Robin Hood: Príncipe de los ladrones

"¡Anular la Navidad!"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tras su regreso a Inglaterra, Robin de Locksley, descubre que el Sheriff de Nottingham ha sembrado la tiranía en su hogar, razón por la que decidirá enfrentarse a él, y ayudar a los más desamparados. 

DOS KEVINS Y TRES ROBIN HOODS

El personaje de Robin Hood se ha llevado al cine en numerosas ocasiones, siendo las más populares representaciones del héroe de Sherwood, las protagonizadas por Douglas Fairbanks en Robin de los bosques (1922), Errol Flynn en Robin de los bosques (1938), Sean Connery en Robin y Marian (1976), y la versión animada de Disney con Robin Hood (1973).

Al guionista y productor Pen Densham (Llamaradas), se le ocurrió actualizar el personaje de Robin Hood a los tiempos modernos, en una película que definió como "Robin Hood a la En busca del arca perdida", así nació Robin Hood: Príncipe de los ladrones (Robin Hood: Prince of Thieves, 1991). "Decidimos que queríamos reinventar la leyenda," contaba el productor y coguionista John Watson a la revista Starlog, "para explicar cómo Robin Hood se convirtió en Robin Hood, y para hacerlo, se nos ocurrieron algunos giros en el origen." La idea de Densham era convertir a Robin en un niño rico arrogante, al que sus vivencias durante las cruzadas hicieran cambiar su forma de pensar. Además se le ocurrió introducir el personaje de un árabe inteligente, que acompañase a Robin, y que ambos aprendieran el uno del otro.

Densham y sus socios de producción Watson (británico) y Richard Lewis (norteamericano), que formaban Trilogy Entertainment Group, presentaron el proyecto a tres estudios y en todos lo rechazaron, ya que las películas históricas no estaban de moda en aquel momento.

Watson animó a Densham igualmente a escribir el guion. A principios de 1989, comenzaron a darle forma, y en agosto de ese año, Densham había convertido su concepto en un borrador de 92 páginas, posteriormente él y Watson, lo convertirían en un guion cinematográfico. 

Este guion llegó hasta Morgan Creek, y el entusiasmo que despertó en la productora fue tal, que al día siguiente de recibirlo, lo compraron por 1,2 millones de dólares, el 14 de febrero de 1990. La película sería distribuida en los Estados Unidos por Warner Bros.

Las cosas avanzaron con la misma rapidez para dar luz verde al proyecto, ya que Twentieth Century Fox y Tri-Star Pictures tenían planeado lanzar sus propias películas sobre el héroe de Sherwood (por cierto las tres se las ofrecieron a Kevin Costner). Fox tenía previsto realizar "The Adventures of Robin Hood" con John McTiernan tras las cámaras y con Mel Gibson dando vida Robin Hood. Y Tri-Star Pictures quería realizar su propia versión bajo la dirección de Edward Zwick (El último samurái). Morgan Creek envío de forma express a Watson a Inglaterra, para que comenzara a buscar localizaciones y reuniese un equipo, en ese momento no había actor protagonista ni director asignados, pero sí el diseñador de producción y otros diez jefes de departamento.

Fijaron el 3 de septiembre de 1990, como fecha límite para comenzar el rodaje (era la forma de garantizar que los árboles de los bosques ingleses tuvieran hojas), y estrenar la película antes que sus competidores, además de esa forma evitarían el invierno inglés. En ese momento aún no habían encontrado a los actores que darían vida a Marian y al Sheriff de Nottingham.

Finalmente las otras películas de Robin Hood, quedaron prácticamente en nada. "The Adventures of Robin Hood" pasó a llamarse Robin Hood: El magnífico (1991), McTiernan cedió la silla de director a John Irvin (aunque se quedó en el proyecto como productor ejecutivo), Gibson terminó rechazando el papel de Robin, el cual recayó en Patrick Bergin, y la producción se convirtió en una película para televisión para el mercado norteamericano, y sólo se estrenaría en cines en el mercado europeo. Y el proyecto de Tri-Star Pictures nunca se llegó a materializar, después de entrar en un sinfín de reescrituras de guion.

Densham y Watson eran fans de ¿Dónde dices que vas? (1985), dirigida por Kevin Reynolds, y le enviaron al director un borrador del guion. Pero en aquel momento, Reynolds se encontraba trabajando en un proyecto para Universal, pero una vez éste no llegó a buen puerto, a los dos días llamó a Watson para decirle que estaba interesado en Robin Hood: Príncipe de los ladrones, y así se convirtió en su director. Reynolds no era precisamente admirador de Robin Hood. "Para ser sincero, nunca fui un gran fan de Robin Hood," afirmaba Reynolds a Entertainment Weekly. "Pero me gustaba la historia y la época. Pensé que sería interesante hacer una película de acción medieval." En aquel momento, Reynolds sólo había realizado las estupendas ¿Dónde dices que vas? y La bestia de la guerra (1988), ambas grandes fracasos de taquilla, y una de las razones de que le contrataran para una superproducción de las dimensiones de Robin Hood: Príncipe de los ladrones, se debía a su amistad con Kevin Costner. El director le había dado el papel protagonista de ¿Dónde dices que vas?, y después Costner le encargó a Reynolds que filmase la famosa secuencia de la caza de búfalos de Bailando con lobos (1990). Costner era el deseado para dar vida a Robin Hood, y el que Reynolds fuese el director fue crucial para que la estrella aceptase participar en la película. Cuando se sumó al proyecto, Reynolds sólo tenía por delante 10 semanas de preproducción, antes del inicio del rodaje, una locura. 

Las prisas por poner en marcha la producción provocaron que Reynolds y Costner no se pusieran de acuerdo sobre el acento que debía tener el actor. Costner, que era norteamericano, quería sonar inglés, pero el director opinaba que eso podría distraer al público, y era mejor que usase su acento normal. Los productores terminaron despidiendo a su profesor de dialecto inglés a mitad de rodaje. Al final el acento inglés del actor va y viene a lo largo de la película (algo en lo que se cebaría la crítica).

Con Costner a bordo, el actor pidió algunas reescrituras, que realizó Densham.

Reynolds no estaba contento con el guion, y también realizó reescrituras. Al respecto el director declaró a Entertainment Weekly que: "lo que no quería hacer era Indiana Jones. Eso ya se ha hecho." Y transformó al unidimensional Sheriff de Nottingham original, en un personaje más jugoso. "Mientras lo leía, algo no encajaba, no era suficiente," explicaba el director en el podcast Indie Film Hustle. "Y al empezar a explorar los personajes, buscando algo que me emocionara, me di cuenta de que no quería tomarme las cosas demasiado en serio, y en consecuencia, el sheriff evolucionó como lo hizo. Y fue genial, porque cuando conocí a Alan Rickman, ambos coincidimos: él no quería interpretarlo como el típico villano con bigote. Quería hacer algo diferente y conectamos completamente en ese sentido. Y creo que Alan fue uno de los factores que hizo que la película funcionara, y eso fue muy divertido." Al parecer Costner estaba preocupado porque el nuevo guion potenciara al villano en detrimento de su personaje (algo que terminó ocurriendo).

REPARTO

Cuando le ofrecieron el papel de Robin Hood a Kevin Costner, lo rechazó, pero cuando Reynolds le llamó para informarle que le habían contratado como director, el actor cambió de opinión. Costner se sumó al rodaje, tres días antes del comienzo del mismo. Esto se debió a que se retrasó con los últimos retoques a Bailando con lobos. El actor se embolsó un sueldo de 7.500.000 de dólares.

Morgan Freeman fue el escogido para dar vida a Azeem, compañero de Robin. El actor de carácter explicaba su participación en una película de aventuras como Robin Hood: Príncipe de los ladrones. "Todo actor quiere hacer una buena película de acción, o dos o tres," contaba Freeman a la revista Starlog, "y trabajar con Kevin fue una oportunidad. Admiro todo lo que lo he visto hacer. Todo, no lo he visto hacer nada que no me gustara. Y Azeem es un papel interesante."

Le ofrecieron el papel del villano Sheriff de Nottingham a Richard E. Grant, pero terminó rechazándolo debido a los retrasos en el rodaje de El gran halcón (1991). El actor contaba que le ofrecieron el papel tras ser rechazado por John Malkovich y John Cleese. El papel recayó finalmente en Alan Rickman. Inicialmente el actor pensó: "¿Robin Hood otra vez?". Además creía que lo estaban encasillando en dar vida a villanos. Pero para conseguir que participara en la película, llegaron a un acuerdo con él, por el cual podría improvisar sus frases, pero debía decir también las frases que estaban en el guion. La comediante Ruby Wax le ayudó a escribirlas.

Robin Wright fue la escogida para dar vida a Marian, pero anunció que estaba embarazada en el último momento, y tuvieron que buscar un reemplazo a toda prisa. El reemplazo estaba muy cerca, Mary Elizabeth Mastrantonio ya se encontraba en Londres trabajando en un capítulo de la serie  Performance (1990-98), y aceptó ser el interés amoroso de Robin Hood. "Cuando leí el guion," explicaba la actriz a la revista Starlog, "me gustó la actitud de Marian, si digo su agresividad, es gracioso porque siempre interpreto personajes agresivos, pero me gustó lo que decía sobre la época."

Michael Wincott fue contratado para dar vida a Guy de Gisborne. En la primera semana de rodaje aún no habían contratado a Alan Rickman, y los productores recibieron una llamada de los estudios para que le dieran a Wincott el papel del Sheriff de Nottingham, pero los productores prefirieron mantenerlo como Guy, y apostar por Rickman como el Sheriff.

El papel de Will Scarlett recayó en Christian Slater. "Se incluyeron varias cosas en el guion después de que me eligieran," contaba el actor en el libro Robin Hood, Prince of Thieves: The Official Movie Book. "Por ejemplo, el hecho de que Robin Hood me arruinó la vida cuando era más joven. Su padre salió con mi madre y yo fui el resultado".

Nick Brimble, tras realizar una audición, conoció a Reynolds y los productores, quienes le querían para el papel de Little John, pero Brimble prefería el papel de Guy de Gisbourne. Pese a la insistencia del actor de que le dieran ese papel, al final se llevó el de Little John.

