Wednesday, October 01, 2014

El club de la lucha

"La gente suele preguntarme si conozco a Tyler Durden."

La primera regla de El club de la lucha es que no se habla de El club de la lucha, básicamente porque está lleno de spoilers, si aún así decides leer este artículo, ya estás avisado.

Un hombre sin nombre (al que conoceremos como el Narrador) vive una vida vacía y carente de sentido, hasta que un día conoce a Tyler Durden y todo cambia. Juntos fundan "El club de la lucha", un club clandestino donde la gente va a pelear. El club crece día a día, hasta que el Narrador descubre que Tyler esconde planes más grandes que los que él podría imaginar.


Este mes se cumplen 15 años del estreno de El club de la lucha (Fight club, 1999), película de culto entre las películas de culto, encabezada por Edward Norton y Brad Pitt. No se me ocurre ningún momento mejor para hablar sobre el club del que no se debe hablar.

LA MIERDA CANTANTE Y DANZANTE DEL MUNDO
El club de la lucha (Fight club, 1999) es la adaptación de la primera novela de Chuck Palahniuk publicada en 1996. Al escritor, que en el momento de escribirla trabajaba como mecánico en un garaje de Portland, se le ocurrió la idea que dio pie a la novela, cuando después de ser agredido en un viaje de campamento, regresó al trabajo y nadie le preguntó por sus heridas, todos se comportaron como si todo fuera normal. Palahniuk se dio cuenta de que nadie le preguntaba nada porque eso requeriría de un cierto grado de preocupación y acercamiento por parte de sus compañeros de trabajo, la idea de esa forma de sociedad fue la base de su novela (que le llevó 3 meses escribirla).
El escritor llenó la novela de muchos detalles personales y de las vidas de sus amigos "Algunas partes de El club de la lucha son verdad. Es más una antología de las vidas de mis amigos que una novela. Yo padezco de insomnio y no duermo durante semanas. Sé que hay camareros que "juegan" con la comida que sirven. Siempre están rapados al cero. Mi amiga Alice hace jabón. Mike inserta fotogramas de películas pornográficas en films infantiles. Y todo el mundo que conozco ha sido rechazado por su padre. Incluso mi padre lo fue por el suyo. En fin, que ahora, más que nunca, lo que era ficción se está convirtiendo en realidad."
De ese modo hasta seis de sus amigos se convirtieron en personajes del libro, para crear a Tyler se basó en un amigo suyo carpintero con gusto por las entradas ilegales y según palabras del propio escritor "Una de esas personas neorrománticas que piensan que si el efecto 2000 sucede, todos estaremos mejor." Su "Marla" tuvo una petición, si algún día él se hacía famoso, quería conocer a Brad Pitt. Algo que terminó ocurriendo, Palahniuk se presentó en el rodaje de la película con sus amigos y fue presentando a cada actor con la persona que había dado pie a cada personaje, "Todos estaban realmente fascinados los unos con los otros" comentaba del escritor.
Antes de que fuese publicada, la novela fue descubierta (cuando sólo era un manuscrito) por Raymond Bongiovanni, ejecutivo de la productora Fox 2000 Pictures (división de la 20th Century Fox), quien se la hizo llegar a Laura Ziskin, presidenta de producción de Fox 2000. Aunque la novela estaba considerada como imposible de adaptar, Ziskin decidió llevar adelante el proyecto y éste acabó en las manos de los productores Ross Bell y Joshua Donen (éste último no terminaría finalizando el proyecto). Tras comprobar la viabilidad de la empresa (mediante una lectura del libro con actores), compraron los derechos para la película por 10.000 dólares.
El proyecto se ofreció a varios directores. La primera elección de Donen y Bell fue Peter Jackson, ya que les encantaba Criaturas celestiales (1994) y Agárrame esos fantasmas (1996), pero como estaba ocupado con el proyecto de El señor de los anillos tuvo que rechazar la oferta. Bryan Singer fue el siguiente en ser tenido en cuenta, se le envió el libro, pero ni siquiera llegó a leerlo. De ahí, el proyecto pasó a manos de Danny Boyle, quien llegó reunirse con los productores y pese a encantarle el material, se terminó decantando por rodar La playa (2000). Y el cuarto director implicado fue David Fincher, quien tras leer el libro había intentado hacerse con los derechos y contactó personalmente con Ziskin para dirigir la película y en uno de los mayores aciertos de la historia del cine, lo contrataron como director.

"Lo que posees acabará poseyéndote"

"No sé si es en el budismo, pero hay una idea de que en el camino hacia la iluminación uno debe matar a sus padres, a su dios y a su maestro" explicaba el director sobre los principales temas que trata El club de la lucha. "Así que la historia comienza en el momento en el que el personaje de Edward Norton tiene 29 años. Él ha tratado de hacer todo lo que le han enseñado a hacer, intentó encajar en el mundo convirtiéndose en lo que no es. Se le ha dicho 'Si haces esto, obtienes una educación, consigues un buen trabajo, eres responsable, te presentas de una manera determinada, tus muebles y tu coche y tu ropa, encontrarás la felicidad'. Y él no lo ha hecho. Y así la película lo presenta en el punto en el que acaba de matar a sus padres y se da cuenta de que ellos están equivocados. Pero él todavía está atrapado, atrapado en este mundo que ha creado para si mismo. Y entonces conoce a Tyler Durden y ellos vuelan en la cara de Dios, hacen todas las cosas que supuestamente no deberían hacer, todas las cosas que haces a los 20, cuando ya no eres vigilado por tus padres y llega a ser, en retrospectiva, muy peligroso. Y finalmente tiene que matar a su profesor, Tyler Durden. Así que la película es sobre ese proceso de maduración."
La productora Laura Ziskin inicialmente quería que Buck Henry escribiese el guión dadas las similitudes temáticas entre El club de la lucha y El graduado (que él había adaptado). Pero finalmente se le encargó al desconocido guionista Jim Uhls que adaptase la novela. Uhls inicialmente excluyó la idea de la voz en off del Narrador, por considerarlo un recurso demasiado manido, fue Fincher quien creyó que la película funcionaría mejor con ella "No es divertido si no hay voz en off, es triste y patético" opinaba el director. La escritura del guión llevó cerca de un año hasta dar con el libreto definitivo. Uno de sus mayores problemas lo tuvieron con el personaje de Tyler Durden, Fincher habló con Cameron Crowe (Casi famosos) quien le dijo "¡Es fácil! El verdadero problema con Tyler es que Tyler sabe la respuesta." El personaje era un sabelotodo, demasiado unidimensional, de modo que cambiaron al personaje para que fuera menos perfecto y más ambiguo. Fincher contactó con un viejo conocido suyo, el guionista Andrew Kevin Walker (Seven) para que le ayudase a pulir el guión, según Fincher, Walker llegó a escribir un 20% del guión final (a modo de guiño el director llamó a los tres detectives que intentan castrar al protagonista Andrew, Kevin y Walker). Incluso Pitt y Norton pusieron su granito de arena en el guión. Al final sólo Uhls fue acreditado como guionista.
Una de las cosas que cambiaron con respecto a la novela fue su final. En la obra de Palahniuk, el protagonista acaba en una institución mental hablando con Dios y ninguna de las bombas llega a explotar. Fue idea de Ulhs y Fincher en cambiar el final, originalmente el Narrador y Marla se alejaban de la zona de destrucción en una furgoneta con los hombres de Tyler (los "monos espaciales"), pero como quedaba muy largo, se cambió por la escena mostrada en la película en la que ambos contemplan la destrucción desde uno de los edificios.
Matt Damon y Sean Penn fueron considerados para interpretar al Narrador por parte de los productores, pero Fincher ya tenía a su Narrador, que no era otro que Edward Norton, en quien se había fijado tras verlo en El escándalo de Larry Flynt (1996). El director le envió la novela y Norton se la leyó de un tirón. Aunque el actor estaba siendo barajado para otros proyectos, por diversas razones se terminó decantando por El club de la lucha. Para meterse en su papel, el actor tuvo que perder gran parte de la masa muscular que había ganado para American history X, para ello se dedicó a correr, a tomar vitaminas y sobre todo a ignorar el catering del set.
Tyler Durden estaba escrito para que Brad Pitt se pusiera en su piel, pero antes de que se le metiera en la cabeza de los productores cual Narrador, la primera elección para el personaje por parte de Ross Bell fue Russell Crowe, pero otro productor, Art Linson, consideró que Pitt era la elección perfecta para el personaje y como se suele decir, el resto fue historia. El actor consideró que Tyler no tendría una dentadura perfecta (algo lógico de alguien que participa en peleas ilegales), de modo que fue a un dentista para que le astillara varios dientes, los cuales fueron restaurados al terminar el rodaje.
Para el papel de Marla se consideró a Courtney Love y a Winona Ryder. Se le ofreció a Sarah Michelle Gellar, pero su contrato con la serie Buffy, cazavampiros (1997-2003) no le permitió aceptarlo. Janeane Garofalo lo rechazó porque no se sentía cómoda con las escenas de sexo. Fincher quería a Helena Bonham Carter y el estudio a Reese Witherspoon, tras la negativa de esta última de participar en la película por parecerle el personaje demasiado oscuro, Bonham Carter fue contratada. Según la actriz para componer el personaje se inspiró en Judy Garland, en sus últimos y más tristes días.
El resto de los miembros de El club de la lucha se completó con los nombres de Meat Loaf, Zach Grenier, Jared Leto, Eion Bailey y Holt McCallany.

