Monday, March 15, 2021

Cara a cara

"Puedo estar horas comiendo una perita."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Para descubrir el emplazamiento de una bomba, un agente del FBI se somete a un trasplante de cara para asumir la identidad de un terrorista, con lo que no contaba, es que éste se despertaría de su coma y ocupase su lugar.

Antes de empezar el artículo, quiero agradecer la ayuda prestada por el guionista y productor de Cara a cara Michael Colleary, con quien pude contactar, y que tuvo la amabilidad de responder a todas mis preguntas. Michael aclaró muchas de las dudas que tenía sobre la producción, y de paso, me contó un sinfín de anécdotas sobre ella, con todo lujo de detalles. Por su ayuda, paciencia y amabilidad, le estoy enormemente agradecido.

TRAVOLTA VS CAGE
El fin de semana del día de la Independencia de 1990, Michael Colleary y Mike Werb, compañeros de UCLA, comenzaron a escribir el guión de Cara a cara (Face/Off, 1997), que daría pie a una de las más recordadas películas de acción de los noventa, y cuyo origen vino de una serie de confluencias. "Vimos Al rojo vivo (1949) en una vieja sala de cine, y nos inspiramos bastante en cierta secuencia de ella," explicaba Werb. "Estábamos pensando en hacer una historia ambientada en una prisión del futuro. El amigo de un amigo mío había tenido un accidente de vuelo en ala delta, y tuvieron que quitarle toda la cara, reconstruir todos sus huesos y tejidos, y luego volver a ponérsela. Pensamos que si eso puede suceder, ¿por qué no intercambiarla con otro? Además, estábamos hartos de todas las películas de acción, que mostraban al chico malo como un psicópata risueño empeñado en conquistar el mundo. Pensamos: '¿Por qué no puede haber una película en la que el malo sea tan interesante como el bueno?' A partir de ahí, derivó en: '¿Qué pasa si se convierten el uno en el otro?' Y desde allí nos preguntamos cómo podríamos hacerlo. Había muchas opciones, el vudú entre ellas, pero queríamos que fuera lo más real, enfermizo y psicológico posible. Una vez llegamos a ese punto, nos preguntamos: '¿Qué haría que este tipo se mutilara así? ¿Con qué estaría tan obsesionado?' Fue entonces cuando surgió la idea de la muerte de su hijo, y una vez que tuvimos eso, sólo tomó unos cinco días planificar toda la película."
En 1991, uno de los ejecutivos de Joel Silver, convenció a la Warner Bros para que comprara una opción sobre el guión durante 18 meses, a cambio de poco más de 100.000 dólares. A diferencia de la película finalmente realizada, el guión original era una historia de ciencia ficción (que incluía coches voladores). Warner tuvo problemas con la escena en la que Castor se acuesta con la mujer de Archer llevando su cara, pero los guionistas se mantuvieron en sus trece y no la eliminaron, ya que consideraban que era crucial para no romper el núcleo emocional de la película.
En 1992, Joel Silver le ofreció dirigir la película a John Woo, quien aún no había debutado en el cine americano con Blanco humano (1993), pero que gozaba de fama por sus films en Honk Kong. El director asiático rechazó la oferta dada la carga de ciencia ficción en la historia. "El primer borrador fue frustante," explicaba Woo. "Le dije al estudio que me encantaba el concepto, pero quería más personajes, más humanidad. Si hay demasiada ciencia ficción, perdemos el drama."
La película nunca llegó a materializarse en Warner, según Werb porque el estudio estaba desarrollando al mismo tiempo Demolition Man (1993), otra producción de Silver, y encontraban ambas películas muy similares, al final se decantaron por el film de Stallone, y Cara a cara quedó aparcada. Después de un tiempo, a finales de 1992, expiró la opción de Warner sobre el guión, y New Line, Columbia y Paramount trataron de hacerse con el proyecto. Fue el productor David Permut quien se llevó el gato al agua, y de esa forma el proyecto pasó a desarrollarse en Paramount. En ese punto, entraron también Michael Douglas y Steve Reuther como productores ejecutivos, a través de su compañía Douglas/Reuther Productions, que se encontraba en Paramount. Douglas nunca tuvo interés en participar como actor, sólo ejerció como productor, pero fue crucial para conseguir que el proyecto saliera adelante, siendo el enlace principal con Sherry Lansing, presidenta de Paramount.
Con el paso del tiempo, Colleary y Werb decidieron reescribir el guión para centrarlo más en los personajes, y menos en los elementos de ciencia ficción, que además hubiera encarecido mucho la producción. "Demasiado caro, demasiado molesto, y sin ventajas," explicaba Colleary. "La historia funcionaría mejor ambientada sólo en cinco minutos en el futuro." Douglas era de la misma opinión, y con su apoyo reescribieron el guión como un thriller psicológico (el actor llegó a darles notas a los guionistas principalmente sobre los personajes), que sería uno de los muchos borradores (más de treinta), que se realizarían durante 6 años, hasta que comenzó a rodarse la película.
Le ofrecieron el proyecto a Rob Cohen, pero tras un tiempo trabajando en él, se fue a rodar Dragonheart (1996). Una de sus ideas era que al final de la película, Archer y Castor unieran fuerzas para desarmar la bomba que había puesto el segundo. Idea que fue descartada.