Micheal McShane hizo una mala audición para el papel del Fraile Tuck, pero tiempo después, Reynolds le dio otra oportunidad, y esta vez el actor clavó la prueba, y se hizo con el papel.

Según confesaba la actriz Geraldine McEwan, en cuanto leyó el guion supo que el personaje de Mortianna era para ella.

El estudio quería que John Cleese diera vida a Ricardo Corazón de León, en un cameo al final de la película. Pero Densham no quería que el Monthy Phyton interpretara ese papel, el cual se vería como una broma. Tan claro lo tenía, que habló con el agente de Sean Connery para tratar de que el escocés hiciera el cameo. Debía ser un papel sin acreditar, para no tener al público esperando toda la película hasta que apareciese en pantalla. Y su escena se rodaría en tan solo un día. El agente de Connery aceptó a cambio de 1 millón de dólares, pero Densham le aclaró que se habían salido del presupuesto y no podían pagarle semejante cantidad de dinero. Al final acordaron donar 250.000 dólares a un hospital de Escocia.

El resto del reparto lo formaron Brian Blessed (en el papel de Lord Locksley, padre de Robin) y Soo Drouet (en la piel de Fanny, mujer de Little John).

RODAJE

Con un presupuesto de 50 millones de dólares, el rodaje de la película comenzó el 6 de septiembre de 1990, y se prolongó hasta enero de 1991.

Rodaron por toda Inglaterra. El Alnwick Castle (en Alnwick) sirvió como hogar de Marian. En las Aysgarth Falls (en North Yorkshire) filmaron la pelea entre Robin y Little John. También utilizaron el Muro de Adriano para el enfrentamiento entre Robin y Guy de Gisbourne. Los acantilados de Seven Sisters (Eastbourne) mostraron el regreso de Robin a Inglaterra. New Forest y Burnham Beeches (Buckinghamshire) dieron vida al bosque de Sherwood. El castillo de Nottingham, no se utilizó en la película, escogieron el de Carcasona (Francia), en el que rodaron en exteriores durante dos días. Construyeron el resto del castillo en los Shepperton Studios. El otro gran decorado de la película fue el campamento de Robin, que fue edificado en el bosque de Burnham Beeches, con casas construidas en los árboles a una altura de entre 9 y 12 metros. 

Cuando empezaron el rodaje no habían contratado a Rickman (tardaron una semana), y Costner se retrasó debido a que estaba trabajando en Bailando con lobos. De modo que tuvieron que buscar escenas donde no aparecieran sus personajes para poder rodar algo en el ínterin.

La producción se movió con tal rapidez, que Costner, Freeman y Slater sólo tuvieron una única lectura de guion.

Aunque empezaron a rodar en septiembre para evitar el invierno inglés, cuando el rodaje llegó a finales de año, sólo disponían de seis horas de luz utilizables al día. Y como buen clima inglés, las lluvias eran algo constante. Para mantener un buen ritmo de rodaje, siempre había dos o más unidades rodando al mismo tiempo.

El diseñador de producción John Graysmark (Gorilas en la niebla), con su equipo crearon 600 dibujos, que los escenógrafos y artesanos utilizaron de guía para la construcción de espadas y escudos. Graysmark hizo los deberes, y escogió sólo animales que existieran en la Inglaterra del siglo XII, para ser rigurosos con los tiempos que representaban.

Crearon diferentes tipos de flechas, con distintos materiales. Las flechas de goma se usaban para disparar a multitudes. Las de fibra de vidrio se utilizaban para emerger del suelo para efectos especiales. Y crearon flechas reales con madera de abedul, pluma de ganso blanco y punta de acero.

A dos semanas de comenzar el rodaje, Reynolds se reunió con el diseñador de vestuario contratado, y éste le mostró la ropa que portarían los actores, que eran básicamente mallas verdes y similares, el director quedó tan horrorizado que lo despidió, y contrató a John Bloomfield (Waterworld), quien tuvo que crear todo el vestuario en menos de dos semanas. Bloomfield contó con un equipo de 50 personas, quienes crearon 1.000 trajes diferentes para la película. Después utilizaron ralladores de queso y cepillos de alambre, para envejecer la ropa.

Cuando rodaron las escenas en el bosque en Burnham Beeches, a sólo 16 kilómetros del aeropuerto de Heathrow (Londres), tuvieron problemas cuando desviaron los aviones que iban al aeropuerto, debido al mal tiempo, y no paraban de sobrevolar el set y arruinaban toma tras toma.

Costner y Brimble rodaron su pelea de la cascada en Aysgarth Falls (North Yorkshire), durante cuatro días del mes de noviembre de 1990. Noviembre e Inglaterra significan frío, como el que sufrieron en sus carnes ambos actores. No les permitieron utilizar neopreno debajo de la ropa porque limitaría sus movimientos. Para la hora de comer, se quitaban la ropa mojada, y se calentaban al lado de una fogata, para una vez terminaba la comida, volver a enfundarse su vestuario mojado.

Cuando rodaron la escena en la que tiran de su carro al fraile Tuck, Michael McShane decidió improvisar, y en la primera toma, le dio un golpe en los testículos a Costner cuando le ofrecía la mano para ayudarle a levantarse (no le golpeó realmente). Según McShane, esto gustó a Reynolds y a los actores, pero no a Costner, así que el fraile terminó mordiéndole la pierna.

Según McShane, Coster asumió la labor de director de segunda unidad, y filmó reacciones durante la escena de la batalla.

Reclutaron para la película a 80 especialistas, escogidos por el coordinador de especialistas Paul Weston.

Costner insistía en realizar personalmente muchas de sus escenas de riesgo, como la pelea con Little John en las cascadas. Se volvió muy bueno con el arco. Al poco de comenzar el rodaje, Reynolds le retó a que acertara a un conejo disecado que colgaba de una cabaña, el cual estaba a unos 27 metros, sin inmutarse, Costner dio en el blanco a esa distancia. 

Simon Crane se convirtió en el doble de Costner para las escenas más peligrosas. Uno de sus mayores retos fue filmar la escenas del campamento en llamas, en la que Robin debe balancearse en una cuerda hasta una cabaña. Primero tuvo que saltar desde una cabaña a la cuerda que se encontraba a aproximadamente a 3,5 metros. Además el especialista se encontraba a una altura de 18 metros y la cuerda estaba ardiendo. Debajo tenía una bolsa de aire para frenar su posible caída. Algo que sucedió durante una de las tomas, las manos le resbalaron en la cuerda, y cayó sobre la bolsa de aire, pero no sufrió ningún daño. Costner rodó algunos planos personalmente, llevando un arnés para su seguridad. La otra gran secuencia en la que se vio envuelto Crane, es aquella en la que Robin salta desde lo alto del castillo utilizando una pancarta como cuerda y entra por una ventana. La escena se rodó en dos partes, primero en el castillo de Carcasona rodaron el momento del salto, y usaron una colchoneta en la pared para frenar el impacto de Crane contra ella, algo que tuvo que repetir en varias ocasiones; y la segunda parte, la de Robin entrando por una ventana, se filmó en un decorado en Shepperton Studios, con una ventana de vidrio de caramelo, en lugar de ser de auténtico vidrio.

Contaron con el experto en tiro con arco Gabe Cronnelly, quien se encargó de realizar las escenas de tiro que exigían una gran precisión. Su mayor reto en la película fue acertar a la soga del verdugo, cuando el hijo de Little John es ahorcado. Cronnelly utilizó para ello un arco moderno, y acertó a la cuerda a una distancia de unos siete u ocho metros, lo hizo en dos tomas, y en ambas dio en el blanco.

Convertir a Geraldine McEwan en Mortianna requería de sesiones de maquillaje de dos horas, las cuales se iniciaban a las 7 de la mañana.

Inicialmente la escena del parto por cesárea de la mujer Little John fue cortada del montaje final, pero Densham deseaba mantenerla. Para un pase de prueba para los jefes del estudio y financieros, Densham pidió que le permitieran incluirla. Después de ver la película con esa escena decidieron incluirla, ya que otra película de Warner, Doc Hollywood (1991) tenía una escena de un parto y había gustado al público, sólo por esa sencilla razón, la escena terminó en la película.

Se hizo un pase de prueba de la película en Sacramento, en abril de 1991, y tuvo una gran puntuación, con una aprobación del 92%. En las dos proyecciones de prueba que hicieron, la película obtuvo los mejores resultados de público que cualquier otra película en la historia de Warner. Cuando le preguntaron al público cual era su personaje favorito, salió victorioso el sheriff de Rickman, en lugar del Robin Hood de Costner. Esta situación no gustaba a los ejecutivos, ya que el protagonista de Campo de sueños era el reclamo principal de la película, y querían que destacara, por lo que exigieron potenciar su presencia. Esto provocó un encontronazo entre Reynolds y los productores. El director ya había hecho cambios antes de ese pase para reforzar el personaje de Robin Hood, y se negaba a realizar más, considerando que la película estaba bien como estaba (y además había obtenido una puntuaciones de público fantásticas). Si la película funcionaba, ¿para que cambiarla? No parecía necesario, pero según un artículo de Entertainment Weekly, había otras razones detrás de estos cambios, una lucha de poder entre Costner, Warner y Morgan Creek para apuntarse el gran éxito que la película iba a ser, por ejemplo, Costner quería recuperar ciertas frases y planos suyos que se habían eliminado. Aprovechando la ausencia del director, que tuvo que viajar a Londres para supervisar el doblaje final de los diálogos, los productores realizaron un nuevo montaje de la película, sin contar con el editor de Reynolds, Peter Boyle (Las horas), y utilizaron su propio equipo. Cuando el director regresó, no le gustó nada esta versión de la película, y llegado a ese punto, abandonó la producción (dejando de lado el montaje, la música y la mezcla de sonido). Reynolds se marchó de una reunión el 12 de abril de 1991, para no volver jamás. Peter Boyle y su equipo le dijeron al estudio que si Reynolds se iba, ellos renunciarían, como consecuencia, cuando el director se marchó, todo el equipo de edición se marchó de la producción, y cuando volvieron para buscar sus cosas, descubrieron que habían cambiado las cerraduras de la sala de edición. El excelente montador Stuart Baird (Superman) se encargó de coordinar todo el montaje, algo que ya había hecho en otras producciones de Warner como Tango y Cash (1989) y Demolition Man (1993). El nuevo montaje de la película disgustó a Boyle. "Me horrorizó bastante parte del montaje," explicaba el editor a Leftlion. "Era muy crudo." Todo esto sucedió sólo unas semanas antes del estreno. "A veces llegas a un punto en el que dices: 'No voy a seguir más. Creo que ya he cedido bastante'. Así que he pasado a otras cosas," se justificaba el director ante Entertainment Weekly. A Reynolds le presentaron una nueva versión de la película el 25 de abril, que disgustó al director (se perdía una subtrama en la que se descubría que la bruja era la madre del Sheriff de Nottingham). Costner estaba enfrascado en el rodaje de JFK: Caso abierto (1991) y se mantuvo al margen de este rifirrafe. Reynolds consideró que su amigo no le había apoyado, lo que provocó una herida en su relación (una amistad que tendría otras peleas y reconciliaciones en años posteriores).

