Herida abierta

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Orin Boyd, un policía de métodos poco ortodoxos, es destinado a la comisaría del distrito más peligroso de la ciudad, donde opera un grupo de policías corruptos.

Aprovechando el 25º aniversario de Herida abierta (Exit Wounds, 2001) le he dedicado un artículo a la última película importante de Steven Seagal, y cuyo rodaje Isaiah Washington definió como, "el set más loco de la historia." Razones más que suficientes para dedicarle un artículo, pero es que además he tenido la suerte de contar con la ayuda de su guionista Ed Horowitz, quien me habló sobre su participación en la película.

DISTRITO APACHE

John Westermann, un ex-policía convertido en escritor, publicó en 1990, la novela policiaca "Exit Wounds". El productor Joel Silver rápidamente se hizo con sus derechos, pero tardaría varios años en realizar la adaptación al cine.

Durante el rodaje de Matrix (1999), Keanu Reeves le habló a Silver del director de fotografía Andrzej Bartkowiak, con el que acababa de trabajar en Pactar con el diablo (1997), y le recomendó que le diera una oportunidad como director. Silver se reunió con Bartkowiak, y de ahí surgió la exitosa Romeo debe morir (2000), que sería el debut como director del camarógrafo polaco.

Silver y Bartkowiak se reunieron para una segunda película, esa fue Herida abierta (Exit Wounds, 2001), de coordenadas cinematográficas similares a Romeo debe morir. La película sería distribuida por Warner Bros.

Se contrató al guionista Ed Horowitz (En tierra peligrosa) para adaptar la novela de Westermann. 

Le pregunté a Horowitz si su participación en la película se debía a su trabajo en la película En tierra peligrosa, también protagonizada (y dirigida) por Seagal. "No fue casualidad. Había una conexión," me explicó el guionista. "Mi primer representante en la empresa fue Jeff Robinov, quien posteriormente presidió Warner Bros. durante un breve periodo. Warner Bros. llevaba un tiempo desarrollando el libro "Exit Wounds", escrito por John Westermann. Se habían escrito algunos borradores de guiones basados ​​en él. En aquel entonces, Joel Silver quería convertir a DMX en una estrella. Joel buscaba un proyecto y, o bien tenía los derechos de "Exit Wounds" o bien los había encontrado en la biblioteca de Warner Brothers. Joel convenció al presidente de Warner Bros., Lorenzo DiBonaventure, de que este podría ser el vehículo para DMX, pero necesitaba una estrella que pudiera atraer al público. Lorenzo era fan de Seagal desde hacía mucho tiempo y quería revitalizar su carrera. Pero Lorenzo quería hacerlo con un presupuesto limitado. En aquel entonces, Jeff Robinov era el ejecutivo creativo de Lorenzo. Lorenzo y Robinov estaban hablando del proyecto, y Lorenzo le preguntó a Robinov: '¿Qué hay de tu autor de En tierra peligrosa?'. Jeff me llamó, me invitó a almorzar y me presentó el proyecto. Me dijo que tenían una fecha de inicio para dentro de seis semanas, pero que el guion no funcionaba como una obra de dos personajes, y que no tenían un personaje que encajara con DMX. ¿Podría arreglarlo? Le dije que no estaba seguro, pero que lo intentaría. Leí el libro y luego me reuní con el entonces presidente de la compañía de Joel Silver, Dan Cracciola. Me preguntó qué pensaba. Dejé el libro sobre su escritorio y le dije: "Olvídate del libro. Quédate con el título." Luego le presenté mi idea. Le encantó y me invitó a reunirme con Joel, Lorenzo y Robinov. Le presenté mi versión, que fue en lo que se convirtió la película. Mi escena original, que luego se quitó, era cuando Seagal golpea a unos tipos y lo degradan a policía de tráfico. Silver se rio y dijo: 'Puedo hacer esa película'. Y me enviaron a casa para empezar a escribir."

En un tiempo récord Horowitz dio forma al guion, y lo convirtió en un vehículo de lucimiento para Seagal y DMX. "Creé el personaje de Seagal, el de DMX y toda la historia de los policías corruptos y el hermano muerto de DMX," me explicó el guionista. "Lo único que conservé del libro fue cómo los malos transportaban la droga: usando camisetas de policía empapadas de droga. La única escena que no se basó en mi guion fue la escena inicial, que se añadió después de que la película estuviera en producción." Y le dio un toque ligero a la película. "La idea de darle humor a la película fue mía," me explicó Horowitz. "Tuve momentos divertidos que se burlaban de Seagal, como la escena del control de la ira y la de él dirigiendo el tráfico, que Lorenzo descartó. Irónicamente, a Seagal le encantaron esas escenas y quería interpretarlas."

Esa escena inicial, con Seagal enfrentándose a unos terroristas, que intentan asesinar al vicepresidente, se encargó a otro guionista. "Esta es la escena que le encargaron al otro escritor, Rich D'Ovidio," me comentó Horowitz. Al final, tanto Horowitz como Richard D'Ovidio (13 fantasmas) fueron acreditados como guionistas.

REPARTO

Steven Seagal, una de las más exitosas estrellas del cine de acción de los 80 y 90, estaba de capa caída a principios de los 2000, los fracasos consecutivos de Glimmer Man (1996), En tierra peligrosa 2 (1997) y El último patriota (1998), lo alejaron de las grandes ligas (El último patriota incluso salió directa a vídeo en Estados Unidos). Seagal y Silver habían trabajado juntos en Decisión crítica (1996), y siempre hablaban de volver a colaborar en otra película. Según contaba Silver en una entrevista a IGN, el actor se acercó al productor con la idea de hacer una película fresca y original, y quería que Silver le ayudase a conseguirlo. Aunque según Horowitz, DiBonaventure fue quien le impuso a Silver hacer la película con Seagal, para hacer pareja con DMX, a quien Silver quería lanzar como una nueva estrella. Sea como fuere, las condiciones de Silver fueron claras, Seagal debía bajar de peso (al parecer llegó a perder más de 20 kilos), cortar su característica cola de caballo, y cambiar su vestuario. Para lo que sería su regreso al cine por la puerta grande, sus agentes de ICM, Phil Goldfine (socio de Seagal), Alan F. Horn (presidente y director de operaciones de Warner), Lorenzo di Bonaventura (presidente producción mundial de Warner), Silver y el propio Seagal comenzaron, en enero de 2000, a tratar el regreso del actor a Warner, estudio donde estuvo muchos años bajo contrato. En marzo de 2000, Seagal firmó un contrato de pay-or-play (es decir que cobraría su salario aunque la película no se realizase) con Warner Bros para protagonizar Herida abierta, por un salario reducido.

Para el papel co-protagonista, Silver escogió al rapero DMX, quien había llamado la atención en  Romeo debe morir (2000). El productor y el rapero quisieron colaborar juntos en una nueva película, con un protagonismo mayor, ese papel sería el de Latrell Walker de Herida abierta. Sobre su personaje, DMX declaró en las notas de producción, "sé quién es Latrell porque lo he visto en el lugar donde crecí. Crecí en los barrios marginales, en un entorno donde sucumbir a las muchas cosas que conlleva ese entorno, las peleas, las armas, acabar en la cárcel, es simplemente parte de la vida." DMX también participó en la banda sonora de la película aportando varios temas. 

Jill Hennessy se hizo con el papel de Annette Mulcahy, jefa de Orin Boyd. La actriz empalmó el rodaje de la película para televisión Las mujeres de Camelot (2001), con un reparto compuesto principalmente por mujeres, con el de Herida abierta, que era enteramente masculino.

Bartkowiak era amigo de Bruce McGill, y le pidió que diera vida al agente Frank Daniels, y éste aceptó.

El resto del reparto lo formaron Isaiah Washington (como George Clark, el compañero de Orin), Anthony Anderson (en la piel de T.K. Johnson, socio de Latrell), Michael Jai White (en el papel de Lewis Strutt, un duro agente de policía), Bill Duke (como Hinges, el anterior jefe de Orin), Tom Arnold (interpretando a Henry Wayne, presentador de un programa de televisión), David Vadim (en el papel de Matt Montini, mano derecha de Lewis Strutt), y Eva Mendes (en la piel de Trish, otra socia de Latrell).

RODAJE

La fotografía principal tuvo lugar entre el 11 agosto de 2000, y el 19 de noviembre de 2000. Aunque la historia ocurre en Detroit, en realidad el rodaje tuvo lugar en Canadá, más concretamente en las ciudades de Hamilton, Calgary y Toronto.

Paul D. Austerberry (La forma del agua) fue escogido como diseñador de producción, y decidió definir a los dos personajes principales asignándoles un color. "El color de Steven es el rojo, debido a la ira y la pasión de su personaje," explicaba Austerberry en las notas de producción de la película, "por lo que se ven tonos de rojo en su casa flotante (por ejemplo, el techo es rojo) y siempre que aparece en una escena. Dado que el personaje de DMX es tranquilo, sereno y misterioso, decidimos asociarlo con el color azul. Su loft, que es de alta tecnología, tiene paredes azules, y gran parte de su vestuario es azul." Bartkowiak quiso, "una atmósfera minimalista, muy estilizada, pero de gran ciudad," contaba Austerberry en las notas de producción. "Así que nos aventuramos un poco más y, aunque la historia transcurre en Detroit, la estética de la película es bastante genérica, por lo que la historia podría desarrollarse en cualquier gran centro urbano."

Para la secuencia inicial, la del tiroteo en el puente, el equipo de producción hizo una búsqueda intensiva para dar con el adecuado, el cual encontraron en Calgary, llamado "Centre Street Bridge". Por suerte para la película, el puente se encontraba en un proceso de renovación, y estaba disponible durante un breve espacio antes de su reapertura. Rodaron en el lugar a lo largo de cinco días.