Colleary y Werb (también co-productores de Cara a cara) habían conocido a Woo en una proyección de Blanco humano en 1993, gracias a Sam Raimi, productor del film, quien se lo presentó. Ambos creyeron Woo era el director ideal para su película, y tras la salida de Cohen se reunieron con él a principios de 1995, gracias a que Woo y Werb tenían la misma agencia (William Morris). El director tenía sus oficinas en la Fox, donde se encontraba trabajando en Broken Arrow: Alarma nuclear (1996). Le ofrecieron dirigir la película, y pese a que Woo les dijo que, "Cara a cara es el mejor guión de acción que he leído", su compromiso con la película protagonizada por John Travolta y Christian Slater, le impidió aceptar.
A finales de 1995, Marco Brambilla (Demolition Man) fue le siguiente director asignado al proyecto, quien quería un elenco más joven del inicialmente previsto. Nicolas Cage estaba interesado en trabajar en la película, pero el estudio sólo lo permitiría, si Johnny Depp asumía el otro rol principal. Paramount trataba de convertir a Depp en una estrella del cine comercial, y el primer paso para ello fue darle el papel protagonista de A la hora señalada (1995). Michael Douglas lo visitó en el set de esta película para tratar de convencerle, pero al final el protagonista de Eduardo Manostijeras rechazó participar en la película, pero por una razón de lo más absurda, cuando leyó el título del guión, "pensó que la película era sobre hockey," contaba Colleary (face-off es un saque neutral en este deporte). La salida de Depp hizo que Brambilla también se fuese, ya que sus ideas sobre el reparto no encajaban. 
En 1995, tras la salida de Brambilla, Douglas y Reuther le ofrecieron el proyecto de nuevo a John Woo, justo antes que terminase Broken Arrow. Las conversaciones avanzaron de forma positiva, y Woo tuvo una reunión en Vancouver, donde estaba rodando para televisión Matar a un ladrón (1996), con Douglas, Reuther, Colleary, Werb y John Goldwyn (el jefe de producción de Paramount). En esa reunión, aceptó hacerse cargo de la película, a la tercera fue la vencida, pero puso la condición de reducir al mínimo las dosis de ciencia ficción de la historia. "Aprendí una lección de Broken Arrow," explicaba el director. "Donde gastamos tanto tiempo y dinero en todos los efectos especiales, que no quedaba mucho tiempo para el drama. Sugerí que elimináramos el 90% de los efectos especiales y nos centráramos más en la historia y los personajes, sobre todo porque teníamos grandes actores. Quería hacerlo más real y humano, y hacer retroceder el tiempo casi hasta el presente. Y lo aceptaron, lo que me hizo sentir genial, porque eso significaba que podía volver a mi propio estilo." Básicamente Woo declaró por activa y por pasiva, que fue idea suya reducir las dosis de ciencia ficción del guión, pero si bien es cierto que rechazó el guión la primera vez (en 1992) cuando éste era de pura ciencia ficción, Colleary y Werb realmente no tuvieron en cuenta sus ideas de reducirlas, en el guión que le entregaron en 1995 ya se había eliminado prácticamente todo rastro del relato futurista original, pero seguramente el director creyó que lo habían tenido en cuenta, y de ahí sus declaraciones.
Woo se trajo a su socio de producción, Terence Chang, quien se convirtió en uno de los productores de la película.
El director de Paycheck trabajó con los guionistas, sobre todo para, "hacer a los personajes más fuertes, más específicos, más auténticos," contaba Colleary. Se hicieron algunos cambios en el guión. Por ejemplo, les pidió que idearan algo espectacular para el final de la película, Colleary y Werb le presentaron muchas ideas, pero ninguna parecía ser del agrado del director, hasta que se les ocurrió incluir una persecución de lanchas, y ahí dieron la diana. Woo había planeado una para Blanco humano, pero que no pudo llevarla a cabo, y se había quedado con las ganas. Dicho y hecho, Cara a cara tendría una impresionante persecución como clímax.
La escena de la muerte del hijo de Archer estaba pensada inicialmente como un flashback a mitad de película, pero después los dos Mikes decidieron que era mejor comenzar la película con ella, algo que Woo apoyó. Y el director también fue fundamental para mantener el final deseado por los guionistas, con Archer adoptando al hijo de Castor.
Se escribieron diez versiones de la secuencia inicial en el aeropuerto, hasta dar con la adecuada. Lo difícil era dar con la forma de que Castor se quedara en coma. Originalmente el personaje era congelado con nitrógeno líquido, idea que no gustó a la Paramount. Así que lo cambiaron por una escena en la que se subía a la torre de control de tráfico aéreo y se estrellaba contra la ventana de la torre, pero esto no le gustó a Woo. Castor fue entonces electrocutado con cables de alto voltaje, pero tampoco funcionaba. Y tras barajar varias ideas, al final se decantaron por utilizar una turbina, como se ve en la película
El guionista Wesley Strick (El cabo del miedo) realizó una reescritura a petición de Steve Reuther. Se encargó de reescribir la mayoría de los diálogos de la película.

