Thursday, March 05, 2026

Los inmortales

"Sólo puede quedar uno."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un grupo de elegidos inmortales, se enfrentan a lo largo de la historia, hasta que sólo quede uno, y obtenga un gran poder.

PRÍNCIPES DEL UNIVERSO
La inspiración para Los inmortales (Highlander, 1986) le vino al guionista Gregory Widen, cuando estudiaba en UCLA, y fue la suma de varias influencias. Widen recordó un viaje que hizo por Europa, en concreto a Escocia, y además de una visita a la Torre de Londres, donde mientras observaba la gran armería del lugar, pensó que pasaría si fuera el dueño de todo aquello, y hubiera portado alguna de esas armaduras en combate. A esto hubo que sumar Los duelistas (1977), con dos enemigos batiéndose en duelo a lo largo de los años. Widen escribió el guion como un proyecto fin de curso en 1982, y su profesor le dio un gran apoyo a su libreto, lo que le ánimo a buscarse un agente y tratar de venderlo. Lo envío a seis agentes y uno de ellos se interesó por él.
El título original, "Highlander", surgió de un brainstorming de ideas de Widen con sus compañeros de habitación de UCLA, los futuros directores Fred Dekker (Una pandilla alucinante) y Ethan Wiley (House II, aún más alucinante).
En 1982, Widen vendió el guion en por 200.000 dólares a los productores Peter S. Davis y William N. Panzer (Clave: Omega).
El guion sería reescrito por la pareja de guionistas Peter Bellwood y Larry Ferguson, quienes habían escrito para los productores El volcán asesino (1981). Widen nunca llegó a conocer a los nuevos guionistas. Se llegaron a escribir un total de seis guiones.
Con las reescrituras, el guion perdió el tono oscuro de Widen. Lo que más cambió fue el personaje del Kurgan, que pasó de un ser torturado, a un villano excesivo. Además se incluyeron ideas como la transferencia de poder después de que un inmortal mate a otro, y que un inmortal no puede tener descendencia. Y añadieron los personajes de Rachel (la niña de la segunda guerra mundial que MacLeod rescata) y Heather (su amor en la Escocia medieval).
Con el guion definitivo, Davis y Panzer lo presentaron a la compañía británica Thorn EMI Screen Entertainment y a Twentieth Century Fox para que la financiaran conjuntamente, y el proyecto obtuvo luz verde. Thorn EMI se quedó con los derechos de distribución internacionales, y Fox con los del territorio norteamericano.
Davis y Panzer aún no estaban del todo convencidos con el guion, y llamaron de nuevo a Widen para que hiciera la reescritura final, y estuvo presente en el set por si eran necesarias más reescrituras. Larry Ferguson y Peter Bellwood también estuvieron en algunos momentos en el set, pero se entiende que nunca coincidieron con Widen.
Para sentarse en la silla del director tuvieron dos opciones, Ian Sharp (S.A.S. Los invencibles) y Russell Mulcahy. Pero desde Thorn EMI rechazaron a Sharp, siendo así Mulcahy escogido. Éste había llamado la atención de Davis y Panzer gracias a su opera prima Razorback: Los colmillos del infierno (1984) y sus videos musicales, lo que les hizo pensar que era el director apropiado para la película. La oferta le llegó a Mulcahy justo en un momento en el que otro proyecto en el que trabajaba llegó a punto muerto, "Heavy Metal-The Movie", y le encantó el guion de Los inmortales.
Fue idea de Mulcahy cambiar la escena de la muerte de Ramirez a manos el Kurgan, originalmente tenía lugar en una pequeña cabaña, y el director le dio un toque más espectacular, al situarla en las ruinas de un torreón, con una gran escalinata de piedra.

REPARTO
Originalmente Kurt Russell fue escogido para dar vida al inmortal Connor MacLeod, pero después rechazó la oferta por consejo de su pareja Goldie Hawn. Se consideraron a otros actores, entre ellos Jeff Bridges, pero el papel pasó a Christopher Lambert. Mientras Mulcahy ojeaba una revista, vio una foto del actor como Tarzán en Greystoke: La leyenda de Tarzán, el rey de los monos (1984), y creyó que era perfecto para el papel. "Cuando leí Los inmortales, lo que me interesó fue el romance," declaraba el actor a The Guardian, "el dolor que este hombre cargaba, no poder morir y ver a su alrededor a todas las personas que amaba que se habían ido antes que él." Fue sólo después de firmar el contrato, que descubrieron que Lambert no hablaba inglés. Necesitaron ponerle un profesor durante todo el rodaje, y durante la post-producción grabaron de nuevo todas sus frases, intentando que tuviera un acento difícil de reconocer. El actor tuvo que entrenar también en el arte de la espada. Bob Anderson (La máscara del Zorro) fue su entrenador, comenzaron con espadas de plástico, después pasaron a utilizar espadas de madera, de ahí entrenaron con espadas de aluminio, más tarde lo hicieron con acero ligero, y por último con acero pesado. Lambert entrenaba cuatro horas por la mañana su inglés, y otras cuatro horas por la tarde con la espada. El entrenamiento con espada se prolongó a lo largo de varios meses, y tuvo mucho mérito por parte del actor, ya que sufría de una gran miopía, por lo que no podía ver la espada ni a su oponente, ensayaba sus coreografías con gafas, y después se las quitaba y repetía los mismos movimientos a la perfección a la hora de rodar las escenas.
Sean Connery dio vida a Ramirez a cambio de un cheque de 1 millón de dólares por una semana de trabajo. El escocés ya había sido contratado, antes que Mulcahy entrase en el proyecto.
En Clancy Brown recayó el papel del villano Kurgan, gracias a una recomendación de Sting a Mulcahy (según cuenta Brown, éste había sido rechazado por Arnold Schwarzenegger). El popular cantante acababa de trabajar con Brown en La prometida (1985). Al actor le atrajo del proyecto poder interpretar justo un personaje opuesto al que acababa de dar vida en La prometida. Fue idea suya raparse la cabeza y hacerse un tatuaje para dar vida al Kurgan.
Roxanne Hart dio vida a la forense Brenda Wyatt, que investiga a MacLeod. La actriz sólo conoció al productor Peter S. Davis en una entrevista en Nueva York, y llegó a esa reunión gracias a su agente.
Catherine Mary Stewart fue escogida para dar vida a Heather, el amor de MacLeod en Escocia, pero después no llegó a participar en la película por no estar disponible. El papel recayó en la inglesa Beatie Edney.
El resto del reparto lo formaron Alan North (interpretando al teniente Frank Moran), Sheila Gish (como Rachel Ellenstein, la única persona que sabe el secreto de MacLeod en la actualidad), Jon Polito (en el papel del detective Walter Bedsoe), y Hugh Quarshie (como el inmortal Sunda Kastagir).

