albert R. Broccoli sólo lo contrataría si estaba desvinculado de ella, aunque estaba dispuesto a que Brosnan rodara seis episodios, pero la NBC quería una temporada completa de veintidós. La cadena tenía sesenta días para dar una respuesta, y en el último día comunicaron su decisión de avanzar con la quinta temporada. Brosnan no pudo protagonizar 007: Alta tensión, puesto que ocupó Dalton (y Remington Steele fue cancelada tras la emisión de seis episodios). Ocho años después sería Brosnan sería quien tomaría el relevo de Dalton. El 1 de junio de 1994, Brosnan recibió una llamada de su agente confirmándole que sería el próximo James Bond, esta vez iba en serio. El actor firmó un contrato por tres películas, con la opción de una cuarta. Por GoldenEye cobró un sueldo de 4 millones de dólares.
Para dar vida a 006/Alec Trevelyan, los productores escogieron a Sean Bean, aunque inicialmente otros compromisos del actor hacían difícil su participación en la película, al final lograron una solución, y Bean se convirtió en la némesis de Bond.
Para el papel de la rusa Natalya Simonova, la nueva chica Bond, los productores buscaron a la actriz que le diera vida, por varios países de Europa, así llegaron hasta Suecia. Acudieron al agente más importante del país, quien les entregó una cinta con diferentes actrices, y entre ellas estaba Izabella Scorupco. La actriz estaba rodando la película Petri tårar (1995) en aquel momento, y su look encajaba con lo que buscaban. Finalmente fue escogida para el papel. Para interpretar a Natalya, la actriz se puso en buena forma física (lo cual odiaba), y llegó a perder cerca de 7 kilos. Esta fue la primera película en inglés de la actriz.
Para dar vida a la villana Xenia Onatopp, Campbell y Barbara Broccoli dieron con la holandesa Famke Janssen. Tras reunirse con ella, le pidieron ver algunas tomas de la película El señor de las ilusiones (1995) que estaba rodando (y que como GoldenEye, también era distribuida por MGM/UA). Después viajó a Londres para una prueba de pantalla, llegado a este punto, la actriz aún no sabía de que película se trataba, ni que papel le querían ofrecer. Pero les gustó y se convirtió en la villana de la película.
Fue idea de Campbell que M fuese mujer. Y el papel se lo ofrecieron a la prestigiosa Judi Dench.
Minnie Driver tiene el pequeño papel de Irina, una cantante que deja mucho que desear, y que es la amante de Valentin Zukovsky. La actriz estaba en aquel momento viviendo en Uruguay, y llevaba un año sin trabajar, y apenas le quedaba dinero. Su agente la llamó, y le preguntó si quería participar en la película, Driver no lo dudó un segundo.
El resto del reparto lo formaron Joe Don Baker (interpretando al agente de la CIA Jack Wade), Robbie Coltrane (como el mafioso ruso Valentin Zukovsky), Tchéky Karyo (en la piel de ministro de defensa ruso Dimitri Mishkin), Gottfried John (en el papel del villano coronel Ourumov), Alan Cumming (como el experto en informática Boris Grishenko), Desmond Llewelyn (retomando una vez más su papel de Q), y Samantha Bond (como la nueva Moneypenny).

