Scream queens

Expertas en dar gritos, en poner cara de susto y correr perseguidas por un psicópata. Son las scream queens. Su esperanza de vida suele ser muy corta y su ropa escasa. En su mayoría chicas en apuros o femme fatales, pero siempre con generoso escote. Hagamos un repaso a las principales scream queens que ha dado el cine. Taparos los oídos.

Adrienne Barbeau

Tras una exitosa etapa teatral, donde incluso consiguió una nominación al Tony por su participación en el musical Grease, irrumpió en el cine de terror de la mejor forma posible, de la mano del maestro John Carpenter, quien la dirigió en el hitchcockdiano telefilm Someone's watching me! (1978). Adrianne y John se casaron 1979 y se divorciaron 5 años después, durante ese tiempo colaboraron en otras 3 ocasiones, la primera, en la magistral La niebla (1980), después vendría el clasicazo de 1997. Rescate en Nueva York y por último una participación simbólica en la obra maestra del director, La cosa (1982), donde Adrianne ponía voz al ordenador del personaje de Kurt Russell. Adrienne participaría además en la fallida La cosa del pantano (1982) de Wes Craven adaptación del personaje de cómic creado por Len Wein y Berni Wrighston, Creepshow (1982) dirigida por George A. Romero y escrita por Stephen King, película que adaptaba los cómics de los años 50 de EC Comics y en la olvidable Los ojos del diablo (1990) película dividida en dos segmentos que adaptaban relatos de Edgar Allan Poe, uno dirigido por Dario Argento y el otro, protagonizado por Adrianne, por Geroge A. Romero. Tras estas películas sólo volvería al género de forma ocasional en películas nada remarcables y se refugiaría en la televisión.


Asia Argento

Siendo hija de Dario Argento era fácil suponer que Asia tendría un gran futuro dentro del cine de terror. Trabajó a las órdenes de su padre en Trauma (1993), La sindrome di Stendhal (1996), El fantasma de la ópera (1998) y La terza madre (2007), todo un curso adelantado de como convertirse en una Scream. Ha coqueteado con el cine comercial de Hollywood con xXx (2002) e incluso se ha pasado a la dirección con Scarlet Diva (2000), convirtiéndose de paso en la directora de cine más joven de Italia. Dentro del cine de terror ha participado en Demons 2 (1986), que significó su debut en el cine, El engendro del diablo (1989) de Michele Soavi y con participación en el guión de Dario Argento, la película de segmentos DeGenerazione (1994) Les morsures de l'aube (2001), L'assenzio (2001) dirigida por ella misma y la estimable La tierra de los muertos vivientes (2005) a las órdenes de George A. Romero. Aunque tiene una dilatada carrera a sus espaldas a Asia aun le quedan muchos gritos que dar en el cine.


Barbara Crampton

Actriz norteamericana conocida por sus trabajos dentro de la serie B, pero cuya primera aparición en cine fue en Doble cuerpo (1984) del maestro Brian De Palma, donde sólo aparecía unos pocos segundos como la novia adultera de Craig Wasson. Tras aparecer en Fraternity vacation (1985), la típica comedia post-Porky's, trabajaría en la película que la encumbraría, el clásico gore Re-Animator (1985), donde nos regalaría una escena clásica del género, aquella en la que un reanimado mete su cabeza decapita entre sus piernas. No abandonaría el terror apareciendo en Chopping mall (1986), Robots asesinos (1986), Re-sonator (1986), de nuevo dirigida por Stuart Gordon sobre una obra de Lovecraft y Puppet master (1989). Entre medias posaría para la revista Playboy en diciembre de 1986. Barbara participaría también en varias películas de ciencia ficción de serie B como Trancers II (1991), Robot wars (1993) y Space truckers (1996), esta última de nuevo con Stuart Gordon. Con el mismo director filmaría su regreso al terror con Castle freak (1995). Tras ella sólo se la volvería a ver en televisión y en películas salidas directamente a video, sin nada que interesante que decir. Puede que su regreso que produzca con la anunciada House of Re-Animator (2010), que la reuniría de nuevo con su director fetiche.


Barbara Steele

La Scream por excelencia de los 60. Su papel de la Princesa Asa Vajda en la película La máscara del demonio (1960) de Mario Bava marcó para siempre su carrera, desde entonces ésta estaría ligada al cine de terror, aunque tuvo tiempo para realizar otro tipo de producciones y registros, como por ejemplo en Fellini ocho y medio (1963). Su estela de actriz mítica se agrandaría por su participación en el film de Roger Corman, El péndulo de la muerte (1961), una de las famosas adaptaciones del director sobre las obras de Poe. Muy aficanda en la cinematografía italiana realizaría un gran número de películas de terror como L'orribile segreto del Dr. Hichcock (1962), Lo spettro (1963), Danza macabra (1964), I lunghi capelli della morte (1964), 5 tombe per un medium (1965), Amanti d'oltretomba (1965), Un angelo per Satana (1966) y La sorella di Satana (1966). A finales de los 70 se cruzaría en la carrera de dos directores desconocidos en auge, primero trabajaría con David Cronenberg en Vinieron de dentro de... (1975) y después con Joe Dante en Piraña (1978). Tras realizar The silent scream (1980), su última película de terror, se refugiaría en la televisión donde produciría y actuaría en varias series.


Dee Wallace

Aunque es conocida principalmente por ser la madre terrestre de E.T., Dee tuvo que lidiar en el cine con otros monstruos y seres no tan agradables, hombres lobo, caníbales, perros salvajes y hasta aliens con un apetito destructivo se cruzaron en su carrera. Empezó en el terror con un pequeño papel en la remarcable The Stepford wives (1975), a la que seguiría la popular Las colinas tienen ojos (1977) de Wes Craven ya en uno de los roles principales, realizando poco después la no menos popular Aullidos (1981) de Joe Dante. Siguió labrándose un nombre en el cine de género en títulos como Cujo (1983) adaptación de la novela homónima de Stephen King, Critters (1986), Popcorn (1991), Alligator II: The Mutation (1991) y fue recuperada por Peter Jackson para la genial Agárrame esos fantasmas (1996), donde interpretaba a toda una serial killer, después participaría en un sin fin de títulos de serie B hasta ser de nuevo recuperada por Rob Zombie para un cameo en su remake de Halloween (2007). La actriz puede dar la sorpresa con la setentera The house of the devil (2009) de inminente estreno.


Fay Wray

Es posiblemente la primera scream queen y la más importante de los primeros años del cine sonoro. Pero principalmente Fay es y siempre será para todos, la novia de King Kong. Nacida en 1907 en Canadá, emigró con toda su familia a EE.UU y una vez establecida en Los Angeles decidió convertirse en actriz. Su primera gran oportunidad le vino de la mano de Erich von Stroheim quien la eligió para su monumental La marcha nupcial (1928). Y dentro del terror, género por el que es recordada, participó en producciones tan importantes como Doctor X (1932) de Michael Curtiz, la fundamental El malvado Zaroff (1932) y Los crímenes del museo (1933) también de Curtiz. Sería tras estas producciones cuando interpretase a Ann Darrow en King Kong (1933) obra cumbre de los 30 y del cine en general. Su melena rubia, excasa vestimenta (parta la época) y sus gritos hicieron historia. Tras esa película su carrera nunca fue la misma y poco a poco derivó hacia la serie B y termino trabajando para televisión. Para el remake de King Kong dirigido por Peter Jackson se le propuso realizar un cameo, pero antes de comenzar el rodaje falleció por causas naturales en Nueva York el 8 de agosto de 2004.