RODAJE
Con un presupuesto de 16 millones de dólares, el rodaje comenzó en abril de 1985, y tuvo una duración de 70 días.
A finales de abril, filmaron en Brocket Hall, una casa de campo neoclásica, situada en Hertfordshire, la escena del duelo del año 1.783.
Filmaron exteriores en Escocia durante el mes de mayo, en lugares tan emblemáticos como el Castillo de Eilean Donan, Glencoe (batalla entre MacLeod y el Kurgan), Silver Sands of Morar (escena de la playa) o Loch Shiel (escena de MacLeod y Ramirez en la barca).
La producción tuvo su base en los Jacob Street Studio de Londres. En la ciudad londinense también filmaron algunas secuencias, durante el mes de junio, utilizando localizaciones de Scotland Yard, St Augustine's Church (escena de la iglesia), un almacén en Greenwich Village (donde recrearon el letrero de neón de Silvercup Studios para el clímax), el parking del "Centro de Exhibiciones Earls Court" (pelea inicial del aparcamiento del Madison Square Garden), y Shad Thames (callejón de Nueva York donde luchan el Kurgan y Kastagir).
Después la producción se movió a Nueva York para completar el rodaje en el mes de julio. En la gran manzana rodaron durante dos semanas, las secuencias del Kurgan conduciendo un coche por la ciudad, la secuencia del Madison Square Garden con la que arranca la película (que en realidad se filmó en el Continental Airlines Arena de Nueva Jersey), el encuentro entre MacLeod y Kastagir (en Central Park), las escenas de la tienda de antigüedades de MacLeod (en el SoHo), y la pelea final en la azotea con el neón de Silvercup Studios.
La escena final con Lambert y Hart en Escocia, se filmó realmente en Gales, muchos meses después del final de la fotografía principal. 
El rodaje sufrió un tiempo horrible, tanto en Escocia como en Londres. Mucha lluvia y un clima húmedo fueron la tónica habitual.
No sólo se mojaron en exteriores, cuando rodaron la pelea inicial en el parking, el sistema de riego se activó por error mojando a todo el mundo.
El que lo pasó mal con el agua fue Lambert, cuando se vio obligado a meterse en las frías aguas del Loch Shiel en Escocia. "La primera vez es una sorpresa," declaraba el actor a The List. "Pensé que el agua estaría fría, pero no tanto. La segunda vez sabes que va a estar helada. La tercera vez te das la vuelta y dices: 'Esa es la última toma que harás'."
El clima es Escocia era muy cambiante. Cuando rodaron la batalla tuvieron nieve, sol y lluvia, todo en un mismo día. Para dicha secuencia, que rodaron a lo largo de cuatro días, reclutaron en torno a 500 extras (la mayoría escoceses), quienes se lo tomaron en serio, y hubo muchos heridos durante el rodaje. Además bebieron alcohol, lo que no mejoró precisamente su carácter. Pero la cosa se fue un poco de madre, cuando los productores para ahorrarse algo de dinero, decidieron no darles de desayunar a los extras el primer día, esto hizo que se enfadaran y algunos amenazaran con marcharse, la cosa llegó hasta tal punto que un ayudante dirección amenazó con meter a Connery (también escocés) en medio del asunto, lo que hizo recular a los productores, y finalmente dieron de comer a los extras.
Para caldear más el ambiente, Lambert y Beatie Edney tuvieron un romance durante el rodaje de la película.
Mulcahy quería que el director de fotografía de Razorback: Los colmillos del infierno (1984), Dean Semler, se hiciera cargo de Los inmortales, pero el australiano, debido a leyes sindicales quedó excluido de la película. Mulcahy entrevistó a varios camarógrafos, y escogió a Gerry Fisher (Evasión o victoria). Fisher se encargó de la fotografía de las escenas de Escocia y Londres, pero no se desplazó a Nueva York, para las escenas rodadas en la Gran Manzana, Mulcahy contó con Tony Mitchell, quien había sido su director de fotografía en Arena: An Absurd Notion (1985).
Los inmortales fue una de las primeras películas en utilizar la cámara Skycam, que fue el primer sistema de cámara voladora suspendida mediante cables. Mulcahy quería empezar la película de una forma espectacular, con una toma aérea en el Madison Square Garden, que recorriese todo el lugar hasta un primer plano de Lambert. Sólo tenían diez minutos para rodar en el Continental Airlines Arena que se hacía pasar por el Madison Square, y el director utilizó este novedoso sistema. Como utilizaron un gran angular para la Skycam, y era una cámara muy pesada, no podían frenarla fácilmente, decidieron crear la escena mediante dos planos, el planeo aéreo de la Skycam, y otro posterior de la cámara acercándose a Lambert con lentes cortas, y para unir ambos planos insertaron un plano en blanco en medio usando los flashes de las cámaras de los extras, para crear a sí la ilusión de un único plano fluido. Cuando rodaron la escena utilizaron nueve cámaras para captar planos de reacción dentro del recinto. Y la escena se completó tiempo después en estudio, donde se construyó un set de las gradas, para el resto de tomas con Lambert.
Mulcahy quiso contar con su amigo el director Stephen Hopkins (Depredador 2), quien aún no había debutado en el cine, pero había realizado muchos videoclips, para que se encargase del diseño de la película, pero Hopkins rechazó la oferta por considerarse muy joven, y creer que no realizaría un buen trabajo. Entonces Mulcahy le pidió que se encargara de la segunda unidad en Londres y Escocia, y esta vez dijo que sí. Hopkins llegó a rodar escenas con Sean Connery.
Para el puesto de diseñador de producción, el director se entrevistó con Allan Cameron (Starship Troopers), y después de una semana le ofreció el puesto. Para crear el loft de MacLeod en Nueva York contó sólo con cerca de 50.000 dólares. Las condiciones de rodaje en los Jacob Street Studio no fueron las mejores, además de tener una pésima sonoridad, había columnas por en medio, que a Cameron no le quedó más remedio que integrar en sus diseños.
En el primer día de rodaje de Connery, a punto estuvo de resultar decapitado como si fuese un inmortal. También era el primer día de Clancy Brown, y ambos tenían que rodar su enfrentamiento, en los Jacob Street Studio de Londres. Brown debía partir una mesa a la mitad con su espada, pero estaba muy nervioso, y la golpeó con la zona plana del arma, lo que provocó que ésta se rompiese y un trozo saliese volando, pasando por encima de la cabeza de Connery. El actor escocés se marchó del set enfadado, y convocó una reunión de urgencia. Todo hacía temer que el actor dejaría el rodaje en su primer día, pero gracias a las disculpas de Brown, y a la decisión de utilizar al doble de Connery, calmaron la situación, y el rodaje pudo continuar. Para conseguir el efecto del muro derrumbándose en el clímax de la escena, se consiguió atando a cada piedra un sedal, y con varios hombres tirando de ellas en el momento adecuado. Salió perfecto a la primera toma.
El tener tan poco tiempo a Connery en el set, trajo consecuencias curiosas. Al actor lo transportaban en helicóptero a cada localización para no perder tiempo. Cuando el primer día de rodaje, a Clancy Brown le tocó rodar con el actor escocés, utilizaron cinco cámaras, cuatro fijas en Connery y la quinta en la espalda de Brown, pero al actor le tocó dar las réplicas a Ramirez usando un doble de Connery. Y lo mismo sucedía en las escenas que compartían Lambert y Connery, rodaban planos de Connery primero, y las réplicas de Lambert no se filmaban hasta semanas después. El último día de rodaje, aún no habían filmado todo el material que necesitaban de Connery, y si se pasaban de fecha debían pagarle una gran suma al actor, y éste picó a Mulcahy diciéndole que no iban a terminar a tiempo, de modo que, el director le filmó durante 30 minutos con tres cámaras al mismo tiempo sobre un fondo neutro, haciendo diferentes poses o gestos (poniéndose un sombrero, alzando una espada, sonriente, serio, gritando). Al llegar al final de la hora de su contrato, el director le dijo a Connery que había terminado con él. Connery le respondió mientras sonreía con un, "¡Bastardo!".
Y es que Mulcahy rodaba rápido, muy rápido y siempre utilizando varias cámaras simultáneas, y repitiendo pocas tomas. Esto hizo que mucha gente no se adaptara a su forma de trabajar, y fueron varios miembros del equipo los que tomaron la decisión de marcharse.
En las escenas de lucha con espadas, para conseguir el efecto de las chispas que se producen cuando una impacta contra otra, conectaron las espadas a baterías de coches, las cuales colocaron en las piernas de los actores. A la tercera toma, las empuñaduras de las espadas se calentaban tanto, que no podían seguir utilizándolas.
Cuando rodaron la escena del Kurgan conduciendo el Cadillac por la Gran Manzana, éste iba remolcado por otro coche donde iban las cámaras, y en un momento dado el director de segunda unidad de Nueva York, Andy Armstrong, se movió entre el coche que conducía Brown y el de las cámaras, y un policía que ayudaba a la producción le soltó que si volvía a hacerlo le detendría, lo que cabreó a Armstrong. De pronto, Brown como reacción a la escena se puso a cantar "New York, New York" a modo de broma, pero después ese momento le gustó a Mulcahy, y lo dejó en la película, y no sólo eso, Queen realizaría una versión del tema para la película.
Inicialmente estaba previsto que el enfrentamiento final entre MacLeod y Kurgan tuviera lugar en la "Estatua de la libertad", pero Remo, desarmado y peligroso (1985) se les adelantó. Después la idea pasó a ocurrir en una montaña rusa de Coney Island, con la atracción derrumbándose, pero la terminaron descartando porque se iba de presupuesto. Mientras recorrían Nueva York vieron en lo alto de un edificio el cartel de neón de Silvercup Studios, y decidieron situar la escena en esa localización. Filmaron en el propio edificio, y el resto se realizó en otro edificio en Greenwich Village (Londres). Cuando tuvieron que rodar en Londres, no les quedó más remedio que regar con una manguera todo el edificio porque era un almacén de amoniaco, y a todo el mundo le escocían los ojos. Los momentos más peligrosos de esta escena, cuando la lucha tiene lugar en lo alto del neón, y que rodaron en Londres, Lambert fue doblado por el especialista Andy Bradford, y Peter Brace hizo lo propio por Brown. Fueron necesarias cuatro tomas para conseguir la correcta. Y en medio de la pelea entre Lambert y Brown, una espada golpeó la cabeza de Roxanne Hart, era de metal ligero y por suerte la actriz no resultó herida. El final de la pelea en el interior del edificio tuvo lugar realmente en un almacén abandonado de los muelles de Londres. Allan Cameron creo un gran ventanal con una enorme fotografía de Nueva York detrás, y después colocaron explosivos en todas las ventanas para volarlas por los aires. Para filmar la explosión utilizaron siete cámaras, y necesitaron siete horas para coordinar la escena. 
Nick Maley, quien había trabajado con Mulcahy en Arena: An Absurd Notion, iba ser el diseñador de los efectos de maquillaje de la película, pero tuvo que abandonar la producción debido a un pequeño infarto y a un agotamiento nervioso. El puesto lo ocupó su compañero Bob Keen. Cuando Keen asumió sus funciones, Maley ya se había gastado dos tercios del presupuesto en diferentes ideas que terminaron siendo descartadas.
Para crear las decapitaciones utilizaron tres métodos, uno óptico; otro mediante un dispositivo de hombro, que iba sobre el actor quien tenía la cabeza agachada (y que sólo permitía filmarlo de espaldas); y un cuerpo animatrónico controlado por radiocontrol.
Keen también tuvo que proveer los maquillajes para los extras de la secuencia de la batalla en Escocia, con hombres llenos de heridas y cicatrices.
Para la secuencia final en la que MacLeod recibe el "Premio", se representó principalmente mediante el uso de unas figuras fantasmales, que consiguieron mediante la combinación de marionetas de varilla y animación. Keen trató de conseguirlo con actores vestidos con trajes de fantasmas, pero lo terminó descartando.
Peter Honess (L.A. Confidential) fue el encargado de editar la película, que fue todo un reto para él. "La película fue muy difícil porque había unas cuatro unidades rodando constantemente y una cantidad enorme de película," explicaba el montador en CineMontage. "Tenían a un chico programando; eso era todo lo que hacía durante 14 o 15 horas al día. Le pregunté: '¿Qué son todos esos rollos de película de ahí?', y me respondió: 'Esos son los 76 rollos que aún no he terminado. Esa es tu escena para mañana'. Me ayudó a controlar el pánico y el miedo al cine."
Famoso en el mundo de la música, gracias a su videoclips, Mulcahy se acercó a Queen para que compusieran un tema para la película. Montaron un vídeo de 20 minutos y se lo mostraron al grupo, en cuanto lo hubieron visto, decidieron que compondrían varios temas. Fueron seis en total ("A Kind of Magic", "Princes of the Universe", "Who Wants to Live Forever", "Gimme the Prize (Kurgan's Theme)", "One Year of Love" y "Don't Lose Your Head"), e incluso Freddie Mercury se marcó una versión del clásico "New York, New York". La banda sonora también incluye el tema "Hammer To Fall", que Queen había incluido en su álbum de 1984 "The Works". El grupo se implicó totalmente en el proyecto y trabajó estrechamente con el compositor de la película Michael Kamen.
Los inmortales lo tenía todo para ser una éxito de taquilla, Lambert venía del éxito de Greystoke, Sean Connery ya era una leyenda, la música de Queen era un valor añadido, y contaba con una historia de espada y brujería tan de moda en la época, pero contra todo pronóstico, en Estados Unidos resultó ser un fracaso de taquilla. Mulcahy recordaba el pésimo póster en blanco y negro diseñado para la campaña norteamericana con un primer plano de Lambert. "Parecía que tenía acné," declaraba el director a The Guardian (el póster es para verlo). En Europa le fue mejor, pero no mucho. En Francia fue un éxito enorme, llegando a reunir 4.141.203 espectadores. La película llegó a las pantallas de cine de Estados Unidos y Canadá el 7 de marzo de 1986, y su recaudación sólo alcanzó los 5.900.000 de dólares, siendo la taquilla final a nivel mundial de 12.900.000 de dólares.
La recepción a la película fue tan mala, que la Fox canceló su contrato por tres películas con Davis y Panzer (lo que terminó en una demanda), y además el estudio le pidió a Mulcahy que hiciera un nuevo montaje para relanzar la película en salas. Esta versión para Estados Unidos fue 6 minutos más corta. Se eliminó por completo la escena de la Segunda Guerra Mundial, que explicaba como MacLeod conoció a Rachel siendo niña (esta escena había sido financiada por el propio Mulcahy). Y otras escenas se recortaron, como la escena de lucha libre en el Madison Square Garden, el enfrentamiento en el aparcamiento, un momento en la iglesia con el Kurgan, o el final cómico del duelo en el año 1.783. Además se añadió una voz en off de Sean Connery a modo de prologó y epílogo, para explicar mejor la historia. Su voz en off se grabó por teléfono, con Connery diciendo sus frases desde el baño de la casa de España en la que pasaba sus vacaciones, aunque parecía sonar bien, más tarde detectaron un eco que quedó en la película.
La película alcanzaría la popularidad gracias a su salida en video doméstico, donde el público realmente la descubrió, y la convirtió en una película de culto. La cual generaría tres secuelas, varias series de televisión (una incluso de animación), y varias películas para televisión. Con un legado que llega hasta nuestros días.

