Friday, March 01, 2019

¿Quién engañó a Roger Rabbit?

"No soy mala, es que me han dibujado así."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Roger Rabbit, un dibujo animado que trabaja en Hollywood, es acusado de un asesinato y el detective Eddie Valiant se verá inmerso en una investigación para demostrar su inocencia.

¿QUIÉN CENSURÓ A ROGER RABBIT?
Gary K. Wolf publicó en 1981 la novela, "¿Quién censuró a Roger Rabbit?", pero un poco antes, en 1979, y después que el libro fuera comprado por la editorial St. Martin’s Press, Disney se hizo con los derechos para realizar una película cuando era sólo un manuscrito, por tan solo 25.000 dólares. Al parecer, su adaptación fue una idea de Ron W. Miller, CEO de la compañía. El guión se le encargó a Jeffrey Price y Peter S. Seaman, quienes escribieron dos versiones del mismo. El estudio trató durante varios años y sin éxito adaptar la novela.
El proyecto se le ofreció a Terry Gilliam, el director y animador parecía apropiado para el proyecto, pero lo rechazó, tal y como reconocía porque, "leí el libro y dije, 'Esto es demasiado trabajo.' Pura pereza de mi parte."
Entre 1981 y 1983, el director Darrell Van Citters desarrolló una versión de la película, creando el diseño de los personajes y haciendo pruebas de pantalla aunando personajes animados con actores de carne y hueso. Paul Reubens (el luego popular Pee-wee Herman) era la voz del conejo, tras ser escogido por Citters. Pero el proyecto no llegó a buen puerto.
Ya en 1982, el guión le llegó a Robert Zemeckis a través de su agente. "Cuando leí Roger Rabbit supe que tenía un gran potencial. No conseguía sacarlo de mi cabeza," reconocía el director. Zemeckis se ofreció a hacerse cargo del proyecto, pero éste se prolongó en el tiempo sine die y el director se fue a rodar Tras el corazón verde (1984). Cuando Zemeckis terminó de rodar su película de aventuras, recordaba que, "Disney todavía no lo tenía claro." Así que el director pasó a otros proyectos y se olvidó de Roger Rabbit, pero no sería por mucho tiempo.
La entrada de Michael Eisner como nuevo CEO de Disney revitalizó el proyecto en 1985 y para ello se puso en contacto con Steven Spielberg, quien se convertiría en su productor ejecutivo bajo su productora Amblin, dándole Eisner el control creativo absoluto. Además el director de Encuentros en la tercera fase acordó un porcentaje de los beneficios en taquilla, y por su parte Disney se aseguró los derechos del merchandising en exclusiva. Además los derechos de los personajes se repartieron al 50% entre Amblin y Disney.
Spielberg inicialmente le ofreció el proyecto a Joe Dante, pero no funcionó y después se lo ofreció a Zemeckis con quien acababa de tener un gran éxito con Regreso al futuro (1985). "Le dije a Steven que ya había leído aquel guión años atrás, y entonces me contestó, 'Hagámoslo'," recordaba Zemeckis. "La gente nueva que acababa de llegar a Disney estaba estusiasmada con la idea de sacar el proyecto adelante."
Zemeckis demostró ser el director perfecto para el proyecto y eso que como él mismo reconocía, "no era un fanático de los dibujos animados y ciertamente no era un entusiasta del cine negro. Roger Rabbit fue sólo algo que funcionó para mí."
Para la parte animada Zemeckis tenía una visión muy clara de lo que debía ofrecer la película. "Siempre dije que la película iba a ser una compilación de todo lo que se había hecho, así que básicamente se dividió en tres estilos," declaraba Zemeckis. "Íbamos a utilizar la técnica de animación de Disney, realmente perfeccionaron este arte, la caracterización de Warner Bros., porque los cartoons de Warner siempre tenían los mejores personajes, y el humor de Tex Avery, sus cartoons siempre eran los más divertidos. Así que hemos combinado las tres técnicas que se habían mantenido separadas durante los 40 y 50, debido a que pertenecían a diferentes campos."
Zemeckis necesitaba de un director que se encargase de toda la parte animada, de modo que iniciaron la búsqueda en Estados Unidos, pero no lograron encontrarlo. El productor Robert Watts llevó a la Amblin una cinta con el trabajo de Richard Williams, que mostraba algunos de sus anuncios y parte de la película en la que estaba trabajando The thief and the cobbler. Tras verlo, Zemeckis supo que había encontrado a su director. Su elección se debió a una serie de razones, "fue la combinación de su técnica de animación y la fabulosa belleza de su trabajo," admitía Zemeckis. "Es como las maravillosas cosas que Disney solía hacer. Y puede hacer muchos estilos diferentes. Cuando hacía cosas de comedia era genial, y ya no hay nadie vivo que pueda hacer eso." 
Y para lanzarse a la piscina definitivamente, y demostrar a la Disney y a Amblin que el proyecto era viable, Zemeckis decidió realizar una prueba de pantalla de 40 segundos de duración, la cual fue animada por Williams, para saber si lo que deseaba plasmar en pantalla era posible. "Hicimos un plano con una dolly, un plano desde una grúa, pusimos al conejo detrás de los cristales de una ventana," recordaba Zemeckis. "Le hicimos interactuar con humanos, caminar entre las sombras y hacia la luz. Caminó delante de un letrero de neón. Se reflejó en el pavimento mojado. Todas esas cosas que la tradición dice que no deberías hacer. Y todo funcionó perfectamente." En ese corto Joe Pantoliano hizo el papel de Eddie Valiant y su coste fue de 100.000 dólares. El resultado fue tan espectacular que ya no había marcha atrás.
