Tuesday, November 16, 2021

Los Cazafantasmas

"¿A quién vas a llamar?"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tres investigadores paranormales deciden montar un negocio para capturar fantasmas en Nueva York. Al mismo tiempo, en la ciudad, se produce una gran aparición de espectros, que precede al fin del mundo.

CAZAFANTASMAS S.L.
En 1981, el actor Dan Aykroyd, todo un creyente de los fenómenos paranormales, leyó un artículo de física cuántica y parapsicología, que le dio la idea para una película. Acto seguido comenzó a escribir un tratamiento de guión de unas 70 u 80 páginas, que daría pie a Los Cazafantasmas (Ghost Busters, 1984), y que inicialmente se titulaba "Ghost Smashers". Otra inspiración para escribir el guión, le vino a Aykroyd de su propia familia. "Mi bisabuelo era un espiritista eduardiano, tomé mi historia familiar y la uní con las comedias de fantasmas de los 30, Abbott y Costello, Bing Crosby y Bob Hope, y los Bowery Boys," recordaba el actor. "Sólo pensé: 'Hagamos una película de comedia de fantasmas, pero basémosla en la investigación real'."
La idea de Aykroyd era protagonizar la película junto a John Belushi y Eddie Murphy, aunque la muerte del primero en marzo de 1982 podría haber echado por tierra la película, Aykroyd siguió adelante con su proyecto.
Aykroyd le mostró el guión de los tres cazafantasmas al productor Bernie Brillstein, con quien había colaborado en Granujas a todo ritmo (1980) y Mis locos vecinos (1981). A su vez, el actor y Brillstein le entregaron el guión al agente de Aykroyd (y también de Ivan Reitman, Bill Murray y Harold Ramis), Michael Ovitz, quien admitió que cuando lo leyó, "me reí tanto que me dio vergüenza."
El tratamiento le llegó al director Ivan Reitman en abril de 1983. "Se establecía en el futuro y había muchos equipos de Cazafantasmas compitiendo entre si," recordaba el director. "Había muchos viajes por el espacio y el tiempo, y monstruos. Por supuesto, habría costado cientos de millones si pudiéramos averiguar como hacerlo. Le dije: 'Creo que esto debería ser una película del inicio de un negocio. Establecida en la actualidad, un lugar que entendemos, como un laboratorio de investigación de la universidad. Haz que estas personas empiecen allí y que después den un paso de cada vez, así al final de la película, tal vez podamos tener un Hombre de Malvavisco gigante caminando por una calle importante. Pero no puedes comenzar allí o perderás a la audiencia.' Él estuvo de acuerdo con eso, gracias a Dios." 
Fue idea de Reitman que Harold Ramis se uniera al proyecto en calidad de co-guionista, además de proponerle interpretar al tercer cazafantasma.
En mayo de 1983, Ovitz organizó una reunión con Frank Price de la Columbia para cerrar un acuerdo, allí mismo se dio luz verde al proyecto, asignándole un presupuesto de 25 millones de dólares, y se marcó como fecha de estreno el 1 de junio de 1984. Un calendario de lo más apretado.
Durante un plazo de dos meses, Aykroyd, Ramis y Reitman llegaron a escribir tres borradores diferentes. El primero les llevó aproximadamente un mes, que data del 6 de junio de 1983. Después los tres viajaron hasta la casa de vacaciones de Aykroyd en Martha's Vineyard, donde durante dos semanas crearon el segundo borrador. Y el tercero y definitivo, requirió de otras tres semanas aproximadamente. Y el 7 de octubre ya estaba terminado el guión de rodaje.
Había ideas que ya estaban presentes en el tratamiento original de Aykroyd, y que se mantuvieron en el guión final, como el Hombre de Malvavisco o Moquete. Lo que sí añadió, fue la historia de amor de Venkman y una mujer.

REPARTO
Le ofrecieron el papel de Peter Venkman a Steve Guttenberg, pero lo rechazó para protagonizar Loca academia de policía (1984). Chevy Chase también lo rechazó, pero la versión del guión que leyó era más oscura que la finalmente rodada. Y Michael Keaton también fue considerado para el papel. Pero si alguien debía interpretar a Venkman, ese era Bill Murray. El actor aceptó la propuesta de su amigo Aykroyd de trabajar en Los Cazafantasmas, pero inicialmente no se involucró demasiado en el proyecto. Durante toda la pre-producción Murray estuvo en la India rodando El filo de la navaja (1984), y no intervino en la escritura del guión. Sólo unas semanas antes de empezar el rodaje viajó a Nueva York para una reunión con Reitman sobre el guión, a la cual también asistió Ramis. "Nunca le había visto tan animado," recordaba Ramis. Pero después el actor retrasó su llegada al rodaje, y el estudio comenzó a impacientarse, sobre todo por mala fama del actor de no dar indicaciones sobre cuando se presentará en el set. Y para complicar más las cosas, Murray realmente no había firmado ningún contrato, sólo había un trato, y su promesa a Aykroyd de que participaría en la película. Pero al final, y para alivio de todos, cumplió su palabra. El actor empalmó un rodaje con el otro. Y aunque debía presentarse en Nueva York el 25 de septiembre de 1983, no lo hizo hasta el primer día de rodaje, el 18 de octubre. "Todavía no sabía si realmente había leído el guión," recordaba el director. Pero el actor cumplió las expectativas de sobra.
Ramis consiguió la caracterización de Egon por casualidad. "Encontré a mi personaje en la portada de una revista de arquitectura abstracta," recordaba el actor. "Había una foto de un tipo y un artículo sobre su trabajo. No entendí una palabra, pero su look era genial. Llevaba un traje tweed retro de tres piezas, gafas de montura de alambre y con cabello rizado. Pensé: 'Este podría ser mi chico'. Tomé el nombre de Egon de un refugiado húngaro con el que fui a la escuela primaria, y Spengler era del [historiador] Oswald Spengler."
Ernie Hudson tuvo que ir a dos pruebas para conseguir el papel de Winston Zeddemore, el cuarto cazafantasma. El papel estaba entre él y Reginald VelJohnson (Jungla de cristal), y cuando Hudson fue escogido, Reitman le dio a VelJohnson un pequeño papel como guarda de la prisión como compensación. Se rumoreó que el papel de Zeddemore se escribió específicamente para Eddie Murphy, pero eso no es cierto, el protagonista de Superdetective en Hollywood sólo estaba previsto que protagonizase la primera versión del guión, pero Reitman nunca se llegó a reunir con él para la película finalmente realizada. El papel de Zeddemore cambió mucho con el paso del tiempo, y Hudson se encontró, cuando recibió un nuevo guión semanas antes de empezar a rodar, que el papel no era el mismo para el que había firmado. La aparición de su personaje ya no sería al principio de la película, ahora lo haría a mitad de metraje. Además todo el pasado del personaje desapareció en la mesa de montaje (como que era un ex-militar con habilidades especiales), y muchas de sus frases fueron a parar a otros personajes. "El tipo que era moqueado era Winston," explicaba Hudson. "El tipo que pensaba en el Hombre de Malvavisco era Winston. Entonces, pasé de todo eso a lo que terminamos [en la película]."
"Cuando contratamos a Ernie, éramos tan políticamente correctos teniendo a un hombre negro en la película que empezamos a darle todas las grandes frases," admitía Ramis. "De hecho, tenía la mayoría de las buenas frases de Billy. Ivan Reitman lo vio y dijo, '¡Espera un segundo! ¿Qué estáis haciendo aquí? ¡Bill debería estar diciendo estas cosas!'"
Para el papel de Dana Barrett, Reitman se entrevistó con muchas jóvenes actrices, entre ellas Julia Roberts. Al final le ofreció el papel a Sigourney Weaver, quien en su prueba hizo la escena de transformación en perro del terror, sin saber que en la película se utilizarían efectos especiales para dar vida al monstruo. "Salté del sofá y comencé a comerme los cojines y a convertirme en un perro," recordaba la actriz. Weaver se hizo con el papel y pudo sugerir modificaciones, como por ejemplo, cambiar el empleo de Dana, de modelo a violonchelista. Además sugirió que su personaje fuera poseído, lo que le dio a Reitman la idea de la escena del sillón con las manos saliendo de él. Cuando la actriz conoció a Murray en el exterior de la Biblioteca Pública de Nueva York, él simplemente la saludó, la agarró y la colocó sobre su hombro, y se la llevó caminando por la calle. "Me enamoré de él en ese mismo momento," reconocía Weaver.
El personaje de Louis Tully se escribió para que le diera vida John Candy, pero las ideas del actor de como interpretar al personaje (usar un fuerte acento alemán o tener rottweilers como mascotas) no gustaron a Reitman, quien en su lugar le ofreció el papel a Rick Moranis. El actor canadiense participó en el guión escribiendo con Ramis un par de escenas, además de otras que escribió él mismo. Así Moranis creó al Louis Tully de la película.
William Atherton interpretó a Walter Peck, miembro de la "Agencia de la Protección del Medio Ambiente". El actor se encontró con un problema, no podía competir en una comedia con los protagonistas de la película. "Así que Ivan y yo hablamos y dije: 'Tengo que ser un Margaret Dumont masculino'," explicaba Atherton. Es decir, interpretar a Peck de forma seria, como lo hacía Dumont en las películas de los hermanos Marx, para que sirviera como un mecanismo cómico.
Para el papel de Janine Melnitz, la secretaria de los Cazafantasmas, se consideró a Sandra Bernhard, pero el papel terminó recayendo en Annie Potts. Cuando la actriz llegó a Nueva York, se acercó al set para saludar al equipo, y Reitman quiso meterla en ese mismo momento en la escena, pero la actriz estaba con su ropa de calle, así que agarró un abrigo del guardarropa, y le cogió las gafas a la responsable de vestuario e hizo la escena. Esas gafas quedaron unidas al personaje durante el resto del rodaje, y la responsable de vestuario se las entregaba antes de cada escena.
Inicialmente Gozer iba ser interpretado por Paul Reubens, cuando estaba previsto que tomara la forma Ivo Shandor, pero el actor rechazó el papel. Posteriormente Reitman tuvo la idea de que el personaje adoptara una forma andrógina, por esa razón se consideró a Grace Jones y a Anne Carlisle, pero el papel se lo terminó llevando la modelo yugoslava Slavitza Jovan.
John Rothman fue contratado para dar vida al administrador de la biblioteca, inicialmente el actor dudó en si aceptar un papel tan pequeño, pero Sigourney Weaver, antigua compañera de clase del actor, le animó a participar en la película.
Michael Ensign, que hizo una prueba para el papel de Walter Peck, terminó interpretando al gerente del hotel Waldorf Astoria.