Glen MacPherson (16 calles) fue el director de fotografía de la película. Teniendo en cuenta que Bartkowiak era un reputado camarógrafo, hizo que el trabajo de MacPherson fuera más fácil, aunque también fuera muy exigente con él, y siempre le pedía que trabajara rápido.

Tiempo antes de empezar a rodar, todos los actores que tenían que participar en escenas de lucha (entre ellos Seagal y DMX), tuvieron que someterse a un entrenamiento, durante mes y medio. Dion Lam fue el coordinador de lucha, quien incluyó el uso de cables para las peleas, al puro estilo de Hong Kong. En la película se utilizaron como artes marciales el kung fu y el aikido. Por primera vez en su carrera, Seagal no creo sus coreografías de lucha y siguió lo que dictaba Lam, aunque ocasionalmente añadía algo de su propia cosecha de aikido en las peleas.

Peter Weireter fue el asesor técnico policial de la película, quien se encontraba siempre en el set para resolver cualquier duda de los actores y del equipo sobre el trabajo policial.

David R. Ellis (Cellular) fue el director de segunda unidad. Eran tantas las escenas de acción que tenía la película, que durante las primeras cuatro semanas de rodaje, la primera y la segunda unidad rodaron en simultáneo. 

A las dos semanas del inicio del rodaje, la primera unidad viajó hasta Hamilton, para rodar la persecución en la que Seagal y Hennessy son perseguidos por la ciudad. Al mismo tiempo en la misma ciudad, la segunda unidad rodaba un choque correspondiente a la misma persecución (y que implicaba una motocicleta, un coche y un par de contenedores de basura).

Michael Jai White declaró que en esta película realizó la acrobacia más peligrosa de su carrera, ese momento en el que sube a un helicóptero mediante una escalerilla, y después el aparato despega con él colgado.

Para llevar a cabo una de las acrobacias más espectaculares de la película, el impacto del coche conducido por Jill Hennessy, en el que la cara de la actriz impacta contra el cristal delantero, utilizaron un maniquí de pruebas de choque, y la empresa de efectos visuales Manex Visual Effects (MVFX) puso la cara de Hennessy al maniquí.

Según declaró Isaiah Washington, el de Herida abierta, "fue el set más loco de la historia." Seagal llegó a declarar a la revista Empire que, "Herida abierta no era un lugar muy profesional para estar" (irónico que lo dijera alguien quien pegaba a los especialistas, se enemistó con sus compañeros de rodaje, que llegaba tarde al set, y se negaba a ensayar, como veremos más adelante).

El rodaje empezó con mal pie. El 18 de agosto, sucedió una terrible tragedia, el especialista Chris Lamon, de 35 años, murió al realizar una escena de riesgo. Lamon y otro especialista saltaron de la parte trasera de una furgoneta en movimiento, con la mala suerte de que se golpeó la cabeza contra el pavimento. Fue atendido rápidamente en el set por paramédicos, y después fue trasladado a un hospital, pero terminó falleciendo unos días después.

Durante el rodaje, David Vadim, quien da vida a unos de los villanos, fue arrestado y acusado por agresión sexual a una técnico de vestuario. El actor sería absuelto un año después de los cargos.

Y Seagal vivió una experiencia de lo más peligrosa durante el rodaje, cuando a finales de diciembre del 2000, miembros de la mafia y Julius R. Nasso (ex-socio de Seagal), se desplazaron hasta Toronto para intimidarle. No contentos con eso, los mafiosos asistieron a la premiere de la película. Esto condujo a una extorsión, con Seagal pagando a la mafia 700.000 dólares.

DMX resultaba ser una fuerza de la naturaleza y alguien con un curioso temperamento. Durante una pausa del rodaje, DMX y Anderson fueron a cenar a un restaurante "Red Lobster", y el primero pidió una gran cantidad de camarones. Al poco rato de estar comiendo, DMX comenzó a tener una reacción alérgica, y le dijo a su compañero que era alérgico a esos crustáceos, pero que le encantaba el sabor que tenían. Según contaba Anderson, a DMX comenzó a salirle urticaria, y tuvo que pararle cuando cogió un cuchillo para sacarse una picazón a la cual no llegaba.

Esa misma noche del "Red Lobster", DMX y Anthony Anderson iban en coche, conducido por el rapero, quien se impacientaba con el tráfico lento de Toronto, y en varias ocasiones se metió en el carril contrario para hacer un adelantamiento. En la ciudad canadiense hay tranvías, y DMX llegó a meterse por sus vías para adelantar a un coche mientras un tranvía se dirigía directo hacia ellos.

Anderson lo pasó realmente mal yendo con DMX en coche, pero no le quedó más remedio que volver a subirse a uno con su compañero de reparto, para la escena en la que conducen un Lamborghini Diablo. Al rapero no se le ocurrió mejor idea mientras rodaban, que robar el coche, de modo que, durante media hora él y Anderson desaparecieron por la calles de Toronto, antes del volver al trabajo.

No fue la única anécdota que envolvió a DMX, según contaba Washington, al rapero lo echaron de Toronto porque sus perros se comieron unos mapaches. Aunque a Ed Horowitz le llegó la historia de que en realidad lo que sucedió, es que uno de los chicos de DMX le disparó con su pistola. Sea como sea, de locos.

Tom Arnold explicaba como para no mostrar su incipiente calva, estaban dispuestos a comprarle a Seagal un peluquín por valor de 100.000 dólares, pero el orgullo de Seagal hizo que se negara a ello y prefirió pintarse el pelo.

Más cosas sobre el pelo de Seagal. Bruce McGill debía rodar una escena con él, en la que ambos se confrontan. McGill estaba en el set preparado para rodar, pero Seagal no daba señales de vida. Como no aparecía, al final Bartkowiak y McGill rodaron la escena sin Seagal, filmando los primeros planos del actor, con una persona diciendo las frases de Seagal fuera de cámara. Cuando ya habían terminado apareció el protagonista de Alerta máxima, y se sentó enfrente de McGill, y para hacer el momento más esperpéntico aún, a Seagal, que estaba sudando, comenzó a caerle un hilillo de tinta oscura por su frente, por causa del tinte que usaba para el pelo.

Según contaba Arnold, a Seagal no le gustaba ensayar, y eso le pasó factura cuando debía rodar una simple escena en su casa flotante. Bartkowiak quiso hacer un ensayo, pero Seagal se negó a ello, y se pasó 45 minutos discutiendo con el director sobre como él no hacía ensayos (el cual le hubiera llevado menos tiempo que el que perdió discutiendo), al final Bartkowiak se dio por vencido. La casa flotante tenía dos puertas, cuando tocó rodar la escena, y después de tanto tiempo discutiendo, a Seagal se le olvidó por cual debía salir, y lo hizo por la que daba al agua, y acabó cayendo en el océano. Arnold y Anthony Anderson tuvieron que sacarle del agua (según el primero, el agua se llenó de la tinta negra con la que se pintaba el pelo).

Seagal y DMX se llevaron fatal durante el rodaje, cuando en Stuff Magazine le preguntaron al rapero su opinión sobre compañero de reparto, soltó: "Steven Seagal es un imbécil. Es un maldito imbécil. Con spray capilar. Hablaba como si fuera un viejo amo de esclavos. '¿Qué pasa? Vamos a hacer una barbacoa'. Yo sólo pensaba: 'Tío, ¿con quién coño te crees que estás hablando? No me llamo Sambo, tío. Lárgate de aquí con esas chorradas'. O decía alguna tontería fingiendo ser amable."

Y es que el comportamiento de Seagal en el rodaje fue de lo peor posible. Hacía cosas extrañas todo el tiempo, ante el desconcierto de su compañeros de reparto (Bartkowiak llegó a editar un vídeo de 10 minutos sólo con momentos de Seagal haciendo cosas absurdas). DMX, Isaiah Washington y Michael Jai White declararon que el artista marcial lesionó a varios especialistas a propósito. A uno de ellos, al que debía fingir golpearle, le metió realmente la cabeza a través de una ventana. A DMX le dislocó un hombro en la escena en la que ambos tienen una pelea. Según contaba Washington, a otro especialista le abrió la cara desde el pómulo hasta la mandíbula. A modo de broma, Seagal acostumbraba a darle a Washington un puñetazo, dejando el puño muy cerca de su nariz, algo que hacía todos los días, y Washington debía recordarle que él era un actor. Y según contaba DMX, al final el karma hizo de las suyas, y Seagal terminó lesionándose durante el rodaje, y estuvo dos semanas ausente.

Stephen Quadros, asesor técnico de lucha de la película, también tuvo un encontronazo con Seagal. El actor se le acercó y le agarró por la muñeca, y Quadros, quien conocía la fama del actor de agredir a especialistas, le devolvió el agarre, y esto se repitió entre ambos durante un minuto. De repente, Seagal se detuvo, y le dijo a Quadros señalándole: "Eres bueno," y se fue.

Con Michael Jai White, Seagal no tuvo ningún problema, pero según contaba el actor, en un momento del rodaje, se enteró que Bartkowiak y Silver habían programado la pelea entre él y Seagal para el final de la filmación, siendo lo último en rodarse. Tan hartos estaban del actor, que le dijeron a Jai White, que si golpeaba realmente a Seagal y lo lesionaba, no había problema, ya que le podían sustituir por su doble. Basta decir que Jai White no lo hizo.

Para los créditos finales, decidieron juntar a Anthony Anderson y Tom Arnold, y dejarles hablar como parte del programa que presenta el personaje de Arnold, ambos actores estuvieron hablando durante media hora, pero para el montaje final sólo dejaron 4 minutos.

