Sunday, November 08, 2020

Lady Halcón

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Dos amantes son condenados a no verse nunca, por el día ella se convierte en un halcón, y por la noche él en un lobo. Un joven ratero se cruzara en su camino, y les ayudará a romper la maldición que cayó sobre ellos.

LOBO Y HALCÓN
El guión de Lady Halcón (Ladyhawke, 1985) llegó a Lauren Shuler por azar. En 1980, la productora estaba buscando a un guionista para un proyecto que estaba desarrollando, y un ejecutivo le recomendó a Ed Khmara (Enemigo mío), y además le pasó una copia de su guión de Lady Halcón, a modo de ejemplo. Tras leerlo, Shuler opinó que era, "la idea más interesante y original que jamás me había encontrado." Por esa razón Shuler decidió convertirse en la productora de la película, la cual se convirtió en un proyecto soñado para ella.
Lady Halcón (Ladyhawke, 1985) llamó la atención de los estudios, y primero acabó en la Warner, donde trabajaba Shuler, pero perdieron el interés con el tiempo. La productora envió el guión a Alan Ladd, Jr., que tras su salida de la Fox, había formado su propia compañía The Ladd Company, y se hizo con una opción temporal para realizar la película. Ladd, Jr. aconsejó a Shuler que se pusiera en contacto con Richard Donner.
En 1981, Lauren Shuler le envío el guión a Donner, de hecho, le envío tres, el de Lady Halcón y dos comedias.
"No pensé que fuera un buen guión, pero era una buena idea," declaraba Donner. "Había un pasaje en él, cuando el monje explica la historia de los amantes malditos. Empecé a llorar porque era la más bella historia de amor no correspondido. Entonces me entusiasmé con Lady Halcón, y llamé a Laddy [Alan Ladd, Jr.] y el dije, 'Sí, lo haré, pero primero necesita una gran reescritura'." 
Shuler estaba de acuerdo con el director. "Sucedían demasiadas cosas al mismo tiempo," reconocía la productora. "Y el romance, lo más importante para mí, tendía a perderse. Un problema con el guión original es que no había un villano fuerte. Además del obispo, quien es el villano principal de la película, y del comandante de los guardias, había también un monstruo que vivía bajo las mazmorras. El obispo alimentaba al monstruo con gente que no le gustaba." El monstruo fue una de las primeras cosas que eliminaron. Había una historia de amor secundaria entre Gaston y una chica. "Esta segunda historia de amor socavaba la de Etienne y Isabeau," explicaba Shuler. Esto también fue eliminado del guión final.
A la hora de reescribir el guión no llamaron a Khmara, como querían llevarlo por otro camino, decidieron buscar a un guionista diferente. En 1981, Shuler contrató a David Webb Peoples (Blade Runner), pero una huelga en el Sindicato de Guionistas de Estados Unidos (la WGA), hizo que no pudiese trabajar mucho tiempo en el proyecto.
Como no querían esperar a que terminase la huelga, Shuler viajó a Inglaterra para contactar con el guionista Michael Thomas (El ansia), quien se encargaría de la siguiente reescritura. Thomas había llamado la atención de la productora gracias a un guión nunca producido titulado "Fire on the Mountain". Thomas aportó muchos cambios a la historia, como que cuando Navarre y Isabeau estuvieran en forma animal se comportaran como auténticos animales y perdieran sus rasgos de personalidad humana, al contrario de lo que sucedía en el guión de Khmara. "El guión de Michael era mucho más romántico que el de Ed," explicaba Shuler. "Se trataba más del viaje de Navarre para derrotar al obispo y de que Phillipe se convirtiera en un héroe improbable." Cuando Peoples finalmente presentó su borrador, algunas de sus ideas se fusionaron con el trabajo de Thomas.
Aún quedaba la participación de un cuarto guionista para completar el libreto, y ese fue Tom Mankiewicz (Superman), viejo conocido de Donner. "Mank le dio humor a la película," admitía Shuler. "En el guión de Michael, Phillipe ya era como Artful Dodger [de Oliver Twist], pero fue Mankiewicz quien le dio todas esas grandes frases y realmente lo trajo a la vida." Donner también estaba de acuerdo en que el trabajo de Mankiewicz era justo lo que le faltaba al guión. "Nos trajo el humor y mejoró la parte amorosa de la relación entre Navarre y Isabeau," admitía Donner. A petición del director, algunas escenas de acción fueron eliminadas.
Pero la película tuvo un traspiés inesperado. The Ladd Company, que ya había financiado gran parte de la pre-producción, atravesaba problemas económicos, que provocaron que abandonara la película, y que ésta quedase temporalmente en punto muerto.
Visto el panorama, Donner se marchó a rodar Su juguete preferido (1982), y mientras, Lady Halcón cambió de manos. Le ofrecieron el proyecto a la Fox, donde se sintieron atraídos por el proyecto. Al mismo tiempo, la Warner, que originalmente había pasado de la película, recuperó en el interés por ella. La Fox sugirió que lo mejor sería que ambos estudios co-produjeran la película, y de esa forma llegaron a un acuerdo. Para evitar problemas de interferencias, se decidió que la Warner sería el estudio que supervisaría la producción.
Cuando Donner terminó la película de Richard Pryor, regresó a Lady Halcón. Mankiewicz volvió a trabajar en el guión hasta darle el toque final. El estreno estaba previsto para comienzos de 1984, pero se terminaría retrasando un año.

REPARTO
Para los papeles de Navarre y Gaston, en los inicios del proyecto, los actores previstos fueron Sean Connery y Dustin Hoffman (antes de incluso de la entrada de Donner), pero quedaron descartados. Dado el bajo presupuesto de la película, dificultaba la contratación de dos estrellas como ellos. El primero que quedó fuera del proyecto fue Connery, que se decantó por rodar Nunca digas nunca jamás (1983), película que curiosamente Donner rechazó dirigir. Hoffman estuvo más tiempo ligado al proyecto. "Estuvimos en contacto directo con él, hablando día y noche durante semanas, cuando finalmente me rendí," admitía Donner (una de las ideas de Hoffman era interpretar a Gaston con acento francés). La historia tomó un rumbo hacia un reparto más joven.
Kurt Russell firmó para interpretar a Navarre, pero abandonó el barco en el último minuto. "Fui a Italia y preví lo que podría ser un largo y terrible tiempo allí," explicaba el actor. "Mucho mayor de lo que había planeado por causa del equipo italiano, y posibles huelgas y cosas por el estilo. Después de estar allí una semana revisando el vestuario y el maquillaje, sentí que la película iba a ser mucho más de estilo medieval de lo que me habían hecho creer. Me di cuenta que no me sentía cómodo interpretando un personaje de tipo medieval. Estaba esperando algo que fuera un poco diferente. Richard Donner y yo habíamos hablado del guión como de algo intemporal." No sintiéndose confiado para dar vida a Navarre, Russell abandonó la película. De pronto, la producción se quedó sin su protagonista a pocos días de comenzar el rodaje, y parar la producción podría significar el final de la misma, así que urgía encontrar un reemplazo lo más rápido posible.
La primera opción de Donner para sustituir a Russell fue Mel Gibson, y voló a Londres para reunirse con él, pero al final por causa del calendario de rodaje de la película, el actor rechazó el papel.
Donner le había ofrecido anteriormente a Rutger Hauer el papel del villano capitán de la guardia, pero el actor holandés lo rechazó, ya que quería interpretar al héroe. Donner no lo veía en el papel y no se lo ofreció. Pero cambiaron las tornas, y un año más tarde el director lo llamó para decirle que el papel era suyo, aunque necesitaba que estuviera en Italia en una semana. Hauer llegó en 4 días conduciendo nada menos que la casa rodante en la que vivía, viaje que hizo desde Holanda. Pudo haber llegado antes, si no fuera porque el actor decidió atravesar Suiza por ser la ruta más corta, pero por aquel entonces en ese país no se permitía la circulación de casas rodantes, por lo que tuvo que bordear todo el país.
Cuando el actor llegó a Roma, tuvo un recibimiento de lo más especial. Se fue a almorzar con Donner, Shuler y Mankiewicz a un restaurante cerca de Cinecittà, y el director le dio a Hauer la pieza de cuero que su personaje usaría en la película para llevar al halcón, y le pidió que se la pusiera y que levantase la mano, en ese momento el entrenador de los halcones soltó uno desde el otro extremo de la calle, y el animal se fue a posar justo en el brazo del actor. "Fue una presentación maravillosa," recordaba Mankiewicz.
Y como admitiría posteriormente Russell, "Lady Halcón fue mejor con Hauer de lo que hubiera sido conmigo."
Michelle Pfeiffer fue la escogida para interpretar a Isabeau, aunque la actriz inicialmente no se interesó en el proyecto, porque estaba inmersa en El precio del poder (1983). Buscaron a otra actriz, pero la deseada era Pfeiffer. Cuando terminó el rodaje de la película de De Palma, le volvieron a ofrecer el papel, y esta vez sí lo aceptó.
Pfeiffer no pudo reunirse con Donner para hacer una prueba, ya que el director tenía que poner rumbo a Roma, de modo que los productores sugirieron que la actriz hiciese la prueba y la grabasen en vídeo. La actriz decidió poner toda la carne en el asador. "Fui a una tienda de animales la mañana de la prueba, y deambulé durante media hora antes de tener el valor de seguir adelante con mi plan," recordaba Pfeiffer. "Compré un periquito y me lo lleve a la entrevista. Hice la escena que se suponía que debía hacer y entonces les hice fundir a negro. Cuando reapareció la imagen, el periquito estaba sentando en la silla. Supuestamente, me había convertido en este pájaro. Hizo el resto de la escena." 
"Nos divertimos tanto y, al mismo tiempo, nos pareció tan admirable que se hubiese atrevido a hacer algo completamente creativo y por su cuenta," admitía Donner. "Que decidimos arriesgarnos con ella y la contratamos."
Rick Moranis y Curtis Armstrong leyeron para el el papel de Gaston. Una opción de Donner para el papel fue Sean Penn, pero se encontraba en aquel momento rodando Adiós a la inocencia (1984), y como estaba metido en su papel, no podían contactar con él, ya que el personaje que interpretaba no tenía teléfono, así que su agente sólo hablaba con él vía telefónica los viernes por la noche. Viendo que no iba a funcionar, decidieron buscar a otro actor.
Al final el papel terminó recayendo en Matthew Broderick. El protagonista de Juegos de guerra fue contratado en último momento para dar vida a Gaston, y aunque siempre estuvo en el puno de mira de Shuler, no fue hasta el final que Donner dio su aprobación. "Fue mi hermana quien me habló de él por primera vez," recordaba el director. "A ella la parecía maravilloso, pero demasiado joven para el papel de Philippe. Entonces fui a verle actuar en la obra Brighton Beach Memoirs y me dejó estupefacto. Salí del teatro diciéndome que, con él, el argumento de la película cambiaría por completo, pero que con ello el film ganaría en riqueza." A Broderick le gustó el guión, y le llamó la atención que su personaje era un, "héroe que realmente no era un héroe, es un delincuente que nunca tuvo la intención de hacer nada bueno." El actor se embolsó un cheque de 750.000 dólares por su participación en la película.
Se tanteó a Mick Jagger para el papel del insidioso obispo, pero el papel terminó recayendo en John Wood.
Alfred Molina fue escogido para dar vida al cazador Cezar. El británico recuerda con agrado el rodaje. "Fue una gran experiencia," admitía el actor, quien se pasó nueve semanas en Roma.
Leo McKern, que ya había trabajado con Donner en La profecía (1976), se hizo con el papel de Imperius.
El resto del reparto fue compuesto por Ken Hutchison (Marquet), Giancarlo Prete (Fornac) y Loris Loddi (Jehan).