REPARTO
Siempre se ha dicho que Werb y Colleary escribieron el guión con la idea de juntar a Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone, pero eso no es del todo cierto, fue más bien una especie de, "gran fantasía aspiracional," según explicaba Colleary. En caso de contratar a ambos actores, el guión se habría adaptado a ellos, "habríamos revisado el diálogo para que Sly pudiera decir, por ejemplo, 'Volveré' y Arnold dijera 'El crimen es una plaga, y yo soy el remedio', o algo similar." Pero esto nunca llegó a escribirse en ninguna de las versiones del guión, y ambos actores nunca estuvieron realmente asignados al proyecto. Los agentes de Werb y Colleary les desalentaron de juntar a dos estrellas tan grandes en una misma película, ya que habría sido realmente costoso, sin olvidar la lucha de egos que se habría producido en el set, con estrellas del calibre de Arnold y Sly. Curiosamente cuando el proyecto estaba en pre-producción en Paramount, el director del estudio llamó a Steve Reuther, diciéndole que Stallone estaba interesado en la película, y que el posible trato incluiría la reescritura del guión por parte del actor. Pero al final quedó en nada, y nunca llegaron a reunirse con el protagonista de Acorralado, por lo que nunca se llegó a confirmar si el interés de Stallone era auténtico o la llamada al jefe de la Paramount había sido una maniobra por parte de sus agentes. Según contaba Colleary, Reuther y Paramount le ofrecieron el proyecto a Schwarzenegger, pero pese a gustarle el guión, no se veía capaz de hacer los dos papeles de la película. De esa forma, el sueño de juntar a ambas estrellas pareció estar cerca, pero hubo que esperar muchos años para verlos reunidos en la pantalla.
La lista de dúos que habían barajado Colleary y Werb, además de Schwarzenegger y Stallone, iban desde Dolph Lundgren y Jean-Claude Van Damme, a David Bowie y Mick Jagger. Como comentaba antes, en los tiempos de Brambilla los actores tanteados fueron Johnny Depp y Nicolas Cage. Sólo había que dar con la pareja perfecta.
"Después de Broken Arrow," explicaba Woo. "John y yo queríamos volver a trabajar juntos, así que le enviamos el guión y le encantó." La película tenía así a su Sean Archer, faltaba encontrar quien pusiera cara al villano Castor Troy. "Después de tener a John," seguía contando Woo. "Tratamos de averiguar a quien podríamos conseguir que se pareciese a John en cuerpo y cara, pero lo más importante, un actor similar, para que pudieran interpretarse entre sí. John sugirió a Nick Cage." La idea le gustó a Woo, quien le ofreció el papel al actor. El protagonista de La Roca, parecía que estaba destinado a participar en la película. Además, él y Woo habían barajado trabajar juntos en un proyecto nunca realizado titulado "Tears of the Sun" (no confundir con la película protagonizada por Bruce Willis del mismo nombre).
Además de trabajar con Woo y Cage, Travolta tenía claro lo que le llamaba la atención del proyecto. "Lo que más me atrajo del material fue que el concepto era original," admitía el actor. "Ambos actores que son co-protagonistas, pueden interpretar al bueno y al malo, lo cual creo que es algo justo, ya que muchos actores disfrutan interpretando al malo y no lo hacen a menudo. En este caso particular, los dos actores logran hacer ambos, bueno y malo, lo cual creo que es divertido." Travolta comenzó a rodar la película sin saber el sueldo que cobraría. Durante el día de Navidad de 1996, en medio del rodaje, aún se estaba negociado este punto, al final se terminó embolsando un cheque de 20 millones de dólares.
Por su parte, Nicolas Cage cobró un sueldo de 6 millones de dólares. Como siempre, para su interpretación, el actor tomó inspiración de los lugares menos esperados "Tenía muchas ganas de encontrar una manera de expresar mi tipo de sueños expresionistas alemanes," explicaba Cage. "Como Nosferatu o Caligari, donde estos actores hacían esos gestos extraordinarios y un lenguaje corporal que no era necesariamente natural, si no expresionista." El actor creyó que Cara a cara era el vehículo perfecto para ponerlo en práctica. 
Joan Allen se llevó el papel de Eve Archer, la mujer de Sean. La actriz fue siempre la única opción para el papel, pero el estudio no estaba seguro de ello, y presionó a los guionistas para que reescribiesen el papel para una actriz más joven. Tanto deseaban tenerla en la película, que Colleary y Werb llegaron a ofrecer su "bono de producción para pagar la cotización de Joan Allen y asegurarnos de que fuera elegida," declaraba Colleary. Al final eso no fue necesario y fue contratada.
Dominique Swain, recién salida de Lolita (1997), se hizo con el papel de Jamie, la hija de Archer.
Alessandro Nivola dio vida a Pollux Troy, el hermano de Castor. Su inspiración para el personaje vino de Charles Crumb, el hermano mayor del historietista Robert Crumb. "Charles era un tipo que vivía con su madre, se masturbaba, tomaba antidepresivos y leía novelas victorianas," contaba Nivola. "Diría cosas sobre su padre como: 'El viejo era un tirano vicioso', y luego se reiría de esto." La curiosa infancia de los hermanos Crumb parecía perfecta para el background de los Troy, Nivola le presentó su idea a Cage, quien estuvo totalmente de acuerdo con él. "Basamos toda nuestra relación en esa idea e hicimos toda esta improvisación," explicaba Nivola.
Nick Cassavetes se hizo con el papel de Dietrich Hassler de forma accidental. El hijo de John Cassavetes había dirigido a Travolta en Atrapada entre dos hombres (1997), y le necesitaba para doblar unas escenas, así que se presentó en el set de Cara a cara para hablar con él, y de esa forma conoció a Woo, quien insistió en que participara en la película. Alentado por Travolta, John dijo que sí. Inicialmente su papel era pequeño, pero conforme avanzó el rodaje se fue expandiendo. "Pensé que iba a estar dentro por un día, y me quedé mucho más tiempo que eso," reconocía el actor. Para interpretar a Dietrich, decidió afeitarse la cabeza.
El papel de la hermana de Dietrich, Sasha, se le ofreció a Julianna Margulies, pero tuvo que rechazarlo por conflictos con el calendario de rodaje de la serie Urgencias (1994-2010). El papel terminó recayendo en Gina Gershon.
El resto del reparto lo formaron Harve Presnell (Victor Lazarro), Colm Feore (Dr. Malcolm Walsh), John Carroll Lynch (como el guarda de la prisión Walton), CCH Pounder (Hollis Miller), David McCurley (Adam Hassler), Matt Ross (Loomis) y Thomas Jane (Burke Hicks).