VALORACIÓN
El caso de Los inmortales es muy curioso, una película con una trama que claramente sólo da para una película, la cual se cierra satisfactoriamente, pero que daría pie a una saga. Lo peor es que todo lo que vino después de la película original, es malo o muy malo.
Y es una película extraña, tiene a un francés haciendo de escocés, a un escocés haciendo de español/egipcio, canciones rock, unos inmortales con su propio lore, luchas con espadas en la época moderna, y una estética de videoclip marcada, y lo más increíble es que funciona, con algunas reservas, pero funciona, en algo parecido a la alquimia.
Creo que es una película adelantada a su tiempo y eso explica el rechazo del público en el momento de su estreno. Hoy día estamos acostumbrados a todos los flashbacks y transiciones temporales, y pese a que la película se sigue perfectamente, al público de 1986 le pilló por sorpresa este tipo de recursos narrativos, y no conectaron con la película.
El uso el montaje con flashbacks para explicarnos el pasado de MacLeod funcionan, haciendo la película siempre sorprendente y dándonos información sobre su protagonista. Aunque alguno, como ese duelo cómico en el año 1.783, no aporta nada a la trama, e incluso el gag final con su rival disparando a su ayudante sobra.
Mulcahy rueda con mucha energía la película, y se marca algunos planos fantásticos (esa toma aérea en el Madison Square es excelente), pero creo que el montaje en las escenas de acción estropea su planificación, éstas escenas funcionarían mejor con un uso de planos más largos. Busca un estilo estético por encima de lo narrativo, pero aunque su puesta en escena es vistosa y característica, cuando el director opta por el uso de planos más largos y deja que estos respiren, realmente se luce. Además sabe aprovechar las localizaciones (como la azotea con el cartel de neón Silvercup) y los escenarios naturales (Escocia brilla en cada escena). Y me gustan las transiciones que va utilizando para los saltos temporales, tratando siempre de ser imaginativo.
Por momentos al director se le va la película, sobre todo en tono, como esa escena con la aparición de un justiciero urbano que ametralla al Kurgan, o como éste después roba un coche en el que se encuentra una anciana, y que comienza a gritar cuando se la lleva en el coche.
Veo un problema con el Kurgan, Clancy Brown tiene una presencia enorme y su villano resulta aterrador, pero conforme avanza la película, termina siendo sólo un ser excesivo que sólo sabe reírse a carcajadas sin parar, como un villano al uso. Hubiera funcionado mucho mejor si éste mantuviese el tono oscuro del arranque de la película. Aún así Brown es terrorífico, y compone a uno de los grandes villanos de los ochenta. 
El guion no explica de forma clara lo que es el "Premio" que persiguen los inmortales. Sólo en la escena final de la película MacLeod dice que consiste en poder leer la mente de todos los hombres. Pero Ramirez le explica a MacLeod que si el Kurgan se hace con el "Premio" puede ser terrible para la humanidad. ¿Cómo puede ser tan horrible si sólo consiste en leer las mentes? Realmente no le da ningún tipo de poder o fuerza, por lo que la explicación final parece una idea de última hora. El guion tampoco explica como funciona el mundo de los inmortales, son una serie de elegidos a lo largo de la historia para enfrentarse, pero como sabe Ramirez toda esa información que da a MacLeod, si él lo sabe por ser un inmortal, ¿por qué no lo sabe MacLeod? El personaje de Ramirez está puesto para dar información al público, pero no tiene mucho sentido. Además, ¿por qué que Ramirez entrena a MacLeod?, ¿lo hace con todos los inmortales? En ningún momento se explica, sólo dice que entrenó a MacLeod para enfrentarse al Kurgan, y que MacLeoed es el último de los inmortales elegidos y que lleva años esperando por él. Los elegidos se supone que se atraen entre ellos o se sienten de alguna forma, pero el Kurgan da con MacLeod antes de que se convierta en inmortal, y Ramirez le explica a MacLeod que dio con él, sólo después que el Kurgan lo matara. MacLeod siente a Basil en el Madison por estar cerca, pero Ramirez viaja desde España a Escocia para reunirse con MacLeod. Este sexto sentido nunca se le da una verdadera explicación, y se deja dentro del terreno de lo sobrenatural. Básicamente trataron de inventarse unas reglas para explicar la mitología de la película, pero de una forma muy laxa, y que cambian según les conviene para justificar ciertas cosas de la historia. Y es una lástima, porque la idea de un grupo de inmortales elegidos, que se enfrentan con espadas en la época actual, hasta que sólo quede uno, para obtener un gran poder, es muy atractiva.
Y luego hay situaciones que no se explican, como por ejemplo, como descubre el Kurgan donde vive Brenda, simplemente aparece en su casa antes del clímax para secuestrarla, porque los guionistas la necesitan tener ahí para el enfrentamiento final, y que Connor tenga que salvarla.
Pero después el guion es interesante en otras ideas, como ver como MacLeod comparte su vida con Heather hasta que muere de anciana, y como éste no quiere volver a enamorarse para evitar ver como muere otra persona a la que ama. MacLeod quiere el "Premio" porque está cansado de vivir eternamente, y quiere ser mortal, su personaje muestra el peso de la inmortalidad, y como ésta tal vez no es tan maravillosa como puede parecer. Es interesante como el protagonista es desterrado de su clan tras revivir, y que todos le teman. Y me gusta como utiliza el personaje de Brenda, para conocer poco a poco a MacLeod como si de una investigación policial se tratarse. 
Creo que Lambert funciona bien como héroe atormentado e introspectivo, éste es uno de sus mejores papeles y resulta memorable con su gabardina, deportivas y katana en mano. Y Connery tiene mucha presencia, resulta muy carismático y roba cada una de las escenas en las que aparece.
El uso de las canciones de Queen funcionan dentro de la narrativa de la película porque expresan sentimientos de los personajes (como "Who Wants to Live Forever"), y además son todos temazos.
Los inmortales es hija de su época, encapsula perfectamente el estilo de los ochenta para la bueno y lo malo. Es visualmente atractiva y tiene un buen ritmo; pero cae en algunos clichés, como el montaje confuso, la estética por encima del contenido, o una banda sonora que prima las canciones por encima de lo orquestal. Es una película como no hay otra igual, y eso es mucho. Sigue ganando fans después de tantos años. Al final ha terminado siendo tan inmortal como sus protagonistas.