Warner presentó la película ante la prensa, a finales de mayo de 1991, en Nueva Orleans, donde Costner se encontraba rodando JFK: Caso abierto.

Michael Kamen (Jungla de cristal) fue contratado para componer la música de la película. Para algunos temas llegó a contar con hasta 110 músicos.

Bryan Adams compuso "(Everything I Do) I Do It For You" para la película, el mayor éxito de su carrera, en tan solo 45 minutos. La canción estuvo en lo más alto del "Billboard Hot 100" durante 7 semanas, y además durante 17 semanas consecutivas fue el single más vendido, según la lista de "Hot 100 Singles Sales" de la Billboard Magazine. Básicamente fue la canción de 1991.

Inicialmente estaba previsto que la película se estrenara en mayo, pero finalmente lo hizo el 14 de junio 1991 en los Estados Unidos, y fue un enorme éxito de taquilla, recaudando 165.493.908 de dólares (segunda película más taquillera en territorio nacional). Y su recaudación final a nivel mundial fue de unos increíbles 390.493.908 de dólares (segunda película más taquillera del año, aunque los sucesivos reestrenos de La bella y la bestia le arrebatarían el puesto).

"(Everything I Do) I Do It for You" fue nominada al Oscar en la categoría de mejor canción (Michael Kamen, Bryan Adams y Mutt Lange). Fue la única nominación que obtuvo la película.

VERSIÓN EXTENDIDA

La versión estrenada en cines tiene una duración de 143 minutos, pero posteriormente se realizaría una versión extendida de 155 minutos. Los principales cambios son los siguientes: 

1. Se desarrollan más los personajes del Sheriff de Nottingham y Mortianna, mostrando como ella lo espía a través de un agujero en la pared. La bruja le revela que es su madre, y que intercambió su bebe por otro para conseguir que alguien de su descendencia llegase al trono.

2. Durante la escena en la que Robin y Azeem roban un carruaje, donde se atrincheran varios soldados, el segundo suelta los caballos y el carruaje termina cayendo a un lago.

3. Se incluye una escena en la que el Sheriff entrega a los barones bolsas con dinero, a modo de soborno, y les explica su plan de llegar al trono. Después les presenta a un enorme celta que le ayudará en sus planes.

4. La escena en la que Will Scarlett, estando capturado, se ofrece a matar a Robin, es más larga, con el Sheriff hablando con los prisioneros.

VALORACIÓN

Siempre he tenido una predilección especial por esta película, recuerdo verla en su estreno en cines, y disfrutar como un enano. Me parece el ejemplo perfecto de como actualizar un héroe clásico a un nuevo público, y como rodar una película de aventuras.

Algunas de las novedades que presenta sobre el mito de Robin Hood, enriquecen al personaje y a la historia, como la inclusión del personaje de Azeem, o que Robin, un niño rico malcriado, cambie tras luchar en las cruzadas, y en su regreso a casa, descubra que todo su mundo a cambiado, tanto como lo ha hecho él.

La inclusión de elementos fantásticos, contra todo pronóstico encajan bien, la incorporación del personaje de la bruja Mortianna, hace más interesante a la película y al personaje del Sheriff de Nottingham.

Lo que más me gusta de la película, además de actualizar correctamente el personaje a los noventa, es como está rodada, su estilo sucio y enérgico me parece que van por delante de lo que se hacía por aquel entonces en cine, no trata de imitar el estilo de, por ejemplo, Indiana Jones, Reynolds filma la película cámara en mano, dotándola de un realismo que nos hace más creíbles sus escenas de acción y su ambientación, y le da una gran fuerza a la historia.

Reynolds es un director infravalorado, que debería haber llegado más lejos en Hollywood, rueda como nadie la acción y es un as en el cine de aventuras (Robin Hood: Príncipe de los ladrones, Waterworld, La venganza del conde de Montecristo), pero es capaz de rodar historias más íntimas y sencillas (¿Dónde dices que vas?), estupendos dramas bélicos (La bestia de la guerra) o relatos épicos (Rapa Nui).

Robin decide enfrentarse al Sheriff de Nottingham y arrastrar a todos los hombres en su causa por venganza, pero al mismo tiempo hace que estos se rebelen contra la tiranía del Sheriff, sin ese acto egoísta los pobres seguirían bajo el yugo de su opresor. Una vez los hombres del villano atacan el poblado, Robin se arrepiente de su decisión, descubre que le importan más todas esas personas que su propia venganza (que se refuerza al descubrir que Will Scarlett es su hermanastro), el viaje del héroe ha concluido.

La historia de amor de Robin y Marian funciona muy bien, y hace honor a su mito. Marian es mostrada como una mujer fuerte y empoderada, que simplemente no bebe los vientos por Robin, y sabe defenderse por si misma (aunque en el clímax se convierte en una damisela en apuros que Robin debe rescatar). Lo que hace entender porque atrae a Robin. Y a su vez Marian se enamora de Robin cuando descubre que ha cambiado, y que no sigue siendo el mismo niño rico malcriado que conoció en su juventud.

Se criticó en su estreno la interpretación de Costner, pero más allá del problema con su acento, ejerce totalmente de estrella al mando de una enorme superproducción, aportando su carisma, lo que sucede es que tiene al lado a dos grandes actores que le roban la película (sí, es irónico que al que terminen robando sea a Robin Hood). Morgan Freeman está excelente como el compañero de Robin, pero sobre todo Alan Rickman, se sale como el divertidísimo villano que es el Sheriff de Nottingham.

Es interesante que muestren al personaje del musulmán, para los ingleses un bárbaro, como el ser más civilizado y adelantado de todos los personajes. Como demuestra la escena del parto en la que realiza una cesárea. El introducir un personaje musulmán da pie un choque religioso a tres bandas, el fraile Tuck lo ve como un pagano, aunque liman sus diferencias cuando Azeem salva al hijo de Little John, y descubre que es una buena persona; y Mortianna versada en la magia negra, ve en el musulmán una amenaza. Son capas que hacen más interesante a la película.

Tiene momentos que te invitan a aplaudir. Ese plano subjetivo de la flecha clavándose en otra. El Sheriff de Nottingham cancelando la Navidad. Robin disparando una flecha a cámara lenta con todo ardiendo a su espalda. El Fraile Tuck dándole su merecido al obispo. Robin y Azeem siendo disparados por una catapulta. O ese momento en que Robin dispara dos flechas al mismo tiempo y da en el blanco con ambas.

Y es que ésta es una película para pasárselo bien. Las notas de comedia que vienen del choque cultural entre Robin y Azeem funcionan de forma orgánica (como ese momento en que Robin ve por un catalejo de su compañero y cree que sus enemigos están muy cerca). Y después está el Sheriff de Nottingham, uno de los villanos más divertidos que se recuerdan.

Tiene mérito las simpatías que consigue despertar el Sheriff de Nottingham, teniendo en cuenta lo despreciable que es (llega a matar a su primo), y que en el fondo es un violador, sólo cabe recordar como trata de forzar a Marian mientras se oficia su boda, o a las dos doncellas que cita a diferentes horas en su alcoba. Pero eso es todo mérito de Alan Rickman, en una nueva demostración de su talento como actor. Ofrece una interpretación de un villano distinta a la que había ofrecido en Jungla de cristal, aquí parece estar en su propia película ajena a la de Costner, una muy divertida.

El Sheriff de Nottingham termina recibiendo su merecido, como debe ser, siendo asesinado por su propia daga, la cual entrega a Marian, que a su vez se la da a Robin, quien la usa para matar al villano.

Entre la versión extendida y la estrenada en cines, prefiero ésta última, tiene mejor ritmo, y aunque la extendida desarrolle más al personaje del villano, las escenas extra son más oscuras que no casan tanto con el tono de la película. Es interesante descubrir que Mortianna es la madre del Sheriff, así como su plan de matar al bebé que iba a ser el Sheriff el cual sustituyó por el suyo, pero la película funciona bien sin esos añadidos.

El éxito de la película tuvo una influencia inmediata en la producción de Los tres mosqueteros (1993), que incluso contaba con una canción cantada por Bryan Adams, y con Michael Kamen como compositor. Seguro que también influyó en la realización de La máscara del Zorro (1998), con la recuperación de otro héroe clásico contando sus orígenes. Y la película Robin Hood: Forajido, héroe, leyenda (2018) protagonizada por Taron Egerton, Robin tiene un compañero de color, como si esto fuera ya un canon del personaje. Tal fue su éxito, que sólo dos años después tendría su propia parodia con Las locas, locas aventuras de Robin Hood (1993) de Mel Brooks.

Michael Kamen compuso la que es posiblemente la mejor banda sonora de su carrera, tanto el tema principal como el tema romántico son realmente memorables.

Los responsables de la película trajeron de vuelta al mito de Robin Hood por la puerta grande, y es que fueron a por todas. Protagonizada por la gran estrella del momento, contó con un presupuesto enorme, poseía la canción del año como tema principal, y contaba con uno de los mejores cameos ever. Normal que fuese la segunda película más taquillera de 1991.