SANGRE, SUDOR Y JABÓN
El rodaje comenzó el 1 de junio de 1998 y se extendió hasta el 11 de diciembre del mismo año. Éste tuvo lugar en la ciudad de Los Angeles, en nada menos que 200 localizaciones diferentes y en un total de 72 sets construidos para la ocasión en los "20th Century Fox Studios" y en "Los Angeles Center Studios".
El rodaje se desarrolló en un buen ambiente y primó la camaradería, sobre todo entre sus dos protagonistas masculinos, quienes se entendieron de maravilla. Ambos recibieron clases de boxeo, taekwondo y lucha, dedicaron horas viendo combates de la UFC (artes marciales mixtas) e incluso aprendieron a fabricar jabón. En la escena en la que ambos aparecen borrachos lanzando pelotas de golf, estaban realmente borrachos y las pelotas iban dirigidas contra el camión del catering. Norton a través de una sugerencia de Fincher, alquiló el mismo vehículo que conducía Pitt, pero el protagonista de Malditos bastardos nunca se dio cuenta de ello.
Aunque no todo fue perfecto, el presupuesto inicial de la película de 50 millones de dólares, se disparó hasta los 67 antes de comenzar el rodaje. A cuatro semanas de su comienzo, Arnon Milchan, productor del film, se reunió con Fincher para convencerle de que redujese el presupuesto en 5 millones, porque Rupert Murdoch (dueño de la Fox) no estaría de acuerdo con dicho incremento. Fincher no dio su brazo a torcer aludiendo que eso dañaría la integridad de la película. Milchan tomó la decisión de abandonar el proyecto. Pero como su productora, Regency Enterprises, ponía 25 millones de su presupuesto, la película no podía hacerse sin él, de modo que el jefe de la Fox, Bill Mechanic, le envió cada día lo que iban filmando para mostrarle la calidad de la película. Tras 3 semanas de rodaje, Milchan volvió al proyecto y aprobó la subida de presupuesto, poniendo su productora 9 de los 17 millones adicionales. Irónicamente el presupuesto final fue de 63 millones.
Fincher demostró una vez más su perfeccionismo al modo Stanley Kubrick. El director llegó a filmar 1.500 rollos de película, más del triple del usado normalmente para una película de la duración de El club de la lucha. Hizo 12 tomas del doble de Edward Norton cayendo por las escaleras en la secuencia final, para al final usar la primera. Otro ejemplo de su peculiar forma de rodar fue la escena en la que Tyler y el Narrador hablan en un bar tras la explosión del apartamento del segundo, de la que se hicieron 38 tomas, cada una de las tomas fue filmada por dos cámaras simultáneamente y en cada toma Fincher les daba a los actores una idea aproximada de lo que tenían que hacer y ellos improvisaban la mayoría del diálogo, la escena final se compuso de la combinación de trozos de las 38 tomas diferentes.

"¿Cómo vas a conocerte si nunca te has peleado?"

Fincher quería que el primer acto funcionase como la mente del Narrador, saltando adelante y atrás en el tiempo y que la cámara reflejase eso "Tenía que moverse tan rápido como tú te lo puedas imaginar. Teníamos que encontrar una manera de que la cámara pudiera ilustrar las cosas a la velocidad del pensamiento." De modo que la película "Es tan errática en su presentación como el Narrador lo es en su pensamiento." Un ejemplo claro de como la cámara refleja el pensamiento del Narrador, es la escena en la que Tyler le provoca una quemadura química en la mano y él trata de no pensar en las palabras "punzante" y "carne", pero justo piensa en esas palabras, siendo visualizadas de forma subliminal como las definiciones de un diccionario.
A la hora de filmar a Tyler, Fincher creó una serie de reglas cual club de la lucha, así lo explicaba el director "Tyler no es visto en dos planos consecutivos cuando está con un grupo de personas. No lo representamos sobre el hombro cuando Tyler le da una idea [al Narrador] sobre algo muy específico, que va a conducirlo. Nunca es un plano sobre el hombro, es Tyler por si mismo. Hay cinco o seis planos en los dos primeros rollos de Tyler, donde él aparece en un fotograma, esperando por el personaje de Edward Norton. Cuando el médico le dice «¿Quiere ver sufrimiento? Vaya a una iglesia metodista los martes por la noche y visite a los chicos con cáncer de testículo. Eso sí es sufrir» y bup, Brad aparece sobre el hombro del tío en un fotograma. (...) Cuando Edward está en el hotel y emiten un pequeño anuncio de Marriott, cuando muestran todas sus recepciones, hay un plano de todos estos camareros diciendo «¡Bienvenidos!» y Brad está en medio de los camareros." Fincher también quiso incluir a Tyler durante el logo de la 20th Century Fox, pero el departamento legal del estudio no se lo permitió. Y Arnon Milchan tampoco se lo permitió hacer con el logo de Regency Enterprises.
Según Fincher "No queríamos tener miedo al color. Queríamos controlar la paleta de colores." Eso explica el increíble aspecto visual de la película. Fincher y Jeff Cronenweth, el director de fotografía, se inspiraron en la fotografía de American Graffiti (1973) para crear la de El club de la lucha, se fijaron en el aspecto mundano de los exteriores nocturnos de aquella y de como al mismo tiempo mostraba una gran variedad de colores, pareciendo todo muy realista.
"Hablamos de hacer una película de aspecto sucio, de tipo granuloso" comentaba Fincher. "Cuando la procesamos, estiramos el contraste para hacerlo más feo, un poco de subexposición, un poco de replateado, usamos un nuevo material de impresión de alto contraste y caminamos sobre ella y por eso tiene una pátina sucia."
Además usaron lentes esféricas en lugar de las anamórficas usadas habitualmente. Fincher y Cronenweth tomaron esta decisión, primero porque la película se rodaría en espacios con poca luz (a lo que ayuda el uso de lentes esféricas por encima de las anamórficas). Al usar este tipo de lentes provoca que el negativo quede con más grano, hay procesos para conseguir una imagen tan limpia como con las lentes anamórficas, pero Fincher y Cronenweth consideraron dejarlo tal cual estaba, porque en su opinión quedaba perfecto para el estilo visual de la película.
El famoso plano que muestra las posesiones del Narrador como si éste viviese en un catálogo de Ikea, según Fincher quería reflejar "La idea de vivir en esta fraudulenta idea de felicidad." Para conseguir tan increíble plano usaron una cámara con control de movimiento y filmaron a Edward Norton caminando por el decorado, después filmaron el giro de cámara por el decorado sin el actor, tras eso filmaron cada elemento del decorado de forma independiente y después lo pusieron todo junto en un único plano mediante un programa informático. Es resultado fue espectacular.
Y el primer plano de la película y que muestra un viaje desde el cerebro del Narrador hasta una pistola que le apunta en la boca, es otro prodigio de la técnica. La idea era mostrar los procesos del pensamiento desencadenados por el centro del miedo del cerebro. La escena fue presupuestada de forma independiente del resto de la película. El estudio acordó que financiarían la secuencia sólo si consideraban que la película era buena, tras ver un primer corte de la película, dieron su aprobación para rodarla. Fincher planificó la escena y Kevin Scott Mack, de la Digital Domain, se encargó de diseñarla. Para realizar el mapeo del cerebro generado por ordenador se usó el "Sistema L" (o Sistema de Lindenmayer, que es una estructura matemática usada principalmente para modelar el proceso del crecimiento de plantas). Y para detallar el diseño se usaron las representaciones de la ilustradora médica Kathryn Jones.
El plano en el que el Narrador se dispara en la boca, fue otro reto para los responsables de la película. Inicialmente Rob Bottin había construido un animatronic de la cabeza de Edward Norton y estaba previsto rodar la escena usando cámaras de alta velocidad sincronizadas y metraje real del actor. Pero nunca consiguieron el efecto deseado, de modo que al final se decantaron par rodar la escena usando animación digital.
Para filmar un accidente de tráfico de una forma nunca vista, el que sufren Tyler y el Narrador, Fincher colocó la cámara en el capó del coche y el coche a su vez en un dispositivo giratorio, al rodar la escena Pitt y Norton estaban dentro del vehículo que giraba una y otra vez, según Pitt "Una locura, pero no tan locura, en la medida de como hemos visto muchos coches volcar. Pero ¿cuántas veces se ha mostrado lo que se siente desde el interior del coche?" Y eso es lo que transmite la escena, las consecuencias de un accidente de coche desde la perspectiva de quien lo conduce de una forma original y novedosa.
Y el director justificaba así el famosísimo plano subliminal final de un pene, tal y como hacía Tyler en su trabajo como proyeccionista "Fue nuestra forma de decir que... no es que no haya terminado, es sólo que el espíritu de Tyler Durden está todavía por ahí. Sí, Tyler está vivo y bien y está en el cine mientras realmente ves esta película."
Con la escena de sexo entre Tyler y Marla soñada por el Narrador, Fincher quiso "Transmitir la fantástica cualidad que se encuentra en los sueños y capturar esa clase de estilización sugirió tratar la escena de sexo como un plano de efectos visuales." Para filmarla se usaron técnicas revolucionarias, nada menos que el famoso "tiempo-bala" popularizado por Matrix. Las cámaras se colocaron alrededor de la cama formando un círculo y Pitt y Bonham Carter nunca estuvieron desnudos, ya que estaban vestidos con trajes de captura de movimiento. Dando así pie a lo que el director de The game Fincher definió como "Una de las estatuas del Monte Rushmore follando a la Estatua de la Libertad." Y añadió "Era como si tuvieras a esos dos monumentos gigantes follando entre ellos y pudieras volar a su alrededor con un helicóptero, esa era un poco la idea. Fue inspirado por Francis Bacon. Esta idea de la perversión retorcida de la carne."
Y al final el momento más polémico de la película fue en dicha escena de sexo, pero no por los desnudos, si no por una frase, la que originalmente Marla decía a Tyler después de tener sexo, "Quiero tener tu aborto", frase que pertenecía al libro. Fincher intentó por todos los medios mantenerla, pero Ziskin se opuso a que la incluyera, incluso Brad Pitt le pidió que la cambiase diciendo "¡Mi madre va a ver esto!". Al final Fincher cambio la frase por "Oh señor, nadie me había follado así desde la escuela primaria."