RODAJE
El rodaje comenzó en Italia el 2 de agosto de 1983, y se extendió hasta diciembre del mismo año. Estaba previsto un tiempo de rodaje de cuatro meses, pero se terminó prolongando a cinco. En 1981, habían decidido que el rodaje tuviera lugar en la antigua Checoslovaquia, pero cuando se reanudó la producción, se encuadró en Italia.
En los estudios Cinecittà Studios de Roma se construyeron los interiores, siendo el mayor set de todos, el de la catedral donde tiene lugar el clímax de la historia. Cuando construyeron el decorado cometieron un error, la escenas de exteriores se tomaron en una plaza de la ciudad de Castell'Arquato, y las puertas del decorado se abrían al contrario que en la localización, algo que tuvieron que corregir sobre la marcha.
Se utilizaron otras localizaciones de Italia como el Canale Monterano, la fortaleza de Rocca di Calascio, la pradera alpina de Campo Imperatore, el Castillo de Torrechiara, Soncino o las catacumbas de Roma.
Rodaron en auténticas alcantarillas medievales, lo que dio un gran realismo a las escenas, pero tuvo su lado negativo. "Fue horrible estar allí," recordaba Shuler. "Había un hedor terrible. Sólo queríamos que terminara la filmación."
Aprovechando el rodaje en tierras italianas, el director de fotografía escogido fue el gran Vittorio Storaro (Apocalypse Now), un iluminador lento, según Shuler, quien además de ganar un sueldo de entre 10.000 y 12.000 dólares a la semana, recibió un 2,5% de los beneficios de la película. Storaro contrató personalmente a todo su equipo, que era italiano y el cual dependía directamente de él, lo que provocó una pequeña lucha de poder durante el rodaje, además de problemas de comunicación. Y aunque su equipo llegaba a las 7:30 de la mañana al set, el camarógrafo no lo hacía hasta las 9:00 porque tenía que llevar a sus hijos al colegio, pero no estaban autorizados a colocar la cámara hasta que Storaro llegase. En el momento de rodar la escena con Broderick y Pfeiffer, en la que ella tiene una flecha clavada, Storaro le dio indicaciones al actor de como hacer la escena, y antes de comenzar a rodarla, Donner le dijo al director de fotografía medio en broma medio en serio, que no hiciera eso, para de esa forma dejar claro quien mandaba en el rodaje.
Tan importantes son en la película los animales, como los actores. Se utilizaron cuatro lobos siberianos, que fueron enviados a Italia desde California, los cuales no siempre hacían lo que se suponía debían hacer. La escena más difícil de rodar con ellos, fue aquella en la que Gaston trata de rescatar a Navarre en su forma de lobo, de ahogarse en el agua helada. Rodaron la escena en un estudio de sonido, e utilizaron varias cámaras para tener el mayor número de planos posibles. Además usaron agua tibia, y aún así el lobo se negaba a meterse en ella. Hicieron que se acostumbrara a ella todo lo posible y en intervalos cortos. Para ciertos planos con Broderick utilizaron a un perro pintado de negro.
Los halcones fueron por su parte, menos problemáticos que los lobos. Se utilizaron cuatro animales y para la escena en la que el halcón recibe el impacto de una flecha, se construyó uno mecánico. "Algunas veces se cargaban una toma al abrir un ala en la cara de Rutger o volaban en la dirección incorrecta," explicaba Shuler. "En una ocasión se suponía que un halcón aterrizaría en el brazo de Rutger, pero en lugar de eso, lo hizo en un micrófono." El mayor percance se produjo, cuando rodando cerca de los Alpes, uno de los halcones se fue volando para no volver nunca.
Y el caballo de Navarre (cuyo auténtico nombre era Othello), le hizo pasar un mal rato a Broderick. Cuando rodaron la escena en la que el halcón es herido por una flecha, y Navarre le pide a Gaston que lo lleve a Imperius, el protagonista de Juegos de guerra montó en el caballo y Hauer le dio tal manotazo al animal en el trasero, que salió disparado con Broderick montado en él, sin que éste pudiera pararlo. Tuvieron que enviar un jeep detrás del actor, y lo encontraron cerca de un kilómetro de distancia.
No fue un rodaje fácil para Broderick, el actor se pasó la mayoría del rodaje empapado, y realizó personalmente, y sin la ayuda de dobles, algunas tomas bajo el agua en las escenas en la que el ladrón entra y sale del castillo por las mazmorras.
La lucha final a espadas en la iglesia entre Navarre y Marquet ser rodó al comienzo del rodaje. Entre el calor producido por las ropas que llevaba y lo física que era la escena, Hauer perdió cerca de 10 kilos rodándola. El actor se jugó el tipo, tanto que se torció un tobillo rodando la pelea, por lo que tuvo que pasarse 10 días con el pie enyesado, hasta poder regresar para terminar de rodarla. Pero para regocijo del actor, se sintió muy orgulloso cuando consiguió realizar con acierto, el momento en que Navarre voltea una daga en el aire sin mirarla, para abatir a uno de los guardias.
El final de la película siempre estuvo en el aire. "Pasamos por millones de finales," admitía Shuler. "Bueno, al menos 5 ó 10." En uno de ellos Imperius convertía a Bishop en una rata y a él mismo en un búho. En otra versión, Bishop explotaba por causa de su anillo. Y en otro más convencional, Navarre e Isabeau salían de la catedral siendo vitoreados por todos, y después cabalgaban juntos hacia la puesta de sol. En ese mismo final Imperius se convertía en obispo. De forma orgánica llegaron al final visto en la película.
Al igual de lo que sucede con Isabeau, todos estaban enamorados de Michelle Pfeiffer y todos la rondaban durante el rodaje. El matrimonio de la actriz con Peter Horton hacia aguas por aquel entonces, y según contaba Mankiewicz, Michelle tuvo un breve romance con un técnico de sonido italiano.
No fue el único romance que surgió a raíz del rodaje, Donner y Shuler iniciaron una relación que dura hasta el día de hoy. La productora inició los trámites de divorcio de su marido, el productor Mark Rosenberg, durante el rodaje, y cuando saltó la chispa entre ellos, el director terminó su relación con una condesa italiana con la que estaba saliendo.
Donner hizo una curiosa elección para componer la banda sonora, y es que Andrew Powell del grupo The Alan Parsons Project no parecía la mejor opción para componer la música de una película medieval. Donner lo escogió porque durante toda la producción, escuchó mucho los álbumes del grupo y en su cabeza su música se asoció a la película. El compositor contó con miembros de The Alan Parsons Project para interpretar la música, así como con una orquesta filarmónica. Fue una composición rápida e in extremis. "Hubo problemas de tiempo, tuve cerca de 6 semanas para escribir y orquestar aproximadamente 75 minutos de música," declaraba Powell. Sobre las críticas a su anacrónica banda sonora, que incluye rock mezclado con coros y una partitura orquestal clásica, Powell se defendía diciendo que, "creo que menos del 15% de la partitura usa al grupo de rock." Aún así, a nadie le convencía la banda sonora, ni a Shuler, ni Mankiewicz, ni al montador Stuart Baird, ni tampoco al público que fue a ver la película en los pases de prueba, sólo Donner estaba seguro de ella. Al final prevaleció su opinión, y el resto es historia.
Warner tuvo problemas para vender la película, eso explica el porqué del retraso en su estreno (más de un año después del final del rodaje). No supieron como enfocar la publicidad. "Creo que tenían miedo de decir que era una fantasía, o una historia de amor," declaraba Donner. "Trataron de convertirla en una película de acción más de lo que realmente era. En lugar de decir que era una bella historia de amor no correspondido."
Inicialmente Donner propuso centrar la campaña de marketing diciendo que la historia se basaba en un antiguo mito, idea que posteriormente descartaría, pero la Warner llegó a lanzar algún material promocional bajo esa premisa. Esto no gustó nada a Khmara, autor del guión original. "Yo escribí la historia," explicaba el guionista. "No hay mito alguno. El departamento legal de la WGA se enfureció porque el estudio no tiene derecho a atribuir la historia a nadie más que al escritor."
Finalmente Lady Halcón llegó a las salas de cine el 12 de abril de 1985 en Estados Unidos, aunque ya había sido estrenada en territorio europeo un par de semanas antes. La película resultó ser un fracaso de taquilla, recaudando en Estados Unidos unos insuficientes 18.432.000 de dólares, ya que la película terminó costando aproximadamente 20 millones de dólares. El film soñado de Donner y Shuler no logró volar tan alto como ellos esperaban.
Aún así, la película obtuvo cierto reconocimiento en los Oscars, con dos nominaciones en las categorías de mejor sonido (Les Fresholtz, Rick Alexander, Vern Poore y Bud Alper) y mejor edición de efectos de sonido (Robert G. Henderson y Alan Robert Murray).
Por su parte, Khmara no quedó contento con el resultado final de la película. "Lady Halcón fue una decepción para mí porque no era la película con la que soñé, que amé e imaginé," declaraba el guionista.