RODAJE
La fotografía principal de la película tuvo lugar entre el 31 de octubre de 1996 y el 1 de abril de 1997, trabajando en jornadas de 12 horas al día. Se rodó en diferentes localizaciones de Los Angeles, como en el "Los Angeles Convention Center" (lugar donde Castor coloca la bomba), el "Southern California Logistics Airport" (el aeropuerto del primer tiroteo), el "Kaiser Permanente Baldwin Park" (hospital en el que trabaja Eve), la "Henman House" (instituto donde tienen a Castor en coma) o en "San Pedro Harbor" (persecución de lanchas final). Y en el plató 14 de los Paramount Studios, se construyeron los decorados necesarios.
A diferencia de lo que le sucedió en Blanco humano y Broken Arrow, el estudio le dio libertad a Woo, y apenas se entrometió en su trabajo, y eso se nota en el resultado final.
Travolta y Cage ensayaron durante dos semanas con Woo, antes de empezar a rodar, construyendo los personajes. Y es que tanto Archer como Castor, fueron creaciones de los dos actores por igual, quienes aportaban ideas de como interpretar a ambos personajes, y después se imitaban para bordarlos. Durante el rodaje, y después de rodar una escena con uno de los dos actores, Woo le mostraba los dailies al otro, para que pudiera ver como su compañero interpretaba al personaje. "Vería lo que haría John, y luego él vería lo que haría yo," recordaba Cage, "y lo reproduciría y luego podríamos encontrar formas de reflejarnos y combinarlo."
Woo hizo lo posible para dar libertad a los actores. "Al principio, estaban interpretando las escenas emocionales de una forma un poco más sutil, al estilo tradicional americano," recordaba el director. "Pero realmente querían hacer algo un poco más real. Así que, después del primer día, dije: 'Intentémoslo de otra forma, a mi manera. Quieres llorar, sólo llora. Quieres reír, sólo ríe. Quieres golpear la pared, hazlo. Quieres romper la mesa, destroza la mesa. Quieres sentarte, simplemente siéntate. Simplemente hazlo exactamente como te sientes.' ¡Guau! Eso hizo que todos se abrieran. Hizo muy felices a John [Travolta], Joan Allen y Nick Cage, así que lo intentamos de esa manera. Algunas personas piensan que tal vez sea demasiado exagerado, pero les da a los actores mucho espacio para explorarse a sí mismos. Así que sólo hicimos una o dos tomas para cada situación. Y luego eso fue todo. Y todos se sintieron muy bien, porque todas las emociones eran reales."
Esto hizo que hubiese mucha improvisación durante la película, algo que dio vía libre a Cage. Como el momento en que se pone a cantar, "Estoy listo, listo para el viaje, baby", al comienzo de la película, y que no estaba previsto. Otro ejemplo, fue durante la escena en la que le quitan las vendas a Archer, y por primera vez ve que lleva la cara de su enemigo. Habían ensayado que Cage reaccionaría rompiendo el espejo, pero una vez se pusieron a rodar, el actor improvisó, tras romper el espejo, el momento en que grita a todos en la sala, "¡Qué te jodan!". A Woo le gustó su reacción, pero hubo un pequeño problema, las cámaras no lo captaron, y tuvieron que volver a repetirlo. Al final ese momento quedó en la película.
Y dar pie a la improvisación, puede traer problemas inesperados, como sucedió cuando rodaron el momento en que Archer con el rostro de Castor, dice que le gustaría arrancarle la cara a su enemigo, diciendo en la versión original el título de la película ("Face/Off"). En el guión sólo se decía una vez, pero Cage y Cassavetes comenzaron a repetirlo una y otra vez sin una razón aparente, haciendo diferentes versiones de la expresión, era tan obvio y gratuito, que según contaba Werb, "nos preocupamos que Paramount fuera a cambiar el título de la película."
El director de fotografía escogido fue Oliver Wood (La jungla 2: Alerta roja), quien estuvo a punto de trabajar con Woo en Broken Arrow (1996), pero que por causa de una rotura de tobillo durante el rodaje de La isla de las cabezas cortadas (1995) no pudo unirse a ese proyecto. Pero Woo le prometió que colaborarían en una próxima ocasión, y cumplió su palabra. Desde el principio, Wood tuvo claro como debía ser el estilo visual de la película. "La premisa de la película es bastante poco convencional," explicaba el director de fotografía. "Y desde el principio decidimos mantener la iluminación lo más tradicional posible, para que la historia pareciera más realista." La película estuvo llena de retos para el camarógrafo. "Trabajé muy de cerca con Neil Spisak, el diseñador de producción," contaba Wood. "Él creó el maravilloso set de la sede del FBI, que era prácticamente todo vidrio. Si encendías una bombilla en cualquier lugar, obtenías 60 reflejos en la cámara, y nos llevaba algún tiempo oscurecer esos puntos del set para ocultarlos."
Cage encadenó el rodaje de Con Air (1997) con el de Cara a cara, pasando un día de rodar el film de Simon West, para el día siguiente filmar la escena en la que habla con Eve en su habitación siendo Archer.
Tratar con los egos de los actores nunca es fácil, y Travolta tuvo dudas con la frase de Castor que habla sobre su "barbilla ridícula", y que Colleary y Werb habían escrito específicamente para él. "Nos llamó a su tráiler antes de filmar la escena," explicaba Colleary, "y quería hablar sobre esta frase. No estaba del todo seguro de si la frase era graciosa o simplemente se estaba burlando de él." Tuvieron que explicarle que al público le resultaría divertido que Castor (supuestamente Nicolas Cage) se quejase de tener la apariencia de Travolta, sobre todo al ver que el propio Travolta se sumaba a la broma. El actor la dio por buena y se rodó como estaba escrito.