Ingrid Pitt

Si hubiera que ponerle un rostro femenino a la productora Hammer, del mismo modo que los masculinos serían los de Christopher Lee y Peter Cushing, ese sería el de Ingrid Pitt. Fue la Scream emblemática de los 70. Nació en 1937 en un campo de concentración Nazi en Polonia y después de sobrevivir a esa pesadilla decidió convertirse en actriz. Años después viajaría a España y sin saber hablar apenas español consiguió debutar en la producción El sonido de la muerte (1964). En su etapa española también consiguió trabajar sin acreditar en otras importantes producciones que se rodaban en suelo español en aquella época como Campanadas a medianoche (1965) de Orson Wells, Doctor Zhivago (1965) de David Lean y Golfus de Roma (1966) de Richard Lester. Su participación en El desafío de las águilas (1968) protagonizada por Richard Burton y Clint Eastwood le abriría muchas puertas. Sería en 1970 cuando comenzaría a trabajar con la Hammer y nacería su leyenda, para la productora participó The vampire lovers (1970) y Countess Dracula (1971) e hizo mítico su personaje de Carmilla, la condesa vampiro, cargada de un gran erotismo y apartándose totalmente de la concepción de vampiro que existía hasta entonces, mostrándose los sugerentes desnudos de la actriz, era el signo de los tiempos. Para otra mítica productora británica, la Amicus, realizó The house that dripped blood (1971). Y si no tenía suficiente con eso, Ingrid protagonizaría dos años después uno de los grandes clásicos del terror de la década, The wicker man (1973) donde formaba parte de la comunidad pagana que era investigada por el policía interpretado por Edward Woodward. En años posteriores trabajaría principalmente para televisión y de forma ocasional intervendría en películas de terror de serie B como Underworld (1985) con guión de Clive Baker, The asylum (2000), Minotaur (2006), Beyond the rave (2008) y The tell-tale heart (2009) que tiene pendiente de estreno, siendo su principal ocupación en los últimos años la escritura de guiones y críticas de cine.


Jamie Lee Curtis

La más popular scream queen. Hija de otra Scream de lujo, Janet Leigh. Hizo del grito su principal arma y tuvo el mérito de enfrentarse 4 veces a Michael Meyers y salir con vida. Incluso en Halloween H20 (1998) se lo llegó a cargar. Tras su paso por Halloween (1978) y ¡Sanguinario! (1981), Jamie participó en otros clásicos del terror ochentero como La niebla (1980), Prom night (1980) y El tren del terror (1980). Después de pasarla canutas en el cine de terror, demostró ser una excelente comediante en Entre pillos anda el juego (1983), Un pez llamado Wanda (1998) y Mentiras arriesgadas (1994).


Linnea Quigley

Esta menuda actriz norteamericana es una de las más prolíficas scream queens que ha dado el cine, surgida en el boom de las scream queens de los 80, del que fue una de sus principales impulsoras junto con Michelle Bauer y Brinke Stevens. Las tres actrices fueron las Screams por excelencia de la década dentro de la serie B y Z, coincidieron en multitud de títulos, aunque sólo en Sorority babes in the slimeball bowl-o-rama (1988) se las puede ver a las tres juntas. Linnea empezó en el cine de terror con pequeños papeles en Don't go near the park (1981), El día de la graduación (1981), The black room (1984) y Silent night, deadly night (1984), realizando al mismo tiempo otras películas de serie B fuera del terror como Jóvenes guerreros (1983), Fatal games (1984) o Calles salvajes (1984), en esta última trabajó con otra Scream en toda regla, Linda Blair. En 1985 llegaría su papel más popular en la película El regreso de los muertos vivientes, convirtiéndose en una actriz de culto, sobre todo, gracias a una escena en la que realizaba un striptease sobre una tumba. Linnea sumaría más títulos su carrera como Creepozoids (1987), Pesadilla en Elm Street 4 (1988), Night of the demons (1988), Hollywood chainsaw hookers (1988) donde tenía un mítico duelo a motosierra con Michelle Bauer, Guyver (1991), en la que según dicen tiene el grito más largo jamás dado en una película, Sangre Fresca (1992) a las ordenes de John Landis donde parodiaba si imagen de scream queen. Después realizaría más y más títulos que no harían más que aumentar su estela de actriz de culto.


Sarah Michelle Gellar

La última scream queen y ¿por qué no?, la más guapa. Su primer papel en el cine de terror fue en la correcta Se lo que hicisteis el último verano (1997) a la que seguiría un pequeño papel en Scream 2 (1997), en ambas su resultado era el mismo... palmaba de la forma más brutal. Harta de recibir palos decidió ser ella quien los propinara protagonizando la mítica serie Buffy, cazampiros (1997-2003). En su papel de Buffy Summers, se cargó a cuanto vampiro y demonio había suelto y temporada tras temporada entusiasmó al público con algunos de los mejores momentos que ha dado la televisión. Gellar decidió dejar la serie para hacer carrera en el cine, sin olvidar el género que le había proporcionado sus mayores éxitos, para ello encabezó el reparto de El grito (2004), remake de la honkonesa La maldición (2002) de Takashi Shimizu, realizando 2 años después un pequeño papel en su segunda parte, El grito 2. Sus últimas incursiones en el género han sido El regreso (2006) y Possession (2009), ambas, producciones típicas de terror que no ofrecen nada nuevo al género.

Impacto

Este artículo contiene spoilers. No leer si no se desean conocer partes esenciales de la trama de la película.

Jack Terry (John Travolta) es un ingeniero de sonido que trabaja para una productora de películas de terror de serie Z. Una noche graba por casualidad en su magnetófono un accidente de coche. Jack salva a Sally (Nancy Allen), la pasajera, pero muere el conductor, que resulta ser el Gobernador McRyan, el favorito para convertirse en el nuevo Presidente de los EE.UU. Cuando Jack escucha su grabación descubre que en realidad el político ha sido asesinado y con la ayuda de Sally intentará destapar la conspiración que se esconde tras su muerte.

Tras el éxito de su anterior película, Vestida para matar (Dressed to kill, 1980), el director Brian De Palma tuvo carta libre para embarcarse en una de sus películas más personales, y de paso, realizar una de sus obras más redondas, Impacto (Blow out, 1981), film de suspense donde el director desplegaría todo su potencial artístico.

El punto de partida de la historia es la conspiración que oculta la muerte de un político. El propio De Palma admitió inspirarse en el suceso Chappaquiddick que envolvió a Ted Kennedy y en el que murió su acompañante, Mary Jo Kopechne, en un accidente de coche, cuando el automóvil conducido por el Senador cayó al agua desde un puente de la isla Chappaquiddick.

También se ven en la película de De Palma influencias de dos films de gran repercusión como son Blowup (Blowup, 1966) y La conversación (The conversation, 1974). De la primera toma su planteamiento, el descubrimiento de un asesinato partiendo de un hecho fortuito, en este caso de una fotografía y de la segunda la historia de un experto en escuchas ilegales que realiza una grabación que oculta un crimen y la progresiva obsesión y sentimiento de culpa del protagonista por el caso.

Según contaba De Palma, la idea de la película le vino de la siguiente forma "Estaba realizando las mezclas de Vestida para matar. Mi director de efectos sonoros me estaba poniendo diferentes sonidos y me decía, para cada uno, dónde lo había grabado. A partir de eso, supuse que uno de esos sonidos era la pieza que faltaba en un asunto tan complejo como el asesinato de JFK. Imagínense la situación: has tenido lo que sucedió, puedes hacer que todo el mundo lo oiga, pero nadie te hace caso."

Una vez tuvo el planteamiento para la película, De Palma decidió organizar un concurso de guiones para estudiantes canadienses en la revista "Take One". El director declaró que rodaría el mejor de los tres finalistas. Se recibieron muchos guiones, pero ninguno realmente realizable, de modo que el realizador de Carrie terminó escribiendo él mismo el guión, cuya primera versión llevaba el título de Personal effects.

El primer actor en el que De Palma pensó para interpretar a Jack Terry fue Al Pacino, pero por pura casualidad De palma habló con John Travolta, quien le preguntó en que estaba trabajando, el director le explicó de que trataba su nuevo proyecto, Travolta, le pidió que le enviase el guión y tras leerlo le comunicó al director que quería trabajar en la película.

Impacto iba ser una película de pequeñas proporciones, pero la implicación en el proyecto de Travolta, por aquel entonces una de las estrellas más populares del cine, convirtieron a la película en una superproducción de 18 millones de dólares presupuesto.

La interpretación del actor, es excelente, alejándose de registros anteriores y dejando a un lado su imagen de estrella adquirida por aquel entonces gracias a títulos como Fiebre del sábado noche (1977) y Grease (1978). Travolta sufrió de insomnio durante el rodaje, lo que ayudó a componer una interpretación siempre nerviosa, intensa y paranoica.

Tal vez el tema principal de la película, por encima de la paranoia o la obsesión, sea la culpa, Jack Terry arrastra el sentimiento de culpabilidad tras la muerte de un policía por causa de un fallo en un micro oculto suyo durante una investigación. Para Jack desvelar la verdad del asesinato del Gobernador McRyan es una forma de enmendar su error pasado, pero en su viaje hacia la verdad arrastrará a Sally consigo y las consecuencias terminarán siendo fatales, el sentimiento de culpa será al final lo único que le quede a Jack Terry al terminar la película.