CURIOSIDADES
La película contó con su versión de videojuego para las consolas Commodore 64, Amstrad CPC y ZX Spectrum.
Además de contar con Christopher Lambert y Sean Connery para la Los inmortales II: El desafío (1991), también querían que regresase Clancy Brown como el Kurgan, pero éste rechazó participar en la película.
El coordinador  de especialistas Peter Diamond, interpreta a Iman Fasil, es el primer espadachín con el que se enfrenta Connor MacLeod.
Para volar por los aires las ventanas en el callejón, en el que el Kurgan mata a Sunda Kastagir, utilizaron gelignita.
En el guion original, MacLeod presenciaba en el Madison Square Garden un partido de hockey. Los productores hablaron con la Liga Nacional de Hockey, pero no les permitieron hacerlo.
Russell Mulcahy tiene un cameo en la película. Se le puede ver como el hombre atropellado por un coche conducido por el Kurgan.
En la versión original, cuando MacLeod obtiene el "Premio" dice: "I have the power! Aye, the quickening that empowers me! I feel everything! I know... I know everything! I am everything!" ("¡Tengo el poder! ¡Sí, el premio me da poder! ¡Lo siento todo! ¡Lo sé... lo sé todo! ¡Soy todo!). Pero en España, lo doblaron para que dijera: "¡Soy Connor MacLeod, del Clan MacLeod! ¡Quiero ser como los demás!" Lo que crea confusiones en la trama.
Russell Mulcahy dirigió personalmente los videoclips de los temas de Queen, "Princes of the Universe" y "A Kind of Magic". Christopher Lambert aparece en el de "Princes of the Universe" como MacLeod.
Existe una secuencia que se considera perdida, en la que el Kurgan lucha contra otro inmortal en Nueva York, Yung Dol Kim. Ambos luchan en una edificio de oficinas, y al final Yung Dol Kim, permite que el Kurgan acabe con su vida.
Hay varias escenas adicionales que fueron eliminadas. Siendo una de las principales, la que muestra a Bedsoe (Jon Polito) siguiendo a MacLeod y Kastagir, y como termina tomándose unas copas con ambos en un club. También una escena en la que MacLeod tras acostarse con Brenda, le muestra su katana. Y existe una escena alternativa de la coda final de MacLeod y Brenda en Escocia.

BIBLIOGRAFÍA
Cinefantastique Magazine (Vol. 15 Nº 5)
Cinefantastique Magazine (Vol. 16 Nº 2)
Cinefantastique Magazine (Vol. 16 Nº 3)
Empire Magazine (jul 2009)
An Interview With Russell Mulcahy (Money Into Light, 2016)
Starlog Magazine (Nº 104)
Starlog Magazine (Nº 105)
Starlog Magazine (Nº 106)
Starlog Magazine (Nº 107)
Stephen Hopkins Interview (AvP Galaxy, 8 ene 2021)
Ian Sharp Interview (The Flashback Files)
Mad Movies Magazine (Nº 40)
The List (22 ago 1986)
The Making of 'Highlander' (2007)
A Kind of Magic: Making The Original Highlander (Jonathan Melville, 2020)
Deleted Scenes: Bedsoe (Nash Antiques)
Deleted Scenes: Brenda (Nash Antiques)

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Friday, September 12, 2025

Aterriza como puedas

"Escogí un mal día para dejar de oler pegamento."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En un vuelo comercial, tras resultar los pilotos envenenados, un ex-piloto con miedo a volar deberá tratar de aterrizar el avión.

¡AVIÓN!
David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker originarios de Milwaukee, fundaron el Kentucky Fried Theater, un grupo teatral cómico. Los ZAZ solían coger películas serias y las doblaban de forma cómica. Un día se toparon con Suspense... hora cero (1957), y decidieron que recrearían toda la película en forma de comedia. En 1975, escribieron el primer borrador del guion, pero se dieron cuenta de que para que funcionara, ellos mismos debían dirigirla, porque su concepto era que no debían utilizar cómicos, sino actores de carácter interpretando sus papeles de forma seria, algo novedoso.
Les costó vender el proyecto, de modo que pasaron a otra película, y realizaron Made in USA (1977), dirigida por John Landis, de la que eran guionistas, y una extensión de lo que realizaban en Kentucky Fried Theater. Aprendieron de Landis como escribir un guion y como se dirigía una película. Tras el estreno de Made in USA, volvieron a ponerse manos a la obra con el guion de Aterriza como puedas (Airplane!, 1980). Inicialmente el proyecto se llamó "The Late Show" (después pasaría a llamarse "Kentucky Fried Airplane", hasta quedar en el definitivo Airplane!).
El proyecto fue rechazado una y otra vez por todos los estudios de Hollywood, hasta que Michael Eisner, presidente de Paramount, creyó en él. Entonces apareció una oferta mejor de Avco Embassy, tras sopesarlo, los ZAZ se decidieron por llevar el proyecto a Avco, pero Jeffrey Katzenberg, mano derecha de Eisner, les hizo cambiar de opinión, y de esa forma el proyecto terminó finalmente en Paramount.
La idea inicial de los ZAZ era rodar la película en blanco y negro, y en un avión de hélice, al igual que en la película original, pero Eisner les explicó que el público no se identificaría con la película, de modo que, Aterriza como puedas se rodaría en color y en un avión a reacción. En lugar de entrometerse en el guion, Paramount apoyó a los directores. Se hicieron reescrituras, en las cuales se añadieron los flashbacks, y se desarrolló la historia de amor entre Striker y Elaine. Inicialmente había en medio de la película una serie de falsos anuncios, que se terminaron eliminando, para centrarse mejor en la trama.
Asignaron como productor a Howard W. Koch, bajo la condición de que pudiera despedir a los directores después de dos semanas, si el estudio no estaba contento con su trabajo. Los ZAZ aceptaron. Por suerte para los directores, Koch resultó ser un gran apoyo y un productor excelente.
Para evitar una demanda, se hicieron con los derechos de Suspense... hora cero, de Warner Bros. antes incluso que el proyecto acabara en Paramount, y lo consiguieron por una cifra muy baja, cerca de 2.500 dólares. Tiempo después descubrieron que Warner sólo tenía la mitad de los derechos, pero por suerte la otra mitad pertenecían a Paramount.

REPARTO
Paramount sugirió contratar a cómicos para los papeles principales, gente como Bill Murray y Chevy Chase, pero los ZAZ tenían claro que querían actores serios y no cómicos.
El deportista Bruce Jenner hizo tres audiciones para el papel de Ted Striker, protagonista de la película y que ha estado nervioso anteriormente. Paramount sugirió al cantante Barry Manilow para el papel. Fred Willard lo rechazó (aunque después se arrepintió). Y el cómico David Letterman se presentó a las pruebas, aunque no estaba muy convencido de hacerla, porque no quería ser actor, de modo que cuando le comunicaron que no había conseguido el papel, se sintió aliviado. Seguían sin encontrar a su Ted Striker, y ningún actor parecía encajar con el papel, hasta que un día la agente del actor Robert Hays llamó a Howard W. Koch, y le dijo que creía haber encontrado al interprete perfecto. Hays curiosamente leyó el guion en un avión, y no paró de reírse, cuando terminó se lo entregó a una azafata, quien empezó a reírse a carcajadas, el actor lo tomó como una buena señal. Después hizo una lectura que gustó a los productores, y más tarde realizó una prueba de cámara con Julie Hagerty, nada más realizarla sabían que habían encontrado a su protagonista, y le dieron el papel. El actor trabajaba en la sitcom Angie (1979-80), y el rodaje de la película coincidió con el inicio de la segunda temperada de la serie, de modo que durante dos semanas rodó en paralelo la película y la serie.
Shelley Long y Sigourney Weaver hicieron pruebas para el papel de Elaine Dickinson. Pero cuando la tímida Julie Hagerty hizo la suya, los ZAZ tuvieron claro que habían encontrado a su Elaine.
Paramount sugirió a Dom Deluise para el papel del Dr. Rumack. Vincent Price, Jack Webb y Vince Edwards rechazaron el papel. Y también Christopher Lee lo rechazó porque se encontraba rodando 1941 (1979), y le desaconsejaron que participara en Aterriza como puedas, algo de lo que después se arrepintió. El papel lo terminaría interpretando Leslie Nielsen, quien tras leer el guion deseaba tanto hacer la película, que le llegó a decir a su agente que estaría dispuesto a pagar por hacerla.
Los ZAZ escribieron el papel del capitán Rex Kramer para Robert Stack. De entrada, Stack creyó que el guion era una locura, pero su mujer creyó que sería una película divertida. Además, Koch había dirigido a Stack en varios episodios de su popular serie Los intocables (1959-63). De modo que a base de insistencia y de que los astros se alinearon, los ZAZ consiguieron a su actor soñado.
Querían a Peter Graves para el papel del piloto Clarence Oveur, de entrada al actor le horrorizó el guion (en el que básicamente daba vida a un pedófilo), pero le gustó a su mujer y a su hija, y ellas le convencieron para participar en la película.
Le ofrecieron el papel de Steve McCroskey a George Kennedy, pero el actor estaba ligado a las películas de la saga Aeropuerto, que justo Aterriza como puedas parodiaba, Universal, estudio detrás de dicha saga, se opuso a que participara en la película, de modo que, finalmente se quedó fuera. Al final contrataron a Lloyd Bridges, quien aceptó animado por sus hijos.
Algo similar sucedió con Helen Reddy, a quien querían para el papel de la monja, como parodia de un papel parecido que había interpretado en Aeropuerto 1975 (1974), pero Universal puso el veto, y la actriz, pese a que quería participar en la película, no pudo hacerlo. El papel recayó en Maureen McGovern.
El papel de Roger Murdock fue escrito para el jugador de beisbol Pete Rose, pero al final consiguieron al famoso jugador de baloncesto Kareem Abdul-Jabbar para interpretarlo, algo que hizo a cambio de 35.000 dólares.
Y el papel del teniente Hurwitz fue escrito para Ethel Merman, quien lo aceptó interpretándose a si misma.
Stephen Stucker, miembro del Kentucky Fried Theater, interpretó a Johnny Henshaw-Jacobs. Le dieron la libertad para que escribiese sus propias frases.
Los ZAZ querían a su antigua compañera de clase Marcy Goldman, para el papel de la Sra. Hammen, pero finalmente éste recayó en la mucho más experimentada Lee Bryant, quien tuvo que hacer varias audiciones. Y Goldman se tuvo que conformar con el papel de la Sra. Geline.
El pequeño Rossie Harris consiguió el papel de Joey, tras varias audiciones.
Contrataron a Barbara Billingsley para dar vida a la mujer que habla jerga, porque los ZAZ eran fans de la serie Aventuras de Pablito (1957-63) en la que interpretaba a una madre perfecta.
Los ZAZ tenían el mismo bufete de abogados que el actor Jonathan Banks (Superdetective en Hollywood), y gracias a eso consiguió una prueba, y se llevó el papel de Gunderson.
Jill Whelan, conocida por su participación en la serie Vacaciones en el mar (1977-87), dio vida a Lisa Davis, la niña que necesita un trasplante. Su audición consistió en poner una cara graciosa, la misma que tendría que poner en la película, en la escena en que la azafata canta la canción. El papel fue suyo.
David Leisure dio vida al primer krishna, consiguió el papel gracias a que accedió a raparse la cabeza, y que él y John David Wilder (segundo krishna) se parecían mucho.
Y Lorna Patterson dio vida a la azafata Randy.