RODAJE
Con un presupuesto de 55 millones, el rodaje comenzó el 16 de enero de 1995, y se alargó hasta el 6 de junio del mismo año, y tuvo un calendario de rodaje de 126 días.
Como es habitual en las películas de la saga Bond, el agente británico recorre varios lugares del mundo, de esa forma el rodaje llevó al equipo y a los actores a Puerto Rico, Suiza, Rusia, Mónaco, Francia, y Reino Unido. Utilizaron localizaciones tan espectaculares como el "Radiotelescopio de Arecibo" en Puerto Rico, y el famoso "Casino de Montecarlo" de Mónaco. 
Aunque los Pinewood Studios es el hogar de las películas de James Bond, para GoldenEye tuvieron que buscar un reemplazo, ya que no había espacio disponible, debido a que allí se estaba rodando El primer caballero (1995) (curiosamente protagonizada por Sean Connery), y lo encontraron en una antigua fábrica de motores de avión Rolls-Royce en Leavesden (Inglaterra). El espacio era tan grande que se comunicaban por teléfono móvil, lo que era un problema para la unidad de miniaturas, ya que podrían activar por error los explosivos que éstos utilizaban.
Phil Meheux, colaborador habitual de Campbell, fue el director fotografía de la película, quien escogió filmarla en Panavision en formato anamórfico.
Como era una producción enorme y compleja, Campbell decidió, con la ayuda de un artista, crear storyboards de todas las escenas de acción y que implicasen efectos visuales. Fue tan grande, que contó con cinco unidades rodando por todo el mundo. 
La primera escena que rodó Brosnan como Bond, no salió como estaba previsto, fue una que comparte con Robbie Coltrane, y en la que le apunta con su pistola. El actor se había cortado un tendón de la mano, y tuvo que llevar una férula hasta ese mismo día, pero cuando rodaron la primera toma, su dedo meñique pareció tener vida propia, y se puso recto. La toma quedó arruinada. Volvió a suceder lo mismo en la segunda toma. Para la siguiente, Brosnan decidió pegarse el dedo al arma con una tirita, y de esa forma pudieron conseguir la toma correcta.
El truco que realiza Boris con el bolígrafo, trajo de cabeza a Alan Cumming. Su amigo, el actor Jason Isaacs, que era todo un experto en trucos de magia, le ayudó a llevarlo a cabo.
Desmond Llewelyn se presentó su primer día de rodaje con un traje arrugado, según contó, lo llevó sin descanso durante dos semanas para tener un aspecto desaliñado, tal y como lo llevaría Q.
Janssen se metió tanto en su papel de villana, que envió a un actor al hospital. Aunque después ella misma salió mal parada, rodando la pelea entre Bond y Xenia en la sauna. El set estaba acolchado para evitar que los actores se lesionasen, y Janssen le pidió a Brosnan que la lanzara con fuerza contra una pared, el resultado fue que la actriz se rompió una costilla.
No fue la única que no salió bien parada durante el rodaje. Alan Cumming tuvo una mala experiencia rodando su muerte congelado por nitrógeno líquido. Vertieron sobre el actor hielo seco desde unos cubos, pero no todo el hielo estaba en estado gaseoso, de modo que le caían trozos sólidos de hielo seco en la cabeza, y se le pegaban al pelo y le quemaban. Después al actor le rociaban con agua para deshacerse del hielo.
Pero tal vez el accidente más doloroso, tuvo lugar cuando el especialista que conducía el Ferrari, en la carrera entre 007 y Xenia, lo estrelló, y cuyas reparaciones tuvieron un coste de 80.000 dólares.
GoldenEye está llena de grandes escenas de acción, tal vez la más impresionante es el salto de Bond desde una presa. Fue una idea de Martin Campbell, quien planificó la escena y creó el storyboard, pero sería filmada por la segunda unidad, liderada por Ian Sharp. Se rodó en la presa Verzasca de Suiza. El equipo estaba compuesto por unas 30 personas, necesitaron cerca de 10 días para rodar la secuencia porque sólo podían filmar durante 2 horas cada día, porque se quedaban sin luz. El especialista Wayne Michaels hizo realmente el salto, de cerca de 200 metros de altura. No sólo eso, además debía sacar una pistola antes de llegar abajo. Salió perfecto a la primera toma.
En el misma secuencia pre-créditos, tiene lugar otro stunt espectacular. El salto de la moto por el barranco, el cual se hizo también en Suiza. Y lo realizó el especialista Jacques Malnuit, quien saltó con un paracaídas. Repitió el salto hasta en siete ocasiones. Cuando llegó la primavera, volvieron para recuperar las piezas de las siete motos que utilizaron, y que quedaron desperdigadas en el fondo del barranco. De este momento también se encargó la segunda unidad.
Rodar en San Petersburgo no fue fácil. Algunos actores debían viajar a la ciudad rusa, pero por miedo a la mafia que operaba en la ciudad, los productores cambiaron de idea, y filmaron sólo lo imprescindible en ella, buscando alternativas para el resto de escenas. Por ejemplo, la escena de la iglesia rusa con Boris y Natalya, los interiores se rodaron en una iglesia de Bayswater (Londres).
Las cosas se pusieron turbias cuando tocó rodar la persecución del tanque (una idea del supervisor de efectos especiales Chris Corbould), la cual iba a rodarse completamente en San Petersburgo, y para la que tenían todos los permisos. Pero un día tropas rusas se presentaron en el set y amenazaron con abrir fuego si las cámaras comenzaban a rodar. Todo era una maniobra de un funcionario ruso que quería cobrarle a la productora 3 millones de dólares por unos permisos, algo que solucionaron los productores, reuniéndose con un ministro en plena noche. Pero sabían que sólo habían ganado unos días, y que los problemas persistirían, de modo que decidieron rodar sólo una parte de la secuencia en San Petersburgo, y el resto hacerlo en unos decorados que construyeron en Leavesden en tan sólo 6 semanas. Toda la secuencia requirió de 5 semanas de duro trabajo, y sólo filmaron en la cuidad rusa durante 10 días. Ian Sharp, director de segundad unidad, se encargó de rodar la escena, y Harvey Harrison fue el responsable de la fotografía. Después, el equipo de la primera unidad filmó planos que encajaban con los filmados por la segunda. Utilizaron varios tanques soviéticos T-55, que tenían una potencia increíble. En una ocasión, uno de ellos derribó una pared y de postre aplastó una cámara.
La pelea final entre 007 y 006 tiene lugar en una enorme antena en Arecibo (Puerto Rico). Sólo permitieron al equipo de rodaje filmar los domingos, por lo que Ian Sharp rodó con dobles en el lugar, y en estudio Campbell filmó en pantalla verde la pelea entre Pierce Brosnan y Sean Bean (quienes estuvieron seis semanas ensayando la escena). El supervisor de efectos especiales, al que le encargaron colocar los explosivos (squibs) para simular los impactos de bala, en el largo puente de la antena, padecía de vértigo, y lo hizo de rodillas y sudaba a mares (Campbell también tenía miedo a las alturas, por eso le encargó a Sharp rodar en Arecibo). El resto de la escena se completó con miniaturas creadas por el equipo de Derek Meddings, que creó una réplica de la antena en escala 1:20, y que medía 15 metros de ancho, y también unas miniaturas de ambos actores operadas por cables. Para la destrucción final de la antena, y filmar todo el material que necesitaban, el equipo de Meddings tuvo que destruirla en tres ocasiones, siendo ésta reconstruida después de cada toma.
El equipo de miniaturas de Derek Meddings obró milagros en la película. El equipo compuesto por 14 artistas en Leavesden, creó para la secuencia pre-créditos, dos miniaturas de la fábrica de gas venenoso, una de gran tamaño para los primeros planos; y otra más pequeña, con un enorme paisaje de los Alpes, para los planos generales. Para la destrucción de la fábrica, destruyeron la maqueta pequeña con explosivos, algo que tuvieron que hacer en dos ocasiones.
Para la secuencia de Severnaya, y que implicaba la aparición de tres MIG rusos, la producción optó por el uso de miniaturas, antes que usar cazas reales por las complicaciones logísticas que implicaría en Rusia. Todo el set de la antena y los exteriores nevados, se crearon mediante una miniatura en estudio.
Para componer la música, primero recurrieron al clásico compositor de la saga, John Barry, pero rechazó la oferta. Otros pocos compositores también rechazaron el cargo. Y a Campbell se le ocurrió recurrir a Éric Serra, ya que le gustaba su trabajo en El profesional (Léon) (1994), y podría actualizar a 007 a los noventa. Pero Serra resultó chocar con el director en una escena. El tema que compuso con sintetizadores para la persecución del tanque, estaba en el mismo registro que el sonido de la película, por lo que la música quedaba anulada. Campbell llamó a Serra para explicarle la situación, y para que utilizara el famoso tema de Bond en la secuencia de forma tradicional, pero el compositor se negó, y su respuesta fue que bajaran el volumen de los efectos de sonido, ese fue el final de la conversación. Al final fue el orquestador de Serra, John Altman, quien se encargó de hacer los arreglos del tema de Bond en la secuencia. Serra reconocería años después haber cometido un error en esa escena.
El canción de la película, de título homónimo, fue compuesta por Bono y the Edge, miembros del grupo U2, y cantada por Tina Turner. Convirtiéndose en una de las más populares de la saga.
Los títulos de crédito también conocerían sangre nueva, tras la muerte de Maurice Binder, responsable de los créditos de la mayoría de películas Bond desde Agente 007 contra el Dr. No (1962), tocaba buscar un reemplazo, y ese fue Daniel Kleinman. El director había creado el videoclip para Gladys Knight de su tema para Licencia para matar (1989), que era un homenaje a los créditos creados por Binder, y fue su puerta de entrada a GoldenEye. Para la película, Kleinman tuvo la idea de que los créditos mostraran el paso del tiempo entre el teaser inicial y la posterior película, mostrando los cambios políticos que se produjeron en ese tiempo, con el fin de la Guerra Fría. Kleinman se convertiría en el responsable de los créditos de la saga.
Para promocionar la película, Joe Nimziki creo un excelente teaser, que sirvió con presentación de la película a todo el mundo, y lanzó el hype por verla hasta las nubes.
El estreno de GoldenEye tuvo lugar el 17 de noviembre de 1995, y resultó ser un enorme éxito comercial. Su recaudación en territorio norteamericano fue de 106.429.941 de dólares (sexta película más taquillera del año) y la recaudación final a nivel mundial fue de 352.194.034 de dólares (segunda película más taquillera del año, con los sucesivos reestrenos de Toy Story el film de 007 pasaría al tercer puesto). Bond volvía a estar de moda.

