Saturday, May 07, 2022

Pitch Black

"¿No tendrás miedo de la oscuridad?"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Una nave se estrella en un planeta con tres soles, donde cada 22 años se produce un eclipse, momento en que las criaturas que lo pueblan, salen para alimentarse. Los supervivientes al accidente deberán correr por sus vidas.

ANOCHECER
Ejecutivos de la productora Interscope Communications le propusieron a los guionistas Ken y Jim Wheat (La mosca II), una idea para una película, la de un grupo de personas que llegan a un planeta, donde siempre brilla el sol, hasta que se produce un eclipse, momento en que atacan las criaturas que lo habitan.
Desde ese punto de partida, los Wheat construyeron toda la historia, teniendo siempre como referencia películas como Volvieron cinco (1939), Las arenas de Kalahari (1965) y La diligencia (1939). "Regresamos con una historia de quiénes eran las personas, cómo llegaban allí y qué eran las criaturas," explicaba Jim Wheat a Los Angeles Times. "Lo que buscábamos era el espíritu de los náufragos que intentaban sobrevivir."
Después de dos borradores por parte de los hermanos Wheat, a comienzos de 1998, Interscope contactó con David Twohy para hacerse cargo de la reescritura del guión de "Nightfall" (como se llamaba originalmente la película), pero terminó haciendo mucho más. "Sentían que era un buen concepto que no estaba siendo explotado totalmente," contaba Twohy a la revista Starlog. "Me invitaron a subir a bordo y me dijeron: 'Si puedes hacer que esta historia funcione, también puedes dirigirla'."
De esa forma, además de reescribir el guión, Twohy se sentó en la silla del director. Necesitó cuatro reescrituras para completar el libreto. En los borradores de Ken y Jim Wheat el personaje de Riddick era una chica (y tenía otro nombre), algo que Twohy cambió. Además el director de ¡Han llegado! aportó todos los giros y sorpresas detrás de los personajes. En la versión del guión que data del 12 de septiembre de 1997, Twohy había previsto que Riddick muriese y Fry se salvase, pero los destinos de ambos personajes se intercambiaron en el guión final.
Finalmente el guión tuvo que someterse a un arbitraje por parte de la "Writers Guild of America", para determinar quien sería acreditado en la película, siendo la decisión de la WGA que Twohy y los Wheat compartieran el crédito de escritura.
Pitch Black sería co-producida entre Interscope Communications y Polygram Pictures, y contó con un presupuesto de 23 millones de dólares.

REPARTO
Cuando decidieron reunir al reparto, comenzaron a sonar grandes nombres del cine de acción, pero después de tres semanas de consideraciones, Twohy convenció a los jefes del estudio que era mejor apostar por caras poco conocidas. "Llenar esta película con actores famosos habría aumentado el presupuesto," declaraba Twohy a Starlog, "la habría retrasado al menos dos años, y habría destruido muchas de las sorpresas que había incorporado en la historia." Así que comenzaron la búsqueda de actores menos populares, pero que mejorasen el conjunto de la película.
Aún así, en un momento crucial, cuando Twohy se encontraba en Australia ocupado con la construcción de los sets y localizando, recibió una llamada de Los Angeles diciéndole que le habían entregado el guión a Steven Seagal, y que quería interpretar a Richard B. Riddick. Twohy conocía la mala fama del actor, y les dijo que prefería no hacer la película antes que contratarle. "Hubo una gran pelea por eso," contaba el director a SciFiNow. Finalmente descartaron a Seagal y le preguntaron a Twohy a quien tenía en mente, éste les dio sólo un nombre, Vin Diesel. 
Diesel no era conocido por aquel entonces, y según Twohy no había realizado una buena audición para el papel, pero había convencido al director, sobre todo gracias a su corto Multifacial (1995), que había dirigido el propio actor. Diesel tenía claro qué le gustaba de Riddick y porqué quería darle vida. "Nunca había leído un personaje con un arco tan grandioso," contaba el actor a Starlog"Es mucho más profundo que la película estándar de ciencia ficción. Vi algunos niveles geniales en Riddick. Tenías a este tipo al que temías y no te gustaba, pero finalmente no tenías otra alternativa que confiar en él, si querías sobrevivir. Era algo con lo que podía identificarme." Al final, Ted Field de Interscope apoyó a Twohy, y Diesel fue contratado. Para prepararse para el papel, el musculoso actor decidió dejar a un lado el entrenamiento físico, y centrarse en el yoga y en escuchar música clásica, para ponerse, "en un estado mental de Riddick."
En la australiana Radha Mitchell recayó el papel de la capitana Carolyn Fry. Pese a ser una pequeña película de ciencia ficción, a la actriz no le resultó fácil interpretar a su personaje. "Hay una especie de complejidad en ella, que es realmente confusa," confesaba Mitchell a IGN. "Se supone que es una capitana, pero luego su estado se ve socavado por su propia culpa, y también por los otros personajes que están en la tripulación. Así que, no podía decir: 'Soy la capitana, así que cállate'. Lo que me hubiera gustado haber hecho. Creo que la ambigüedad que había fue probablemente el principal desafío para mí en la película. De alguna manera, hacer que [ella] fuera realista. Porque ellos [Riddick y Johns] eran más grandes y llevaban armas, y sin embargo tenía que tener cierta seguridad en sí misma. Tenía que atravesar todo este arco para finalmente encontrarse a sí misma."
El papel de William J. Johns recayó en Cole Hauser. Al actor le encantó el arco que experimenta su personaje. "Recuerdo haber leído las primeras 60 páginas," contaba Hauser a Starlog, "y haber pensado que iba a ser un buen tipo de principio a fin. Entonces, de repente, obtienes este cambio. David tenía eso en el guión y me encantó." El actor creó un pasado para su personaje, para ayudarle a meterse en su piel. "Vin y yo hablamos mucho sobre dónde han estado estos personajes, de dónde vienen," explicaba el actor a Starlog. "Se nos ocurrieron cosas interesantes que nos ayudaron a ambos."
Keith David (La cosa) se encargó de dar vida a Abu 'Imam' al-Walid. "Lo que me atrajo de Pitch Black es que Imam es un hombre de espíritu y se niega a renunciar a su fe," confesaba el actor a Starlog"a pesar de que es sacudida y, en algunos puntos, destrozada." Keith se preparó de forma concienzuda para su papel, estudio el Corán, habló con tres eruditos religiosos y leyó sobre las bellezas del Islam.
La australiana Claudia Black interpretó a Sharon 'Shazza' Montgomery. La actriz tuvo que compaginar el rodaje de la película con el de la serie Farscape (1999-2003), lo cual fue realmente agotador para ella. "¡Subir a un avión cada dos noches para ir a Queensland o regresar a Sídney!," contaba Black a Starlog. "Casi no quería volver a actuar después de hacer Pitch Black."
El resto del reparto lo formaron Lewis Fitz-Gerald (Paris P. Ogilvie), Rhiana Griffith (Jack), Simon Burke (Greg Owens), John Moore (John 'Zeke' Ezekiel), Les Chantery (Suleiman), Sam Sari (Hassan) y Firass Dirani (Ali).

RODAJE
La fotografía principal de la película comenzó el 13 de marzo de 1999, y terminó el 30 de julio del mismo año. Por razones presupuestarias decidieron rodar en Australia. Los 70 días de rodaje (de jornadas de 17 horas cada día, durante seis días a la semana), se repartieron entre los "Village Roadshow Studios" en Queensland (para los interiores), y Coober Pedy, el mismo desierto donde ser rodó Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno (1985), para los exteriores. En Estados Unidos rodaron en los "New Deal Studios" de Los Angeles, las escenas del interior de la nave, y las que implicaban miniaturas.
La película se rodó de forma casi cronológica. Primero rodaron todos los exteriores a la luz del día, y después las escenas nocturnas, tanto en exteriores como en decorados. Las escenas con pantalla azul se dejaron para el final del rodaje.
Rodar en las antípodas no les puso las cosas fáciles al equipo. "La desventaja de rodar en Australia era que la compañía filmaría en pleno invierno de ese país," contaba el director a Starlog, "limitada a ocho horas de luz solar." A eso había que sumar la dificultad de rodar en el desierto, y los problemas que conllevaba su climatología. "Tuvimos vientos de más de cien kilómetros por hora," recordaba el productor Tom Engelman en Imágenes de actualidad"lluvias constantes, temperaturas polares."
El frío fue el mayor problema con el que se encontró Diesel durante el rodaje. "El primer día estaba absolutamente helado," contaba el actor a Starlog, "y Radha y yo estábamos en camiseta sin mangas. Ya hacía frío, pero las escenas que estábamos filmando requerían que nos rociaran con agua [para que pareciera que estaban sudados], por lo que sólo nos enfrió más. Era insoportable, tratar de actuar mientras trataba de no temblar. Era como temblar, temblar, temblar, y decían acción, y tendríamos que recobrar la compostura." Según contaba Hauser, llegaron a experimentar temperaturas de 5ºC, cuando se suponía que debían estar en un cálido planeta desértico.
Diesel y Hauser realizaron personalmente casi todas sus escenas de riesgo. Esto pasó factura al protagonista de xXx, rodando la escena en la quita la lona para revelar que Jack está escondida, se hizo daño en el hombro, ya que se olvidaron de soltar la lona antes de rodar la escena, y tiró de ella con mucha fuerza. Cuando rodaron la escena en la que Riddick está amordazado dentro de la cámara de criogenia, a Diesel le dio un ataque de claustrofobia. Y fue idea de Hauser de que su personaje se inyectara droga en el ojo, y se lo propuso a Twohy, quien aceptó incluirlo en la película. El propio actor rodó el plano en el que se mete una aguja en el conducto lacrimal, pero para su seguridad se trataba de una aguja retráctil.
Cuando tocó rodar el plano en que Riddick se disloca los dos hombros para escapar, Diesel les mostró a todos que podía hacer la escena sin necesidad de efectos, girando los brazos por encima de su cabeza cogiendo una cadena. Pero cuando le pusieron las esposas y las cadenas, no fue capaz de replicarlo porque no podía girar las manos lo suficiente, así que tuvieron que recurrir a efectos visuales para completarla.
Para crear el efecto de los extraños ojos de Riddick, se hizo uso de CGI y de lentillas, las cuales eran unos prototipos que nunca se habían utilizado antes. El primer día que Diesel las utilizó, después no lograron quitárselas, por lo que tuvieron que llamar a un optometrista que se encontraba a tres horas de distancia. Al final el actor acabó en un hospital, porque tenía un pequeño rasguño en el ojo.
Tanto se metió Diesel en su papel, que comenzó a comportarse como Riddick en el rodaje. "Durante las primeras escenas," confesaba el actor a Starlog"cuando Riddick está en su peor momento, causé mucha tensión en el set."
Y si la climatología y los accidentes no causaban suficientes problemas, el mayor estaba por llegar, en medio del rodaje, Polygram Pictures, estudio que financiaba la película, fue cerrado. "¡De repente estoy filmando la película y ni siquiera sé si hay un estudio detrás de esto!," contaba Towhy a SciFiNow. Aún así el rodaje siguió adelante.
La película posee un peculiar estilo visual, el cual se consiguió mediante un proceso que se llama omisión de blanqueo, mediante el cual se altera el negativo de la cámara. Para ello, se deja, "algo más de plata en la emulsión, redistribuyendo los colores y acentuando el contraste," explicaba el director de fotografía David Eggby a Imágenes de actualidad. "El resultado es un cielo amenazante, perturbador."  Además la fotografía juega mucho con los colores, y a lo largo de la película se van cambiando de unos a otros, algo que no es para nada arbitrario, como el planeta epicentro de la película tiene tres soles, "[los diferentes colores] eran sólo una forma de entender qué sol estaba en el cielo en un momento dado, antes del eclipse," explicaba Twohy a SciFiNow.
Pese a ser una película con un presupuesto reducido, contó con unos resultones efectos visuales (cerca de 200 planos), los cuales corrieron por cuenta de varias empresas. Los efectos digitales fueron obra de "Double Negative (DNEG)", con Peter Chiang a la cabeza como supervisor. Y "Hunter/Gratzner Industries" se hizo cargo de los efectos con miniaturas. 
Pero lo más recordado de la película son las criaturas que pueblan el planeta de tres soles, conocidas como "bioraptors". Patrick Tatopoulos (Dark City) fue el encargado de diseñarlas. Los productores se pusieron en contactó con él, durante el rodaje de Godzilla (1998). El diseñador pronto tuvo claro su enfoque sobre los monstruos. "Sabía que esto iba a ser una especie de criatura que habita en cuevas," explicaba Tatopoulos a Starlog. "Inmediatamente sentí que sería una especie de murciélago, así que se me ocurrió la idea de dejar ciegas a las criaturas. Un monstruo ciego con grandes mandíbulas chasqueantes, era una imagen muy perturbadora para mí, algo que realmente me asustaba." Sus diseños gustaron a los productores, pero le quedaba aún conocer a Twohy. Tatopoulos y el director trabajaron juntos para dar los últimos retoques a los diseños. Después "John Cox's Creature Workshop" fue la responsable de construir a los "bioraptors" basándose en los diseños de Tatopoulos. Ya habían construido una primera versión en espuma de látex, cuando el productor de la película, les comunicó que había conseguido a un distribuidor para la película, el cual no quería que la criatura tuviera una única cola, ya que le recordaba demasiado a la de un dinosaurio, por esa razón la cola se dividió en dos. Se construyeron dos animatronics completos de fibra de vidrio, con todos los mecanismos que los hacían funcionar en su interior, y la "piel" se hizo de espuma de látex. Todas las escenas con los animatronics se rodaron en los estudios de Village Roadshow en Queensland.
Los brazos de las criaturas eran operados por dos titiriteros, encargándose cada uno de un brazo. En la escena en la que una de las criaturas ataca a Riddick y éste agarra sus patas, Diesel realmente estaba luchando con dos personas al mismo tiempo. Las garras eran de un material duro, no disponían de garras blandas para no dañar al actor, de modo que Diesel realmente trataba de mantenerlas fuera de su cara para que no le hirieran.
Como querían conseguir una calificación por edades PG-13, no podían mostrar sangre abiertamente, algo que en una película de terror llena de muertes escabrosas es difícil de evitar, así que decidieron usar sangre azul para esquivar a la MPAA. "De esa manera podríamos simplemente tirarla por todas partes," contaba John Cox a Befores & Afters, "en la gente, en el suelo, en las criaturas, y sin tener que preocuparse por una calificación, ya que no parecía sangre humana." Así consiguieron la calificación deseada.
Una de las escenas más sangrientas de la película fue una de las más divertidas de rodar, aquella en la que los protagonistas tienen que correr a través de una garganta, con todas las criaturas sobrevolándolos mientras se matan entre ellas. "Creo que teníamos nueve biorraptors livianos de tamaño completo, y partes del cuerpo y cubos de sangre y tripas," contaba Cox a Befores & Afters. "Mientras los actores corrían por esa garganta, nosotros simplemente los arrojábamos desde lo alto del acantilado detrás o frente a ellos. Eso fue muy divertido."
Graeme Revell (El cuervo) fue el encargado de componer la música para la película. Twohy le convenció para sumarse al proyecto y el compositor tenía claro el enfoque de su partitura. "No hay mucha acción en ella, en parte porque no es una película de gran presupuesto," declaraba Revell a Soundtrack Magazine, "por lo que fue un desafío para mí intentar inyectarle ritmo y pulso a la película."
Originalmente la película tenía tres protagonistas, Riddick, Fry y Johns, pero durante el montaje y los pases de prueba, se dieron cuenta de que el primero era el que más gustaba al público, por lo que decidieron potenciarlo en el montaje final. 
Cuando completaron la película, tras la quiebra de PolyGram no tenían un distribuidor para la película. Por un momento se planteó estrenarla directa a vídeo, pero al final apareció al rescate Universal Pictures (a través de USA Films, ahora Focus Features), que llegó a un acuerdo con PolyGram para distribuir Pitch Black.
La película llegó finalmente a las salas de cine de Estados Unidos el 18 de febrero de 2000, y resultó ser un éxito sorpresa. En territorio norteamericano recaudó 39.240.659 de dólares. Y la recaudación final a nivel mundial 53.187.659 de dólares.