MAYHEM
A principios de 1999, tras 10 semanas de edición, Fincher realizó un montaje de la película para un pase de prueba con los principales ejecutivos del estudio. Estos no se sintieron muy entusiasmados con la película y creyeron que no sabrían como venderla. Según declaraba Bill Mechanic, muchos ejecutivos se le acercaron y le dijeron sobre ella "La odio". Tom Sherak, ejecutivo del estudio, le dijo a Art Linson, productor de la película, que debería acompañarle a ver a su psiquiatra porque le resultaba imposible entender que a éste la película le pareciese divertida. Y el propio Rupert Murdoch llegó a decirle a Mechanic "Debes estar enfermo para hacer una película como esa".
Estaba claro que El club de la lucha era una película difícil de vender, Fincher había ideado dos trailers que mantenían el espíritu de la película, pero que fueron rechazados por el estudio. Estos trailers eran como anuncios de servicio público, uno estaba protagonizado por Norton y el otro por Pitt. En el primero, Norton hablaba directamente a cámara diciéndole al público que apagasen sus teléfonos móviles y que no hablasen durante el espectáculo y terminaba con la frase "Y recuerda no dejes que desconocidos te toquen en el zona del traje de baño." En el trailer de Pitt éste habla sobre las salidas de emergencia y espetaba al final un "¿Sabías que la orina es estéril? Se puede beber." No se explicaba que se trataba de una película, sólo la indicación de una web fightclub.com. Los trailers de la Fox vendieron El club de la lucha casi como una película de acción, una imagen muy alejada de los verdaderos intereses de la película.
Inicialmente la película tenía su estreno previsto para el 6 de agosto, pero los ejecutivos de la Fox decidieron retrasarlo un par de meses, Tom Sherak lo aludió un verano atestado de películas y a un acelerado proceso de post-producción. Al final la premiere de la película tuvo lugar el 6 de octubre de 1999 y su estreno masivo en salas el día 15 del mismo mes. El club de la lucha fue un sonado fracaso comercial, recaudando en territorio norteamericano sólo 37.030.102 de dólares y en el resto del mundo 63.823.651 de dólares más.
La película fue recibida por la crítica de forma irregular. Aunque hubo quienes elogiaron la labor de Fincher tras las cámaras y de Pitt y Norton delante, gran parte de la crítica le echó en cara su violencia, su falsa trascendencia y el peligro que encerraba el que muchos imitaran lo que vieran en la película.
El club de la lucha pasó casi desapercibida en los Oscars de 1999, recibiendo una única nominación al mejor montaje de efectos sonoros (Ren Klyce y Richard Hymns), premio que perdería frente a Matrix.
Y así comenzó a fraguarse su aura de película de culto, siendo realmente descubierta mediante su distribución en video e internet. El club de la lucha tuvo un descubrimiento tan clandestino como el propio club que le dio título.
La popularidad de la película fue tal, que hubo quien la imitó, después de su estreno se crearon varios clubs de la lucha en Estados Unidos, como el "Fight Club S.F." de San Francisco, fundado por un hombre que se hace llamar Bloody Knuckles (Nudillos Sangrientos) o el "Gentlemen's Fight Club" de Silicon Valley, iniciado por el ingeniero informático Gints Klimanis y cuyos participantes son principalmente empresarios y empleados de empresas de tecnología e informática.

ESCENAS ELIMINADAS
Cual Tyler en la mesa de montaje, los responsables de El club de la lucha también metieron mano al metraje del film, dejando atrás varias escenas que fueron recuperadas en su edición en dvd, donde se incluyeron las siguientes 7 escenas eliminadas o alternativas:
1. "Chloe y Rupert" (53"): Después de que Chloe dé su discurso en el que dice que espera tener sexo antes de morir, todos abandonan la iglesia. El Narrador camina hacia Chloe y ella comienza a hablar con él. El Narrador ve a Marla sentada en un banco. Intenta decirle un cumplido a Chloe, pero termina diciéndole que parece un pirata, se disculpa y sigue a Marla fuera.
2. "La charla de almohada de Marla" (35"): La escena alternativa en la que Marla suelta el famoso "Quiero tener tu aborto" después de acostarse con Tyler.
3. "Abuso de la fotocopiadora" (3' 15"): Es la versión original de la escena en la que el jefe del Narrador descubre las normas del club de la lucha en la fotocopiadora. El diálogo entre ambos es un poco distinto, pero la escena es bastante similar a la vista en la película.
4. "Tyler deja de fumar / Jack deja de trabajar" (1' 28"): Son dos escenas cortas, que ocurren antes y después de la escena en la que el Narrador se golpea a si mismo delante de su jefe. En la primera, antes de ir a trabajar, el Narrador habla con Tyler en la cocina, le ofrece un cigarrillo, pero Tyler le dice que ha dejado de fumar. Después de eso el Narrador se marcha. La segunda escena ocurre después de que el Narrador haya conseguido llegar a un acuerdo para dejar su trabajo. Llega a casa empujando un carrito de supermercado con todo el equipo informático que consiguió en el trato y se encuentra con Tyler, que le dice que necesitan llevar "El club de la lucha" a un nivel superior o que lo cerrarán. Tyler se va subiendo por las escaleras. Además, se muestra como originalmente toda esta parte de la película ocurría antes, yendo a continuación de la pelea entre el Narrador y Bob en "El club de la lucha".
5. "Golpeando a Angel Face" (3' 14"): Muestra dos versiones diferentes de la escena en la que el Narrador le da una paliza a Angel Face (Jared Leto), la escena original sin editar y la versión editada para Reino Unido que dura unos 3 segundos menos (resultando un poco menos violenta).
6. "Walter" (1' 39"): Es una versión alternativa de la escena en la que el Narrador asiste a una reunión y enseña su dentadura llena de sangre a un vendedor. La escena es similar, cambia la voz en off, se incluye una queja por parte del vendedor (que ahora sabemos se llama Walter) y el plano en el que el Narrador muestra su dentadura es diferente.
7. "El adiós de Tyler" (1' 55"): Versión alternativa de la escena en la que Tyler habla con el Narrador, mientras éste se recupera en la cama del accidente de coche. La escena es prácticamente igual a la versión de la película, sólo cambia en que carece de los efectos de sonido de aquella y los fundidos a negro aquí son cortes normales.

VALORACIÓN
Cuando hablamos de El club de la lucha lo hacemos de un clásico del séptimo arte, aquella película que a pocos gustó en 1999, ha llegado a convertirse en una de las películas más influyentes y alabadas del cine reciente. Y lo cierto es que no es para menos, podría estar horas alabando cada aspecto de la película, cada plano, cada detalle oculto, cada interpretación de sus actores o cada tema musical que aparece en ella y que hacen que El club de la lucha sea un film único.
En primer lugar, la película sirvió para confirmar y consolidar el talento de David Fincher, uno de los mejores directores del mundo de las últimas 3 décadas. El trabajo de Fincher es soberbio, de esos que marcan un antes y un después. Se puede coger cualquier escena al azar y es imposible haberla rodado mejor.