VALORACIÓN
GoldenEye fue el regreso de James Bond por todo lo alto, los años de espera por una nueva aventura del agente británico merecieron la pena. La película lograba renovar al personaje, y al mismo tiempo mantener intactas sus señas de identidad.
La película supo adaptarse a los tiempos, tras Mentiras arriesgadas (1994), que elevó las apuestas en lo que se refiere cine de acción y espionaje, Bond ofreció su película más espectacular hasta la fecha, con algunas de las mejores escenas de acción de la saga, convirtiéndose en una non stop action.
Y trajeron de vuelta todos los ingredientes necesarios en una película de 007, no faltan los martinis con vodka mezclados, no agitados, el Aston Martin DB5, los gadgets, las chicas Bond, las localizaciones exóticas, las bases secretas de los villanos, el esmoquín, la escena en el laboratorio de Q, y el "Mi nombre es Bond. James Bond." De esa forma los fans tenían los ingredientes que siempre han querido.
GoldenEye parte de una idea que rondaba en el momento del estreno, si el mundo tras el fin de la Guerra Fría seguía necesitando a Bond. Y usan eso como parte de la trama, de una forma un poco meta. M lo llama dinosaurio, y Moneypenny lo acusa de acoso sexual. La escena que comparte con 006 en un cementerio de antiguos símbolos y estatuas soviéticas, es la que mejor lo representa, tanto Bond como Trevelyan son también reliquias de otra época ya extinta. El mundo ha cambiado, pero 007 sigue siendo el mismo. Esto está muy bien integrado en la historia, la película es consciente que no pueden hacer las mismas películas de Bond que antes, y la actualizan, consiguiendo que el personaje siga siendo el de siempre en este nuevo mundo, es algo que parece fácil, pero no lo es, porque Bond debe resultarnos simpático, y no deja de ser un asesino y un misógino. Ese es uno de los grandes aciertos de la película.
Otro elemento que brilla son la escenas de acción, todas excelentes, donde destaca la secuencia pre-créditos (con ese impresionante salto en la presa) y la persecución del tanque. Pero luego está llena de pequeños momentos de acción que me gustan, como la huida de Bond y Natalya del cuartel ruso, rodado de forma enérgica por Campbell, o la lucha final entre 007 y Xenia, con ella muriendo irónicamente estrujada contra un árbol.
Bond se enfrenta a 006, un buen adversario, que muestra en lo que podría haberse convertido si se hubiera acercado al lado oscuro, pero Bond jamás se convertiría en alguien como Alec Trevelyan, él será siempre fiel a su país, y es un agente que siempre cumple su misión. El enfrentarlo cara a cara con alguien tan parecido, provoca que se defina mejor el personaje de Bond.
Brosnan fue el Bond del público, todos queríamos verlo como 007, porque siempre fue 007, incluso antes de serlo. Está es su mejor película de la saga. Y creo que el irlandés fue un buen Bond, supo aportar encanto al personaje, y al mismo tiempo mostrarse como un asesino de su gobierno, que puede ser despiadado si lo necesita. Era un amalgama de Sean Connery y Roger Moore, la imagen idealizada de lo que debería ser Bond, y lo fue. Creo que Brosnan salió beneficiado de no haber sido Bond en los ochenta, y sí en los noventa, además del largo hiato por los problemas judiciales que habrían frenado su era, en los noventa era más adulto, y creo que eso aporta cosas al personaje, un hombre que ha vivido muchas cosas.
Famke Janssen fue todo un descubrimiento, y roba cada escena en la que aparece como la sádica Xenia. Se come con patatas a Izabella Scorupco, que poco puede hacer con su personaje, que si bien no es la típica damisela en apuros que bebe los vientos por Bond, y se muestra como una mujer fuerte, no resulta memorable.
Pero a quien hay que darle todo el mérito por GoldenEye, ese es a su director Martin Campbell, quien tiene el honor de haber renovado no una, si no dos dos veces la saga Bond, creando dos de las mejores películas de la misma. Capta perfectamente el tono que debe tener una película de 007 (el encanto del agente, el uso del tema Bond en el momento adecuado, la potencia de las escenas de acción), pero al mismo tiempo lo moderniza y de paso le da un gran ritmo a la historia.
El punto negativo de la película es la anticlimática banda sonora de Eric Serra, la peor con diferencia de toda la saga, y que en muchas ocasiones te saca de la película y resulta un tanto molesta. Aunque reconozco que hay momentos en que me funciona, como en la huida de Bond y Natalya del cuartel ruso, o en la batalla final en la antena, pero es un partitura decepcionante, que recuerda demasiado a El profesional (Léon), sólo que esa música no sienta bien a Bond.
Me gusta el plan del villano de cometer el robo del siglo, lo que la emparenta con otra película "dorada" de la saga (James Bond contra Goldfinger).
Y siempre me molestó que nos pusieran los dientes largos con el BMW lleno de gadgets, pero después Bond nunca los utilizara.
GoldenEye es una de las mejores película de 007. Ya desde la escena pre-créditos sabemos que estamos ante una producción especial dentro de la saga. Actualizó el personaje para un público moderno, y le dio a los fans de siempre una aventura excelente. Brosnan comenzó su era de la mejor forma posible. Bond estaba de vuelta en el cine en mejor forma que nunca.