Así lo plasma su antihappy end (uno de los mayores aciertos de la película), esas últimas imágenes de Jack sólo escuchando una y otra vez la muerte de Sally son memorables y transmiten una tristeza e impotencia demoledoras. Al final todo su esfuerzo, todo el sufrimiento ocasionado, para que lo único conseguido sea un grito en una película de serie Z. A eso se reduce toda la película.

Lo más notable de Impacto es la irresistible pasión por el cine que le imprime su director, como lo demuestra la escena clave de la película, aquella en la que Jack Terry crea una película mediante las fotografías que recorta de una revista y su grabación del accidente. De Palma demuestra una precisión y sentido del detalle fascinantes, y de paso, nos muestra como se hace una película, el cine es la unión de imagen y sonido, y a su vez la unión de imagen y sonido resuelven el crimen de la historia, una idea sencillamente genial.

El sonido es parte esencial de la película, la grabación del crimen es el desencadenante de la historia, pero además De Palma utiliza el sonido de forma muy inteligente a lo largo de la película integrándolo de tal forma que se convierte en otro personaje más, momentos como la presentación del asesino interpretado por John Lithgow a través de un sonido característico (que tiempo después descubriremos se trata de un cable que oculta su reloj), en su trabajo Jack debe conseguir un nuevo grito para su última película (algo que conseguirá de forma dramática e imprevista), Jack sigue a Sally por el metro escuchando las indicaciones que ella le pasa gracias al micro que lleva oculto y cuando se produce el accidente del coche nosotros (al igual que Jack) oímos, pero no vemos el disparo a la rueda del coche.

Un De Palma en estado de gracia nos regala varios momentos de esos que sólo él puede crear, un plano circular infinito usado para crear tensión (como si de un disco girando una y otra vez en un tocadiscos se tratara); la pantalla dividida al comienzo de la película que nos muestra por un lado el trabajo de Jack y por otro nos presenta el personaje del Gobernador gracias al telediario de un canal de televisión; la memorable escena de Jack en la habitación de un hotel recomponiendo el crimen gracias a su grabación y emulando cada uno de sus movimientos hasta el accidente y también brilla con luz propia el clímax final filmado a cámara lenta, son todas secuencias que rozan la perfección y que De Palma filma con su habitual maestría.

El estreno de Impacto se vio acompañado de un considerable fracaso en taquilla, en los EEUU sólo recaudó 12.000.000 de dólares, insuficientes para amortizar los 18 invertidos. La sombra de gran fracaso (que tampoco fue para tanto), acompañó a la película y a De Palma durante muchos años. Gracias al paso del tiempo, Impacto ha encontrado el lugar que merece dentro de la historia del cine, como una de las mejores obras de un director sobresaliente y que sirvió de inspiración a muchos cineastas posteriores.


Curiosidades:

En la versión francesa de la película, John Travolta fue doblado por Gérard Depardieu.

Quentin Tarantino declaró que Impacto era una de sus tres películas favoritas, junto con Rio Bravo (1959) y Taxi driver (1976).

A Tarantino siempre le gustó la interpretación de Travolta en esta película y gracias a eso, el director le ofreció el papel de Vincent Vega en Pulp fiction (1994) 13 años después.

Tarantino usó el tema "Sally and Jack" compuesto por Pino Donaggio de título para su película Death proof (2007), perteneciente al programa doble Grindhouse (2007).

En un momento de la película, Dennis Franz ve por televisión la película Murder à la mod (1968), película dirigida por Brian De Palma. Originalmente la película emitida era Dementia 13 (1963) de Francis Ford Coppola, pero Roger Corman (productor del film) exigió demasiado dinero por los derechos y se descartó.

Brian De Palma creó el flashback en el que Jack Terry narra el asesinato de un policía basándose en sus investigaciones para la película El príncipe de la ciudad, film que inicialmente iba a dirigir, pero que terminó realizando Sydney Lumet.

Durante el proceso de montaje dos rollos del metraje filmado de la ceremonia del Día de la Libertad fueron robados, de modo, que parte de la secuencia tuvo que ser filmada de nuevo, con un coste añadido de 750.000 dólares. El director de fotografía de la película Vilmos Zsigmond no estaba disponible y tuvo que ser sustituido por László Kovács.

Cuando Travolta ya había filmado para realizar la película uno de los ejecutivos del estudio sugirió que contratar a Olivia Newton-John para interpretar a Sally, algo a lo que De Palma se negó.

El juego de las capturas 3

Tras 2 años de ausencia, vuelve al blog "El juego de las capturas". Las reglas son muy sencillas, bajo este párrafo encontraréis 10 capturas (tomadas exactamente en el minuto 1:00:00) pertenecientes a 10 películas diferentes y vuestro objetivo es acertar el título de la película correspondiente a cada imagen, indicándolo en los comentarios. La única norma es que para cada imagen sólo podéis dar el nombre de una película en cada ocasión que participéis. Yo indicaré si habéis acertado o no y podréis intentarlo otra vez, tantas veces como queráis. Las reglas son fáciles, pero acertar no lo es tanto, os encontraréis con imágenes curiosas, anodinadas, únicas y reveladoras, que desafiaran vuestra memoria cinéfila. Sin más dilación, ya es hora que pongáis nombre a las imágenes siguientes. Suerte.

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Avatar day

El 21 de agosto fue el gran día de Avatar, tras meses y meses de espera para ver material del nuevo film de James Cameron, por fin ayer se pudo disfrutar en diversas ciudades del mundo de un adelanto de la que será la película del año.

Un día antes se distribuyó de forma oficial el trailer que no hizo otra cosa que abrir boca para que los aficionados fuéramos a ver la presentación del film con más ganas si cabe.

Dicha presentación constó de 6 secuencias de la película con una duración total de 15 minutos. Una vez se apagan las luces y nos penemos nuestras gafas 3D, aparece James Cameron para explicarnos que vamos a ver, secuencias completas de la película, pero que no desvelaran ningún spoiler. Las 6 secuencias son las siguientes:

1. "Discurso a las tropas"

Jake Sully (Sam Worthington) llega en su silla de ruedas a una sala donde el Coronel Quaritch (Stephen Lang) da a sus hombres un descorazonador discurso sobre el lugar en el que se encuentran, el planeta Pandora, un lugar, según él, peor que el infierno y donde cada criatura y ser que allí habitan pueden matarlos y que lo más probable que la mayoría no salga de allí con vida.

2. "Transmutación"

La doctora Grace Augustine (Sigourney Weaver) explica a Sully como será el proceso de transportar su mente al interior de su avatar. Sully se encierra en una cápsula bajo las indicaciones de la doctora. Los técnicos inician el proceso de transmutación y segundos después Sully despierta dentro del cuerpo su avatar en una sala del laboratorio. Otro compañero de Sully también ha sido sometido al mismo proceso. Desoyendo los consejos de los técnicos del proyecto, Sully se levanta de su camilla y echa andar, sus movimientos son torpes, después de años en un silla de ruedas, puede volver a andar, pero pronto le coge gusto a su nuevo cuerpo y sale de la habitación siendo perseguido por el personal del laboratorio. La interacción de los personajes digitales con personas de carne y hueso y su entorno son increíbles, sus movimientos y facciones parecen reales, los más reales jamás vistos en una pantalla de cine, pero esto es sólo un pequeño aperitivo a lo que veremos después.

3. "Las criaturas del planeta Pandora"

Sully y otros humanos se encuentran en la jungla de Pandora, el soldado se enfrenta a una enorme criatura (un cruce de triceratops y pavo real), a su lado se encuentra la doctora Augustine dentro de un cuerpo avatar al igual que él, y le aconseja que se imponga y no le demuestre miedo, cuando el "triceratops" parece que va a envestirle, Sully le planta cara y ésta frena su ataque y se retira, al igual que otras criaturas similares que están con ella, pero en realidad sucede es que en realidad escapan de la bestia que se encuentra a espaldas de Sully. La doctora le recomienda a Sully que corra. La enorme bestia se lanza a por Sully y quien escapa corriendo de ella, la persigue por la jungla y Sully se oculta bajo un árbol, pero la criatura no cesa en su intento de atraparle. La escena termina repentinamente sin que conozcamos su desenlace. Esta secuencia nos demuestra de una forma más clara el increíble trabajo conseguido por Cameron y su equipo, los personajes digitales no pierden un ápice de realismo en movimiento, vemos a Sully saltar, correr, gritar, golpearse, pero sigue pareciendo real. Además sabemos que el planeta Pandora es una creación digital, pero en ningún momento lo parece, es tan real como nuestro mundo.