La película se presupuestó originalmente en 50 millones de dólares, lo que Disney consideró que era demasiado elevado. Al final se logró la luz verde para el proyecto cuando el presupuesto se rebajó hasta los 30 millones (aunque como veremos más adelante terminaría costando mucho más).
La película sólo sería posible si conseguían reunir a todos los grandes personajes de dibujos animados. La participación de Spielberg fue crucial para conseguir los acuerdos con las diferentes productoras. "Los únicos personajes que queríamos y que no pudimos conseguir fueron Popeye y Felix el gato. Sentían que no estábamos ofreciendo dinero suficiente," declaraba el productor Frank Marshall. Cuando Disney se acercó a la Warner a principios de los 80 para conseguir un cameo de Bugs Bunny en la película, recibieron un no por respuesta, Spielberg consiguió la participación de los principales personajes animados de la Warner, lo que demuestra lo importante de su participación en la película. Además Spielberg negoció que el pago por cada personaje sería de 5.000 dólares.
"Los dueños de todas esas licencias supervisaron las voces de los personajes, así como los dibujos," afirmaba Marshall. "Tuvimos a alguien de su estudio con nuestra gente, y con razón. Queríamos que Bugs Bunny se viera como Bugs Bunny."
En el caso de Warner, la compañía cedió a sus personajes bajo la condición que sus mayores estrellas (Bugs Bunny y el Pato Lucas) debían aparecer en pantalla tanto tiempo como las grandes estrellas de Disney (Mickey Mouse y el Pato Donald). Para solucionarlo se tomó la decisión de que estos personajes siempre aparecieran juntos en pantalla.
Por su parte, Richard Williams se hizo cargo de la creación de Roger Rabbit, el canadiense diseñó al conejo dándole una cara Warner, un cuerpo Disney y una actitud Tex Avery. Roger tiene guantes de Mickey Mouse, el mono de Goofy y una corbata como la de Porky. Williams le dio al personaje animado los mismos colores de la bandera americana (mono rojo, cuerpo blanco y corbata azul) para que a todo el mundo le gustase subliminalmente.
Para la Jessica Rabbit de la novela, Wolf se inspiró en la bailarina del corto de Tex Avery Red Hot Riding Hood (1943). Pero en la película fue la combinación de varias mujeres. "Traté de hacerla como Rita Hayworth," afirmaba Williams. "Tomamos su pelo de Veronica Lake, y Zemeckis seguía diciendo, '¿Que hay del look que tenía Lauren Bacall?'" Y de la suma de esas tres actrices surgió Jessica Rabbit.
Zemeckis estuvo trabajando estrechamente con Jeffrey Price y Peter S. Seaman cerca de un año puliendo el guión. Existen bastantes cambios con respecto a la novela de Wolf. En aquella Roger y los demás personajes se dedican a posar para las tiras cómicas de los periódicos y no son actores como en la película y Roger ni mucho menos es una gran estrella. Valiant se encarga de resolver el asesinato de Roger, mientras que en la película tratan de resolver un misterio juntos. La historia se situó en la película en los años 40, en lugar de acontecer en la actualidad. Se añadió al personaje del Juez Doom para la película y la idea de poder matar a los personajes de dibujos animados. Se eliminó la idea del libro en que los personajes animados hablaran mediante bocadillos que aparecían sobre sus cabezas.

REPARTO
Harrison Ford fue la primera elección de Spielberg para dar vida a Eddie Valiant, pero su sueldo era demasiado alto, por lo que quedó descartado. Spielberg y Zemeckis optaron por Bill Murray, pero no consiguieron contactar con el actor y se quedó fuera de la carrera por el papel (algo que Murray lamentó ya que según declaró, lo habría aceptado). Se le ofreció a Eddie Murphy, pero lo rechazó (algo de lo que el actor se arrepintió). Sylvester Stallone, Charles Grodin, Robert Redford, Jack Nicholson, Peter Renaday (que hizo una audición para el papel), Ed Harris, Paul Newman, Robin Williams, Don Lane (que llegó a hacer una prueba) y Wallace Shawn fueron considerados para el papel.
Pero al final el escogido fue Bob Hoskins. "Necesitaba a alguien que pudiese actuar por dos," admitía Zemeckis. "Y Bob me hizo creer que Roger estaba realmente allí."
Para tener la sensación de actuar con dibus, Hoskins estudió a su hija de tres años jugando con sus amigos imaginarios. De tanto hablar con seres imaginarios durante el rodaje, el actor comenzó a perder el control y llegó a experimentar alucinaciones. "En un momento dado, fue bastante aterrador, aparecieron comadrejas y todo tipo de cosas," recordaba Hoskins. Además como otros actores del reparto, tomó clases de mímica para la película. Hoskins se implicó totalmente, llegando a realizar muchas de sus escenas de riesgo.
Tim Curry hizo una prueba para el papel del Juez Doom, pero resultó ser demasiado terrorífica para Zemeckis, Spielberg, Eisner y Jeffrey Katzenberg. Christopher Lee rechazó el papel. John Cleese tuvo interés en interpretar el personaje, pero Zemeckis y Spielberg se negaron ya que consideraron que nadie se tomaría en serio que un miembro de los Monty Python pudiera ser un asesino sádico. También se consideró a Robin Williams, Sting y a Roddy McDowall para el papel. Y el escogido fue Christopher Lloyd. "Habiendo trabajado con él antes, sabía que realmente se metería en el papel," declaraba Zemeckis.
