Los posters censurados de "El regreso de los malditos"

La segunda parte de Las colinas tienen ojos, cuyo título en España es El regreso de los malditos, arrastró cierta polémica en los EE.UU. ha causa del diseño de su póster. Éste fue rechazado por la MPAA (Motion Picture Association of America) por considerarlo demasiado ofensivo (ver póster 1) exigiendo un cambio en el diseño. El cartel muestra a uno de los mutantes protagonistas arrastrando a una persona envuelta en una lona mientras ésta araña el suelo intentado huir de su captor.

Se realizó un nuevo póster (2), que muestra a la víctima como un cadáver que es arrastrado por el mutante y sólo se ven sus pies. En esta ocasión fue la propia distribuidora de la película quien objetó que era muy violento y exigió un nuevo cambio.

Se realizó una versión definitiva (3), que es una variación del primer póster, mostrando a la víctima totalmente envuelta por la lona sin mostrar nada de ella.

Personalmente creo que el primero era el mejor.

¿Futuros remakes del cine de terror?

Últimamente salen remakes de debajo de las piedras, una a una las películas de terror de los 70 y 80 están siendo remakeadas (no se si existe esta palabra) sin razón alguna. En el último mes se ha hablado de los futuros remakes de El padrastro, Prom night, La última casa a la izquierda, Piraña, Hellraiser, The blob, Socker, Inocentada sangrienta, Scanners, El tren del terror y Estoy vivo.

Esto se suma a los recientes remakes que se han realizado de La matanza de Texas, Las colinas tiene ojos, La niebla, Carretera al infierno, Navidades negras, Terror en Amityville, Viernes 13, Halloween y un sin fin más.

Parece que ya no quedan ideas originales en Hollywood y todo pasa ahora por el reciclado de éxitos pasados. ¿Cuales serán las próximas películas de terror de las que se harán remakes? Yo apuesto por:

1) Poltergeist: De nuevo unos despiadados constructores levantaran un vecindario sobre un antiguo cementerio (cosas de la especulación inmobiliaria) y una familia sufrirá las consecuencias en forma de apariciones fantasmales. La pequeña Carol Anne desaparecerá de nuevo y el "Ya están aquí" volverá a oírse hasta la saciedad. Todo será igual, pero no será lo mismo sin Spielberg.

2) Un hombre lobo americano en Londres: El clásico ochentero de hombres lobo volverá y con él, los licántropos americanos, las pesadillas sobre zombies nazis, el "Blue moon" y las doloras transformaciones a la luna llena.

3) Noche de miedo: Un chaval descubre que su vecino es un vampiro y que además quiere ligarse a su novia. Dos razones más que suficientes para querer cargárselo. Ayudado de una vieja estrella del cine de terror le plantará cara al chupasangre. La música de sintetizador, los cardados y las hombreras se cambiarán por música hip-hop, estética de videoclip y camisetas de diseño.

4) Engendro mecánico: Alguna actriz de la nueva hornada Hollywood (Jessica Alba, Mary Elizabeth Winstead, Elisha Cuthbert, ...) reemplazará a Julie Christie en esta historia de una casa inteligente que se obsesiona con su dueña. La casa, cuyo sistema operativo debe ser el Windows Millenium, se le cruzarán los cables e intentará procrear con la mujer, ya se sabe que de Microsoft no sale nada bueno.

5) Al final de la escalera: La casa encantada más acojonante de los 80, abrirá sus puertas para un nuevo inquilino que no sabe la que le viene encima. Goteras, termitas, cañerías oxidadas y para colmo el fantasma de un niño asesinado.

6) La bestia bajo el asfalto: De nuevo un chaval tirará a su pequeño cocodrilo por el inodoro, que llegará hasta las cloacas, donde crecerá hasta alcanzar enormes dimensiones y se dedicará a merendarse a los habitantes de la ciudad. Ya sabéis niños, no tiréis cocodrilos por el váter.

7) El ente: El ser ectoplásmico más salido del cine regresará para hacerle la vida imposible a su ex-mujer. Alguna actriz (yo me inclinaría por Jennifer Connelly) sufrirá de lo lindo en esta historia supuestamente basada en hechos reales.