VALORACIÓN
Lady Halcón tiene algo especial, parte de un planteamiento magnífico, sobre el que se construye una película que aúna aventura, comedia, fantasía y romance de una forma perfecta.
La imposible historia de amor entre Navarre y Isabeau es de la más originales que haya dado el cine. Dos amantes siempre juntos, pero condenados a no verse nunca. Lo bueno de ella, es que esa idea va más allá de lo escrito en el guión, como que el animal, pese a carecer de rasgos humanos, nunca se separe de su pareja y siempre la proteja, como si supiera de forma inconsciente, que algo les une. Hay otros detalles que me gustan, como que cuando el halcón es alcanzado por una flecha, a Navarre le sucede lo mismo, como si el destino de ambos siempre estuviera ligado.
La escena que mejor describe su relación, y que de paso es la mejor de la película, es aquella en la que Philippe e Imperius cavan un foso para comprobar si los amantes pueden verse al amanecer, mientras los rayos del sol no caen sobre ellos. Ese breve instante, en que por un segundo pueden casi tocarse, encierra todo el drama y fatalismo que arrastra su historia de amor.
Dios se convierte en un personaje más de la película, todos hablan con él, pero es irónico que el ser que debería estar más cerca suya, el obispo, sea el villano de la historia, al caer en el lado oscuro. De esa forma, la película habla del peligro del poder de la iglesia. El obispo funciona bien como villano, entendemos porque perdió la cabeza por Isabeau, y lo horrible de sus actos, pero el personaje hubiera requerido de un poco más de desarrollo.
Hauer demuestra ser un gran héroe de acción y cuesta imaginarse a otro en el papel de Navarre, algo encomiable teniendo en cuenta el poco tiempo que tuvo para preparar el papel. Y Michelle Pfeiffer, quien pocas veces ha aparecido más guapa en pantalla, es la encarnación perfecta de Isabeau, una mujer por la que alguien podría matar o morir. Por su parte, Broderick en su mejor momento, se dedica a robar escenas.
Storaro dota a la película de una gran belleza, con un gran uso de los colores (ver cualquiera de las escenas nocturnas). Lady Halcón no sería la misma sin el trabajo del italiano.
Donner demuestra su buen hacer de siempre, rodando una historia de fantasía tan bien como cualquier otro género, ya que parece que no hay ninguno que se le resista. El tono fantástico no vas más allá de su planteamiento inicial, ya que la película no cae en recrear universos mágicos o de llenar el relato de criaturas imaginarias, como si el director quisiera mantener en todo momento los pies bien anclados en la realidad. Donner se apoya en elementos narrativos y visuales clásicos para plasmar esa fantasía en pantalla, incluso reduce los efectos especiales al mínimo. El director de Los Goonies se encuentra muy cómodo con la historia y se nota que la narra con mucho mimo.
Por eso tal vez choca más si cabe la elección de la banda sonora de tono pop/rock de Andrew Powell, la cual se siente fuera de lugar, si bien cuando ésta adopta un estilo más clásico (el cual la película pide a gritos) sí funciona, pero el resto del tiempo descoloca al espectador. Es un toque moderno que no encaja con el resto de la película.
Lo que sí funciona de maravilla es el final de la película, el cual está dotado de una gran tensión, por una parte tenemos a Navarre tratando de matar al obispo para obtener su venganza, y por otra, sabemos que si su misión falla, Imperius matará a Isabeau (cuando suenan las campanas nos tenemos lo peor). Y la aparición del eclipse es la guinda del pastel para un gran clímax.
Tal vez la historia pide que pongamos un poco de nuestra parte, ya que el devenir de la misma depende de la visión que supuestamente Dios le ha hecho ver a Imperius, y debemos creérnoslo, pero si se entra en el juego de la película, ésta te atrapa totalmente.
Lady Halcón es una de las mejores películas de fantasía de los 80, y también una de las más infravaloradas. Es una gran historia de amor, un romance que vence a todo lo que se interpone en su camino. Tan hábil como un lobo y tan bella como un halcón, la película se ha convertido en un pequeño clásico del cine de los 80. Es de esas películas que te dejan con una sonrisa. Si no la conocéis, hacedme caso, dejaros atrapar por Lady Halcón y dejar volar vuestra imaginación.

CURIOSIDADES
El nombre de Aquila, ciudad donde tiene lugar parte de la historia, significa águila en latín.
En un momento de la película Conspiración (1997) de Richard Donner, Mel Gibson entra en un cine donde se proyecta Lady Halcón.
Ganó los Premios Saturn a la mejor película de fantasía y mejor vestuario (Nanà Cecchi). Siendo además nominada en las categorías de mejor actriz (Michelle Pfeiffer) y mejor música (Andrew Powell).
Y fue nominada a los Premios Hugo en la categoría de mejor presentación dramática (Richard Donner, Edward Khmara, Michael Thomas, Tom Mankiewicz y David Webb Peoples).
La canción que Isabeau y Phillipe bailan en el establo, es una auténtica pieza italiana compuesta por un autor anónimo en el siglo XIV llamada "Trotto".
La cantante Phillipa Margaret Brown (Ladyhawke) tomó su nombre artístico de esta película.
En una escena de la película, se puede ver en el jardín del obispo a una mujer bailando, a la que el villano da de comer y cuyo vestido tiene cosidas plumas, como si se tratase de un halcón. La mujer está interpretada por la diseñadora de vestuario de la película Nanà Cecchi.
De los 52 temas compuestos originalmente por Powell para la película, Donner sólo descartó uno, porque consideró que la escena funcionaba mejor sin música.

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Monday, October 12, 2020

Noche de miedo

"Bienvenidos a la noche de miedo."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un joven sospecha que su nuevo vecino es un vampiro, pero como nadie le cree, recurre a un actor, famoso por dar vida un cazavampiros, para enfrentarse a él.

MI VECINO ES UN VAMPIRO
Tras una exitosa carrera como guionista, Tom Holland decidió debutar como director con Noche de miedo (Fright Night, 1985), una recuperación de las películas de vampiros. "Me encantan las películas de AIP y Hammer de cuando era niño," declaraba el director. "Y quería traer eso de vuelta y nadie había podido hacerlo". Lo cierto es que la última película sobre vampiros de tono clásico había sido Drácula (1979) de John Badham.
Mientras escribía Juego secreto (1984) se le ocurrió la semilla de Noche de miedo. "¿No sería genial si un joven fan del terror se convenciera de que el nuevo vecino de al lado fuera un vampiro?," recordaba Holland. "Y, por supuesto, ¡nadie le va a creer, porque es un fan del terror!" Pero se quedó estancado y no supo como continuar la historia, hasta que un año después se dio cuenta de lo que ésta necesitaba, y era el personaje de Peter Vincent. Una vez ideó que el protagonista debía recurrir  al presentador de un programa de televisión de terror, escribió el guión en tan sólo 3 semanas.
El personaje de Amy no aparecía en la primera versión del guión, Holland lo había ideado como la historia de tres amigos, algo que cambió en la siguiente reescritura del guión. 
Una de las razones por las que Holland decidió dar el salto a la dirección, fue lo descontento que quedó con el trabajo de Michael Winner cuando filmó su guión para Grito de socorro (1984). Para Holland dirigir Noche de miedo fue pura, "defensa propia. Quería proteger el material."Como era un guionista que había escrito una sucesión de guiones de éxito como Curso del 84 (1982), Psicosis II: El regreso de Norman (1983) y Juego secreto (1984), el jefe de la Columbia Pictures, Guy Mackelway, le dio la oportunidad de dirigir su ópera prima. Así la película sería producida bajo esa major, con Herb Jaffe como productor asignado.
Aunque tras leer el guión, a Mackelway no le gustó el final original, en el que Charley y Amy veían como Peter Vincent se convertía en un vampiro en su programa de televisión. Mackelway consideraba que era un final triste y que al público no le gustaría. Holland entonces reescribió la escena tal y como se ve en el película, con Charley creyendo que ha visto en la casa de al lado a Evil Ed. Holland terminó el guión el 6 de septiembre de 1984.

REPARTO
Muchos jóvenes hicieron pruebas para el papel de Charley Brewster, entre ellos Charlie Sheen. Pero tras realizar varias audiciones, el actor escogido fue William Ragsdale. La directora de casting Jackie Burch, lo conoció en las pruebas para Máscara (1985), de la que también fue la directora de casting, y se acordó de él. Al actor le comunicaron que tenía el papel en una auténtica noche de miedo, la de Halloween de 1984. "Me gustaba Charley," declaraba Ragsdale. "Era una especie de chico que atraviesa esa fase por la que todos pasamos cuando somos adolescentes, donde parece que tus padres o los adultos simplemente no te entienden, y por eso tienes que empezar a definirte a ti mismo."
La misma noche de Halloween, también llamaron a Amanda Bearse para ofrecerle leer para el papel de Amy. Todo fue sobre ruedas y se hizo con él, pese a enfrentarse en las audiciones a actrices mucho más jóvenes y cercanas a la edad del personaje (Bearse tenía 26 años cuando rodó la película).
Le ofrecieron el papel del vampiro Jerry Dandrige a Chris Sarandon. El actor inicialmente no estaba convencido en participar en una película de terror dirigida por un director novato, pero en cuanto leyó el guión, cambió de opinión. Viajó de Nueva York a Los Angeles para reunirse con Holland y Jaffe, y en esa misma reunión aceptó el papel.
Holland quería a Vincent Price para el papel de Peter Vincent, pero el estado de salud del actor lo descartaba de participar en la película, así el papel recayó en Roddy McDowall. "Lo atractivo para mí es que Vincent es un actor terrible," declaraba McDowall. "El pobre es horrible. Es un hombre muy dulce sin talento en una situación difícil, aunque puede estar a la altura de las circunstancias, como el León Cobarde [de El mago de Oz]."
Stephen Geoffreys conoció a Jackie Burch por pura casualidad, cuando su agente le envío por error a una audición de La mujer explosiva (1985), de la que Jackie era directora de casting. Esperaban a Anthony Michael Hall y apareció Geoffreys. Pero al igual que sucedió con William Ragsdale, Burch se acordó de él y le ofreció una prueba para Noche de miedo. Ironías del destino, se produjo otro equívoco, ya que cuando le enviaron el guión, Geoffreys creyó que le ofrecían el papel de Brewster, y no el de Evil Ed, que se terminaría llevando.
Jonathan Stark fue quien interpretó a Billy Cole, mano derecha de Dandrige. Se llevó el papel porque interpretó de forma cómica, la escena en la que Charley aparece en casa de Dandrige con un policía. Pero después el actor tuvo que esperar varios meses para que le confirmaran que el papel era suyo, el cual significó su primer trabajo en el cine. Siempre ha habido dudas sobre que es en realidad Billy Cole, Holland lo tenía claro, "es un hombre mortal, está bajo el control de Jerry como su sirviente, porque Jerry le está ofreciendo la promesa de la inmortalidad, y le está alimentando con la sangre suficiente para darle una larga vida, pero no tanta como para convertirlo en un vampiro completo. Él es el personaje de Renfield actualizado."
El resto del reparto lo conformaron Dorothy Fielding (como Judy Brewster, la madre de Charley), Art Evans (en el papel del detective Lennox), Stewart Stern (dando vida a Cook) y Heidi Sorenson (que interpretó a una prostituta víctima de Dandrige).