"Únicamente cuando se pierde todo, somos libres para actuar"

Ya el primer plano de la película nos pone en situación, todo comienza en el cerebro del Narrador y todo seguirá en el mismo lugar el resto de la película, ya que toda ella es un viaje por la mente del Narrador, un enorme flashback que nos narra nuestro protagonista sin nombre. De modo que ese primer plano cumple su doble cometido de una forma genial, darnos una idea del carácter visceral que tendrá la película y mostrarnos (físicamente) donde acontecerá la historia.
Me parece fascinante la introducción de Tyler a través de planos subliminales (como los que el propio Tyler inserta en su trabajo de proyeccionista), que provoca que éste se vaya colando en nuestra mente como lo hace en la del Narrador. Además Tyler sólo aparece de forma subliminal cuando el Narrador padece insomnio, cuando vuelve a dormir gracias a sus visitas a las reuniones de grupos de apoyo, Tyler desaparece y no es hasta que el Narrador vuelve a padecer de insomnio por causa de Marla, que volvemos a ver Tyler (de forma subliminal).
El giro final de la película (ese cambio de rollo) parece en un primer momento cogido por los pelos, pero es a raíz de los continuos visionados de la película (en la que ésta siempre mejora) cuando nos damos cuenta del impresionante trabajo de Fincher. Como el guión está perfectamente calibrado y nada falta ni sobra. Como cada interacción entre Tyler y el Narrador están medidas al milímetro y cada aparición de Tyler está realmente estudiada. Y eso que hay pistas que nos indican su verdadera identidad, como el "Lo sé porque lo sabe Tyler", como éste le sopla al Narrador las frases que debe decirle a Marla desde el sótano, El Narrador acordándose de su primer pelea con Tyler mientras se golpea a si mismo delante de su jefe o como Tyler y el Narrador nunca interactúan con la gente al mismo tiempo (o lo hace uno o el otro). Fincher nos lleva por donde quiere hasta el final y nos deja KO cuando nos revela la verdad.
Fincher siempre intenta hacernos sentir incómodos, a propósito mete un cierto contenido homosexual en la relación entre el Narrador y Durden. La pistola que éste mete en su boca al principio de la película. La escena en la que Tyler se baña mientras el Narrador se encuentra a su lado. Tyler besando la mano del Narrador antes de quemarla con lejía. Los celos que el Narrador siente cuando Tyler está con Marla. La paliza que le propina a Angel Face tras el interés de Durden por él. Fincher juega con nosotros con la relación entre ambos, como lo hace con el resto de la película.
Está claro que la película se adelantó a su tiempo y nadie la apreció en su momento, las críticas no fueron demasiado entusiastas con ella (yo mismo recuerdo verla en el cine y no saber como tomarme lo que acababa de ver, pero tras un segundo visionado en casa me pareció un film fascinante) y no fue hasta que pasó un tiempo que la película se convirtió en la obra de culto que es hoy día.
Realmente olvidaos de que El club de la lucha trata de la generación del baby boom, de la fascinación por la violencia, del proceso de maduración, de la superficialidad de muestra sociedad, de la masculinidad, El club de la lucha trata realmente sobre el cine. Es una obra marcadamente cinematográfica, donde su director demuestra hasta donde se puede llegar en el séptimo arte, un lugar en el que no hay límites, para ello usa todos los recursos narrativos habidos y por haber (voz en off, rotura de la cuarta pared, cámara lenta, flahsbacks) e incluso se inventa algunos nuevos (la introducción de un personaje mediante planos subliminales, el "plano Ikea", el plano inverso de los créditos iniciales) y hace un uso increíble de todos los apartados técnicos (fotografía, montaje, música, efectos visuales), convirtiendo a El club de lucha en una experiencia extremadamente cinematográfica, un ejemplo de cine llevado hasta sus últimas consecuencias.
Es cierto que a veces la película cae en la superficialidad que critica, poco nos importa al principio el devenir de las vidas del Narrador y de Durden, llenas de una falsa trascendencia (aunque habla de una generación intrascendente por lo que en cierto sentido está justificado), pero el poder de sus imágenes y el hecho de que la historia crezca y crezca, yendo siempre a más, hacen que esa sensación poco a poco vaya quedando en el olvido, siendo el tercer acto un tour de force para el espectador, donde descubrimos no sólo la verdadera identidad de Tyler Durden, si no sus auténticos planes ¡y qué planes!

"Tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos"

El Narrador es Tyler Durden, todos podemos ser Tyler Durden, eso nos dice la película. Somos la mierda cantante y danzante del mundo, podemos cambiar las cosas. Al igual que Tyler hace con el dependiente de la tienda al que amenaza, la película también nos pone una pistola en la cabeza y nos dice que sigamos nuestros sueños, que nos convirtamos en quienes queramos ser, no tenemos porque aceptar el papel que ocupamos en el mundo, ni tampoco al propio mundo, podemos ser mejores, podemos ser el mejor, nada nos lo impide, no hay límites. Podemos ser Tyler Durden. Somos Tyler Durden.
El club de la lucha habla sobre una generación perdida, que no sabe encontrar su lugar en el mundo y que tampoco sabe que hacer para poder encontrarlo. La película plantea destruirlo todo para empezar de cero, da una visión del mundo fatalista y triste, donde esta gente sólo encuentra la anarquía como camino para seguir adelante. Y viendo lo mal que han ido las cosas en el mundo desde 1999, parece que la ideología de la película tiene más fuerza ahora que en el momento de su estreno. ¿No sería mejor acabar con el sistema actual, con la forma actual de sociedad y comenzar de cero? Es un camino extremista y una propuesta bastante incómoda para el espectador, pero no está carente de interés.
La única salida que tiene la gente de esa generación es "El club de la lucha", un lugar donde dar rienda suelta a sus instintos más primarios, a la rabia y la violencia que llevan dentro. O tal vez no tienen nada mejor que hacer, nada más divertido que golpearse unos a otros o puede que lo único que les hace sentir vivos es sentir dolor.
Al final el anónimo protagonista (cualquiera de nosotros) encuentra su lugar en el mundo, ha madurado, tal vez a una edad más tardía de lo que debería, pero lo ha hecho. Marla lo ha conocido en un momento extraño de su vida, en pleno proceso de maduración y a partir de ahora comenzara su etapa como adulto, atrás quedarán los errores que ha cometido y las locuras que ha realizado, todas aquellas cosas que lo han hecho madurar y que ahora serán sólo parte de su pasado.
Y asistimos al final de la civilización tal y como la conocemos al son de Pixies. Reina la anarquía. Volvemos al punto cero. Fundido a negro.