Robin Hood: El príncipe de los ladrones es una de las mejores películas de aventuras de los noventa. Siempre emocionante, divertida y espectacular. Devolvió a la vida a Robin Hood, y le aportó aires nuevos. Aunque la crítica no fuera buena con ella, al público le encantó. Y no era para menos. Es una aventura única en la vida. Éste ha sido siempre mi Robin Hood.

CURIOSIDADES

Kevin Costner se quedó, al finalizar el rodaje, con el traje de boda de Robin Hood.

Se hicieron 10 versiones de la espada del padre de Robin, que es robada por el sheriff de Nottingham.

El tema principal de la película se convirtió en el tema musical de Morgan Creek.

Última película de Harold Innocent (obispo).

En 1995, se anunció que Morgan Creek contrató a los guionistas Tom Reilly y Hogan Sheffer para escribir una secuela de la película, que nunca se llegó a realizar.

El especial sobre la producción de la película Robin Hood: The Myth, the Man, the Movie (1991), fue presentado por Pierce Brosnan.

Fue nominada a los premios Razzie en las categorías de peor actor (Kevin Costner) y peor actor secundario (Christian Slater).

BIBLIOGRAFÍA

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Behind-the-scenes trouble during "Robin Hood" (Entertainment Weekly, 21 jun 1991)

Kevin Reynolds: The Den Of Geek interview (Den of Geek, 27 jul 2008)

Robin Hood: Prince of Thieves at 30: Mike McShane on Playing Friar Tuck (Leftlion, 13 jul 2021)

Robin Hood: Prince of Thieves at 30: Editor Peter Boyle On Clashes, Costner and Walking Away from the Project (Leftlion, 16 jul 2021)

Robin Hood: Prince of Thieves at 30: Nick Brimble on an Awkward Premiere and Shooting in a Waterfall (Leftlion, 19 jul 2021)

'Outtakes' (Deseret News, 14 may 1991)

Screenwriters Pen Densham and John Watson talk Robin Hood: Princes of Thieves (Film Hounds, 3 ene 2023)

Bryan Adams – Shine A Light Interview (Classic Pop Magazine, 6 may 2025)

Robin Hood, Prince of Thieves: The Official Movie Book (Garth Pearce, 1991)

Billboard Magazine (9 nov 1996)

This Week in Billboard Chart History: In 1991, Bryan Adams Ruled With the Song of the Summer (Billboard, 10 ago 2015)

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Box Office Mojo

Starlog Magazine (Nº 166)

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Robin Hood: The Myth, the Man, the Movie (1991)

Morgan Creek slate crests (Variety, 17 abr 1995)

‘Robin Hood: Prince of Thieves’ Nearly Featured John Cleese as King Richard (The Hollywood Reporter, 14 jun 2021)

IMDb

With Nails: The Film Diaries of Richard E. Grant (Richard E. Grant, 1996)

IFH 445: The High and Lows of Directing in Hollywood with Kevin Reynolds (Indie Film Hustle, 2 mar 2021)

In Defense of 'Robin Hood' (Sun Sentinel, 14 jun 1991)

El beso del dragón

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un espía chino viaja a París en una misión, y es culpado de un crimen que no cometió. Tratará por todos los medios de demostrar su inocencia, algo en lo que lo ayudará una prostituta.

THE FRENCH CONNECTION

El beso del dragón (Kiss of the Dragon, 2001) fue la primera película de acción lanzada por Besson con su compañía EuropaCorp, que hasta el año 2000 tenía el nombre de Leeloo Productions, pero con el cambio de nombre, Besson relanzó la compañía con el objetivo de producir una serie de películas de acción de medio presupuesto, con vocación internacional. Su plan maestro incluía la participación del guionista Robert Mark Kamen, a quien el productor le encargaría escribir muchos de los títulos de la casa (ambos habían colaborado en El quinto elemento (1997)). Se reunieron un día de la primavera de 2000, y llegaron a un acuerdo, esa misma noche tomaron un vuelo rumbo a Los Angeles. Según contaba Kamen al Los Angeles Times, durante el vuelo idearon el argumento de una película, y se la presentaron a Jet Li nada más llegar a la ciudad angelina. En esa reunión los tres le dieron forma a la historia, y el actor chino aceptó la propuesta. De esa forma, El beso del dragón se puso en marcha. 

"Recibí muchos correos electrónicos de fans que me dieron muchas sugerencias antes de la producción de la película," contaba Li a i-weekly Magazine. "Pensaban que la acción de Romeo debe morir (2000) era bastante floja, con demasiados cortes rápidos. Después del estreno de Matrix (1999), mucha gente estaba filmando películas de acción paranormal en las que todos, ya sean jóvenes o viejos, pueden ser artistas marciales altamente cualificados. Todos volaban demasiado con la ayuda de computadoras, y yo quería una película de 'lucha callejera' más realista." Por esa razón Li se decantó por rodar El beso del dragón, previendo que el cine de acción imitaría el estilo de Matrix, cosa que así sucedió. Li apostó por hacer un película de acción sin efectos visuales y de forma realista. Tanto creía en el proyecto que rechazó participar en Matrix Revolutions (2003), incluso cuando las hermanas Wachowski habían escrito un papel para él, para así participar en El beso del dragón.

El proyecto se movió muy rápido. En tres semanas ya tenían un guion (Besson y Kamen trabajaban ocho horas al día), en tres meses consiguieron la financiación, y en seis meses ya se encontraban rodando. Besson y Kamen escribieron el guion a cuatro manos, siendo Jet Li acreditado en solitario como autor de la historia.

Al principio Besson se planteó dirigir él mismo la película, pero necesitaba recuperarse del rodaje de Juana de Arco (1999), por lo que cedió la silla de director a otro. Besson se fijó en el director de anuncios Chris Nahon, del que había oído hablar. El productor le pidió que le mostrara sus anuncios y cortos, y después de tener una reunión con Nahon, vio que había encontrado al hombre que buscaba, y le ofreció dirigir la película. De esa forma el director francés debutó en el cine.

En Estados Unidos, consiguieron un acuerdo de distribución con 20th Century Fox.

REPARTO

Jet Li dio vida al agente secreto chino Liu Jian, a cambio de un cheque de 5 millones de dólares.

Besson se acercó a Bridget Fonda, y le presentó el proyecto cuando aún no había un guion, sólo le adelantó que estaría protagonizada por Jet Li, con Tcheky Karyo como villano, y que su personaje sería una prostituta. Cuando escribió el guion, el productor sólo le entregó a Fonda dos páginas. La actriz, aún sin saber de que trataba la película, no necesitó más para aceptar participar en ella. "Tenía una razón poderosísima para querer trabajar con él," explicaba la actriz a la revista Imágenes de actualidad, "y era el hecho de lo fuertes que resultan los personajes femeninos de sus películas."

Besson había trabajado con Tchéky Karyo en Nikita, dura de matar (1990) y en Juana de Arco (1999), y escogió al actor para el papel del villano Richard. Al igual que sucedió con Fonda, éste aceptó sin tener un guion definitivo, por la confianza que tenía en el productor.

El resto del reparto lo formaron Ric Young (interpretando a Mister Big, objetivo de la misión de Liu Jian), Burt Kwouk (como el tío Tai, que ayuda a Liu Jian en su misión), Laurence Ashley (en la piel de la prostituta Aja), Cyril Raffaelli y Didier Azoulay (como los gemelos, manos derechas de Richard), y Max Ryan (en el papel del proxeneta Lupo).

RODAJE

El rodaje tuvo lugar entre el 25 de septiembre de 2000 y enero de 2001. La película se filmó en su totalidad en París, siendo los interiores filmados en los Studio Paris-Est (Le Pré-Saint-Gervais, Francia) y los Eclair Studios (Epinay-sur-Seine, Francia). Li estaba encantando de situar la historia en París. "Es una gran ciudad-plató, como puede ser Los Angeles o Hong Kong," declaraba el actor a la revista Imágenes de actualidad, "pero a la vez es muy internacional, es patrimonio de la humanidad. Ello hace que El beso del dragón sea una película global, ni francesa, ni yanqui, ni china, un film que puede ser entendido y asimilado en todas las latitudes."

Corey Yuen, colaborador habitual de Li, fue contratado como director de acción, quien colaboró con Nahon en crear las escenas de acción, muy del estilo de las que realizaba en Hong Kong.

Reclutaron a cerca de cincuenta expertos en kung fu por toda Europa. Muchos de ellos participaron en la escena más espectacular de la película, aquella en la que Li pelea contra veinticinco luchadores.

Li incluso se permitió improvisar en alguna de las escenas de lucha. Cuando se enfrenta a Lupo, en el momento de rodar, la toma terminaba antes del enfrentamiento, pero Nahon no dijo "corten", y Li se abalanzó sobre el actor Max Ryan, que daba vida a Lupo, lo agarró y empujó contra una mesa. Nahon decidió seguir rodando. La expresión de Ryan fue tan auténtica, que fue la toma que usaron en la película, hicieron una segunda, pero no quedó tan realista.

El equipo liderado por Corey Yuen, acostumbrado a la forma de hacer las cosas en China, se sorprendió por la cosas que podían realizar en Francia. Nahon quería rodar una pelea en un barco. La idea era filmar cerca de la Torre Eiffel, algo que Yuen creía imposible por ser un lugar muy turístico, además la escena incluía la destrucción de un cristal del barco, y que un hombre fuera tirado al río. Le respondieron que en Francia todo eso era posible, y sin problemas, pudieron rodar la escena como deseaba Yuen.

El título de la película se le ocurrió a Kamen, pero originalmente no tenía ninguna relación con la historia. Fue a Li a quien, en medio del rodaje, se le ocurrió la idea de que su personaje matara al villano, usando una de las agujas con la boca, y que eso fuera el "beso del dragón".

La banda sonora recayó en Craig Armstrong, recién salido de Moulin Rouge (2001). El compositor decidió redondear las escena de acción con "fuegos artificiales orquestales", y para las escenas íntimas optó por temas con un estilo de cámara, usando un reducido grupo de instrumentos.

Tras ver por el montaje final, Li hizo un comunicado en su web advirtiendo a los padres que no llevaran a sus hijos a ver la película, por el realismo y violencia de las escenas de acción. Esto lo hizo sin consultarlo con la 20th Century Fox.