RODAJE
Noche de miedo comenzó su rodaje el 3 de diciembre de 1984 y se prolongó hasta el 23 de febrero de 1985. La película se rodó principalmente en estudio, aunque se utilizaron diferentes localizaciones de Los Angeles para exteriores. Los decorados se construyeron en los Laird International Studios (California). En el estudio número 15, se edificó el decorado más memorable de la película, el interior de la casa de Dandrige, con su suntuosa escalera coronada por una espectacular vidriera.
Tras buscar en los alrededores de Los Angeles, una casa de tipo victoriano para Dandrige, la terminaron encontrando en los terrenos de los Disney Studios, con otra casa justo al lado que era perfecta para ser la de Charley.
Los preparativos de la película, incluyeron ensayos con los actores. Holland los reunió durante un par de semanas, para que de esa forma saliera todo perfecto una vez se iniciara el rodaje. Holland hizo que los actores escribieran las biografías de sus personajes para que profundizaran más en ellos.
Como se trataba de una película muy pequeña para la Columbia, y ese año había apostado todo a otras producciones (como Perfect de John Travolta), Holland no tuvo ninguna interferencia por parte del estudio. Fue un rodaje donde reinó el buen ambiente.
Aún así ocurrieron todo tipo de percances, algo típico en una producción de estas características. El 24 de diciembre, cuando llevaban tres semanas de rodaje, William Ragsdale se rompió un pie al rodar una escena en la que bajaba por unas escaleras. Sus escenas más físicas se movieron al final del rodaje, para darle tiempo a recuperarse.
Por razones técnicas, la habitación de Charley fue construida sobre una plataforma bastante alta, que dificultaba mucho el trabajo del equipo. Tras rodar todas las escenas durante 3 días, y cuando el decorado ya no era necesario, le gastaron una broma a John DeCuir, lo llamaron de urgencia al set contándole que tenían problemas, y cuando el diseñador llegó, se encontró que estaban cortando la plataforma con motosierras, y cuando trató de explicarles que no debían hacer eso, todos rompieron en carcajadas. Fue su pequeña venganza por ponerles en ella.
Aunque la anécdota más memorable la experimentó Jonathan Stark. Cuando terminó de rodar la muerte de Billy Cole, quedó cubierto de sangre roja y verde, por lo que quiso darse una ducha, pero en la casa de efectos le comentaron que había un problema con las cañerías del edificio, así que no le quedó más remedio que irse a su casa tal y como se encontraba en ese momento. Mientras conducía tuvo la mala suerte de necesitar parar a repostar, y cuando el dependiente de la gasolinera lo vio, se quedó con la boca abierta, y tras llenar el depósito, Stark se fue, pero vio al dependiente al teléfono, "y estoy seguro de que estaba llamando a la policía."
"Conseguí un equipo de alto presupuesto en esta pequeña película," admitía Holland. Y es que la película reunió a un gran número de talentos, que normalmente no se ven en una película de las dimensiones de Noche de miedo. Un buen ejemplo se encuentra en el diseño de producción, el gran John DeCuir (CleopatraEl tormento y el éxtasis) inicialmente iba a trabajar en la película, pero tras unas primeras conversaciones, decidió ceder el puesto a su hijo John DeCuir Jr. (Top Gun), y Holland admitía que éste había sido bien adiestrado por su padre, ya que hizo un trabajo excelente. Aunque según Richard Edlund, la participación de su padre fue de lo más activa y ayudó a diseñar los decorados sin ser acreditado.
Según Holland, de los aproximadamente 9 millones del presupuesto de la película, entre 800.000 y 900.000 dólares fueron destinados a efectos visuales. Estos recayeron en la empresa Entertainment Effects Group (EEG) liderada por Edlund, que acababa de realizar para la Columbia los efectos de Los Cazafantasmas (1984) y como los tenían bajo contrato, Holland pudo contar con ellos para su película. El equipo reunió a grandes nombres dentro del campo de los efectos como a Matthew Yuricich (responsable de los matte paintings), Michael Lantieri (supervisor de efectos especiales en el set), John Bruno (director artístico), y Randy Cook y Steve Johnson (ambos responsables de la creación de las criaturas).
Cook y Johnson se dividieron las tareas a la hora de crear las criaturas, el primero se hizo cargo de todo lo relacionado con Dandrige (incluido el vampiro) y Johnson se encargó de Evil Ed.
Los actores estuvieron que someterse a sesiones maratonianas de maquille. Convertir a Chris Sarandon en un vampiro en su proceso final de transformación, requería de 8 horas. Y eran necesarias 18 horas, para completar el maquillaje de Evil Ed en la escena en la que se convierte en un lobo. Era tanto el tiempo que Sarandon se pasaba sentado, que ayudó con el maquillaje de sus manos, dada su experiencia en el teatro.
Para que Amy se convirtiera en una voluptuosa vampira, se crearon unos pechos falsos, obra de Steve Johnson (con los cuales se quedó Bearse cuando terminó el rodaje). A Holland se le ocurrió en el último momento que Amy tuviera una enorme boca en el proceso final de su transformación en vampira. Y le pidió a Cook que creara la popular "boca tiburón" para que apareciese en cámara sólo un instante. Cook consiguió fabricarla en tan solo un día, y al final, no sólo apareció mucho más tiempo en pantalla, además se convirtió en la imagen del icónico póster de la película. Cuando rodaron la escena en que Charley la ve por primera vez, Ragsdale no sabía el aspecto que tendría Bearse, para que así su reacción al verla fuera auténtica.
Los actores tuvieron que hacer uso de lentes de contacto de plástico (de metacrilato de metilo), que eran realmente incómodas de llevar. "Realmente sólo podrías usarlas durante aproximadamente media hora antes de que comenzaran a volverte loco," admitía Sarandon. Cuando Stark rodó la escena en la que McDowall le dispara, inicialmente llevaba lentes en ambos ojos cuando subía por las escaleras, pero como no veía nada, se llegó a caer hasta en tres ocasiones, razón por la que al final decidieron ponerle sólo una lente.
Pero Stark no fue el actor que lo pasó peor. En la escena de la muerte de Evil Ed, tenían que poner babas en la boca de Geoffreys, y para eso debían utilizar un producto llamado methocel, pero por error aplicaron pegamento en la boca del actor.
No fue lo único que salió mal. Cuando rodaron la lucha entre Peter y el vampiro, y el actor se defiende introduciendo un hueso en la boca la criatura, McDowall hizo tanta fuerza que rompió la cabeza del títere.
EEG aportó todo tipo de soluciones de lo más ingeniosas. Por ejemplo, para conseguir el efecto de Dandrige arañando con sus uñas la barandilla de su casa (una idea de Sarandon), se recubrió ésta con cera, que fácilmente se arrancaba al pasar el actor sus uñas por ella.
El efecto de Dandrige levantándose de su ataúd, se consiguió rodando al actor cayendo hacia atrás en el féretro, y después invirtiendo la película.
La compañía de Edlund había creado para Los Cazafantasmas, un animatronic para el fantasma de la bibliotecaria que no fue usado, pero que reciclaron para esta película, en la escena de la muerte de Dandrige.
Y en la escena en la que Dandrige se encuentra en la habitación de la madre de Charley, y no se refleja en el espejo, el efecto se consiguió utilizando una pantalla azul, en el lugar donde estaba el espejo y así se puso borrar a Sarandon del reflejo. Aunque es un plano excelente, Holland nunca se sintió satisfecho con él. "Siempre pensé que mi error fue rodarlo en un plano general," explicaba el director. "Y debería haber comenzado con un plano general y después debería haberme acercado a Chris con el espejo detrás de él, así hubiera resaltado el hecho de que no había reflejo. Siempre sentí que mucha gente se perdía ese efecto."
Para componer la música de Noche de miedo, David Chackler, supervisor musical de la película, le recomendó a Holland que se fijase en Brad Fiedel. Tras escuchar su banda sonora para Terminator (1984), el director lo contrató. El compositor utilizó principalmente sintetizadores, pero además hizo uso de piano acústico y violín eléctrico.
A Holland no le convenció la campaña de marketing de la Columbia para Noche de miedo, que se centraba principalmente en el terror y olvidaba el humor de la película. "No estaba contento," admitía el director. "Lo que hicieron fue ir tras la audiencia hardcore. No dejaron que la gente supiera que tenía mucho humor y mucha diversión."
Aún así, cuando la película se estrenó en Estados Unidos el 2 de agosto de 1985, resultó ser uno de los sleepers del año, recaudando 24.922.237 de dólares en territorio norteamericano. Lo que la convirtió la segunda película de terror más taquillera del año, sólo superada por la muy inferior Pesadilla en Elm Street 2: La venganza de Freddy (1985).
Como sucede con toda película de éxito, pronto llegaría su secuela, y lo hizo con la simplemente correcta Noche de miedo II (1988) de Tommy Lee Wallace. Además conocería un remake, la entretenida, pero innecesaria Noche de miedo (2011) de Craig Gillespie. 
El film de Holland iría generando un culto alrededor de él, ganando más adeptos cada día. E incluso ha conseguido tener su propio documental, el interesante You're So Cool, Brewster! The Story of Fright Night (2016).