Joanna Cassidy luchó por conseguir el papel de Dolores y se salió con la suya. Para dar vida al personaje la actriz se inspiró en el look de Joan Crawford.
Stubby Kaye interpretó a Marvin Acme, siendo ésta su última película como actor. También fue la última de Alan Tilvern, quien dio vida a R.K. Maroon.
Y para dar voz a Roger Rabbit se tanteó a Eddie Deezen, pero Zemeckis se decantó por Charles Fleischer, a quien había considerado para el papel que Alfonso Arau interpretó en Tras el corazón verde (1984). Inicialmente Fleischer fue contratado para dar la replica a los actores que hacían las pruebas de pantalla para el papel de Eddie Valiant, a Zemeckis le gustó tanto su trabajo que le ofreció el papel del conejo. Fleischer terminaría poniendo voz también a Benny el taxi, Greasy y Psycho.
La voz de la sensual Jessica Rabbit era en realidad la de Kathleen Turner, aunque en aquellas escenas en las que el personaje canta, es la voz de Amy Irving la que podemos escuchar. Ambas participaron de forma no acreditada en la película.
Y por su parte, Lou Hirsch puso voz a Baby Herman.
Para algunos de los personajes animados se contó con sus voces originales, como en el caso de Mel Blanc (Bugs Bunny, Pato Lucas, Piolín, Silvestre, Porky) o Mae Questel (Betty Boop). Y para otros se contó con los actores que habían tomado el relevo como, Wayne Allwine (Mickey Mouse) o Tony Anselmo (Pato Donald).

LA PELÍCULA MÁS CARA DE LA HISTORIA
El rodaje arrancó a comienzos de diciembre de 1986 y se prolongó hasta el 27 de agosto de 1987. Aunque en diciembre de 1987 se rodaron durante dos semanas escenas en pantalla azul con la ILM y varias tomas adicionales. Los interiores se rodaron en los Elstree Studios en Inglaterra, además de algunas localizaciones exteriores en Essex y Londres. Aunque el grueso de los exteriores tuvieron lugar en Los Angeles.
Richard Williams odiaba el mundillo de Hollywood y puso como condición para participar en la película, no trabajar en Los Angeles, esa fue la razón por la que la producción se trasladó a Londres. Disney decidió mantener una segunda unidad de animación supervisada por Dale Bear en Los Angeles, lo que hizo aumentar el presupuesto en 10 millones de dólares.
El equipo de animación de Londres estaba compuesto por unas 220 personas y el de Los Angeles por 70. Este último se encargó de las escenas de Dibullywood y de Benny el taxi. Para entregar la película tiempo, dentro del ajustadísimo calendario, cada animador debía dibujar 8 segundos de película a la semana. Cada 10 segundos de animación requerían más de 1.400 dibujos. Y llegaron a crear 55 minutos de animación aproximadamente. Lo que hace ver lo enorme de la empresa. 
Puede que a alguno le chirríe que algunos de los personajes animados no luzcan tal y como los conocemos en la actualidad, eso se debe a que Zemeckis y Spielberg se empeñaron en que los dibus debían lucir como eran dibujados en los años 40, década en la que se sitúa la historia.
Fue un rodaje sumamente complejo, "complicado hasta el punto que para finalizar la post-producción de esta película, tuvimos que realmente editar un manual," admitía Zemeckis.
Y es que ¿Quién engañó a Roger Rabbit? fue un hito en el campo de los efectos visuales, considerándose tal vez el mayor reto en este campo desde La guerra de las galaxias (1977). Por ejemplo, la escena en la que Eddie Valiant camina por los Maroon Studios está compuesta por cerca de 80 elementos separados que tuvieron que ser compuestos en un solo plano, hasta aquel momento el récord lo ostentaba una escena de El imperio contraataca (1980) que tenía 74.
Los complejos efectos visuales fueron obra de la ILM, quien creó más de 900 planos con trucajes bajo la supervisión de Ken Ralston. Para ello usaron cámaras de control de movimiento, pantalla azul y cientos de efectos mecánicos. Además aportaron a los dibujos sombreados, brillos y sombras que les dio un aspecto de tres dimensiones. La ILM no subcontrató el trabajo a otras compañías de efectos, encargándose de todos los planos de la película, lo requirió de ocho meses de duro trabajo. Mediante efectos ópticos consiguieron integrar los dibujos del equipo de Richard Wiliams con las escenas con actores reales con tal perfección, que nos hicieron creer que humanos y dibus podían coexistir.
Michael Lantieri (responsable de efectos especiales) y George Gibbs (responsable de efectos mecánicos) fueron los encargados de hacer creíble la interacción entre humanos y dibus mediante efectos físicos. Estos iban desde pianos que tocaban solos, a mover objetos en el aire que después serían manipulados por dibus, pasando por una bicicleta autoguiada y más cosas imposibles. "Cada día se nos requería que proporcionáramos algún efecto," decía Lantieri. "En cada plano, sin descanso."
Simular el movimiento de los objetos transportados por los personajes animados fue responsabilidad de David Barclay, quien contó con un equipo de 15 titiriteros para ello. Conseguían mover los objetos mediante el uso de cables, varillas o utilizando sus propias manos. Y se las ingeniaban de todas las formas para hacer creer al público que los personajes animados estaban realmente ahí, como lo demuestra la escena del Terminal Bar en la que Roger canta y baila, debajo de la barra había controles para hacer que la superficie vibrase simulando los saltos del conejo. "Este movimiento hace que las copas y las bebidas se muevan," explicaba Barclay.