CURIOSIDADES
Martin Campbell tiene un cameo, como uno de los ciclistas con los que se cruzan Bond y Xenia durante su persecución.
Fue Bruce Feirstein quien ideó el nombre de Xenia Onatopp, en la tradición de otras chicas Bond como Pussy Galore.
Joe Don Baker, quien da vida a Jack Wade, interpretó al villano Brad Whitaker en 007: Alta tensión (1987). Repetiría el papel de Wade en El mañana nunca muere (1997).
La película fue nominada a dos premios BAFTA, en las categoría de mejores efectos especiales (Chris Corbould, Derek Meddings y Brian Smithies) y mejor sonido (Jim Shields, David John, Graham V. Hartstone, John Hayward y Michael Carter).
El productor Michael G. Wilson tiene un cameo, como miembro del consejo ruso.
Martin Campbell rechazó las siguientes películas de 007 de Brosnan.
GoldenEye era el nombre de la casa que Ian Fleming tenía en Jamaica, donde escribía las novelas de James Bond.
El coche que Bond conduce en la película es un BMW Z3.
El 1 de junio de 1995, Roger Moore visitó el set para saludar a su hijo Christian Moore, quien trabajaba en GoldenEye como tercer asistente del director.
La película está dedicada a Derek Meddings, quien murió después del rodaje.
En 1997, salió al mercado un exitoso videojuego basado en la película, para la consola Nintendo 64.

GADGETS
Pistola láser y arpón: Tiene la doble función de disparar un arpón y además posee un láser. Bond la utiliza para acceder a la fábrica de gas venenoso, en la secuencia pre-créditos.

Decodificador de puertas: 007 y 006 lo utilizan para abrir las puertas con código de la fábrica de gas venenoso.

Cámara trasmisora: Bond saca fotos de Xenia y el barco Manticore que son enviadas directamente al MI6.

BMW Z3: Coche con las habituales mejoras de Q, como misiles o autodestrucción.

Cinturón: Lanza un pequeño arpón unido a una cuerda de rapel de 22 metros de longitud.

Bolígrafo bomba: Al pulsarlo tres veces activa un fuerte explosivo.

Reloj láser: Además de poseer un láser, también puede activar bombas a distancia.

GoldenEye: Satélite que puede enviar desde el espacio impulsos electromagnéticos a cualquier lugar la Tierra.

BIBLIOGRAFÍA
Pierce Brosnan on GoldenEye: crazy stunts and thigh-crushings from Xenia Onatopp (The Guardian, 4 feb 2019)
007 Magazine Redux Edition (Nº 29)
Liam Neeson Has Some Regrets (Rolling Stone, 20 feb 2023)
American Cinematographer (Dic 1995)
Impact Magazine (Nº 56)
Impact Magazine (Nº 60)
Cinefantastique Magazine (Vol. 21, Nº 4)
Cinefantastique Magazine (Vol. 26, Nº 6)
Cinefantastique Magazine (Vol. 27, Nº 2)
007 Producer Fires Legal Salvo At MGM (Variety, 17 feb 1991)
Credit Lyonnais bank shot falls short (Variety, 2 mar 1993)
Bond set for 0017th (Variety, 13 may 1993)
Dalton bails out as Bond (Variety, 12 abr 1994)
A summary of Southern California-related business litigation developments during the past week (Los Angeles Times, 15 oct 1990)
Is James Bond still a Big Gun? (Entertainment Weekly, 17 nov 1995)
Pierce Brosnan had to tape his unruly pinky finger to a gun to film his first James Bond scene: 'Sorry!' (Entertainment Weekly, 3 abr 2025)
Nobody Does it Better: The Complete, Uncensored, Unauthorized Oral History of James Bond (Edward Gross y Mark A. Altman, 2020)
Hugh Grant on playing James Bond (Independent, 9 oct 2014)
Ten Thousand Bullets: The Cinematic Journey of John Woo (Christopher Heard, 1999)
Jeffrey Caine Interview (MI6, 16 oct 2007)
Interview with Daniel Kleinman (The GoldenEye Dossier, 25 ene 2013)
‘Cleaner’ Director Martin Campbell on Combating ‘Die Hard’ Comparisons, Looking Back at His Bond Legacy and Turning Down ‘The Mask of Zorro’ Three Times (Variety, 21 feb 2025)
Revista Imágenes de actualidad (Nº 143)
Eric Serra, l’interview: GoldenEye, Le Grand Bond (Club James Bond France, 7 may 2022)
The Making of GoldenEye (Garth Pearce, 1995)
Ian Sharp Interview (The Flashback Files)

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Monday, October 06, 2025

Escalofrío

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un padre de familia dice tener unas visiones, en las que Dios le ha dado una lista de personas a las que matar. Sus hijos se verán arrastrados a una espiral de violencia y muerte.