4. "Neytiri"

Sully se enfrenta de noche a unas pequeñas bestias (una especie de perros), intenta defenderse con la única ayuda de una antorcha, cuando parece que todo está perdido para él, hace su irrupción la Na'vi Neytiri (Zoe Zaldana), quien mata a todos los "perros". Pero después de salvarle le hecha en cara a Sully que haya que tenido que matarlos para salvarle a él, ya que los Na'vi viven en armonía con el resto de criaturas de su planeta.

5. "La jungla nocturna de Pandora"

Esta escena acontece después que Neytiri salve a Sully. Ella tira su antorcha a un río y cuando Sully intenta recuperarla, se ve envuelto en la oscuridad por las luces que emanan de las plantas y flores de la jungla, que son luminiscentes. El preciosismo de las imágenes dejan con la boca abierta y tal vez sea el momento que se queda grabado con mayor fuerza en nuestra mente de todo el "Avatar day".

6. "Bansheerays"

Sully se une a los Na'vi y viaja con ellos hasta lo alto de una cascada donde descansan varios bansheerays (criaturas voladoras). Neytiri le explica que debe elegir a un bansheeray para que se convierta en su montura en la batalla. La criatura a su vez lo elegirá a él creándose un vínculo entre ambos. Sully camina entre las criaturas que demuestran ser de lo más agresivas y se declina por una de ellas, forcejea con ella hasta que consigue "domarla". Una vez conseguida su unión con la criatura, sella su vínculo emprendiendo su primer vuelo montado a su espalda. De nuevo el realismo de los efectos digitales rozan la perfección y nos damos cuenta de que estamos ante la película con los mejores efectos visuales de la historia y que marcaran un antes y un después en este campo.

El avance termina con una sucesión de imágenes de la película, la misma que se ve al final de trailer visto hace dos días.


Lo visto en esta presentación deja una impresión increíble, pero seguro que no es nada comparado con lo que Cameron nos tiene preparado para el 18 de diciembre. Avatar será el acontecimiento cinematográfico del año y yo, como muchos otros, estaré allí para disfrutarlo.

Waterworld

En el fututo los casquetes polares se han derretido y el agua cubre todo el planeta. Los seres humanos sobreviven en enormes fortalezas flotantes (atolones) intentando conseguir los bienes más preciados, el agua dulce y la tierra. Mariner es un ser solitario y arisco, que viaja en un viejo trimarán de un atolón a otro, haciendo trueques. Después de que llegue a uno de esos atolones, éste es atacado por los Smokers (piratas motorizados). En su huida conoce a una mujer, que protege a una niña que tiene tatuado en su espalda el emplazamiento de "Tierra seca", el único lugar del planeta que no ha quedado anegado por el agua. Ahora, los 3 serán perseguidos por los Smokers, que también desean encontrar ese lugar.

CRÓNICA DEL PEOR RODAJE DE LA HISTORIA

El proyecto se inicio en 1991 cuando Kevin Costner se interesó por un guión propiedad de Universal Pictures. Un año después Costner firmaba un contrato para realizar la película por la cual cobraría un cheque por 14 millones de dólares. La productora quería a Robert Zemeckis (Regreso al futuro, Forrest Gump, Náufrago) como director del proyecto, pero Costner propuso a Kevin Reynolds con el que había trabajado en ¿Dónde dices que vas? (1985), Robin Hood. Príncipe de los ladrones (1991) y Rapa Nui (1994), quien finalmente se llevó el gato al agua.

En octubre de 1993 se inició la preproducción de la película en Hawai, en el puerto de Kawaihae para ser más precisos. En aquel momento el presupuesto inicial era aproximadamente de 60 millones y los días de rodaje por delante 96 días. Pero pronto comenzaron los problemas. La enorme ciudad flotante de 1.000 toneladas de peso, costó cerca de 4 millones. Fue necesario todo el acero de la isla y cuando se termino, se encargó traer más de EE.UU.

Sobre los problemas presupuestarios, el jefe por aquel entonces del estudio, Tom Pollock, negaba que el presupuesto de la película alcanzara los 93 millones, pero en junio de 1994 el estudio fijaba el presupuesto en 100 millones.

El 27 de junio de 1994, comenzó oficialmente el rodaje, filmándose los primeros planos de la película. En aquel momento ya se llevaban 3 meses de retraso. La duración del rodaje previsto era de 96 días. No había actor para el papel de Deacon (finalmente éste recayó en Dennis Hooper, después de pasar por John Malkovich, Laurence Fishburne, Gary Oldman, Jack Nicholson y Gary Busey). Más problemas había con el guión, no estaba terminado y era continuamente reescrito. Para solucionarlo se recurrió a Joss Whedon, creador de las series Buffy, cazavampiros y Angel, quien se desplazó hasta Hawai con la idea dar la versión final del guión. Su sueldo era de cercano a los 100.000 dólares por cada semana de trabajo, su estancia se prolongó por 7 semanas, que él definió como "7 semanas en el infierno".

Durante el rodaje fueron apareciendo nuevos problemas. Cada día tenían que mover la ciudad flotante 500 metros fuera de la costa, para evitar que la isla apareciera al fondo de las tomas. Continuamente los miembros del equipo sufrían mareos y vómitos, los médicos atendían a una media de 50 personas al día. Cuando alguien tenía que ir al baño, había que enviarlo en lancha a la isla, para mantener la higiene en el decorado. El hecho de rodar en el mar dificultaba continuamente el rodaje, secuencias que en tierra firme solo llevarían unas horas, duraban días al filmarse en el agua.

La relación entre Kevin Costner y Kevin Reynolds empezó a deteriorarse. Ambos no se ponían de acuerdo con el enfoque del personaje principal interpretado por Costner. El actor se encerró con Whedon en un bungalow del Mauna Lani Bay Hotel, cuyo coste era de 1.800 dólares por noche.

En agosto de 1994, Norman Howeell y Patty Walrod, los dobles de Kevin Costner y Jeanne Tripplehorn, sufrieron un accidente al rodar una secuencia submarina, cuando ascendieron demasiado rápido a la superficie, ambos fueron llevados a Honolulu para ser introducidos en una cámara de descompresión. Un total de 11 buceadores sufrieron heridas de carácter leve durante el rodaje. En otra ocasión un golpe de mar lanzó a Jeanne Tripplehorn y a Tina Majorino al mar, la niña no sabía nadar, un miembro del equipo se lanzó al mar para evitar que fuera despedazada por la hélice de una embarcación, logró salvar a la niña, pero sufrió una grave herida en su estómago por la que tuvieron que darle 20 puntos de sutura.

Se construyeron dos versiones del trimarán que Costner utiliza en la película, ambos median 60 pies de largo y costaban 465.000 dólares cada uno. Se transportaron a la isla en un Boeing 747, pero como la pista de aterrizaje era demasiado pequeña para que el avión pudiese aterrizar. Los productores de la película tuvieron que ayudar en la subvención de una ampliación del aeropuerto. En ese momento la película había alcanzado un presupuesto de 125 millones.

Los continuos retrasos en el rodaje incrementaron todavía más el presupuesto de la película. Según los horarios estipulados por los sindicatos cinematográficos, por cada 15 minutos de retraso que sufre un miembro del equipo en las comidas, el estudio debe pagarle 30 dólares. Teniendo en cuenta el número de empleados y los continuos retrasos diarios se calcula que al estudio le costo 2,7 millones de dólares.

Daniel José Gil, preparador físico de Costner fue detenido por posesión de ilegal de esteroides, en su habitación fueron halladas 2.000 dosis, como consecuencia fue expulsado de la isla.

En septiembre de 1994, los jefes de Universal Pictures viajaron hasta Hawai para descubrir que sucedía con la película. El objetivo de ellos era despedir al Reynolds, pero Costner apoyo la labor del director, ofreciéndose a trabajar con él y a renunciar al 15% de los beneficios de la película.

Cuando el rodaje finalizó en Hawai, el desembolso ascendía a 150 millones. El resto del rodaje se hizo en estudios.