MONTAJE DEL DIRECTOR
Existe un director's cut de la película, que dura poco más de 3 minutos con respecto a la versión estrenada en cines. Las escenas adicionales de este montaje son las siguientes:
1. Iman le habla a Fray de su peregrinaje a la Meca y de sus ritos.

2. Un breve momento en el que Shazza mira en dirección a las rocas donde Zeke está cavando.

3. Mientras se dirigen a comprobar las cavernas, Johns y Fry discuten si Riddick fue quién mató a Zeke. El primero lo cree culpable, y la segunda quiere encontrar el cuerpo para saber si realmente lo es.

4. Todos se preocupan del estado de la nave de emergencia. Johns le da tareas a Riddick para mantenerlo ocupado. Y Jack revisa la base encontrando juguetes y otros objetos.

5. Shazza le da a Riddick un respirador de aire, para pedirle disculpas por haberle acusado de la muerte de Zeke.

6. Johns le muestra a Fry la cicatriz de una herida provocada por Riddick, y le cuenta como los médicos tuvieron que dejarle dentro un trozo de navaja, esa es la razón por la que toma drogas.

VALORACIÓN
Pitch Black es pura serie B bien entendida. Saca todo el partido de su bajo/medio presupuesto, lo que le permite, al no ser una superproducción, correr riesgos y hacer cosas inesperadas.
La película trata del miedo, uno básico como es el miedo a la oscuridad, el cual saca a su vez los temores de cada uno de los personajes. Jack teme que descubran su sexo y que la traten diferente por ser una chica. Fry teme perder a su tripulación. Paris teme perder sus posesiones. Johns teme morir. Y todos temen a Riddick (y a las criaturas).
Pitch Black es un puro survival, que da pie para hablar de la condición humana, como se comportan las personas en una situación límite de vida o muerte, como sale a relucir lo mejor de unos y lo peor de otros. Las personas llegan a ser tan peligrosas como las criaturas, como lo refleja Johns cuando trata de convencer a Riddick para matar a Jack y usarla de carnaza.
Los personajes nunca son lo que parecen, creemos que Johns será el héroe, pero termina siendo un ser deleznable. Riddick es un peligroso criminal, pero termina salvando a los demás. Jack resulta ser una chica. Y al principio a Fry no le importa su tripulación, pero termina dando su vida por ella.
Todos los personajes tienen matices y resultan interesantes. Iman tiene una fe inquebrantable pese a que todo lo que le sucede, y es constantemente puesta a prueba. Jack se siente fascinada por Riddick y comienza a imitarlo. Y Riddick es la antítesis del antihéroe. Aunque puede que el personaje con mejor arco sea Fry, cuando comienza la película no duda desprenderse de una sección de la nave, lo que mataría a todos sus pasajeros, no se ha ganado el puesto capitana, de hecho, no es la capitana de la nave, sólo ocupa el cargo porque muere el verdadero capitán. Conforme avanza la película, va asumiendo su cargo y la responsabilidad que conlleva, y al final Riddick le hace admitir que moriría por los demás, cosa que desgraciadamente le termina sucediendo.
Todos los actores cumplen sobradamente en sus papeles, tomándose en serio sus roles en esta historia de ciencia ficción. Riddick es posiblemente el mejor personaje al que ha dado vida Vin Diesel, mucho más icónico e interesante que el Dominic Toretto de The Fast and the Furious (2001) o el Xander Cage de xXx (2002). Aunque en ocasiones con tanta pose, cae un poco en el ridículo, aún así es un personaje bastante memorable, y Diesel le aporta su gran presencia física.
Twohy se encuentra cómodo rodando este relato de ciencia ficción, apoyándose en su estupendo guión, y le imprime un buen ritmo a la historia, en la que nunca hay lugar para el aburrimiento. Y además crea momentos de lo más inspirados, como la muerte de Paris, escupiendo una llamarada de fuego que revela que está rodeado de criaturas en la oscuridad, y conforme se desvanece la luz, éstas se van acercando a él, quedando su muerte fuera de cámara.
En ocasiones la fotografía molesta y poco, y el montaje tiene algunos tics de comienzos del 2000, con aceleraciones y desenfoques, que han envejecido mal. Aunque los cambios de color tienen su justificación, saber en que parte del planeta se encuentran los personajes, en función del sol que tienen más cerca (lo que es una buena idea). Pero una vez llega la oscuridad, el montaje y la fotografía se relajan, algo que se agradece. Aún así esa fotografía de colores le aporta a la película un estilo visual propio y personal.
Las criaturas resultan icónicas, como ese planeta con tres soles, y el eclipse que se produce en él cada 22 años. Aceptamos la increíble casualidad que el eclipse suceda justo en el momento en que se estrella la nave, porque el guión inteligentemente va creando tensión en torno al planeta, y como se van sucediendo una serie de extraños acontecimientos que nos adelantan que algo sucederá (como la muerte de Zeke, la aparición de enormes esqueletos, los restos de las anteriores personas que habitaron la base, o el ataque de los pequeños "bioraptors" a Ali), y cuando llega el eclipse, queremos que ocurra. En eso también la beneficia al tratarse de una película con espíritu de serie B, aquí hemos venido a divertirnos y a vivir una gran aventura.
De las tres entregas de la saga Riddick hasta la fecha, Pitch Black sigue siendo la mejor de ellas. La segunda resulta demasiado aparatosa, y la excelente tercera entrega recuperaba el tono de serie B que tan bien le sienta al universo de Riddick.
Pitch Black es una gran entretenimiento, una pequeña joya que corre riesgos que una superproducción nunca tomaría. Es directa, violenta, llena de giros y apoyada en buenos personajes. Fue el inicio de una interesante saga, y lanzó la carrera de Vin Diesel. Lo que no es poco. Pocas veces tener miedo a la oscuridad ha sido tan genial.

CURIOSIDADES
La nave que transporta a los protagonistas se llama "Hunter/Gratzner", al igual que la empresa de efectos visuales encargada de las miniaturas. 
Fue nominada a los premios Saturn en la categoría de mejor película de ciencia ficción.
En la secuencia inicial, no tenían ningún plano de Simon Burke saliendo de la cámara de criogenia, así que utilizaron uno de Cole Hauser.
El plano de apertura de la película, de la nave viajando por el espacio, se incluyó después de que en los pases de prueba, el público no fuera consciente de donde se situaba la escena.
El momento en el que Riddick aparece sentado en la silla de Paris, después que Zeke mate por error al superviviente del accidente, fue una sugerencia de última hora de Vin Diesel.
Keith David improvisó la frase: "Ahí está mi Dios, Sr. Riddick."

BIBLIOGRAFÍA
The Brothers Grim (Los Angeles Times, 18 feb 2000)
Starlog Magazine (nº 271, 272, 273, 274, 278, 283)
Interview with David Twohy (SciFiNow, 14 ago 2020)
Imágenes de actualidad (nº 192)
Graeme Revell on scoring Tomb Raider (Soundtrack Magazine Vol. 20 nº 78, 2001)
The Making of 'Pitch Black' (2000)
Comentarios del director (DVD)

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Friday, April 08, 2022

70 minutos para huir

Este artículo contiene spoilers como bombas nucleares, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un hombre contesta a una llamada telefónica que le advierte que la ciudad en la que encuentra será destruida por armas nucleares. Sólo tendrá 70 minutos para ponerse a salvo.

Para escribir este artículo he contado con la ayuda de excepción de Steve De Jarnatt, director y guionista de 70 minutos para huir, quien fue muy amable al responder a mis preguntas, y logró así rellenar todos los espacios en blanco que tenía sobre la génesis de su película. ¡Muchas gracias por todo Steve!