RODAJE
El rodaje de la película comenzó en octubre de 1983, y se extendió hasta comienzos de febrero de 1984. Tuvo lugar en las ciudades de Nueva York y Los Angeles.
De la gran manzana se utilizaron populares localizaciones como la Biblioteca Pública de New York, la Universidad de Columbia, el Lincoln Center o el restaurante Tavern on the Green (en Central Park). La Universidad de Columbia aceptó que rodasen allí, siempre y cuando no se refirieran a ella por su nombre.
Inicialmente el edificio infernal diseñado por Ivo Shandor estaba situado en Greenwich Village, pero al final se decantaron por otro en Central Park West. Como era pequeño se añadieron 8 plantas mediante matte paintings.
Cuando rodaron escenas en el exterior del edificio tuvieron que cortar el tráfico en las calles adyacentes, de hecho, la producción tuvo Central Park cerrado para ella durante una semana. Y cuando rodaron el clímax de la película, lo hicieron a las cinco de la tarde, en plena hora punta y crearon un atasco monumental en Manhattan. "Vi a un policía sacar una pistola a un taxista que no hacía caso," recordaba Gross. En esa situación Aykroyd pudo conocer a Isaac Asimov, que vivía en esa zona, y que estaba molesto por el caos ocasionado. El actor le explicó que estaban rodando una película. "Y él dijo: 'Están incomodando a este edificio, es horrible, no sé como se salieron con la suya.' Bufó, resopló y se marchó," recordaba Aykroyd.
Tuvieron problemas con el título de la película, ya que existía previamente un programa de televisión de título The Ghost Busters (1975), creado por Filmation, y no conseguían un acuerdo para usar el nombre. Probaron otros títulos, pero ninguno funcionaba, querían utilizar "Ghostbusters", pero como título alternativo tenían "Ghostbreakers", así que la película comenzó su rodaje sin tener uno definitivo, y rodaban las escenas en las que tenían que usar el nombre dos veces, una con "Ghostbusters" y otra con "Ghostbreakers". El problema se solucionó cuando Frank Price se marchó de la Columbia para ser jefe en la Universal, y casualidades de la vida, Filmation era propiedad de un estudio, que a su vez pertenecía a Universal, y Price hizo posible el acuerdo que permitió a la producción usar el título de "Ghostbusters" (Los Cazafantasmas).
"Reescribíamos cada escena la noche anterior," explicaba Weaver, "y cuando llegábamos al set, improvisábamos otra vez." Y es que la improvisación fue el leitmotiv de la película, con escenas en gran parte improvisadas, como la del despacho del alcalde. Otro ejemplo de ello, es el momento en que Murray sale del hotel tras haber capturado a su primer fantasma y suelta, "¡Vinimos, vimos y le dimos una patada en el culo!", de ese momento se filmaron aproximadamente diez versiones diferentes con el actor improvisando distintas frases en cada una. "Ivan creó un ambiente muy abierto para sus actores," afirmaba Moranis. "Es un gran director para un comediante, porque puedes probar todas tus ideas."
Tampoco estaba prevista la reacción de la camarera en la escena del hotel, cuando los Cazafantasmas disparan accidentalmente sus armas de protones sobre su carrito. A la actriz le explicaron que debía empujar el carrito y que éste explotaría, pero no le dijeron cuan fuerte sería la explosión, por lo que su reacción fue real y su, "¿Pero qué diablos hacen?" no estaba en el guión.
Fue un rodaje donde reinó el buen ambiente y la diversión, como no podía ser de otra forma. Una de las mejores anécdotas la recodaba Hudson, cuando debían rodar una escena con el Ectomóvil en las calles de Nueva York, y tenían el tráfico cortado para la producción. Justo antes de empezar a rodar, "fuimos a conducir el coche y Bill Murray de repente tuvo que ir al baño, pero estábamos atrapados en medio del tráfico. Así que corrió al baño y era en medio de la hora punta. Cuando finalmente nos pusimos en posición e Ivan gritó acción, allí estaba Bill tratando de regresar corriendo al coche."
Rodaron escenas para el montaje de los Cazafantamas corriendo por Nueva York en modo guerrilla, en su mayoría sin pedir autorizaciones. Una de ellas fue en el Rockefeller Center, que era una propiedad privada, cosa que el equipo no sabía, y Murray, Aykroyd y Ramis fueron perseguidos por un auténtico guarda de seguridad del lugar.
Estuvieron filmando exteriores en Nueva York durante tres semanas y media, con un trabajo de segundad unidad de una semana. El rodaje fue tan bien en Nueva York que terminaron dos días y medio antes de lo previsto.
De Nueva York la producción se mudó a Los Angeles para continuar con el rodaje durante nueve semanas, donde se rodaron algunos exteriores haciéndose pasar por la Gran Manzana. Y los interiores se filmaron principalmente en los Burbank Studios.
Se utilizaron diferentes localizaciones de Los Angeles, por ejemplo, la famosa estación de bomberos base de Los Cazafantasmas, cuyos interiores se filmaron en la número 23 de la ciudad angelina, y los exteriores en la de Nueva York. 
Se utilizó la "Los Angeles Central Library" para los interiores de la "Biblioteca Pública de New York". Rodando la escena, una estantería se cayó de verdad, y los actores improvisaron todo el diálogo posterior.
El hotel Biltmore de Los Angeles se convirtió en el ficticio Sedgewick Hotel de Nueva York. Y los decorados de los pasillos no fueron construidos para la película, habían sido creados para el rodaje de la película Ricas y famosas (1981), y DeCuir los compró a la MGM.
Los apartamentos de Dana y Louis Tully se construyeron en el plató 12 de los Burbank Studios. El set fue construido a dos metros del suelo, para que los técnicos pudieran manipular a los perros del terror desde abajo.
Y el set del templo de Gozer, en lo alto del edificio de Dana, se construyó en el plató 16 de los Burbank Studios. Para poder iluminarlo se necesitaban 50.000 amperios, era tal la demanda de electricidad, que la Columbia debía cerrar otros platós mientras se rodaban las escenas del templo.
En el Columbia Ranch se filmaron escenas de destrucción de la entrada del edificio de Dana (en Nueva York se habían filmado planos con las consecuencias del terremoto). Se gastaron 250.000 dólares para conseguir el momento en que la calle se abre, y se traga un coche de policía y a los cuatro protagonistas. Para ello se construyó una replica de la acera y tres pisos de la fachada del edificio, sobre un sistema hidráulico que permitía destruir la calle.
En el clímax de la película, restos del Hombre de Malvavisco caen sobre Peck. Inicialmente estaba previsto verter sobre Atherton unos 34 kilos de espuma de afeitar, pero éste sospechando que era demasiada cantidad, pidió que primero probasen con un doble para comprobar que no sufriría daño alguno. Cuando lo hicieron, el doble fue aplastado, así que decidieron utilizar la mitad de espuma con el actor.
Los Cazafantasmas no serían los mismos sin su equipo. La diseñadora de vestuario Theoni V. Aldredge fue la encargada de diseñar sus monos de trabajo, basados en las ideas de Aykroyd. Las populares mochilas de protones fueron diseñadas por Stephen Dane, y construidas por Chuck Gaspar. Pesaban unos 14 kilos, y 23 kilos con las baterías montadas. Para las escenas de acción se hicieron otras de menor peso construidas de espuma y goma. Dane también se encargó de diseñar y modificar una ambulancia Cadillac Miller-Meteor de 1959 en el mítico Ectomóvil.