Cuando se realizó el montaje de la película no cesaron los problemas. La Universal Pictures cedió el "final cut" a Costner, en lugar del director. Se realizó el primer test screening en Sacramento, su resultado fue negativo. Posteriormente se hizo un nuevo montaje de la película de 165 minutos y se proyecto en junio de 1995 en Dallas, su resultado fue más satisfactorio, pero tampoco convenció al público asistente. El montaje final tuvo una duración de 136 minutos. Por fin, la película estaba completada, tras 157 días de rodaje, 36 reescrituras de guión y un presupuesto final de 175 millones, que la convirtió en la película más cara de la historia.

Finalmente Waterworld se estrenó en los EE.UU. el 28 julio 1995, recaudando en su primer fin de semana 21.171.780 de dólares. Su recaudación final ascendió en el mercado norteamericano a 88.246.220 dólares. Y la recaudación mundial final fue de 264,2 millones de dólares. La película consiguió una nominación al Oscar al "mejor sonido" (Steve Maslow, Gregg Landaker y Keith A. Wester), premio que se llevó Apolo 13.


ESCENAS ELIMINADAS

Se llegaron a cortar 40 minutos de metraje del montaje original. El director's cut no mejora la opinión sobre la propia película, se corrigen algunos errores de racord provocados por la eliminación de escenas, se explican mejor algunas situaciones o las decisiones que toman algunos personajes y se perfilan mejor otros (principalmente el de Mariner), pero no mejora el resultado final, de hecho, la reducción de metraje beneficia al ritmo de la película.

Los principales cortes fueron los siguientes:

0:09:52 - 0:10:31
Antes de la llegada de Mariner al Atolón un viejo quiere intercambiar su pelo por hydromiel.

0:16:28 - 0:17:08 / 0:17:15 - 0:17:41
La compra de enseres de Mariner en la tienda de Helen es más larga. Le pregunta si tiene cordel, semillas, madera, revistas, pero ella no tiene nada de eso en su tienda.

0:18:16 - 0:18:51
El diálogo entre Mariner y Nord en la tienda de Helen es más largo. Nord le pregunta cuanto tiempo lleva en la mar y Mariner le responde que 15 lunas, lo que vienen siendo 15 meses.

0:24:05 - 0:27:21

Después de que Mariner sea capturado en el Atolón, sus habitantes examinan sus pertenencias. Entre ellas, encuentran un thighmaster (aparato para ejercitar los músculos muy de moda en los 90), que ellos creen que es un dispositivo de tortura. Un yo-yo, que toman por un arma para asesinar a la gente estrangulándola. Y un clarinete, del cual piensan que es un dispositivo auditivo usado para espiar. Es en este momento cuando la gente del Atolón decide enviar a Mariner a la fosa de reciclado.

0:27:34 - 0:28:08
Mariner se encuentra encerrado en una jaula y unos críos se acercan a él y comienzan a pegarle con palos, Mariner agarra a uno y los demás echan a correr, pero después deja escapar al que atrapó.

0:28:08 - 0:28:54
Gregor está viendo por un telescopio y comienza a farfullar sobre la forma de llegar a Tierra Seca rigiéndose por las estrellas.

0:33:20 - 0:33:58
Antes de la ejecución de Mariner en el atolón, Helen y Enola despiertan en su barco y acuden hasta el lugar donde Mariner sería ejecutado.

0:36:46 - 0:37:00 / 0:38:06 - 0:38:19 / 0:38:33 - 0:38:41 /0:39:27 - 0:39:38 / 00:40:02 - 00:40:23 / 00:41:49 - 00:42:07
El ataque de los Smokers al atolón era también más largo. Se incluían escenas como la de un niño perdido que se encuentra con Helen. Se muestra como Gregor construye el globo para su huida y lo carga sus pertenencias antes de activar accidentalmente su despegue. Sus intentos por frenar el despegue del mismo eran más largos, intentaba hacerlo tirando de una palanca, pero ésta se rompía y se le quedaba en la mano.

00:50:34 - 00:52:01 / 00:53:04 - 00:53:37
Los Smokers saquean el atolón. Se muestra la llegada al atolón de Deacon y el contable de los Smokers, quien le dice al primero todo lo que han conseguido del atolón. Antes de que mate al hombre que le indica que Elona está con Mariner, Deacon suelta un pequeño discurso a modo de predicador.

00:54:10 - 00:54:44 / 00:55:05 - 00:55:53 / 00:57:44 - 00:57:49 / 00:58:08 - 00:58:19
Mariner repara su barco tras los desperfectos ocasionados durante su huida del atolón. La conversación posterior entre él y Helen es más larga. Cuando Enola entra en el interior del trimarán de Mariner a petición de Helen es también un poco más larga, en ella tira sin querer uno de los arpones de Mariner al suelo. Además en el director's cut se eliminan aquellos planos en los que la doble de cuerpo de Jeanne Tripplehorn aparecía desnuda de espaldas a la cámara.

1:01:01 - 1:01:32
Se ven varias escenas añadidas de la vida dentro del barco de los Smokers, se muestra por ejemplo, como fabrican sus balas.

1:04:27 - 1:06:32

Mariner, Helen y Elona reciclan su orina en el ingenio de Mariner, éste se la bebe casi toda, el resto se la echa a su tomatera y lo poco que queda se lo da a Helen y Elona. Elona se acerca a hablar con Mariner y le da un beso en la mejilla, Mariner reacciona empujándola al suelo.

1:16:07 - 1:17:11
Deacon aparece jugando al golf dentro de su camarote, donde el piloto del avión (Jack Black) le cuenta donde ha visto a Mariner.

1:17:14 - 1:18:52

Mariner come uno de los tomates de su tomatera mientras Helen y Enola lo miran hambrientas, queda un resto de tomate sobre el barco, pero antes de que Helen y Enola puedan echarle el diente, Mariner se lo come.

1:27:50 - 1:29:36
El diálogo entre Mariner y Helen antes de que éste salte al agua para cazar al monstruo marino es más largo, ella le dice que hace días que no comen y que le ayude a pescar algo con la caña que acaban de conseguir, él le explica que en esa zona no vale de nada una caña para pescar y es entonces cuando se lanza a cazar al monstruo.

1:33:54 - 1:35:06 / 1:35:30 - 1:36:43
Helen recoge un dibujo hecho por Enola y de pronto escucha música, Mariner tiene un viejo reproductor de cds y está escuchando a Miles Davis. Helen se sienta al lado de Mariner y le entrega el dibujo de Enola. El posterior diálogo entre ellos es más largo, entre otras cosas Mariner le dice a Helen que no tiene nombre.

1:45:30 - 1:46:16
Diálogo entre Mariner y Helen después de su huida del puesto comercial es más largo. Ella se da cuenta que la intención de Mariner era venderlas en el puesto.

2:03:41 - 2:05:01
El diálogo entre Mariner y Helen mientras él recoge las cosas de su barco (y después de haberse acostado juntos) es más largo. Se muestra a Gregor viajando en su globo hasta el momento que los encuentra en su barco.

2:07:16 - 2:09:12 / 2:10:12 - 2:11:39

Mariner abandona a los supervivientes del atolón con los que se encontraron él y Helen. Se hace con un pequeño bote de remos y regresa a los restos de su trimarán. Aquí se incluye la escena en la que encuentra el dibujo de Enola de un árbol y lo compara con la foto del National Geographic y se da cuenta de que Enola estuvo en Tierra Seca, que la versión estrenada en cines había sido mostrada antes. Decide regresar con Helen y los demás supervivientes, quienes son encontrados por un par de Smokers montados en motos acuáticas, Mariner los mata y les dice a todos que ha decido ir a rescatar a Enola. Esta escena explica de donde saca Mariner la moto con la que llega hasta el barco de los Smokers.

2:12:27 - 2:12:48
Mariner planta fuego a la segunda moto de los Smokers, la cual ha dejado un rastro de combustible, que también arde y le marca a Mariner el camino hacia el barco de los Smokers.

2:18:48 - 2:19:50
Después que Mariner embista con su moto a uno de los Smokers, baja de ella y se encuentra con dos Smokers que acaban de ver lo sucedido, pero ante sorpresa de Mariner, se toman el hecho a broma, tomando a Mariner por un Smoker loco más. Mariner camina por los pasillos del barco y se asusta al oír la voz de Deacon que sale por un altavoz, coge su machete y destroza el aparato.

2:35:02 - 2:35:32
Gregor descubre que los símbolos del tatuaje de Enola son números que dan la longitud y latitud de la situación exacta de Tierra Seca.

2:38:08 - 2:38:52
Mariner sube por la cascada en su llegada a Tierra Seca. Todo el grupo camina hasta la cabaña donde encuentran los restos de los padres de Enola.