8) Aullidos: Más hombres lobo. Wolfland regresará con todos sus licántropos. Para mostrar las transformaciones se recurrirán a técnicas CGI y se perderá el encanto del original.

9) Muñeco diabólico: Chucky, el juguete con más mala hostia del cine, se las hará pasar canutas al pobre chaval que tenga la mala suerte de ser su dueño. "Hola, soy Chucky, ¿quieres jugar conmigo?" ¡No, juguete de los cojones!

10) La mosca: Rizando el rizo, harán el remake de un remake. Suavizaran sus imágenes, reducirán la violencia y eliminaran el componente sexual de la historia. Escogerán actores peores, apostaran exclusivamente por los efectos especiales y el film de Cronenberg perdurará en la memoria con mayor fuerza aun, gracias a la nueva versión.

10 razones por las que Harvey Weinstein me cae mal

1 - Por destruir el verdadero significado del cine independiente americano, volviéndolo descaradamente comercial y carente de riesgo.

2 - Por realizar películas diseñadas para ganar premios (Cold mountain, Descubriendo nunca jamás, El paciente inglés, Shakespeare enamorado, Música del corazón, Chocolat).

3 - Por convertir la carrera de los Oscars en una guerra sucia donde todo está permitido, desde gastar cantidades desproporcionadas en la campaña de una película (excediendo los límites impuestos por la propia Academia), usar frases dichas por el Papa para promocionar una de sus películas o hasta hacer campañas negativas contra las películas rivales.

4 - Por separar Grindhouse en dos películas independientes, rompiendo de esa forma el verdadero significado de la película, recuperar las viejas sesiones dobles de cine de serie b. ¿Que sentido tiene una sesión doble si sólo consta de una película?

5 - Por dividir a Kill Bill en dos películas, cuando se trataba de una sola película, haciendo que los tontos espectadores pagaran dos entradas en lugar de una para verla.

6 - Por emplear técnicas de matón mafioso a la hora de hacer negocios. En 1996 durante el Festival de Sundance, un productor se le adelanto en la compra de los derechos de la película Shine, una de las producciones favoritas del año. Harvey se volvió loco y busco a ese productor por toda la ciudad, cuando lo encontró en un restaurante, lo agarro por el traje, lo puso contra la pared y le dijo "Me jodiste. Mejor consíguete abogados caros porque te voy a dibujar de nuevo el culo". En otra ocasión, tal y como recuerda el director Tom Tykwer “Harvey se levantó y empezó a gritarle a mi socio. Yo me levanté y le contesté, también gritando. Me sentía un actor de una de esas películas de mafiosos escupiendo frases como: Estás insultando a mi familia. Y dije: Nos vamos. A nosotros no nos grita nadie. Y nos fuimos. Enseguida oímos pasos por el pasillo, nos seguía. Entramos en el ascensor y las manos de Harvey separaron las puertas en el último momento e impidieron que se cerraran. Como si Terminator 2 viniera a por nosotros”.

7 - Por contratar a grandes directores, para luego no darles libertad para hacer sus películas, metiendo mano en el montaje para adaptar la visión de las mismas a sus gustos personales. Que le pregunten a Martin Scorsese, Terry Gillian, Shekhar Kapur y Wes Craven. En el caso de Scorsese, Harvey Weinstein obligo al director a recortar el metraje de Gangs of New York (de 220 previstos a los 168 finales), obligar a insertar la innecesaria voz en off de Leonardo DiCaprio (para que la historia sea mejor explicada), potenciar la historia de amor entre DiCaprio y Cameron Diaz, incluir toques contemporáneos en la música y rodar un nuevo final. Scorsese tardo 30 años en realizar la película y todo para que Harvey Manostijeras no le permitiese firmar el montaje final.

8 - Por auspiciar algunas de las peores películas de terror de los últimos 10 años, Secuestrando a la Srta. Tingle (1999), Drácula 2001 (2000), Scream 3 (2000), Mimic 2 (2001), Halloween: Resurrection (2002), Cursed (2005), Venom (2005), Pulse (2006), son claros ejemplos de ello.