EFECTOS DE OTRO MUNDO
Dado el ajustado calendario de rodaje, conseguir una compañía que pudiera encargarse del masivo trabajo de efectos visuales que implicaba Los Cazafantasmas, era muy complicado. ILM no pudo hacerse cargo, ya que estaba trabajando entre otras películas en Indiana Jones y el templo maldito (1984) y Star Trek III: En busca de Spock (1984). Dune (1984) estaba ocupando a otras empresas de efectos en aquel momento. DreamQuest no tenía el tamaño necesario para una empresa tan grande, y además reconocieron que había efectos que nunca habían hecho antes. En ese momento, Gross descubrió que Richard Edlund (Poltergeist) iba a abandonar la ILM y quería fundar su propia empresa de efectos. Era el hombre perfecto para el puesto dada su gran experiencia. Por otra parte, Douglas Trumbull y Richard Yuricich, querían dejar su compañía Entertainment Effects Group, para dar un cambio a sus carreras, Edlund se asoció con ellos, de esa forma se hizo cargo de su empresa para utilizar su equipo e instalaciones, y se llevó a su propio personal con él. Edlund llegó a un acuerdo con Columbia y también con MGM, ambos estudios pondrían a partes iguales el dinero que necesitaba para arrancar la compañía, a la cual renombraron Boss Film Studios, y de esa forma realizó para cada major los efectos de una película, 2010: Odisea dos (1984) para la MGM y Los Cazafantasmas para Columbia. Edlund hizo el trato desde un hospital tras someterse a una operación de hernia de disco.
Cuando Edlund fue contratado sólo quedaban 10 meses para el estreno de la película, un plazo de tiempo muy ajustado para realizar los casi 200 planos con efectos necesarios. "Fue como hacer juntas Poltergeist y En busca del Arca perdida, en la mitad de tiempo," resumía Edlund la experiencia.
Para poder llevar a cabo el trabajo, Boss Film tuvo que construir nuevos equipos y modificar otros ya existentes en E.E.G.
Los Cazafantasmas es un amalgama de técnicas de la época. Tiene animatronics, stop-motion, matte painting, cables, tanques de nubes, miniaturas, pantalla azul, y títeres. Edlund estima que tuvieron un coste total de 5,6 millones de dólares.
Boss Film rodó en 65 milímetros para después reducirlo a 35, y así conseguir composiciones de una gran calidad. Los excelentes efectos de la película fueron todo un reto y estuvieron llenos de una gran complejidad. Sólo para crear el plano de los fantasmas escapando de la base de los Cazafantasmas necesitaron 2 semanas.
Llamaron a John Bruno (Abyss) para que se convirtiera en el director artístico de efectos visuales, quien se sumó 6 semanas tarde al proyecto. Su mayor aportación fueron las escenas de los perros infernales, las cuales se hicieron mediante una combinación de títeres en miniatura y otros de tamaño completo. Estas últimas necesitaron de 12 personas para darles vida mediante el uso de cables, varillas y diferentes mecanismos mecánicos. Y las miniaturas se utilizaron para las secuencias en que las criaturas saltan y corren, efecto que se consiguió mediante animación stop-motion. Los perros fueron diseñados por Thom Enriquez, quien llegó a realizar 36 diseños hasta dar con el definitivo.
Matthew Yuricich, asistido por Michelle Moen, creó cerca de 50 matte paintings para la película. Según declaraba el productor Michael C. Gross, "son tan buenos que sólo puedo encontrar la mitad de ellos."
Para crear los efectos de las nubes sobre el edificio donde vive Sigourney Weaver, se construyó a propósito un tanque de nubes de seis mil litros.
Cuando rodaron la escena en la que Dana es atacada en su sillón por unos brazos que emergen de él, estos pertenecían a los operadores de cámara Mike Hoover, Michael Jones y al escultor Steve Neill. La escena fue incluida en el guión a última hora, y según John Bruno, el momento más tenso que surgió al rodarla, fue el miedo a que alguno de los brazos agarrara a la actriz donde no debía, pero Weaver le quitó toda la tensión a la escena cuando cogió uno de los brazos y se lo colocó sobre uno de sus pechos.
Y el efecto de Weaver levitando sobre su cama se hizo en el set con trucos tradicionales de magia.
Stuart Ziff fue el encargo del diseño y construcción de los fantasmas, para ello contó con un equipo de cerca de 40 artistas y técnicos. Tal vez la creación más recordada es el fantasma Moquete (cuyo nombre durante el rodaje era "Onion Head"), que estaba basado en John Belushi. Fue originalmente concebido por Aykroyd y diseñado por Michael Gross, finalmente Steve Johnson se encargó de esculpirlo. La noche antes de darle el visto bueno al diseño, le hicieron llegar a Johnson una nota que decía que el fantasma debía parecerse más a Belushi, como no tenía tiempo para hacer cambios, el artista lo dejó tal y como estaba, y consiguió igualmente el ok de los ejecutivos.
El equipo de Ziff también creó al Hombre de Malvavisco. Originalmente fue una idea de Aykroyd, quien creó un boceto original con su amigo, el artista John Daveikis, y quería que fuera una mezcla entre el muñeco de Michelin y Poppy Fresco. Inicialmente estaba previsto que el monstruo surgiera del East River, pero para reducir los costes se decidió que apareciera directamente en Columbus Circle. También se descartó su transformación en un demonio. El monstruo simulaba tener una altura de 33,3 metros, y para el momento en el que arde en llamas crearon un traje para que pudiera incendiarse con un especialista dentro. El traje fue construido con varias capas de espuma, la capa externa era de una espuma inflamable y la interna estaba hecha de una espuma especial que detenía las llamas. Se construyeron ocho trajes, de los cuales se quemaron siete.
Cuando llegó la hora de volar la parte superior del edificio de Dana, se hizo mediante una maqueta que replicaba las últimas plantas del mismo, y que medía 6 metros.
Había más efectos previstos en la película (cerca de 100 planos más), pero dado el ajustado calendario no fue posible completarlos a tiempo. Edlund se reunió con Reitman y le explicó que debía quitar cosas. Así se quedaron fuera momentos como el de Louis Tully asustando a unos atracadores escupiendo energía ectoplásmica.

NO LE TENGO MIEDO A LOS FANTASMAS
Para la escena inicial de la biblioteca, Reitman quería una pequeña canción. Lindsey Buckingham de Fleetwood Mac afirma que contactaron con él para componerla, pero que no aceptó el encargo. El director le ofreció a Huey Lewis and the News la composición de la canción, pero Lewis rechazó la oferta. Reitman, fan del Lewis, utilizó de forma temporal su canción "I Want a New Drug" mientras editaba la película.
Tras cerca de un año tratando de sacar la canción adelante, el cantante Ray Parker Jr. entró en escena. Parker llegó al proyecto mediante Gary LeMel, vicepresidente de la Columbia y conocido de Parker, quien creyó que era la persona adecuada para componerla. El cantante sólo tuvo dos días para hacerlo y eso que el trabajo no era fácil. "Se me ocurrió la música bastante rápido," declaró Parker en la revista Esquire"La letra fue la parte difícil. ¿Cómo iba a poner la palabra Cazafantasmas en la canción? Una noche estaba viendo la televisión y apareció un anuncio que me recordó a los Cazafantasmas con sus mochilas. Y se me ocurrió que la única forma de hacerlo era que nunca cantara la palabra Cazafantasmas. Y una vez se me ocurrió ese concepto, el resto fue mucho más fácil." La canción sería una especie de jingle publicitario y un coro se encargaría de cantar la palabra "Ghostbusters", un estribillo que se hizo tremendamente popular. La palabra "Ghostbusters" fue cantada por unos niños de secundaria, que grabaron sus voces a las 7 de la mañana antes de ir a clase.
La canción tuvo un gran éxito. Se colocó en el número uno del Billboard americano durante tres semanas, y vendió más de 3 millones de copias.
El videoclip de la canción fue dirigido por el propio Reitman y contaba con la participación de los cuatro Cazafantasmas caminando por Times Square con Parker. Además se incluían los cameos estelares de Chevy Chase, Irene Cara, John Candy, Melissa Gilbert, Ollie E. Brown, Jeffrey Tambor, George Wendt, Al Franken, Danny DeVito, Carly Simon, Peter Falk, y Teri Garr.
Meses después Huey Lewis demandó por plagio a la Columbia Pictures y a Ray Parker Jr (el tema "Ghostbusters" tiene la misma clase de riff que "I Want a New Drug"). Se llegó a un acuerdo extrajudicial con el pago de una suma desconocida al cantante por parte de la Columbia. Posteriormente Parker demandó a Lewis por violar la confidencialidad del acuerdo, cuando éste contó lo sucedido en el programa de televisión Behind the Music.
Pero quedémonos con lo bueno, la canción hizo todavía más popular a la película, y contribuyó a su éxito como nadie podría haber previsto.