VALORACIÓN
Noche de miedo es una de las películas de terror más representativas y simpáticas de los 80. Bebe de los clásicos, pero al mismo tiempo resulta moderna. Por un lado, tenemos a un vampiro que teme a los crucifijos y al agua bendita, y hay un cazavampiros que nos recuerda a Val Hensing. Pero luego la película le da una vuelta de tuerca a esos clichés, y resulta que el vampiro es un ser que se ha adaptado a los tiempos modernos, y el cazavampiros es en realidad un actor. Además todo está adornado con grandes efectos especiales y música pop.
Uno de los grandes aciertos de la película es su sentido del humor. La historia es tan absurda que necesita de esa comicidad para funcionar, y Holland es lo suficientemente inteligente para imprimirle humor a la película, pero nunca caer en la parodia. Como bien lo refleja, esa escena en la que Charley lleva al policía a casa de Dandrige y queda en ridículo.
La película trata sobre el proceso de madurar, y lo hace a través de la sexualidad, algo ligado a la adolescencia y al mito del vampiro. Todo lo que vive Charley lo lleva al mundo adulto, el cual está lleno de sexo, dolor y confusión. Pero es Amy la primera que experimenta el despertar sexual, como es habitual en las chicas. Holland rueda la escena en la que Dandrige convierte a Amy en una vampira, como si se tratase de una escena de sexo, la sangre derramada de su cuello es un metáfora de la perdida de la virginidad de la joven.
Amy se siente atraída por el atractivo Dandrige y da de lado al joven e inexperto Charley. Un detalle interesante es que el vampiro siempre aparece comiendo una manzana, un símbolo del pecado. Resulta lógico que Amy se deje seducir por él, por una parte Charley parece más interesado en espiar a su vecino que en acostarse con ella, y Dandrige sí tiene interés por Amy, y trata de seducirla por todos los medios. Sólo cuando Charley mata al vampiro (y se convierte en un hombre), la recupera, ya que ha luchado por ella.
Hay un claro choque entre el mundo adolescente y el adulto a través del personaje de Charley, y eso se refleja en que nadie le toma en serio, todos creen a Dandrige (un adulto), antes que a él.
Dandrige es un vampiro diferente, un poco más humano que otros de sus semejantes, no mata por placer, sólo lo hace para saciar su sed (por ejemplo, descubrimos que mata a prostitutas). Percibimos que siempre se ha considerado un extraño, por eso, a su modo, trata de liberar a Evil Ed. Y sólo va a por Charley porque éste se entromete en su planes. Incluso en la escena de la habitación, le da una oportunidad a Charley de vivir, pero éste no puede hacerlo, y se enfrenta al vampiro. Es sólo alguien que trata de pasar desapercibido.
Me resulta poco creíble lo rápido que Evil Ed acepta convertirse en vampiro, al parecer sufre bullying, pero nunca nos lo han mostrado, y es algo que necesitaba de un mayor desarrollo. Además la coda final, en la que descubrimos que sigue con vida, no tiene sentido, ya que sabemos gracias a Amy, que cuando el vampiro jefe muere, los demás dejan de serlo. Simplemente es un guiño al espectador, pero no es del todo redondo.
La película nos habla también del olvido de las leyendas del cine. Peter Vincent es una antigua estrella que da imagen de ser un valiente cazavampiros, pero en realidad es un cobarde y un actor en paro, que hace años que no trabaja en el cine, y que es capaz de aceptar dinero de unos chicos. Ayudar a Charley hace que en el ocaso de su vida, represente el gran papel de su carrera, el que ha nacido para interpretar. De esa forma, ese personaje que sólo existía en la pantalla, cobra vida.
McDowall de alguna forma se interpreta así mismo, en el momento que trabajó en Noche de miedo, estaba haciendo televisión, y las películas más importantes en la que había trabajado en años anteriores fueron papeles secundarios en Muerte bajo el sol (1982) y Curso del 84 (1982). Y gracias a un fan del cine de terror como Holland, volvió por la puerta grande, para demostrar todo su potencial y de paso quedar para el recuerdo como Peter Vincent, su papel más memorable.
El resto del reparto está de lo más acertado y todos clavan sus personajes. En especial Sarandon, que se nota que se lo pasa bomba dando vida a ese seductor vampiro.
Sorprende lo cómodo que se muestra Holland detrás de las cámaras, siendo éste su debut. Como lo demuestra ese travelling con el que arranca la película, que va desde la calle a la habitación de Charley. Hace un gran uso de la música y de la cámara lenta, en la escena en la que Charley descubre que Dandrige es un vampiro, cuando le espía por la ventana (la mejor escena de la película). También resuelve de una forma genial la transformación de Dandrige en vampiro a través de su sombra, en una idea muy Spielberg.
Como también es muy Spielberg, situar la historia en un barrio residencial, como si la película nos dijera que no hay que irse muy lejos para encontrarse con los mayores horrores, estos habitan a la vuelta de la esquina, en la casa de al lado.
Y se nota también la mano de Hitchcock, no hay que olvidar que Holland escribió el guión de esa estupenda secuela que es Psicosis II: El regreso de Norman (1983). El planteamiento de la historia nos recuerda a La ventana indiscreta (1954), y utiliza una idea tan cinematográfica como la del voyeur, ya que como Charley, nosotros también lo somos, ya que vemos lo que otros hacen en una pantalla de cine, y eso beneficia a la película, porque consigue que nos pongamos en la piel de Charley más fácilmente.
Divertida y terrorífica a partes iguales, Noche de miedo devolvió a la vida a los vampiros, adelantándose a Jóvenes ocultos (1987) y Los viajeros de la noche (1987). Hecha con mucho cariño y oficio, es un entretenimiento de primera. Vecinos vampiros, estacas, sangre, cruces, lobos y actores cazavampiros, así da gusto pasar una noche de miedo.

CURIOSIDADES
El nombre de Peter Vincent es un homenaje a Peter Cushing y Vincent Price.
Fue idea de Sarandon, que Dandrige tuviera un cuadro de una mujer muy parecida a Amy. También fue idea suya que el vampiro siempre estuviera comiendo fruta.
Aunque interpreta a un adolescente, William Ragsdale cumplió 24 años durante el rodaje de la película.
En la película protagonizada por Peter Vincent, se puede ver en un momento como éste agarra una estaca al revés para matar a un vampiro.
La escena en la que Charley y Peter están en las escaleras, y Billy se les acerca por la espalda, es un homenaje de Holland a Abbott y Costello contra los fantasmas (1948).
En el programa de Peter Vincent se pueden ver las películas Las cicatrices de Drácula (1970) y Octaman (1971).
La canción que Jerry silva cuando entra en la habitación de Charley es "Strangers in the Night" de Frank Sinatra.
El body count de la película asciende a 5 muertos.
Cuando la madre de Charley invita a Dandrige a tomar algo, éste bebe un Bloody Mary.
La película ganó el premio Saturn a la mejor película de terror, mejor actor secundario (Roddy McDowall) y mejor guión (Tom Holland). Además de ser nominada en las categorías de mejor actor (Chris Sarandon), mejor director (Tom Holland) y mejores efectos especiales (Richard Edlund).
Casualidades de la vida, Jonathan Stark había trabajado en la EEG de Richard Edlund como recepcionista, mientras creaban los efectos para Los Cazafantasmas (1984), pero lo despidieron por no hacer bien su trabajo.
En 1988, la película conoció una adaptación a videojuego para ordenador Commodore Amiga.
Stephen Geoffreys terminaría trabajando como actor porno con el nombre de Sam Ritter.
Para la escena en la que Dandrige levanta a un gorila de la disco por el cuello, se consiguió colocando al actor de cuclillas sobre una caja con ruedas, y cuando Sarandon lo agarró por el cuello, el actor se fue levantando poco a poco creando la ilusión que lo levantaba en el aire.
Antes de Noche de miedo, Amanda Bearse y Stephen Geoffreys habían trabajado juntos en Vacaciones locas, locas, locas (1985). Película que también tenía música de Brad Fiedel.
Entre 1988 y 1990, Now Comics publicó una serie de cómics basados en la película.
El grupo The J. Geils Band fue el encargado de cantar el tema principal de la película titulado "Fright Night".

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Wednesday, September 16, 2020

Timecop

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Max Walker trabaja para una agencia dedicada a proteger el tiempo, evitando los cambios que puedan producirse en el pasado. Un senador de los Estados Unidos quiere viajar atrás en el tiempo para cambiar el curso de la historia, y convertirse en el presidente del país. Max hará lo posible para evitarlo, pero se encontrará con su mujer asesinada años atrás.

POLICÍA TEMPORAL
Mike Richardson y Mark Verheiden concibieron "Timecop" como un proyecto paralelo de una película y un cómic, intentando materializar ambos. Bajo el sello Dark Horse publicaron el cómic en 1992, y a la hora de escribir el guión, partieron de una historia original sin basarse en lo publicado en las viñetas. Richardson ideó la historia de un aspirante político que quiere cambiar el pasado para convertirse en el presidente y desde ahí, con Verheiden, desarrolló el resto de la historia. Así nació Timecop (Timecop, 1994).
Dark Horse Entertainment y Renaissance Pictures unieron fuerzas para sacar adelante la película. Richardson (fundador y presidente de la Dark Horse), había producido los cómics de "Army of Darkness" basándose en la película de Sam Raimi, y sería éste quien produciría Timecop, junto a Rob Tapert, ambos fundadores de Renaissance. La productora Largo Entertainment también se unió a la producción.
En 1992, le ofrecieron el proyecto a Jean-Claude Van Damme (el belga ya había protagonizado para Renaissance Blanco humano) y una vez el actor dio el visto bueno (a cambio de un cheque de 3 millones de dólares), la producción se puso en marcha. El propio actor fue quien llevó el proyecto a la Universal, sabiendo de la importancia que la película podría tener en su carrera. "Se trata de un paso importante en mi trayectoria como actor," declaraba Van Damme. "Ya que el relato es más complejo y elaborado que muchos de los films que he hecho hasta la fecha."
Para hacerse cargo del proyecto, se lo ofrecieron a Peter Hyams (Atmósfera cero), y según declaraba el director no se lo tubo que pensar mucho. "Me encantaron los auspicios. Larry Gordon se involucró en él, Moshe Diamant era un gran productor, Sam Raimi estaba implicado... Tenía una historia inteligente y pensé que era una oportunidad para hacer la mejor película de Van Damme jamás hecha."
Hyams se llevó a las mil maravillas con Van Damme, de hecho, llegarían a realizar dos películas más juntos. "Mentiría si no dijera que había cierto escepticismo," admitía el director, pero después, "encontré a este tipo tan gracioso, brillante, agudo y fundamentalmente vulnerable, conmovedor y dulce. Pensé: 'Si puedo obtener lo que hay en esta mesa en una pantalla, hay una oportunidad de hacer una película que sorprendería a la gente'."
El director colaboró con los guionistas aportando sus propias ideas al proyecto. "Esta película tiene posibilidades ilimitadas, ya que hemos podido diseñar un mundo que no tiene limitaciones," declaraba Hyams. "Ha sido un trabajo muy excitante. Los límites de la historia son los límites que podemos tener nosotros como espectadores. Además, siempre me han interesado sobremanera las películas que te transportan a lugares donde comúnmente no podemos ir."
Después de reunirse varias veces con Mia Sara, Hyams le dio el papel de Melissa, la mujer de Max. "Sabía que era una actriz estupenda, pero eso es todo lo que sabía," admitía el director. Hyams quedó encantando con su trabajo, sobre todo cuando tuvo que rodar las escenas de riesgo en el clímax de la película. "Curiosamente, es un papel difícil de interpretar," explicaba el director. "Allí estaba ella con el clima helado y con toneladas de agua que le caían encima, y se mantuvo actuando todo el tiempo. Es muy fácil sentirse cohibido y vacilar, pero ella hizo creíble el peligro, la situación en la que estaba."
El papel del villano Senador McComb recayó en Ron Silver. Gloria Reuben dio vida a Fielding, la compañera de Max. Bruce McGill interpretó a Matuzak, el jefe del protagonista. Y Scott Lawrence hizo lo propio con Spota, un hombre del gobierno.