Otra forma de simular el movimiento de objetos (como el cigarro de Baby Herman) fue mediante máquinas de control de movimiento, que eran manipuladas por un operario, y que permitían mover objetos como fuera necesario para la escena. Ya en post-producción, se dibujaba al personaje animado sobre la máquina creándose la ilusión.
Fabricaron muñecos de goma de los diferentes personaje animados, que colocaban en los lugares donde debían estar, para así saber su posición y altura. Primero se ensayaba la escena con el muñeco y luego rodaban sin él. Esto ayudaba a los cámaras a encuadrar el plano y a los actores les daba algo con lo que ensayar. Una vez tenían las tomas que querían, volvían a colocar al muñeco de goma y lo fotografiaban. Así posteriormente los animadores tenían una referencia de su tamaño, proporciones y de la posición de la luz.
Por su parte, Charles Fleischer pidió que hicieran un traje de Roger Rabbit para él, el cual utilizó en el set de rodaje. "Dije, estoy interpretando el papel de Roger Rabbit. Debería parecerme a Roger Rabbit," afirmaba el actor. A Hoskins le pareció inicialmente una locura, pero al final se lo agradeció porque le ayudó en el rodaje, Fleischer se colocaba fuera de cámara e interpretaba las escenas que Hoskins tenía con el conejo imaginario. Otros dobladores también acompañaron a Fleischer durante el rodaje de las escenas reales.
Todos los decorados fueron construidos a cerca de dos metros de altura para permitir a los titiriteros manipular los objetos por debajo. Mediante auriculares recibían las indicaciones de Zemeckis y a través de un monitor veían lo que ocurría sobre sus cabezas. Una de las escenas más complejas de la película fue la del club "La tinta y la pintura" con un montón de personajes paseándose por el lugar y con los pingüinos camareros transportando bandejas entre las mesas, algo que se consiguió mediante unas ranuras en el suelo para los aparejos mecánicos que manipulados por los titiriteros transportaban las bandejas.
El clímax de la película en Dibullywood fue una combinación de los talentos de los animadores de la unidad de Los Angeles y la fotografía de pantalla azul de la ILM. Durante dos semanas de diciembre de 1987, se rodaron 150 planos de pantalla azul con Hoskins, de los cuales 130 se utilizaron en la película. "Fue una pesadilla," según declaraba Ken Ralston, supervisor de efectos visuales de la película, ya que sólo disponían de Hoskins durante esas dos semanas. Dibullywood está repleta de personajes animados anteriores a 1947 y para poblar la ciudad se hizo un estudio concienzudo en los archivos de Disney en busca de dibus que introducir en la secuencia.
Una vez finalizó el rodaje con los actores reales, la película tuvo que ser editada antes que la animación fuera dibujada. "El proceso de montaje fue probablemente lo más difícil para mí," recordaba Zemeckis. "Porque sólo tenía un elemento, un actor, y el otro actor debía ser imaginado por mi editor y por mí. Todo en animación es hecho al fotograma, porque cada fotograma de animación es muy caro. Por lo tanto, la acción real tuvo que ser cortada de forma exacta también." El proceso de post-producción se alargó durante 14 meses.
Zemeckis se puso en contacto con Alan Silvestri en octubre de 1986 (dos años antes del estreno de la película) para componer una banda sonora inicial, que necesitaba ser creada de antemano. Silvestri estuvo trabajando en el proyecto de forma intermitente, hasta que en diciembre de 1987 pasó a trabajar a tiempo completo. En ese momento ya había un montaje lo suficientemente desarrollado para que el compositor se pusiera manos a la obra con la partitura completa, la cual terminó sólo dos semanas antes del estreno de la película. "La mecánica de orquestar una película que no está completada y donde en algunas escenas aún no hay personajes, fue algo nuevo," comentaba Silvestri.
Y es que no fue tarea fácil crear una banda sonora para una película en la que co-existen personajes animados con personas reales. "La intención de los cineastas era que la animación estuviera tan bellamente integrada en la película que nunca tuvieras la sensación de que era una película de la vida real con la intromisión de personajes animados," explicaba Silvestri. Así que el compositor creó la música (interpretada por la London Symphony Orchestra) como si todos los personajes reales y animados pertenecieran al mundo real.
Los primeros pases de prueba fueron un desastre, uno realizado en Pasadena con público mayoritariamente joven y con la película todavía sin terminar, acabó con la gente marchándose a los pocos minutos de empezar. Pero Zemeckis se mantuvo fiel a su instinto y como tenía derecho al final cut, decidió no cambiar nada, estrenando la película como tenía previsto. Además posteriores pases con la película más completa funcionaron mejor. Así se demostraría que el director estaba en lo cierto.
La película estaba completa para su estreno y el presupuesto, según se publicó, había ascendido a 70 millones de dólares. Aunque posteriormente se supo que fue realmente de 58.166.000 de dólares, lo que la convirtió en su momento en la película más cara de la historia (Rambo III del mismo año tuvo un presupuesto estimado de 58-63 millones).
La película se estrenó el 22 de junio de 1988 en los Estados Unidos (tras una premiere el día anterior en Nueva York) y fue todo un éxito. En los Estados unidos recaudó 156.452.370 de dólares y la taquilla final a nivel mundial ascendió a 329.803.958 de dólares, siendo la segunda película más taquillera del año en su país de origen y también a nivel mundial (sólo fue superada por Rain man).