Warner creía en la película, y se gastó 2 millones de dólares en estrenar el tráiler de la película durante la Super Bowl.

Eva Mendes descubrió en el estreno de la película que habían doblado su voz, cuando preguntó al productor, le dijo que la razón era que no sonaba lo suficientemente inteligente. Como contaba la actriz  con humor en el The Daily Show: "Era una película de Steven Seagal, y no sonaba lo suficientemente inteligente."

El estreno de la película vino acompañado por una condena de 15 días a DMX, por causa de un arresto, en marzo de 2000, por exceso de velocidad y posesión de marihuana. DMX se declaró culpable de conducir sin licencia. Como se encontraba promocionando Herida abierta, no se entregó para cumplir la condena antes de la fecha límite, y fue acusado de desacato. Una vez en prisión, dos guardas declararon que fueron agredidos por el rapero, quien fue procesado por un delito grave de agresión a un funcionario de prisiones, aunque DMX negó la agresión. A su vez DMX alegó que un guardia lo había agredido durante una inspección de celda, y le lesionó una rodilla y la espalda. Al final sólo pasó 11 días en prisión, saliendo el 9 de marzo de 2001, a tiempo para presentarse en el estreno de Herida abierta.

La premiere de la película tuvo lugar el 13 de marzo de 2001, y no salió exactamente como estaba previsto. Primero Silver decidió colocar el tráiler de otra de sus películas, Operación Swordfish (2001), antes de Herida abierta, algo inusual en una premiere. Aunque fuera un film del mismo estudio, esto pilló por sorpresa a los jefes de Warner, incluido Alan F. Horn, pero según Silver, una vez habló con los ejecutivos de Warner, y vieron lo mucho que gustó el tráiler, todo quedó perdonado. Además el sonido de la sala se cortó durante la proyección de Herida abierta, y el público comenzó a poner voz a los diálogos de los actores, al final no quedó más remedio que parar la proyección, arreglar el sonido y continuar con ella.

La película se estrenó sin realizar un pase para la crítica. Herida abierta llegó a las salas de cine el 16 de marzo de 2001, y debutó en el número 1 en el fin de semana de su estreno, con 19 millones de dólares, siendo el mejor estreno de la carrera de Seagal. Terminó recaudando en Estados Unidos y Canadá unos excelentes 51.758.599 de dólares, y la recaudación final a nivel mundial fue de 79.958.599 de dólares. Nada mal para una producción que había costado 25 millones de dólares, lo mismo que Romeo debe morir (aunque algunas fuentes la sitúan en los 33 millones).

VALORACIÓN

Herida abierta supuso el regreso de Seagal a las grandes ligas, y al mismo tiempo su despedida. Es la última película destacable de su carrera, y una de las mejores de su filmografía.

Creo que lo que más me gusta de ella es su aroma a película de acción de los 80/90. Cierto que tiene cosas del cine de acción de los 2000 (artes marciales con cables, música hip-hop, ambiente urbano), pero las elecciones de su reparto, y la resolución de las escenas de acción, recuerda al cine de acción que se hacía en la época dorada del género. Al final las set pieces se resuelven con tiroteos o persecuciones clásicas, rodadas con energía.

Veo cierta influencia de John Woo, hay momentos que recuerdan al director hongkonés, como el tiroteo final con Isaiah Washington disparando dos pistolas al mismo tiempo, Bill Duke provocando una explosión con una bombona de butano, o DMX e Isaiah Washington apuntándose mutuamente. 

La trama de poli honrado de métodos cuestionables, contra un grupo de policías corruptos siempre funciona. Si le añades artes marciales, humor, tiroteos y persecuciones, es un combo ganador. ¿Cómo no vas a disfrutar de una película que tiene una pelea entre Seagal y Jai White con espadas? Y es que es un disfrute para todo fan del cine de acción ver a Segal enfrentándose a una artista marcial del nivel de Jai White.

Es increíble como siendo éste su vehículo de regreso, que podía reencauzar su carrera, Seagal se comportase como un imbécil durante el rodaje, algo que acostumbraba hacer (también podéis leer como se las gastaba en el set de Señalado por la muerte), uno puede entender porque acabó pronto en el mundo del directo a vídeo.

Pero aquí hizo las cosas bien, se alió con el productor más importante del cine de acción, se supo de rodear de caras que gustaban al público joven, y tomar las modas imperantes en el momento, y le funcionó. De haber tomado más decisiones de este tipo, habría tenido una carrera posterior, pero sus siguientes película fueron las pésimas Tiempo límite (2001) y Al filo de la muerte (2002), que fueron el inicio del fin de su carrera. 

Además en Herida abierta, Seagal cede parte de su protagonismo en otros actores, y aunque sigue siendo el protagonista, muchos minutos de película se centran en DMX, Anthony Anderson, Michael Jai White o Tom Arnold, todos con más carisma que Seagal, lo que hace la experiencia más amena.

Herida abierta forma parte de una trilogía de Andrzej Bartkowiak de películas de acción con artes marciales y hip-hop, con la regulera Romeo debe morir (2000), y la también muy entretenida Nacer para morir (2003). El director se nota más cómodo detrás de las cámaras que en Romeo debe morir, que tenía demasiados tics de Matrix (1999), y la historia de amor entre Jet Li y Aaliyah no funcionaba. Aquí no hay trama romántica que entorpezca la acción. De hecho, una de las mejores decisiones de la película es eliminar al personaje de Mulcahy, quien parece que tendrá un affair con Orin, pero muere de forma imprevista durante una persecución.

Los toques de humor entran bastante bien. Tom Arnold y Anthony Anderson funcionan como alivios cómicos y aligeran el tono de la película, aunque en algún momento sean un poco cargantes. Y por otro lado, ver a Seagal asistiendo a clases de control de la ira tiene su gracia, sobre todo cuando a la salida de una de ellas, da un apaliza a unos pandilleros que tratan de robarle su furgoneta, ante el jolgorio de sus compañeros de clase.

Herida abierta es entretenidísima, no inventa nada, pero su hora y media de duración pasa como un suspiro. Fue el canto del cisne de Seagal, y uno de sus mejores títulos. Si te gusta el cine de acción de los 80 y 90, ésta es de las últimas películas protagonizadas por una de sus estrellas, y que recuerdan a aquella época.

CURIOSIDADES

Steven Seagal y DMX volverían a trabajar juntos en Más allá de la ley (2019).

En la novela, la acción tiene lugar en Long Island, que fue cambiado a Detroit en la película.

Andrzej Bartkowiak, DMX, Anthony Anderson e Isaiah Washington, trabajaron juntos en Romeo debe morir (2000).

Durante el rodaje, DMX adoptó un pitbull y lo tenía en su remolque.

Para la pelea callejera entre Seagal y DMX, se utiliza como needle drop, el tema "Force Marker" de Brian Eno de la banda sonora de Heat (1995).

BIBLIOGRAFÍA

Entrevista a Ed Horowitz (dic-feb 2025)

Notas de producción

Action Odd Couple: DMX, De-Robed Seagal (Los Angeles Times, 17 mar 2001)

‘Exit Wounds’ Thriller Makes Healthy Debut at No. 1 (Los Angeles Times, 19 mar 2001)

Interview with Exit Wounds Stars Steven Seagal, Jill Hennessy and Producer Joel Silver (IGN, 15 mar 2001)

Interview: Glen MacPherson A.S.C, C.S.C (Movie Mavericks, 24 may 2010)

The Numbers

Anthony Anderson Shares Wild DMX Story From ‘Exit Wounds’ Filming: ‘I Had To Stop Him!’ (Hip Hop DX, 18 sep 2024)

Previously Unpublished: An Interview with Tom Arnold (That Thing They Did, 14 mar 2021)

Stuntman Dies on Seagal Film Set (ABC News, 29 ago 2000)

More Jailhouse Blues for DMX (ABC News, 12 mar 2001)

Seagal enters ‘Exit’; Downey eyes exit as well (Variety, 29 mar 2000)

Less About Steve: With Fewer Pounds, Shorter Hair and a New Film, Can Lost Action Hero Seagal Get Back in the Game? (New York Post, 13 mar 2001)

Empire Magazine UK (Mar 2007)

Interview with Michael Jai White (Kung Fu Kingdom, 29 oct 2018)

DMX Limps Out Of New York Jail (Billboard, 9 mar 2001)

Stuff Magazine (Nº 36)

Eva Mendes in The Daily Show (YouTube)

Making 'Exit Wounds' (2001)

DMX talks about his beef with Steven Seagal (YouTube)

Isaiah Washington Interview (Vlad TV)

Michael Jai White Interview (Vlad TV)

Michael Jai White Interview (Jaxxon Podcast)

Ed Horowitz (Write Smart Blog)

Anthony Anderson's Insane Stories With DMX (Byron Scott's Fast Break)

John Westermann: Exit Wounds

Fatal 'Exit Wounds' (Orlando Sentinel, 19 mar 2001)

Film (Orlando Sentinel, 9 abr 2002)

5 actors who were nightmares to work with (New York Post, 4 ago 2015)

‘Exit’ enter genre (Variety, 14 mar 2001)

U.S. Indicts Gottis, Saying They Operated Dock Rackets (The New York Times, 5 jun 2002)

A Mafia Case, And a Scene Straight Out Of Hollywood (The New York TImes, 13 jul 2002)

Comedian Tom Arnold dishes on Steven Seagal, Trump and Schwarzenegger ahead of San Antonio show (San Antonio Current, 3 sep 2025)

Interview: Bruce McGill (Pt. 2) (That Thing They Did, 3 jul 2021)

Grindhouse

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un homenaje a las sesiones dobles del cine explotación de los años 60 y 70, compuesta por una película de infectados, y otra de un asesino en serie que utiliza su coche como arma.