APOCALYPSE NOW
Steve De Jarnatt escribió el guión de 70 minutos para huir (Miracle Mile, 1988) como un intento de, "exorcizar mis pesadillas nucleares que tuve cuando era niño. Quería sacudir a la gente sobre la amenaza olvidada de miles de ojivas apuntadas entre sí y preparadas para ser lanzadas." El primer borrador data de finales de 1979, pero el proyecto se pasó casi 10 años en desarrollo hasta que llegó a materializarse. El guión de 70 minutos para huir alcanzó un gran prestigio, tanto que fue incluido en la lista de los 10 mejores guiones no producidos de la revista "American Film" en 1983. Según De Jarnatt, la razón por la que la película tardó tantos años en realizarse era que no tenía un final feliz.
Inicialmente De Jarnatt le presentó su idea a Mark Rosenberg, jefe de producción de Warner Bros., a quien le gustó. Le pagaron cerca de 18.000 dólares por escribir el guión, y De Jarnatt tardó un año en presentarlo, aunque según reconocía, lo escribió en tan sólo tres semanas, pero era muy extenso. Rosenberg dio el ok para el desarrollo de la película.
Pasó el tiempo, y la película seguía sin rodarse, por lo que De Jarnatt pidió recuperar su guión, Warner accedió a darle una opción gratuita durante un año. "Luego tuve que optar por dos años más por 5.000 dólares," me explicó De Jarnatt. "La siguiente vez que surgiera la opción, yo podría comprarlo directamente, y otros también podrían hacerlo y lo iban a hacer." Para que no cayera en otras manos y como soñaba con rodar la película, decidió recomprar su propio guión. "Escribí el primer borrador de Extraño brebaje (1983), y fui brevemente el director (hasta que se convirtió en una película canadiense)," me explicó De Jarnatt. "Me pagaron 50.000 dólares para NO dirigirla. Le di todos esos dólares a Warner Bros. para poseerlo totalmente (después de impuestos, etc., quedó en 35.000 dólares)." De esa forma el director fue de nuevo el dueño de su guión.
En 1982, Rosenberg tuvo la idea de convertir el guión de 70 minutos para huir en la adaptación al cine de The Twilight Zone antes de que Spielberg y Landis la convirtieran en una película de segmentos (En los límites de la realidad (1983)). "Me ofrecieron 400.000 dólares para venderlo de nuevo," me contó De Jarnatt. El director puso como única condición para deshacerse de él que George Miller (Mad Max 2: El guerrero de la carretera) lo dirigiera, pero eso no ocurrió y se negó a venderles de nuevo el guión. La idea de la Warner era mantener toda la historia, pero cambiando el final, con el protagonista despertándose y descubriendo que todo había sido un sueño, para que todo volviera a empezar de nuevo.
De Jarnatt reescribió una y otra vez el arranque de la película, todo lo que ocurre antes de que el protagonista conteste al teléfono. En la primera versión del guión ese arranque tenía cerca de 200 páginas. E inicialmente el personaje de Harry era un hombre de unos 40/50 años, que tras 15 años volvía a Los Angeles para ver a sus hijos y trataba de reconciliarse con su exmujer, pero posteriormente De Jarnatt decidió rejuvenecer al personaje y hacer que conociera a una chica de la que se enamora. Esa trama de reconciliación se convirtió en la de los abuelos de Julie Peters.
Inicialmente el director había ideado rodar la película en un único plano secuencia, pero terminó descartándolo. Los años pasaban y la película seguía sin ponerse en marcha, De Jarnatt sólo deseaba rodarla y por el camino rechazó dirigir otras películas. "Como la primera película de Pee-wee Herman," me contó el director.
A punto estuvo de hacerla en Orion, pero uno de los jefes del estudio quería que De Jarnatt cambiase el guión para que los rusos atacaran primero, y no lo americanos, pero de hacer eso no habría película, porque ese tiempo hasta que los rusos contraatacan es lo que le daba a la película los 70 minutos que necesitaba para contar la historia.
Cuando el proyecto estuvo bajo el paraguas de Orion, en un punto iba a realizarse con Nicolas Cage de protagonista y con un presupuesto de 2 millones de dólares, pero según contaba el director, recibió una llamada del abogado de Cage (que también era el de Francis Ford Coppola) diciéndole que debía retrasar su película durante año y medio para que el actor pudiera trabajar en Peggy Sue se casó (1986) y en otras películas. Con ese panorama De Jarnatt decidió rodar Cherry 2000 (1987) para Orion, proyecto que Mike Medavoy le había ofrecido ese mismo día. Más tarde, Cage contactó con el director diciéndole que quería hacer la película y que su abogado sólo estaba fanfarroneando. De Jarnatt estaba comprometido con Cherry 2000, y no podía hacer 70 minutos para huir en ese momento. Cage quedó fuera de juego, y su película soñada siguió esperando.
Al final 70 minutos para huir terminó en Hemdale Film Corporation, con John Daly y Derek Gibson como productores asignados.

REPARTO
De Jarnatt escribió el papel de Harry Washello con Gene Hackman en mente. Paul Newman llegó a leer el guión, pero eso es lo más cerca que estuvo de interpretarlo. Como comentaba antes, Nicolas Cage a punto estuvo de hacerlo. El director se reunió con Kurt Russell varias veces, y le llegaron a ofrecer cerca de 500.000 dólares cuando la película se iba a realizar en Orion, pero tampoco fue adelante. Y Sting fue otro de los candidatos.
Anthony Edwards leyó el guión por primera vez en un avión, y no le gustó, pero se le quedó metido en la cabeza y comenzó a hablar sobre él con el pasajero que iba a su lado, y al terminar el vuelo se dio cuenta de que era bueno. Tras el enorme éxito de Top Gun (1986), Edwards tenía la popularidad suficiente como para poder protagonizar una pequeña película como 70 minutos para huir, y así pudo llevarse el papel de Harry. 
Cuando Nick Cage iba a protagonizar la película, De Jarnatt quería a Jennifer Tilly para el papel de Julie Peters. Edwards conocía a Mare Winningham y así entró en el proyecto. El estudio quería a una actriz más espectacular, pero para el director ambos hacían una pareja que parecía real, por lo que era la elección perfecta. Tan buena pareja hacían, que muchos años después de rodar la película se terminaron casando.
John Agar dio vida a Ivan Peters, el abuelo de Julie Peters. El actor trabajó durante dos semanas en la película. Y a su mujer Lucy, la interpretó la actriz Lou Hancock.
Mykelti Williamson se hizo con el papel de Wilson. "Llegó, leyó, y lo elegimos," recordaba De Jarnatt. "Podría soltar una lágrima mientras muere en cada toma (antes de Forrest Gump!!)."
Kurt Fuller consiguió el papel de Gerstead gracias a ser recomendado por Anthony Edwards.
Denise Crosby se hizo con el papel de Landa, una mujer del gobierno que se encuentra en el Johnie's Coffee Shop. Mientras trabajaba en el película la actriz estaba haciendo al mismo tiempo las audiciones para la serie Star Trek: La nueva generación (1987-94), en la que interpretó a Tasha Yar, papel que le dio una gran popularidad.
Jack Nance rechazó el papel de Fred, que finalmente fue interpretado por Robert DoQui. 
Después de trabajar con Claude Earl Jones en Cherry 2000, volvió a contar con él para esta película, para el papel de Harlan, el barrendero. Según contaba el actor, De Jarnatt le dejó improvisar.
Alan Rosenberg se encargó de interpretar a Mike. Curiosamente el actor era el hermano de Mark Rosenberg, quien diera luz verde a la película cuando era el presidente de Warner.
Raphael Sbarge interpretó a Chip, la voz al otro lado del teléfono que advierte a Harry de la catástrofe inminente. "Tuvimos una audición [telefónica] extraña de Crispin Glover, que se alargó durante unos 15 minutos," me reveló De Jarnatt. El George McFly de Regreso al futuro, fue fiel a sus excentricidades, y decidió interpretar a Chip como si fuera retrasado. Falta decir que De Jarnatt lo rechazó, tras no parar de reírse durante la prueba.
Después de ver Aliens (1986), De Jarnatt contactó con Jenette Goldstein para conocerla. Al final le dio el papel de una de las dos mujeres armadas que tratan de escapar en el helicóptero, y también le permitió improvisar.
Y el actor (y futuro director) Peter Berg tuvo su debut en el cine con un pequeño papel como miembro de la banda en la que toca Harry. Además Berg fue el doble de luces de Edwards y llegó a doblarle en algunos planos.
En el resto de papeles podemos encontrar a Kelly Jo Minter (Charlotta, la hermana de Wilson), O-Lan Jones (en la piel de una camarera del Johnie's Coffee Shop), Danny De La Paz (interpretando a un travestí), Diane Delano (dando vida a una azafata), Earl Boen (como un borracho en la cafetería), y Brian Thompson (quien interpreta a un piloto).

RODAJE
Con un presupuesto de 4,4 millones de dólares la película se rodó durante siete semanas durante la primavera de 1987, en diferentes localizaciones de la ciudad de Los Angeles. Fue un rodaje principalmente nocturno, y normalmente se filmaba un plano de cada amanecer.
Filmaron en localizaciones características de la ciudad angelina como La Brea Tar Pits, el Muelle de Santa Mónica, el Pan-Pacific Auditorium, el Mutual Benefit Life Building o el Johnie's Coffee Shop (cafetería donde sucede gran parte de la película).
Para las escenas de los disturbios cortaron Wilshire Boulevard, y rodaron durante toda una noche utilizando enormes luces como las usadas en los estadios de béisbol.
Rodaron las escenas del alcantarillado en un auténtico desagüe de aguas, que resultó ser tóxico. Cuando un responsable del sistema de alcantarillado les advirtió de las enfermedades que podrían contraer, la mitad del equipo se marchó. Edwards se llevó la peor parte, ya que le salió un gran sarpullido por rodar allí.
Aunque fue un rodaje agradable, no estuvo falto de presión. El presupuesto era tan justo que no creían que fuera suficiente para rodar la película, y la aseguradora le advirtió a De Jarnatt que si se retrasaba dos días lo despedirían (incluso había un director en la retaguardia esperando para sustituirle). Por suerte, se mantuvo dentro del calendario y eso no llegó a suceder.
De Jarnatt contó con el director de fotografía Theo van de Sande (Blade), a quien ya había querido contratar para Cherry 2000, algo que no fue posible, pero sí lo logró para 70 minutos para huir. Según de Sande, decidió mostrar Los Angeles de una forma abstracta y áspera.
Para ayudar a Anthony Edwards en la escena que recibe la llamada telefónica, utilizaron a un chico para que leyera las frases de Chip (la voz al otro lado del teléfono) en el set. "Fue como la primera semana de rodaje," me contó De Jarnatt, "y [el chico] se quedó bloqueado en el momento, lo arruinó. Fue una actuación horrible. Tuve que eliminarlo, y hacer que el supervisor de guión leyera con Tony, quien realmente tuvo que hacer un trabajo imposible (y brillante), hacer que esa larga escena de una sola toma funcionara (la película se desmoronaría si no lo hace). Más tarde, un gran actor, Raphael Sbarge hizo la voz de Chip en la postproducción."
En la escena del restaurante, hubo lugar para la improvisación. Como por ejemplo con el chiste que cuenta Claude Earl Jones (Harlan), lo curioso es que el actor realmente no sabía como terminaba, y volvió loco al equipo que trataba de resolverlo.
Se rodó material no incluido en el montaje final. Por ejemplo, de la secuencia inicial en la que Harry y Julie se conocen, se rodaron dos versiones diferentes. Y hay una secuencia completa que De Jarnatt descartó, y que estaba protagonizada por Joe Turkel (El resplandor), quien bajaba en el ascensor del clímax con una mujer, mientras él recitaba el "Infierno" de Dante. Cuando llegaban al final del trayecto, se encontraban con que pasaban cosas realmente horribles y después subían. El director se dio cuenta que la escena no funcionaba y no la incluyó en la película.
El presupuesto asignado para efectos visuales fue de tan solo 25.000 dólares, lo que no hizo posible incluir un hongo nuclear en el clímax, tal y como deseaba el director.
El presupuesto era tan bajo que cuando rodaron el momento en que Kurt Fuller (Gerstead) presencia el impacto de los misiles, colocaron pudin en sus manos, y el actor se lo restregó en sus ojos después de encender una luz, creando el efecto de que estos estaban supurando.
Tras terminar la fotografía principal, De Jarnatt se pasó un año rodando tomas de segunda unidad por su cuenta con un pequeño equipo, y en ocasiones llamaba a Edwards y Winningham para rodar algún plano con ellos (como prácticamente todo el arranque de la película). Al final terminó rodando entre 10 y 15 minutos de la película final. Algunos de los gastos fueron reembolsados por Hemdale, pero otros no, y el director llegó a tener una deuda personal de 150.000 dólares, aunque según admitía, no cayó en bancarrota.
La primera opción de De Jarnatt para componer la música fue Tangerine Dream. El director había escrito el guión escuchando una y otra vez su banda sonora para Carga maldita (1977), e incluso llegó a utilizarla como música temporal en el montaje preliminar de 70 minutos para huir (además de otras partituras de Tangerine Dream). Le envió este montaje al grupo, que tras verlo quiso participar en la película (más concretamente Edgar Froese y Paul Haslinger). El director se pasó una semana con ellos en Viena trabajando en la música.
Inicialmente estaba previsto, que una vez el helicóptero se hundía al final de la película con los dos protagonistas dentro, una luz blanca se fusionaba en dos diamantes que se alejaban flotando, una forma de cerrar la película con un toque positivo. Cuando John Daly lo vio le aconsejó a De Jarnatt que lo eliminara, para así hacer el final más pesimista, algo extraño en un productor. Daly también sugirió otro corte, un plano de Wilson (Mykelti Williamson) llevando a su hermana en las escaleras mecánicas totalmente ensangrentado. 
El pase de prueba de la película fue en Secaucus (New Jersey), y fue bien recibida por el público (algunos hombres terminaron llorando en el baño).
Pero el estreno de la película no fue tan positivo. La película llegó a las salas de cine el 19 de mayo de 1989 (cabe recordar que la película se había filmado en la primavera de 1987), aunque se vio por primera vez en el "Festival Internacional de Cine de Montreal" el 3 de septiembre de 1988. Sólo recaudó 1.145.404 de dólares en el territorio de Estados Unidos y Canadá. En España la película llegó directamente a vídeo en 1991. Y fue justamente gracias al vídeo doméstico, que la película fue descubierta por el público y se convirtió con el paso de los años en una película de culto.
De la recaudación que hizo en vídeo, De Jarnatt no vio ni un dólar, según cuenta el director, Hemdale le debía entre 300.000 y 400.000 dólares en residuales que nunca cobró. La compañía cerró en 1995.