TYLER ESTABA REPLETO DE INFORMACIÓN ÚTIL
Según declaró David Fincher hay una taza de café Starbucks en cada escena de la película (el director había hecho lo mismo en The game, pero con latas de la marca Haggis).
Eso sí, "Starbucks" pidió que retiraran su nombre en la escena de la destrucción de la cafetería, a la cadena si bien no le importaba que usarán sus productos en la película, no quería que su nombre fuera destruido en esa escena. De modo que se cambió el nombre de la cafetería por "Gratifico Coffee".
Además en la primera versión de la película también había referencias directas a "Blockbuster" y al "Reader's Digest", pero cuando estas compañías no quisieron verse relacionadas con la película, tuvieron que ser cambiadas por otras ficticias.
Edward Norton se negó a fumar en la película Rounders (1998), pero accedió a hacerlo en esta película.
En el guión de la película el Narrador se llamaba Jack.
Los nombres del e-mail que el Narrador manda en su trabajo con poemas haiku, corresponden a miembros del equipo de la película.
La escena en la que el Narrador se encuentra un pingüino en una cueva está inspirada por la película La vida secreta de Walter Mitty (1947) y con ella Fincher quería mostrarle al público lo surrealista que iba a ser la película.
En la escena en la que Tyler y el Narrador se conocen en el avión, ellos mencionan que tienen el mismo maletín. Vemos el contenido del maletín de Tyler, pero nunca el del Narrador.
La película ocupó el 4º puesto en la lista de "Las 100 películas mayores de todos los tiempos" de la revista Total Film.
Para rodar el plano de la pastilla de jabón que golpea un plato, usado sólo en el trailer, fueron necesarias 41 tomas. Fincher se dio cuenta después de la toma 40 que el jabón se deslizaba fuera de cámara, de modo que al final rodaron el plano usando una pastilla de jabón falsa.
La película ocupó el 10º puesto de su lista "Las 500 mayores películas de todos los tiempos" por la revista Empire en 2008.
Brad Pitt y Helena Bonham Carter pasaron tres días grabando sonidos de orgasmos para sus escenas de sexo (que sólo son escuchadas por el Narrador).
Cuando uno de los miembros de "El club de la lucha" moja a un cura con una manguera, se puede observar como la cámara vibra brevemente. Esto sucedió porque el operador de cámara no pudo contener la risa a la hora de rodar la escena.
Brad Pitt y Helena Bonham Carter llegaron a representar durante el rodaje de sus escenas de sexo 10 posiciones diferentes del Kama Sutra.
El escritor Chuck Palahniuk declaró que cuando escribió el libro ni él mismo sabía que Tyler Durden y el Narrador eran la misma persona, llegó a esa idea cuando tras escribir dos tercios de la novela se dio cuenta que ambos personajes habían actuado como uno solo y decidió terminar la historia así.
El experto en maquillaje Rob Bottin, creo dos trajes para convertir a Meat Loaf en Bob, uno con pezones y otro sin ellos, porque los cineastas no sabían si la Fox aprobaría un traje con pezones prominentes.
Cuando el Narrador viaja en una cinta transportadora del aeropuerto y piensa "¿Si te despertaras a otra hora en otro lugar te despertarías siendo otra persona?" justo en ese momento aparece Tyler detrás de él y la cámara lo sigue.
En la casa de Tyler hay un número de la revista Movieline con Drew Barrymore en su portada, la actriz es amiga íntima de Edward Norton.
El apartamento del Narrador está inspirado en el que David Fincher vivió cuando se mudó a Los Angeles. El director decidió basarse en él porque mientras vivía allí siempre deseó volarlo por los aires.
En la escena en la que en Narrador intenta que Marla abandone la ciudad en autobús, en la marquesina del cine del fondo se anuncian películas protagonizadas por Brad Pitt (Siete años en el Tibet), Edward Norton (El escándalo Larry Flynt) y Helena Bonham Carter (Las alas de la paloma). Sólo la de Pitt es visible, porque las otras las tapa el autobús. Y en realidad pone "Seven year in Tibe" porque según David Fincher "Los cines nunca tienen letras suficientes".
Rodando una escena de exteriores en una zona residencial, un hombre que vivía en los apartamentos se enfureció tanto por el ruido que hacia el equipo de rodaje que les arrojó una botella de cerveza desde su piso. La botella golpeó al director de fotografía Jeff Cronenweth, quien sufrió un corte, pero no fue gravemente herido. El hombre fue arrestado poco después.
Chuck Palahniuk considera a la película mejor que su novela.
El efecto especial del aliento de Edward Norton en la escena de la cueva es el mismo que se usó para Leonardo DiCaprio en Titanic (1997).
Fue idea de Brad Pitt, que Tyler llevara puesto un guante de goma cuando pilla al Narrador al otro lado de la puerta mientras tiene sexo con Marla. Ese momento escandalizó a Laura Ziskin, quien pidió que se quitara la escena. Pero tras un pase de prueba, en el que el momento del guante se llevó las mayores carcajadas de toda la película, la presidente de Fox 2000 Pictures cambió de idea.
Helena Bonham Carter llevaba zapatos de plataforma para compensar la diferencia de altura entre ella y Brad Pitt y Edward Norton.
Helena Bonham Carter insistió durante el rodaje que su maquillador usase la mano izquierda a la hora de aplicar el maquillaje de ojos porque según la actriz, sentía que Marla no era una persona especialmente hábil haciéndolo o que no le importaba ir bien maquillada.
El coche quemado que examina el Narrador es un Lincoln Town Car de 1990, que es el mismo coche con el que él y Tyler se estrellan más tarde en la película.
Edward Norton golpeó realmente en la oreja a Brad Pitt en la primera escena en la que pelean juntos al salir del bar. Fue David Fincher quien le dijo a Norton que le golpease de verdad y no fingiese sólo darle el golpe.
Cuando el Narrador camina por la casa mientras Tyler y Marla tienen sexo en el piso de arriba y un policía le llama por teléfono, cuando el Narrador descuelga el auricular, al instante los ruidos sexuales de Tyler y Marla cesan.
La frase "La primera regla del club de la lucha es que no se habla del club de la lucha" ocupó el puesto 27 de la lista de "Las 100 mayores frases de películas" de la revista Premiere en 2007.
El plano final con todos los edificios derrumbándose, fue diseñado por Richard 'Dr.' Baily, quien trabajó en el plano durante la friolera de 14 meses. Según Fincher, en el plano hay cerca de 4 millones de elementos digitales animados de forma independiente.
Cuando Tyler llama al Narrador a una cabina telefónica, la cámara hace un travelling hacia el teléfono y sobre el hay aviso que pone: "Llamadas entrantes no permitidas".
Brad Pitt no quería que sus padres vieran la película pero no pudo convencerlos de hacerlo. Ambos cambiaron de idea tras ver la escena de la quemadura química.
A la hora de rodar la escena en la que el Narrador se encuentra en la casa a Steph abofeteando a un "mono espacial" y gritándole que es un inútil, el actor que era abofeteado, harto de recibir tantas bofetadas se marchó del rodaje y tuvo que ser sustituido por otro actor.
Al sufrir el accidente de coche, podemos ver como el Narrador se hizo una herida en la cabeza, pero cuando se despierta, esa herida ha desaparecido. No se trata de un error de continuidad, lo que sucede es que ha pasado un gran espacio de tiempo desde el accidente, durante el cual Tyler ha tomado el control y ha creado clubs de la lucha por todo el país.
En la escena de la Tyler apunta con una pistola al dependiente de la tienda, el Narrador no sabe que la pistola va en la mochila, a pesar de que la mochila es suya.
Algunos de los nombres falsos usados por el Narrador en los grupos de autoayuda están sacados de películas como, El planeta de los simios (Cornelius), El rey de la comedia (Rupert) y Taxi driver (Travis). El rey de la comedia es una de las películas preferidas de Norton.
Todos los edificios que son derribados en la escena final, se basan en copias digitales de edificios propiedad de la Fox. De esa forma se evitaron problemas legales por la "destrucción" de edificios de verdaderas compañías de tarjetas de crédito.