Con la idea de capturar el espíritu de Grindhouse (Grindhouse, 2007), la unión de dos películas dirigidas por dos directores diferentes, esta reseña está realizada por dos autores distintos. Yo me encargaré de reseñar Planet Terror, y Ramón del blog Cinema Dreamer hará lo propio con Death Proof. Podéis leer la reseña, tanto en este blog, como en el de Ramón. Espero que os guste esta sesión doble.

SESIÓN DOBLE

Quentin Tarantino y Robert Rodriguez se conocieron en 1992, en el TIFF (Festival Internacional de Cine de Toronto), el primero presentaba Reservoir Dogs, y el segundo El mariachi (1992), y se hicieron grandes amigos. Lo que vino después es historia. En Sony tenían oficinas contiguas, y se trataban continuamente, Tarantino le leía a Rodriguez partes del guion Pulp Fiction, y el texano le mostraba los storyboards de Desperado. Después realizaron varias colaboraciones juntos, comenzando en Pulp Fiction (Rodriguez se encargó de rodar las escenas en las que Tarantino actuaba), seguida de Four Rooms (cada uno rodó un segmento de la película, y Tarantino fue productor ejecutivo), Desperado (Tarantino tenía un pequeño papel), Abierto hasta el amanecer (Tarantino fue productor ejecutivo, guionista y protagonista, y Rodriguez su director), Sin City (Tarantino fue un director invitado y rodó una secuencia), y Kill Bill: Volumen 2 (Rodriguez fue compositor).

Tarantino organizaba proyecciones de películas de explotación en su propia casa, en las que había lugar para todo, desde películas blaxploitation, hasta películas italianas de zombis. "[Tarantino] ponía algunos tráileres y una película," explicaba Rodriguez a Wizard Universe, "y luego más tráileres y una segunda película. Pensé: 'Tenemos que recrear esta experiencia para el público y ofrecerles una sesión doble así'. La sesión doble surgió de nuestro deseo de recrear esa experiencia." Según Rodriguez, además tenía tantas ideas para películas que quería hacer, que empezó a plantearse realizar sesiones dobles para llevarlas a cabo, y comenzó a dibujar carteles sobre ellas. La idea de hacer una sesión doble se concretó en 2003, cuando Rodriguez visitó a Tarantino en su casa para mostrarle el montaje de la escena que éste había filmado en Sin City, y vio el póster de la sesión doble de 1957 de La chica de las carreras (1957) y Noche de rock (1957), el cual también tenía el director texano. Rodriguez le comento a su amigo la idea de hacer una sesión doble, con cada uno rodando su propia película, y proyectándolas juntas. A Tarantino se le ocurrió el título de inmediato, Grindhouse (Grindhouse, 2007).

La película sería producida entre otras compañías por The Weinstein Company, y distribuida en Estados Unidos por Dimension Films.

Tarantino tuvo la idea de realizar tráileres falsos e intercalarlos con las películas, Rodriguez se enteró de esto por la prensa. Ambos directores decidieron rodar ellos mismos un tráiler cada uno.

Primero Rodriguez rodó el de "Machete" en tan sólo 2 días. El texano había escrito el guion para un largometraje tras completar Desperado (1995), con idea de que Danny Trejo lo protagonizase. Trejo daría vida a un agente federal mexicano, que es contratado para hacer el trabajo sucio de una agencia del gobierno norteamericano. Además de Trejo, podemos ver en el tráiler a Jeff Fahey y Cheech Marin. El tráiler de "Machete" se mostró al inicio de Grindhouse, y los demás entre ambas películas.

Edgar Wright se encontraba con Eli Roth, cuando Tarantino les contó sus planes para realizar una película que fuera una sesión doble, y que él y Rodriguez dirigirían tráileres falsos. Semanas después el director de Hot Fuzz (2007) se encontró de nuevo con Tarantino, y le explicó su idea para un tráiler, y así Wright pasó a formar parte del equipo de Grindhouse. La inspiración para su tráiler, titulado "Don’t", venía de los títulos que la American International Pictures ponía a las películas europeas que distribuía en los 70, principalmente el caso de No profanar el sueño de los muertos (1974) dirigida por el español Jorge Grau, que en Estados Unidos se conoció, entre otros títulos, como "Don't Open the Window", a Wright le encantó que no hubiera ninguna escena relacionada con una ventana. "Todo se basa en el giro," explicaba el director a Rolling Stone, "y en la voz en off que no te explica qué demonios está pasando." Su tráiler, de tono cómico, es un homenaje a los films de la Hammer, con la participación, entre otros, de Nick Frost, Jason Isaacs, Matthew Macfadyen o Stuart Wilson.

Por su parte Roth rodó el tráiler de la película "Thanksgiving", justo al finalizar el rodaje de Hostel 2 (2007), en Praga, durante dos días y por 100.000 dólares (Roth no cobró sueldo alguno). Él y su amigo Jeff Rendell escribieron el guion, inspirados en su deseo de toda la vida, de que alguien realizara una película de terror situada en el día de acción de gracias, un slasher en la línea de La noche de Halloween (1978), Viernes 13 (1980) o San Valentín sangriento (1981), con un asesino cometiendo sus crímenes en una fecha señalada, por eso cuando le preguntaron a Roth si quería hacer un falso tráiler para Grindhouse, pudo hacer realidad su sueño. Podemos ver en el reparto a Jordan Ladd, Eli Roth, Daniel Frisch, Jay Hernández, Jeff Rendell (quien dio vida al peregrino asesino) y Michael Biehn (quien se encontraba en Praga rodando otra película y preguntó si podía participar en el tráiler).

Rodriguez coincidió con Rob Zombie en los Scream Awards, y éste le dijo que tenía la idea para un tráiler, "Werewolf Women of the SS". Rodriguez no necesitó oír más para meterlo en el proyecto. Zombie tomó como inspiración nazisploitations como La loba de las SS (1975), La bestia en calor (1977) o Elsa Fraulein SS (1977). Entre su reparto se encuentran Sheri Moon Zombie, Sybil Danning, Bill Moseley, Udo Kier y Nicolas Cage como Fu Manchu. La participación de Cage fue un favor hacia su amigo Zombie, aunque la idea inicial del director era que diera vida a un nazi, pero Cage no se sentía cómodo con eso, Zombie le dio como alternativa interpretar a Fu Manchu, y eso gustó al protagonista de Cara a cara.

La idea de Tarantino era rodar un tráiler de una sexploitation titulada "Cowgirls in Sweden", pero le dedicó tanto tiempo a Death Proof, que no tuvo oportunidad de rodar su tráiler.

Durante una de las sesiones dobles en casa de Tarantino, éste proyectó Espía sin mañana (1976), a la que le faltaba un rolló a mitad de metraje, de modo que en un momento de la película, no se sabía si la novia de Richard Widmark se había acostado con Oliver Reed, todo estaba en el rollo faltante, pero a Tarantino le llegó a gustar la película así. Tarantino declaró que Richard Linklater (Boyhood) les dio la idea que hicieran lo del rollo perdido en sus películas. Aunque en una entrevista, Rodriguez declaró que la idea se le ocurrió a él.

"PLANET TERROR"

por Rodi

Rodriguez tuvo la idea de Planet Terror en 1998, mientras trabajaba en The Faculty (1998). Llegó a decirles a los actores de esa película, que el género zombi iba a volver porque hacía muchos años que no se estrenaba una película de este género. Comenzó a escribir un guion, que no fue más allá de las 30 páginas, ya que no supo como continuar, y el director pasó a otros proyectos. Pero retomó su idea de su película de zombis para Planet Terror.

Rodriguez quería que la película tuviera imágenes que atrajeran al público, y fue durante un atasco de tráfico, que le vino a la cabeza la imagen de su protagonista, una bailarina a la que los zombis le han arrancado una pierna, y que la sustituye por nada menos que una ametralladora. Esta idea fue la que le llevó a terminar el guion.

El objetivo de Rodriguez es que Planet Terror transmitiera la sensación de ser, "una película de John Carpenter ambientada entre 1997: Rescate en Nueva York y La cosa," según confesaba a Entertainment Weekly.

REPARTO

Cuando Rodriguez y Tarantino veían sesiones dobles, se daba la casualidad de que algunos actores aparecían en ambas películas, y a Rodriguez se le ocurrió la idea de reutilizar actores, y que de esa forma aparecieran tanto en su película como en la de Tarantino.

El papel de Cherry Darling fue para Rose McGowan, según el director como una venganza hacia Harvey Weinstein, quien había violado a la actriz. Rodriguez y ella se conocieron en una fiesta durante el Festival de Cannes en 2005, donde el director texano había presentado Sin City. La actriz le comentó que le habría gustado participar en la película, pero estaba en una lista negra y no podía trabajar en ninguna película de Weinstein. McGowan había firmado un acuerdo por el cual no podía revelar lo sucedido años antes con Weinstein. Allí mismo, Rodriguez decidió contratarla para la película en la que iba a comenzar a trabajar, Planet Terror, y escribiría uno de los personajes protagonistas para ella, y todo sería financiado por la nueva compañía de Harvey, The Weinstein Company, sabiendo que el productor no pondría ningún veto, ya que se delataría a sí mismo. Se dio la casualidad de que mientras hablaban, hizo acto de presencia Harvey Weinstein en la fiesta, y el director lo llamó a su mesa, cuando vio que estaba sentado con McGowan, el productor se puso blanco, Rodriguez le espetó que McGowan sería la protagonista de su nueva película, y Weinstein se deshizo en halagos hacia ella de forma muy exagerada, y desapareció rápidamente. Rodriguez supo en ese momento que lo que ella le había contado era cierto. McGowan aceptó participar en la película, y cerraron el trato allí mismo. Rodriguez ya tenía a su Cherry Darling. Para componer el personaje, el director tomó elementos reales de la actriz, como que todo el mundo le dice que debería ser humorista, o esa frase repetitiva de que tiene talentos inútiles.