RODAJE
Partiendo de un presupuesto de 27 millones de dólares, el rodaje transcurrió entre el 12 de septiembre de 1993 y el 13 de diciembre del mismo año. La producción tuvo lugar en Vancouver (Canadá), pese a que la acción acontece en Washington D.C. Y sólo se desplazó fuera de tierras canadienses, para rodar escenas en Santa Ana, situada en California (escena del centro comercial) y Pittsburgh.
Como en muchas de las películas de su carrera, Hyams se encargó también de las tareas de dirección de fotografía, haciendo un trabajo excelente.
Y por su parte, Van Damme hizo una de las mejores interpretaciones de su carrera, y eso se debió en parte a Hyams. "Peter me dijo: 'Deberías pasar menos tiempo entrenando en el gimnasio y más tiempo entrenando tu boca', aprendiendo inglés y estudiando actuación," declaraba el actor, y parece que le hizo caso a su director.
Timecop hace gala de unas espectaculares escenas de acción, tanto en peleas de artes marciales, como las que implican efectos visuales. "En Timecop hago todo, rompo brazos, salto, hago un split, practico karate, aikido, lucha callejera y lucha con cuchillos. Incluso peleo con herramientas," declaraba orgulloso Van Damme.
Y cuenta con algunas escenas con uso de dobles increíbles. En una de ellas, aquella en la que el ex-compañero del protagonista salta de un edificio en 1929, tuvieron que soltar a un especialista desde una altura de 30 pisos amarrado a un cable, y fue frenado a unos 200 centímetros antes de tocar el suelo.
Aunque para Mia Sara, la escena más difícil de rodar no fue de acción, si no su escena de sexo con Van Damme.  La actriz reconocía que, "estaba nerviosa. [...]. Sólo seguía diciendo, '¡Mantened la cámara en Jean-Claude, mantenedla fuera de mí, mostrad sólo mi pie! ¡Mostrad mi pie y su culo y nada más!" Para tranquilizarla, Hyams le prometió que no la filmaría desde todos los ángulos y que centraría la cámara en el actor.
Como toda película de ciencia ficción que se precie, Timecop posee unos excelentes efectos visuales. Fue Hyams quien ideó que los viajes en el tiempo se visualizaran mediante una especie de distorsiones líquidas. Las cuales se crearon mediante CGI gracias a la compañía VIFX, y bajo la supervisión de Greg McMurray, que hicieron posible viajar en el tiempo.
Con cámaras de control de movimiento lograron crear todas las escenas en las que un actor comparte escena consigo mismo.
Por su parte, John Thomas fue el coordinador de efectos especiales de la película, y completó su trabajo un mes antes de su muerte debido al cáncer.
Y el popular diseñador Syd Mead (Blade Runner, TRON, Aliens) se encargó de diseñar las armas, los coches que pueblan la película y la máquina del tiempo. "La máquina tenía que parecer muy sustancial, con un montón de tubos y cosas," declaraba el diseñador. "Se veía seria. Tenías que creer que podían morir en ella, como bichos en un parabrisas."
El escultor Roderick Thomas Quin fue el encargado de esculpir los coches diseñados por Mead. "El futurista coche policial y limusina fueron uno de los proyectos más desafiantes que haya emprendido," admitía Quin. "Requirió de mucha planificación y paciencia. Técnicas y herramientas tuvieron que ser desarrolladas para crear su apariencia mecanizada." El artista se hizo cargo del trabajo después que el primer responsable abandonara el proyecto. Para dar vida a ambos coches se utilizó un Volvo sedan, el cual se rellenó con láminas de metal para dar las dimensiones generales del diseño, y después se recubrió de espuma de poliuretano pulverizada, a la que fueron dando forma hasta esculpir los espectaculares coches que se ven en la película.
El rodaje fue de maravilla y Hyams filmó la película dentro del presupuesto asignado. Sólo quedaba estrenarla en cines, y fue cuando la Universal apareció con un tagline que entusiasmó al director, "Hace 10 años mataron a su mujer. Pero todavía está a tiempo de salvarla."
Timecop llegó a las salas de cine de Estados Unidos el 16 de septiembre de 1994 y fue todo un éxito. Recaudó en su país de origen 44.853.581 de dólares y en el mercado extranjero amasó 56.793.000 de dólares más. Con sus 101.646.581 de dólares de recaudación final se convirtió en la película más taquillera de Van Damme.
Pese al éxito de la película y de sus posibilidades de franquicia, eso nunca ocurrió porque la productora vendió los derechos para televisión. Daría pie a la serie Timecop (1997), de la que sólo se emitieron 9 episodios. Y años después llegaría la directa a vídeo Timecop: The Berlin Decision (2003), sin la participación de ninguno de los responsables de la película original.

VALORACIÓN
Timecop es seguramente la mejor película que haya protagonizado Van Damme. Tiene muchas de las claves de sus películas (spagats incluidos), pero un guión mejor definido, una mayor profundidad en los personajes (y donde Van Damme pudo actuar, tal vez, por primera vez), unas escenas de acción bien ejecutadas, y una historia más ambiciosa. Aquí el actor belga estaba jugando en las grandes ligas, si hubiera seguido la senda marcada por esta película, en lugar de hacer productos como Street Fighter (1994), seguramente habría tenido una carrera de mayor éxito.
Hyams por su parte se encuentra muy cómodo en el relato, como buen conocedor de la ciencia ficción, género en el que ha creado varias de sus mejoras obras. Y cuando llega el momento de la acción, la rueda con una claridad de exposición ejemplar (la escena en 1929, la pelea en el piso de Walker, o el clímax final en la casa, son buenos ejemplos de ello).
Se nota una mayor preocupación en los detalles que en otras películas de Van Damme, como demuestra la escena en la que Max ve un vídeo de su mujer y recita sus frases antes de tiempo, haciéndonos ver que lo ha visto cientos de veces, y lo mucho que la echa de menos. Y al mismo tiempo la película abraza el pulp más desvergonzado, como esa escena de 1863 con uzis, lo que es parte de su encanto.
Otros aciertos de la película son, la recuperación de una olvidada Mia Sara (Todo en un díaLegend), y darle el papel de villano al siempre excelente Ron Silver. Y Van Damme está más entregado que nunca a la causa, y sorprende para bien en los momentos dramáticos.
No son los únicos puntos a favor. No hay que olvidar la lucha en paralelo de los dos Max en el clímax de la película (y la tensión extra producida de que si muere el Max joven, también lo hará el del futuro). El cambio de bando de Fielding. O que McComb sea un cobarde en 1994, mientras que en 2004 es un villano seguro de si mismo, y que tras interactuar consigo mismo, el joven senador se vuelve más taimado, como si su yo del futuro fuera una mala influencia para si mismo.
Aunque hay que reconocer que Timecop tiene algunas incongruencias. Como que la mujer de Max no le reconozca cuando éste sólo tiene 10 años más encima, y se ve claramente que son iguales. O que cuando Max salva a su mujer al final de la película, no queda claro si ella continua con vida, hay una elipsis que nos conduce directamente al 2004, con el protagonista descubriendo los cambios producidos por sus actos, y no es hasta que llega a su casa que descubre que su mujer está viva y que tiene un hijo. Esto nos hace pensar que después de la explosión de la casa, Max no se cercioró que su mujer estaba a salvo, y se marchó al futuro, algo muy difícil de creer. Simplemente está así construido para darle un cierre más potente y dramático a la película, aunque no tenga mucho sentido.
Y hay cosas que sobran, como la escena de sexo entre Max y su mujer que no aporta nada a la historia. O casualidades increíbles difíciles de explicar, como que Max encuentre la prueba de embarazo de su mujer en el hospital, una mera excusa de hacer avanzar la historia.
Pero no le busquemos tres pies al gato. Lo que importa es que Timecop da lo que promete, ser un eficaz y entretenido espectáculo de acción, que se lo hará pasar en grande a todo fan del cine de acción de los 80 y 90. Y es que Timecop es la película más redonda de Van Damme, y una de las más entretenidas. Fue la entrada del belga en la serie A, a los grandes presupuestos, fue el punto álgido de su carrera. Hyams se propuso realizar la mejor película de Van Damme, y lo consiguió.

CURIOSIDADES
Ganó el premio Saturn a la mejor actriz secundaria (Mia Sara). Y fue nominada en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor guión (Mark Verheiden) y mejores efectos especiales (Greg McMurray).
Como en la mayoría de películas de Peter Hyams, hay un personaje llamado Spota.
La versión widescreen del DVD de la película tiene el logo de "Timecop" con letras verdes, y la versión fullscreen tiene las letras en color rojo y blanco.
Max Walker masca chicle Black Black cuando viaja al pasado. Es una marca japonesa, de la cual Jean-Claude Van Damme hizo una serie de anuncios en 1994 para Japón.
En 1995, se publicó un videojuego de la película para Super Nintendo, desarrollado por Cryo Interactive Entertainment.
Al principio de la película, Melissa oye la canción "Does Anybody Know What Time it Is?" de Chicago en el centro comercial, una canción sobre el paso del tiempo.
En la serie Jean-Claude Van Johnson (2016-17), se hacen menciones a la película. En el primer capítulo, Van Damme dice sobre ella, "Tal vez hayas visto Timecop, es del estilo de Looper con Bruce Willis, pero mil veces mejor."

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Wednesday, August 19, 2020

Destino final

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un avión de viaje a París explota nada más despegar, aunque unos pocos pasajeros lograron salir del avión antes del despegue. Sin saberlo cambiaron el plan de la muerte, la cual irá a por ellos.