VALORACIÓN
70 minutos para huir es una de las joyas del fantástico más olvidadas de los ochenta. No es una película perfecta, tiene algunos tics del cine de su década (sobre todo estéticos), pero el altamente interesante y habla de un temor que está presente y siempre vuelve, el miedo a la guerra nuclear.
Se palpa la tensión en cada fotograma, ese el mayor logro de la película, consigue meternos dentro de esta historia apocalíptica en la que apenas llegamos a ver el apocalipsis. La historia de Harry se siente cercana porque es un hombre normal, y nos resulta fácil identificarnos con él, porque la película se centra sólo en un personaje, no se conseguiría el mismo efecto si fuera una película más coral. Y el que está narrada en casi tiempo real y durante una sola noche, hace que aumente la sensación de tensión. 
Inteligentemente el director nos introduce poco a poco algún presagio de que algo malo va a pasar, como esas ratas que caen de una palmera sobre el coche de Harry. Y una vez se inicia la acción, suceden otros momentos que nos presagian el trágico final, como esa escena de los policías quemándose vivos accidentalmente (la humanidad será pasto de las llamas sólo unos minutos después).
Otra idea interesante es que no sabemos las razones del porqué del ataque. Conocemos la historia al mismo tiempo que Harry y tenemos la misma información que él, es un acierto que nunca se revelen las causas de la catástrofe.
Es una película del fin del mundo casi minimalista,y aún pese a su bajo presupuesto, las escenas finales de los disturbios son muy efectivas.
Otro de los aciertos de la película es cerrar con un final triste, la solución fácil sería que los protagonistas se salvasen, pero ese nunca podría ser el final, sólo puede terminar con las bombas cayendo y ambos muriendo. No existe otro final posible si el mensaje de la película es alertar del peligro de las armas nucleares.
La película te pone en la situación de preguntarte si supieras que el mundo se va acabar esta misma noche qué harías. Cada personaje reacciona de una forma distinta. Harry pese a que acaba de conocer a Julie, está tan enamorado de ella que lo arriesga todo para salvarla. Por su parte, Wilson decide ir a por su hermana. Landa y la mayoría de los de la cafetería deciden poner rumbo a la Antártida. Y los abuelos de Julie se reconcilian después de 15 años, y deciden que en lugar de tratar de escapar, prefieren pasar el poco tiempo que les queda juntos.
Pese a todas esas pequeñas tramas, 70 minutos para huir es una historia de amor que dura solo un día, pero que al mismo tiempo es toda una vida, Harry y Julie se encuentran justo antes de que se acabe el mundo, pero estarán juntos para siempre en una tumba de alquitrán.
Se nota el cariño que De Jarnatt le pone a la película, y se encuentra muy cómodo rodándola, creando momentos realmente inspirados, como la escena de la llamada en la cabina rodada en un solo plano, o ese contrapicado de Harry en la calle mirando hacia la azotea del rascacielos. Y tiene grandes ideas de guión, como ese momento en que Harry llama por teléfono al padre de Chip. Su libreto está bien construido, De Jarnatt le da a Harry una motivación para que se separe del grupo que se dirige a la Antártida, y así mantenerle ocupado durante toda la película, ¿y qué mejor excusa que encontrar al amor de tu vida?
La película muestra Los Angeles como una ciudad extraña, siempre nocturna, llena de personajes y situaciones raras, como si estuviéramos viviendo un sueño, como ese momento en que Julie se despierta dentro de carrito de supermercado y se encuentra llevada por Harry por en medio de la ciudad. También parece que nosotros nos hayamos despertado en un mundo extraño donde no entendemos del todo lo que sucede.
Aunque desde el momento en que suena el teléfono los acontecimientos se precipitan, nunca tengo claro cuanto tiempo queda para la hora de la destrucción, debería reflejarse mejor mediante los diálogos o la inserción de relojes, lo que daría una mayor sensación de inmediatez y de miedo. Tampoco me resulta creíble que Harry recoja a Wilson en el coche de policía cuando acaba de provocar accidentalmente la muerte de dos agentes, y haya volado una gasolinera por los aires (seguramente el dependiente haya muerto también). Ni tampoco que no quiera contarle a Julie la verdad sobre el ataque inminente, y trate de mantener la mentira todo el rato. Y el primer plano de la película, con Harry tocando el trombón con una foto de Julie, despista al espectador, porque ese momento no ocurre dentro de la trama, simplemente parece ser la imaginación de Harry. Pero son pegas menores.
La música de Tangerine Dream funciona bastante bien para crear atmósfera, pero algún tema recuerda demasiado a su trabajo previo en Risky Business (1983).
Tiene un curioso e interesante plantel de actores secundarios, que dan a esta pequeña película la apariencia de ser algo más grande, podemos ver en pequeños papeles a John Agar (La venganza del hombre monstruo), Lou Hancock (Terroríficamente muertos), Mykelti Williamson (Forrest Gump), Kurt Fuller (Los Cazafantasmas II), Denise Crosby (El cementerio viviente), Robert DoQui (RoboCop), O-Lan Jones (Eduardo Manostijeras), Earl Boen (Terminator), Brian Thompson (Cobra, el brazo fuerte de la ley) y Jenette Goldstein (Aliens).
Fue parte de una corriente de películas de los ochenta, cuya trama trataba sobre el miedo a la guerra nuclear, como El día después (1983), Testamento final (1983), Juegos de guerra (1983), Threads (1984), Cuando el viento sopla (1986) o Abyss (1989). Tal vez 70 minutos para huir llegó un poco tarde, cuando se estrenó tuvo lugar el fin de la guerra fría, pero su mensaje siendo siendo igual de válido, y siempre lo será.
La imagen de Harry y Julie hundiéndose dentro del helicóptero en el alquitrán y rodeados por las figuras de los mamuts, es una imagen que habla sobre la extinción, sabemos que es el final de la raza humana. La película comienza con un vídeo que explica la génesis de la vida en la Tierra, y los hombres somos sólo un capítulo más; como dice Harry en un momento de la película, la siguiente oportunidad le toca a los insectos. La visión de De Jarnatt de la humanidad no es positiva, si el mundo está lleno de gente así es normal que acabe autodestruyéndose. Sólo hay que ver como se comportan algunos una vez saben que el fin está cerca, todos tratan de matarse y estalla el caos (incluso se sugiere que el personaje de Gerstead practica la necrofilia). Y viendo el estado del mundo actual, esa idea está más vigente hoy, que el día en que se estrenó la película.
70 minutos para huir es también la historia de un director que hizo realidad su sueño (o debería decir su pesadilla), realizar la película que quería y como quería, y en eso es un triunfo. Ya que no toma el camino fácil y la termina con un final terrible, tal vez el más terrible de todos. Vemos la película a través de sus ojos y conseguimos sentir su miedo a una guerra nuclear. 
Resulta una película muy icónica y se queda grabada a fuego en tu mente. Tiene el poder de una bomba nuclear. Si no la habéis visto os recomiendo darle una oportunidad. 

CURIOSIDADES
El guión incluía un papel para el presentador Walter Cronkite, quien informaba de la catástrofe, pero al final no participó en la película.
Por error se acreditó al actor Mykelti Williamson como Mykel T. Williamson.
Ganó el premio a los mejores efectos especiales en el Festival de Sitges de 1989.
Steve De Jarnatt tiene un cameo como el hombre al que disparan y cae sobre la tapa de una alcantarilla.
El vídeo que se ve al comienzo de la película en el museo, corresponde a la miniserie Cosmos (1980) de Carl Sagan.
Fue el debut en Hollywood del director de fotografía Theo van de Sande. 

BIBLIOGRAFÍA
Entrevista a Steve De Jarnatt (dic 2021)
World Remains Magazine (nº 5)
Miracle Mile (Walter Chaw, 2012)
Fear Magazine (nº 11, nov 1989)
Starlog Magazine (nº 164, 191)
Comentarios del director (Blu-ray)
Super-Con Big Wow!-Interview Denise Crosby (I Smell Sheep, 25 may 2011)
Interview with Jenette Goldstein (The after movie diner)
Next level Hollywood (The flashback files)

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Tuesday, March 08, 2022

Batman

"Soy Batman."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En la ciudad de Gotham, un genio criminal llamado Joker, trata de hacerse con el poder del hampa, sólo Batman, un vigilante nocturno podrá detenerle.