2:42:55 - 2:44:34 / 2:45:14 - 2:46:46

Todos se despiden de Mariner antes de que parta en su nuevo barco y le explica a Helen que decide marcharse para saber si en el mundo hay más mutantes como él. Después ella le da un nombre a Mariner, que no es otro que Ulises.

2:46:23 - 2:46:54

Cuando Helen y Enola están en lo alto del acantilado viendo como Mariner se aleja en su barco, descubren una placa en la que una inscripción indica que están en el pico del Monte Everest.

ERRORES

Coincidiendo con el estreno de la película se comentaron los numerosos errores de lógica que ésta encierra. El planteamiento de la historia, que al fundirse los casquetes polares aumentó el nivel del mar hasta sumergir todo el planeta, es imposible. Si toda el agua de la Tierra estuviese en estado líquido, el nivel del mar aumentaría aproximadamente 61 metros y obviamente nunca sepultaría todo el planeta. Aunque la película acontezca varios cientos de años en el futuro no es tiempo suficiente para generar la mutación que sufre Mariner. Además Mariner posee membranas en los pies, pero no en las manos. También llama la atención la existencia de cigarrillos y petróleo, que teniendo en cuenta las fechas de la película, éstos ya se habrían acabado. El viaje de Mariner y Helen a la ciudad de Denver sumergida en el fondo del mar, dura muy poco tiempo si tenemos en cuenta a la profundidad a la que se encontraría. Aunque hay que tener en cuenta de que todos estos errores no son más que recursos que los artifices de la película utilizan para realizar una historia de género fantástico y que sin ellos la película no sería posible.


VALORACIÓN

Waterworld se convirtió por razones ajenas a ella en una de las películas más populares de los 90. Todos los problemas que se sucedieron durante su interminable rodaje no hicieron más que fomentar un aura de film maldito, que empezaron a perseguirla, incluso antes de que estuviese filmada. Es importante dividir los acontecimientos que rodearon la gestación de la propia película en si para poder disfrutarla realmente. Es obvio durante su visionado que estamos ante una película de una logística muy compleja y que el film no pretende ser otra cosa, que un entretenimiento de primer orden. Si uno deja a un lado su fama y se concentra en la película se encontrará con un película realmente disfrutable y tremendamente espectacular.

Waterworld es casi un remake inconfeso de Mad Max: El guerrero de la carretera. Ambas muestran una sociedad futura postapocalíptica, donde las personas hacen lo imposible por sobrevivir. Los villanos de la función han caído en el completo salvajismo. Las personas supervivientes a la catástrofe viven en grandes fortalezas. El estilo de las vestimentas en ambas películas es similar. Ambas películas están protagonizadas por héroes solitarios, que al final de la película deciden continuar su camino solos. En el film de Mad Max los villanos atacan la fortaleza que guarda la gasolina, lo mismo sucede en Waterworld con los Smokers atacando el atolón, aunque su objetivo es Enola. Siguiendo con las semejanzas con la saga de Mad Max, en Waterworld existe una tierra prometida, al igual que Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno y en ambas películas se llega a ese lugar mediante aparatos voladores.

Kevin Reynolds presenta una puesta en escena dinámica, siempre con la cámara al hombro y dando lo mejor de si mismo en las secuencias de acción. Reynolds fue uno de los mejores directores surgidos del cine norteamericano de los 80, películas como La bestia de la guerra (1988), Robin Hood, príncipe de los ladrones (1991) y La venganza del Conde Montecristo (2002) lo confirman. Su manejo del ritmo cinematográfico y de la cámara son excelentes. Tal vez la haya faltado pericia a la hora de escoger proyectos para ser reconocido como uno de los grandes, pero cuando el material que maneja es bueno da muestras de un gran talento.

El fracaso de Waterworld fue el comienzo del fin del estrellato de Kevin Costner, quien arrastraba dos fracasos anteriores con Wyatt Earp y The war. Antes del estreno de la película ya se vaticinaba que esta sería un fracaso de taquilla, se hicieron famosos los sobrenombres "Fishtar" y "Kevin's gate" por parte de la crítica para describirla. Esta mala prensa cimentada por los continuos problemas durante su rodaje no ayudaron en su carrera comercial y el principal afectado fue el actor (también productor de la película), que desde entonces no ha logrado recuperar su estatus de estrella.

Waterworld pese a los medios que maneja, es un entretenimiento escasamente pretencioso. Bajo de sus enormes decorados, su plantel de estrellas y sus sofisticados efectos especiales, subyace una película con alma de serie b, que de forma inteligente nunca se toma demasiado en serio asi misma. Lo demuestran, la introducción del personaje de Mariner bebiéndose su propia orina, los Smokers siempre fumando o que el nombre del barco de Deacon sea Exxon Valdez. Los errores anteriormente mencionados, son decisiones conscientes por parte de sus creadores con el objetivo de contar una historia que sea pura evasión, un cómic puesto en imágenes. Y es como relato de aventuras, donde la película demuestra todo su potencial, la original idea de un mundo cubierto sólo por agua, el personaje de Mariner (arquetipo de antihéroe), el ritmo de la historia y sobre todo las escenas de acción (todas espectaculares y divertidas).

Además la película contiene varias set pieces antológicas; el logo de la Universal Pictures modificado mostrando el deshielo de los polos; el ataque al Atolón por parte de los Smokers; la secuencia de la avioneta que divisa el trimarán; Mariner cazando al monstruo marino; el viaje submarino a los restos de la ciudad de Denver; el beso bajo el agua entre Mariner y Helen, respirando él por los dos gracias a sus branquias; la batalla final en el barco de Deacon y el descubrimiento de "Tierra seca".

Waterworld merece salir del ostracismo en el cayó en el momento de su estreno y ser descubierta por el público como lo que es, un espectáculo monumental, inofensivo y entretenido.

Los difíciles comienzos (I)

Todos los actores tienen un comienzo, no se convierten en estrellas de la noche a la mañana, son muchos los que empiezan en el cine en papeles minúsculos, casi desapercibidos; otros dan sus primeros pasos en producciones que preferirían no haber conocido nunca y son sólo unos pocos los que empiezan a lo grande.

Con este artículo quiero recoger los comienzos más curiosos de la historia del cine. Empezamos.

Bruce Willis: El primer pecado mortal (1980)

El famoso actor obtuvo su primer trabajo en esta película protagonizada por Frank Sinatra y Faye Dunaway. En ella se narran los intentos de un policía por atrapar a un psicópata que aterroriza a Nueva York. A Willis puede vérsele brevemente cruzándose con Sinatra en la puerta de un restaurante.


Catherine Bell: La muerte os sienta tan bien (1992)

La bella protagonista de la serie JAG. Alerta roja (1995-2005) tuvo un curioso comienzo en el cine. Su primera aparición en la gran pantalla fue en la película La muerte os sienta tan bien (1992), como la doble de cuerpo de Isabella Rossellini. Catherine la sustituyó en aquellos planos en los que aparecía desnuda saliendo de una piscina.


Clint Eastwood: La venganza del monstruo de la Laguna Negra (1955)

El debut de Clint Eastwood fue en la entrañable secuela de La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, 1954). Su papel es el de un técnico de laboratorio que pierde una de las ratas de un experimento. Toda su participación se limita a un gag y sólo aparece en pantalla durante 30 segundos.

El mismo año trabajaría de nuevo con Jack Arnold, director de La venganza del monstruo de la Laguna Negra, en otro clásico de la serie b de los 50, Tarantula, donde de nuevo tendría una pequeña participación sin acreditar.


David Duchovny: Armas de mujer (1988)

La aparición de Duchovny es, tal vez, la más breve y desapercibida de todas. El actor sale en pantalla cerca de 8 segundos en una escena en la que Melanie Griffith abre una puerta de su casa y se encuentra dentro a todos sus amigos escondidos, quienes le dan una sorpresa por su cumpleaños. Al actor puede vérsele en la parte superior izquierda de la imagen que acompaña este post.


Elijah Wood: Regreso al futuro II (1989)

El famoso Frodo de El señor de los anillos tuvo su primera aparición en una película en la segunda parte de Regreso al futuro. Puede vérsele en la escena en la que Michael J. Fox entra en una cafetería en el año 2015 y dos niños enchufan una máquina recreativa, pero no saben como funciona. Uno de esos niños era un jovencísimo Elijah Wood.