LA COMEDIA MÁS TAQUILLERA DE TODOS LOS TIEMPOS
A las tres semanas de haber terminado el rodaje hicieron un pase de prueba y el público se volvió loco con la película, y eso que faltaban las escenas de efectos. Era un buen presagio.
Y es que la película fue un éxito apoteósico, tras su estreno el 8 de junio de 1984, recaudó en territorio norteamericano 229.242.989 de dólares, para sumar otros 9.389.135 en su reestreno de 1985, y 3.580.343 más cuando regresó a los salas por su 30 aniversario en 2014, sin contar reestrenos posteriores. A lo que hay que añadir los 53.000.000 de dólares del mercado extranjero. De esa forma se convirtió en la tercera película más taquillera de 1984 a nivel mundial, en la segunda más taquillera del año en Estados Unidos (sólo superada por Superdetective en Hollywood, aunque el reestreno de 1985 la terminó situando en el número uno) y en una de las diez más taquilleras de la década en territorio norteamericano.
Estuvo siete semanas en el primer puesto de la taquilla, y pronto superó a Tootsie (1982) como la comedia de mayor éxito de todos los tiempos. Uno de los aciertos de su campaña de promoción, fue la proyección del anuncio de televisión de los Cazafantasmas en los cines en sesiones nocturnas. Además en el anuncio aparecía el número de teléfono de los Cazafantasmas, y el público podía llamar y oír mensajes originales grabados por Murray y Aykroyd. Durante 6 semanas recibieron hasta 1.000 llamadas por hora. También se hizo circular el Ectomóvil por la calles de Manhattan a modo de promoción.
Y a ese éxito hay que sumarle dos nominaciones al Oscar, en las categorías de mejores efectos visuales (Richard Edlund, John Bruno, Mark Vargo y Chuck Gaspar) y mejor canción original (Ray Parker Jr. por "Ghostbusters").
El impacto cultural de la película fue tremendo, se crearon series de dibujos animados, videojuegos, comics, juguetes, camisetas, y miles de cosas más. El icono de los Cazafantasmas perdura a día de hoy como parte de la cultura popular.

ESCENAS ELIMINADAS
En las diferentes ediciones de vídeo doméstico, se incluyen varias escenas eliminadas del montaje original. Son las siguientes:
1. La escena en la que Venkman, Stantz y Egon son expulsados de la universidad es más larga.

2. La escena de la visita de Venkman al apartamento de Dana es más larga. Ella se da cuenta que el Cazafantasma sólo quiere ligar con ella, y cuando éste sugiere pasar la noche para ayudarla, ella lo echa de su piso.

3. Una pareja de luna de miel en el Sedgewick Hotel, hablan en la cama y de pronto un reloj de su mesilla se rompe solo. El hombre entra en el baño y sale gritando con la mano llena de ectoplasma. La mujer entra tras él y se encuentra a Moquete.

4. Un policía intenta ponerle una multa al Ectomóvil, pero los sensores del coche lo siguen. Cuando el policía coloca finalmente la multa en el parabrisas, ésta comienza a arder. Reitman decidió eliminar cualquier detalle que indujera a pensar que el coche tenía poderes paranormales.

5. La entrevista de trabajo a Winston era más larga y se incluye un momento en que observa como Janine contesta al teléfono, y ésta le aconseja a un cliente que abandone su casa hasta que los Cazafantasmas puedan ir.

6. Louis Tully se cruza con dos vagabundos en Central Park, interpretados por Bill Murray y Dan Aykroyd. Esta escena fue eliminada porque los responsables de película creyeron que podría confundir al público.

7. Tully busca al Guardián de la Puerta en una calle llena de prostitutas, y cree haberlo encontrado en una de ellas.

8. En Central Park, Tully se topa con unos delincuentes a los que asusta escupiendo energía ectoplásmica.

9. Stantz y Winston visitan el conjunto histórico Fort Detmerring, Ray se quedaba dormido con un uniforme militar puesto y tiene un encuentro con una bello fantasma. Esta secuencia se omitió, según Ramis porque, "era demasiado larga y estaba en la parte incorrecta de la película." Al final se mantuvo parte del metraje para el montaje que narra el ascenso de los Cazafantasmas. La bella fantasma estaba interpretada por la playmate Kym Herrin.

10. Tras su reunión en el ayuntamiento, y antes de poner rumbo a su enfrentamiento con Gozer, Venkman y Stantz hablan con el alcalde en la calle, y Janine le entrega a Egon su moneda de la Feria Mundial de Nueva York de 1964, para que le traiga suerte.

11. Antes de entrar en el edificio en el clímax final, Winston bromea con que lo mejor que pueden hacer es irse a Australia, Venkman le dice que tenía pensado promocionarle en la empresa, pero que se lo está pensando.

12. El sombrero de marinero del Hombre de Malvavisco cae a la calle, mientras la gente aplaude.

13. Tras destruir a Gozer, Louis le pregunta a Dana si se han acostado, y ella le responde con un rotundo "no".

14. Durante el enfrentamiento final con Gozer, Peck le grita a un policía que arreste a los Cazafantasmas.

VALORACIÓN
Cuando se habla de Los Cazafantasmas, siempre se hace catalogándola de un clásico de la comedia, y si bien nunca la he considerado una obra maestra, he de admitir que es una película realmente simpática y memorable, por la que no pasa el tiempo.
Son muchos los logros que posee. Por un lado, su enfoque es de lo más original, la idea de un grupo de hombres encargados de exterminar espectros tiene mucho gancho, y se gana nuestras simpatías de inmediato. Y además la película creó una gran mitología a su alrededor, la cual resulta icónica desde el minuto uno (en Viernes 13, por ejemplo, necesitaron tres entregas para ponerle una máscara a Jason). Las mochilas de protones, Moquete, Gozer, el Ectomóvil, el Hombre de Malvavisco gigante, el "¿A quién vas a llamar?", y el símbolo de "No ghost", ya forman parte de la cultura popular. Además sus responsables se preocupan por dar explicaciones técnicas a cosas que no tendrían porqué, pero se agradece que lo hagan, se nota el mimo y cuidado con el que está hecho todo.
Otro de sus aciertos es lo bien que combina su mezcla de elementos, las escenas de terror son terroríficas, pero no se olvidan de ser divertidas, y eso es muy difícil. Además es una película de lo más espectacular, pero los efectos especiales ayudan a la historia, tienen un propósito. Y la película siempre mantiene su tono de comedia desenfadada, es decir, no trata de ser más de lo que es.
Y la química entre los protagonistas es total, y son el corazón de la película. Murray está genial como ese canalla simpático que es Venkman. Pero es que sus compañeros de reparto le van a la zaga, con Aykroyd, Ramis y Moranis demostrando su gran vis cómica.
Los Cazafantasmas es lo mejor que ha rodado Reitman en toda su carrera, siempre ha sido un buen director de comedia, pero aquí se nota muy cómodo en medio de una película de gran presupuesto y con notas de terror.
La película sigue la senda del sentido de humor ya mostrado en producciones como Granujas a todo ritmo (1980), El club de los chalados (1980) o El pelotón chiflado (1981), lleno de improvisación y de un espíritu de lo más gamberro, pero aquí es llevado al territorio del fantástico con gran acierto.
Pero veo en su estructura cosas que no funcionan del todo. El personaje de Winston está para dar información al público, es el típico novato que conoce el mundo de los protagonistas al mismo tiempo que nosotros, el problema es que creo que entra demasiado tarde en la historia, y que llegado un punto apenas aporta nada, si se eliminase de la película no se notaría. Supongo que es un problema arrastrado por los cambios en las sucesivas reescrituras del guión.
Y otras cosas me parecen muy acertadas, aunque no lo parezcan a primera vista. Como lo irónico que resulta que el supuesto villano Walter Peck, en el fondo tiene razón, al creer que los Cazafantasmas son peligrosos. Manejan equipos nucleares y causan destrozos allá por donde van, por eso es más divertido ver como nadie le hace caso a Peck.
Aunque suene a cliché, la ciudad de Nueva York se convierte en un personaje más, un lugar de diseño gótico, donde lo fantástico aguarda a la vuelta de la esquina. Pocas películas han hecho más atractiva a la Gran Manzana que ésta.
La película funciona como un tiro. Desde la excelente banda sonora de Elmer Bernstein, los efectos visuales (hay planos que hoy día siguen siendo perfectos), los actores nacieron para dar vida a sus personajes, la canción de Ray Parker Jr no podría ser más pegadiza, la historia es genial, así como la creación de los fantasmas y el diseño de producción. Parece que alguien tocó con una varita a este proyecto, es de esos raros casos donde todo encaja a las mil maravillas.
Los Cazafantasmas es un buen ejemplo de trabajo grupal, cada uno de los implicados dio lo mejor de si mismo, y el resultado fue esta divertida y entretenidísima comedia. No es una obra maestra, pero tampoco intentaba serlo. Es sólo pura diversión. Y es que cuando uno quiere pasarlo bien, ya sabe a quien tiene que llamar.