BATMAN BEGINS
Bob Kane y Bill Finger crearon en 1939, al hoy famosísimo Caballero Oscuro, quien se dio a conocer por primera vez entre las páginas del número 27 de "Detective Comics". Sin saberlo Kane y Finger estaban dando a luz a uno de los personajes más populares de la cultura pop.
El personaje conoció su primera adaptación a cine con Batman: La película (1966), continuación de la serie de televisión protagonizada por Adam West y Burt Ward.
El proyecto de una nueva adaptación al cine de Batman fue un largo camino que duró 10 años, y que comenzó tras el apoteósico éxito de Superman (1978). Su impulsor fue Michael E. Ulsan, un fan del personaje, quien deseaba hacer una película oscura y seria de Batman alejada de la serie de televisión de los 60. Con su socio Benjamin Melniker (un ex-ejecutivo de MGM), y tras seis meses de negociaciones, el 3 de octubre de 1979, compraron los derechos del personaje a DC Comics. Ulsan sólo tenía 28 años en aquel momento y pudo hacerse con los derechos simplemente porque, según reconocía a SuperHeroHype, "nadie más en el planeta Tierra los quería."
Y es que como pronto descubrieron, el proyecto no interesaba a nadie. "Nos rechazaron en todos los estudios de Hollywood," recordaba Ulsan.
En noviembre de 1979, Ulsan y Melniker consiguieron llegar a un acuerdo con Peter Guber y Neil Bogart de Casablanca Filmworks, para realizar la película, la cual sería estrenada por Universal Pictures. En el contrato, se especificaba que Ulsan y Melniker serían acreditados como productores. El anuncio oficial de la realización de la película fue durante la Comic Art Convention de Nueva York en julio de 1980.
Más tarde Guber se mudó a PolyGram Pictures, donde se asociaría con Jon Peters. Y en 1982, ambos terminaron en la Warner, donde formaron la compañía Guber-Peters Company. De esta forma el proyecto de Batman se fue con ellos a Warner, que casualidades de la vida era la propietaria de DC Comics. Estos cambios terminarían afectando a Ulsan y Melniker, ya que cuando Guber y Peters aterrizaron en Warner, ocultaron a los primeros de los términos del nuevo contrato. Engañados por Guber y Peters, Ulsan y Melniker creían que los términos del contrato firmado con Casablanca se mantendrían, pero como descubrirían años después, Warner no se consideraba obligada a ello.
En 1980, Peters les había pedido a Ulsan y Melniker un memorándum sobre su visión de la película. Ulsan se lo entregó en noviembre de ese año. Constaba de nueve páginas, y entre otras cosas sugería eliminar a Robin o por lo menos reducir su personaje, y que el villano fuera el Joker. Y tenía un actor muy claro para interpretarlo, Jack Nicholson.
Tomando como referente la saga de James Bond, inicialmente Ulsan y Melniker se acercaron a dos de los artífices de la saga, al director Guy Hamilton y al guionista Richard Maibaum. Curiosamente Hamilton había sido el director original de Superman, hasta que tuvo que ser sustituido por Richard Donner. Pero todo quedó en una simple toma de contacto.
En 1982, Ulsan y Melniker contrataron a Tom Mankiewicz, guionista de Superman y de varias películas de 007, para escribir el libreto de título "The Batman". Mankiewicz trabajó en el guión durante más de un año, y su primer borrador data del 20 de junio de 1983. Comenzaba con la muerte de los padres de Bruce Wayne. El villano principal era el Joker y también contaba con la participación del Pingüino. Robin era introducido hacia el final de la película, y sus padres eran asesinados por culpa del Joker durante un asalto a un circo (idea recuperada parcialmente para Batman Forever). Y Silver St. Cloud era el interés amoroso de Bruce, quien trabajaba para el jefe criminal Rupert Thorne. En 1983, el presupuesto de la película era de 25 millones de dólares y la fecha prevista de estreno era en 1984. Y en una entrevista de ese mismo año, Mankiewicz comentaba que el actor que deseaba ver como el Joker también era Jack Nicholson.
El director Richard Rush fue considerado para hacerse cargo de la película, incluso se organizó la proyección de su película Profesión: El especialista (1980), para que Ulsan y los demás se hicieran una idea de lo que había hecho, pero Rush no fue escogido finalmente.
El proyecto se le ofreció a Ivan Reitman, antes del estreno de Los Cazafantasmas (1984). Reitman estuvo un tiempo involucrado en el proyecto, Bill Murray era el deseado para interpretar a Batman, y Eddie Murphy fue considerado para el papel de Robin. Aunque según reconocía el director, terminó rechazando la oferta porque según confesó a Starlog, "no quería hacer dos películas de 30 millones de dólares una tras otra. Es demasiado trabajo." El director hubiera tenido que comenzar la pre-producción de "The Batman" justo al terminar la post-producción de Los Cazafantasmas y terminó diciendo que no al Caballero Oscuro. Por otro lado, Murray confesó que llegó a hablar con Eddie Murphy sobre la película, pero éste quería interpretar a Batman, y eso tampoco ayudó a que el proyecto llegara a buen puerto.
Tras el éxito de Gremlins (1984) le ofrecieron a Joe Dante el proyecto. El director quería que John Lithgow (a quien había conocido en el rodaje de En los límites de la realidad (1983)) interpretase al Joker. "Por alguna razón, empezó a atraerme más el Joker que Batman," declaró el director a Psychotronic Cinema. Se dio cuenta que no era el director apropiado para el proyecto y lo rechazó.
Fue idea de una ejecutiva de Warner, Bonni Lee, que Tim Burton se hiciera cargo del proyecto. El director era su protegido y acababa de entregar un éxito al estudio con La gran aventura de Pee-wee (1985). Era una elección un tanto sorprendente, pero se demostraría que era el director perfecto para la película.
Burton heredó el libreto de Mankiewicz, pero lo rechazó. "El guión de Mankiewicz era básicamente Superman, sólo se habían cambiado los nombres," declaraba el director en el libro Tim Burton por Tim Burton"La historia, que seguía a Bruce Wayne desde su infancia hasta sus comienzos en la lucha contra el crimen, tenía el mismo tono chistoso. No admitían en absoluto su parte monstruosa, y me pareció lo más terrorífico que había leído jamás."
Burton y Julie Hickson, productora del corto Frankenweenie (1984), escribieron un tratamiento original de guión de 30 páginas, el cual tiene fecha del 21 de octubre de 1985. Al igual que en el guión de Mankiewicz, el Joker era el villano principal, y además tenía la idea de que el payaso era quien asesinaba a los padres de Bruce. Otros elementos de su tratamiento fueron mantenidos en la película, como el programa de televisión del Joker, el uso de un gas que hace que las víctimas mueran de risa, o el desfile que organiza el villano con globos gigantes, y que al menos uno porta el gas mortal.
En paralelo, el guionista Sam Hamm, quien tenía un acuerdo con Warner, consiguió antes de una reunión en el estudio, leer parte del guión de Mankiewicz. "En ese lapso de 20 minutos ya había llegado a una versión totalmente diferente de como contar la triste historia de Bruce Wayne y su peculiar hobby," recordaba el guionista a Comics Alliance. Durante los siguiente meses, Hamm trató de hablar con todo aquel relacionado con el proyecto, incluido Burton, para que le permitieran escribir su propia versión del guión, hasta que llegó un día en el que el director le ofreció el trabajo. Burton y Hamm comenzaron a trabajar en el guión, ignorando el de Mankiewcz, y tomando como punto de partida el tratamiento escrito por Julie Hickson. Tuvieron varias influencias del noveno arte, como las historias de los 70 de Denny O'Neil sobre el personaje, o el cómic "El regreso del Caballero Oscuro" de Frank Miller (cuyo éxito ayudó a demostrar que se podía hacer una historia de Batman seria, lejos de lo kitsch y las onomatopeyas). Hamm tuvo listo el primer borrador el 20 de octubre de 1986.
Pero como veremos fueron muchas las personas que aportaron cosas al guión. En 1986, DC recurrió a Steve Englehart, guionista de cómics de Batman, para que ayudase a realizar tratamientos de guión que mostrasen como manejar el personaje. Uno de los tratamientos terminaba con Batman y el Joker luchando en el aire mientras un helicóptero va en busca del villano. "Cuando terminé, tomaron todo ese material y se lo pasaron al guionista real," contaba Englehart a Starlog.
También Bob Kane presentó su propio tratamiento de 30 páginas titulado “The Return of Batman”. Su idea era orientar al guionista escogido de como llevar a su personaje al cine. En esas 30 páginas se narraba la lucha entre Batman y el Joker; Robin aparecía en el tercer acto; Catwoman era una aliada del Joker, y a su vez el interés amoroso de Batman; y toda la trama giraba en torno a los planes del villano de desbaratar los Juegos Olímpicos; y el clímax tenía lugar en lo alto de la Estatua de la Libertad. Kane envío el 12 de junio de 1986 una carta a Lisa Henson, una ejecutiva del estudio, transmitiéndole sus intenciones. Aunque su tratamiento no fue utilizado, Kane sería acreditado como consultor creativo de la película.
Durante el rodaje de Bitelchús (1988), Burton y Hamm trabajaban en el guión durante los fines de semana, mientras que el resto de días, el director se encargaba de rodar la película protagonizada por Michael Keaton. Pero la Warner no le dio luz verde a Burton hasta que Bitelchús (1988) resultó ser un éxito de taquilla, una vez fueron publicadas las cifras del primer semana, el murciélago emprendió el vuelo.
El guión de Hamm sufriría muchos cambios a lo largo del tiempo. En su tercer y último borrador, fechado el 29 de febrero de 1988. El Joker no era el responsable de la muerte de los padres de Bruce Wayne. Y la escena de su asesinato era inicialmente un sueño que tenía Vicki tras visitar la batcueva. Alfred no revelaba a la periodista la identidad secreta de Batman. Rupert Thorne se convertía en Grissom. Y Silver St. Cloud era reemplazada por Vicki Vale. La batalla final entre Batman y el Joker en el campanario estuvo presente desde el primer guión, pero la muerte del villano se producía cuando el helicóptero en el que está a punto de escapar, despierta a una colonia de murciélagos que duermen en el lugar, los cuales envuelven al Joker, quien cae desde lo alto (algo que fue cambiado por razones presupuestarias). Se incluía el personaje del reportero Alexander Knox, el cual moría al inventar la batseñal. Y se introducía el personaje de Robin.
El estudio quería tener al Chico Maravilla en la historia sí o sí, lo que hizo que Burton y Hamm se devanaran los sesos para averiguar como hacerlo, inicialmente ambos elaboraron una línea argumental sin el personaje, pero ante la insistencia del estudio trataron de hacerlo encajar en la historia. "Nos pasamos todo un fin de semana sudando tinta," recordaba Hamm a Comics Alliance. "Pero no pudimos llegar a ninguna parte, y finalmente decidimos que tendríamos que llamar a los jefazos de la Warner y decirles que no habría Robin. Entonces, a unos minutos de levantar el teléfono, comenzaron a surgir ideas otra vez, y milagrosamente, se nos ocurrió una secuencia de Robin realmente genial."
Escribieron una escena en la que Bruce visita a Vicki, y el Joker aparecía por sorpresa y la secuestraba. Bruce se ponía una máscara de ski que encontraba en el apartamento de Vicki y perseguía la furgoneta del villano saltando de techo en techo. Terminaba montando a caballo y hacía que Alfred le acercase el battraje. Bruce ya vestido como Batman seguía persiguiendo al Joker a caballo, y todo terminaba con el villano llegando a Gotham Park y asesinando a los padres de Robin, mientras realizaban su espectáculo de trapecio. Robin salía con vida, pero con ganas de venganza.
El personaje estuvo en la película hasta bien avanzado el proyecto, y varias caras conocidas pudieron convertirse en él, como Ben Affleck y Matt Damon, que se presentaron a las audiciones, o Kiefer Sutherland, quien rechazó el papel. "Recibí una llamada que me preguntó si estaría interesado en interpretar a Robin," recordaba el actor a On the box"Yo estaba en plan, '¿Robin con mallas? ¡No!' ¡No sabía que iban a realizar la película más genial de la historia! Al final no hubo Robin, pero yo sólo tenía 19 años por lo que mi agente podría haberme ayudado un poco con esto." Aunque el escogido finalmente fue el desconocido Ricky Addison Reed, pero su participación quedaría en nada, cuando el personaje fue eliminado de la historia poco antes de comenzar el rodaje.
La pre-producción de la película coincidió en medio de una huelga de guionistas en Hollywood, la cual se inició el 7 de marzo de 1988 y se extendió hasta el 7 de agosto del mismo año. Cuando la huelga se disolvió, el estudio no quiso contar con Hamm para las siguientes reescrituras, y apostó por Warren Skaaren, quien ya había hecho ese trabajo en Bitelchús. Lucy Fisher, vicepresidenta ejecutiva de producción de la Warner, contactó con Skaaren a finales de agosto de 1988, quien rechazó hasta cuatro veces la oferta hasta que aceptó trabajar en la película. El guionista, muy en boga por aquel entonces, recibió un sueldo cercano a los 750.000 dólares por seis semanas de trabajo, además de un 2,5% de los beneficios netos de la película. La quinta versión del guión, ya con la autoría de Skaaren y Hamm, data del 6 de octubre de 1988, poco antes de iniciarse el rodaje. La popular frase del Joker, "¿Alguna vez has bailado con el diablo a la luz de Luna?" fue obra de Skaaren. En esta versión del guión, se le dieron a Vicki Vale frases de Knox para hacer el personaje más agresivo. Y la periodista no sabe que Batman y Bruce Wayne son la misma persona. Y Robin no aparece.
Tras la salida de Skaaren fueron contratados dos guionistas más para más labores de reescritura de forma no acreditada. El primero Charles McKeown (Brazil), cuyas principales aportaciones se encargaron en retocar el personaje del Joker, y recuperó la idea de la muerte de los padres de Bruce a manos del Joker como había ideado Burton en su tratamiento con Hickson. "Realmente sólo hice algunos pequeños retoques en un muy buen guión," afirmaba McKeown a Starlog. Y Jonathan Gems (Mars attacks!) también se encargó de pulir brevemente el libreto.
Entremedias, hubo un cambio de poder. Ulsan y Melniker descubrieron leyendo el periódico que la película había entrado en producción, y que Guber y Peters habían adquirido el crédito de productores. Ulsan y Melniker se pusieron en contacto con la Warner para hacerles saber que se estaba incumpliendo el acuerdo al que habían llegado con Casablanca, y la respuesta que recibieron fue que si no firmaban un nuevo contrato modificado serían expulsados de la película. El 8 de septiembre de 1988, ambos firmaron un nuevo contrato bajo el cual recibirían el cargo de productores ejecutivos, por el cual cada uno recibiría un sueldo de 300.000 dólares, y se les retiraba de cualquier aportación artística y derechos de consultoría. El acuerdo indicaba que deberían recibir un 13% de los beneficios netos de la película, pero como se sabe en el mundillo de Hollywood, realmente carecen de valor, de hecho, nunca llegaron a recibir ni un misero dólar más allá de su sueldo, y eso que Batman terminó su carrera comercial siendo un éxito sin precedentes, pero la Warner aducía simplemente que la película estaba en números rojos. El 26 de marzo de 1992, ambos presentaron una demanda a la Warner, pero el juez desestimó el caso. De esta forma los artífices originales de la película fueron apartados a un lado.