Jean-Claude Van Damme: Monaco forever (1984)

El primer trabajo del belga como actor fue en esta extraña y casi desconocida película, historia de un ladrón que planea robar en una tienda de joyas y en su camino hacia el lugar del robo, se topa con diversos personajes. El primero de ellos es Jean-Claude Van Damme (que utilizó el nombre de Jean-Claude Vandam), cuyo papel es acreditado como "Karateka gay" (va en serio). Sólo aparece en una escena. Recoge en su coche al protagonista que hace autostop, durante el trayecto no para de echarle los tejos por lo que éste se enfada y lo desafía a una pelea, pero cuando comprueba las habilidades del belga, escapa corriendo. No hace falta decir que toda la escena es ridícula, al igual que el resto de la película. Pero no tiene precio ver el debut de Van Damme, es difícil evitar sonreír al verle en sus intentos de conquista o con sus amanerados gestos.


John Candy: Hércules en Nueva York (1970)

El cómico tuvo su debut en esta película que también significó el debut de Arnold Schwarzenegger en el cine. A Candy puede vérsele al comienzo de la película cuando Schwarzenegger viaja en un barco y se pelea con toda la tripulación; Candy está presenciando la pelea sin participar en ella, cuando el austriaco ha vencido a todos los hombres se acerca a él y éste le ruega que no le pegue.


Kurt Russell: Puños y lágrimas (1963)

El primer trabajo de Kurt Russell como actor figura un episodio de la serie Sam Benedict (1962-1963), pero antes ya había realizado un pequeño papel en la película Puños y lágrimas (1963) con tan sólo 11 años. Su papel consistía en darle una patada en la espinilla al protagonista, que era ni más ni menos que Elvis Presley.

Curiosamente, años después, Russell interpretaría a Elvis Presley en la tv movie Elvis (John Carpenter, 1979), que le reportaría una nominación a los premios Emmy. La casualidad llega hasta tal punto que cuando Elvis rodó Puños y lágrimas tenía 27 años, la misma edad que Russell cuando filmó Elvis. Además, la actriz que interpretaba a Priscilla Presley, Season Hubley, se convertiría después del rodaje en su mujer.


Sharon Stone: Recuerdos (1980)

Woody Allen le brindó a Sharon Stone su primera oportunidad como actriz. En la secuencia inicial de la película, el director neoyorquino, también protagonista del film, observa desde la ventana del tren en el que viaja a una joven (Sharon Stone) que viaja en otro tren, ella le sonríe y le envía un beso, entonces el tren se marcha. La secuencia carece de diálogos y la aparición de la actriz sólo dura unos segundos, pero con el tiempo se ha convertido en una de las escenas más memorables de la carrera de su director.


Sylvester Stallone: The party at Kitty and Stud's (1970)

La primera película en la que Stallone participó fue en una de carácter pornográfico. Tenía 23 años cuando la hizo y por dos días de trabajo cobró 200 dólares.

Después del éxito de Rocky (1976) cambiaron su título por el de El potro italiano (sobrenombre de Rocky en la película) e intentaron relanzarla para aprovecharse de la fama de Stallone. La versión protagonizada por el actor carecía de escenas de sexo real, pero insertaron planos de penetración real rodados con otro actor para su relanzamiento, para de ese modo aumentar las ventas de la película.

Desafío total

Bienvenidos a Marte.

Tierra, año 2084. Doug Quaid, es un hombre normal con una vida tranquila, pero sueña todas las noches con Marte. Decide recurrir a Memory Call, una agencia de viajes que implantará en su cerebro el falso recuerdo de unas vacaciones en Marte en las que tendrá la identidad de un agente secreto. Sin embargo, algo falla durante la implantación y Quaid se ve en medio de una conspiración interplanetaria en la que deberá salvar al planeta Marte y acabar con su líder, Cohaagen.

Los orígenes de Desafío total (Total recall, 1990) son tan complejos como la propia película. El guión escrito por Ronald Shusett y Dan O'Bannon que adapta la novela de Philip k. Dick "We can remember it for you whosale", paso por muchas manos antes de ser dirigido por Paul Verhoeven. La primera productora interesada por el proyecto fue la Disney con idea que lo dirigiese John Carpenter, pero no llegaron a un acuerdo así que el proyecto recayó en Dino De Laurentis. Se barajaron varios nombres para el director, Richard Rush, Fred Schepisi, Russell Mulcahy, hasta que finalmente se eligió a David Cronenberg. El protagonista principal previsto era Richard Dreyfuss. Durante mucho tiempo director y productor intentaron llevar adelante el proyecto sin llegar a ponerse de acuerdo, según Cronenberg "El guión de Ronald Shusett y Dan O'Bannon trataba sobre la memoria, la identidad y la locura. Pero era blando y algo tonto; era como En busca del Arca pedida en Marte. No quería hacer un film high tech lleno de acción y nada más, porque no me atrae en absoluto la parafernalia tecnológica, las naves y las ciudades de cristal. El elemento humano era lo que me excitaba (...). Hacia 1984 me desplacé a Roma, a los estudios de Dino. Allí supervisé varios diseños, hice diferentes versiones del guión y estuve buscando localizaciones en Túnez para rodar las escenas exteriores de Marte. Todo requirió el esfuerzo de mucha gente y se gastó un montón de dinero. Un año después le dije a Dino: Aquí tienes la versión número doce del guión. Esta es. Esta es la que yo haré. La leyó y me dijo: Mira, creo que deberíamos filmar la versión número nueve, a lo cual yo le contesté que era imposible volver a la oscuridad una vez vista la luz. Yo deseaba hacer el guión número doce. Dino me contestó: Entonces, ¿qué pasa? ¿No hacemos al película? Creo que si tú no cedes y yo no cedo, supongo que no la haremos, respondí. Meses después me llamó para decirme que podría hacer el film a mi gusto, pero era demasiado tarde. Ya no me interesaba la idea."

El proyecto paso a manos de Bruce Beresford con Patrick Swayze en el papel protagonista, pero la película termino cancelándose. Pero cuando todo parecía perdido apareció Arnold Schwarzenegger, quien se interesó por el proyecto y le propuso a los productores Mario Kassar y Andrew G. Vajna que compraran los derechos de la película. Asegurándose que él sería el protagonista, teniendo la opción de elegir al director y al reparto, hacer cambios en el guión y supervisar la campaña de promoción. Schwarzenegger tenía en mente a un único director: Paul Verhoeven.

Al ser Schwarzenegger quien interpretase el personaje principal fueron necesarios ciertos cambios. El personaje originariamente se llamaba Quail (acobardarse o encogerse en inglés) y se cambió por Quaid. Dicho personaje era un tímido contable, pero a causa de las características físicas de Schwarzenegger se convirtió en obrero de la construcción.

Desafío total es una de las grandes obras de la ciencia ficción de los 90, mostrando un nuevo estilo en el género, no sólo por el juego de realidad/ficción en el que nos introduce, sino porque lo acerca al hiperrealismo, aquí las muertes son brutales y están mostradas de una forma explícita, la violencia es algo horrible y así lo refleja la pantalla. Pocas veces se ha visto una película tan gráfica en este tema, podemos ver las consecuencias de cada uno de los disparos, tal y como sería en la realidad.

El film de Verhoeven es también una excelente muestra de ciencia ficción por la gran dosis de imaginación mostrada por sus creadores, cabe citar el personaje de Kuato saliendo del estómago de un hombre, la implantación de falsas vacaciones en la memoria o el artefacto construido por los alienígenas para crear atmósfera en Marte. Pero al mismo tiempo es un fantástico ejercicio de acción y aventura. Su ritmo es trepidante y se convierte en un increíble entretenimiento. Las secuencias de acción son excelentes y están montadas de una forma impecable, sabemos en todo momento lo que sucede y nunca son una lacra para la historia, sino que la potencian aun más. La secuencia de la fuga de Quaid por los pasillos del metro es perfecta y una de las más famosas secuencias de acción de la historia. Como también lo es el tiroteo final que enfrenta a Quaid y Melina contra Richter y su ejército.

Toda la película es una sucesión inagotable de secuencias memorables: El sueño de Quaid en Marte, la primera conversación con su mujer, su visita a Memory Call, el asesinato del compañero de trabajo de Quaid, la pelea con Sharon Stone, la persecución del metro, la extracción del chip, la llegada a Marte de Quaid vestido de mujer y las consecuencias de agujerear la cúpula, el encuentro con Kuato, el intento por parte de un empleado de Memory Call de hacerle creer que todo es un sueño y el como Quaid resuelve la situación, la muerte de Sharon Stone (con el famoso "Considérate divorciada"), la creación de la atmósfera en Marte y un largo etcétera hasta llegar al excelente plano final.