Rodriguez escribió algunas páginas más del guion, pero tras su experiencia con McGowan, de componer su personaje inspirándose en ella, tomó la decisión de hacer lo mismo con el resto de personajes que poblaban su libreto. Comenzó a realizar el casting con el guion a medio escribir, para que los actores que encajaran con los personajes le inspiraran a componerlos y así terminarlo.

Freddy Rodriguez se hizo con el papel de El Wray, el antihéroe de Planet Terror. El actor se presentó a las audiciones, y en ese momento Robert Rodriguez aún no tenía el guion terminado, Freddy Rodriguez inspiró al director para desarrollar el personaje de El Wray, y hacerlo más duro, y por esa razón fue contratado. Además el actor se presentó a la audición con una chaqueta de cuero que encantó al director, como no pudo conseguir ninguna que le gustara tanto, le pidió a Freddy Rodriguez que trajera su cazadora al rodaje.

Marley Shelton a punto estuvo de conseguir un papel en The Faculty (1998), pero aunque se lo llevó Laura Harris, estuvo en contacto con Rodriguez. Tras trabajar juntos en Sin City, escribió el papel de la doctora Dakota Block para ella.

Con Michael Biehn, Rodriguez realizó un proceso similar a otros actores, el papel no estaba completo, y cuando lo contrató para dar vida al sheriff Hague, terminó de escribir el personaje en función de Biehn, quien aportó muchas ideas.

Al principio dudó entre Biehn y Jeff Fahey para el papel del sheriff, pero después decidió que Fahey interpretara al cocinero J.T., hermano del sheriff Hague.

Tras trabajar con Bruce Willis en Sin City, volvió a contar con él para Planet Terror. Le mostró una prueba inicial del tráiler de Machete, los créditos iniciales y el proceso de envejecimiento al que sometería a la película. Nada más verlo, Willis quiso participar en la película haciendo cualquier papel, y Rodriguez le dio el del villano, el teniente Muldoon.

A Naveen Andrews (serie Perdidos) no le llegó el guion completo, sólo recibió la escena de la castración, la cual intrigó al actor. El británico se hizo con el papel del científico Abby, y tuvo que alternar el rodaje de Planet Terror con el de La extraña que hay en ti (2007), yendo de Austin a Nueva York continuamente. Fue idea de Tarantino la voz que usa su personaje. Rodriguez también escribió el papel basándose en el actor.

Josh Brolin se hizo con el papel del doctor William Block. Rodriguez y él se conocieron en el rodaje de Mimic (1997), de la que el texano se encargó de la dirección de la segunda unidad, y siempre quiso trabajar con el actor, y esa oportunidad llegó con Planet Terror.

Para el papel de Tammy, amante de Dakota Block, la directora de casting, Mary Vernieu, le sugirió a Rodriguez la cantante Fergie. La prueba que hizo fue sobre ruedas, y el papel fue suyo. 

Para los papeles de las Babysitter Twins, Rodriguez contrató a sus sobrinas Electra Stone y Elise Avellan.

Y fichó a su hijo Rebel Rodriguez para el papel de Tony Block.

Rodriguez quiso contar con su agente inmobiliario, Skip Reissig, para quien escribió el papel de Skip.

Cuando Rodriguez se encontraba escribiendo el guion, recibió un e-mail de Carlos Gallardo (El mariachi), preguntándole si tenía un papel para él en Planet Terror, y justo había un personaje llamado Carlos para el que no tenía actor, y de esa forma Carlos se convirtió en Carlos, el ayudante del sheriff.

El resto del reparto lo formaron Tom Savini (como el ayudante del sheriff Tolo) y Quentin Tarantino (en el papel de un militar).

Para introducir a los actores en el mundo del grindhouse, se pasaron dos días enteros en casa de Tarantino viendo películas de serie B, para entender lo que ambos directores buscaban, entre otras les proyectaron Punto límite: cero (1971), Nueva York bajo el terror de los zombies (1979) o Un gatto nel cervello (1990). Rodriguez les recomendó a todos que vieran 1997: Rescate en Nueva York (1981) porque tenía el tono que quería para Planet Terror.

RODAJE

El rodaje de Planet Terror comenzó el 20 de marzo de 2006, y terminó en julio del mismo año. La película se filmó principalmente en Texas. Y los interiores se filmaron en los Troublemaker Studios en Austin (Texas).

Rodriguez filmó su película en digital. Él y Tarantino habían acordado que ambos rodarían en ese formato, pero sólo Rodriguez terminó haciéndolo, a última hora Tarantino cambió de idea y filmó en celuloide.

Según Marley Shelton, Tarantino participó activamente en Planet Terror, tanto que podría haber sido acreditado como director. "En realidad codirigieron," explicaba la actriz a Fangoria, "al menos Planet Terror. Quentin estaba mucho tiempo en el set. Tenía notas y sugerencias para nuestras actuaciones y cambiaba los diálogos de vez en cuando. Por supuesto, siempre le dio la razón a Robert en Planet Terror y viceversa en Death Proof." Rodriguez consideró a Tarantino, el director de segunda unidad de su película.

Rodriguez y McGowan iniciaron una relación amorosa, que duró tres años. Esto le costó al director su matrimonio.

Freddy Rodriguez hizo muchas de sus escenas de riesgo, según el actor, llegó a realizar el 95% de ellas. Tuvo que entrenar durante meses para dar vida a El Wray, con pistolas (con Aramand Fairead), cuchillos (con Jeff Lamotto) y coreografías de lucha (con Jeff Dashnaw).

McGowan no se quedó atrás y también realizó peligrosos stunts. Como el momento en el que salta varios muros, la actriz voló por los aires una longitud de 30 metros y a una altura de 9 metros, suspendida por cables.

McGowan declaró que simular que su pierna era una ametralladora fue una tortura para ella, le enyesaron la pierna derecha, que después digitalmente se cambió por una ametralladora.

Cuando rodaron la escena en la que a Tammy la atacan unos zombis, Tarantino dio vida a uno de los infectados, y se metió tanto en el papel, que, por una parte tuvieron que repetir muchas veces la escena, y por otra, llegó a morder realmente a Fergie, dejándole en el brazo la marca de la mordedura.

Rodriguez no sabía si la muerte del hijo de los Block funcionaría, de modo que rodó dos versiones de la película, una con la muerte del niño, tal y como se ve en la película final, y otra alternativa, en la que el niño está vivo hasta el final de la misma, y está presente en muchas de las secuencias. El director se decidió por la primera.

Como una buena cinta grindhouse, Rodriguez metió a propósito errores en la película, como cuando Earl McGraw dispara al doctor Block con una pistola de seis balas, y le mete siete tiros.

El día en que Jeff Fahey rodó su última escena, Rodriguez le pidió que se pusiera un traje, y le esperara en una oficina, al llegar allí descubrió que iba a rodar escenas para el tráiler de Machete. Un ejemplo de puro cine explotación.

Troublemaker Digital Studios, empresa del propio Rodriguez, se encargó del arte conceptual, de la previsualización de escenas, y de la creación de tomas finales con efectos visuales. Pese a ser una película de serie B, Planet Terror está llena de efectos visuales, tiene cerca de 450 efectos especiales.

Algunos pasan totalmente desapercibidos, como en la secuencia en la que la doctora Block salta por la ventana del hospital, Rodriguez quería mostrar en un único plano el salto, y como ella caía sobre unos contenedores de basura, pero como la ventana estaba a mucha altura, sería peligroso para la especialista, de modo que lo rodó en dos fases, en la primera la especialista saltó sobre una colchoneta, y en otro saltó desde una altura más baja mientras arrojaban cristales, y unieron ambos planos. Además para que no se notara el efecto, hicieron que un coche pasara por delante en el momento de la caída.

Para darle a la película el aspecto de una auténtica película grindhouse, cuyas copias resultaban dañadas después de pasar por muchos cines, Rodriguez creo digitalmente defectos en la película, para que diera la sensación de ser una copia de mala calidad. Tarantino por su parte, como filmó en celuloide, para dañar su película, lo que hizo fue arrastrarla por un aparcamiento.

La MPAA quiso que Rodriguez recortase una escena en la que unos infectados se comían a un pobre diablo... [TEXTO PERDIDO] ...de esa forma Rodriguez consiguió que el resultado fuese todavía más violento.

Los efectos de maquillajes corrieron por cuenta del KNB EFX Group, con Gregory Nicotero y Howard Berger como diseñadores de efectos de maquillaje. Convertir a Josh Brolin en un infectado, requirió de un largo proceso de maquillaje. Para la primera fase de infección, fueron necesarias 2 horas y media, y para la segunda, requirieron de 4 horas y media, para transformar al actor en un infectado con un mayor estado de descomposición. Para la segunda fase crearon para los infectados, trajes de cuerpo completo de látex espumado, llenos de sangre y pus.

Había tal relación y confianza entre Rodriguez y Tarantino, que no vieron la película que había filmado el otro, hasta tres semanas antes del estreno de Grindhouse.

La duración inicialmente deseada era de 2 horas y media, pero pese a que ambos directores tuvieron que editar sus películas todo lo posible para recortarlas, al final Grindhouse, con ambas películas y los tráileres falsos, tuvo una duración de 3 horas y 11 minutos.