La película se estrenó en Estados Unidos el 6 de julio de 2001, y tuvo un buen funcionamiento en taquilla, recaudando 36.845.124 de dólares. Su recaudación final a nivel mundial fue de 64.437.847 de dólares. Nada mal, para una producción que había costado 25 millones dólares.

VALORACIÓN

El beso del dragón está en el top cinco de las producciones de EuropaCorp no dirigidas por Besson (las otras serían Venganza, Transporter, Distrito 13, Danny the Dog). Lo que más me gusta de El beso del dragón es que una clásica película de acción de la vieja escuela, sin apenas efectos visuales, y hecha de una forma muy física. Las peleas se sienten reales. Si se compara con Romeo debe morir, ésta palidece ante El beso del dragón.

El factor común de las producciones de EuropaCorp, es que ofrecen un tipo de cine de acción similar al de los 80 y 90, que el cine norteamericano ya no realizaba a partir de los 2000, estando más enfocado en producciones como Matrix (1999) o The Fast and the Furious (2001). Besson mantuvo vivo el género, con producciones de medio presupuesto, pero con acción a raudales, poco uso de CGI, y de un tono bastante irreverente. Y El beso del dragón es uno de los mejores exponentes de la casa.

Lo mejor de la película es su clímax, con dos momentos geniales dentro del cine de acción, Jet Li enfrentándose solo contra veinticinco alumnos de artes marciales; y su pelea con los gemelos. La primera está increíblemente bien rodada y coreografiada, sólo el momento en que se pelean con los palos ya merece la pena. Y la segunda es un disfrute para todo fan del cine de acción, al tener a tres grandes artistas marciales luchando en pantalla.

El personaje de Li tiene su evolución gracias a conocer al de Fonda, empieza siendo un recto y estricto agente de la ley, que siempre cumple las normas y no se separa de su objetivo, para al final de la película jugarse su vida por rescatar a la hija de ella. Toda su aventura en París le ha vuelto más humano.

El guion tiene sus problemas, como esa casualidad cósmica, que justo la testigo del crimen de Mister Big, el personaje de Fonda, haga la calle delante del lugar donde se oculta el personaje de Li. Los guionistas deberían haber buscado otra forma más orgánica de que ambos personajes se encontrasen. Y no tiene sentido que el personaje de Richard guarde la cinta donde se le ve cometiendo el asesinato de Mister Big, y no la destruya nada más recuperarla, simplemente la mantiene para que haya película, y después Liu Jian tenga la prueba que lo incrimine.

Mahon realiza un buen trabajo tras las cámaras, sobre todo para ser su primera película. Le aporta un gran dinamismo, y después las escenas de acción lucen de maravilla, algo en lo que tiene mucho que ver Corey Yuen. 

Sabemos de antemano que Jet Li cumplirá en las escenas de acción, algo que hace con creces, pero a diferencia de otros de sus títulos, la película le obliga a demostrar su vena dramática, y está a la altura, todas sus escenas con Fonda funcionan. Se agradece verle haciendo algo diferente.

Tan buena es una película de acción como su villano, y el que interpreta Tchéky Karyo es odioso. Tal vez se pasan un poco en su empeño de hacerlo malvado, pero eso ayuda a que disfrutemos como al final de la película, Li acaba con él de una forma horrible con una de sus agujas.

De todo el reparto, quien destaca es Bridget Fonda, quien aporta mucha humanidad a su personaje, una prostituta que sólo quiere estar con su hija, y que se ve atrapada en el mundo de Richard. La actriz sabe como resultar sensible, sexy o ruda en función de la escena. La película funciona en gran medida gracias a ella.

La película es la suma de varias influencias, por una parte funciona muy bien como película de artes marciales de estilo asiático; por otra parte tiene el tono del cine de acción a la europea, gracias a estar situada en París, y al tono íntimo de algunas escenas; y a nivel espectáculo nada tiene que envidiar a una producción norteamericana, territorio para el que la película está pensada. 

El beso del dragón es un placer para el fan del cine de acción. Una apuesta por hacer las cosas de forma tradicional, que luce de lujo en pantalla. Sigue siendo la mejor película que Jet Li ha rodado fuera de Asia, además el actor sale, en las escenas íntimas, de su zona de confort. No es una película muy popular, pero si te gusta el cine de artes marciales, seguramente El beso del dragón es para ti.

CURIOSIDADES

Bridget Fonda protagonizó La asesina (1993), remake norteamericano de Nikita, dura de matar (1990) dirigida por Luc Besson.

La secuencia preferida de la película de Corey Yuen, es la pelea entre Jet Li y veinticinco hombres en la comisaria.

En la versión francesa de la película, cuando Richard (Tcheky Karyo) dispara en la cabeza a uno de sus hombres, en la escena del hotel, se muestra un chorro de sangre. Esto fue cortado en las versiones internacionales de la película.

El personaje de la hija de Bridget Fonda se llama Isabel Kamen, la actriz que la interpreta se llama Isabelle Duhauvelle, y el apellido es del guionista Robert Mark Kamen.

BIBLIOGRAFÍA

Interview With Bridget Fonda (Cinema.com, 2001)

Interview with Jet Li (i-weekly Magazine, jul 2001)

The Jet Li Interview (Kung Fu Magazine)

Jet Lit Interwiew (BBC Films, oct 2001)

EuropaCorp Registration Document 2017-2018

Sweet revenge: Hollywood screenwriter writes his own happy ending (Los Angeles Times, 9 mar 2009)

Interview with action film director Chris Nahon (Film Industry Network, 14 May 2010)

Taking a Fast-Track Career in Stride (Los Angeles Times, 4 jul 2001)

Making Of (Extra DVD)

Notas de producción

IMDb

Box Office Mojo

"Kiss of the Dragon" (Comparison: R-Rated - French DVD) (Movie-Censorship)

Jet Li Knows Kung Fu — and You Don't (ABC News, 16 may 2001)

Mad Movies Magazine (Nº 132)

Revista Imágenes de actualidad (Nº 206)

20º aniversario

Este blog cumple 20 años, no suelo hacer estos posts aniversario, pero creo que la ocasión lo merece.

Este siempre ha sido un blog nostálgico, donde voy reseñando aquellas películas con las que me crie, por eso está lleno sobre todo de películas de los 80 y 90. Durante estas dos décadas, he realizado 216 reseñas de películas, y muchos otros artículos.

En ocasiones, me gusta escribir una reseña de una película que considero que está infravalorada y que merece una mejor consideración (Sneakers, Agárrame esos fantasmas, Breakdown, Conspiración, Rápida y mortal). En otras, hay películas cuyas historias detrás de las cámaras son mejores que las propias películas, y no me puedo resistir a escribir sobre ellas y compartirlo con los demás (El gran halcón, Sliver, Tango y Cash). Y en la mayoría de los casos, simplemente quiero hablar sobre las películas a las que tengo cariño (Superman, El resplandor, Indiana Jones y la última cruzada, Campo de sueños, Cuenta conmigo).

Le tengo un aprecio especial a las tres reseñas en las que colaboré con Ramón del blog Cinema Dreamer. Tres reseñas muy majas que fueron Snake Eyes (donde también colaboró Kalimero del blog Nunca seré Clint Eastwood), El único y Grindhouse.

Creo que para mí, lo mejor de la experiencia de tener el blog, es la sensación de realizar arqueología cinematográfica, aprenderlo todo sobre una película, y escribir una reseña que haga sentir que estás en el rodaje, y lo que fue asistir a su producción.

A lo largo de todos estos años, he tenido la suerte de poder contar con la ayuda de personas que trabajaron en las películas que reseñé, lo que permitió que éstas fueran más verídicas y la información más contrastada. Fue un placer contactar con gente como David Twohy y Deran Sarafian (Velocidad terminal), Michael Colleary (Cara a cara), Vincenzo Natali (Cypher), Steve De Jarnatt (70 minutos para huir), Mark Irwin (El terror no tiene forma y La zona muerta), Jim Kouf y Roy H. Wagner (En el punto de mira), Ed Horowitz (Herida abierta), Fred Dekker (Ricochet), Jim Kouf y Jack Sholder (Hidden), y Michael Grais y Tom Wright (Señalado por la muerte).

Y otra cosa que me agrada de tener el blog es poder interactuar con otras personas, con las que compartir gustos y opiniones, gente como Marco y Ramón. Es siempre un placer.

Si me permitís, os dejo los que considero son mis 10 artículos preferidos de estos 20 años:

La princesa prometida: Una reseña escrita como si un cuento se tratase, con interrupciones para explicar detalles/aclaraciones de la película, tal y como sucede en la propia novela y en el film de Reiner.

El gran halcón: Recuerdo como no paraba de encontrar historias y anécdotas sobre la película, a cada cual más estrambótica y chocante, y una me llevaba a otra, y creía que nunca iba a parar. Gracias a eso me animé a escribir sobre esta fallida película, y me encanta el resultado.

Sliver: Fui juntando durante años curiosidades sobre la película, y llegué a tener tantas que me dije, que tenía que escribir sobre ella, ya que no es tan sabido que su rodaje fue realmente caótico. No es una gran película, pero la película detrás de las cámaras es muy superior.

Los 10 mayores fracasos de la historia del cine: Siempre había leído sobre grandes fracasos del cine, pero consideraba que no se hacía de forma apropiada, sin contrastar datos o sin tener en cuenta cosas como la inflación, por lo que decidí hacerlo como consideraba que debía hacerse. Me lleve alguna sorpresa.

Top 80 de películas los 80: Un highlight del blog, mis 80 películas preferidas de las década de los 80, imperfecto, pero personal, soy consciente de que si lo hiciese hoy día haría varios cambios (¡¿cómo se me pudo olvidar Cuando Harry encontró a Sally?!).

"Superman II" según Richard Donner: Lo primero que escribí en el blog, y donde todo comenzó. Una reconstrucción de la película que Richard Donner de Superman II nunca llegó a terminar.

Cara a cara: Mientras lo escribía, me encontraba con informaciones contradictorias, y con ciertas lagunas, y en ese momento contacté con el guionista y productor de la película Michael Colleary, quien para mi sorpresa me respondió, resolviendo todas mis dudas, quedando una reseña de lo más apañada.