Cara a cara está llena de grandes escenas de acción, que fueron todo un reto para los responsables de la película, porque la apuesta de Woo fue hacerlo todo lo más real posible, con el mínimo uso de efectos visuales. La primera secuencia de acción de la película es un buen ejemplo de ello, ya que para el momento en el que el jet de Castor se estrella en un hangar, realmente estrellaron un avión real. Como sólo podían hacerlo una vez, utilizaron 13 cámaras para captarlo desde todos los ángulos. Sobre la marcha, a un miembro del equipo se le ocurrió la idea de que Archer volara por los aires el motor del avión disparándole, algo que gustó a Woo y decidió incluirlo en la película. "Eso hizo que algunos productores se volvieran muy paranoicos," explicaba Woo. "Dijeron: 'John, esto va a costar mucho y sólo tenemos dos días'." Lograron hacerlo en un día.
Para filmar el tiroteo en el loft de Dietrich, fueron necesarios 21 días de rodaje. Pero fue preciso mucho más tiempo para organizarla. "Estuvimos en este set durante unos tres meses manipulando los efectos de las balas," contaba R. Bruce Steinheimer, el coordinador de efectos especiales de la película. "Creo que fueron como unos 10 kilómetros de cable. Es una de las mayores escenas de riesgo que creo, se han hecho en términos de pirotecnia." El momento más recordado es cuando Adam escucha en medio del tiroteo la canción "Somewhere Over The Rainbow" (fue idea de Woo utilizar una canción en esa escena), lo que fue una sustitución de última hora del inicialmente previsto "Puff The Magic Dragon".
La secuencia de acción más memorable de la película, es la persecución de lanchas del clímax. Se tardaron cuatro semanas en organizarla, y pese a todos los preparativos, a uno de los especialistas casi le cuesta la vida. Fue rodando el momento en que el personaje de Archer se cae de la lancha, pero se agarra a ella y termina haciendo esquí con los pies, la primera vez que trataron de rodarla, el doble de Cage se golpeó la cabeza contra la lancha y perdió el conocimiento durante unos segundos, lo que podría haberle costado la vida. Logró recuperarse y después decidió repetirla, y esta vez todo salió perfecto. El director de segunda unidad, William H. Burton Jr. fue crucial para completar la secuencia, que tenía todo tipo de momentos de riesgo. "Mi idea era que la lancha volaba y chocaba contra otra lancha," contaba Woo. "A [Burton] se le ocurrió otra idea: '¿Qué tal si la explotamos en el aire? Se verá más espectacular'. Dijo que sería en una sola toma. Yo dije: 'Imposible'. Él dijo: 'No, podemos hacerlo'. Lo organizó todo. Le dije que necesitaba 6 ángulos de cámara principales. Lo arregló para 12. Me dio más opciones. Pensé que tomaría un día de ensayo, otro día para configurarlo y otro para filmarlo. Lo filmó en un único día."
La que iba a ser la gran escena de acción de la película, la fuga de la prisión acuática, se tuvo que reescribir sobre la marcha, ya que en pleno rodaje se consideró muy cara, cambiándose por una versión más simple y menos costosa de la misma. "Habría costado un millón de dólares el minuto," contaba Werb. Originalmente Archer se quitaba las huellas dactilares de Castor que llevaba puestas sobre las suyas, y usaba su autorización como agente del FBI para fugarse. Después se hacía con un helicóptero, y se marchaba del lugar volando, lo cual era mucho más coherente que el salto desde la plataforma petrolífera, como se ve en la película, donde no se explica como llega el protagonista a tierra firme. La parte final de la fuga, se rodó en una auténtica plataforma petrolífera activa. Como había riesgo de provocar un incendio durante el tiroteo, no se pudieron utilizar detonadores para los impactos de bala, así que tuvieron que añadirlos mediante efectos digitales o rodar algunos planos en el back lot de un estudio. Para Cage, rodar el momento en el que corre por lo alto de la plataforma petrolífera, fue "uno de los días más aterradores de mi vida."
Para la escena del intercambio de caras, el experto en efectos de maquillaje Kevin Yagher, creó dos espectaculares animatronics, que eran réplicas de cuerpo completo de Travolta y Cage. Primero hicieron moldes de ambos actores, para crear sus copias, que estaban cubiertas de caucho de silicona. Gracias a servomotores, tenían la posibilidad de mover sus mejillas, cejas y la mandíbula por radio control.
Se reescribió el guión para que el personaje de Gina Gershon apareciera después de la muerte de su hermano, y a la actriz se le ocurrió una idea para que su personaje le rindiera homenaje, aparecer con la cabeza rapada, tal y como la tenía el personaje interpretado por Nick Cassavetes. Sobra decir que a Woo no le gustó la idea, y quedó descartada.
Werb y Colleary querían cerrar la película con la escena en la que Archer lleva a su casa al hijo de Castor, pero el estudio se negó a incluir ese final. Se hizo un pase de prueba con otro final, y el público tuvo un problema con la ausencia del niño. De modo que, Paramount terminó entrando en razón, y aceptaron rodar la escena con el regreso del hijo de Castor. Para ello volvieron a llamar a Travolta, Allen, Swain y a David McCurley para darle a la película el final correcto. Se hizo un nuevo pase de prueba y el público esta vez quedó encantado. "Hubo un aplauso espontáneo y atronador al final," contaba Werb.
Para componer la música, Woo quería contar con Hans Zimmer, con quien había trabajado en Broken Arrow, pero el alemán no estaba disponible, así que recomendó a John Powell (El caso Bourne), uno de sus colaboradores. Para conseguir el trabajo, Powell escribió durante dos semanas varios temas para la película, una vez los responsables de Cara a cara vieron un montaje con su música, se convencieron de darle el trabajo, eso sí, con la condición de tener a Zimmer produciendo. La película significó el debut de Powell como compositor cinematográfico.
Cara a cara se estrenó el 27 de junio de 1997 en Estados Unidos, y resultó ser uno de los grandes éxitos del año. En territorio norteamericano recaudó 112.276.146 de dólares (undécima película más taquillera del año en el país), y la recaudación final a nivel mundial fue de 245.676.146 de dólares. Un éxito para una película que había costado 80 millones de dólares.
Recibió una nominación a los premios Oscar, en la categoría de mejor edición de sonido (Mark P. Stoeckinger y Per Hallberg), premio que perdió frente a Titanic (1997).