En la novela se detallan como Tyler fabrica sus bombas, pero por temas de seguridad, los responsables de la película decidieron cambiar las recetas reales por unas falsas, en la escena en la que Tyler habla sobre como fabricar explosivos.
Según David Fincher, la ranchera marrón contra la que el Narrador choca en su primera pelea con Tyler, es la misma ranchera que aparece en The game (1997), en la escena en la que Michael Douglas se infiltra escondido en la sede del CRS.
Edward Norton y Helena Bonham Carter inicialmente consideraron asistir a verdaderos grupos de apoyo de enfermos terminales, pero teniendo en cuenta el espíritu satírico de la película, sintieron que no era apropiado hacerlo.
Cuando se rodó la escena en la que durante la primera reunión con los grupos de ayuda, el actor David Andrews cuenta como su mujer se quedó embarazada de otro hombre, un extra se sintió tan ofendido que se marchó enfurecido en pleno rodaje.
La famosa frase "Sois la mierda cantante y danzante del mundo" está inspirada por el libro "Así habló Zarathustra" de Friedrich Nietzsche.
En la escena en la que Tyler está dando un discurso a los demás miembros del club dice "Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock". Cuando dice "estrellas del rock" mira a Angel Face, que está interpretado por Jared Leto, miembro de la banda 30 seconds to Mars desde 1998.
Para garantizar que el traje que convertía a Meat Loaf en Bob estaba perfectamente colocado y diera la sensación de carne flácida, se llenó de alpiste. El traje y su relleno hacían que este pesara aproximadamente 50 kilos.
El supervisor de efectos visuales Kevin Scott Mack realiza un cameo en la película, es el hombre aterrorizado con gafas en el accidente aéreo que se imagina el Narrador.
Tyler aparece hasta cinco veces antes de mostrársele perfectamente en pantalla en la cinta transportadora del aeropuerto. Cuatro de esas apariciones son de forma subliminal en un sólo fotograma. Son las siguientes:
1ª. Lo vemos en la sala de fotocopias del trabajo del Narrador. 
2ª. Detrás del doctor que atiende al Narrador de su insomnio.
3ª. Dentro de una reunión del grupo de ayuda para hombres con cáncer de testículo.
4ª. Cuando el Narrador ve a Marla saliendo de una de las reuniones de grupo, pero decide no seguirla.
5ª. Sin ser ya de forma subliminal, Tyler aparece en el anuncio de Bridgeworth Suites que el Narrador ve en un hotel, es el camarero de la derecha.
El plano que recorre el interior de una papelera, fue creado íntegramente por ordenador y fue el último plano en ser añadido a la película. Requirió tantas horas para procesarla que tuvo que ser añadido recién salido del laboratorio. Se necesitaron 8 horas para procesar cada fotograma y toda la secuencia requirió de 3 semanas para completarse.
El número de teléfono de Marla, 555-0134, es el mismo que el de Teddy (Joe Pantoliano) en Memento (2000).
Cuando el Narrador se imagina como Tyler conoció a Marla, en toda la secuencia Tyler jamás habla, sólo lo hace Marla.
Rosie O'Donnell dio pie a uno de los incidentes más desagradables en los que se vio envuelta la película en su estreno. El mismo viernes en que se estrenó la película, la actriz habló sobre ella en su programa de televisión diciendo que la había visto a principios de semana y que desde entonces no había podido dormir y aparte de revelar la sorpresa final de la película, insto a la gente a que no fuera a verla al cine.
La escena en la que el jefe del Narrador encuentra las reglas de "El club de la lucha" en la fotocopiadora y el Narrador le dice que fueron escritas por una persona peligrosa que cualquier podría entrar en la oficina disparando a todo el mundo, trajo consigo cierta polémica. En los primeros pases de prueba la escena gustó al público y le pareció divertida. Pero tras los asesinatos de Columbine, a nadie le pareció ya divertida y fue considerada de mal gusto. Por esa razón los ejecutivos del estudio le pidieron a Fincher que la eliminara completamente, el director estuvo a punto de hacerlo, pero como era necesaria para la secuencia posterior en la que Marla cree tener cáncer de mama, la mantuvo, después de hacer pequeños cambios en ella.
La versión original de la película, comúnmente conocida como workprint, tenía una duración de 153 minutos. La versión final es de 139 minutos.
Durante los ensayos de la película, Pitt y Norton descubrieron que ambos odiaban el nuevo Volkswagen Beetle, de modo que para la escena en la que ambos golpean coches con un bate de béisbol, insistieron que uno de esos coches fuera un Beetle.
Después de que el Narrador deje el apartamento de Marla y justo antes de que se encuentre con Bob, puede verse un graffiti detrás de él que dice varias veces "I LIKE MYSELF" (Me gusto a mí mismo).
Cuando un mozo de aeropuerto le entrega a Tyler un coche dice "No se preocupe Sr. Durden puede utilizarlo el tiempo que quiera", pero es al Narrador a quien mira directamente. Además Tyler y el Narrador entran por la misma puerta y cuando sufren el accidente Tyler saca al Narrador por la puerta del conductor.
El director de fotografía, Jeff Cronenweth, es hijo del también director de fotografía Jordan Cronenweth (Blade Runner, Peggy Sue se casó), quien trabajó con Fincher en Alien 3, pero por causa de sus problemas con el Parkinson tuvo que ser sustituido por Alex Thomson.
Según Palahniuk, Tyler Durden recibe su nombre del personaje de Toby Tyler de la película Toby Tyler, or ten weeks with a circus (1960) y su apellido de un compañero de trabajo que fue despedido por acoso sexual. Marla a su vez era una niña que solía pegar a su hermana en el colegio.
Cuando Lou descubre "El club de la lucha" bajo su taberna, golpea a Tyler en el estómago. Si uno se fija en el Narrador, puede ver que cuando Tyler recibe el golpe, él se inclina sobre si mismo como si también lo hubiesen golpeado. Poco después Lou le da una patada en la cara a Tyler y el Narrador levanta su cabeza en el momento del golpe.
El sacerdote que es mojado por uno de los miembros del club, es quien gana el combate que acontece después de la escena en la que el Narrador se golpea a si mismo delante de su jefe.
La escena en la que una bola gigante destruye una cafetería estuvo llena de problemas. Para no dañar el suelo donde tenía lugar el rodaje, fabricaron una bola muy ligera, lo que hacía que ésta fuera botando y flotase en el agua, algo que una bola pesada jamás haría. Para hacerla parecer más pesada fue necesario que dos personas corrieran al lado de la bola tirando de unos cables y tratando de mantenerla oprimida para que no flotase en el agua. Y cuando la bola arrasa la cafetería, por limitaciones de espacio, no conseguían que cogiese velocidad suficiente. Al final la empresa de efectos visuales Toybox se hizo cargo de la escena, para ello eliminaron los rebotes de la bola, agregaron los muebles que ésta se lleva por delante, así como las grietas en el pavimento por donde pasa y una estela en el agua a su paso, además añadieron una vibración digital a la cámara.
En el dvd, tras la advertencia del copyright, aparece un nuevo aviso, éste de Tyler y se muestra sólo durante un segundo. Dice lo siguiente: "Si estás leyendo esto entonces esta advertencia es para ti. Cada palabra que lees de esta letra pequeña es un otro segundo de tu vida desperdiciado. ¿No tienes otras cosas que hacer? ¿Está tu vida tan vacía que honestamente no puedes pensar en una forma mejor de pasar estos momentos? ¿O tu estás tan impresionado con la autoridad que le das respeto y credibilidad a todos aquellos que lo reclaman? ¿Lees todo lo que se supone que debes leer? ¿Piensas en todo lo que se supone que debes pensar? ¿Compras lo que te dicen que debes comprar? Sal de tu apartamento. Conoce a un miembro del sexo opuesto. Para con las excesivas compras y masturbación. Deja tu trabajo. Comienza una pelea. Demuestra que estás vivo. Si no reclamas tu humanidad te convertirás en una estadística. Has sido avisado... Tyler."