Y los Oscars no se quedaron atrás, la película ganó las estatuillas correspondientes a las categorías de mejor montaje (Arthur Schmidt), mejor edición de efectos de sonido (Charles L. Campbell y Louis L. Edemann), mejores efectos visuales (Ken Ralston, Richard Williams, Ed Jones y George Gibbs), además de un Oscar especial para Richard Williams por su dirección de animación y creación de personajes animados. Y fue nominada en las categorías de mejor fotografía (Dean Cundey), mejor dirección artística (Elliot Scott y Peter Howitt) y mejor sonido (Robert Knudson, John Boyd, Don Digirolamo y Tony Dawe).
Sin olvidar las dos nominaciones a los Globos de oro a la mejor película comedia o musical y mejor actor de comedia o musical (Bob Hoskins), el premio BAFTA a los efectos visuales (George Gibbs, Richard Williams, Ken Ralston y Ed Jones ), la nominación en los Cesar a la mejor película extranjera (Robert Zemeckis), la nominación a los Writers Guild of America al mejor guión adaptado (Jeffrey Price y Peter S. Seaman), el premio Hugo a la mejor presentación dramática (Robert Zemeckis, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Gary K. Wolf), la nominación en la Directors Guild of America (Robert Zemeckis) y los premios Saturn a mejor película de fantasía, mejor director (Robert Zemeckis) y mejores efectos especiales (George Gibbs, Ken Ralston, Richard Williams e ILM).
El personaje fue un habitual en los parques de la compañía del ratón, teniendo su propia atracción, la "Roger Rabbit's Car Toon Spin", en Disneyland Park (Anaheim) y Tokyo Disneyland. Y además se llegaron a producir varios cortos del personaje, primero llegó Dolor de barriga (1989), en su momento supuestamente fue el corto más caro jamás realizado, y acompañó a Cariño, he encogido a los niños (1989) en su estreno en cines. Después llegaría Roger en la montaña rusa (1990), que provocó tensiones entre Spielberg y Eisner, el primero quería que el corto acompañase a Aracnofobia (1990), primera co-producción entre Amblin y Hollywood Pictures (subsidiaria de Disney), y Eisner por su parte quería que lo hiciera con Dick Tracy (1990). Al final el CEO de Disney se salió con la suya, pero provocó que Spielberg cancelara el corto "Hare In My Soup" que ya estaba en producción y otros tres que estaban planeados, "Clean and Oppressed", "Beach Blanket Bay" y "Bronco Bustin' Bunny". Años después llegaría el último corto, Roger Rabbit en lío en el bosque (1993) que precedió en cines a Un lugar muy lejano (1993), una co-producción de Amblin y Disney.

ESCENA ELIMINADA
Existe una escena eliminada del montaje final que puede encontrarse en las ediciones de vídeo doméstico de la película. Vemos como Eddie Valiant se cuela en el camerino de Jessica Rabbit para busca el testamento de Acme y es pillado in fraganti por el gorila del club, quien le deja inconsciente de un puñetazo. Cuando se despierta, en la habitación está el Juez Doom y Jessica. Para que deje de husmear, Doom hace que las comadrejas se lleven a Valiant a Dibullywood y le dibujan al detective una cabeza de cerdo. Éste corre hasta su casa donde logra borrarla dándose una ducha.
Esta secuencia fue una de las primeras que completaron los animadores (el plano de la cabeza yéndose por el desagüe fue justo el primero en realizarse), pero aunque intentaron mantenerla, finalmente quedó fuera en la mesa de montaje. A Zemeckis le gustaba la escena en la que Valiant se lava la cabeza de cerdo. "El problema es que la escenas previas a esto ralentizaban la película," afirmaba el director. Fue cortada por una sugerencia de Bob Gale, colaborador habitual de Zemeckis y guionista de Regreso al futuro (1985).

VALORACIÓN
¿Quien engañó a Roger Rabbit? es una auténtica maravilla, un joya de la animación y una de las películas más originales de los ochenta. La unión perfecta de imagen real y dibujos animados, de noir y comedia, es una mezcla en la que todo funciona.
La película toma los clichés del noir, pero los trata con respecto (toda la trama de la construcción de la autopista y la compra de la línea de tranvías es puro cine negro) y como película animada es un amalgama y homenaje a todo lo que se había hecho antes. Y además su sentido del humor funciona como un tiro (que Jessica esté realmente enamorada de Roger me mata).
Lo interesante de la película es que es algo más que la mayor reunión de personajes animados jamás realizada, la historia funciona por si misma y esos cameos hacen creíble el universo en el que ésta se desarrolla, además consigue hacernos sentir como niños otra vez y que veamos embobados la pantalla mientras pasan por ella algunos de los dibujos animados más queridos que se recuerdan.
Situar la historia en los años 40 es todo un acierto, primero por ser la década por antonomasia del noir, y después por ser el punto álgido de la era dorada de la animación americana, con Disney, Warner y Metro-Goldwyn-Mayer a la cabeza. Es la época perfecta para unir ambos géneros.
La ruptura del mundo cartoon al mundo real en el corto de Roger con el que empieza la película, te deja fuera de juego por el realismo de las imágenes. Nunca antes actores reales y animados habían compartido pantalla con tanta precisión. Y si bien es mérito de los animadores (Richard Williams realizó una labor titánica) y de los técnicos de la ILM, también hay que reconocer el gran trabajo de los actores, enfrentados a actuar frente a la nada y que hacen que nos creamos sus interacciones con personajes animados. Hoskins está fantástico como ese detective privado venido a menos. Y es increíble como llega a haber química entre Valiant y Roger, algo que sobre el papel parecería imposible. Es uno de los muchos logros de la película.