Máximo riesgo: Había leído que su rodaje había sido problemático, y me documenté mucho para escribir el artículo (que confirmó que había sido MUY problemático), y me quedé muy contento con el resultado.

Tango y Cash: Algo similar al caso anterior, y también en una película protagonizada por Stallone. Recuerdo tener terminada la reseña, pero quedaban algunos agujeros, y justo antes de publicarla encontré un artículo de Empire que rellenaba los huecos que faltaban, completando así la reseña.

Velocidad terminal: Que exista esta reseña es casi un milagro, si buscas en wikipedia no hay apenas datos sobre su producción, y creí que nunca la escribiría, pero por azares del destino llegué a contactar con su director y guionista, y pude hacerlo. No es de las mejores reseñas, pero sí tiene algo especial, es algo que sólo existe en "Películas de culto".

Gracias a tod@s por estar ahí, tanto a los que lleváis muchos años, como a los recién llegados. Un abrazo a tod@s.

Twister

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un equipo de cazadores de tormentas trata de crear un sistema de alerta meteorológica para tornados, eso pondrá en peligro sus vidas.

LA TORMENTA DEL SIGLO

Twister (Twister, 1996) comenzó como un reto que Steven Spielberg lanzó a ILM. ¿Sería posible mostrar de forma realista tornados en pantalla? La leyenda de los efectos visuales Dennis Muren rodó una breve escena de prueba, en la que un hombre conducía un coche hacia un tornado, mientras lo filmaban desde el asiento trasero, y de pronto, del tornado salía un tractor directo hacia el coche, y una rueda se desprendía, y entraba por el parabrisas.

En cuando los estudios vieron el metraje de prueba quisieron hacer la película, y eso que no había guion. La producción de Amblin, consiguió un acuerdo de co-producción/distribución con Warner Bros. (que se hizo con los derechos para Estados Unidos y Canadá) y Universal Pictures (quien se hizo con lo propio para el mercado internacional).

El guion fue escrito por el escritor Michael Crichton (Parque Jurásico) y su mujer Anne-Marie Martin, que cobraron una suma de 2,5 millones de dólares. Según contaba Crichton, los referentes para escribir el guion fueron un documental de PBS sobre cazadores de tornados, y la comedia Luna nueva (1940).

Originalmente Spielberg consideró dirigir él mismo la película, pero sería otro director el que terminaría colocándose detrás de las cámaras. Se tantearon a varios directores importantes como James Cameron, John Badham, Tim Burton, y Robert Zemeckis, pero cuando Jan De Bont quedó liberado de Godzilla (1998), película en la que estuvo trabajando durante más de medio año (que abandonó al no conseguir llegar a un acuerdo por el presupuesto con TriStar), pasó a dirigir Twister. El director se embolsó un sueldo de entre 2 y 3 millones de dólares.

Al igual que había hecho en Speed (1994), De Bont contó con el guionista Joss Whedon para reescribir el guion, en la primavera de 1995. Pero cuando éste contrajo bronquitis tuvo que ser sustituido por Steven Zaillian (La lista de Schindler). Whedon regresó y trabajó en el guion hasta que comenzó el rodaje, en mayo de 1995, pero abandonó la película cuando contrajo matrimonio. A las dos semanas de comenzar el rodaje, llamaron a Jeff Nathanson (Atrápame si puedes), quien fue el guionista que estuvo en el set trabajando en el guion durante toda la fotografía principal. Sólo Michael Crichton y Anne-Marie Martin fueron acreditados como guionistas.

REPARTO

Desde el momento en el que leyó el guion, De Bont tuvo claro a quien quería para interpretar a los dos cazatormentas protagonistas, y no eran otros que Bill Paxton y Helen Hunt.

Paxton se preparó para el papel participando en una persecución de tornados, como las que se ven en la película, viendo videos como Tornadoes: The Entity (1993) (con metraje de tornados acompañados de música), y leyendo historias sobre tornados históricamente importantes. Así se convirtió en Bill Harding.

Hunt era la protagonista de la popular sitcom Mad About You, pero no una estrella de cine, y Warner Bros. y Universal no estaban seguros de contratarla. Contactaron con la actriz mientras rodaba la serie, ya que Spielberg y De Bont querían almorzar con ella. Hunt inicialmente no estaba segura de participar en la película, pero tras esa reunión cambió de opinión. Una vez los estudios cedieron, encajar el rodaje de Twister con el de la serie dificultó la participación de la actriz. Al final consiguieron cuadrar agendas, y Hunt pudo convertirse en la buscadora de tornados Jo Harding, y estuvo a tiempo para encabezar una nueva temporada de la serie de la NBC, aunque la película no cumplió el plazo acordado. A la actriz también le habían ofrecido un papel en Broken Arrow (1996), pero lo rechazó para hacer Twister.

Jami Gertz se hizo con el papel de la doctora Melissa Reeves, prometida de Bill Harding. La actriz se tuvo que desplazar a Oklahoma sólo seis semanas después de dar a luz a su segundo hijo.

El papel de Dusty recayó en Philip Seymour Hoffman. El actor se presentó el último día del casting, cuando la producción estaba desesperada por encontrar alguien para dar vida a Dusty, y Hoffman apareció todo desaliñado, con pantalones anchos y camisa suelta. Al verlo De Bont supo de inmediato que había encontrado a su Dusty.

De Bont quiso contar de nuevo con Alan Ruck, con quien había trabajado en Speed (1994). Ruck dio vida a Robert 'Rabbit' Nurick, uno de los meteorólogos del equipo de Jo Harding.

Joey Slotnick interpretó a Joey, otro de los miembros del equipo de Jo. El actor terminó de rodar el piloto de la serie El soltero (1995-97) un día, y al día siguiente comenzó a rodar Twister. Una vez terminó su participación en la película, ese mismo día tomó un vuelo para comenzar a grabar la primera temporada de la serie.

El resto del reparto lo formaron Cary Elwes (dando vida el odioso Dr. Jonas Miller, rival de Jo y Bill), Lois Smith (como Meg Greene, la tía de Jo), y Zach Grenier (dio vida a Eddie, miembro del equipo de Jonas). Y el equipo de meteorólogos de Jo se compuso con Sean Whalen (en el papel de Allan Sanders), Scott Thomson (interpretó a Jason 'Preacher' Rowe), Todd Field (el futuro director de Tár, encarnó a Tim 'Beltzer' Lewis), Wendle Josepher (en la actriz recayó el papel Haynes), y Jeremy Davies (quien dio vida a Laurence).

RODAJE

La fotografía principal tuvo lugar en Oklahoma y Iowa, a mediados de 1995. El rodaje se tuvo que retrasar debido al atentado con bomba en Oklahoma City, el 19 de abril de 1995.

Para mostrar los tornados de la forma más realista posible, el director habló con varios científicos del "National Severe Storms Laboratory" de Oklahoma, se reunió con auténticos cazadores de tormentas, y vio un sinfín de vídeos de tornados. Siempre había un científico en el set, para poder hacerle consultas.

Durante el rodaje, De Bont contrató al meteorólogo Vince Miller, para que les avisara de las condiciones climatológicas que les esperaban. Aunque tuvieron buen tiempo a lo largo del rodaje, cuando hizo mal tiempo, lo hizo muy malo (incluso un auténtico tornado tocó tierra cerca del set de rodaje). Las peores condiciones climatológicas las tuvieron en Oklahoma, donde se encontraron con inundaciones, granizadas y tormentas eléctricas. Su maquinaria (grúas, tractores, excavadoras) se quedaba atascada en el lodo. El tiempo era impredecible, podía estar lloviendo durante horas, de repente salía el sol, para después comenzar a soplar fuertes vientos. En ocasiones, debido a ese tiempo cambiante, se veían obligados a cambiar la ubicación del rodaje en el mismo día. Además como la acción tiene lugar en un plazo de tiempo muy corto, pero el rodaje se extendió a lo largo de varios meses, aquellas zonas que al inicio del rodaje eran áridas, después pasaban a ser verdes y llenas de campos de maíz, por lo que se veían obligados a buscar una nueva localización que encajase con las primeras.

Poco antes de comenzar el rodaje, Helen Hunt se lesionó la rodilla, lo que hizo peligrar su participación, pero se recuperó y pudo rodar la película, en lo que fue un rodaje muy físico para ella.

Para mostrar las consecuencias de la destrucción del pueblo de Wakita por un tornado, construyeron un set de unas siete manzanas con edificios, que después derribaron.

Para el clímax, necesitaban una granja con un maizal, el equipo de producción encontró una granja de cerdos en Iowa, que era perfecta. La adecentaron por el exterior, y plantaron maíz en sus proximidades. El problema era que olía a estiércol, y ese olor se metía en todas partes, y perseguía al equipo y a los actores.

De Bont contaba que una de sus escenas favoritas es la de la comida en casa de la tía Meg. La rodó con dos cámaras, y al principio los actores decían sus frases por orden, de una forma mecánica. El director les alentó a pisarse las frases, y a hablar todos al mismo tiempo como sucede en la vida real. Los actores se fueron soltando y rodaron la escena como quería el director, la cual desprende una gran naturalidad.

Cuando tuvieron que crear una granizada, lo hicieron mediante hielo. Así llenaron siete camiones, que transportaron el hielo desde Milwaukee. Los bloques de hielo los echaban en una máquina trituradora, y después se lanzaban sobre los actores. Utilizaron el motor de un avión a reacción 707, para crear el viento en la escena. Y para completarla, y que fuera totalmente realista, miembros del equipo tiraban ramas y escombros al viento, para simular la caída de objetos de un tornado. Según contaba Alan Ruck a Coming Soon, no era nada agradable estar bajo esa granizada: "Nos lanzaban algo que se suponía que era granizo, pero eran cubitos de hielo y tenían... Mucha velocidad. Cuando te golpean en la cabeza, los omóplatos, los hombros, los brazos, las manos con trozos de hielo que, no sé a qué velocidad van, pero vaya, se mueven, duele. Es horrible." Jami Gertz terminó sangrando por causa de la máquina de granizo.

Para rodar la escena en la que caen en la carretera varios tractores y cosechadoras, que la furgoneta de Jo y Bill debe esquivarlos, éstos se soltaron desde helicópteros. Utilizaron lentes largas, lo que daba la impresión de acortar la distancia a la que caían los vehículos con respecto a la furgoneta de los protagonistas, aunque realmente solían caer entre 6 y 9 metros de ella.