BUSCANDO AL CABALLERO OSCURO
Encontrar a Batman fue una ardua tarea. Adam West, el Batman de la serie de los 60, se ofreció a interpretar de nuevo al personaje en 1987, ya que según declaró a Starlog el actor sabía, "mejor que nadie lo que los fans quieren en una película de Batman. Odiaría que mi público fuera estafado porque yo no interpreto el papel. Sería beneficioso para los productores que nos reunamos de alguna manera, si realmente quieren hacer la mejor película posible. Mientras me vea bien y pueda todavía dar la talla, debería ser Batman." Y Burt Ward con 42 años también consideraba que debía interpretar a Robin de nuevo, tras hacerlo en la misma serie. "Creo que [el público] estaría muy decepcionado de ver a alguien más interpretar esos papeles," declaraba el actor a Starlog. Por suerte la película no tomaría ese camino y se buscaron a otros candidatos.
Warner se acercó a Ray Liotta para que se reuniera con Burton, pero éste se negó. "Pensé: 'Quiero hacer actuaciones serias'," admitía el actor a Digital Spy. "Así que cuando me preguntaron si quería reunirme con Burton, no lo hice, y me arrepiento de eso."
También le ofrecieron el papel a Pierce Brosnan, famoso por aquel entonces por su participación en la serie Remington Steele"Me reuní con Tim Burton para el papel de Batman," declaró el actor en Reddit"Pero no podía tomármelo realmente en serio, cualquier hombre que lleve sus calzoncillos por fuera de sus pantalones no puede ser tomado en serio. Esa fue mi tonta opinión sobre ello. Era una broma, pensé. ¿Pero cuán equivocado estaba?"
De modo, que Brosnan pasó del papel, y éste finalmente fue a parar a las manos de Michael Keaton. Aunque por el medio fueron considerados varios actores como Robert De Niro, Mel Gibson, Christopher Walken, Charlie Sheen, Tom Selleck, Harrison Ford, Bruce Payne, Dennis Quaid, Michael Biehn, Kevin Costner, Arnold Schwarzenegger, Kevin Kline (aunque nunca se lo ofrecieron oficialmente), y aunque suene increíble Steven Seagal.
Fue idea del productor Jon Peters que Keaton interpretase al Caballero Oscuro. "Queríamos tener a alguien que interpretara a Batman que no fuera la elección convencional," admitía Peters a Starlog. Decir que su elección no fue bien recibida es quedarse corto, la Warner llegó a recibir 50.000 cartas de protesta por parte de fans. La situación fue tan grave que las acciones de la Warner llegaron a hundirse, y los fans destrozaron material publicitario en ferias de cómics. Seguramente estos creyeron que siendo Keaton un conocido actor cómico, llevarían la película hacia la parodia. Tras las quejas, Burton vio a un montón de aspirantes para el papel, pero ninguno le convencía. "Ya había trabajado con Michael y por eso pensé que sería perfecto," explicaba el director en Tim Burton por Tim Burton"Porque tiene esa mirada. Ya está en Bitelchús. Es de esos tíos a los que te imaginas poniéndose un bat-traje; lo hace porque lo necesita, porque no es es macho gigantesco y robusto." Keaton tenía claro que era una elección acertada para meterse en la piel del personaje. "Lo bueno de Batman es que no es estrictamente una fuerza física," declaraba el actor a Los Angeles Times"Es esencialmente una fuerza cerebral. No sólo sale y patea culos." Ulsan tampoco creía que fuera una buena elección, para convencerle que podía ser un buen actor dramático le proyectaron Alcohol y coca (1988) protagonizada por Keaton y eso le hizo cambiar de opinión. El actor terminó metiéndose en el traje de Batman a cambio de 5 millones de dólares, siendo su contratación anunciada en junio de 1988.
Según el actor Brad Dourif, fue la primera elección de Burton para interpretar al Joker. "Me vio en un avión y quiso contratarme," contaba el actor en la New York Comic Con. "Y ellos [Warner Bros] dijeron no."
Le ofrecieron el papel a John Lithgow (quien ya había sido considerado cuando Joe Dante estuvo al cargo del proyecto) y llegó a realizar una audición, según el actor, la peor de su vida. Lithgow trató de convencer a Burton por todos los medios que no era el adecuado para el papel, ya que tenía otros compromisos. "Estaba haciendo M. Butterfly en Broadway y fue un espectáculo agotador," confesaba el actor a Vulture. "Hubiera significado dejar ese espectáculo e ir directamente a una película, y dije: "No creo que pueda'." Lithgow se salió con la suya, algo de lo que después se arrepintió. "No me di cuenta de que era algo importante. Aproximadamente una semana después escuché que iban tras Robin Williams y Jack Nicholson," recordaba el actor.
Se consideró a otros actores como Willem Dafoe (a quien nunca le ofrecieron el papel oficialmente), Tim Curry, David Bowie, y James Woods; pero como hemos visto, Nicholson siempre fue el deseado para el papel de Joker. El problema era que el protagonista de El resplandor no estaba seguro de aceptarlo, igual tenía algo que ver que Jon Peters era el productor y Jack ya había visto como se las gastaba en el rodaje de Las brujas de Eastwick (1987). De hecho, fue durante dicho rodaje cuando Peters le presentó la idea de convertirle en el Joker. Ante las dudas del actor, le ofrecieron el papel a Robin Williams, y cuando parecía que daría vida al payaso, Nicholson aceptó. Al parecer Williams se sintió utilizado por el estudio, siendo parte de una estratagema para tratar de convencer a Nicholson que aceptase el papel.
Fue Peters quien logró convencer al actor, para ello se lo llevó en el jet privado de la Warner de Los Angeles a Londres, para que viera los decorados que se estaban construyendo en Pinewood. Haciendo gala de su fama, Peters no reparó en gastos para convencer al actor, orquestó que viajaran en el avión una masajista y un entrenador personal para él, además de saciarle a caviar. Una vez regresaron de Inglaterra, Nicholson firmó para ser el Joker, mediante un acuerdo de lo más suculento, un sueldo de 6 millones de dólares más un porcentaje de los beneficios de la película, que una vez completada la recaudación final ascendió a 60 millones de dólares, el mayor sueldo jamás recibido hasta aquel momento por un actor.
Su contratación fue una maniobra similar a la de Marlon Brando en Superman, fichar un gran nombre para darle un toque de respetabilidad a la película. Nicholson firmó incluso antes que Keaton para participar en la película, y una vez lo hizo su papel fue ampliado.
El personaje de la reportera Vicki Vale, el interés amoroso de Batman/Bruce Wayne recayó originalmente en Sean Young, quien no entró con buen pie en la producción y pronto se hizo evidente su mala fama. Según contaba Robert Wuhl (Knox en la película), en la primera lectura de guión que se hizo todo fue sobre ruedas, pero en la segunda, a la que acudieron varios ejecutivos de la Warner, no salió bien. "Muchas de las frases de Sean se habían perdido en la reescritura," explicaba Wuhl al The Hollywood Reporter. "Y aproximadamente a la mitad, hizo un comentario: 'Siento que estoy desapareciendo de las páginas.' Y entonces procedió para el resto de la lectura a leer con una voz monosilábica y monótona. Succionó toda la energía de la habitación." Esto no sentó bien a algunos de los ejecutivos. "Después de eso, se añadió al guión más del personaje de Vicki Vale," continuaba explicando Wuhl. "Pero la forma en la que saboteó el resto de la lectura con todo ese dinero en juego en la película más cara de todos los tiempos... los trabajos de las personas estaban en juego. Ese fue un momento muy delicado."
Las cosas empezaron mal con Young y continuaron peor, ya que durante los ensayos se rompió la clavícula al caerse de un caballo, y tuvo que ser sustituida de urgencia por otra actriz. La primera que consideraron para reemplazarla fue Michelle Pfeiffer, pero según contaba Wuhl, Keaton la vetó porque habían estado saliendo y habían roto (no hay mal que por bien no venga y la actriz se convertiría en Catwoman en Batman vuelve). Sharon Stone llegó a hacer una audición, al igual que Sela Ward, pero se decantaron por Kim Basinger. "Me llamaron un jueves por la noche y me dijeron, '¿Quieres hacer Batman?'," recordaba la actriz a Starlog. "Estaba en un avión el sábado por la mañana y rodando el lunes. Fue así de rápido." Basinger se enfrentó al personaje sin tiempo para prepararlo, sólo necesitaban a alguien por ocho semanas. La actriz recibió un cheque de 3 millones de dólares por su papel.
Como comentaba antes, Robert Wuhl daría vida al reportero Alexander Knox, un personaje creado expresamente para la película.
Pat Hingle se convertiría en el Comisionado Gordon, tras ser tanteado Tom Atkins.
Don Johnson y Dale Midkiff fueron considerados para interpretar al fiscal de distrito Harvey Dent, pero el finalmente escogido fue Billy Dee Williams.
El papel de Grissom recayó en Jack Palance, tras ser rechazado por Martin Landau. La elección del actor, según contaba Burton a Cinefantastique se debió a que, "era la única persona que podría interpretar al jefe de Nicholson. Es uno de los pocos actores vivos que tenían el peso emocional y la autoridad para contrarrestar el fuerte carácter de Nicholson."
Burton era fan de Michael Gough por sus participaciones en las películas de la Hammer, y lo contrató para dar vida a Alfred, el mayordomo de Bruce Wayne. El británico sólo trabajó en la película durante aproximadamente 10 días.
Patsy Kensit, hizo una audición para el papel de Alicia, pero no se lo llevó porque fue considerada demasiado joven. Éste terminó recayendo en Jerry Hall, porque según decían el papel requería a una modelo. Como los personajes de Knox y Grissom, el de Alicia fue creado expresamente para la película.
Jack Nicholson sugirió a Tracey Walter para el papel de Bob, la mano derecha del Joker, ya que ambos eran amigos.
El reparto se completó con Lee Wallace en el papel del Alcalde, y William Hootkins como el policía corrupto Eckhardt.