Y es que ¿Quién engañó a Roger Rabbit? es todo un hito del cine y una de las películas más complejas de la historia (merece la pena ver su making of para comprender lo titánico que fue rodaje). Sólo pensar como lograron juntar tantos personajes de diferentes productoras te hace explotar la cabeza por la dificultad de la misión. Y el perfeccionamiento de la técnica de mezclar personajes animados con reales supuso un salto de gigante en el cine de animación y en el campo de los efectos visuales.
El tercio final es un desafío para los sentidos, no sólo tenemos el tramo de Dibullywood, además descubrimos el genial plan de Doom y la revelación que éste es en realidad un dibu malvado (el único), y todo concluye con la reunión de los personajes animados más populares compartiendo pantalla. ¿Qué más se pude pedir?
Hablando del Juez Doom, es uno de los grandes villanos de los ochenta, un misterioso dibu del que nunca conoceremos su identidad (un acierto del guión). Hay varias pistas que nos hacen prever que es un dibu, su ropa siempre se mueve como empujada por el viento (mientras que no sucede con el resto de personajes), nunca parpadea, y en la escena del bar se aparta de "el baño" cuando Valiant lo derrama.
Y Roger por su parte, tal vez nunca alcance el carisma de Bugs Bunny o del Coyote, pero consigue nuestras simpatías con una mezcla de corazón y excentricidad, que le convierten en un gran dibu.
La película consagró a Zemeckis como uno de los grandes directores del siglo XX, algo que ya había demostrado con Regreso al futuro. Su puesta en escena es elegante, ingeniosa y de precisión milimétrica. Denota lo buen director que es en el simple (y clásico) plano que la cámara recorre el despacho de Valiant y nos cuenta sólo con imágenes y sin palabras, su pasado.
La película revitalizó la animación Disney en clara decadencia en los ochenta, devolviéndola al éxito de primer orden. Después vendrían La sirenita (1989), La bella y la bestia (1991) o Aladdín (1992), pero antes llegó esta película.
¿Quién engañó a Roger Rabbit? es, y siempre será, el referente de película que aúna imagen real y animación. Zemeckis nos brindó una de las joyas del entretenimiento de los ochenta, muchas veces imitada, pero nunca igualada. Tiene de todo, comedia, cine negro, notas de terror, es una original buddy movie y es puro cine de animación. Tan loca como Tex Avery y tan divertida como los Looney Tunes. No es sólo una buena película, es que le han dibujado así. Y básicamente, eso es todo amigos.

CURIOSIDADES
Kathleen Turner estaba embarazada de nueve meses cuando grabó la voz de Jessica Rabbit.
El túnel que conduce a Toon Town es el mismo túnel visto en Regreso al futuro II (1989), también dirigida por Robert Zemeckis. Se encuentra en el Parque Griffith (Los Angeles).
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
La mayoría de frases del Pato Donald fueron grabadas por Tony Anselmo, quien le puso voz desde 1985, pero se utilizó una grabación de Clarence Nash (la voz original de Donald) para el comienzo de su escena con el Pato Lucas. Sólo se acreditó a Anselmo en la película.
Es al supervisor de efectos visuales Ken Ralston a quien vemos como el Juez Doom corriendo en Dibullywood, cuando Eddie Valiant le dispara balas animadas.
Los tres ingredientes de "el baño" que mata a los dibus, son trementina, acetona y benceno, que son disolventes de pintura.
Se llegaron a escribir más de cuarenta versiones del guión, en algunos Jessica Rabbit y Baby Herman llegaron a ser los villanos.
En una de las versiones del guión, Eddie debía convertirse en un dibu en la secuencia de Dibullywood. La escena fue producida, lo que requirió siete semanas de trabajo para los animadores, pero no fue usada.
Una de las fotos de la billetera de Roger Rabbit de él cenando con Jessica, muestra varias caricaturas en las paredes del restaurante de diversos cineastas, entre ellas se pueden encontrar la de Robert Zemeckis, Steven Spielberg, Richard Williams y Mickey Mouse.
Una precuela con el título de "Toon Platoon" se planteó, pero nunca paso de la fase de desarrollo.
Robert Zemeckis mantiene el modelo stop-motion del Juez Doom aplastado en su oficina.
La canción "The Lazarus Heart" de Sting fue escrita originalmente para la película y se utilizaría en el final que mostraba la muerte de Roger, tal y como sucede en la novela. El final se cambió por uno positivo y se suprimió la canción de Sting que acabó en su álbum "...Nothing Like the Sun".
El storyboard del dueto a piano entre el Pato Donald y el Pato Lucas fue realizado por Richard Williams y Chuck Jones, que trabajaba como consultante. Williams dibujó a Donald y Jones a Lucas.
Es la única película que ha reunido a los personajes animados de Disney y Warner Bros.
El cameo de Joel Silver, como el director del corto de Roger y Baby Herman, fue una broma de Zemeckis y Spielberg al jefe de Disney, Michael Eisner. Silver y Eisner se odiaban desde principios de los 80 por los problemas que habían surgido al realizar Límite: 48 horas (1982). Silver se afeitó la barba, pagó sus propios gastos y mantuvo su nombre fuera de todas las hojas de reparto iniciales. Cuando se terminó la película y le dijeron a Eisner quien interpretaba al director, éste dijo, "era bastante bueno."
Bob Hoskins (Eddie Valiant) y Charles Fleischer (Roger Rabbit) pusieron voz al personaje de Boris en la trilogía de Balto. Hoskins lo hizo en la primera parte y Fleischer en las dos siguientes entregas.