Antes de empezar el rodaje, el coordinador de especialistas, Mic Rodgers, con su equipo de cuatro especialistas, fueron enviados a filmar los vehículos que se ven en la película frente a tornados. De Bont exigía autenticidad. Pero esto casi les cuesta la vida, un día se toparon con un tornado que fue directo hacia ellos, y tuvieron que salir por patas, logrando salvar el pellejo por los pelos. Nada de lo que filmaron los días que estuvieron persiguiendo tormentas se usó en la película.

Digamos que el comportamiento de De Bont no fue el mejor durante el rodaje (cuya frase recurrente era "Fucking Hell Shit!"). Cuando Hunt y Paxton debían rodar una escena dentro de la furgoneta, y fuera caía una granizada, la actriz le preguntó al director si quería que ella dijera el diálogo, la respuesta de De Bont fue: "¡Grita! ¡Sólo grita, rubia, grita!". La actriz enfadada, comenzó a llamarle de todo al director.

La gota que colmó el vaso del mal comportamiento, fue el día en que rodando una escena complicada, en la que utilizaban máquinas de viento, un asistente de cámara interfirió en la toma, y De Bont lo empujó, y éste cayó en el barro. De Bont se negó a disculparse, y la respuesta del equipo (camarógrafos, equipo de audio y departamento de vestuario), fue irse del set en masa. El director no pareció mostrar arrepentimiento, y se defendió diciendo, según declaraciones a Entertainment Weekly: "No creo ser un exaltado, pero sí creo que hay que ser apasionado. A estos equipos les pagan bien, y cuando meten la pata, les voy a reclamar." Las consecuencias no tardaron en llegar, al día siguiente Steven Spielberg aterrizó en su jet en Oklahoma, y el director fue citado en el aeropuerto. De Bont se acercó para recibirle, y Spielberg sin bajarse del avión le echó durante 15 minutos una bronca. Después volvió a entrar en el aparato y se fue.

La relación con el director de fotografía Don Burgess (Forrest Gump) fue empeorando conforme avanzaba el rodaje. Burgess prefería rodar con cámaras estáticas y realizar bellos planos, y De Bont se decantaba por la cámara en mano. Burgess era muy dado a planificar, y a De Bont le gustaba más improvisar. Burgess contaba como estaban rodando en una dirección, con todo el equipo que utilizaban detrás de la cámara, y de pronto, el director quería rodar justo en la dirección contraria de forma inmediata, lo que requería de tiempo, pero De Bont impaciente se enfadaba porque decía que tardaban mucho. "Siempre era culpa de los demás, nunca suya," declaraba Burgess a Entertainment Weekly. De Bont, en el pasado fue un excelente director de fotografía (Jungla de cristal, Instinto básico), y en ocasiones le quitaba la cámara al operador, para rodar él mismo una escena. Y la relación entre Burgess y De Bont llegó a su punto límite, cuando supuestamente el holandés llamó incompetente al equipo. Burgess abandonó la producción a las cinco semanas de rodaje, y fue sustituido por Jack N. Green (Sin perdón).

Fue un rodaje muy accidentado. "Todos sufrimos moretones y cortes," contaba Cary Elwes a Entertainment Weekly.

Por causa del viento generado por motores, a los actores les entraban partículas en los ojos, y tenían que usar lavaojos. Y cuando se encontraban en la caravana de maquillaje, y se acercaba una tormenta, tenían que desconectar todo para evitar ser electrocutados.

En medio del rodaje (julio de 1995), cuando se encontraban en Iowa, Hunt y Paxton tuvieron que rodar primeros planos dentro de una camioneta, como en el exterior había mucha luz, y el cielo de la escena debía ser oscuro y tormentoso, iluminaron el interior con potentes lámparas eléctricas para reducir la exposición, pero generaron tanta luz, que provocó que ambos actores se quedaran ciegos temporalmente. Hunt y Paxton tuvieron que utilizar gafas especiales durante unos días y echarse gotas en los ojos. Para que el problema no volviera a repetirse, utilizaron un filtro de plexiglás.

Después de rodar la secuencia de la primera persecución de tornados, en la que Paxton y Hunt se ocultan debajo de un puente, ambos antores tuvieron que vacunarse contra la hepatitis. Y rodando esta secuencia, Hunt se golpeó repetidamente la cabeza contra el puente, en una ocasión estaba tan agotada, que se levantó muy rápido y se golpeó la cabeza contra una viga.

Rodando una acrobacia del clímax, en la que Hunt y Paxton conducen a través de un maizal, la actriz abrió la puerta del vehículo, y ésta le golpeó en la cabeza, lo que le provocó una conmoción cerebral. De Bont, culpó del accidente a la actriz, diciendo de ella que era "un poco torpe", lo que enfureció a Hunt. "¿Torpe? El tipo me quemó las retinas, pero soy torpe..." declaraba la actriz a Entertainment Weekly. "Creí que fui buena. No sé si Jan me atribuye eso o no, pero ojalá así sea." Después cuando su doble saltó del vehículo rodando la misma secuencia, se rompió una costilla. 

Y a dos días de terminar el rodaje, Jack N. Green, sufrió un aparatoso accidente, cuando el decorado hidráulico de una casa (utilizada en la secuencia en la que los protagonistas rescatan a la tía Meg), y que estaba diseñado para derrumbarse de forma programada, se activó por error con el camarógrafo dentro. Recibió un golpe en la cabeza y se dañó la espalda. De Bont asumió las labores de director de fotografía, en lo que quedaba de rodaje.

La película se retrasó en su calendario de rodaje, pero Hunt debía regresar para rodar Mad About You, al final Paul Reiser, creador y co-protagonista de la serie, aceptó retrasar el rodaje de la sitcom dos semanas y media, para darle tiempo a Twister de completar su rodaje.

De Bont y el estudio juraban que habían realizado la película dentro del presupuesto (70 millones de dólares), pero éste ascendió cerca de los 90 millones (algunas fuentes lo sitúan en los 92 millones). La película necesitó de realizar reshoots en marzo y abril de 1996 (principalmente para aclarar una escena relacionada con la infancia del personaje de Hunt).

Se escogió utilizar una película de grano muy fino, para facilitarle el trabajo a ILM a la hora de incluir en el metraje tornados de aspecto realista. La película contaba con más de 300 planos de efectos visuales, y Stefen Fangmeier fue el supervisor de efectos visuales asignado.

Los técnicos de ILM, gracias a la técnica digital consiguieron sincronizar los movimientos del tornado con los de la cámara, de modo que no importaba que ésta saltase o se moviese, el tornado digital se mantenía dentro del plano fijo en su posición.

Inicialmente tuvieron problemas con la nueva tecnología que emplearon para crear los tornados, un software llamado Dynamation, con el que podían crear un sistema de partículas, pudiendo programar el comportamiento de cada una de ellas. Cuando vieron el primer tornado, no se parecía a uno real. Cuando hicieron el segundo, se parecía aún menos. Estuvieron meses perfeccionando la técnica, pero la fecha de estreno se mantenía inquebrantable, por lo que los técnicos de ILM comenzaron a ponerse nerviosos. Pero al final consiguieron crear unos efectos increíbles y a tiempo.

En un momento de la película, un tractor con un rueda giratoria salía volando, y tiempo después a De Bont se le ocurrió que sería interesante mostrar lo que había pasado con el tractor. Como no podían regresar a Oklahoma para rodar la escena, fue trabajo de la ILM crear un tractor digital, para su reaparición ante Hunt y Paxton.

Posiblemente la escena más famosa de la película es la de la vaca voladora. De Bont vio una foto de una vaca en lo alto de un árbol, y cuando descubrió que era real (en ocasiones los animales son arrastrados por los tornados apareciendo en los sitios más insospechados), pensó en incluir una vaca voladora en su película. Joss Whedon se encargó de escribir los diálogos de la escena. Tomaron un efecto creado en la película Jumanji (1995), el de una cebra volando, y lo modificaron para convertirlo en la vaca vista en la película.

Para conseguir en el clímax, que Hunt y Paxton fueran aspirados por el tornado, utilizaron un sistema giratorio donde iba montada la cámara, y que al girar, hacía que los actores quedaran colgados, pero daba la impresión de que estaban boca abajo, a punto de ser tragados por el F5.

El efecto físico más peligroso de la película fue el momento en que el tornado se lleva volando un camión cisterna, el cual cae en la carretera delante de Hunt y Paxton. Tuvieron que aligerar el peso del camión todo lo posible, para que una grúa pudiese levantarlo (a unos 23 metros de altura). Unos dobles de los actores condujeron la furgoneta para la escena, y en el momento adecuado soltaron el camión a unos 15 metros de la furgoneta, el camión estaba cargado de explosivos, y voló por los aires en perfecta sincronización y nadie salió herido. Este plano tuvo un coste de unos 100.000 dólares. Y utilizaron para rodar toda la escena entre 11 y 13 cámaras. 

La película hace gala de unos increíbles efectos de sonido, y los técnicos crearon para la película una galería de nuevos sonidos. Por ejemplo, para el viento usaron una caja llena de malla de alambre, en la que metieron un micrófono, y después la pusieron encima de un coche, el cual rodaron cuesta abajo con el motor apagado. Y el sonido de los tornados eran realmente camellos, en un tono bajo.

Michael Kahn, editor habitual de Spielberg, fue contratado para editar la película. Ésta fue la primera vez que Kahn trabajó con edición digital. Con este proceso, primero se digitaliza toda la película, y después se almacena en Lightworks, una máquina de edición por ordenador.

Después de trabajar juntos en Speed, De Bont contó de nuevo con Mark Mancina para componer la música de Twister. El compositor no quedó muy contento con el resultado final, debido a que la película tuvo muchos cortes, y cambiaron la música quedando de una forma que no casaba a como él la había planificado.

La película llegó a las salas de cine de Estados Unidos el 10 de mayo de 1996, y resultó ser una fuerza de la naturaleza. Recaudó en su primer fin de semana 41.059.405 de dólares, que fue el séptimo mejor estreno de la historia. Amasó en territorio norteamericano unos increíbles 241.830.615 de dólares (segunda película más taquillera del año en su país de origen), y la recaudación final a nivel mundial fue de 494.580.615 de dólares (segunda película más taquillera del año a nivel mundial).