RODAJE
Con un presupuesto inicial de 35 millones de dólares, el rodaje comenzó el 17 de octubre de 1988, y terminó el 12 de enero de 1989. El equipo trabajó seis días a la semana, en jornadas de doce horas al día. Tuvo lugar íntegramente en Inglaterra, más concretamente en los Pinewood Studios. Los estudios había una gran zona de exteriores donde pudieron construir los decorados.
La película tuvo pocos exteriores, el más importante fue la espectacular Knebworth House (Stevenage), que se convirtió en la Mansión Wayne, siendo los interiores filmados en otra mansión, la Hatfield House (Hatfield). Y la Acton Lane Power Station se utilizó para recrear la Axis Chemical Works de la película.
Burton escogió a Anton Furst para diseñar los impresionantes decorados que necesitaría la película. El director ya había querido contar con el artista para Bitelchús, ya que le gustaba su trabajo para En compañía de lobos (1984), pero en aquella ocasión no estaba disponible. E inicialmente tampoco lo estaba en ésta, ya que estaba inmerso en la película El hotel de los fantasmas (1988), por lo que la Warner escogió a otro diseñador, pero Burton insistió en reunirse con Furst, y logró que trabajase en la película sustituyendo al diseñador de producción puesto por el estudio. Furst contó con un presupuesto de 5,5 millones de dólares para construir los decorados. Estos fueron construidos hasta una altura aproximada de 12 metros de altura, y la catedral llegaba hasta los 15 metros, de esta forma Burton tenía libertad total para rodar sin tener que utilizar maquetas o matte paintings. Furst describió en Empire Magazine a Gotham como: "Nueva York sin permiso de planificación durante 300 años."
Furst fue también responsable de crear el batmóvil, el cual le trajo de cabeza. "Tenía que ser diseñado, construido y estar en pleno funcionamiento en cinco meses para estar listo para la fecha de inicio," explicaba Furst a Cinefantastique. "Un fabricante de automóviles tardaría años en desarrollar algo así." El diseño final fue convertido en un coche funcional por el supervisor de efectos mecánicos John Evans (Moonraker). Menos problemático fue el diseño del batwing, ya que sólo se construyeron maquetas del mismo.
Los efectos visuales corrieron por cuenta de la compañía Meddings Magic Camera Company con el gran Derek Meddings (Superman) como supervisor.
El británico Bob Ringwood fue el diseñador de vestuario de la película, y lo fue por causalidad. Originalmente tenía previsto trabajar en Licencia para matar (1989), que se rodaría en México, pero su madre se puso muy enferma y tuvo que renunciar para no estar fuera del país. Cosas del destino, en la misma reunión que comunicó que no participaría en la película de 007, se topó con Chris Kenny, el co-productor de Batman, y con quien había trabajado en El imperio del sol (1987), Kenny estaba desesperado porque acababan de perder al diseñador de vestuario de la película, de esa forma casual Ringwood ocupó el puesto vacante. Para crear el traje de Batman, Ringwood tuvo que esculpir nada menos que 20 cuerpos, 25 capas con diferentes estilos y 6 cabezas distintas. Y mereció la pena, porque este traje del Caballero Oscuro no tendría nada que ver con el de la serie de los 60, ni el de los cómics. "Bob Ringwood rediseñó el traje de Batman," explicaba Burton. "Convirtiéndolo en una versión negra del cuerpo de Arnold Schwarzenegger. De este modo se humanizó al personaje al dotarlo, por un lado, de una imagen psicótica; es así como Bruce Wayne se ve a sí mismo; mientras que, por otro, le sirve para intimidar a los villanos, a la gente, embutido en una perfecta armadura." No todo era perfecto con el traje, Keaton no podía oír nada con la capucha puesta, y además no le permitía girar el cuello, de hecho, la primera vez que giro la cabeza le hizo un boquete a la capucha, por lo que se decidió que cuando Batman se girase, lo hiciese con todo el cuerpo. Y para rematar, el actor era claustrofóbico y sufrió ataques de pánico con el traje puesto.
El maquillaje del Joker fue obra de Nick Dudman, quien tenía claro como enfocarlo. "El público sabía como era el Joker," comentaba el artista a Cinefantastique"No estábamos inventando nada nuevo. El truco era darles el Joker sin perder a Jack." Una vez aprobado el diseño del maquillaje (sobre el cual Nicholson tenía opción a veto por contrato), Dudman esculpió seis versiones diferentes del Joker, de los cuales seleccionó dos con Burton, que fueron presentados al actor. "Afortunadamente, eligió uno que nos gustó con un ligero cambio en la barbilla," explicaba Dudman al mismo medio. El maquillaje consistía de seis prótesis conformadas por una punta de nariz, dos labios superiores, un mentón, y dos labios inferiores con mejillas. Para la cara blanca del villano, Dudman utilizó pintura PAX, una mezcla de adhesivo y acrílico plastificado, que tenía la característica de no agrietarse. El resultado fue tan bueno, que el personaje pareció saltar de las viñetas del cómic a la pantalla de cine.
Nicholson también tenía por contrato estipuladas un número de horas libres al día. Por eso las sesiones de maquillaje no podían ser muy largas, lograron reducirlas a dos horas para caracterizarlo y una hora para retirar el maquillaje.
El rodaje no comenzó bien, el cambio de última hora de Basinger por Young fue el presagio de lo que estaba por venir, un set en el que la tensión siempre iba en aumento.
Tampoco Burton comenzó con buen pie con Jack Palance, en el primer día que rodó con él (la escena en la que Grissom sale del baño), el actor llegó tarde, y todo terminó en una discusión y con Palance gritándole al director, "He hecho más de 100 películas, ¿cuántas ha hecho tú?". Según Burton, esto ayudó al personaje.
Pero tal vez el suceso más grave fue que alguien hizo una copia de dos rollos de película, que sumaban unos 20 minutos de metraje aproximadamente, lo más probable que con idea de hacer un vídeo pirata. La policía llegó a hacer acto de presencia en el set.
Y la prensa no puso la cosas fáciles a la producción y ese montó un gran revuelo en torno a la película. Un periódico sensacionalista contrató un helicóptero para que tratara de conseguir fotos de la ciudad de Gotham que habían construido, y trataban de sobornar a los extras para que llevasen cámaras con ellos y conseguir una exclusiva. Por otra parte, a los publicistas de la película les llegaron a ofrecer hasta 10.000 libras por las primeras fotos de Nicholson como el Joker.
"Una tortura. El peor periodo de mi vida," así calificó Burton la experiencia de rodar Batman en Blockbuster: How Hollywood Learned to Stop Worrying and Love the Summer. No sólo tuvo problemas de salud durante el rodaje, ya que padeció síntomas similares a la neumonía, además tuvo que soportar tener a Jon Peters como productor. En una ocasión, Peters y Mark Canton (presidente de producción cinematográfica de la Warner) trataron de convencerle que la película necesitaba de más romance, la reacción de Burton fue salir del set llorando.
Y es que como era costumbre en Peters, se dedicó a convertir el rodaje en un caos (como sucedió en Las brujas de Eastwick y Tango y Cash). Por ejemplo, se dedicaba a contratar y despedir gente casi por deporte, de hecho, en el set se bromeaba sobre la cantidad de chóferes que entraban y salían de la producción, tantos que se perdieron la cuenta. Y no se hizo cargo de pagar las chaquetas de cuero de Batman que portaba todo el equipo.
Pero los principales problemas que causó fue su interés de reescribir el guión durante el rodaje. "Todos pensaban que el guión era muy bueno," recordaba Burton en Tim Burton por Tim Burton"Pero seguían pensando que había que reescribirlo por completo. Obviamente, era una película grande y representaba una enorme inversión para la Warner, así que comprendía por qué teníamos que hacerlo bien. Pero lo que empeoró la situación fue ese follón acerca de mejorar el guión cuando, de repente, ya estábamos rodando." Como declaró a Cinefantastique, el director lo resumía claramente: "Esa fue la auténtica pesadilla en esta película."
Por ejemplo, Peters consideraba que la escena del cara a cara entre Bruce Wayne y el Joker en el apartamento de Vicki no estaba escrita de una forma lo suficientemente dramática. Peters hizo que Burton y él improvisaran el diálogo de la escena en su habitación del hotel. Al día siguiente Skaaren escribió la escena en el set y el director la ensayó con Keaton, Nicholson y Basinger, quienes también aportaron ideas. La escena se filmó al día siguiente, y según reconoció Burton en el libro Hit and Run"es una de mis escenas favoritas."
"Algunas de las mejores y más poderosas escenas que tenemos aquí fueron escritas por todos nosotros," declaraba Basinger a Starlog"Algunas veces, nos sentábamos y escribíamos por la noche o los fines de semana."
Esa fue una de las contantes del rodaje y no siempre el resultado era positivo. Skaaren hacía reescrituras de guión a diario en función de las reuniones con los actores y los responsables de la película. Tras la salida de Young y la entrada de Basinger, el guionista tuvo que reescribir el personaje de Vicki Vale y sus frases sobre la marcha. Skaaren estuvo presente durante el inicio del rodaje y después volvió a casa para trabajar en el guión de Días de trueno (1990), pero tuvo que volver a Londres cuando recibió una llamada de la Warner para que escribiese un nuevo final, y querían que estuviese presente. El guionista llegó el 7 de diciembre de 1988, y permaneció en el set durante una semana.
Y es que Peters ideó un nuevo final sin consultarlo con Burton, según contaba Wuhl al The Hollywood Reporter, el productor tras ver "El fantasma de la ópera" en Londres e inspirado por el famoso musical, quiso tener, "un final mucho más climático y operístico." Originalmente el Joker mataba a Vicki y Batman se lanzaba a él en busca de venganza, pero ahora el Joker secuestraría a Vicki y la llevaría hasta lo alto del campanario de la catedral de Gotham. Para ello fue necesario construir una maqueta de la catedral de unos 12 metros de altura, la cual tuvo un coste de 100.000 dólares, en un momento que la película ya había excedido sobradamente el presupuesto.
Esto volvió loco a Burton, ya que no sabía como terminar el clímax. "Estábamos rodando una secuencia que llevaba al campanario," explicaba el director en Tim Burton por Tim Burton"Y Jack subía por las escaleras, pero no sabíamos por qué. Ese día me preguntó, '¿Por qué subo las escaleras?'. Y contesté, 'No lo sé, ya hablaremos cuando llegues arriba del todo'."
Para darle entidad a ese nuevo final, Basinger y Burton idearon el momento del vals entre el Joker y Vicki. "Había estado tratando de seducirme durante toda la película," explicaba la actriz al The Hollywood Reporter"Así que sentí que necesitaba darle la vuelta y seducirlo para que no se fijara en Batman." Le presentaron la idea a Nicholson, quien dio su aprobación y pasó a formar parte de la película.
Rodando ese final Basinger no salió bien parada, ya que cuando filmaron la escena en la que Batman y Vicki están colgando del campanario con el Joker saltando encima de ellos, un gran trozo de escombro se desprendió del decorado y golpeó la cabeza de la actriz, quien sufrió una conmoción.
Nicholson, quien apoyó mucho a Burton, terminó explotando viendo el camino que estaba tomando el rodaje, y llegó a gritarle a Guber y Peters, mientras estaba caracterizado como el Joker con su característica sonrisa. Guber calificó el momento de surrealista.
Al comienzo del rodaje, Peters llevó a cenar a Basinger y su marido Ron Snyder. Durante la cena, Peters se encaró con Snyder por considerar que éste era verbalmente abusivo con la actriz y casi llegan a las manos. Después de ese incidente, Basinger y Peters (que también estaba casado) iniciaron un romance que duró el resto del rodaje. Según contaba el productor, Keaton también le había echado el ojo a la actriz, se enfadó con él cuando ambos iniciaron su relación. 
Burton contó de nuevo con Danny Elfman para componer la partitura instrumental, quien tenía claras cuales fueron sus influencias. "Los segmentos heroicos reflejaron más o menos un acercamiento a Max Steiner," explicaba Elfman a Starlog"Un tema sencillo que sigue apareciendo en diferentes variaciones de tono y fuerza. En los momentos más oscuros y melancólicos, volví y desenterré algunas de mis influencias pasadas, gente como Bernard Herrmann y John Barry. Esos son compositores que han sido muy efectivos con un gran sonido orquestal y quería ese elemento en mi partitura." Esta partitura se convirtió en uno de los mejores y más icónicos trabajos del músico. Aún así, años después confesó que no estaba contento de como usaron su música en la película. La habían grabado en tres canales (izquierdo, centro y derecho), y eliminaron el central para dejar más espacio a los efectos de sonido, y según Elfman no sonaba como debía en la película.
La película contaría con dos canciones, una para la escena del museo y otra para la del desfile, de modo que necesitaban un cantante que les diera forma. Aunque la idea de Peters y Guber era que Michael Jackson se hiciera cargo de un tema de amor, y Prince se encargase del tema del Joker. Al final fue el autor de "Purple Rain" el único que compuso canciones para la película, llegando a crear un total de nueve temas (aunque sólo se usaron dos en la película), y sacó un disco completo que salió en paralelo al mercado con el compuesto por Elfman. Gracias a su participación en la película, Basinger conoció al cantante, con el que también inició una relación.
El rodaje se completó el 12 de enero de 1989, siendo el presupuesto final de la película de 40 millones de dólares, 5 más de lo inicialmente proyectado.

BATMANÍA
Si una cosa demostró hacer bien Peters, fue vender la película. Primero hizo que el estudio se gastase 400.000 dólares en un trailer que el mismo editó (y el cual carecía de música). El trailer llegó a los cines el día de Navidad de 1988, y fue el pistoletazo de salida para la película, al público se le hizo la boca agua, y las expectativas por ver la película aumentaron. Incluso hubo gente que llegó a pagar la entrada de la película donde se proyectaba, sólo para ver el trailer.
El póster fue igualmente insinuante, sólo el símbolo de Batman y una fecha de estreno, el 23 de junio. Peters le pidió a Furst que diseñara el famoso logo para la película, tanto interés tuvo el productor, que el artista tuvo que dejar de diseñar los decorados temporalmente.
Los gastos de publicidad superaron los 10 millones de dólares. En mayo de 1989, se gastaron 1 millón de dólares para emitir un anuncio de televisión de 90 segundos en todo el país. Era sólo el principio, la campaña de merchandising de la película fue todo un hito, se llegaron a vender 300 productos distintos que generaron tres veces la recaudación de la película. Fue un elemento más de la batmanía que inundó el mundo.
Y entonces la película llegó a las salas, más concretamente a 2.194 salas de Norteamérica, y fue el éxito esperado. Recaudó en su primer fin de semana 42,7 millones de dólares, que fue la mayor recaudación de la historia de una película en el fin de semana de su estreno. Pronto cumpliría otro récord, el de la película que más rápido alcanzó los 100 millones de recaudación en menos tiempo, sólo necesito de 10 días. Su recaudación final en Estados Unidos fue 251.348.343 de dólares (lo que la convirtió en la película más taquillera del año y en la quinta más taquillera de la historia en su país de origen) y la taquilla final a nivel mundial fue de 411.556.825 de dólares (sólo superada aquel año por Indiana Jones y la última cruzada).
Cuando llegó la hora de los premios, estos no se fijaron demasiado en la película. Sólo fue nominada a una categoría en los Oscar, la cual acabaría ganando, y muy justamente, la de mejor diseño de producción (Anton Furst y Peter Young). Sólo tuvo una mención en los Globos de Oro en la categoría de mejor actor en una comedia o musical (Jack Nicholson). Seis nominaciones a los BAFTA, de los que no ganó ninguno. Y una nominación a los premios Hugo a la mejor presentación dramática (Tim Burton, Sam Hamm, Warren Skaaren y Bob Kane), que tampoco ganaría.