CURIOSIDADES
El famoso logotipo de los Cazafantasmas fue obra de John Daveikis, un amigo de la facultad de Dan Aykroyd. Después Michael C. Gross, productor asociado a Reitman, se encargó de darle el toque final.
Ernie Hudson inicialmente iba a poner la voz al personaje de Winston en la serie animada Los auténticos Cazafantasmas (1986-91), pero irónicamente no les convenció y terminaron contratando a Arsenio Hall, amigo de Hudson.
Murray improvisó el momento que al entrar en el apartamento de Dana toca el piano y dice, "No soportan esto."
Weaver contaba que en una ocasión se produjo un incendio en su apartamento y que cuando uno de lo bomberos abrió la nevera le dijo: "Mejor llama a los Cazafantasmas."
En la portada de la revista Time que habla sobre los Cazafantasmas, se puede ver una foto del productor Michael C. Gross.
Sigourney Weaver fue doblada por Ivan Reitman cuando es poseída por Zuul y suelta, "Dana no existe, sólo Zuul". Por su parte, Paddi Edwards fue quien le puso voz a Gozer.
Se creó un animatronic para el fantasma de la bibliotecaria que no fue usado, pero se recicló para la película Noche de miedo (1985).
Rodando la escena en la que Stantz y Zeddemore cruzan un puente en el Ectomóvil, el coche se quedó sin gasolina, y ambos actores tuvieron que empujarlo para sacarlo del puente.
La espuma que utilizaron para simular los restos del Hombre de Malvavisco era espuma de afeitar, y  se volvía muy abrasiva pasadas las horas, tanto que algunos actores acabaron con erupciones y pequeños bultos en la piel.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
El Hombre de Malvavisco aparece en varias ocasiones a largo de la película, antes del clímax final. Dana tiene un paquete de malvaviscos al lado de los huevos que se fríen solos, y hay un anuncio de la marca Stay-Puft en un lateral de un edificio cuando los fantasmas son liberados por Walter Peck.
Primera película del presentador Larry King, quien se interpreta a si mismo.
La escena de la fiesta en el apartamento de Louis Tully fue prácticamente improvisada en su totalidad.
Originalmente el Ecto-1 iba a estar pintado de negro, pero esto fue descartado cuando el director de fotografía László Kovács se dio cuenta de que la mayoría de escenas de conducción serían de noche y que costaría ver al coche. Al final se pintó de blanco.
El encuentro entre Venkman y Dana en el Lincoln Center fue la primera escena que Murray y Weaver hicieron juntos.
El actor porno Ron Jeremy tiene un cameo, como uno de los extras detrás de una barricada de la policía después que explote la instalación de almacenaje.
Louis Tully, el futuro maestro de las llaves, se queda de puertas afuera en su casa hasta en tres ocasiones.
A Kymberly Herrin, que interpreta al fantasma con el que sueña Stantz, tuvieron que hacerle un molde de su cuerpo para colocarla en una estructura y así simular que flotaba. Para ello, y según contaba John Bruno, los técnicos le aplicaron vaselina por todo el cuerpo con mucho cuidado, hasta que ella agarro la mano de uno de ellos, la colocó sobre su pecho y dijo, "Venga, acabemos de una vez."
Slavitza Jovan (Gozer) no podía llevar mucho tiempo las lentes de contacto rojas porque no veía nada con ellas y además le irritaban mucho los ojos.
El ectoplasma estaba hecho de éter de metilcelulosa, un agente estabilizante, emulsionante y espesante utilizado en la industria alimentaria.
Al público le ha costado separar a William Atherton del personaje de Walter Peck, tanto que poco después del estreno de la película, el actor se topó con varios autobuses llenos de niños, que al verle comenzaron a gritarle: "¡Ey, sin pelotas!", como hace Murray en la película.

BIBLIOGRAFÍA
1984: 'Ghostbusters' (Entertainment Weekly, 7 nov 2014)
Revisiting Cinefex (17) (Graham Edwards)
Raiding The Mind Of Richard Edlund (From Script to Dvd, 2002)
Bill Murray: The Rolling Stone Interview (Rolling Stone, 6 ago 1984)
Starburst Magazine (nº 076)
Making Ghostbusters (Don Shay, 1985)
Special Interview with Ray Parker Jr. (Songwriter Universe, 18 dic 2016)
The Movies That Made Us (Netflix, T1 E3)

Thursday, October 21, 2021

Donnie Darko

-"Donnie Darko, ¿qué clase de nombre es ese? Suena a superhéroe o algo por el estilo."
-"¿Qué te hace pensar que no lo soy?"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Donnie Darko, es un adolescente al que se le aparece un amigo imaginario con la forma de un conejo gigante, que le dice que el mundo se terminará en 28 días.

LA FILOSOFÍA DE LOS VIAJES EN EL TIEMPO
"Tenía 23 años," recordaba Richard Kelly. "Me acababa de graduar en la escuela de cine, y estaba en pánico tratando de escribir un guión para comenzar mi carrera. Recordé una noticia que leí cuando era niño, sobre un enorme trozo de hielo que cayó del ala de un avión y golpeó la habitación de un niño, pero él no estaba allí y escapó de morir. Eso me dio la semilla de una idea." Así comenzó a desarrollar Kelly el guión de la que sería su primera película como director, la irrepetible Donnie Darko (Donnie Darko, 2001).
Esa idea de un trozo de hielo cayendo desde avión, se convirtió en un motor a reacción cayendo sobre una casa, sin saber de donde venía, lo que, "parecía representar una sentencia de muerte para la era Reagan, y escribí la historia en torno a eso." Kelly tomó elementos de su infancia, como el personaje de la Abuela Muerte, las clases de auto ayuda en el colegio, o una discusión con su profesora de gimnasia sobre "La línea de la vida", para escribir algo, "ambicioso, personal y nostálgico sobre el final de los 80."
Kelly escribió el guión en tan solo seis semanas, durante un periodo que coincido con el Halloween de 1998 (de ahí extrajo que la película ocurriera también durante esa festividad). Así le fue dando forma a un complejo guión, en el que el personaje más chocante era un hombre con un extraño disfraz de conejo. "Sabía que había un punto importante de la trama de la película que trataba de un tipo con un disfraz de Halloween, que termina convirtiéndose en un mensajero," explicaba Kelly. "Cuando tuve que decidir cuál sería el disfraz de Halloween, inmediatamente pensé en un conejo, principalmente porque iba a hacer una referencia literaria a la novela "La colina de Watership", que iba a ser una trama secundaria en la película [...]. Era uno de mis libros favoritos mientras crecía, y pensé que había una verdadera ironía en que un conejo fuera este frágil animal, una de las criaturas más inocentes e inofensivas de la naturaleza. Frank es una versión monstruosa de esto, y llegó a un punto en el que, debido a la ironía, tenía que ser un conejo."
Kelly firmó con la Creative Artists Agency, una de las agencias de talentos más importantes de Estados Unidos, lo que permitió que su guión circulara por todo Hollywood. Durante 14 meses Kelly trató de vender el proyecto, reuniéndose con productores importantes (como Sydney Pollack o Ben Stiller), pero no fue capaz de conseguirlo, su juventud e inexperiencia, además de la complejidad del proyecto eran las principales trabas. El guión rondó por tantos estudios de Hollywood, que Adam Fields, futuro productor de la película y amigo de Kelly, admitió que, "literalmente había manchas de comida en las páginas porque se había circulado mucho," comentaba Fields, a quien le fascinó el libreto. "No lo entendí completamente, pero [Kelly] tenía magia en su diálogo. Me recordó en muchos sentidos a John Hughes."
El actor Jason Schwartzman se interesó por el proyecto y quiso interpretar a Donnie Darko. Con su nombre ligado a la película, atrajo a la productora Flower Films de Drew Barrymore y Nancy Juvonen, quienes también se sintieron atraídas por el proyecto. Kelly se reunió con ambas en el trailer de la actriz durante el rodaje de Los ángeles de Charlie (2000), y le ofreció a Barrymore el papel de la profesora Karen Pomeroy, la actriz no sólo lo aceptó, además llegaron a un acuerdo, por el cual ambas producirían la película bajo su sello. El papel de Barrymore fue crucial para el desarrollo de la película, gracias a su participación pudieron reunir 4,5 millones de dólares, (lo mínimo) que necesitaban de presupuesto, en asociación con Pandora Cinema.
Aún así, como necesitaban más dinero, buscaron otras fuentes, y Schwartzman organizó una reunión con su tío Francis Ford Coppola a principios del año 2000, quien se interesó en financiar el proyecto a través de American Zoetrope. Según contaba Kelly, Coppola le dio algunas notas sobre su guión, y quiso que esperaran varios meses para desarrollar el proyecto bajo su productora, pero de hacerlo perderían a Barrymore, quien ya se había comprometido a rodar Los chicos de mi vida (2001) en el mismo año, de modo, que a Kelly no le quedó más remedio que rechazar la oferta de Coppola, y rodar la película con los 4,5 millones que habían conseguido gracias a la participación de Barrymore. Kelly cobró un sueldo entre los 50.000 y 60.000 dólares por su trabajo.