Además fue nominada a dos premios Oscar, en las categorías de mejor sonido (Steve Maslow, Gregg Landaker, Kevin O'Connell y Geoffrey Patterson), y mejores efectos visuales (Stefen Fangmeier, John Frazier, Habib Zargarpour y Henry LaBounta).

Tras el estreno de la película, el director de documentales Stephen Kessler presentó una demanda por plagio, aludiendo que la película tenía muchas similitudes con su guion "Catch the Wind". Kessler reclamaba todos los beneficios de la película, y según él, había presentado su guion en 1989 y 1990, a Warner Bros., Universal, CAA (agencia que representaba a Spielberg y Crichton), y a Amblin. Los demandados fueron Michael Crichton, Anne-Marie Martin, Steven Spielberg, Warner Bros. y Universal Studios. Kessler perdió el caso.

VALORACIÓN

Twister fue uno de los grandes blockbusters de los noventa. Prácticamente arrasó en la taquilla, superando a otras películas de entrada más comerciales. Creo que el éxito se debió a una mezcla entre excelentes efectos visuales, mostrar un mundo desconocido para el público, y a un nivel de espectáculo como pocas veces se había visto en una pantalla de cine.

Creo que el punto más débil de la película es su guion, aunque consigue captar nuestro interés por estos cazadores de tormentas, y queremos que consigan su objetivo, en ocasiones resulta un poco naif, y otras quiere alcanzar una profundidad dramática que no sabe como explotar correctamente (esa conversación entre Jo y Bill en medio de la lluvia, mientras Melissa les escucha, donde Jo llega a decir que cree que el F5 que vio de niña quiso matar a su familia). 

Además el personaje de Melissa, introducido para que sea el punto de vista del público, y de esa forma presentar el mundo de los cazadores de tormentas, no está bien construido, es un cliché, con el que Jami Gertz poco puede hacer. Siempre es mostrada con miedo, haciendo el ridículo, fuera de lugar, y aún por encima tiene que escuchar como su prometido dice que aún quiere a su ex. Cuando ya no tiene nada más que aportar, la película se la saca de encima, el mundo está presentado y comienza el tercer acto (lo que creo que es una buena idea).

Otro problema que le veo a la película, es la falta de química entre los dos protagonistas, ambos como pareja resultan un poco insufribles, siempre discutiendo, y echándose cosas en cara. La intención es replicar a las parejas de las comedias screwball, pero se queda muy lejos de ello. El plan de Jo es volver a conquistar a Bill con la excusa de hacer volar a Dorothy, pero en ningún momento hace nada para suavizar la situación entre ambos, acaban juntos básicamente porque así lo dice el guion, porque vemos pocas muestras de cariño (el momento en que ella oculta el anillo de matrimonio, o la conversación que tiene con su tía Meg, donde vemos rastros de emoción en Jo, pero poco más).

Y en alguna ocasión el montaje resulta confuso, como la escena en la que van a por el segundo tornado bajo la lluvia, y unos miembros del equipo consiguen verlo, pero otros yendo muy próximos por la misma carretera no, se entiende que fue un rodaje complicado, y que no era fácil mostrar cielos tormentosos cuando lo necesitaban, pero sí reina un poco de caos en dicha escena.

Donde triunfa la película es en introducirnos en mundo desconocido, el de los cazadores de tormentas, que se juegan su vida persiguiendo tornados. El mostrarlos como un grupo unido, hace que simpaticemos con ellos (Philip Seymour Hoffman es todo un robaescenas, con un personaje que sobre el papel no es gran cosa), y que sintamos que esa vida de aventura en la carretera resulte emocionante.

El otro gran punto fuerte de la película es el espectáculo, Twister siempre va a más, y cada tornado que parece no sólo es diferente al anterior, si no que es más grande y destructivo. Cuando la peli pisa el acelerador en el tercer acto, se convierte en una montaña rusa, con una sucesión de momentos realmente espectaculares (Jo y Bill atravesando una casa que llega rodando hasta la carretera, la aparición del camión cisterna volando, la lluvia de tractores), y que culmina con los dos protagonistas viendo un tornado desde su interior (el momento menos creíble de la película, pero que sirve como gran cierre a la aventura).

Además tiene un gran inicio, con Jo siendo niña y sufriendo el ataque de un F5, y como las consecuencias de lo que acontece la marcarán para siempre. Es una forma directa y clara de mostrar el peligro de los tornados, en una escena que parece sacada de una película de terror, y establece el background de la protagonista, para que entendamos su obsesión por los tornados.

Los efectos visuales ayudan a la película, sin ellos no existiría Twister. Siguen funcionando a día de hoy, y ofrecen momentos irrepetibles; la vaca que pasa volando, el tornado nocturno en el cine drive-in sobre el que se proyecta El resplandor (1980), o el clímax a plena luz del día, con Jo y Bill escapando de un F5. Pero el acierto fue no olvidarse de los efectos físicos, y que la película tuviera una mezcla de ambos, eso da una sensación de realismo que no se tiene cuando todo es digital, y por eso Twister sigue aguantando el paso del tiempo.

La película tiene ese gusto de Michael Crichton por la tecnología, y tal vez porque el guion fue reescrito por muchas manos, en esta ocasión no empacha al espectador con más tecno-información de la que es necesaria. Además la idea de un grupo de cazatormentas rival al de Jo, le suma tensión e inmediatez a la película, como que toda la trama ocurra en unas 24 horas.

Jan de Bont tuvo un gran arranque como director, tras la excelente Speed (superior a esta película), después se granjeo otro gran éxito con Twister, lástima que a partir de ahí su carrera fuera cuesta abajo. Pero aquí se le ve muy seguro, rodando en un estilo casi documental, y con algunos planos increíbles (como la introducción de Bill con un plano aéreo que llega hasta su furgoneta).

Mark Mancina se marcó otra gran banda sonora, que creo que no está valorada en su justa medida.

La película inició de nuevo la moda del género catastrofista, popular en la década de los setenta, y le trajo aires nuevos. Después llegarían Un pueblo llamado Dante's Peak (1997), Titanic (1997), Armageddon (1998), El núcleo (2003), o El día de mañana (2004), pero Twister fue la primera.

Los actores tratan de cumplir con sus personajes estereotipados, el guion no les ayuda demasiado, pero hay talento suficiente para sacar la película adelante.

Twister es una película emocionante, que juega sus mejores cartas cuando opta por el puro espectáculo, hay no tiene rival. Fue la lucha del hombre contra la naturaleza como nunca habíamos visto. Descubrimos lo que eran los cazadores de tormentas. De Bont sumó un segundo éxito a su filmografía como director. Lanzó la carrera de Helen Hunt en el cine. Y Spielberg volvió a obrar su magia como productor. Twister ha quedado como uno de los blockbusters más taquilleros y queridos por el público de los noventa.

CURIOSIDADES

Helen Hunt y Bill Paxton habían trabajado juntos anteriormente en la película Con su propia ley (1989).

Fue idea de Jan de Bont, que la película que se proyectase en el autocine fuera El resplandor (1980).

Las esculturas de la tía Meg fueron creadas por el escultor Evan Lewis.

Helen Hunt y Philip Seymour Hoffman se convirtieron en amigos a raíz del rodaje.

El grupo Van Halen compuso dos canciones para la película, "Humans Being" y "Respect The Wind".

En un momento de la película dice: "Eso no es una luna, es una estación espacial." Es una referencia a una frase de Obi-Wan Kenobi en La guerra de las galaxias (1977).

Utilizaron carreteras comerciales para el rodaje, y llegaban a cortar hasta tramos de hasta 8 km.

BIBLIOGRAFÍA

Twister: The Science of Tornadoes and the Making of a Natural Disaster Movie (Ken Davidson, 1996)

"Twister"'s on-set turmoil (Entertainment Weekly, 17 nov 1995)

"The War of the Winds" (Entertainment Weekly, 10 may 1996)

"Twister" set got stormy (Entertainment Weekly, 17 may 1996)

Twister's Helen Hunt and Jan de Bont share memories from 'hard' shoot and hopes for movie's legacy (Entertainment Weekly, 9 jul 2024)

Jan de Bont Had to Fight to Cast Helen Hunt in ‘Twister’ — and ‘Couldn’t Much Direct’ Philip Seymour Hoffman at All (IndieWire, 10 jul 2024)

The tortured making of 1996’s Twister (Independent, 15 jul 2024)

Alan Ruck Reflects on Twister’s 25th Anniversary & Hectic Filming (Coming Soon, 2 feb 2021)

Crichton & Co. win ‘Twister’ lawsuit (Variety, 28 ene 1998)

‘Twister’ Director Jan de Bont Never Heard of Sequel ‘Twisters’ Until Its Trailer Came Out and Pines for ‘Godzilla’ Movie He Never Got to Make (Variety, 9 jul 2024)

Helen Hunt Answers Every Question We Have About Twister (Vulture, 17 jul 2020)

‘They Really Fell From the Sky’: Jan de Bont Defends the Practical Effects in Twister (Vulture, 23 jul 2020)

‘Twister’ Blows Rivals Away (Los Angeles Times, 13 may 1996)

Box Office Mojo

Wired Magazine (jun 2015)

The Storm-Chasing Special Effects Team Behind ‘Twister’ (The Ringer, 7 may 2020)

Jami Gertz on The Neighbors, going joyriding with Bill Murray, and more (AV Club, 7 nov 2012)

Joey Slotnick on surviving Twister and losing Ernest Borgnine’s jacket (AV Club, 24 abr 2017)

Mark Mancina Interview (Soundtrack.Net, 19 ago 1998)

Esquire Magazine (Nov 2012)

Twister Director Jan de Bont on the Film’s First 4K Remaster, Bill Paxton, and Philip Seymour Hoffman (Nerdist, 9 jul 2024)

The Making of Twister

IMDb

Work of 'Twister' Sculptor Takes Off (The Christian Science Monitor, 15 ago 1996)

American Cinematographer Magazine (may 1996)