VUELO 180
El origen de Destino final (Final Destination, 2000) surgió, como no podía ser de otra forma, a bordo de un avión, uno en el que viajaba el guionista Jeffrey Reddick, y en el cual leyó un artículo de la revista People que llamó su interés. "Una mujer estaba de vacaciones y su madre la llamó para decirle que no tomara el vuelo que tenía previsto al día siguiente," explicaba Reddick. "Tenía un mal presentimiento al respecto. La mujer cambió su vuelo para hacer que su madre se sintiera mejor y después descubrió que el vuelo en el que se suponía debía estar, se había estrellado. Y allí estaba, la pequeña semilla de una idea."
Reddick por aquel entonces trabajaba en New Line Cinema y estaba tratando de conseguir un agente. Le aconsejaron que escribiera un guión para televisión para conseguir uno, y así decidió elaborar un guión basándose en su idea para un capítulo de Expediente X, serie de la que era fan. En su historia, el hermano de Dana Scully tenía una premonición y se bajaba de un avión, el cual terminaba estrellándose y todas las personas que se bajaron con él comenzaban a morir. Este guión data de 1994. A Mark Kaufman de New Line y amigo de Reddick, le gustó tanto, que le recomendó que lo convirtiera en una película y no en un capítulo de una serie de televisión.
Reddick le hizo caso a su amigo, y nunca llegó a enviar el guión a Expediente X, y en su lugar escribió un tratamiento de tres páginas titulado "Flight 180", el cual llegó a manos de los productores Craig Perry y Warren Zide. Éste rápidamente llamó su atención. "A pesar de que Destino final llegó a nosotros como un tratamiento, destacó," declaraba Perry. "De entrada reaccioné a como son de universales estos temas, la sensación de colocar tu vida en las manos de otra persona cuando coges un avión, entonces tomas esa idea para preguntar como el destino interactúa con nuestras vidas en cada semáforo, en cada esquina."
En 1997, New Line compró el tratamiento, y Reddick se encargó de escribir el primer borrador. El guionista fue creando con Perry y Zide diferentes versiones de la historia. Inicialmente los supervivientes del accidente aéreo no se conocían y no era hasta después de la catástrofe que se buscaban. Además originalmente eran adultos, pero New Line quiso que los protagonistas fueran adolescentes por el auge del slasher en los 90, de esa forma se convirtieron en alumnos de una clase en viaje de vacaciones. Y fue durante ese proceso de reescritura cuando se añadió el concepto de que los personajes morirían en un orden determinado. El mayor problema con el que se encontró Reddick, fue que el estudio no creía que funcionase tener a la muerte como una asesina invisible, algo crucial en la trama. Como no se daban decidido, Perry amenazó con llevarse el proyecto a Miramax, algo que surgió el efecto deseado, porque compraron el borrador de inmediato. De todas formas, para el enfrentamiento final, New Line le hizo a Reddick personificar a la muerte como el "Ángel de la muerte".
Ese borrador era de un tono bastante más oscuro que la película final. Los personajes eran atormentados por la muerte explotando sus mayores miedos hasta conseguir que se suicidaran uno tras otro. Por ejemplo, originalmente había en la historia los personajes de dos hermanas, una sobrevivía y la otra moría en el accidente (que fueron cambiadas por los hermanos Tod y George en el guión final), la primera comenzaba a obsesionarse con su hermana muerta y a comportarse como ella, y terminaba prendiéndose fuego. El fantasma de Terri perseguía a Carter en una estación de metro, y éste sintiéndose culpable por su muerte, se tiraba delante de un metro. Por su parte, Clear regresaba al final al lugar del accidente y lo revivía, aparecían sus amigos muertos que la rodeaban, todo como parte de la estratagema de la muerte de conseguir que se suicide con una pistola que porta, pero al estar embarazada, la nueva vida que lleva en su interior la protege de la muerte. Pero cuando en la última escena daba a luz, la muerte iba a por ella. Sólo Alex quedaba con vida.
Tocaba buscar director, y primero trataron de fichar a Clive Barker (Hellraiser), pero rechazó la oferta. Los siguientes de la lista fueron Glen Morgan y James Wong, a quienes entusiasmó la premisa (y en una ironía del destino, ambos habían sido guionistas y productores de Expendiente X). Ambos tardaron cerca de un año en sumarse al proyecto, ya que estaban ocupados con otros compromisos. Juntos se encargaron de escribir el guión y Wong sería quien terminaría sentándose detrás de las cámaras, siendo éste su debut como director de cine.
"Realmente me gustó la idea de lidiar con la muerte." admitía Wong. "Además, ésta es una película que siento que puedo hacer bien, algo que es emocionante y nuevo, al menos en este género. La películas de terror adolescentes han ido hacia el slasher y ésta no es así. Es más de un suspense espeluznante, algo como El exorcista o La profecía, algo que tiene un poco más de clase, pero con una sensibilidad juvenil."
Wong y Morgan reescribieron el guión manteniendo la misma premisa de Reddick. "Su tratamiento tenía el núcleo central de la historiaexplicaba Wong. "Un grupo de chicos de secundaria va de excursión en un avión, se bajan, y la muerte va a por ellos. Pero cómo sucede todo es diferente del tratamiento. Eso y los personajes es lo que aportamos." Wong y Morgan decidieron no mostrar a la muerte como una parca, retomando la idea original de Reddick, y así se convirtió en un ser invisible representado por detalles sencillos y mundanos. Además también fue idea suya lo más memorable de la película, las intrincadas muertes orquestadas por la parca.
"Una vez tuvimos una historia básica, empecé a catalogar las extrañas coincidencias de mi propia vida," explicaba Morgan. "Por ejemplo, estaba en el aeropuerto de Vancouver esperando por un vuelo, cuando John Denver sonó por el altavoz. Recuerdo que pensé, 'Ey, él murió en un accidente aéreo, eso es un poco raro'. Escribimos una versión de esta experiencia en el guión."
Por su parte, Reddick se dedicó a realizar anotaciones de guión extraoficialmente como parte del equipo de New Line, ya que Bob Shaye, fundador del estudio, le pasaba los sucesivos borradores de Wong y Morgan, algo de lo estos no tenían conocimiento, y cuando lo descubrieron, nos le hizo mucha gracia.
El segundo borrador de guión de Morgan y Wong obtuvo luz verde por parte de New Line. Destino final despegaba.

REPARTO
Era hora de reunir a los pasajeros del vuelo 180. Dewon Sawa se hizo con el papel de Alex Browning, protagonista de la historia. El actor, quien leyó el guión mientras se encontraba en un avión, reconocía que, "me hizo pensar en la muerte... y en la vida. Pensé que sería un reto como actor pasar por todo el arco de desarrollo que Alex experimenta."
Ali Larter se llevó el papel de Clear Rivers, la única que cree al personaje de Alex en sus premoniciones. La actriz estaba encantada con su papel, ya que Clear, "ha tenido muchas pérdidas en su vida y se ha cerrado al mundo. Me emocionó interpretar a un personaje que va de ese lugar cerrado a una creciente confianza en otras personas y en la vida misma."
Kerr Smith se hizo con el papel de Carter Horton, un personaje, "que siente que no tiene control sobre su vida en esta película," explicaba el actor. "A él eso no le gusta, y lo expresa a través de su rabia."
Kristen Cloke, mujer de Glen Morgan, interpretó a la profesora Valerie Lewton. La actriz ya había trabajado con su marido y con Wong en las series Space: Guerra estelar, Millennium y Al otro lado, además de en la película para televisión The Notorious 7 (1997). Lo interesante para Cloke del papel fue, "comprender la psicología de una persona que cambia tanto en un instante."
El productor Craig Perry quien acababa de producir American pie (1999), se trajo a Seann William Scott con quien había trabajado esa película, para interpretar a Billy Hitchcock.
Morgan y Wong habían rodado años antes un piloto con Tony Todd, y lo llamaron para dar vida a Bludworth, dueño de una morgue y que parece saberlo todo sobre la muerte.
Amanda Detmer se llevó el papel de Terry Chaney, novia de Carter. "Cuando leí el guión por primera vez," contaba la actriz. "Lo que más me llamó la atención fue que los personajes estaban bien escritos y las relaciones entre ellos eran fuertes y creíbles."
Por su parte, Daniel Roebuck consiguió el papel del agente del FBI Weine, según él por sus conocimientos del cine de terror demostrados en la audición. "Me dijeron que fui el único que se dio cuenta que muchos de los nombres de los personajes eran de iconos de terror: Lewton, Schreck, Chaney, o Browning," explicaba el actor.
El resto del reparto se completó con los nombres de Chad Donella (en el papel de Tod Waggner), Brendan Fehr (interpretando a George Waggner, el hermano de Tod), y Roger Guenveur Smith (como el agente del FBI Schreck).

RODAJE
El rodaje de la película tuvo lugar principalmente en Vancouver desde el 25 de mayo de 1999 al 13 de agosto del mismo año. Aunque se rodaron algunas escenas adicionales en Long Island, Toronto y San Francisco. El Aeropuerto Internacional de Vancouver se convirtió en el Aeropuerto Internacional John F. Kennedy de Nueva York para la película.
El diseñador de producción John Willett construyó la mayoría de los sets por duplicado, creando siempre una versión desvirtuada del decorado original. Una versión de los decorados se utilizaba para el mundo antes del accidente y otra para después del mismo. Willett realizó pequeños cambios para crear en el espectador una sensación de inquietud, "de que algo no está del todo bien." Por ejemplo, los dos sets construidos para la habitación de Alex, "tienen diferentes dimensiones, las paredes no están a 90º, y la combinación de colores no es la misma," explicaba Wong. Otro ejemplo es la cafetería del aeropuerto, "está mucho más cerca después del choque que antes," explica Willett. "No parece demasiado, pero tiene un efecto profundo y sutil en ti." 
El decorado más espectacular creado para la película fue el del 747, que fue construido sobre un mecanismo que lo hacía rotar hasta 45º y que permitía una inclinación de delante a atrás de 60º, y así simular las vibraciones a bordo cuando se produce el fatal accidente. Tardaron dos meses en construir el set, el cual pesaba cerca de veinte toneladas. Para crear el momento en que se produce un agujero en el costado del avión, se utilizó un brazo mecánico que arrancó el lateral del set y que después fue borrado digitalmente.
La película hace gala de unos espectaculares efectos visuales, obra de la empresa Pixel Magic. La mayoría de efectos son una combinación de efectos mecánicos con digitales. "Cuando el CGI trabaja en combinación con efectos mecánicos se siente de una forma más orgánica," explicaba Terry Sonderhoff, coordinador de efectos especiales mecánicos de la película. Y es que los responsables de Destino final trataron de utilizar el mínimo CGI posible (aún así la película contiene 218 planos con efectos digitales). "Hoy en día, en las películas, todos confían en el CGI porque es el nuevo juguete", afirmaba Wong. "Pero en nuestra película volvimos a los efectos físicos para hacerla distintiva, y nos hizo rodar de una forma más inteligente".
Un buen ejemplo de esa combinación, es la escena de la decapitación de Billy. El actor llevó puesta en la cabeza una bolsa de color azul, que posteriormente se borró digitalmente. También se utilizó la suma de ambos tipos de efectos en el accidente del avión usando fuego digital para completar las tomas rodadas en el set.
Y es que las originales e inesperadas muertes de la película hicieron que sus responsables tuvieran que romperse la cabeza para lograr materializarlas. Por ejemplo, en el caso de la de la Sra. Lewton, el plano del cristal que sale disparado del ordenador y se clava en su cuello, fue rodado al revés, con el cristal saliendo realmente del cuello gracias a un hilo, que fue borrado digitalmente. Y para crear el efecto posterior de la profesora Lewton siendo atravesada por los cuchillos, se colocó a la actriz debajo de un falso suelo de madera con un cuerpo de silicona encima, que fue el que resultó apuñalado. Por su parte, para crear el momento en el que Alex es quemado vivo en el accidente de avión, Sonderhoff hizo un molde de la cabeza de Sawa y construyó una replica en látex, que fue quemada por un motor a reacción, siendo el resultado espectacular.
Otro momento complicado fue rodar la escena en la que Carter detiene el coche sobre las vías y éste termina envestido por un tren. Para darle un toque más espectacular a la escena, tuvieron que vaciar el coche dejando sólo su carrocería y cortaron el vehículo por la mitad, así se simuló que el tren lo partiera en dos por el impacto.
Tuvieron problemas con el final de la película, el estudio obligó a cambiar el desenlace previsto, en el que Alex moría electrocutado al salvar a Clear, cuando ella se quedaba atrapada en el coche por el cable de alta tensión y el fuego. En una escena eliminada anterior, Alex y Clear se acostaban en la playa y ella se quedaba embarazada. Clear, Carter y el bebe lograban sobrevivir en ese final. En los pases de prueba esa conclusión no gustó y se llamó de nuevo a los actores para rodar un nuevo final, en el que Alex sí lograba sobrevivir, aunque su destino quedaba abierto.
La película se estrenó el 17 de marzo del 2000 y fue un éxito sorpresa. En los Estados Unidos recaudó 53.331.147 de dólares y la cifra final a nivel global fue de 112.880.294 de dolares. Nada mal para una producción que había costado 23 millones de dólares.