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Monday, September 01, 2014

La isla del Dr. Moreau

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Edward Douglas es un naufrago que llega hasta una isla propiedad del Dr. Moreau, un científico que está experimentando con animales para convertirlos en humanos. Sus creaciones no tardarán en rebelarse y sembrar el caos en la isla.
Coincidiendo con el reciente estreno en Londres del documental Lost soul: The doomed journey of Richard Stanley's Island of Dr. Moreau de David Gregory, donde se relata la odisea que pasó el director Richard Stanley, en su intento de llevar al cine su añorada adaptación de la obra de H.G. Wells, me parece un momento más que adecuado para recordar la película que dio pie a dicho documental, La isla del Dr. Moreau (The island of Dr. Moreau, 1996), cuya historia no tiene desperdicio.

LA ISLA DE LA LOCURA
La novela de H.G. Wells, "La isla del Dr. Moreau", ya había conocido dos adaptaciones al cine, la primera La isla de las almas perdidas (1932) dirigida por Erle C. Kenton y protagonizada por Charles Laughton y la segunda, La isla del Doctor Moreau (1977) a cargo de Don Taylor y con Burt Lancaster y Michael York en los roles principales. Richard Stanley (Hardware, programado para matar), gran fan de la novela, consideraba que dichas adaptaciones no estaban a la altura de la obra de Wells, de modo que decidió filmar su propia versión de la misma. El director estuvo cuatro años trabajando en ella.
Su visión de la historia, según sus palabras, era la de "una realmente astuta, épica, película de horror gótico vudú a una gran escala." Stanley escribió el guión con la colaboración de Michael Herr (La chaqueta metálica).
Los derechos de la novela fueron, de la productora AIP (que produjo la versión del 77) a Orion Pictures Corporation y de ahí a New Line Cinema, donde Stanley consiguió la financiación para su película, que se presupuestó en 35 millones de dólares.
Inicialmente Bruce Willis entró en negociaciones para interpretar al protagonista Edward Prendick y Marlon Brando hizo lo propio con el personaje del Dr. Moreau. Con el tiempo Willis se salió del proyecto, pero Brando firmaría para interpretar al icónico doctor. Al protagonista de El rostro impenetrable le gustó el guión, pero no quería a Stanley como director, quería que Roman Polanski dirigiese la película, para demostrarle que era el director idóneo, Stanley se reunió con el actor y tras hablar con él, Brando le dio su aprobación. Teniendo a semejante leyenda a bordo era fácil que otros nombres se unieran al proyecto. Val Kilmer se sumó al proyecto tras el éxito conseguido con Batman forever, encargándose inicialmente del rol de Edward Prendick. Rob Morrow aceptó el papel de Montgomery, el ayudante de Moreau. Y en papeles secundarios el proyecto se llenó de bestias y humanos como Fairuza Balk como Aissa, Ron Perlman como Pregonero de la ley, Mark Dacascos como Lo-Mai y la mítica Barbara Steele en el papel de la ex-mujer de Moreau (que posteriormente sería eliminado).
La creación de las bestias corrió a cargo del gran Stan Winston, cuyo equipo tuvo que dar vida a todos los hombres-bestia en un plazo limitado de tiempo, como comentaba el propio Winston "Creo que tuvimos aproximadamente 20 semanas en total para el diseño, desarrollo y creación de los isleños de Moreau. Esculpiendo, buscando a los actores, creando los animatronics, trajes de cuerpo entero y prótesis para el pelo, mucho trabajo intensivo fue necesario para crear un gran número de estas personas."
Por su parte "Digital Domain" fue la encargada de los efectos visuales de la película. Su principal trabajo fue crear copias digitales de algunas de  las bestias para aquellas escenas que no podían ser interpretadas por los actores que les daban vida, como por ejemplo cuando se muestra a Lo-Mai saltando en el río. Los técnicos de la "Digital Domain" estudiaron los movimientos de un tigre de bengala para animar el CGI del personaje. Además crearon a las ratas mutantes con las que Douglas se topa en un barco. Para esta escena varios técnicos llevaron trajes de captura de movimiento e imitaron los movimientos de cada una de las criaturas, para después trasladarlos a las criaturas digitales.
El rodaje tuvo lugar en Cape Tribulation, Queensland (Australia). Pero semanas antes de que se iniciase, comenzaron los problemas. Val Kilmer exigió que su personaje fuera recortado en un 40%. El actor acababa de divorciarse de su mujer, la también actriz Joanne Whalley y quería reducir su compromiso con la película todo lo posible. Stanley vio que era imposible recortar escenas del personaje, ya que eso afectaría a la integridad de la película. Para no perder a su estrella, a Stanley se le ocurrió la idea de intercambiar los papeles entre Kilmer y Morrow, ya que el personaje de Montgomery tenía una menor presencia que el de Prendrick. Para Stanley aquella era una situación muy complicada "Si Kilmer salía [del proyecto], sería percibido que era mi culpa. Esencialmente tenía que buscar la forma de mantener a Val a bordo. No podía tenerle fuera, porque si lo hiciera, probablemente habría colapsado el proyecto. Y eso habría sido el final para mí de todo modos."
Ambos actores aceptaron el cambio. Pero aun así los problemas continuaron en los primeros días de rodaje (en los que Brando aun no estaba presente), aparte del accidente de coche que sufrió el director el primer día, el huracán que asoló el lugar de rodaje o la gripe que se cebó con el director (todos malos presagios de lo que estaba por venir). Val Kilmer apenas dio señales de vida durante los dos primeros días de rodaje. Del primero no se salvó nada de lo filmado, el mal tiempo complicó muchísimo las labores del equipo, quienes tuvieron que rodar en el mar (por la insistencia del productor Michael De Luca, presidente de producción de la New Line). Y del segundo, el director sólo logró rodar una escena, una en la que unos animales vivos eran llevados de un carguero a una lancha. Kilmer sí se presentó el tercer día, pero no se sabía sus frases, incluso recitó las frases de otros personajes en lugar de las suyas. Estos problemas afectaron a las secuencias rodadas, en las que prácticamente la gente no sabía muy bien que hacer, los actores tropezaban unos con otros y Kilmer no decía nada, todo era un absoluto caos que llegó a los ejecutivos de la New Line, quienes basándose en lo visto en esas primeras tomas, decidieron al cuarto día de rodaje despedir a Stanley. Cuatro años trabajando en su película, para sólo poder estar en ella cuatro días.
Stanley alegó que si fuera otro director de más renombre no lo hubieran echado a los cuatro días de rodaje, eso posiblemente sea cierto, pero como admitió Michael De Luca "No le di [a Kilmer] un director fuerte y eso fue mi culpa", lo dice el mismo que insistió en rodar en el mar con mal tiempo, siendo insalvable nada de lo filmado.
Con la salida de Stanley, Rob Morrow abandonó el proyecto. Y la New Line se vio en la situación de buscar un reemplazo para su director y protagonista principal. El elegido para gritar acción fue John Frankenheimer, quien accedió a participar en la película a cambio de poder modificar el guión y según admitió también porque "Me gustaba la idea de trabajar con Marlon Brando. Y pensé que podría representar una película muy comercial para mí, lo cual necesitaba en ese punto de mi carrera." Para sustituir a Morrow se contrató a David Thewlis, quien había sido una de las primeras elecciones de Stanley para el papel protagonista. Thewlis aceptó protagonizar la película para trabajar con Brando.
La entrada de Frankenheimer en el proyecto influyó que el guión original fue modificado para adaptarlo a su visión sobre el proyecto, según él "Lo primero que hice fue cambiar el guión. La verdad es que el de Richard Stanley era bastante malo. Era un caos. Una especie de homenaje a las películas japonesas de terror de los años 60. Una gran idea, pero plasmada en un mal guión. Se puede decir que lo único que mantuvimos fue el título." Thewlis tenía una opinión diferente sobre el guión original y la visión de Stanley sobre el proyecto "El guión original era realmente muy inteligente y una verosímil mirada de tales teorías liberales. Frankenheimer no entró con mucho amor en el proyecto y a pesar de que Richard había planeado la película para hacer una parodia y por eso tenía a Stan Winston para crear criaturas para una parodia, trató de convertirlo en un thriller serio. Y Brando no quería hacer de Moreau el villano, lo cual nos puso de mierda hasta el cuello para empezar y siguió desde allí."
De modo que se incorporaron cambios en el guión propuestos por Brando para plasmar la visión que tenía el actor respecto a su personaje. Y lo mismo sucedió con Kilmer. Los productores contrataron al guionista Walon Green (Grupo salvaje) para dichas reescrituras. Con este guión se inició el rodaje, pero después Frankenheimer decidió que quería más énfasis en algunos aspectos y para ello se contrató a Ron Hutchinson (Seducción peligrosa) para las nuevas reescrituras. Los principales cambios con respecto al guión de Stanley y Kerr fue la modificación del apellido del protagonista, que pasó de Prendick a Douglas. Además se simplificó su profesión pasando de ser un abogado de derechos humanos de las Naciones Unidas en el guión original, a ser un delegado en los acuerdos de paz en la versión definitiva. Se excluyó la subtrama ideada por Stanley del mundo amenazado por un ataque nuclear, que añadía a la historia el atractivo de no saber si más allá de la isla existía la vida, dándole una vuelta de tuerca adicional a la historia, convirtiendo a las creaciones de Moreau en el posible futuro de la humanidad. Se eliminó el personaje de la ex-mujer de Moreau que iba a protagonizar Barbara Steele. Se expandió el personaje de Pregonero de la ley, el cual inicialmente sólo aparecía en una escena y terminó haciéndolo en nueve. Se eliminó gran parte de la violencia de la película y el gore, sobre todo en su tercer acto que era mucho más explícito (al parecer se llegaba a cocinar a uno de los personajes y después se lo comían vivo). Aun así la WGA mantuvo a Richard Stanley acreditado como guionista, pero Kerr perdió su crédito.
Para llevar a cabo todos estos cambios fue necesario detener la producción durante una semana y media. Pero la participación de un nuevo director, no hizo que se terminaran los problemas con Kilmer, de hecho Frakenheimer llegó a declarar sobre el actor "No me gusta Val Kilmer. No me gusta su ética de trabajo y no quiero ser asociado con él nunca más." El actor cuando tenía una rabieta decidía no presentarse al rodaje, aun teniendo a todo el equipo dispuesto, provocando que se cancelase el rodaje de la escena. En una ocasión apagó un cigarrillo en la cara de un operador de cámara, no se sabe si a propósito o como fruto de una broma que le salió mal. Y cuando el actor rodó su última escena en la película, Frakenheimer soltó un rotundo "Corten. Ahora sacad a ese bastardo de mi set." Brando también terminó teniendo diferencias con Kilmer, a quien le llegó a decir "Tu problema es que confundes el tamaño de tu talento con el tamaño de tu cheque." Y además pidió mover su remolque para alejarse del de Kilmer.
Aunque el protagonista de El último tango en Paris también ocasionó retrasos en el rodaje. Un miembro del equipo llegó a declarar que "Entre Kilmer y Brando dejamos de rodar durante 12 días, con todo el equipo parado." Poco antes de que se iniciase el rodaje, Marlon Brando sufrió la devastadora noticia del suicidio de su hija Cheyenne. El actor estaba atravesando el peor momento de su vida personal (además de la muerte de su hija, por aquel entonces, su hijo Christian cumplía condena por el asesinato del novio de Cheyenne e incluso tuvo problemas relacionados con las pruebas nucleares francesas en Tahití, cerca de un atolón de su propiedad) y todo esto pudo afectarle durante el rodaje de la película. El actor ni siquiera se molestaba en aprender sus frases, usaba un pequeño receptor de radio en su oído para que le ayudaran a recordarlas (algo que ya había hecho en otras películas). En una escena decidió llevar en su cabeza un cubo para el hielo y nadie se lo impidió, el propio actor admitió que lo hizo porque "Estaba tan aburrido, que no sabía que otra cosa hacer." Y además exigió que el enano con el que había trabado amistad (interpretado por Nelson de la Rosa) y que tenía un pequeño rol en la película, apareciera junto a él en todas sus escenas (cosa que así se hizo).
El rodaje se convirtió en un absoluto caos. Al hecho de que el guión fuera reescrito prácticamente a diario, hay que sumarle que Thewlis se cayó de un caballo y se rompió una pierna. Además el actor llegó a improvisar algunas de sus escenas con Brando. Harta de todo, la actriz Fairuza Balk se escapó del rodaje, pero sólo pudo llegar hasta Sydney donde fue encontrada y mandada de vuelta en avión a Queensland. Y para rizar más el rizo, Stanley, quien después de ser despedido, se había quedado cerca del lugar de rodaje, llegó a infiltrarse en el mismo caracterizado como uno de los hombres bestia. Bill Hootkins, amigo de Stanley y miembro del reparto, sacó el disfraz del taller de Stan Winston con la excusa que iba a realizar una broma, y caracterizado como uno de los personajes de la película pudo observar el rodaje desde dentro (y la anarquía que allí reinaba) y tuvo así la oportunidad de hablar con Brando. Al director puede vérsele brevemente como un bulldog fusión en la escena en la que Montgomery hace su imitación de Moreau delante de todas las bestias.
La película se terminó estrenando el 23 de agosto de 1996 y como no podía ser de otra forma, resultó ser un fracaso de taquilla. En suelo norteamericano recaudó 27.663.982 de dólares y en el resto del mundo 21.963.797 adicionales.
Además el film recogió horribles críticas, llegando a ganar el premio Razzie al peor actor secundario (Marlon Brando) y siendo nominada en las categorías de peor película (Edward R. Pressman), peor pareja (Marlon Brando y ese "enano maldito"), peor actor secundario (Val Kilmer que competía en la misma categoría por su papel en Los demonios de la noche), peor director (John Frankenheimer) y peor guión (Richard Stanley y Ron Hutchinson).