FRAGILIDAD
Cuando Brent Hanley escribió el guion de Escalofrío (Frailty, 2001), seguramente no sabía que estaba dando vida a una de las mejores películas de terror de los 2000, sobre todo por ser un guion autobiográfico. "Es una miríada de cosas," contaba el guionista a DVD Talk. "Crecí en Texas, el cinturón de la Biblia, crecí en la iglesia, algo así como criado por mi abuela, que era una bautista del sur. Así que me sentaba en la parte de atrás de la iglesia hojeando el final de la Biblia para leer sobre todas las cosas oscuras que iban a suceder allí, y también todas las cosas oscuras que entraban en la Biblia en el Antiguo Testamento." Hanley tomó inspiración de diferentes fuentes para escribir el guion, además de la Biblia, se fijó en Hitchcock, en La noche del cazador (1955), y en la música de Leonard Cohen.
El guion se ofreció a todos los grandes estudios, y todos lo rechazaron. Después se ofreció a las productoras y llamó la atención de David Kirschner (Muñeco diabólico), quien tuvo una opción sobre el guion. Con la ayuda del productor, Hanley escribió un segundo borrador, lo que le llevó unos seis meses.
La mayor diferencia entre ambos guiones tenía que ver con el personaje del sheriff Doyle, originalmente era a su hija a la que habían asesinado y no a su madre, como sucede en la película.
Con el guion terminado, necesitaban buscar a un director que se interesara en el proyecto. Necesitaron un año para armar toda la película.
Kirschner le ofreció a Bill Paxton el papel de Papá Meiks, pero éste se interesó tanto por el proyecto que también quiso sentarse en la silla del director. "Leí el guion y me asustó muchísimo," reconocía Paxton a la BBC. "No podía dejar de pensar en ello. [...] Pensé que la forma de hacerlo era implicar el horror y no mostrarlo, como Alfred Hitchcock o Robert Aldrich." El ambiente le era familiar, y vio que era el material perfecto para hacer su debut como director. "Conocía el paisaje," confesaba Paxton en la notas de producción de la película. "Conocía a los personajes. Conocía los parámetros de este tipo de historias gracias a mi trabajo en Un plan sencillo (1998), Un paso en falso (1992) y Traveller (1997). Aprendí mucho trabajando con directores como Sam Raimi. Y pensé, puedo hacer esto." A Kirschner le gustaron las ideas de Paxton y lo contrató como director. Sus influencias para crear Escalofrío fueron entre otras, La noche del cazador (1955), Psicosis (1960), Canción de cuna para un cadáver (1964), Sola en la oscuridad (1967), A sangre fría (1967), y La zona muerta (1983). Y le pidió ayuda a su amigo James Cameron, "quien me ayudó en una o dos áreas," según contaba el director a la BBC.
Paxton construiría la película para que en un segundo visionado el espectador captara cosas diferentes que en el primero. "Si sólo has visto la película una vez, sólo has visto la mitad de la película," explicaba el director a One Guy's Opinion. "Es un gran placer para el espectador que conoce la historia y sabe a dónde conducirá todo la segunda vez, porque en realidad hay muchas pistas arrojadas casi cada segundo de la película."

REPARTO
Paxton se quedó con el papel de Papá Meiks. Y para una historia situada en Texas, el director (originario de ese estado) decidió rodearse de un reparto principalmente texano, ya que quería que su película tuviera, "un sonido auténtico," según contaba Paxton al Austin Chronicle.
Paxton conoció a Matthew McConaughey (nacido en Uvalde, Texas) cuando rodaron juntos U-571 (2000), y le ofreció el papel de Adam Meiks, que fue un cambio de rumbo para la carrera del actor. "Venía de Planes de boda (2001) y estaba buscando algo oscuro y atrevido," contaba McConaughey en declaraciones recogidas en The Guardian. "Pensé que tenía la oportunidad de ser un gran misterio." Para interpretar a su hijo, Paxton le aconsejó a McConaughey que se fijara en Robert Mitchum en El cabo del terror (1962). La participación de McConaughey fue crucial para el proyecto, una vez su nombre y el de Paxton se asociaron a él como actores, Lionsgate le dio luz verde a la película y garantizó un estreno en 1.500 salas. "Tengo una gran deuda con Matthew," afirmaba Paxton a One Guy's Opinion, "porque sin su participación la película no se habría hecho."
Tras conseguir a McConaughey, Paxton fue a por el actor que interpretase al agente del FBI Wesley Doyle. Durante el rodaje de Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp (1993), Paxton había conocido a Powers Boothe (de Snyder, Texas) y se hicieron amigos. Cuando leyó el guion, pensó en él para el papel de Doyle, y cuando Boothe a su vez leyó el guion le encantó. "Como actor, cuando obtienes un texto real como este guion," contaba Boothe en las notas de producción de la película, "con algunas palabras que estimulan tu intelecto y emociones al mismo tiempo, es bastante raro."
Para el papel del sheriff Smalls, Paxton contrató a Luke Askew. "Es otro gran actor regional de muchas películas de los años setenta, y que estuvo en mi película Traveller," contaba el director al Austin Chronicle.
Para Paxton era crucial encontrar al actor idóneo para interpretar al joven Fenton. "Lo único que sabía era que si no tenía al niño, no tenía película," reconocía el director a Now Toronto. Tras realizar audiciones a niños de Los Angeles, Nueva York y Chicago, se decantó por Matt O'Leary, que acababa de protagonizar Falsa identidad (2001) con John Travolta. "Cuando leyó el papel," afirmaba Paxton a One Guy's Opinion. "Cuando leyó algunas de las escenas intensas, pude ver que no estaba dando lástima. Muchos actores infantiles están mal dirigidos, realmente usan la carta del sentimentalismo. Me encantó que su actuación no pidiera autocompasión; es una actuación muy estoica y heroica. Sin su interpretación, por fuerte que sea, la película no tendría el peso que tiene." Originario de Chicago, tuvieron que conseguirle un profesor para que tuviera un adecuando acento texano. El joven actor estaba encantado de participar en la película. "Me gustó mucho el guion y fue una película divertida en la que trabajar," contaba O'Leary en las notas de producción. "Aprendí mucho, especialmente de Bill Paxton."
Para el papel del joven Adam, hermano de Fenton, el escogido fue Jeremy Sumpter, que fue su debut en el cine.
El resto del reparto lo formaron Levi Kreis (Fenton Meiks en su versión adulta), Derk Cheetwood (como el agente Griffin Hull), y Missy Crider (en la piel de Becky Meiks).