REPARTO
Como debían rodar en verano para permitir la participación de Barrymore, provocó que Schwartzman no pudiera trabajar en la película debido a otros compromisos en las mismas fechas. Buscaron un reemplazo y le ofrecieron el papel a Vince Vaughn, pese a que Kelly se reunió con él cuatro veces, el actor rechazó el papel porque no se sentía cómodo intepretando a un joven de 16 años (Vaughn ya había cumplido los 30). Mark Wahlberg también fue considerado, pero el papel terminó recayendo en Jake Gyllenhaal, quien leyó el guión sólo un mes antes de comenzar el rodaje. "Jake Gyllenhaal acababa de protagoniza October Sky (1999) y llevaba toda la película sobre sus hombros," recordaba Kelly. "Aunque no era un nombre familiar, claramente tenía talento." El protagonista de Nightcrawler se sintió identificado con el guión de Kelly. "Pensé: 'Esto se siente como a mi experiencia en la escuela secundaria'," confesaba el actor. Gyllenhaal decidió que Donnie no parpadeara para hacer más patente su psicosis.
Como comentaba anteriormente, Barrymore se quedó con el papel de la profesora Karen Pomeroy, siendo la primera actriz en firmar para participar la película, y cobró un sueldo de 500.000 dólares.
Fue idea de Gyllenhaal, que su auténtica hermana Maggie interpretara a la hermana de su personaje. Kelly le ofreció el papel, pero inicialmente tenía sus dudas. "No estaba segura de si quería interpretar un pequeño papel en la película protagonizada por mi hermano," reconocía la actriz. "Pero lo hice, fue realmente genial."
Y los padres de ambos, Eddie y Rose Darko, fueron interpretados por Holmes Osborne y Mary McDonnell. La actriz conectó con la historia de inmediato. "Fue un guión que leí y, por alguna razón que nunca pude explicar, lo entendí. ¡En la primera lectura!," explicaba McDonnell. "Renuncié a mis vacaciones de verano para hacer esta película independiente por nada, y todos estábamos en la misma situación."
Jena Malone se presentó a la audición para el papel de Gretchen Ross, atraída por el guión, que consideraba, "provocador, extraño y asombroso." Cuando llegó a las pruebas creyó que el joven Richard Kelly era el asistente del casting, y la asistente de casting (mucho mayor que él) era la directora de la película. Pese al equívoco, el papel fue suyo.
El papel de Jim Cunningham recayó en Patrick Swayze, quien se tiñó el pelo para dar vida al orador motivacional, un papel diferente a todos los que el actor había interpretado anteriormente. "Quería plantarle fuego a su imagen," admitía Kelly. "No tenía miedo."
Noah Wyle, en plena fama con la serie Urgencias (1994), se hizo con el papel del profesor Kenneth Monnitoff. El actor decidió que su personaje fuera diabético, y por eso se lo ve comiendo caramelos en alguna escena.
Por su parte, Katharine Ross (El graduado) salió de su semi-retiro para interpretar a la Dra. Lilian Thurman, la psiquiatra de Donnie.
Seth Rogen interpretaría al matón Ricky Danforth, siendo éste su debut en el cine. "Fue una gran experiencia," declaraba el actor. "No la entendí en aquel momento, y todavía no lo he hecho, pero lo pasé bien."
Con 12 años, Mara Wilson (Matilda) fue considerada para el papel de Samantha Darko, pero le entró un ataque de pánico tras leer el guión, eso, sumado a que su padre tenía dudas sobre que su primera frase en la película fuera "gilipollas", hicieron que se quedara fuera del proyecto. Al final la escogida fue Daveigh Chase.
El papel de la insoportable profesora Kitty Farmer, recayó en Beth Grant, quien quedó fascinada por el guión, tanto que rompió a llorar una vez terminó de leerlo. "Literalmente rogué por el papel," recordaba la actriz. "Lo que no creo haber hecho nunca antes ni después, y dije: '¡Tenéis que darme este papel!'" Y le funcionó, porque se lo llevó, y la verdad es que el personaje le sienta como anillo al dedo, de hecho, el productor Sean McKittrick le confesó que una vez la vio el día de la audición, sabía que habían encontrado a su Kitty Farmer. Grant se inspiró en su profesora de secundaria para dar vida al personaje.
James Duval se encargó de interpretar al conejo Frank, quien no lo pasó realmente bien dentro del traje, ya que además de ser de lo más caluroso, el rodaje tuvo lugar en pleno verano.
El resto del reparto se completó con los nombres de Jolene Purdy (en el papel de Cherita Chen), Stuart Stone y Gary Lundy (como Ronald Fisher y Sean Smith respectivamente, ambos amigos de Donnie), Alex Greenwald (interpretando al matón Seth Devlin), David Moreland (como Cole, el director del colegio), y Patience Cleveland (en la piel de Roberta Sparrow, también conocida como Abuela Muerte). Y podemos encontrar a Ashley Tisdale en un pequeño papel.

RODAJE
El rodaje se inició el 24 de julio del 2000 y se prolongó hasta el 30 de agosto del mismo año, en un periodo total de rodaje de 28 días, el mismo número de días que transcurren en la película.
Aunque la historia tiene lugar en el estado de Virginia, realmente se rodó en diferentes localizaciones de California, principalmente en Long Beach, como el vecindario donde vive la familia Darko, que se encontraba realmente en el Virginia Country Club (y que pese al nombre estaba situado en California). Por su parte, en Los Angeles se rodaron las escenas del colegio de Donnie (en el Loyola High School), y las del campo de golf (en Griffith Park). La secuencia inicial se rodó en el "Angeles National Forest" de Los Angeles. El Aero Theatre al que acuden Donnie y Gretchen se encontraba en Santa Monica. Y los anuncios de "Cunning Visions" se rodaron en Calabasas.
La habitación de Donnie fue construida en un estudio de sonido de Burbank, ya que tenían que destruirla con un motor de avión. También rodaron en estudio las escenas del baño de la habitación, el cual estaba equipado con una barrera de plexiglás, para que Gyllenhaal pudiera asestar puñaladas hacia la cámara, sin que ésta sufriera daño alguno.
También se construyó en Burbank el decorado de la casa de la Dra. Thurman, y como era una película de bajo presupuesto, rehicieron el decorado para convertirlo en la casa de Cunningham, y destruirlo en un incendio.
Para crear al conejo Frank, Kelly hizo el diseño original de la ya mítica máscara, de la cual se hizo un modelo 3D, y después un escultor hizo un molde de la misma. Por su parte, la diseñadora de vestuario April Ferry se encargó de crear el traje.
Y para el grupo Sparkle Motion, Ferry diseñó los trajes de las chicas en homenaje a la película Peggy Sue se casó (1986) de Coppola, que también trata sobre viajes en el tiempo, y además el famoso director había pasado tangencialmente por Donnie Darko.
Steven Poster (La sombra del testigo) se convirtió en el director de fotografía de la película. Kelly decidió rodar la película con cámaras Panavision PanaStar de lentes anamórficas (que necesitan el doble de luz para iluminar una escena respecto a una lente normal) y se usó película Kodak 800 ASA, que acababa de salir. "La gente decía que lucía terrible y con mucho grano," explicaba Poster. "Pero me gusta el grano." Poster estaba empeñado en utilizar esa película de Kodak, y como con ella se conseguía reducir la cantidad de luz a la mitad, la hacía perfecta para la ocasión. Poster ayudó al estilo visual de la película, como por ejemplo, aconsejó a Kelly que no abusara del plano holandés (que consiste en una inclinación de la cámara sobre su eje). Además la película hizo uso de ralentizados y aceleraciones de la imagen llamadas "rampas", las cuales se hacían en el momento de rodar con la cámara y no en post-producción (todas salvo una, se hicieron en tiempo real).
Lo primero que se rodó de la película fueron los anuncios de Jim Cunningham. Se filmaron durante la pre-producción de la película (aproximadamente una semana antes del inició de la fotografía principal), en el rancho que Patrick Swayze tenía cerca de Calabasas (California). Lo completaron en un solo día y el actor utilizó su propia ropa de los 80.
En el primer día de rodaje oficial se rodó el plano con el que se abre la película, pero hubo un problema de vibración con la steadicam y se dieron cuenta cuando revisaron los dailies, por lo que dos semanas después tuvieron que volver al mismo lugar para volver a filmar el plano.
Fue un rodaje placentero para todos los implicados y reinó un buen ambiente, como demuestra el momento en que rodaron la escena en la que la profesora Kitty Farmer explica molesta, que Donnie le dijo que se metiera una tarjeta de "La línea de la vida" por el culo. Kelly se río tanto, que estropeó una toma tras otra, razón por la que tuvo que salir del set.
En un momento de la película Donnie y Gretchen van al cine a ver Posesión infernal (1981), aunque en el guión original iban a ver en realidad C.H.U.D. (1984), pero eran necesarias varias semanas para conseguir sus derechos, y no tenían apenas tiempo. Linda McDonough de Flower Films, era amiga del socio de Sam Raimi, y les preguntó si podían usar Posesión infernal, a lo que dijeron que sí, sin cobrarles nada. Inicialmente había una escena en la que Donnie iba a ver La última tentación de Cristo (1988), pero una vez tuvieron acceso a Posesión infernal, se sentía más natural que el personaje fuera a ver el film de Raimi y se cambió en el guión. El incluir ambas películas en la marquesina del cine a modo de sesión doble, fue una idea de última hora, que se tomó cuando rodaban en el Aero Theatre. Y mientras rodaban la escena de la marquesina, se dio la casualidad de que Sam Raimi justo pasó por allí conduciendo con su hijo y vieron el anuncio de su película siendo proyectada junto con el film de Scorsese, una casualidad digna de las que ocurren en Donnie Darko.
Y una película llena de casualidades y momentos extraños, vivió uno el día que tuvieron que rodar la escena del accidente con el motor, ya que el mismo día a un 747 que volaba de Los Angeles a Amsterdam, le explotó uno de sus motores y piezas del mismo cayeron sobre Dockweiler State Beach (California).
Una de las escenas más icónicas de la película, es aquella en la que suena "Head Over Heels" de Tears for Fears mientras la cámara recorre la escuela pasando por todos los personajes. "Me encanta incorporar música a mis películas, y siempre es por diseño," explicaba Kelly. "A menudo se planifica con anticipación y se coreografía escrita en el guión. Esos momentos líricos son para mí los más cinematográficos." Inicialmente Kelly quería rodarlo en un único plano con Steadicam desde el exterior al interior. Pero una vez realizaron ensayos y coreografiaron la escena, Kelly tuvo que cambiar de opinión y rodarla en dos planos.
Para componer la banda sonora, el elegido fue Michael Andrews (La boda de mi mejor amiga), el cual fue recomendado por el hermano de Nancy Juvonen. "Me reuní con Mike y supe de inmediato que tenía mucho, mucho talento y que podía componer una partitura realmente original," recordaba Kelly. El estilo de su música se denominó "retro-futurista" con el uso de instrumentos de los 60 y 70, pero también de sintetizadores. Para la escena final, Andrews había ideado que la canción de U2 "MLK" acompañara a las imágenes, pero la producción no se podía permitir pagar sus derechos, así que el compositor llamó a su amigo, el cantante Gary Jules, para realizar una (mítica) cover de "Mad World" de Tears for Fears, con Andrews al piano y la voz de Jules. La canción quedó unida para siempre a la película. Y fue todo un éxito, siendo número 1 en Reino Unido.
Donnie Darko debutó en el festival de Sundance en enero de 2001, y tuvo una pésima acogida, tan mala que se fue sin conseguir distribuidor. Kelly creía que una de las razones fue por la masacre de Columbine, la cual aún estaba reciente, y el tener a un joven disparando un arma hacía sentir incómoda a la gente. "Nadie la distribuiría porque pensaban que era imposible de comercializar," declaraba Kelly. Necesitaron cerca de seis meses para vender la película, y cuando estaba a punto de ir directamente a televisión a través del canal Starz, contaron con la ayuda de Christopher Nolan, quien consiguió convencer a Newmarket Films para que se hiciese con la distribución de la película para Estados Unidos.
Así la película llegó a las salas de cine el 26 de octubre de 2001, y fue un rotundo fracaso de taquilla, con tan solo 517.375 dólares recaudados en territorio norteamericano. Aunque los sucesivos reestrenos que ha tenido la película, ha logrado recaudar a día de hoy 6.979.093 de dólares a nivel mundial.
Seguro que no ayudó a la película estrenarse un mes después del 11-S, con un trama que implicaba el motor de un avión desprendiéndose sobre una casa.
Pero su llegada a vídeo permitió que mucha gente la descubriese y se convirtiera en una de las mayores películas de culto del siglo XXI.