RODAJE
Fue un rodaje muy rápido, de tan sólo 35 días, comenzó el 20 de junio de 1979, y terminó el 25 de julio del mismo año. El set del avión se construyó en los Culver City Studios. La escena de la pelea en el bar se rodó en los Paramount Studios. Y las escenas del aeropuerto se filmaron en el "Aeropuerto Internacional de Los Ángeles". En exteriores, rodaron la escena del flashback en la playa en Westward Beach (Malibú), y las escenas de África en Griffith Park (Los Ángeles).
Pese a ser tres directores, funcionaban como uno sólo, y se repartían las funciones. Jerry Zucker estaba en el set y hablaba con los actores, mientras que David Zucker y Jim Abrahams se situaban en una habitación, donde en un monitor veían lo que se filmaba. Después de cada toma se reunían, y decidían si la toma era buena, o debían hacer ajustes para repetirla. Y en caso de algún desacuerdo, votaban para tomar la decisión.
Los ejecutivos del estudio estaban nerviosos por tener a tres directores rodando una misma película, algo insólito. Y la escena que rodaron el primer día de fotografía principal fue la de "Don’t call me Shirley" (chiste que en España se perdió con la traducción). Pero tras ver los dailies de la escena, entendieron el tipo de comedia que estaban realizando y que funcionaría. Después todo fue sobre ruedas.
Les explicaron a los actores que actuaran como si no supieran que estaban en una comedia, pero este peculiar estilo de humor, chocaba con la forma de interpretar de algunos actores de carácter. En un momento del rodaje, Lloyd Bridges preguntó por la motivación de su personaje, y Robert Stack, que entendía el sentido del humor de la película, le explicó que una lanza iba a pasar volando para clavarse en una pared, y una sandía iba a espachurrarse contra una mesa, nadie les estaba viendo.
Todos los gags estaban en el guion, muy pocos fueron añadidos durante el rodaje. Uno de ellos fue la escena de la bofetada a la Sra. Hammen. Inicialmente la azafata Randy iba a abofetearla por ponerse histérica, pero alguien la llamaba y otro pasajero tomaba su lugar, pero no llegaba a darle la bofetada. Lee Bryant, quien daba vida a la Sra. Hammen, les propuso a los ZAZ que sí la abofetearan, y que además lo hicieran varias personas inesperadas, como la monja o el médico. A los directores les encantó la idea, y decidieron ampliar la escena y rodarla tal como se muestra en la película, siendo uno de sus momentos más memorables.
Al ver Shaft (1971), los ZAZ no entendieron la jerga que hablaban los actores afroamericanos, y les pareció gracioso ponerles subtítulos haciendo interpretaciones absurdas hechas por blancos. Así fue creado uno de los momentos más recordados de la película, la escena de la jerga. Cuando Al White y Norm Gibbs hicieron la prueba juntos, y tras leer el guion, pidieron escribir ellos mismos sus frases para darle autenticidad, algo que los ZAZ aceptaron de buen agrado, ya que los diálogos que habían escrito estaban en una jerga inventada. Ambos actores también escribieron las frases para Barbara Billingsley cuando les replica en la misma jerga.
No fue el único actor que tuvo que contribuir con frases, cuando los directores se dieron cuenta que para la escena en la que Striker aburre hasta la muerte al general japonés debían alargar el diálogo, le pidieron a Hays que lo hiciera. El actor estiró todo lo que pudo su discurso, sólo tenía hacer que fuera muy aburrido. 
Fue un rodaje divertido, en el que reinó el buen ambiente. Y eso se notaba entre los actores. En una ocasión, rodando una escena en la cabina del avión, la tímida Julie Hagerty dijo mal su frase y comenzó a disculparse repetidamente. Cuando volvieron a repetir la toma, Hays, para quitarle hierro al asunto, dijo mal la suya, pero cuando escuchó "Corten" en medio de la escena, ella comenzó a disculparse, y una vez le explicaron que era su compañero el que se había equivocado, volvió a disculparse de nuevo.
Leslie Nielsen fue el que hizo más bromas durante el rodaje, gracias a una máquina de pedos que usaba. Algo que hacía incluso mientras rodaba una escena, y tras cada frase que decía, accionaba el dispositivo, obligando a sus compañeros de reparto a mantenerse serios. El actor comenzó a vender dichas máquinas al equipo, por lo que no paraban de oírse pedos todo el rato en el set, hasta que llegó un punto que los directores decidieron pasar un cepillo para recogerlos antes de rodar una escena, y evitar los molestos sonidos de flatulencias.
La película tenía asignada a una supervisora de guion, que sentía poco respeto por los ZAZ, por ser novatos, de modo que a la mínima que pudieron le gastaron una broma. Una día Louie Feldman, amigo de David se presentó en el set todo trajeado, y le dijeron a la supervisora que se trataba del presidente de Paramount. Ésta no perdió tiempo para comenzar a hacerle la pelota, y explicarle todo lo que estaba mal en el rodaje, ante las carcajadas de los ZAZ.
Los ZAZ utilizaban Suspense... hora cero como referencia en el set, y tenían una copia siempre lista de la película, para de esa forma intentar imitar sus mismos ángulos de cámara o iluminación. Joseph F. Biroc (El coloso en llamas) fue el director de fotografía de película, y era muy mayor cuando hizo Aterriza como puedas, en ocasiones se quedaba dormido después de iluminar una toma. 
La última escena que rodaron fue la del avión estrellándose contra la terminal, que fue de paso la escena más cara de la película. Sólo se construyó el morro del avión y mediante una plataforma montada en un camión atravesó una enorme cristalera.
Contrataron al gran Elmer Bernstein para componer la música de la película, y le pidieron que hiciera una partitura para una película de serie B y que fuera seria, aunque Aterriza como puedas fuese una comedia disparatada, y así lo hizo.
Tras ver una copia de la película en su casa, a Eisner le encantó, y decidió que el primer pase de prueba se hiciera en Paramount, al cual acudirían los ejecutivos del estudio. Los ZAZ querían tener público real, pero la noche del pase el reclutador no hizo bien su trabajo, y no había ningún espectador, de modo que los directores tuvieron que personalmente salir a buscar gente a la calle, y la que encontraron, el inglés no era precisamente su primer idioma. Fue un pase desastroso en el que apenas hubo risas. 
Decidieron mejorar la película y hacer varios cambios. Tomaron como referente a un espectador que sí se rio durante el pase, y tomaron sus risas para editar la película. Además añadieron los créditos iniciales parodiando Tiburón (1975), para que la gente entendiera desde el minuto uno la película que iban a ver. Y recortaron escenas hasta reducir el metraje de 100 minutos a 87.
Con el nuevo metraje mejorado, hicieron un pase en la Universidad de California, y funcionó de maravilla. Después repitieron en otras universidades como Harvard, NYU y Wisconsin, haciendo mejoras en la película en función de las reacciones del público.
Así la película llegó a la premiere en un estado muy pulido. Eisner se empecinó que ésta debía realizarse también en Paramount, y tampoco salió como estaba previsto. Lo que sucedió es que no pasaron los rollos en el orden correcto, la película se componía de cinco rollos, y pasaron del tercero directamente al quinto, al darse cuenta de ello, Jerry Zucker salió corriendo a la sala de proyección para avisar al proyeccionista, no quedó más remedio que parar la proyección durante 10 minutos, para que pudiera poner el cuarto rollo. Pero aún así al público le gustó la película.
Aterriza como puedas se estrenó en Estados Unidos el 2 de julio de 1980, y fue un enorme éxito de taquilla, amasando 83.455.547 de dólares, lo que la convirtió en la cuarta película más taquillera del año en su país de origen. Algo increíble para un película que sólo había costado 3,5 millones de dólares.