ESCENAS ELIMINADAS
Las ediciones en DVD o Blu-Ray apenas muestran material descartado del montaje final, pero se sabe que existen las siguientes escenas:
1. Durante la huida de Batman y Vicki en el callejón, el primero salva a una niña del tiroteo y ésta le pregunta: "¿Es Halloween?". Esta escena llegó a filmarse.
2. Al final de la película, para escapar de la policía Batman cubría con su capa a Knox, que estaba inconsciente, a modo de distracción. Hay imágenes que demuestran que esta escena se llegó a filmar.
3. Inicialmente estaba previsto que Batman y Bob tuvieran una pelea, estando el segundo armado con un cuchillo. Aunque se filmó, se cambió por el momento en que Bob tira el cuchillo tras pensarse si se enfrenta a Batman.
4. Según Pat Hingle, se rodó un flashback que mostraba como tras el asesinado de los padres de Bruce, el Comisario Gordon cuidaba del pequeño durante la noche.
5. Una escena mostraba como el dinero que el Joker entregaba a la gente era falso, estos descubrían que los billetes tenían la cara del villano en lugar de la de George Washington.

VALORACIÓN
Tengo un recuerdo claro del día que fui a ver Batman al cine, fue el domingo del fin de semana de su estreno, y me quedé sorprendido al ver como la cola para ver la película salía del cine, y daba la vuelta a la esquina, es la única vez que he presenciado algo así en mi vida, y es un reflejo de lo que supuso la película en el momento que salió a la luz, no sólo fue la película del año, también fue todo un fenómeno social.
La película hizo que la imagen de Batman diera un giro de 180º, alejándolo así del recuerdo que había hasta aquel momento del personaje en imagen real, que era básicamente la serie de los 60. Hizo creíble que se podía hacer una adaptación de cómic oscura y adulta, y que a todo el mundo le pudiera gustar. Y es que Batman pese a ser un blockbuster, tenía personalidad.
Hablamos de una de las grandes adaptaciones de cómic, realizada cuando apenas había películas de este tipo, y sentó muchas de las bases del género, desde el enfoque, hasta la forma de venderlas.
Se convirtió en el modelo a imitar a la hora de adaptar cómics o personajes similares, ahí tenemos tras su estreno a Darkman (1990), Dick Tracy (1990), La sombra (1994), Spawn (1997) o Blade (1998). Y no hay que olvidar que dio pie a esa excelente serie de animación que fue Batman (1992-95).
La película trata en el fondo de la lucha de dos monstruos, uno que se deja llevar por sus demonios y otro que lucha contra ellos. Y lo hace tratando de exorcizándolos combatiendo el crimen de su ciudad, buscando en todos los criminales aquel que mató a sus padres. Y para ello adopta la forma de algo que le da miedo, para que así los demás también le teman.
Burton juega inteligentemente con la doble identidad de Batman/Bruce Wayne, desde detalles sutiles que pasan desapercibidos (Bruce ausente de la rueda de prensa de Harvey Dent como demuestra su puesto vacío), como juega con nuestras expectativas (la película comienza con un matrimonio y su hijo que son atacados por unos delincuentes, jugando con la idea de que se tratan de Bruce y sus padres), y otros que muestran la dualidad del protagonista (no es casual que cuando Vicki le pregunta a Bruce: "¿Sabría decirme quien de todos es Bruce Wayne?", éste responda: "No estoy muy seguro").
La película toma el camino opuesto de Superman, el de no contar los orígenes, aquí desde la primera escena Batman es Batman y sólo tenemos un flashback sobre su pasado. Ambas son dos formas válidas de contar la historia de un personaje de cómic. Aquí se utiliza a Vicki Vale para que investigue el pasado del personaje, y que descubramos al mismo tiempo que ella el secreto que esconde el millonario.
El guión cambia cosas del canon de Batman, por ejemplo, que sea el Joker quien mató a sus padres, algo que no sucedía en los cómics. Pero esa idea da una mayor fuerza a su enemistad, por eso me parece una buena decisión. Sobre todo cuando después Batman crea al Joker, planteando la idea de que el mal crea al bien y el bien al mal, un círculo de lo más interesante.
No me parece tan buena idea que Alfred lleve a Vicki a la batcueva y descubra la identidad secreta de Bruce, es impropio del personaje y es más interesante que Vicki no sepa la identidad de Batman, como mucho que tenga sospechas (como en la relación de Clark Kent y Lois Lane). Además la escena no está bien escrita, ya que ella no parece ni sorprendida y no hablan sobre dicho descubrimiento.
Una cosa que me sorprende, es lo rápido que el Joker acepta su condición de payaso criminal, apenas hay escenas de su conversión, parece que una vez se quita las vendas tras la operación de cirugía (una escena fantástica en su planificación) ya sea el Joker del cómic. Todo va demasiado rápido y tenemos que aceptarlo, algo que damos como válido porque Burton crea un universo con una personalidad propia que hace creíble eso y otros momentos de la película, como el ataque del Joker y los mimos al mafioso Ricorso, que en otra película resultaría absurda, pero que aquí funciona.
La película posee el humor negro marca de la casa Burton, y que hoy día se echa de menos en el cine de su director. Momentos tan conseguidos como la presentadora de televisión que tiene un ataque de risa (por causa del Smylex) mientras su compañero habla de la muerte de unas modelos. Cuando el Joker electrocuta a uno de los mafiosos y vemos que queda un esqueleto humeante. O cuando el Joker derriba el batwing con una pistola gigante.
Nicholson está fantástico como el Joker, era el actor perfecto para dar vida al personaje. Y Keaton es un gran Batman, pese a las polémicas iniciales, creo que hoy día todo el mundo concuerda que su elección fue un acierto. El protagonista de Bitelchús sabe como transmitir con la mirada toda la oscuridad del personaje, y al mismo tiempo ganarse nuestras simpatías. El personaje de Vicki es el menos redondo del trío protagonista, Basinger lo hace lo mejor posible, y tiene mérito, sobre todo teniendo en cuenta que apenas tuvo tiempo de prepararse para el papel. Por otro lado, al Comisario Gordon se le saca poco partido, sólo hay que recordar lo que hizo Christopher Nolan con él.
Pese a que suene a cliché, Gotham se convierte casi en un personaje más, es una de las películas en las que más haya aportado un diseñador de producción, ya que los decorados lo envuelven todo y forman parte del tono de la película. Además son parte de la psicología de Batman, Gotham es como es porque ayuda a representar la mente de Wayne, es una prolongación de su oscuridad, es un reflejo de su psique atormentada. Parece una ciudad anclada en el pasado y en una eterna oscuridad, como el propio protagonista. Por otra parte, el diseño imposible del batmóvil nos dejó con la boca abierta, y cuando vimos a Batman por primera vez a bordo del batwing casi nos caemos del asiento.
La película funciona ante todo cuando opta por la estética y por la atmósfera, son esos momentos en los que captura el espíritu del cómic, como la escena en la que Batman lleva a Vicki en el batmóvil a la batcueva, y en la que no hay diálogos y todo se apoya en las imágenes y en la música. Es un momento memorable.
Todo está coronado por una de las mejores partituras de Danny Elfman, la cual quedó ligada para siempre a Batman, y que capta a la perfección el tono del personaje.
Hay detalles que demuestran los problemas acontecidos durante la producción y de las continuas reescrituras, como que Bruce le pregunte a Vicki durante la cena en su mansión si le costó dar con ella, cuando en una escena anterior la reportera asistió a una fiesta en el mismo lugar. ¿De dónde salen los hombres del Joker que aparecen en el campanario de la catedral? Y se nota la imposición del estudio por incluir canciones de Prince, ya que aunque fueron compuestas para la película, te sacan de la misma, y dan pie a la peor escena de la película, aquella en la que el Joker y sus hombres dañan las obras del museo.
Batman es una de las mejores películas de Burton, quien aquí estaba en la cumbre de su carrera, personalmente considero que la segunda parte es superior en muchos aspectos, pero ésta sin ser perfecta tiene algo especial. El director nos sumerge en el mundo del Caballero Oscuro, uno que no se parece a nada, y nos hace disfrutar de él durante dos horas. La película cambiaría para siempre el modelo de los blockbusters de Hollywood y el de las adaptaciones de cómics. Y lo más importante, nos hizo vivir, a quien la vimos en cine, una experiencia inolvidable. Ese fue el gran triunfo de Batman.

BATCURIOSIDADES
General Motors propuso gastar 6 millones de dólares para desarrollar el batmóvil para la película, con idea de su potencial publicitario.
Una vez finalizado el rodaje, la Warner pagó por mantener los costosos decorados construidos en Pinewood, con un coste de 20.000 dólares a la semana, con la idea de no tener que volver a erigirlos para la secuela, y esperando ahorrarse así una gran suma de dinero. Lo irónico del asunto fue que cuando Burton decidió rodar Batman vuelve (1992) quiso hacerlo en Los Angeles, y los decorados terminaron siendo destruidos después de casi dos años.
Se estrenó en el 50 aniversario del personaje.
El body count de la película asciende a 56 muertos.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
La letra de la nota con la máscara de gas que lee Vicki Vale en el museo, es la de Tim Burton.
Sólo Michael Gough y Pat Hingle aparecen en las cuatro películas de Batman dirigidas por Tim Burton y Joel Schumacher.
La famosa frase, "Soy Batman" al comienzo de la película, fue improvisada por Michael Keaton. En el guión estaba escrito, "Soy la noche."
Robert Wuhl volvió dar vida a Alexander Knox en el episodio especial "Crisis on Infinite Earths: Part One" (2019) de la serie Supergirl.
El instrumental quirúrgico que utiliza el médico para reconstruir la cara del Joker, es el mismo que se utilizó en La tienda de los horrores (1986).
Aunque sea una película sobre Batman, fue Jack Nicholson quien figuró primero en los títulos de crédito.
El nombre del Joker, Jack Napier, fue creado a propósito para la película, ya que en los cómics nunca se revela su nombre real.
Al principio de la película, le entregan a Knox un dibujo de Batman, el cual aparece firmado por Bob Kane, co-creador del personaje.
Al final de la película, antes de entrar en la catedral con Vicki, el Joker pide un transporte para que llegue en 10 minutos. Y ese es justo el tiempo que pasa desde que entran en la catedral hasta que llega el helicóptero.
Warner creo una campaña cara los Oscars con el objetivo de conseguir varias nominaciones para la película. Presentó campaña para las categorías de mejor película, mejor director (Tim Burton), mejor actor (Jack Nicholson y Michael Keaton), mejor actriz (Kim Basinger), mejor fotografía, mejor diseño de producción, mejor montaje, mejor banda sonora, mejor canción original, mejores efectos visuales, mejor diseño de vestuario, mejor sonido, mejor edición de sonido, y mejor maquillaje. Sólo sería nominada al mejor diseño de producción, premio que ganaría.
En el momento en que Grissom le dice a Jack que quiere que vaya personalmente a la fábrica Axis, Jack sostiene una carta del Joker, la cual tiene un agujero en la cara del payaso, justo donde más tarde Jack recibirá un disparo.
Michael Gough (Alfred) era amigo de Alan Napier, el Alfred de la serie de Batman de los 60.
Fue idea de Michael Keaton, que en la cena de Bruce y Vicki ambos se sentaran en una mesa muy larga, y el millonario soltara la frase: "Aunque la verdad creo que no conocía este salón." También fue idea suya que Bruce se colgara boca abajo como un murciélago cuando Vicki se despierta en su cama.
Robert Wuhl improvisó las frases: "Y si lo está, ¿cuánto saca neto libre de impuestos?" (cuando Knox habla con Eckhardt después que la policía detenga a los delincuentes de la secuencia inicial), y "Seguramente debió pertenecer al Rey del Mimbre" (en la escena de la fiesta en la mansión Wayne).
El museo de Gotham se llama "The Flugelheim Museum", cuyo nombre es un guiño al museo Guggenheim.
La isla de Corto Maltese también aparecía en "El regreso del Caballero Oscuro" de Frank Miller, que a su vez es una referencia a la serie de cómics del mismo nombre de Hugo Pratt.
En la escena del flashback con los padres de Bruce, se puede ver en el Monarch Theatre el póster de una película titulada Footlight Frenzy protagonizada por Ronald E. House, Diz White y Alan Shearman. Se trata de una película real de 1984, pero el póster es ficticio.
El actor Paul Birchard, que tiene un pequeño papel como reportero, también trabajaría años después en El caballero oscuro (2008) interpretando a un policía.
Supuestamente en algún momento le ofrecieron a los hermanos Coen dirigir la película, pero rechazaron la oferta.
El matrimonio de turistas visto al comienzo de la películas están interpretados por Garrick Hagon y Liza Ross, que estaban casados en la vida real.

BIBLIOGRAFÍA
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Comentarios de director (Extra Blu-ray)
'Batman' DVD Robin storyboard sequence (Extra Blu-ray)
Shadows of the Bat: The Cinematic Saga Of The Dark Knight - Pt.1 The Road to Gotham City (2005) (DVD extra)
Shadows of the Bat: The Cinematic Saga of the Dark Knight - Pt.2 The Gathering Storm (2005) (DVD extra)
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