DIRECTOR'S CUT
En 2004, se lanzó el director's cut de la película, el cual tiene 21 minutos más de duración que la versión estrenada en cines. Se añadieron escenas, se mejoró el sonido, se añadieron más efectos especiales, y se incluyeron más canciones. Esta versión de la película se pudo ver por primera vez en el Seattle International Film Festival, en mayo de 2004.
Kelly no prefiere una versión sobre la otra. "Ambas versiones tienen sus virtudes y no estoy completamente satisfecho con ninguna de ellas, pero son lo que son," declararía el director. El director's cut es simplemente una versión ampliada de la película original, con más material y con algunas mejoras técnicas.
"La versión estrenada en cines opera a un nivel muy esotérico a lo David Lynch," explicaba Kelly. "Lo cual es válido, pero siempre tuve en mente una versión más provocativa que funciona como una fábula de ciencia ficción."
Son muchos los pequeños cambios y cortes entre una versión y otra. Pero las principales diferencias en el director's cut respecto a la versión estrenada en cines son:
1. A lo largo de la película, se incluyen varios insertos de capítulos del libro "La filosofía de los viajes en el tiempo".
2. Se celebra "El día de la poesía" en el colegio, y Donnie lee un poema que escribió sobre Frank en la clase de Karen Pomeroy.
3. Hay una escena de una cena en un restaurante entre Eddie y Rose. La cual es seguida por otra en la que Donnie y Elizabeth están tallando calabazas de Halloween, y la de Donnie tiene la cara del conejo Frank.
4. La charla de Jim Cunningham en el colegio es más larga.
5. Karen Pomeroy anuncia a la clase que el libro "Los destructores" de Graham Greene ha sido prohibido en el colegio, y que será cambiado por "La colina de Watership" de Richard Adams, el cual está protagonizado por unos conejos. Más tarde, en otra escena, proyecta en clase la película Orejas largas (1978) basada en la novela de Adams.
6. Hay una escena completa de una conversación entre Donnie y su padre, donde el segundo le dice a su hijo que no está loco.