VALORACIÓN
Aterriza como puedas es una de las películas más divertidas que se hayan realizado. Siempre se la coloca en la cúspide de la comedia y tiene bien merecida su fama. Supuso un soplo de aire fresco, y una nueva forma de hacer comedia, es cierto que Mel Brooks había realizado spoofs antes, de hecho, hay mucha relación entre esta película y El jovencito Frankenstein (1974), coger una película antigua y parodiarla, aunque Brooks parte de un clásico que homenajea, y los ZAZ de una serie B desconocida que parodian de arriba abajo usándola como modelo.
La gran novedad que trajeron los ZAZ, es hacer comedia partiendo de la base que los actores actúan serios, y de ese contraste viene el humor. Y es una idea que funciona a día de hoy, de hecho, se ha convertido en el estándar para una spoof movie, cuando más serios están los actores, más divertido resulta el sinsentido que acontece a su alrededor.
Una cosa que hace que Aterriza como puedas funcione, es que más allá de la locura y la diversión, queremos que Striker y Elaine acaben juntos, y que el avión aterrice y los pasajeros se salven, y tiene mucho mérito en una película en la que una mujer se acuesta con un caballo, o un montón de mierda se estrella contra un ventilador.
Los ZAZ terminan parodiando todo un género, el cine catastrofista, que tan popular fue en los setenta, y que para cuando Aterriza como puedas llegó a las salas de cine, ya había muerto con el estreno de El día del fin del mundo (1980). La saga Aeropuerto, la más popular dentro del aquel subgénero, se convirtió en una parodia, con aviones sin piloto en Aeropuerto 1975 (1974); otros hundidos en el fondo del mar Aeropuerto '77 (1977); o un misil persiguiendo al Concorde en Aeropuerto '80 (1979), como razón para matar a un pasajero. Los ZAZ tomaron el personaje de la monja y la niña enferma de Aeropuerto 1975.
Porque no sólo se parodia Suspense... hora cero, los ZAZ mediante los flashbacks introdujeron parodias a otras películas como Fiebre del sábado noche (1977) y De aquí a la eternidad (1953), que es lo que menos me gusta de la película, prefiero que se centre en el género o película que parodia, porque parece que pierde el foco, y además el parodiar directamente escenas de películas se convirtió en el mal endémico del género spoof, sobre todo con las secuelas de Scary Movie o el sinfín de comedias que realizó Leslie Nielsen (desde ¡Vaya un fugitivo! a Spanish Movie).
Ya en su primera película está presente casi todo el manual de bromas de los ZAZ, rotura de la cuarta pared (Striker soltando "Vaya una chorrada" a cámara), el gag que sucede en segundo plano (la lanza que se clava detrás de Kramer y McCroskey), humor escatológico (las tetas que aparecen en pantalla por sorpresa), los juegos de palabras ("¿Nervioso?", "Sí", "¿Es la primera vez?", "No, he estado nervioso muchas veces"), gags imposibles (Stack saliendo del espejo) y parodias de otras películas (las ya comentadas Fiebre del sábado noche y De aquí a la eternidad).
Lo que más me gusta de la película es como va a por todas para hacerte reír, y no hay nada imposible. Tiene muchos gags memorables, desde el pasajero del taxi al que Striker deja en la entrada del aeropuerto (y que lo espera hasta incluso después de los créditos finales), Rex Kramer quitándose unas gafas de sol y debajo tiene otras, el gag recurrente de McCroskey recayendo en todos sus antiguos vicios (fumar, alcohol, tranquilizantes, esnifar pegamento), Kareem Abdul-Jabbar saliéndose de su personaje para amenazar a un niño, la llegada de Rex Kramer al aeropuerto pegando a todo el que le pide dinero, y las incómodas preguntas de Peter Graves al niño ("Joey, ¿has estado alguna vez has estado en una prisión turca").
Y los actores están pletóricos, sobre todo los que son actores de carácter, personalmente Lloyd Bridges y Robert Stack me parecen graciosísimos, ver actores tan relacionados a papeles serios permanecer serios mientras todo a su alrededor es una locura, hace que resulten hilarantes.
Aterriza como puedas es una obra maestra de la comedia, y una película increíblemente influyente. Su mera existencia supone todo un milagro. Todo el genero spoof que vino después bebió directamente de ella. Pasan los años, pero sigue siendo divertida, lo cual es algo poco común. Es una película que siempre vuela alto.

CURIOSIDADES
Jim Abrahams da vida a uno de los fanáticos religiosos a los que Robert Stack golpea en el aeropuerto. Y David y Jerry Zucker interpretaron a los tipos que dirigen el avión contra la terminal del aeropuerto.
Las madres de los ZAZ tienen cameos en la película. La madre de Jim Abrahams es la que dice la frase: "Azafata, el señor que está a mi lado creo que es médico", y la de los Zucker es la mujer que trata de maquillarse durante las turbulencias.
Debut en el cine de Robert Hays, Julie Hagerty y David Leisure.
Paramount le ofreció a los ZAZ realizar Aterriza como puedas II (1982), pero la rechazaron. La terminaría dirigiendo y escribiendo Ken Finkleman.
Los ZAZ llegaron a proponer una idea para una secuela titulada "Airplane II: The Godfather", en la que tras casarse, Elaine va a conocer a la familia de Striker y resultan ser los Corleone. La negativa de Francis Ford Coppola echó por tierra el proyecto.
Arthur Hailey, además de escribir el guion de Suspense... hora cero, también escribió la novela "Aeropuerto".
La película fue nominada a los Globos de Oro, en la categoría de mejor película comedia o musical.
Además fue nominada a los BAFTA en la categoría de mejor guion (Jim Abrahams, David Zucker y Jerry Zucker).
Robert Hays y David Leisure fueron compañeros de habitación en la universidad.
Las tetas que aparecen por sorpresa son las de Kitten Natividad.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
Para la discusión entre matrimonio por la megafonía del aeropuerto (zona rioja, zona blanca), los ZAZ terminaron contratando a las personas que habían grabado realmente la megafonía del aeropuerto donde rodaron la película, y resultaron ser un auténtico matrimonio.
El Mustang del 66, que Robert Stack conduce en la película era el coche de Robert Hays.
Al mismo tiempo que se rodaba Aterriza como puedas, John Travolta filmaba para el mismo estudio Cowboy de ciudad (1980), y Robert Hays conoció al actor, a quien parodiaba en una secuencia de Fiebre del sábado noche (1977).

BIBLIOGRAFÍA
Airplane at 30! The ride of their lives (The Guardian, 22 ago 2010)
How We Made: Airplane! (The Guardian, 25 may 2020)
Robert Hays (AV Club, 4 oct 2011)
Total Film Magazine (may 2005)
The Directors: Take One (Robert J. Emery, 2002)
Airplane!’s Creators Reveal the Origins of ‘Don’t Call Me Shirley’ (Vulture, 1 feb 2016)
In Retrospect: Stacking It Up in ‘Airplane!’ (Front Row Features, 19 ago 2024)
Surely you can’t be serious: The True Story of Airplane! (David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker, 2023)

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Tuesday, July 01, 2025

Cocoon

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.
Un grupo de ancianos, que vive en una residencia, comienza a bañarse en una piscina en la que se encuentran unos capullos extraterrestres, que les devuelve la energía de su juventud.

LA FUENTE DE LA JUVENTUD
En 1979, David Saperstein escribió la novela "Cocoon", tras una visita a sus suegros en Florida, al sorprenderse de como los residentes del complejo de apartamentos donde vivían, pese a estar jubilados, aún seguían conectados a su vida anterior. La novela no sería publicada hasta 1985, aprovechando el estreno de la película.
Lili Fini Zanuck, mujer del productor Richard D. Zanuck (quien con su socio David Brown produjo títulos como Tiburón o Veredicto final), se topó con la novela de Saperstein, y creyó encontrar el material perfecto para una película. La productora se hizo con los derechos por tan solo 2.500 dólares. Lili Zanuck se enfrentó con tres cambios administrativos en la 20th Century Fox, estudio que realizó la película, eso provocó que Cocoon (Cocoon, 1985) tardara cuatro años en materializarse. En un momento dado incluso lo llevaron a otro estudio.
Como era su primera producción, Lili Zanuck no pudo contar con grandes nombres, y tuvo que recurrir a profesionales de un perfil más bajo. Para hacerse cargo del guion, apostó por un desconocido Tom Benedek, quien llevaba 10 años tratando de vender un guion en Hollywood, el cual llegó hasta las manos de la productora. Cuando Benedek fue contratado, se encontraba administrando un edificio de oficinas, así que Cocoon le cambió la vida. Benedek admite que nunca le gustó el final de la película, con la llegada del platillo volante, que simplemente se lleva a los ancianos al planeta Antarea, lo que recuerda al final de Encuentros en la tercera fase (1977).
Para sentarse en la silla del director, le ofrecieron el puesto a Robert Zemeckis, protegido de Spielberg, que venía de dos fracasos de taquilla con Locos por ellos (1978) y Frenos rotos, coches locos (1980). "Me dieron un borrador muy preliminar del guion y lo desarrollé, trabajando en estrecha colaboración con el escritor, Tom Benedek," explicaba Zemeckis a la revista Starlog. Mientras el desarrollo de Cocoon avanzaba, Zemeckis fue contratado por Michael Douglas para rodar Tras el corazón verde (1984). La mala recepción al primer pase de prueba del film protagonizado por Douglas, y los rumores sobre un rodaje fuera de control en México (que no eran ciertos), provocó que los productores de Cocoon se pusieran nerviosos teniendo una superproducción entre manos (su presupuesto ascendería a 17,5 millones de dólares), y lo despidieron. Zemeckis se había pasado un año trabajando en la película. Lo curioso es que cuando Tras el corazón verde fue un gran éxito, le ofrecieron a Zemeckis de nuevo dirigir la película, pero rechazó la oferta, se encontraba trabajando en la adaptación al cine de "La sombra" (que dirigiría Russell Mulcahy en 1994), y poco tiempo después se pondría manos a la obra con Regreso al futuro (1985).
Cuando le despidieron, Zemeckis estaba trabajando para mejorar el tercer acto, que tampoco le convencía como a Benedek, y trataba de dar con un antagonista (no hay villanos en la película). Según contaba el director a la revista Starlog fue algo frustrante porque, "trabajé en ella tanto tiempo y moldeé gran parte de la historia, pero no pude llevar el proyecto hasta el final."
A Ron Howard le llegó la oferta para dirigir la película. Curiosamente, Howard había escrito con su mujer, quien tenía un título en psicología, y cuya especialidad era la geriatría, un guion sobre un triangulo amoroso entre personas ancianas. Así que el proyecto de Cocoon encajaba con sus intereses.
Según reconocía el director, le gustó la idea de base, pero no así el guion. Basándose en sus ideas, Howard comenzó una importante reescritura, que duró hasta los ensayos de la película, algo que se prolongó durante aproximadamente tres meses. Su interés estaba en mostrar también el lado negativo de la recuperación de la juventud en los protagonistas.