ESCENAS ELIMINADAS
En las ediciones de vídeo doméstico se incluyen escenas cortadas del montaje final, las cuales corresponden principalmente a la subtrama de la historia de amor entre Alex y Clear. Son las siguientes:
1. El encuentro entre Alex y Clear en la playa era más largo. Inicialmente estaba previsto que ambos tuvieran una historia de amor, y esta escena acababa con ellos besándose (y acostándose fuera de cámara).

2. Clear se hace una prueba de embarazo y descubre que da positiva.

3. El final alternativo en el que Alex salva a Clear, cuando está encerrada en el coche agarrando el cable de alta tensión. El protagonista termina electrocutado. Clear da a luz a un niño al que pone el nombre de Alexander. Estando en su casa, nota la presencia de Alex con ella. Clear se encuentra con Carter en el cementerio y hablan sobre aprovechar la segunda oportunidad que les ha dado la vida.

VALORACIÓN
Destino final es posiblemente la película de terror adolescente más original de la ola surgida a mediados de los 90. Aquí no tenemos un asesino que persigue a los jóvenes, es la propia muerte quien se encarga de ello.
Cada una de las muertes de los personajes no podrían ser más inesperadas y divertidas, nunca sabes por donde saldrán los responsables de la película. Y la gracia radica ya no en quien morirá si no en como, lo que es un toque diferente en este tipo de películas. Un buen ejemplo de ello, es la muerte de la profesora Lewton, conforme avanza la escena tratamos de adelantarnos a como resultará muerta, nos preguntamos si será por una explosión de gas, por lo que encontrará dentro del armario, o por el líquido que se derrama sobre el monitor. La escena funciona de maravilla y termina de una forma inesperada.
El arranque de la película es genial. Wong introduce pequeños detalles que premonizan que algo malo va a pasar con el vuelo, como la madre de Alex rompiendo la etiqueta de la maleta (lo que según él le traía buena suerte), que una canción de John Denver suene antes del despegue, el Hare Krishna que le entrega un folleto a Alex y le dice, "La muerte no es el fin", o que la hora del vuelo coincida con el cumpleaños de éste. Además la película juega inteligentemente con ese miedo irracional que tenemos a volar en un avión, y así nos atrapa desde el principio.
La película tiene buenas ideas, como indirectamente nos habla de las supersticiones y con la idea del destino, de si tomamos nuestras propias decisiones o si ya están escritas de antemano. También nos hace plantearnos como reaccionaríamos ante una situación como la que plantea la historia, sobrevivir a una tragedia por la acción de otra persona. Aquí los hay de todo tipo, unos están agradecidos, otros tienen miedo, hay quien cree haber perdido el control sobre su vida, y otros como el padre de Tod, mira con rencor a Alex porque no salvo a su otro hijo.
Es un acierto la escena de Alex encerrado en la cabaña totalmente paranoico y tratando de evitar morir, creyendo que cualquier cosa puede matarle. La película lleva hasta el límite la idea de lo que es vivir temiendo que algo malo nos suceda.
Y también me gusta que la película no tenga un verdadero final, algo lógico, ya que la muerte no se detiene nunca hasta conseguir su objetivo. De hecho, la película salió ganando con el nuevo final, el que tenían previsto era más aburrido y menos satisfactorio. El nuevo respeta mejor el espíritu de la película.
Aunque la película tiene sus pegas. Como ciertos tics del cine de terror adolescente, con esos personajes estereotipados y un tanto unidimensionales (como los de Carter y Billy). Y los presagios de Alex parecen llegarle de una forma distinta en función de los intereses de la película. Cuando tiene la visión de lo que sucederá en el avión tiene una imagen completa de lo que va a suceder, pero con la muerte de Tod la premonición es más sutil (simplemente un trozo de una hoja de una revista con el nombre "Tod" que cae sobre su pierna), y con la muerte de Terry ve momentos antes reflejado un autobús que no está allí. Aunque los responsables de la película seguramente lo hagan para que resulte fresca, hubiera resultado mejor si esos augurios fueran más homogéneos, y no tan aleatorios.
Destino final dio pie a una saga de lo más entretenida (sólo la cuarta parte resulta olvidable), siendo la mejor entrega de la misma.
Y la película se colocó fácilmente como una de las mejores películas de terror adolescente surgidas en los 90 con el éxito de Scream (1996). Es una experiencia extremadamente entretenida y tiene un planteamiento harto original. Subirse a un avión después nunca fue lo mismo, ni la muerte nunca fue más divertida y emocionante. Larga vida a Destino final.

CURIOSIDADES
La cabaña de Clear también puede verse en la película Mandíbulas (1999).
La conversación entre la profesora Lewton y el copiloto para permitir que los profesores vuelvan al avión, fue improvisada.
En la escena inicial, se suponía que Devon Sawa debía fingir estar dormido. El actor realmente sólo había dormido cuatro horas.
La escena donde Carter le da un codazo a Billy en la cara se añadió sobre la marcha, debido a que el día de rodar la escena Seann William Scott tenía una llaga en el labio, y para ocultarla se ideó ese momento, añadiendo sangre al labio del actor después que Carter le pegue.
El body count de la película, sin contar a los 287 pasajeros del vuelo 180, asciende a 5 muertos.
El exterior de la casa de la Sra. Lewton se construyó en cinco días. Al final los residentes de Vancouver no querían que la volaran por los aires porque la consideraban una casa muy bonita.
El cartel que mata a Carter al final de la película es un 180 gigante, una referencia al número de vuelo del avión.
Cuando la mujer del aeropuerto le da su billete a Alex, le dice que el avión sale a las 9:25, que coincide con su cumpleaños (el 25 de septiembre). Alex se sienta en el avión en la letra I (la novena del alfabeto) y en la fila 25.
El discurso de Tod en el funeral es una cita de Marcel Proust.
La escena del Alka-Seltzer que sigue a la de la muerte de Terry con el autobús, tuvo que ser alargada porque en los pases de prueba el público no se había recuperado del shock.
La mayoría de los nombres de los personajes de la película homenajean a personalidades del cine de terror clásico, Alex Browning (el director Tod Browning), Valerie Lewton (el productor Val Lewton), agente Schreck (el actor Max Schreck), Tod y George Waggner (el director George Waggner), Billy Hitchcock (el director Alfred Hitchcock), Terry Chaney (el actor Lon Chaney), Larry Murnau (el director F.W. Murnau), Blake Dreyer (el director Carl Theodor Dreyer) y Howard Siegel (el director Don Siegel).
Existe una correlación de números a lo largo de la película. El 747 (es el número del tipo de avión del vuelo accidentado, y también el número del tren que arroya el coche de Carter), y el 180 (es el número del fatal vuelo, aparece en el despertador de Alex, y el cartel que cae en París forma ese número).
Pese a lo que se ha declarado en varias ocasiones, la película no tomó como inspiración la tragedia del vuelo 800 de la TWA, que tuvo lugar el 17 de julio de 1996, ya que Jeffrey Reddick comenzó a escribir el guión en 1994. Pero sí existen paralelismos. Al igual que en la película, el avión que se dirigía a París, y explotó a los pocos minutos de despegar. Se llevó a cabo una investigación por parte de la NTSB (Junta Nacional de Seguridad del Transporte) y del FBI, barajándose la posibilidad de una bomba a bordo y de que hubiera sido alcanzado por un misil. Al final, y como sucede en la película, la conclusión fue que el fatal accidente se debió a una explosión en el taque de combustible central debido probablemente a un cortocircuito. Eso sí, se utilizaron en la película imágenes del accidente para escenas de informativos.
Cuando los estudiantes suben al avión, Alex mira al exterior y ve un carrito de equipaje que porta el número 666.
Ganó los premios Saturn a la mejor película de terror y mejor interpretación de un actor joven (Devon Sawa).
A lo largo de la película suena la canción de John Denver, "Rocky Mountain High", quien murió en un accidente de avión.
Tardaron 5 días en conseguir el plano en el que el reloj despertador de Alex cambia de marcar la 1:00 a 180.
Se presagian varias muertes a lo largo de película. Tod finge asfixiarse antes de que el avión despegue. Justo después de la explosión del avión, detrás de Terry hay una foto de un autobús. Y cuando Billy observa como el avión despega, se ve el reflejo de éste cruzando su cara de lado a lado.
El guionista Jeffrey Reddick rodó un cameo en la secuencia inicial de aeropuerto, pero no fue incluido en el montaje final.

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