La MPAA sólo solicitó unos pequeños recortes para conseguir la calificación "R" deseada, en el tráiler de "Thanksgiving", más concretamente, en el momento en el que una animadora en topless era atravesada con un cuchillo, mientras hacía un split en una cama elástica.

El plan inicial era estrenar la película el 22 de septiembre de 2006, después la fecha de estreno se movió a diciembre del mismo año, pero los directores se opusieron, entonces se cambió a abril de 2007.

Grindhouse, con un presupuesto de 53 millones de dólares (aunque otras fuentes lo sitúan en los 67 millones), se estrenó en Estados Unidos el 6 de abril de 2007, y resultó ser un fracaso de taquilla. Sólo recaudó 25.037.897 de dólares. Después de tan mal desempeño, Harvey Weinstein se planteó relanzar ambas películas por separado en territorio norteamericano, pero al final no lo llevó a cabo, aunque para el marcado internacional la película sí se dividió (Grindhouse llegó a verse completa en algunos países como Reino Unido, Australia y Japón, pero de forma muy limitada). Su recaudación final a nivel mundial fue de 25.422.088 de dólares.

Sobre la división de las películas para el mercado internacional, Rodriguez comentaba a IGN: "Sabíamos que en algunos territorios internacionales decían: 'Ni siquiera sabemos qué es una sesión doble. Queremos que las películas sean independientes'. Así que pensamos: 'Bueno, mantengámoslo... Es una experiencia estadounidense tener una sesión doble. Mantengámosla aquí en los países angloparlantes, y luego, en algunos países donde simplemente la quieran por separado, lo haremos'. Pero aquí lo importante era mantenerlas juntas."

El separar las películas no mejoró su suerte en la taquilla. Planet Terror recaudó en el mercado internacional 11.446.172 de dólares, y Death Proof hizo lo propio con 31.126.421 de dólares.

La versión de Planet Terror de Grindhouse tenía una duración de 91 minutos, y para su versión internacional, se alargó el metraje hasta los 105 minutos. Por su parte, Death Proof tenía una duración de 87 minutos dentro de la sesión doble, pero para la versión internacional, Tarantino la amplió hasta los 114 minutos.

Harvey Weinstein achacó el mal funcionamiento en la taquilla de Grindhouse a su larga duración, y también a su fallida campaña de marketing.

Según Rodriguez, Weinstein hundió la película por venganza, por ser McGowan la protagonista de Planet Terror. 

Y Tarantino opinaba, que él y Rodriguez esperaban que el público tuviera más conocimiento sobre las sesiones dobles y el cine explotación, pero cuando la película se estrenó descubrieron, para su decepción, que no era así (tras algunas quejas, en algunos cines llegaron a repartirse folletos o un acomodador explicaba al público que los tráileres falsos, los desperfectos en las películas, o las escenas faltantes eran parte de la experiencia). A Grindhouse le ocurrió lo que a Especialista Mike en esa escena de Death Proof en la que les habla a las chicas de las series en las que trabajó, pero a éstas no les suena ninguna.

Pero sea como fuere, Grindhouse se convirtió en material de cine de culto de forma instantánea.

VALORACIÓN

De las dos propuestas de Grindhouse, siempre me he decantado por Planet Terror, me parece que de las dos películas, es la que mejor capta el espíritu de las películas que sus directores pretendían homenajear. Tengo la sensación que Tarantino mira por encima del ojo al género, como si un director de su talla, no pudiera rebajarse a hacer una simple película de serie B. Mientras que Rodriguez, se vuelca en hacer un entretenimiento desprejuiciado, violento, y cachondo, donde prima la diversión. 

Planet Terror es la segunda película grindhouse del tándem Rodriguez y Tarantino, ya que la primera fue Abierto hasta el amanecer (1996), film con la participación de ambos, que es una película de serie B, con dos marcadas personalidades. La primera mitad de la película es puro Tarantino, dos peligrosos criminales en un viaje (como en Amor a quemarropa o en Asesinatos natos) y llena de diálogos ingeniosos. Y la segunda es toda de Rodriguez, repleta de monstruos, acción y gore. Grindhouse es un refinamiento de aquella película, llevando más lejos la unión de ambos directores en su gusto por el cine explotación.

El punto débil de la película es el guion, es cual es de una gran simpleza, tampoco es que sea necesario que éste fuera muy elaborado (eso no encajaría con el tipo de película que trata de imitar), pero todo se limita a un grupo de personajes, que en medio de un caos zombi, acaban en un restaurante, y de allí deben ir a una base militar, por en medio hay mucho gore, vísceras, tiros y explosiones, lo que no está nada mal, pero la película de zombis de Rodriguez (o mejor dicho infectados) palidece ante otras del mismo género de la época, en la que hubo un boom, como 28 días después (2002), Amanecer de los muertos (2004), Resident Evil (2002), La tierra de los muertos vivientes (2005), [Rec] (2007), 28 semanas después (2007) o Zombieland (2009). Además la secuencia del helicóptero masacrando zombis con sus aspas, se repetía en 28 semanas después, producción del mismo año que Planet Terror, siendo superior la escena en la película de Juan Carlos Fresnadillo.

Pero hay en ella ideas geniales, como la del rollo perdido, es un chiste que funciona de maravilla, sobre todo cuando pasamos de una escena romántica, a entrar de pleno en una escena de acción, y por en medio han pasado cosas importantes (El Wray le ha contado su secreto al sheriff), de las cuales nunca tendremos explicación. Además de esa forma no hay tiempos muertos, y el ritmo de la película no decae, entramos de lleno en el tercer acto de la película.

También me gusta que Dakota no pueda utilizar durante toda la noche sus manos, después de que su marido le inyecte un anestésico en ambas. Rodriguez pone a la doctora en diferentes situaciones, donde lleva al límite al personaje, y donde ésta tendrá que ingeniárselas para salir adelante sin sus extremidades. Y después recupera su movilidad en el momento justo, en uno de los mejores momentos de la película.

Rodriguez aprovecha los desperfectos en la película con fines dramáticos, como en la escena del ascensor con Tarantino, que se vuelve de color rojizo (como sucede con las películas al envejecer), para aumentar la tensión de la misma.

Los agujeros de guion o los errores están permitidos, porque están homenajeando películas explotación, por eso no nos importa la aparición sorpresa del doctor William Block en el helicóptero, sólo para que reciba su merecido. O como es posible que Cherry dispare la ametralladora de su pierna, aquí no estamos para pensar en esas cosas. 

Planet Terror no se toma en serio a si misma, y eso juega a su favor. En una secuencia, El Wray va montado en una mini moto. A Tarantino se le derrite la entrepierna. Abby es un científico que colecciona testículos. Y J.T. se pasa toda la película buscando la receta de la salsa barbacoa perfecta.

Freddy Rodriguez, Josh Brolin y Jeff Fahey son los mejores actores de la película, los tres están fantásticos. Freddy funciona de forma sorprendente como héroe de acción. Brolin está genial como un malicioso médico, al que le imprime grandes dosis de peligro. Y Fahey, con un personaje que sobre el papel no es nada, consigue despertar nuestras simpatías, y que demuestra que el actor podría haber llegado más lejos en Hollywood.

Rodriguez hace su película más John Carpenter, y como éste, él mismo compone la música de la película, de estilo muy carpentariano. Como en muchas películas del maestro del terror (Asalto a la comisaría del distrito 13, La niebla, El príncipe de las tinieblas, Fantasmas de Marte), pone a un grupo de personas enfrentándose a una situación límite, durante una noche infernal, en la que tendrán que unir fuerzas para sobrevivir. Incluso Freddy Rodriguez recuerda a sus antihéroes, como Snake Plissken o Napoleon Wilson.

Grindhouse marcó la última colaboración entre Rodriguez y Tarantino. Tarantino era una buena influencia para Rodriguez, quien realizó sus mejores películas los años que colaboró con Tarantino, en los que rodó Desperado (1995), Abierto hasta el amanecer (1996), The Faculty (1998), Spy Kids (2001) y Sin City (2005), vale que entre medias también estrenó Spy Kids 3: Game Over (2003), El mexicano (2003) y Las aventuras de Sharkboy y Lavagirl en 3-D (2005), pero ya me entendéis. Y el tenerle al lado en Planet Terror seguro que benefició a la película.

Rodriguez siempre me ha parecido un director sobrevalorado, que en ocasiones da en el blanco, y cuyos mejores trabajos son encargos o tienen a otros como guionistas (Abierto hasta el amanecer, The Faculty, Sin City, Alita: Ángel de combate). Llegado un momento de su carrera, quiso convertirse en un hombre orquesta que además dirigir, escribir y producir, también editaba, fotografiaba, componía la música, se encargaba de los efectos visuales y del sonido, y era diseñador de producción de sus películas, pero no brilla en ninguno de esos campos, si se limitara a sólo dirigir, donde es más hábil, tendría una carrera mejor, aunque menos divertida. 

Planet Terror es un disfrute para los fans del cine de terror más divertido, y una carta de amor al cine de explotación más cafre. Es una de las mejores películas de Rodriguez, y de las más disfrutables de su carrera. Grindhouse es un proyecto único, Rodriguez y Tarantino trajeron de vuelta al cine una experiencia perdida por el público, lástima que éste no supiera apreciarlo en el momento de su estreno. Fue uno de los proyectos más molones de los 2000. De esta increíble sesión doble, que incluía tráileres falsos (una de las mejores ideas ever), para mí, el punto álgido es precisamente esta Planet Terror.

CURIOSIDADES

Marley Shelton tiene un pequeño papel en Death Proof, repitiendo su papel de la doctora Dakota Block.