9 - Por paralizar el estreno de algunas películas durante meses, incluso años, sin explicación razonable, para luego distribuirlas de forma pésima, condenándolas de este modo al fracaso. Ejemplos: La otra cara del crimen (2000), Hijos de un mismo dios (2001), Zu Warriors (2001), Prozac nation (2001), El americano impasible (2002), Funerarias, S.A. (2002), El despertar (2003), The actors (2003), Cazadores de mentes (2004), Cursed (2005) o Una vida por delante (2005).

10 - Sobre todo y lo más importante, que aunque él diga lo contrario, para Harvey Weinstein el cine no es arte, si no un negocio, por el que no siente ni el menor respeto ni admiración.

Casino Royale

- "Un martini con vodka".
- "¿Mezclado o agitado?".
- "¿Tengo cara de que me importe?".

Casino Royale narra la primera misión de James Bond como agente doble cero. Su investigación le lleva hasta Le Chiffre, banquero de terroristas de todo el mundo. Para detenerlo, y desmantelar su red terrorista, Bond debe derrotar a Le Chiffre en una partida de póker en el Casino Royale de Montenegro. A Bond le asignan a una hermosa oficial del Tesoro, Vesper Lynd, para entregar la apuesta para la partida y vigilar el dinero del gobierno. Mientras intentan poner al descubierto las maquinaciones de Le Chiffre, surge entre ellos una atracción mutua que marcará a Bond para siempre.

Si esperas ver una de esas películas en las que James Bond nunca sufre un rasguño, ni se despeina, donde todo le sale bien, usa los gadgets de Q, salva al mundo y utiliza a las mujeres como simples objetos, puedes sorprenderte al no encontrar nada de eso en Casino Royale. Pero saldrás reconfortado al encontrarte con la mejor película de la saga en particular y una excelente película en general. Una reinvención del personaje de arriba abajo y la confirmación de que no había mejor actor posible para interpretar a Bond que Daniel Craig. Casino Royale nos muestra a Bond tal y como debería haber sido siempre, un asesino sin contemplaciones, pero una persona normal al fin y al cabo. Estamos acostumbrados a ver a Bond como un superhéroe al que todo le sale bien, pero en esta película veremos como comete errores y algunos de ellos le marcaran para siempre. Si en anteriores películas no sufría un rasguño, aquí pasará todo tipo de penalidades (merece la pena señalar la escena de la tortura, realmente cruel e impensable en una película de Bond). Si normalmente Bond realiza sus actos casi sin inmutarse, Craig a lo largo de la película no dejará de correr, saltar, pelear y golpearse (basta ver la secuencia de la persecución a pie en Madagascar, lo físico por encima de lo pirotécnico), ¿alguien recuerda haber visto a Roger Moore corriendo? Pero la película no se conforma simplemente con cambiar a Bond formalmente, variando algunas de sus claves más superficiales, sino que lo cambia internamente. Bond se enamora por primera vez y las consecuencias de esta relación serán cruciales para su carácter en el futuro, no desvelaré detalles de la misma, pero nos hacen comprender perfectamente porque Bond es como es y la razón de su comportamiento con las mujeres de ahí en adelante.

Tal vez sea la película más clásica que se ha realizado en años, que la emparenta directamente con la etapa de Sean Connery. Se nota por la relegación a un segundo plano de la acción (que normalmente suele ser el motor principal de sus películas), por el hecho de adaptar material de Ian Fleming (la última había sido Licencia para matar en 1989) y sobre todo por la decisión autoconsciente de hacer algo distinto, más adulto, realista y violento. Ese brillante comienzo en blanco y negro es prueba de ello, nos cuentan como Bond consiguió ser un 00, su primer asesinato es cometido con sus propias manos y el segundo fríamente de un disparo, queda realmente conseguido el montaje paralelo de ambas secuencias, que termina con el sensacional plano de Bond disparando por primera vez a cámara (el primer color que se ve en la película es el rojo de la sangre que llena la pantalla).