ESCENAS ELIMINADAS
En las ediciones de vídeo doméstico, se incluyeron varias escenas eliminadas del montaje final. Son las siguientes:
1. Después de activar la bomba, Castor se encuentra con un hombre de la limpieza, al cual mata.

2. Archer tras ver a su hija dormir, va a la habitación de su hijo y rompe a llorar mientras piensa en él.

3. La primera conversación entre Archer (siendo Castor) y Pollux en la cárcel era más larga, y hablan de su padre y sus perversiones.

4. El tiroteo en el loft de Dietrich, desde el momento en que Adam comienza a escuchar "Somewhere Over The Rainbow", originalmente incluía más momentos de acción y más muertes.

5. La pelea final entre Archer y Castor también era más larga, principalmente en la parte en la que luchan con un trozo de un tubo metálico.

6. Después de haber matado a Castor, y que Archer sea llevado en ambulancia, hay una breve escena en la que Eve consuela a su hija, mientras ésta le pregunta: "¿Papá volverá a ser papá?"

7. El final original de la película. En el que Archer, al verse en el espejo, ve el reflejo de Castor, lo raro es que Eve también ve el mismo reflejo. Cuando Archer vuelve a mirarse, es él mismo. Abraza a su mujer, pero sonríe de forma extraña, dando a entender que puede que sea Castor.