RODAJE
Con un presupuesto estimado de 11 millones de dólares, la fotografía principal comenzó el 9 de octubre 2000, y terminó el 11 de diciembre del mismo año, con un calendario de rodaje previsto de 37 días. 
Paxton veía la película como, "una especie de gótico sureño, gótico de Texas," según explicaba a One Guy's Opinion. Pero por razones presupuestarias no fue posible rodar en Texas, y tuvo que hacerse en diferentes localizaciones de California. El rodaje se fue desplazando por todo el estado dorado, para recrear la ficticia Thurman y sus alrededores. El hogar de los Meiks estaba realmente en Sun Valley, la granja donde Papá Meiks encuentra el hacha se situaba en Wasco, la sede del FBI no estaba en Dallas si no en Los Angeles, en Whittier se encontraba el colegio de Adam y Fenton, y la casa de Brad White estaba situada en Orange. Utilizaron localizaciones californianas de lo más curiosas, como una gasolinera de West Covina diseñada por Frank Lloyd Wright, que parecía sacada de algún paisaje sureño.
El no poder rodar en Texas implicaba utilizar muchas localizaciones para crear el ambiente necesario, en ocasiones incluso para componer una sola escena. Como, por ejemplo, aquella en que los dos niños bajan del autobús, para la que se necesitaron cuatro localizaciones distintas. La escena con el pueblo y el autobús se filmó en Orange, cuando ambos caminan por la rosaleda era Huntington Gardens, el siguiente corte es el exterior de una casa en Sun Valley, y los interiores de la casa se rodaron en un estudio.
Recrear el Texas de finales de los 70 no fue fácil, por ejemplo, encontrar una antigua lata de cerveza de la marca Ham fue casi imposible, al final sólo pudieron hacerse con una, de modo que Paxton se pasó toda la película usando la misma lata, fingiendo que se trataba de varias distintas.
Y la producción se topó con algunos retos logísticos, como cuando tuvieron que rodar la parte en la que Papá Meiks hace que Fenton cave un gran agujero en el jardín de su casa. Dado el ajustado calendario de producción, se quedaron sin tiempo para agrandar el agujero, ya que debían seguir rodando en esa localización. Pero el director artístico Kevin Cozen, dio con la solución, tapar el agujero con una caseta, y mientras rodaban otras escenas, seguían cavando debajo, sin estar a la vista de nadie.
El director contó con el artista David Ivie para crear los storyboards de la película. "Yo haría algunos de los dibujos preliminares y luego David haría el dibujo final," contaba Paxton en las notas de producción. "Quería que el mundo de la película fuera muy hermoso, aunque se vuelve muy horrible." De esa forma le fue dando forma al estilo visual de la película.
A eso también ayudó otro de los miembros del equipo de los que se rodeó Paxton, quien contrató como director de fotografía al veterano Bill Butler (Tiburón), porque quería darle a Escalofrío, un look de viejo estudio. Fue el productor David Blocker, quien le recomendó a Butler, con quien había trabajado en la película para televisión Don King: Only in America (1997). Butler tuvo una gran colaboración con Paxton, quien estaba encantado de trabajar con el veterano camarógrafo.
Butler se lució al rodar la escena del viaje en coche de McConaughey y Boothe durante la tormenta. Aunque cueste creerlo, toda la escena se rodó en estudio y no en exteriores. Mediante el uso de luces, lluvia artificial y máquinas de viento, creó la ilusión de que el coche estaba en movimiento. Fueron necesarias 25 personas para trabajar en la iluminación de la escena.
Cuando rodaron por primera vez la escena en la que Papá Meiks toca a su primera víctima, usaron una cámara estática, y el resultado no fue nada satisfactorio. Tuvieron que rodarla de nuevo, pero esta vez haciendo que la cámara se moviera de forma manual.
Paxton también quería para la música a un compositor de estilo clásico, y se dio la casualidad que utilizaron como partitura temporal, temas de las películas Sirenas de la muerte (1999), Panic (2000) y Dream Valley. Área maldita (2000), las tres compuestas por Brian Tyler, y Paxton quiso conocerle. "Bill sólo estaba escuchando la música," contaba Tyler a Soundtrack.net, "sin saber quién era el compositor, y realmente le gustó como ésta sonaba 'a vieja escuela'." Paxton y el compositor se conocieron, y tras la sorpresa por la juventud del segundo (quien no había cumplido los treinta), hubo buen entendimiento entre ellos, y de esa forma Tyler entró en el proyecto. "Escalofrío fue una partitura hecha a la antigua," contaba Tyler a BSO Spirit. "Pasé día y noche en lo básico: componer los temas y escribir notas. Bill y yo nos comunicamos a través de las costumbres de los viejos maestros como Hitch y Herrmann. Preferimos previsualizar temas en el piano, en lugar de hacer que la computadora produzca maquetas midi. Fue una bendición. Me sentaba allí con Bill y tocaba el piano mientras él escuchaba. La orquesta fue grabada en una enorme sala para ese sabor gótico de antaño."
Trabajar con niños nunca es fácil, y Kirschner admiró como Paxton trató con O'Leary y Sumpter. "Hubo momentos en que los mantuvo atados con una correa corta, y momentos en los que bromeó con ellos," contaba el productor en las notas de producción. "Realmente sabía cómo equilibrar lo que estaba sucediendo. Bill tenía conversaciones con los chicos, les explicaba la forma en que veía la escena, pero nunca se imponía como actor. Siempre los animó a traer algo propio a cada escena. Fue realmente fascinante de ver."
Fue idea de Paxton darle el nombre de Otis al hacha de su personaje, algo que no estaba en el guion original. "Hubo dos razones para eso," explicaba Paxton al Austin Chronicle, "en realidad, la primera es que realmente era un personaje de la película, ya sabes, [el asesino en serie] se lo encuentra en el granero con la luz del cielo brillando sobre él, y realmente quería antropomorfizarlo. La otra razón fue que, cuando, en el clímax, este cierto personaje lo alcanza, quería que la audiencia se diera cuenta de inmediato de que se trataba del mismo hacha."
Paxton le mostró al director Jonathan Mostow (Breakdown) un primer montaje de la película, y éste le hizo algunas sugerencias, de las que Paxton tomó nota.
Y James Cameron llegó también en la fase de montaje para ayudar a Paxton. Según el guion, se mostraban las visiones en el momento en que Papá Meiks llevaba a cabo los asesinatos o secuestros, pero tras ver un primer montaje, el director de Terminator le aconsejo a Paxton que no los mostrara hasta el final. Según cuenta Paxton en los comentarios del director, "él dijo: 'Debes recordar que la película es tan literal que vas a dividir a la audiencia, y muchos de ellos van a creer que Papá realmente está viendo todas estas cosas, y no quieres que eso suceda porque quieres que vayan con Fenton'."
Durante los pases de prueba, el público tuvo problemas con la escena del primer crimen, que envuelve a una mujer atada y amordazada, les causó tal impacto, que varias personas salieron de la sala.
Para promocionar su película de terror, Paxton creyó que sería una buena idea que Stephen King viera la película, y que con suerte, si le gustaba, hiciera una reseña positiva, algo que el habitante más popular de Maine hizo. Y algunos directores amigos de Paxton como James Cameron y Sam Riami también apoyaron positivamente la película.
Lionsgate retrasó la fecha de estreno en dos ocasiones, supuestamente para cumplir con su prepuesto trimestral. La película llegó a las salas de cine de Norteamérica el 12 de abril de 2002, pese a las excelentes críticas, recaudó sólo 13.110.448 de dólares en territorio norteamericano. La recaudación final a nivel mundial fue de 17.423.030 de dólares.