EL MONTAJE DEL DIRECTOR
Para garantizar la calificación por edades PG-13, se cortaron las escenas más explícitas que sí fueron incluidas en el director's cut de la película, el cual tiene aproximadamente 5 minutos más de metraje que la versión estrenada en cines. Algunos cambios se limitan a la inclusión de planos de pocos segundos de duración o a planos alternativos que sustituyen a otros. Para conocer todas las diferencias podéis consultar la página movie-censorship.com. Las escenas principales incluidas en esta versión de la película son las siguientes:

1. La pelea en la balsa al comienzo de la película es más larga y más violenta.


2. La muerte de Moreau es más larga y explícita. Hyena llega a arrancarle una mano.


3. Azazello le da Hyena un arma y le dice que sabe donde puede encontrar más. A cambio de contarle donde están, quiere que le quiten su implante. Todas las bestias agarran a Azazello e Hyena le desgarra el implante de su cuerpo.


4. La muerte de Montgomery es más larga, después de ser disparado por Azazello, éste le da la pistola a Hyena, quien le dispara varias veces.


5. Mientras Edward y Aissa entran corriendo en la base, Hyena dispara con una ametralladora destruyendo todo a su alrededor.


6. La muerte de Azazello a manos de Hyena es más gráfica.

VALORACIÓN
La isla del Dr. Moreau es considerada una de las grandes películas malas de los 90, pero a diferencia de otras que son absolutos fracasos, sin nada que salvar, como Batman y Robin, Super Mario Bros. o Street Fighter, por citar sólo algunos casos, el film de Frankenheimer tiene elementos de interés que no la convierten en un film a olvidar del todo.
Es cierto que tiene momentos sonrojantes, excéntricos y carentes de todo sentido, que evidencian la locura que fue su rodaje. Como la escena en la que Douglas conoce a Aissa, donde Montgomery les observa llevando una flor en la boca sin venir a cuento. El dueto a piano de Moreau y el enano es un WTF de los grandes. Como que ambos vayan vestidos exactamente igual en cada escena que comparten. Sin olvidar las dos escenas en las que Montgomery imita a Moreau, que son una ida de olla en toda regla. ¿Y por qué el enano aparece desnudo mientras Montgomery vacuna a las bestias? No lo sé y nunca lo sabré.
Y un caso aparte es la horrible interpretación de Marlon Brando, con diferencia el peor trabajo de toda su carrera. Su presencia a lo largo de la película molesta y despista más que aportar algo a la misma. Desde su ridículo aspecto en su introducción (que intenta ser espectacular y termina siendo ridícula), a cualquiera de sus otras escenas, parece que Brando esté en una película diferente al resto.
Kilmer tampoco es que esté a la altura, por momentos no sabemos a que juega su personaje, parece como si a cada escena el actor hiciera lo que le diera en gana, a veces sus actos o comportamientos no tienen ninguna lógica.
Lo mejor de la película no es la historia de los humanos, si no la de las bestias, ahí radica la verdadera película, una realmente interesante, la lástima es que no está lo suficientemente explotada y todas las tramas de los humanos frenan hasta cierto punto el avance de la historia. La película debería haberse centrado más en desarrollar la historia de las bestias y menos en intentar contentar a sus estrellas humanas. Porque en esta parte de la película encontramos ideas atractivas. Por un lado el film nos habla de los peligros de jugar a ser Dios. Y es el objetivo de Moreau lo que nos lleva al quid de la película, éste quiere crear seres perfectos partiendo de animales, para que la pureza de éstos dignifique la raza humana, pero el problema es que cuanto más humanas se vuelven las bestias, más experimentan éstas las peores conductas del hombre, se vuelven seres violentos, codiciosos y obsesionados por las armas (como el momento en el que Azazello mata a Lo-Mai a sangre fría por no haber cumplido la ley o la escena en la que Hyena dispara varias veces al cuerpo de Montgomery). Se revelan porque comienzan a tener dudas. ¿Por qué dios nos ha creado? ¿Por qué nos hace sufrir? ¿Por qué debemos acatar tantas normas? Dudas humanas que no llegan a comprender. Moreau les priva de la libertad, de la posibilidad de elección para que sean más humanos, para ello intenta erradicar sus instintos animales, pero ellos son en parte animales. Y eso hace que al final éstos exploten. A diferencia de lo que sucede con los hombres, su dios es de carne y hueso y pueden matarlo, pero no sólo matan a su dios, matan al mismo tiempo a su padre, lo que hace que sus actos sean más horribles todavía. Y al hacerlo creen convertirse en dioses, pero en realidad son simplemente monstruos, son simplemente hombres.
Y la gran vuelta de tuerca de la película es que muestra a los hombres a su vez como bestias, al comienzo de la película tres luchan por conseguir un poco de agua (Douglas incluso mata impulsado por un acto de rabia) y Montgomery es mostrado como un psicópata. Además Douglas es encerrado en su habitación que casi parece una jaula. La visión que da de los humanos es realmente fatalista y negativa. Al final son las criaturas de Moreau quienes demuestran tener una mayor lucidez, al decidir dejar de ser lo que no son (humanos) y vivir en función de sus instintos (siendo animales).
La película surgió en pleno revival por los monstruos clásicos iniciado por Drácula de Bram Stoker (1992), seguido por Frankenstein de Mary Shelley (1994) y Mary Reilly (1996) y continuado por La momia (1999). En la que La isla del Dr. Moreau fue su peor exponente.
Nunca sabremos como sería el film de Stanley, pero lo que sí sabemos es que La isla del Dr. Moreau es una oportunidad perdida de hacer algo realmente grande. Los medios los tenían, además de un planteamiento de lo más sugestivo e incluso Frakenheimer dirige con su buen pulso de siempre, pero le falta concreción a la hora de querer plasmar sus intereses y los pocos elementos de interés no logran levantar el film. Tal vez, la película es lo único que podía salir de tan caótico rodaje y de tanta lucha de egos. Ésta no más que la suma de un montón de malas decisiones. Al final La isla del Dr. Moreau fue una abominación más horrible que cualquiera de los experimentos de Moreau.

Curiosidades:
La película se estrenó en el 100 aniversario de la publicación de la novela de H.G. Wells.
El personaje de Pregonero de la ley es ciego, de modo que Ron Perlman tuvo que llevar puestas unas lentillas que le cegaban, de modo que interpretó su papel ciego.
Val Kilmer se sintió obligado a pedirle permiso a Brando para hacerse pasar por él para rodar la escena en la que Montgomery imita a Moreau.
Según recordaba David Thewlis, un día que Brando usaba su receptor de radio para que le recordaran sus frases, ésta se acopló con la frecuencia de la policía y el actor repitió lo que escuchó, que no fue otra cosa que "Hay un robo en Woolworths'."
David Thewlis juró que nunca vería la película, ya que ésta fue experiencia negativa para él. De hecho, no asistió al estreno de la película.
El personaje del Dr. Mephisto de South Park es una parodia del Dr. Moreau de esta película, a quien como a Marlon Brando le acompaña siempre un enano. Majai, que ese es el nombre del enano, fue quien inspiró el personaje de Mini-Yo de las películas de Austin Powers. Además en Austin Powers: La espía que me achuchó se parodia la escena en la que Moreau y Majai hacen un dueto al piano.
La película fue incluida en el libro "The official Razzie movie guide: Enjoying the best of Hollywood's worst" como una de las 100 películas más divertidamente malas jamás hechas. El autor del libro fue John Wilson, fundador de los premios Razzie.
Ron Perlman aceptó participar en la película para poder trabajar con Marlon Brando, a quien admiraba. Val Kilmer participó en la película por la misma razón.
Antes de comenzase el rodaje Brando y Kilmer se fueron juntos de vacaciones a Irlanda.
El nombre del barco que lleva a Douglas a la isla de Moreau en el libro es Ipencacuanha, pero en la película fue cambiado por Ombak Penari, cuya traducción sería "Bailador de olas".

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