Michael Parks también repite su papel de Earl McGraw en Death Proof. Parks dio vida al sheriff anteriormente en Abierto hasta el amanecer (1996), Kill Bill: Vol. 1 (2003), y Kill Bill: Vol. 2 (2004).

Rose McGowan tiene un papel en Death Proof, interpretando un personaje distinto al de Planet Terror.

Durante el rodaje, Tarantino y Rodriguez filmaron para Josh Brolin una prueba para No es país para viejos (2007), que envió a los hermanos Coen.

El orden de las películas se hizo por orden alfabético de los directores, de esa forma Planet Terror fue primero y la siguió Death Proof.

Inicialmente Robert Rodriguez iba a ser el director de fotografía de Death Proof, pero al final Quentin Tarantino decidió ocuparse personalmente de ese puesto.

Rodriguez había escrito la escena del corte de testículos, diez años antes de realizar Planet Terror, para un videojuego.

Zoe Bell, una de las protagonistas de Death Proof, participó en la película interpretando a una zombi.

Rodriguez terminaría convirtiendo el tráiler de "Machete" en una película, con Machete (2010), a la que le seguiría Machete Kills (2013).

Eli Roth hizo lo propio con el tráiler de "Thanksgiving" con Black Friday (2023), y su secuela  Thanksgiving 2, que está en camino.

Rodriguez ideó un concurso de tráileres grindhouse dentro del festival SXSW de Austin (Texas), y el ganador fue "Hobo with a Shotgun" dirigido por el canadiense Jason Eisener, que tuvo un coste de 150 dólares. Los distribuidores canadienses de Grindhouse incluyeron el tráiler dentro de la película para su estreno en Canadá. El corto tendría su puesta en largo a modo de largometraje con Hobo with a Shotgun (2011), dirigida nuevamente por Eisener, y protagonizada por Rutger Hauer.

Los cerebros estaban hechos de gelatina rellena de mermelada de fresa.

Mientras Rodriguez filmaba Planet Terror, Tarantino estaba envuelto en el proceso de casting de Death Proof.

BIBLIOGRAFÍA

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Grindhouse: Tarantino and Rodriguez interview (Entertainment Weekly, 23 jun 2006)

Entertainment Weekly Magazine (30 mar 2007)

'Hobo With a Shotgun': How a $150 fake trailer became the year's maddest movie (Entertainment Weekly, 3 may 2011)

Quentin Tarantino: I'm proud of my flop (The Telegraph, 27 abr 2007)

Online Exclusive: Horror Film Directors Dish About 'Grindhouse' Trailers (Rolling Stone, 19 abr 2007)

Interview: Freddy Rodriguez from “Grindhouse” (Gone With the Twins)

Exclusive Interview: Freddy Rodriguez (CHUD, 6 abr 2007)

Tarantino & Rodriguez Grind Together (IGN, 2 feb 2006)

Grindhouse Interview: Michael Biehn & Jeff Fahey (IGN, 5 abr 2007)

Grindhouse Interview: Quentin Tarantino & Robert Rodriguez (IGN, 5 abr 2007)

Doctor in the Grindhouse (Fangoria)

Grindhouse: Interview With Josh Brolin & Marley Shelton (Slash Film, 27 mar 2007)

Robert Rodriguez Says Casting Rose McGowan in ‘Grindhouse’ Was an F-U to Harvey Weinstein (Variety, 27 oct 2017)

Nicolas Cage Makes Surprise Cameo In Grindhouse (Uncut, 27 feb 2007)

IMDb: Planet Terror

Interview: Eli Roth (Joblo)

Interview: “Thanksgiving” At Last! Eli Roth Talks Turkey (Rue Morgue, 13 nov 2023)

Total Film Magazine (ene 2007)

CAPONE Interviews The Bad Ass Supreme Of 2007... Josh Brolin! (Ain't it Cool News, 7 nov 2007)

Exclusive Grindhouse Interviews! (Coming Soon, 5 abr 2007)

Naveen Andrews Interviewed (Collider, 4 abr 2007)

Harvey Very Disappointed; May Re-Release 'Grindhouse' As 2 Pics (Deadline, 9 abr 2007)

Empire Magazine (jul 2019)

Grindhouse: The Sleaze-filled Saga of an Exploitation Double Feature (Kurt Volk, 2007)

Box Office Mojo: Planet Terror

Box Office Mojo: Death Proof

Box Office Mojo: Grindhouse

"DEATH PROOF"

por Ramón

Women Power

Dos grupos independientes de mujeres jóvenes se preparan para pasar unos días de fiesta sin imaginar que están siendo acechadas por un viejo especialista de cine que busca hacerles daño al volante de su Chevy Nova. Con su cinta Grindhouse, Tarantino homenajea no sólo el género slasher de asesino sanguinario, sino también el cine de Russ Meyer al poner de protagonistas un grupo de mujeres sexys que saben valerse por sí mismas. Este rasgo se ve especialmente en el segundo bloque, con el grupo encabezado por Abernathy, Zoé y Kim, capaces de verle las orejas al lobo y, en lugar de huir, convertirse en las cazadoras. Pero no nos adelantemos. 

“Death Proof” son dos cintas por el precio de una, con lo cual casi se podría tener dentro de “Grindhouse” tres cintas (casi nada). Pero centrémonos en el título de Quentin. Siempre he visto en su historia una actualización del cuento de “Caperucita Roja” con unas jóvenes yendo de camino hacia un destino y siendo interceptadas por un elemento masculino inquietante, personificado aquí por el Especialista Mike. La primera parte del film se centra en el primer grupo (compuesto por la DJ de radio Jungle Julia, Arlene y Shanna), que si podría catalogarse más dentro del cliché de chicas en apuros al poner Tarantino sobre ella una mirada más “masculina”. No sólo la cámara se detiene mucho más en los rasgos sexys de sus cuerpos sino que existen los amigos con los que se encuentran y que parece que solo están con ellas para ver si se las ligan (alguno lo consigue). Aunque las chicas protagonistas son independientes y exitosas (Jungle Julia arrasa con su programa radiofónico y posee varias vallas publicitarias), acaban por resultar chicas indefensas que caen en las garras del villano, quien se adueña del relato desde el momento en que aparece en el bar de Warren (al que da vida el propio Tarantino) masticando una hamburguesa Big Cahuna cual si fuese un animal. Esto, que el villano se adueñe de la escena, es importante para entender esta primera parte, pues todo lo que acontece está sometido a él. El Especialista Mike lleva el volante y dirige la trama de este grupo de chicas, por ello todo resulta sucio, desde el punto de vista de la cámara (siempre subrayando la amenaza), a la imagen gastada y los cortes en el montaje. Este bloque es el más “Grindhouse” a nivel argumental y visual, concluyendo con la gran secuencia del accidente/asesinato automovilístico, donde Tarantino saca su vena sádica en el montaje, repitiendo el impacto hasta en tres veces para regodearse con el cruel destino de cada una de las jóvenes que iban en el coche siniestrado. Las chicas son víctimas. El lobo gana.

Cambiamos de bobina. 

Tras un breve paréntesis donde tenemos la participación especial del sheriff Earl McGraw (ya apareció en “Kill Bill” y hace lo propio en “Planet Terror”), el nuevo Chevy del Especialista Mike aparece y se detiene en una estación de servicio cambiando de repente a Blanco y Negro para presentar un nuevo grupo de chicas. De nuevo son chicas independientes que poseen trabajos dentro del negocio cinematográfico y van de camino a recoger a una amiga al aeropuerto para pasar unos días de descanso. De nuevo, el Especialista Mike aparece al acecho, quedando prendado de los pies de Abernathy, que acaricia fugazmente de forma lasciva y escalofriante. La joven se asusta y sale del coche. De repente, mientras está apoyada sobre el capó del coche, el ruido de la máquina expendedora de bebidas hace ruido a la vez que el coche de Mike se marcha y la sobresalta paraentrar el color a escena. Pero ya no es un color gastado ni maltratado con rayas. Ahora es limpio.Como si estuviésemos en otro mundo. Aunque, como cita el letrero entre medias, sólo han pasado 14 meses, parece que han pasado años entre un bloque y otro, como si hubiésemos viajado del grano de los 70 (de no ser por los móviles que aparece juraríamos que el primer bloque transcurre en dicha época) al nuevo milenio con imagen digital. Y esto va acorde al nuevo bloque que se nos narra. Ahora el Especialista Mike no posee tanto protagonismo. Sigue al acecho, merodeando a laschicas (brillante su aparición sentado al mostrador en segundo plano en la larga conversación quemantienen en la cafetería), pero son ellas quienes dirigen la narración. Es, sobre todo, en el momento en que tiene lugar el clímax cuando la película en conjunto pega un giro de 180 grados para demostrar el cambio de marcha y ciclo. Tras estampar el Dodge Challenger que conducen las chicas, Mike sale de su nuevo Dodge Charger como si hubiese hecho una travesura, sin imaginar que va a recibir de su medicina. Y es que los últimos 25 minutos de la película son puro vértigo dechoques y velocidad, con el villano siendo diezmado por sus presas (como el Lobo ya no de Caperucita, sino de “Los Tres Cerditos” que construyen su casa de ladrillos y se defienden de él). Esta segunda parte da la vuelta a la tortilla y convierte a las chicas en auténticas heroínasvengadoras. Representan a las mujeres del S. XXI. Las que están hartas de soportar golpes, insultos y maltratos varios por parte de lobos con piel de cordero. Pero el cuento se acabó. Ahora ellas son las que responden por sí mismas y hacen llorar a los abusones. El mundo es suyo y saltan victoriosas. 