VALORACIÓN
Escalofrío es una de las mejores películas de terror de los 2000, y lo es sin apenas mostrar sangre, utilizando los resortes del cine clásico. La película capta a la perfección ese estilo de vieja escuela que quería Paxton, podría ser una película perfectamente hecha en los 60 ó 70, tanto por estilo (se apoya más en el suspense y en los personajes que en lo grotesco), como por técnica (ese zoom vértigo, o ese plano de la cabeza de Fenton flotando, parecen obra del mismísimo Hitchcock).
Sorprende la seguridad de Paxton detrás las cámaras, da la sensación de que llevara todo la vida dirigiendo. Escalofrío es la obra de un director de talento y maduro, con un gran pulso para el suspense, y que sabe sacar lo mejor de sus actores.
Está llena de grandes momentos. Destaca el plano de Fenton escondiéndose en las sombras después ver como su padre mata al sheriff, que refleja lo que le sucede al personaje, caer en la oscuridad arrastrado por la locura de su padre. Me gusta como rueda el secuestro de su segunda víctima (con un excelente plano circular), jugando con la información que poseemos, que es la misma que tiene Fenton. Paxton crea tensión al mostrarlo desde el punto de vista del niño, y como éste teme que su padre vea al anciano al salir de la tienda. 
Y la muerte del sheriff está cargada de suspense, Fenton intenta delatar a su padre, a quien no le deja otra opción que matar al sheriff para no ser descubierto, lo que sucede es que no sabemos en que momento lo hará.
Escalofrío habla de la fe, sea del tipo que sea. Papá Meiks mata y muere por su fe, tanto religiosa como la que pone sobre su hijo, el no creer que pueda ser un demonio, el dudar de Dios, le lleva a la muerte. Adam cree ciegamente tanto en su padre como en su fe. Y Fenton cree en la razón, hasta que la pierde, en ese momento, al dejar de creer está condenado, y sólo puede conocer un final.
La película nos habla también de la familia y lo difíciles que son las relaciones en un núcleo familiar. Presenciamos lo terrible que es ver como un padre amoroso con sus hijos, es capaz de cometer los actos más horribles por sus creencias. Cuando vemos que Papá Meiks tiene la escala de valores correcta, sabe diferenciar entre el bien y el mal, como demuestra la escena en la que explica a Adam que sólo deben matar a demonios y no a personas, pero su fe es tan fuerte que es peligrosa.
A través de este personaje, la película nos habla de las cosas horribles que ha hecho la humanidad por causa de la religión, como hombres creyendo hacer lo correcto, han cometido las mayores atrocidades y genocidios por ella. Por eso es tan acertado situar la historia en el cinturón de la Biblia, la película captura muy bien la sensación de una sociedad para lo que la fe lo es todo. Todo eso se encierra en esta pequeña película de terror.
Y es que Escalofrío juega con tus creencias, inicialmente nos posicionamos con Fenton, y creemos lo mismo que él, que su padre está perdiendo la cabeza y que es un asesino, pero en un giro genial, descubrimos que no sólo Fenton es en realidad Adam, si no que además las visiones de su padre eran ciertas, y que Adam siempre las vio, y sigue la obra iniciada por su progenitor.
Lo brillante de la película es que todo es una narración, nos lleva por donde quiere, y no por ello lo que nos cuentan tiene porqué ser cierto. Pero al mismo tiempo, la película no nos engaña, Jeremy Sumpter se parece mucho más a Matthew McConaughey (ambos son rubios), que al moreno Levi Kreis. Guiados por la lógica, creemos que todo lo que Papá Meiks dice ver es una mentira, que es uno de esos locos que asesinan porque Dios se lo ordenó.
La revelación final es terrorífica, porque nos muestra un mundo regido por un Dios vengativo que se toma la justicia por su mano, o más bien a través de la mano de otros. Da miedo que una persona asesine porque crea que Dios se lo ha ordenado, pero es mucho mas terrorífico que sea cierto que Dios se lo haya ordenado.
En otro giro de la película, el miedo de Papá Meiks de que su hijo sea un demonio se confirma al final, cuando descubrimos que Fenton se ha convertido en un asesino en serie. Y no sólo eso, se establece la dualidad de que no sabemos si Fenton ya era un psicópata, o el presenciar a su padre cometiendo crímenes, y que después lo encierre en el sótano, es lo que lo convierte en uno. La película siempre riza el rizo.
El guion está perfectamente construido y no deja nada al azar, el único agujero que parece tener la trama, la llamada del agente Doyle a la comisaria de Thurman, con la que le confirman la identidad de Fenton, y que lo que éste le cuenta es cierto, descubrimos al final de la película que quien le contesta al teléfono es la mujer de McConaughey. Todo encaja.
Paxton destaca como un gran director de actores infantiles. Matt O'Leary está estupendo, siendo el verdadero protagonista de la película, y la relación con su hermano está muy conseguida y parece real. Igualmente el propio Paxton está excelente en un papel nada fácil, y McConaughey mostró ese tipo de interpretación pausada y contenida que se convertiría en su seña de identidad.
Y gracias a su gran trabajo, la película le sirvió al compositor Brian Tyler como plataforma de lanzamiento a las grandes ligas, pronto llegarían Timeline (2003), Fast & Furious 5 (2011) o Iron Man 3 (2013).
Escalofrío es una de la grandes películas de terror del inicio del nuevo siglo. Sabe como meternos el miedo en el cuerpo, recuperando el terror religioso tan en voga en los 70. Dirigida con puño de hierro por Paxton, es también una gran opera prima. El texano parece guiado por la mano de Dios para crear esta obra maestra. Sería un pecado perdérsela.