El Correcaminos y el Coyote, que aparecen al final de la película, no habían sido creados en el momento en el que se sitúa la película (1947). Los personajes fueron incluidos por insistencia de Spielberg. También se les puede ver, aunque sea sólo su silueta, en la puerta del ascensor cuando Valiant sube en él.
El hijo pequeño de Bob Hoskins dejo de hablarle durante dos semanas tras ver la película, cuando finalmente le contó porqué, le dijo que no podía creer que su padre trabajara con personajes de dibujos animados y que no le permitiera conocerlos.
Aunque el título original de la película es una pregunta no se incluye ningún interrogante, ya que se considera mala suerte en el cine.
Algunos planos de Benny el taxi contienen un Eddie Valiant animado, en lugar de a Bob Hoskins.
En la versión original de la película, cuando Eddie y Jessica chocan con el taxi y salen volando, se puede apreciar en unos pocos fotogramas que Jessica no lleva ropa interior. Fue así editada en VHS y Laserdisc, pero tras descubrirse, dicho momento sería retocado en las posteriores ediciones de la película.
Chuck Jones recibió un crédito como "asesor de animación", pero repudió la película porque consideró algo erróneo que en una película su actor de carne y hueso obtuviera más simpatías que la estrella de dibujos animados. Según el animador, la película hacía gala de una incomprensión desagradable y estúpida de los viejos dibujos animados y que Zemeckis robó a Richard Williams cualquier aporte creativo. Además declaró que el director había arruinado la secuencia del piano que él y Williams habían planeado juntos. Al parecer, Zemeckis quería utilizar para el Pato Lucas la versión dibujada por Robert Clampett, pero por su parte, Jones quería utilizar la suya, ya que le desagradaba la de Clampett. Al final Zemeckis se salió con la suya y esa fue una de las razones por las que Jones declaró su enfado hacía la película.
Lou Rawls iba a ser la voz de Benny el taxi hasta que Charles Fleischer fue contratado.
Trabajaron en la película 326 animadores a tiempo completo y se dibujaron a mano 82.080 láminas de animación. Richard Williams estima que se hicieron más de un millón de dibujos para la película en total.
Jessica Rabbit no había sido dibujada por los animadores cuando la fotografía principal terminó, por lo que Bob Hoskins no sabía durante el rodaje como sería el personaje. Zemeckis le dijo a Hoskins que se imaginara su fantasía sexual ideal. Más tarde Hoskins declaró que su imagen mental era menos atrevida que la definitiva Jessica Rabbit.
La canción final, "Smile, Darn Ya, Smile" fue grabada por la mayoría de los animadores haciendo las voces de sus personajes.
En la novela Baby Herman tiene treinta años, y en la película tiene cincuenta.
La autopista que desea crear el Juez Doom es la misma Interestatal 10 actual de Los Angeles.
Richard Williams le gustó tanto el personaje de Baby Herman, que insistió en animar prácticamente cada fotograma del personaje personalmente.
Spielberg declaró que de todas las películas en la que ha participado como productor y no como director, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? es su favorita.
Simon Wells, director de Balto (1995) y El príncipe de Egipto (1998), participó en la película como supervisor de animación.
El gag del pelícano cayéndose con su bicicleta no estaba previsto. Originalmente, sólo debía pasar por delante de la cámara, pero los técnicos de efectos no consiguieron mantener la bicicleta real en posición vertical, así que se decidió que se dejara caer y después animarían al pelicano perdiendo el equilibrio.
Originalmente había una secuencia en la que participarían Popeye y Pluto, pero finalmente fue descartada.
Richard Williams le puso voz a Droopy.
Se llegó a filmar una escena en la que Marvin Acme habla con Jessica Rabbit en su camerino, con tres minutos de animación completa que no se llegó a usar en el montaje final. Según Frank Marshall se cortó por cuestiones de tiempo y ritmo.
Para el diseño de la cocina del cartoon con el que comienza la película, se tomaron como referencia los cortos de Tom y Jerry de los años 40.
Los exteriores de los Maroon Cartoon Studios fueron filmados en los Ren-Mar Studios en Hollywood.
El guión toma el argumento de una secuela de Chinatown (1974) ideada por Robert Towne y nunca rodada, de titulo previsto "Cloverleaf", y en la que también se hablaba sobre la corrupción alrededor de la construcción de las autopistas en Los Angeles y como el sistema de tranvías fue socavado. Esta historia se basa en la supuesta conspiración real de General Motors que tuvo lugar entre los años 30 y 50, por la cual la compañía junto con otras corporaciones privadas, compraron las redes de tranvías para sustituirla por autobuses e impulsar la industria del automóvil.
En su momento fue la película con los títulos de crédito más largos de la historia.
En la escena en la que Eddie Valiant y Roger llegan a los Maroon Studios para interrogar a Maroon, cuando Bob Hoskins dijo sus frases miró hacia delante y no hacia el suelo a la hora de hablarle al conejo. Para corregirlo los animadores pusieron a Roger de puntillas contra la pared.
El camión contra en que Eddie Valiant choca en Dibullywood lleva un rótulo que dice "Gags de ACME sobreutilizados".
Cuando el tren animado choca contra la máquina de Doom, cada ventana del tren muestra una muerte o un asesinato.
Robert Zemeckis utilizó el kart de Benny el taxi en el rodaje de Regreso al futuro III (1990). En algunos planos en los que Marty McFly es arrastrado por un caballo en realidad era arrastrado por el kart de Benny.