No sólo Bond sufre grandes cambios, también la nueva chica es distinta al clásico arquetipo de "Chica Bond". La Vesper Lynd de Eva Green es una mujer fuerte y bella como las anteriores, pero también inteligente y vulnerable. Sabe perfectamente quien es Bond y se enamora de él sabiendo lo que eso implica. La secuencia de la ducha explica perfectamente como es ella y su relación con Bond (jamás se había visto esa emotividad en una película de 007), como también lo hace el excelente diálogo entre Bond y Vesper en el hospital. Vesper: "No piensas dejarme entrar, has vuelto a ponerte la coraza". Bond: "Ya no me queda coraza. Me la has arrancado. Lo que pueda quedar de mi, o lo que pueda ser yo, es todo tuyo". ¿Quién recuerda unos diálogos tan buenos en una película de Bond?

También el malo de la película no es clásico malo de Bond. Le Chiffre no tiene la última palabra, no intenta dominar el mundo, no manda a otros matar a Bond. Como veremos su vida está en constante peligro, sus motivaciones son simplemente económicas y cuando tiene que torturar a Bond lo hace él mismo. Impagable, el momento en el que pierde todo su dinero frente a Bond, sabiendo que eso significa su propia muerte y llora una lágrima de sangre.

Se habló mucho de la elección de Daniel Craig para interpreta a Bond, incluso se crearon páginas de protesta contra el actor, como sucede en muchas ocasiones, aquellos que opinan sin haber visto algo terminan equivocándose y tras ver la película salta a la vista que la elección de Craig ha sido lo más inteligente que podrían haber hecho los productores. Craig es el perfecto Bond, tal y como se lo imagino Ian Fleming en sus novelas (obviando algún detalle físico como el color del pelo). Por primera vez vemos a Bond como un personaje realmente complejo, en la que el actor que lo interpreta tiene que componer un personaje y no sólo dejarse llevar por unos clichés. El momento final sobre el edificio de Venecia, observamos como la expresión de su cara cambia, en ese preciso momento nace el Bond frío, cínico y despiadado de las novelas y Craig consigue transmitirlo sencillamente con su mirada.

Llaman la atención en la película ciertos detalles, el primero el tono romántico de la parte final, que rompe el ritmo de la película, pero se le perdona perfectamente ya que es imprescindible para la compresión de la película y de la personalidad de Bond. También llama la atención el incremento de la violencia como lo refleja la que es posiblemente la secuencia más memorable de la película, la famosa escena de la tortura, de una crueldad y violencia, pocas veces vista. En ella el villano (Le Chiffre) tortura a Bond golpeándole con el extremo de una cuerda en sus genitales mientras está atado y desnudo en una silla. Craig está sencillamente sensacional y es aquí donde nos damos cuenta de que su Bond es distinto a los otros Bonds, es imposible imaginar a cualquiera de los anteriores actores en una situación similar y la réplica que le suelta Bond a Le Chiffre cuando éste le golpea por última vez, es ya un clásico del cine (en ese momento el cine entero se viene abajo). También es remarcable el estilo de las escenas de acción, se han dejado a un lado las escenas aparatosas e imposibles de otras películas y se ha apostado por la fisicidad de los actores y por reducir al mínimo los efectos visuales, como la secuencia que acontece en Madagascar (cerca de 10 minutos impresionantes de persecución a pie, donde Bond demuestra una potencia física nunca vista) o la pelea en las escaleras (un duro enfrentamiento cuerpo a cuerpo de donde Bond no sale muy bien parado). Y en otros momentos se apuesta por no tomar el camino fácil en la acción (cuando Le Chiffre secuestra a Vesper y Bond lo persigue con su coche, la persecución no dura más que unos pocos segundos y termina de forma imprevista).