CURIOSIDADES
Tras ver Escalofrío, William Friedkin decidió que Brian Tyler compusiera la música para The Hunted (La presa) (2003).
Fue una sugerencia de McConaughey, que el milpiés de Adam se llamase Curtis.
Durante la etapa de rodaje en estudio, la película que estaban rodando en el estudio de al lado era Una rubia muy legal (2001).
En el guion original, los niños hablaban de ir a ver Alien (1979) al cine, pero Paxton, que había trabajado en Aliens (1986) decidió cambiar la película a The Warriors (1979), para evitar asociaciones a su trabajo.
Toda la narración de McConaughey se grabó el último día de rodaje con el actor, tras la escena de la rosaleda y las tumbas. Después volvieron a grabarla en un estudio, pero se terminaron decantando por la inicial por tener un sonido mejor.
El sonido de las ranas por la noche, se grabó en la casa del director Ivan Reitman.
La segunda victima de Papá Meiks está interpretada por Vincent Chase, que era el profesor de actuación de Bill Paxton.
El ángel de la visión de Papá Meiks está interpretado por Scott Ratliff, asistente de utilería de la película.
Para una toma nocturna, utilizaran a una chica como doble de Matt O'Leary.
Originalmente la película iba a estar situada en la ciudad de Tyler, pero para no vincular una serie de horribles asesinatos con un lugar real, decidieron crear la ficticia ciudad de Thurman.
Los perros de piedra de la entrada de la rosaleda, son del propio jardín de Paxton.
Originalmente Fenton tenía miedo a la oscuridad, pero Paxton decidió eliminarlo porque le parecía demasiado.
Antes del fundido a negro, al final de la película, se ve a dos niños en patinete, que no son otros que Matt O'Leary (Fenton) y Jeremy Sumpter (Adam).
Fue nominada a los premios Saturn en las categorías  de mejor película de terror, mejor director (Bill Paxton), mejor guion (Brent Hanley) y mejor intérprete joven (Jeremy Sumpter).
Y ganó el premio Bram Stoker al mejor guion (Brent Hanley).

BIBLIOGRAFÍA
Bill Paxton on “Frailty” (One Guy's Opinion, 12 abr 2002)
Notas de producción
Interview with Brian Tyler (BSO Spirit, sep 2007)
Comentarios del director (DVD extra)
The Weakness of the Flesh (Austin Chronicle, 12 abr 2002)
Bill Paxton interview (The Guardian, 22 ago 2002)
The Making of 'Frailty' (2002)
Interview Bryan Tyler (Soundtrack.net, 22 mar 2005)
Texas Gothic (Now Toronto, 11 abr 2002)
Paxton's childhood led him to 'Frailty' (Baltimore Sun, 15 abr 2002)

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posted by Rodi at 7:14 AM 7 comments