VALORACIÓN
Cara a cara es una de las mejores películas de acción de los noventa, y también una de las más divertidas y locas. Todo el tema del cambio de caras no es más que un Macguffin, una excusa del guión para llegar a donde realmente quiere, que no es otro que el intercambio de roles entre el bueno y el malo, y así es como debemos considerarlo, como un medio para llegar a un fin, sin tomárnoslo demasiado en serio.
Lo brillante de la película es lo que produce esa inversión de roles, Castor parece ser mejor padre y marido que Archer, y Archer a su vez le coge el gusto al estar en la piel del villano y poder hacer lo que quiera. Pero ambos nunca dejan de ser ellos mismos, Archer nunca engaña a su mujer ni mata a nadie, y Castor sigue siendo el villano de siempre, que sólo quiere ver arder el mundo.
Es interesante como Archer trata de no ser arrastrado hacia el lado oscuro, de no convertirse realmente en Castor. Toma drogas, Sasha se le insinúa, y apunto está de matar en la prisión. Tiene que recordarse a si mismo quien es realmente para no perder la cabeza. Pero como se trata del héroe no llega a sucumbir, sólo es puesto a prueba, y sale victorioso.
Del intercambio de papeles, se suceden los mejores momentos de la película y los más divertidos, que siempre caen del lado del villano. Como cuando le da una paliza al novio de la hija de Archer; el momento en el que le pregunta a Jamie si lleva protección y le da una navaja; o cuando dice que con tantas mentiras, desconfianza y frases ambiguas parece que está en un matrimonio de verdad. 
Vale que hay un montón de cosas que no tienen sentido, por mucho que se cambien la cara, la constitución física de Archer y Castor no es la misma, así que no podrían engañar a nadie. Cuando Castor ocupa la identidad de Archer, mágicamente le crece el pelo. Y ambos tiene grupos sanguíneos distintos, lo que en el caso de Archer (que es 0 negativo), haría inviable aceptar un trasplante de Castor (que es AB). Pero el conjunto está rodeado de un sentido del humor que nos hace cómplices, y que consigue que pasemos por alto estos agujeros argumentales. La película no se toma del todo en serio a si misma, y eso la beneficia, dado lo imposible de su planteamiento.
Cara a cara es con diferencia el mejor trabajo de John Woo de su etapa americana. Por una vez tiene un buen guión entre manos, y todos los medios a su disposición para poner en práctica su estilo visual. Porque aunque las escenas de acción son excelentes, detrás hay una historia y unos personajes que nos interesan. 
El director se crece en los tiroteos y persecuciones, que lo molan todo, haciendo de cada set piece algo memorable. La escena del aeropuerto es puro cómic, rematada con ese gran momento de Castor saliendo despedido por una turbina de avión. El uso de "Somewhere Over The Rainbow" en el tiroteo del loft produce un curioso contraste, al no pegar el tema con las imágenes llenas de violencia, pero que dota a la escena de un tono muy especial. Y la persecución de lanchas es increíble, sobre todo porque vemos que las escenas de riesgo se hicieron realmente sin uso de efectos visuales (algo que en el cine de acción actual se ha perdido).
Cara a cara es puro Woo, dentro de las películas que hizo en Hollywood es la más cercana a su estilo, a nivel superficial no faltan las palomas, la cámara lenta y los momentos de dos o más personajes apuntándose con un arma, pero a otro nivel, ahí están muchos de sus temas recurrentes, la rivalidad masculina, la figura del héroe, el honor, la redención, y la fraternidad, como en sus mejores títulos de Hong Kong.
Me gusta la sutilidad con la que rueda la escena de la operación del intercambio de caras, mostrando la sangre lo justo y necesario, con una precisión casi milimétrica. O como presenta a Castor sin cara reflejado en las gafas del doctor. Y no me quiero olvidar del momento más recordado de la película, aquel en el que Archer y Castor se apuntan el uno al otro, con un espejo entre ambos, con el reflejo mostrando realmente a quien desean matar (ese momento contiene resumida toda la película).
Cara a cara no podría empezar con más fuerza, con la muerte del hijo de Archer, ya desde la primera escena estamos metidos en la historia y los personajes han sido definidos.
Al eliminar la mayoría de elementos de ciencia ficción de la historia, se produce un choque muy extraño cuando Archer es encerrado en la prisión magnética. Hubiera funcionado mejor si se tratara de una prisión normal, o hubieran mantenido más elementos de ciencia ficción en la película, para que el equilibrio fuera mejor. Ya que hasta ese momento no sabíamos que estábamos en una película futurista, el intercambio de caras nos puede dar alguna pista, pero lo de la prisión nos pilla por sorpresa. Pero es parte de ese tono extraño e irreal de la película, todo sucede en el universo creado por John Woo, donde esto es posible, y lo damos por bueno.
Aunque Travolta y Cage ensayaran juntos, nunca tengo la sensación de que uno se meta la piel del otro, si no que parece que cada uno interpreta al héroe y al villano como mejor le parece, lo que hace que la experiencia sea aún más divertida. Cuando ambos son Archer, son aquejados y melancólicos, pero cuando están en la piel de Castor, se lo pasan en grande dando vida a un villano más grande que la vida (es inolvidable ese momento en que se raja la cara antes de morir).
Travolta y Cage desprenden carisma constantemente y se nota que disfrutan de cada escena. Ambos están sobreactuados, pero es parte de la gracia de la película, encaja con su tono exagerado. Con Cara a cara, Cage culminaría la curiosa trilogía que lo convertiría en una estrella del cine de acción en los noventa, tras La Roca (1996) y Con Air (1997). Y Travolta demuestra que no hay nadie como él en el cine de acción para dar vida a un villano memorable y cachondo (como demostró en Broken Arrow y Operación Swordfish).
La película guarda un tono de lo más irreverente y macarra. No sólo Archer se ve en la tesitura de tomar drogas para hacerse pasar por Castor. Además tenemos esa recordada escena de Castor vestido de cura activando una bomba, y después insinuándose a una joven. Pero el momento que se lleva la palma, es ese acercamiento incestuoso de Archer/Castor hacia su hija, y que hace que la escena con la otra chica tenga sentido en el guión, ya que sienta el planting de que al villano le gustan las jovencitas, lo que hace que haya una mayor tensión en la posterior escena con Dominique Swain.
Al final toda la historia trata de un hombre que pierde a su familia y a si mismo en un tragedia, y su viaje hasta recuperar su vida. La película se cierra con la familia de Archer adoptando al hijo de Castor y cerrando el circulo, cicatrizando así la herida abierta (de hecho, la cicatriz de Archer literalmente desaparece).
Cara a cara es una de las grandes películas de acción que ha dado el cine. No paran de ocurrir cosas, lo que no deja un momento de respiro al espectador. Es una película de muchas caras, siendo al mismo tiempo adrenalítica, dramática, extraña, y divertida. Es Woo en estado puro, pero al mismo tiempo es algo diferente. Un ballet sangriento de tiroteos, explosiones, y palomas, que nos hace disfrutar enormemente. Y es que es casi imposible no pasárselo bien con esta descarada película.