Toda la película presenta una clara dualidad. Nunca sabemos que realidad es la auténtica. Puede que Doug Quaid sea un superespía que salva a Marte en una conspiración gubernamental activando un dispositivo milenario construido por extraterrestres, después de acabar con todos los malos y finalmente quedándose con la chica, o tal vez todo lo acontecido no es más que un recuerdo implantado en su cerebro, siendo simplemente un hombre normal y corriente, que al final de la película se despertará en Memory Call, descubriendo que ha vuelto de sus vacaciones virtuales (o no despertando nunca, ya que ha sido lobotomizado). La primera parece demasiado positiva como para ser real, es difícil creer que un hombre solo e indestructible pueda derrocar un poder totalitario y salvar a un planeta entero, resulta más fácil creer que Quaid no es más que un hombre normal con delirios de grandeza. ¿Pero cuál de las dos realidades es la auténtica? Si nos dejamos guiar por ciertos detalles de la película nos veremos en medio de un juego creado para despistarnos y confundirnos, para que esa pregunta nos ronde en la cabeza hasta después del final de la película, y que nunca nos será respondida, ese es el gran acierto de la película. Por un lado cuando Doug Quaid está trabajando en la obra, le comenta a su compañero la idea de acudir a Memory Call, éste se le queda mirando de forma extraña, puede que simplemente le preocupe lo que Quaid le ha contado o por el contrario que nos intenten dar a entender que el personaje oculta algo. Quaid antes de que le implanten sus vacaciones virtuales se despierta y padece un embolismo esquizoide, ¿esto forma parte del sueño o sucede antes de la implantación? Cuando le muestran imágenes sobre que cosas desea ver durante sus vacaciones, hay imágenes del reactor alienígena que se verá más adelante, al igual que la chica que elige, es igual a la de sus sueños. La historia que el empleado de Memory Call le cuenta, acontece tal cual a lo largo de la película. Hay que resaltar otros interesantes detalles añadidos por Verhoeven como, el uso de espejos mostrar dos realidades distintas (como en la escena en que Quaid mata al empleado de Memory Call que se presenta en su habitación), o el fundido en blanco final (en lugar del clásico negro). Mi opinión personal es que todo es un sueño, hay un detalle mínimo, tal vez ridículo, que me hace creerlo. Durante la secuencia de la implantación de las vacaciones en Memory Call a Quaid le inyectan varios tranquilizantes en la pierna llegando a provocarle una herida, con la consecuencia de dejar una mancha de sangre en su pantalón, pero cuando Quaid despierta en el Johnny-taxi no tiene ninguna mancha, su pantalón está limpio. Puede ser un error de racord que se les escapó al realizar la película, pero también puede ser la señal inequívoca que todo lo acontecido después de que duerman a Quaid es un sueño. Incluso existe una tercera variante, que toda la historia sea un sueño, pero en realidad Quaid es un espía al que le han borrado la memoria, lo que rizaría más el rizo.

Paul Verhoeven regresó al género de la ciencia ficción tras su excelente RoboCop (1987), dando muestras de ser uno de los más interesantes directores de la época (y aun lo sigue siendo). Aquí filmó el que es tal vez su mejor trabajo como director junto con El cuarto hombre (1983). Su manejo de la acción, su sentido irónico del humor, el erotismo latente, la violencia descarnada, el ritmo que le imprime a la historia y las distintas capas que ésta adquiere, son sus principales muestras de identidad, que en Desafío total aparecen multiplicadas por 10. La persecución del metro, la secuencia en la que Kuato se adentra en la mente de Quaid o el momento de la gota de sudor, son claras muestras de ello.

En otros apartados, hay que resaltar la fantástica banda sonora compuesta por Jerry Goldsmith, habitual colaborador de Verhoeven. El tema principal es ya todo un clásico, desde el momento en que aparece el logo de la Carolco y suenan sus primeras y características notas, nos tiene atrapados. Su estilo rítmico y potente se complementa a la perfección a la película.

La película fue realizada antes del "boom" de los efectos digitales, en su momento se emplearon técnicas de control del movimiento en tiempo real para combinar las tomas de los actores frente a una pantalla azul con pinturas mates y miniaturas de paisajes que simulaban la superficie de Marte. Rob Bottin se encargó de los espectaculares maquillajes que se ven a lo largo de la película, tales como, el personaje de Kuato, la mujer con tres pechos, las consecuencias de la descompresión en los rostros de Schwarzenegger y Rachel Ticotin y las horribles deformaciones que sufren los habitantes de Marte.

Por su explícita violencia la película inicialmente recibió la calificación "X" por la MPAA en su estreno en cines, para conseguir la calificación menor "R", fueron necesarios los siguientes cortes: 1º) La muerte de Benny atravesado por la broca de un taladro fue recortada ópticamente para evitar mostrar el taladro atravesando su estómago. 2º) El hombre que es usado como escudo humano en la escalera mecánica sufría mayores daños en la versión original. 3º) El apuñalamiento de Helm en el bar era más largo, viéndose como le rebanaban el estómago con un puñal. 4º) Se eliminaron planos de los científicos que Quaid mata cuando se libera de la máquina de sueños al final de la película. 5º) El momento en que Richter pierde sus brazos fue también recortado.

El presupuesto de la película fue de 65.000.000 dólares, situándose como la tercera película más cara de la historia. Recaudó en EE.UU. 119.400.000 dólares y en todo el mundo 261.400.000 dólares, siendo la quinta película más taquillera del año.

La película recibió 2 nominaciones a los Oscars: Mejores efectos sonoros (Stephen Hunter Flick) y mejor sonido (Nelson Stoll, Michael J. Kohut, Carlos DeLarios y Aaron Rochin). Ganó un Oscar especial por sus efectos visuales (Eric Brevig, Rob Bottin, Tim McGovern y Alex Funke).


Curiosidades:

El actor Robert Picardo fue la voz y el modelo facial para el robot Johnny-taxi.

Los pitidos del Johnny-taxi están tomados del himno nacional noruego.

El número total de muertos a lo largo de la película asciende a 77.

A Kurtwood Smith le fue ofrecido el papel de Richter, pero declinó la oferta porque creía que el personaje se parecía demasiado al que interpretó en RoboCop (1987).

Durante la implantación de las vacaciones en Memory Call, en un monitor aparece momentáneamente una ilustración de un marciano verde sacado de una novela de Edgar Rice Burroughs.

El 22 de Agosto de 1989, Steven Pressfield se encargó de realizar ajustes en el guión. Él no fue acreditado en la película.

Muchos de los vehículos usados en la película fueron diseñados y construidos entre 1977 y 1984 por Quincy-Lynn Enterprises, ahora Robert Q.

Durante la parte del rodaje que aconteció en México, gran parte del equipo enfermo, sufriendo vómitos y diarrea. Los únicos que no enfermaron fueron Schwarzenegger (cuya comida era traída a diario desde Los Ángeles y la cocinada después su cocinero personal) y Ronald Shusett (que tomo grandes precauciones de salud como como cepillarse los dientes sólo con agua hervida o embotellada e insistir en obtener una vacuna semanal de vitamina B12).

El film dio lugar a una serie, Desafío total 2070 (1999), que poco tenía que ver con la película.

La escena en la que Doug Quaid rompe la ventana del tren, Schwarzenegger se cortó la mano realmente. En el vidrio había un pequeño explosivo que debía romper el cristal una fracción de segundo antes que Schwarzenegger golpeará el cristal, pero el explosivo no funciono y el actor austriaco rompió el cristal con su mano, cortándose de esa forma.

Aunque no se menciona en ningún momento en la película, en la carátula del formato VHS se indicaba que la historia acontece en el año 2084.

Eran necesarias 15 personas para manipular el animatronic de Kuato.

La actriz Priscilla Allen es quien interpreta a Doug Quaid en aquellas escenas en las que éste aparece disfrazado como una mujer obesa en su llegada a Marte, el pasaporte que entrega al guarda de la aduana, es su verdadero pasaporte.

La localizador portátil que Helm (Michael Champion) usa para rastrear a Quaid fue fabricado por Casio.

Dentro de la maleta plateada que Quaid revisa cuando está en la fábrica de cemento hay entre otras cosas, varios carnets de identidad, el primero de ellos está a nombre de Steve Lionetti, quien fue asistente de producción de la película.