El equipo reunido es impresionante. El montador Stuart Baird, posiblemente el mejor del mundo en su campo, da lo mejor de si mismo en las escenas de acción. El diseñador de producción Peter Lamont, que ha trabajado en 15 películas de la saga Bond incluyendo ésta, creo increíbles decorados como el edificio que se hunde en Venecia o los interiores del Casino Royale. El guionista Paul Haggis (Millon dollar baby y Crash), se encargó de reescribir todos los personajes, desarrolló la relación entre Bond y Vesper y añadió las dosis de humor a la historia. David Arnold el compositor de la saga desde El mañana nunca muere, vuelve a realizar un gran trabajo (no usa el tema clásico de James Bond hasta la última escena). Por otro lado la canción compuesta por Chris Cornell y David Arnold (“You know my name”), tiene el tono potente que requiere la película.

Martin Campbell vuelve a la saga Bond después de su trabajo en Goldeneye (1995). En aquella, su labor fue la de modernizar la saga, acercarla al mundo post guerra fría y adaptarla a un nuevo tipo de público. Ahora su trabajo se centra en reinterpretar a Bond. Su estilo es más enérgico y directo que en Goldeneye, apuesta más por la cámara al hombro en lugar de los cuidadosos movimientos de cámara de la primera. También sigue demostrando su talento para las escenas de acción, la persecución en el aeropuerto de Miami o la lucha en del edificio de Venecia, son buena prueba de ello.

La película fue un rotundo éxito de taquilla, recaudando hasta la fecha en los EE.UU. 167.445.960 de dólares. Su presupuesto fue de 150 millones de dólares.

Curiosidades:
El número de matrícula del Aston Martin DB5 de 1964 de James Bond, es el 56526. Éste es el mismo modelo de coche y tiene la misma matrícula que el visto en James Bond contra Goldfinger (1964) y Operación Trueno (1965).

En una tarde de rodaje, tres coches Aston Martin DBS valorados en 300.000 dólares cada uno, se destruyeron en la secuencia del accidente.

En la escena de la ducha, estaba escrito originalmente que Vesper estuviese vestida sólo con su ropa interior. Daniel Craig argumentó que Vesper no se habría detenido para quitarse la ropa, de modo que la secuencia fue cambiada.

La localización de Las Bahamas, que hace las veces del edificio en construcción de Madagascar, era antiguamente un hotel abandonado que sirvió de decorado en dos películas de Bond anteriores, en Operación Trueno (1965) como las habitaciones de un hotel y La espía que me amó (1977), como la cámara de una plataforma. Ahora es parte de una base militar.

El accidente del Aston Martin DBS entró en el Libro Guinness de los Récords, al dar siete vueltas de campana completas con la ayuda de un cañón. El equipo de efectos especiales instaló un cañón de aire comprimido detrás del asiento del conductor para que el coche pudiera completar todas las vueltas.

Casino Royale es la película de Bond más larga con 144 minutos y 7 segundos, superando a 007 al servicio secreto de Su Majestad (1969) la más larga hasta el momento con 140 minutos.

La actriz Diane Hartford que aparece en los créditos como "Card player #3" posee el mayor intervalo de aparición entre dos película de Bond. Su primera participación en la saga fue 41 años antes en Operación Trueno (1965) interpretando a una chica del Kiss Kiss Club. Tsai Chin que interpreta a Madame Wu, tiene el segundo mayor intervalo de tiempo, siendo su anterior participación Sólo se vive dos veces (1967), 39 años antes.

El productor Michael G. Wilson, acostumbra a realizar cameos en las películas de la saga, en Casino Royale interviene como el jefe de la policía de Montenegro.

"Casino Royale" era también el nombre del casino donde James Bond y Maximilian Largo se enfrentaban con un videojuego en la película Nunca digas nunca jamás (1983).

El dueño de la compañía Virgin realiza un cameo en la película, puede vérsele por un momento en el aeropuerto de Miami siendo registrado por unos agentes.

Ian Fleming dijo que se baso en el ocultista inglés Aleister Crowley para crear a Le Chiffre.

Casino Royale es la novela de James Bond más adaptada, lo ha sido en tres ocasiones, en 1954, 1967 y 2006.

Paul Haggis escribió completamente la secuencia del encuentro en el tren entre Bond y Vesper.

En la novela, el tipo de juego de póker era el bacará, en la película se cambió por "Texas Hold'em".

Durante la filmación de la pelea inicial en unos aseos, Daniel Craig se rompió dos dientes.