REPARTO
Para los papeles de ancianos se entrevistaron cerca de 200 actores, muchos de ellos no habían aparecido en la gran pantalla durante años.
El matrimonio compuesto por Hume Cronyn y Jessica Tandy, daría vida al también matrimonio, Joe y Alma Finley, siendo esta ocasión la séptima que trabajaban juntos en una película. 
Cronyn, Tandy y Maureen Stapleton (quien da vida a Mary Luckett) fueron escogidos desde el inicio. Cuando Howard entró en el proyecto participó en la búsqueda del resto de actores.
Wilford Brimley fue contratado para dar vida a uno de los ancianos, Ben Luckett, cuando curiosamente sólo tenía 49 años, su fichaje se ha convertido con el paso de los años en un meme. El equipo de efectos de maquillaje se encargó de envejecerlo, volvieron su pelo y bigote de color blanco, y en su rostro aplicaron manchas y líneas con maquillaje, para que fuera un anciano más convincente.
Dom Ameche fue una incorporación de última hora, hizo una entrevista un viernes, y lunes fue contratado para el papel de Art Selwyn. Fue la primera oferta de trabajo que recibía el actor en cerca de año y medio.
A Steve Guttenberg le encantó el guion (lo leyó mientras rodaba Loca academia de policía) y luchó para hacerse con el papel de Jack Bonner. Sólo a base de insistir, consiguió una reunión en la explicó cuanto quería participar en la película. Finalmente el papel fue suyo.
Tahnee Welch, hija de la también actriz Raquel Welch, se hizo con el papel de la extraterrestre Kitty. Más de 200 actrices hicieron una audición para dicho papel, hasta que encontraron una foto de Tahnee, y tras hacer una audición, fue contratada.
Linda Harrison, la popular Nova de El planeta de los simios (1968), y ex-mujer de Richard D. Zanuck, mantenía una buena relación con el productor, y durante la etapa de desarrollo de la película, Richard y Lili Fini Zanuck creyeron que había un papel para ella. Unos meses después hizo una audición con Howard, y fue suyo el rol de Susan, la madre de David.
El resto del reparto lo formaron Brian Dennehy (en la piel, nunca mejor dicho, de Walter, líder de los extraterrestres), Jack Gilford (como el anciano cascarrabias Bernie Lefkowitz), Herta Ware
(en el papel de Rose 'Rosie' Lefkowitz, mujer de Bernie), Gwen Verdon (dando vida a la vivaz Bess McCarthy, y amor de Art), Barret Oliver (como el joven David, nieto de Ben y Mary), y Tyrone Power Jr. y Mike Nomad (como los alienígenas Pillsbury y Doc respectivamente, que completan el grupo de rescate de Walter).

RODAJE
El rodaje tuvo lugar en la soleada St. Petersburg (Florida), entre el 20 de agosto de 1984, y el 1 de noviembre del mismo año. Por otra parte, las escenas submarinas se rodaron en las Bahamas. Fue un rodaje agradable, en el que reinó el buen ambiente, y donde todos se llevaron de maravilla. Aunque de entrada no estaba tan claro que tendrían buen tiempo, los informes meteorológicos presagiaban una gran temporada de huracanes para el comienzo del rodaje, pero la suerte estuvo de su parte, y apenas les alcanzó la parte final de uno. 
El único día que tuvieron problemas, fue rodando en la casa de la piscina, la escena de sexo entre Jack y Kitty, donde tenían que realizar efectos especiales y fuera azotaba una tormenta tropical. Decidieron seguir adelante, aunque no pudieron rodar mucho material.
El mayor incidente que ocurrió durante el rodaje, lo protagonizó Brian Dennehy, quien fue detenido por conducir borracho, mientras viajaba con Steve Guttenberg en un coche. El actor pasó una noche en la cárcel, y al día siguiente se fue a rodar.
St. Petersburg estaba plagada de cigarras, las cuales hacían tanto ruido, que dificultaban la grabación del sonido, por lo que un miembro del equipo disparaba un arma de fogueo antes de cada toma, para hacerlas callar.
Howard les dio carta blanca a los actores. Un buen ejemplo, es la simple toma de Ameche, Brimley y Hume caminando por el bosque, que requirió de 12 tomas, con cuatro o cinco cambios de cámara, y cada toma se rodó con varios cámaras, mientras los actores tuvieron libertad para improvisar. Según Howard, Brimley llegó a improvisar el 50% de sus frases en la película.
Cuando rodaron la muerte de uno de los alienígenas en brazos de Brian Dennehy, inicialmente ocurría de una forma fría, al propio actor se le ocurrió rodar de nuevo la escena, y como su personaje estaba dentro de un cuerpo humano, que llorase al perder a su compañero, y después se tocase la lágrima sin saber que es, porque en su planeta natal no hay dolor. A Howard le gustó la propuesta y así la rodaron de nuevo.
El gran artista Ralph McQuarrie (En busca del arca perdida) se encargó de los diseños los extraterrestres, pero también ayudó al diseñador de producción Jack T. Collis, a proporcionarle algunos dibujos de la casa de la piscina, que éste había diseñado, para venderle al estudio lo que tenían en mente.
El principal trabajo de McQuarrie fue crear los diseños conceptuales de los antareanos (tanto de la nave espacial, de los capullos, como de los propios extraterrestres). El experto en efectos de maquillaje Rick Baker (Un hombre lobo americano en Londres) debía convertir los diseños de los alienígenas de McQuarrie en realidad, pero después Baker cambió de idea, y decidió descansar en lugar de enfrascarse en otro proyecto. Greg Cannom (Blade) fue entonces contratado para sustituir a Baker, quien apenas utilizó los diseños de McQuarrie. Cannom estaba trabajando en Sueños radioactivos (1984), cuando se encontró con Baker en su casa, diciéndole que le pasaba la antorcha. Aquel mismo día, Cannom se reunió con Ron Howard y Richard Zanuck, y el puesto fue suyo. Cannom llegó a crear cerca de 35 diseños diferentes de los antareanos. Estos debían ser bonitos y amigables, para ello les dio unas narices y bocas pequeñas, y mediante lentillas, les portó unos grandes ojos con corneas azules. Les dieron vida bailarinas de baja estatura, enfrascadas en trajes de spandex. Evitó el uso de marionetas porque eran demasiados alienígenas y hubiera complicado demasiado el rodaje. ILM aportó posteriormente los efectos de brillo. 
Los alienígenas llevan unos "trajes" que les permiten hacerse pasar por humanos, Cannom hizo moldes de cuerpo entero para crear pieles muy delgadas, para los actores Mike Nomad y Tahnee Welch (algo para lo que necesitó cerca de tres días). Estaba previsto hacer uno también para Brian Dennehy, pero la producción se quedó sin tiempo, y decidieron no filmar la escena en que Walter (Dennehy) revelaba su forma alienígena.
Para las escenas en las que se muestran los alienígenas dentro de los capullos (los cuales estaban fabricados en fibra de vidrio y fueron creados por Robert Short), primero se optó por una criatura transparente, que mostraba las venas de su interior (creada por Tom Hester), pero al colocarlo dentro del capullo resultaba terrorífico, para suavizarlo decidieron pintarlo de blanco, y así quedó perfecto.
En una de las escenas más divertidas de la película, un rejuvenecido Dom Ameche (Art Selwyn) baila break dance, para los movimientos, imposibles de realizar de una persona de su edad, se utilizó un doble. Cannom hizo un molde de Ameche, y creó una máscara para que un joven bailarín, encargado de representar la escena, se pareciera al actor.
La ILM fue la responsable de los efectos visuales de la película, con Ken Ralston como el supervisor de producción de efectos visuales, cuyo trabajo requirió de ocho meses. Según contaba, cuando el guion llegó a sus manos rogó para que le dieran el proyecto. Se utilizaron todo tipo de técnicas de efectos, desde ópticas, pasando por miniaturas, pantalla azul, máscaras, stop-motion, trabajo con cables y animación mediante rotoscopia para los extraterrestres (que fue muy complejo, debido a que en el mismo plano compartían escena con actores de carne y hueso, que se movían y caminan alrededor de ellos, aunque a la hora de rodar se hizo por separado, con los aliens filmados en pantalla azul).
En la estación de guarda costas de Largo-Clearwater, concretamente en su hangar más grande, se instaló la producción para la creación de los efectos especiales, donde disponían de una enorme pantalla azul para efectos y de fondos, de cerca de 10 metros de altura. 
El barco Manta III es uno de los escenarios principales de la película, el cual es capitaneado por Steve Guttenberg. Utilizaron un barco real para las escenas marítimas, pero cuando construyeron un muelle en la residencia de ancianos, apenas había profundidad de agua suficiente para atracar el barco, por lo que el diseñador de producción Jack T. Collis creó un barco idéntico con el fondo plano para que pudiera encajar en el lugar. Este mismo barco se utilizó para las tomas de efectos visuales del clímax, donde asciende hasta la nave espacial alienígena.
Los delfines trajeron un poco de cabeza a la producción. Primero probaron a filmarlos dentro de un acuario, pero no quedaba bien en pantalla. Para unas tomas decidieron utilizar delfines amaestrados, pero para otras decidieron construir unos animatrónicos. "Construimos una cabeza de delfín mecánica desde la nariz hasta la aleta pectoral," explicaba Robert Short, el artista encargado de construirlos, a la revista Starlog. "Incorporamos movimientos de cuello controlados por cables, parpadeos e incluso un espiráculo operativo. También construimos un delfín mecánico de 2,5 metros de largo, de la cabeza a la cola, que tenía trineos para una persona, unidos a su vientre que nos permitían impulsarlo a través del agua de una manera convincente. En ambos casos, utilizamos una subestructura de fibra de vidrio y una superficie Skinflex." Cuando se encontraban filmando a los animatrónicos en el mar, un policía creyó que estaban haciendo daño a unos delfines, y a punto estuvo de arrestar al equipo.
En otra ocasión, que estaban rodando en plena noche en el mar con el Manta III, alguien avisó a la guardia costera sobre la realización de actividades sospechosas.
El primer montaje de la película superaba las tres horas de duración. A Howard no le quedó más remedio que acortar la película. Durante dos semanas los montadores Daniel P. Hanley y Mike Hill, trabajaron en ello, hasta dejar a Cocoon en sus definitivos 117 minutos.
Una escena que se perdió después de esos recortes, mostraba una fiesta entre los ancianos y los antareanos en su forma extraterrestre, y como los alienígenas bailaban por al aire con los humanos. También se eliminó una escena en la que Ben (Wilford Brimley) estrellaba su Cadillac blanco contra un deportivo.  
Para meterle más prisa a la producción, Fox decidió adelantar el estreno seis meses, de las navidades de 1985, al 21 de junio de 1985. Parece que fue una decisión acertada porque Cocoon fue una de las películas de aquel verano, recaudando en territorio norteamericano 76.113.124 de dólares (sexta película más taquillera del año en su país de origen), e hizo una taquilla mundial de 85.313.124 de dólares.
Y los premios también se acordaron de ella, ganando los dos Oscars a los que fue nominada, en las categorías de mejor actor secundario (Don Ameche) y mejores efectos visuales (Ken Ralston, Ralph McQuarrie, Scott Farrar y David Berry).