CURIOSIDADES
Es la película favorita de John Woo, de todas las que rodó en su etapa americana.
Y es la película favorita de Nicolas Cage de todas en las que ha participado.
Aunque se dice que Werb y Colleary se inspiraron en Plan diabólico (1966) para escribir el guión, no es cierto, ni siquiera habían visto la película cuando escribieron el guión.
La prisión magnética se llama Erewhon, que es una anagrama de "nowhere" (ninguna parte), y que fue acuñado originalmente por el escritor Samuel Butler, en su novela Erewhon.
Los mandos del avión tiene grabadas las iniciales JW, en una referencia a John Woo.
El guionista Mike Werb hace un cameo, como el padre cuya hija es atendida por Eve Archer en el hospital, cuando Archer (con la cara de Castor) la llama por teléfono.
Woo le dio a escoger a Nicolas Cage entre varias armas para su personaje, el actor se quedó con dos pistolas bañadas en oro con dragones en las empuñaduras.
El primer trasplante total de cara en el mundo, tuvo lugar en 2010 en España, más concretamente en el Hospital Universitario Valle de Hebrón de Barcelona, siendo el Dr. Joan Pere Barret el responsable de la operación.
En un momento de la película, se dice que la diferencia de altura entre Archer y Castor es insignificante. En realidad, Travolta mide 1,88 m y Cage 1,83 m.
Ganó el premio Saturn al mejor director (John Woo) y mejor guión (Mike Werb y Michael Colleary). Además de ser nominada en las categorías de mejor película de acción/aventura/thriller, mejor actor (Nicolas Cage y John Travolta), mejor actriz secundaria (Joan Allen), mejor interpretación por un joven actor/actriz (Dominique Swain), mejor música (John Powell), y mejor maquillaje (David Atherton y Kevin Yagher).
Cahiers du Cinéma la incluyó en su lista de las 10 mejores películas de 1997.
Las botas magnéticas de la prisión se parecen sospechosamente a las botas magnéticas de los Goombas in Super Mario Bros. (1993).
Se utilizó la canción "Don't Lose Your Head" de INXS para promocionar la película.
En 2019, saltó la noticia que Paramount trabajaba en un remake de la película. Y en 2021, se anunció la realización de una secuela dirigida por Adam Wingard.

BIBLIOGRAFÍA
Entrevista a Michael Colleary (ene-feb 2021)
Starlog Magazine (nº 319, 320)
Interview Writer Mike Werb (Writer Supercenter)
Future Films (Variety, 2 oct 1995)
Hong Kong and Vine (Phoenix New Times, 26 jun 1997)
John Woo: Interviews (Robert K. Elder, 2005)
Woo on Burton (Los Angeles Magazine, mar 2002)
Creativity shoot by shoot (Entertainment Weekly, 27 jun 1997)
Wooed with violence (The Guardian, 11 jun 2000)
John Woo on John Woo: My Hits -- and Misses (Entertainment Weekly, 17 nov 2009)
Director John Woo (Fresh Air, 10 jul 1997)
Interview: Wesley Strick (We Are Cult, 10 ene 2018)

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posted by Rodi at 10:44 AM 8 comments