VALORACIÓN
Donnie Darko es una obra capital del cine de principios del siglo XXI, película fascinante, de varias posibles lecturas, extraña, única, y que fue muy importante para muchas personas, entre las que me incluyo.
Es una de mis películas favoritas y no es difícil saber porqué, viajes en el tiempo, años 80, música pop, película de instituto, visiones, y el fin del mundo, son ingredientes de los más sugestivos para dar pie a una película de lo más interesante. Creo que siempre la he sentido cercana porque habla de una época de la vida por la que todos hemos pasado, la adolescencia, una época extraña, dura, llena de dolor, cargada de emociones que nos cuesta asimilar (como la propia Donnie Darko). Una época en la que nos convertimos en las personas que terminaremos siendo, lo mismo que le sucede a Donnie en la película.
Donnie trata de madurar y tomar sus propias decisiones, vemos como su personalidad se forma cuando le dice a su profesora que se mete una tarjeta por el culo, cuando le planta cara a Jim delante de todo el colegio, o cuando le dice a Cherita que en el futuro las cosas le irán mejor. Todas las experiencias le hacen crecer, y convertirse en un adulto con ideas propias.
Esas decisiones Donnie las toma en una sociedad dividida entre gente abierta de mente, y otra con creencias conservadoras y regida por la religión. Kelly muestra como es la gente de esta pequeña ciudad en un simple detalle de genio, con ese cartel de la sesión doble de terror con Posesión infernal (1981) y La última tentación de Cristo (1988).
La película utiliza el futuro como una metáfora para hablar de madurar, Donnie desea conocer el futuro como nos sucedía a todos cuando eramos pequeños y deseábamos ser mayores, así la madurez (ese futuro) se muestra como un lugar misterioso y lleno de incertidumbre, apoyado en personajes como ese chico que no sabe lo que quiere ser de mayor, o las dudas de la familia Darko sobre a quien votar en las elecciones. La cuestión es que cuando Donnie llega al futuro no le gusta lo que ve, y acaba peor de lo que había imaginado, con el fin de su mundo particular. Además Kelly emparenta el fin de la adolescencia, con el fin de la década de los 80 (que fue también el final de la era Reagan), haciendo que la experiencia resulte más redonda.
Y hablando del final, y tratando de descifrarlo, podemos tomar varios caminos (o vectores). El más sencillo es entender, que tras la muerte de Gretchen, Donnie utiliza su coche para viajar atrás en el tiempo (cual DeLorean) a través del agujero de gusano, para que los eventos que ocurren tras la caída del motor cambien, falleciendo él en el accidente y salvando así a Gretchen. Otra opción, es que podemos creer que Donnie es un esquizofrénico y nada es real. Y tenemos una tercera opción, y a mi parecer la más interesante, Donnie muere al comienzo de la película al caer el motor y todo lo que ocurre después es un ¿y si?, como sería su vida si siguiera vivo, ve su futuro por un instante, como cuando se dice que tu vida pasa por delante de tus ojos antes de morir, pero aquí se trata de lo que podría haber vivido. Por eso se pasea como en trance toda la película, es como un fantasma asistiendo a su propia vida. Ese mensaje al principio de la película de la nevera con el, "¿Dónde está Donnie?" refleja que él ya no está vivo. Al final Donnie coge todas las horas de dolor y tristeza de su vida, y las cambia por algo mejor, termina en su habitación riéndose antes de morir, es feliz por una vez, por un instante lo ha experimentado todo, se ha enamorado, sabe que tiene una familia que le quiere, y tomó las riendas de su vida. Es hora de morir, pero lo hace en paz.
Donnie Darko también habla del determinismo, si todos los eventos de nuestra vida están prefijados, Donnie está destinado a que su vida acabe el 30 de octubre, como demuestra su encuentro con Frank tras atropellar a Gretchen, y que Donnie le mate con la pistola que encontró en la habitación de sus padres. Pero Donnie logra ver el gran plan y consigue cambiarlo, logra tomar sus propias decisiones (otra vez el proceso de madurar).
Incluso podemos ver la película como una versión oscura y teen de "Alicia en el pais de las maravillas" con el protagonista siguiendo a un conejo, pero en lugar de a través de una madriguera, por un agujero de gusano.
Y Kelly aprovecha para criticar el sistema educativo el cual experimentó en sus propias carnes, e incluso habla de los problemas de la vida en los suburbios. Hay espacio para todo ello en Donnie Darko.
Una cosa que se nota, es que pese a la complejidad y surrealismo de la película, es bastante accesible, Kelly quiere y mima sus personajes, y deja que formemos parte de su mundo.
El director se muestra muy seguro tras las cámaras, sorprende por ser su primera película y por su juventud. Hay algunos detalles que no han envejecido del todo bien, como esas aceleraciones de la imagen, muy hijas de su tiempo (y que se pueden justificar como manipulaciones del tiempo), pero en conjunto su puesta en escena sigue siendo sorprendente. Lástima que fuera flor de un día, porque nunca realizaría nada tan brillante como Donnie Darko, como atestiguan las decepcionantes Southland Tales (2006) y The box (2009).
Y su guión es excelente, tiene diálogos fantásticos, como cuando Donnie tras llamar puta a su madre, su padre le dice que ella no es un puta, pero sabe putear; o esa escena en la que Donnie debe elegir en clase entre el amor y el miedo. Y se nota su juventud, llenando el libreto de guiños a la cultura pop, como Regreso al futuro, Los Pitufos (con un gran monólogo de Donnie), Stephen King o Posesión infernal.
El uso de las canciones es fantástico y de un gran gusto, Kelly tira de clásicos de los 80 no excesivamente conocidos, pero que se adecuan a la perfección a las imágenes (es decir, aportan algo a la película), y que se han vuelto todavía más polares por formar parte de la película, como "The Killing Moon" de Echo and The Bunnymen, "Head Over Heels" de Tears for Fears, "Notorious" de Duran Duran, "Love Will Tear Us Apart" de Joy Division, o "Under the Milky Way" de The Church. Pero la más memorable es la canción con la que se cierra la película, la maravillosa cover de "Mad World" de Tears for Fears que hizo Gary Jules. Es posiblemente el mejor momento del film, con el tema sonando y la cámara pasando por cada uno de los personajes y mostrándose tal y como son, Jim atormentado porque tras su fachada es un ser terrible, Kitty Farmer afligida por sus remordimientos, Karen y Monnitoff juntos, y Donnie feliz.
Entre la versión estrenada en cines y el montaje del director, me quedo con la primera, ya que en el director's cut el ritmo se rompe, la inserción de páginas del libro "La filosofía de los viajes en el tiempo" frena la narración, y todo resulta más pretencioso y menos cercano.
Gyllenhaal está fantástico creando un personaje inolvidable con muy poco, lo que me gusta de su interpretación es que no sólo no se parece a ninguna otra de su carrera, tampoco se parece a ninguna otra del cine.
Y el resto del reparto está a la altura, cada uno con un pequeño papel y su momento de lucimiento, Barrymore gritando por la impotencia de ser despedida, Wyle diciéndole a Donnie que no puede seguir hablando con él por miedo a perder su trabajo, Swayze se luce en la charla en el colegio y en su enfrentamiento con Donnie, o la reacción de Holmes Osborne y Mary McDonnell al saber que Donnie insultó a la profesora. Todos están geniales.
Todo encaja en este puzzle, la madre de Donnie lee "It" y al final de película un chico disfrazado de payaso va en el coche con Frank. Donnie encuentra su destino en una "puerta al sótano", que es justo la combinación de palabras más hermosa en inglés, según le cuenta su profesora. El padre de Donnie le cuenta que los niños entraban a robar a Abuela Muerte, lo mismo que hacen Seth y Ricky. Al igual que en el relato "Los destructores", donde dos jóvenes también entran a robar en la casa de una persona anciana. En la clase sobre "La línea de la vida" Donnie lee una tarjeta sobre alguien que se encuentra una cartera, y poco después él encuentra la de Jim Cunningham. Y cuando le cuenta a Gretchen que en su pasado quemó una casa, ambos se pasan en ese momento por delante de la de Cunningham, la cual quemará más adelante. Donnie apuñala el ojo de Frank en la escena del baño, el mismo ojo donde le pagará un tiro al final de la película, y el mismo que el personaje se toca mientras suena "Mad World".
Donnie Darko coge elementos afines a David Lynch o John Hughes, y de ahí saca algo nuevo y diferente. Te lleva a través de un agujero de gusano hasta un mundo entre la nostalgia y la sátira, para hablar sobre la adolescencia como no se había visto antes. Es una de las mejores óperas primas jamás realizadas. Y una película única.

CURIOSIDADES
Ganó el premio al mejor guión (Richard Kelly) en el Festival de Sitges de 2001.
El póster que Donnie tiene en su habitación, con un ojo en el que se refleja una calavera, es una obra de M.C. Escher, unos de los artistas preferidos de Richard Kelly.
La suma de los números de la cuenta atrás para el fin del mundo (28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos) suman 88. Esto coincide con el año en que acontece la historia, y 88 mph era la velocidad que necesitaba el DeLorean para viajar en el tiempo en Regreso al futuro (1985), que es mencionada en un momento de la película.
Richard Kelly quería utilizar la canción "West End Girls" de los Pet Shop Boys para la escena del baile de Sparkle Motion, pero al final tuvo que cambiarse por "Notorious" de Duran Duran.
En momento de la película, Eddie Darko lee en la cama "Los Tommyknockers" de Stephen King, y en su primera escena, Rose Darko lee "It" del mismo autor.
Kelly desveló que el hombre con el chándal rojo que aparece en un par de momentos de la película, era un hombre que trabaja para una agencia del gobierno, por causa del accidente del avión.
Kitty le dice a la madre de Donnie que conoce a Graham Greene, por la serie Bonanza (1959). Kitty confunde al escritor con el actor Lorne Greene.
En el guión original, Donnie se despertaba de su sonambulismo en un centro comercial, esto fue cambiado por un campo de golf en la película.
El niño al que Jim Cunningham saca al escenario en su charla en el colegio, es el mismo que aparecía en su anuncio porque mojaba la cama.
Al principio de la película, cuando Donnie va en bicicleta hasta su casa, se cruza con Frank en su Pontiac Firebird Trans Am rojo.
En un momento de la película, Gretchen le dice a Donnie que su nombre suena al de un superhéroe. Como sucede con muchos personajes de cómics su nombre es una aliteración, como los de Peter Parker, Bruce Banner, Lois Lane).
La productora Nancy Juvonen tiene un cameo como una auxiliar de vuelo.
En un momento de la película, la profesora Pomeroy dice que un famoso lingüista dijo que "Cellar Door" (puerta al sótano) era la combinación de palabras más hermosa en inglés, estas palabras corresponden a J.R.R. Tolkien.
En el guión original, Donnie contaba a su terapeuta que tenía fantasías con Alyssa Milano, pero después por razones legales fue cambiado por Christina Applegate.
Además de Frank, podemos ver más conejos a lo largo de la película. Mientras Gretchen espera el autobús, pasa a su lado un Volkswagen Rabbit. Cuando Elizabeth está durmiendo en el sillón declinable, hay un conejo de peluche a su lado. Donnie aparece en una polaroid con su hermana disfrazado de conejo. Cuando Donnie habla son su hermana Elizabeth, después que su madre se haya marchado, se puede ver en la cocina una calabaza con la cara de un conejo esculpida. Incluso el grupo que canta "The Killing Moon" es Echo and The Bunnymen.
Cuando rodaron la primera conversación entre Donnie y Gretchen, Jena Malone no dijo correctamente el nombre del profesor Kenneth Monnitoff y Jake Gyllenhaal la corrigió. Richard Kelly dejó ese momento en la película.
En la película, el fin del mundo ocurrirá en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos (28:06:42:12), valor que coincide con el ciclo lunar (27:07:43:11) variando un número.
Richard Kelly le pidió permiso a Peyo, el creado de Los Pitufos, para poder hablar de la sexualidad de sus personajes.
La película conoció una secuela con S. Darko (2009), sin la participación de Kelly en ella, que se centra en el personaje de Samantha Darko.
Richard Kelly sacó la idea de los vectores del futuro que salen del pecho de la gente, del comentarista de fútbol americano John Madden, que utilizaba un "telestrator" para mostrar sobre una imagen en pausa, a donde se iban a dirigir los jugadores. Kelly llevó esa idea a si alguien le estaba haciendo eso mismo a los humanos.

BIBLIOGRAFÍA
How we made Donnie Darko (The Guardian, 12 dic 2016)
Richard Kelly interview (Future Movies, 22 oct 2002)
Beth Grant (AV Club, 12 ene 2010)
Inside Donnie Darko (Live About)
Seth Rogen Interview (Collider, 24 may 2007)
Interview with Richard Kelly (CultureWhisper, 1 mar 2017)
Richard Kelly (1) (2) (3) (4) (5) (6) (7) (8) (9) (10) (11) (12) (13) (14) (15) (Twitter, 15 abr 2020)

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