VALORACIÓN
Cocoon podría ser perfectamente una producción de Amblin, dicho eso como un cumplido. Tiene ese tono amable y entretenido de las producciones de Spielberg, y sin olvidar unos excelentes efectos visuales.
Le cuesta un poco arrancar, con la presentación de los personajes, pero una vez los ancianos se sumergen en el aguas mágicas, la película parece rejuvenecer con ellos, y se llena de su alegría y vitalidad.
Es cierto que falta algún elemento que de una mayor tensión y premura a la marcha de los ancianos, básicamente lo que ocurre en el clímax, es que tienen que reparar el barco mientras la policía los busca, y después son perseguidos por los guardacostas. A falta de un villano o enemigo real, la película opta por un acercamiento más discreto, que no sienta mal a la película, pero le resta fuerza. Y después cuando el barco es abducido, nos parece estar reviviendo el final de Encuentros en la tercera fase, pero resulta tan espectacular y positivo, que lo aceptamos. La película no se alarga ni un fotograma de más, y es un buen cierre para esta historia amable.
Toda la trama de los antareanos recuperando a sus antiguos compañeros, dejados en el fondo del mar miles de años atrás, tampoco aporta mucha aventura ni emoción a la historia.
Lo que me resulta un poco forzado, es que Walter acceda a que los ancianos sigan bañándose en su piscina, teniendo en cuenta la importancia de su misión, decisión que terminará pagando caro. Simplemente sucede para que haya película, y en Cocoon siempre se deja claro que estos seres de otro planeta son amigables.
La película muestra lo que es envejecer, con su claros y sus sombras, algunos de los ancianos mueren a lo largo de la película, otros padecen enfermedades, pero también se los muestra como gente vitalista y sexualmente activos.
Ron Howard rueda con bastante acierto su primera superproducción, y hace un buen uso de los efectos visuales, los cuales ayudan a la historia, y nunca se apoderan de ella. Realmente es una película de personajes.
Y es que los personajes están bien construidos en el guion, y cada uno de los ancianos funciona con su propia personalidad, e incluso como parejas. Joe y Alma Finley sufren una separación por los cambios que experimenta Joe, quien una vez recupera su juventud, y se recupera de su cáncer, engaña a su mujer (la escena de su reconciliación final funciona muy bien, se nota el arrepentimiento de Joe). Art y Bess inician una relación. A Ben y Mary les une el amor por su nieto, y su decisión de irse al final de la película les resulta dura por dejarle atrás. Y Bernie y Rose son un matrimonio que no quiere jugar con la naturaleza, y acepta la vejez tal y como les ha venido (que tristemente incluye la muerte de ella). Todos los actores están fantásticos y muy creíbles en sus papeles de ancianos rejuvenecidos. Además Brian Dennehy siempre brilla como secundario, e incluso Steve Guttenberg está de lo más simpático. Los que no aportan nada son los personajes de Pillsbury y Doc, que no tienen personalidad y se podrían haber eliminado de la película.
Cocoon lanza la pregunta de que haríamos si tuviéramos la oportunidad de vivir eternamente, ¿aceptaríamos o por el contrario viviríamos el resto de nuestra vida tal y como está predestinado?
Me encanta que la película, una superproducción de Hollywood, apostase por tener un reparto protagonizado principalmente por ancianos, y que después fuera un gran éxito. Creo que hoy día no darían luz verde a una película como ésta.
Tiene una de las secuencias más terroríficas, y que me dejaron más traumatizado siendo niño, cuando todos los ancianos de la residencia corren a meterse en la piscina, y comienzan a golpear uno de los capullos, lo que provoca la muerte de uno de los alienígenas.
Y hay lugar para la comedia, mi momento preferido es en el que Ben (Wilford Brimley) pasa la prueba de visión leyendo hasta las letras más pequeñas, cuando antes de bañarse en las aguas de la piscina era incapaz de leer incluso las de mayor tamaño.
Cocoon es una entrañable película made in 80s, tiene los puntos fuertes del cine fantástico de la época (una buena historia, mucha emoción y diversión), con unos medios técnicos impresionantes (muchos de los efectos siguen funcionando a día de hoy), y que se sumó a la moda de películas con extraterrestres amigables. Fue la entrada en las grandes ligas para Ron Howard. Y le dio la oportunidad a una serie de actores de la tercera edad de protagonizar una gran superproducción y de saborear un gran éxito. En los tiempos que corren, volver a Cocoon es rejuvenecer un poco, sienta bien dejarse contagiar por su optimismo y buenas intenciones.

CURIOSIDADES
Para una escena de pesadilla, el equipo de Greg Cannom creó un alienígena muy complejo y articulado, que nunca se llegó a filmar.
En 1988, se estrenaría la secuela, Cocoon: El retorno, con el regreso del reparto original, y dirigida por Daniel Petrie. Resultó ser un fracaso de taquilla.
Ron Howard contó con varios miembros de su familia para el reparto, su madre Jean Speegle Howard (extra), su padre Rance Howard (policía) y su hermano Clint Howard (John Dexter).
Primera película en la que trabajaron juntos Ron Howard y el compositor James Horner. Después vendrían Willow (1988), Apolo 13 (1995), El Grinch (2000), Una mente maravillosa (2001) y Desapariciones (2003).
Tahnee Welch y Tyrone Power, Jr. son hijos de actores famosos, la primera es hija de Raquel Welch, y el segundo es hijo de Tyrone Power.
Es una de las cuatro películas favoritas de Ryan Gosling.
Steve Guttenberg, Tahnee Welch y Tyrone Power, Jr. trabajaron de nuevo juntos en Cocoon: El retorno (1988) y 2 Lava 2 Lantula! (2016).

BIBLIOGRAFÍA
The Directors: Take One (Robert J. Emery, 2002)
Cinefantastique Magazine (Vol. 15 Nº 3)
Starlog Magazine (Nº 85)
Starlog Magazine (Nº 95)
Starlog Magazine (Nº 96)
Starlog Magazine (Nº 97)
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Starlog Magazine (Nº 99)
Starlog Magazine (Nº 107)
Starlog Magazine (Nº 138)
Starlog Magazine (Nº 213)
Starburst Magazine (Nº 85)
‘Romancing the Stone’ at 35: How Michael Douglas, Kathleen Turner Survived Gators, Rain, and Studio Expectations (Variety, 30 mar 2019)
$1 Billion in Grosses? It Takes Gumption (Los Angeles Times, 28 dic 1994)
SciFiNow Magazine (Nº 137)
Cinefex Magazine (Nº 24)
Monster Squad: Celebrating the Artists Behind Cinema's Most Memorable Creatures (Heather A. Wixson, 2017)
Cocoon 25th Anniversary (Tampa Bay Times, 20 jun 2010)
Fantastic Films Magazine (Nº 45)

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posted by Rodi at 7:52 AM 14 comments