A pesar de que “Death Proof” está considerada hasta por el mismo Tarantino como la película menos buena de su filmografía, a mi me resulta francamente estimulante por la cantidad de ideas y teorías que se pueden sacar de ella. 

Ya desde la primera vez que la vi (tanto en su versión cinematográfica europea como dentro del conjunto “Grindhouse” en Sitges de 2007) me gustó su estilo diferenciado entre la primera y la segunda parte, así como escenas de conversaciones que son muy propias de su pluma. Por ejemplo, en la primera parte toda conversación fluye no tanto por lo que se dice como por la forma en queestá montada, con la tristemente recordada montadora Sally Menke haciendo virguerías para quetodo resulte entretenido; mientras en la segunda parte todo diálogo está más medido en cuanto a planificación, destacando sobre todo tres momentos: la conversación que mantienen Abernathy con Lee a través del cristal de la tienda mediante un plano contraplano casi subjetivo; el largo plano secuencia de cerca de ocho minutos donde se descubre la intención de Zoé por probar un Chevy similar al de la película de culto “Punto Límite: Cero”; la negociación entre Zoé y Kim por realizar la maniobra del mástil de barco en el Chevy, en un plano fijo americano, cuyo mayor defecto es resultar excesivamente largo.

Otro rasgo interesante de la cinta es el toque metacinematográfico que posee mediante infinidad de referencias al Universo del director, como el diseño del coche que conduce Lee, similar a la camioneta de “Kill Bill”; el conocido fetichismo del director es expuesto mediante innumerables planos de pies femeninos (el primer plano es un primer plano de ellos) o el guiño al masaje de pies que cita Jules en “Pulp Fiction” y que aquí también aparece en un diálogo de Abernathy, sin olvidar los easter eggs a la carrera de Tarantino en televisión con la portada del CSI de una revista o a su vida personal por entonces, cuando era pareja de Sofia Coppola, apareciendo también una portada de revista dedicada a la “Maria Antonietta” de la directora. También cuela dos guiños hacia el actor que da vida al Especialista Mike, Kurt Russell, y su relación con su director fetiche (y muy admirado por Tarantino), John Carpenter, al aparecer colgada en el bar del primer bloque la camiseta de “Golpe en la Pequeña China”, como un pequeño Elvis en el mostrados de la gasolinera de la segunda parte (Kurt Russell debutó con Carpenter interpretando al Rey). Sin embargo, el rasgomás meta de todos es tener a Zoé Bell (casi) interpretándose a sí misma. La actriz cruzó su camino con Tarantino al convertirse en la doble de Uma Thurman en “Kill Bill” y desde entonces se han convertido en un dúo inseparable. No sólo eso, sino que en “Érase una vez en Hollywood” convirtió a Zoé Bell (especialista en la vida real) y a Kurt Russell (el Especialista Mike) en matrimonio, demostrando la admiración y cariño que profesa por una profesión que en poco tiempo recibirá su merecido homenaje en forma de estatuilla dentro de los Oscars gracias a la creación de la nueva categoría a mejor equipo de especialistas. 

La lectura más social e interesante que podría sacarse de la cinta es que podría interpretarse como un augurio de lo que sucedería diez años después en que apareció el Mee Too y la figura del todopoderoso Harvey Weinstein quedó maldita para siempre. El cofundador de Miramax fue el protector de Tarantino y, como llegó a decirse, todo el mundo sabía lo que se cocía pero nadie dijo nada. Resulta curioso que una de las actrices que repite tanto en “Planet Terror” como en “Death Proof”, Rose McGowan fuese de las primeras en alzar la voz contra Weinstein (además de que, por fatídicos hechos del destino al año siguiente de protagonizar la dupla “Grindhouse”, sufriese un accidente de coche, aunque afortunadamente no fuese mortal como el que protagoniza en la cinta). En la película de Tarantino no es difícil ver en el Especialista Mike a ese ser grotesco que juega con las mujeres a placer hasta el sufrimiento. Y aquí me salgo un poco por la tangente y hablaré de las dos escenas automovilísticas que un crítico acertó al describirlas como actos sexuales. La primera es brutal y, como he citado, se regodea en el sufrimiento de las mujeres, pues el hombre gana con un choque frontal cual si fuese un orgasmo. La segunda secuencia automovilística es mucho más larga y juguetona, con las mujeres llegando a divertirse, alargando el placer como bien muestra el juego del mástil de barco. Está más cerca del orgasmo femenino con esa explosión de violencia a base de puñetazos en primer plano sobre el rostro de Mike. Quizás Tarantino sabía lo que se cocía y parió esta obra. O quizás tan solo quería jugar. Pero, demonios, es que mola ver en la cinta una oda a la mujer empoderada que no necesita más que de si misma y sus amigas para frenar a los lobos.

La película es 100% Tarantino. Posee una planificación de primera en que destacan sus diálogos ingeniosos (muy bueno el momento en que Mike la pregunta a Arlene qué le da miedo de él y en lugar de referirse a su cicatriz declara que es su coche mediante un juego de palabras, pues en inglés Car y Scar casi poseen una misma sonoridad), aunque, como suele pasarle en más de una ocasión, resultan un tanto largos para lo que quiere contar, sobrecargados con referencias a la cultura Pop a la que siempre homenajea (el poema que recita Mike a Arlene está basado en el poema “Stopping by Woods on a Snowy Evening” de Robert Frost que ya se escuchaba en “Teléfono” de Don Siegel protagonizada por Charles Bronson). En esta ocasión sobre todo rinde pleitesía a las cintas automovilísticas de los 70 y 80 a través de títulos (lanza una pulla al remake de “60 Segundos” mientras alaba la original) y coches, además del plano de Kurt Russel mirando a cámara como Burt Reynolds en “Los Caraduras” justo cuando va a cometer su primera fechoría en su coche tuneado a prueba de muerte para el conductor. El objetivo del director a la hora de afrontar la cinta no era lade hacer un slasher al uso, sino crear las mejores secuencias automovilísticas de la Historia. Y laverdad es que la segunda es una barbaridad de ritmo, montaje y emoción, amén de un sonido brutal donde el motor de los Chevys ruge como si de animales salvajes se tratara. 

También, como era de esperar, usó un soundtrack de primera que acompañase las escenas, pasando en varias escenas de música diegética a extradiegética por medio del mítico tocadiscos AMI o radiocasettes de los coches. Quizás otra de las escenas más celebradas de la cinta es el instante del baile que Arlene realiza para Mike al ritmo de “Down in Mexico”, muy ardiente y excitante, con un divertido momento de corte en el montaje dentro de la versión “Grindhouse” que impedía ser vista porque “la bobina se había perdido”. 

Otro de los puntos fuertes del director es el de saber unir un reparto que funcione. En esta ocasión los dos grupos de mujeres están bien definido y compenetrado, existiendo camaradería y química entre ellas. Para dar vida a las protagonistas se eligió a Sydney Tamiia Poitier, Vanessa Ferlito y Jordan Ladd como el primer grupo de amigas, a las que se unía como una habitual del bar a Rose McGowan (con peluca rubia para diferenciarse de su Cherry de “Planet Terror”). Tarantino se guardó el rol del barman Wayne y también ofreció un rol al también director Eli Roth antes de ofrecerle ser el Oso Judío en sustitución de Adam Sandler. El segundo grupo de chicas lo formaron Rosario Dawson, Zoé Bell, Marie Elizabeth Winstead y Tracie Thoms. Para dar vida al Especialista Mike el director pensó en un primer momento en actores como Sylvester Stallone, Mickey Rourke o Bruce Willis para finalmente entregárselo a Kurt Russell, quien volvió a bordar un personaje carismático y amenazador que rememoraba sus colaboraciones con Carpenter (flequillo a lo Elvis; cicatriz en el ojo del parche de Snake Pliskeen). Lo mejor del personaje es que no tiene porque explicar su motivación, simplemente disfruta provocando accidentes contra grupos de chicas, a las cuales elige de manera aleatoria. ¿O no? Porque si nos detenemos a pensarlo podemos ver que en cada grupo hay una mujer que ha logrado el éxito (Jungle Julia/Lee) mientras las demás se desenvuelven de manera igual de triunfante. Puede que el objetivo de Mike sea diezmar a las mujeres que quieren destacar, y puede que por ello el final sea más divertido aún, porque acaba siendo derrotado por dos mujeres que, como él, son especialistas. 

A la hora de exportar el invento “Grindhouse” Rodriguez y Tarantino se vieron con el problema de que dichas sesiones fuera de Estados Unidos no eran muy populares y ello (sumado a la extensa duración de cerca de 3 horas del proyecto) los hizo exportar cada película individualmente. En el caso de “Death Proof” los cambios con respecto a su versión “Grindhouse” son más notorios al pasar de 87 a 117 minutos, la mayoría referidos a la duración de los diálogos (Tarantino parece gustarse a sí mismo a nivel Europeo) y en algunas escenas que desaparecen o son recortadas. La veneración en el Viejo Continente hacia el de Knoxville es tal que la cinta fue seleccionada para participar en el Festival de Cannes de 2007, siendo bien recibida entre el sector crítico. Lamentablemente ni el proyecto “Grindhouse” ni las películas en sus formatos independientes lograron el éxito esperado, aunque eso no impediría que Rodriguez llevase a cabo la película “Machete” que prometió, ni que Tarantino regresara a Cannes dos años después (como prometería) con su magnífica “Malditos Bastardos”. 

“Death Proof” es una muy interesante película que entrega un 2 por 1 a la hora de mostrar una historia similar de dos maneras diferentes. Cinematográficamente es puro Tarantino para lo mejor y lo peor, pero personalmente me quedo con todas las referencias que lanza el director ya sea hacia la ficción que ama como hacia la realidad que odia.