La lista completa de los personajes animados que aparecen en la película según cada estudio es la siguiente. De Disney [Mickey Mouse, Minnie Mouse, el Pato Lucas, Pluto, Goofy, Bambi, Campanilla, Elmer el elefante, Jose Carioca, Peter Pig, Caperucita Roja, Pete el malo, Horace, Clarabelle, los tres cerditos y el lobo feroz, Pinocho, Pepito Grillo, Dumbo, la Señora Dumbo, Casey, Jr. y los cuervos de Dumbo (1941), Blancanieves, los siete enanitos y la bruja de Blancanieves y los siete enanitos (1937), los merry dwarfs del corto The Merry Dwarfs (1929), el Señor Sapo y su caballo Cyril de Sleepy Hollow y el Señor Sapo (1949), los pingüinos de Mary Poppins (1964), las escobas, los cupidos, el bebé Pegaso, una avestruz, y un hipopótamo de Fantasía (1940), Br'er Bear, las marmotas y Tar Baby de Canción del sur (1946), Peter de Música, maestro (1946), Ferdinand del corto Ferdinand el toro (1938), los esbirros de Maléfica de La bella durmiente (1959), el dragón y Sir Giles de El dragón chiflado (1941), el arpa cantora de Las aventuras de Bongo, Mickey y las judías mágicas (1947), Chicken Little del corto Chicken Little (1943), Monte el Pelícano del corto The Pelican and the Snipe (1944), Wynken, Blynken y Nod del corto Wynken, Blynken y Nod (1938), los huérfanos de Mickey del corto La gala benéfica para los huérfanos (1934), Jenny Wren del corto Who Killed Cock Robin? (1935), las flores y árboles del corto Flores y árboles (1932), los animales del corto Johnny Appleseed (1948), Danny el cordero de Danny (1948), y Toby Tortoise, Max Hare, y las conejas del corto La liebre y la tortuga (1935)]. De Warner Bros. (Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky, Piolín, Silvestre, Yosemite Sam, el Gallo Claudio, Marvin el marciano, el Correcaminos, el Coyote, Marc Anthony el bulldog del corto Feed the Kitty (1952), Sam Perro Pastor del corto Don't Give Up the Sheep (1953) y Speedy Gonzales). De Max Fleischer y Paramount (Betty Boop y Koko el payaso). De Walter Lantz (el Pájaro Loco). Y de MGM (Droopy).
Cuando Roger canta en el bar y dice, "¿Quién es tu sastre Quasimodo?", originalmente imitaba a un jorobado, pero los editores cortaron ese momento.
El supervisor de animación Russell Hall le dio a los pechos de Jessica Rabbit un bote inusual, para ello invirtió los movimientos naturales de sus pechos cuando camina. Cuando deben botar hacia arriba lo hacen hacia abajo y viceversa.
Los nombres de las comadrejas, los cuales no son mencionados en la película son, Smart Ass (el líder con el sombrero), Psycho (el que lleva una camisa de fuerza), Stupid (el de la camisa a rayas), Greasy (el que viste de verde) y Wheezy (el fumador).
El corto de Goofy que Eddie y Roger ven en el cine es Goofy Gymnastics (1949), el cual vio la luz dos años después del año en que transcurre la película. Los miembros del equipo justificaban el anacronismo porque el corto era lo más loco que pudieron encontrar en los archivos de Disney.
Cuatro frases se repiten en esta película y en Regreso al futuro (1985), son, "No te escuché entrar", "Eres un espectáculo para unos ojos cansados", "Voy a embestirlo" y "Hasta donde alcanza la vista".
Inicialmente el Juez Doom tenía un buitre animado en su hombro y era acompañado por siete comadrejas (como si de los Siete Enanitos se tratase, eran Greasy, Sleazy, Wheezy, Smartass, Psycho, Stupid y Slimy.). Además tendría un jurado formado por canguros. Todas estas ideas fueron descartadas, aunque se redujo el número de comadrejas a cinco, porque la animación de estos personajes adicionales sería muy costosa. Además en las primeras versiones del guión se revelaba que Doom era quien asesinó a la madre de Bambi.
La cara de Felix el Gato aparece como las máscaras de la tragedia y la comedia en la entrada del túnel a Dibullywood. Además se puede ver una foto de R. K. Maroon con el personaje animado en su despacho.
El guión contenía una escena del funeral de Marvin Acme, que fue cortada en pre-producción. Tenía lugar en el Forest Lawn Memorial Park y se incluirían multitud de cameos de personajes animados, entre otros los de Popeye, Olivia, Brutus, Superman, Lois Lane, Casper, la Ardilla Loca, Super Ratón, la pequeña Lulú, Felix el Gato, Tom y Jerry, Chip y Chop, Winnie the Pooh, Tiger, Alicia, el Sombrerero Loco, Peter Pan y Wendy. En algunos casos no se pudieron conseguir los derechos de los personajes.
La fotografía que Valiant toma de Jessica Rabbit y Marvin Acme haciendo palmitas fue realizada durante la pre-producción y muestra a un diseño de Jessica anterior al finalmente visto en la película.
En la primera escena con R.K. Maroon hay en su oficina un póster de un cartoon titulado "Pistol Packin' Possum" en la que un personaje empuña un arma que apunta en dirección de Maroon, presagiando su muerte por un disparo. Además el personaje tiene unos ojos rojos como los del Juez Doom.
El cine de Los Angeles en el que se ocultan Valiant y Roger realmente es el State Cinema de Grays (Inglaterra).
Entre la selección de canciones que Valiant canta para hacer reír a las comadrejas hasta la muerte están los temas, "Jolson Medley", "Merry-Go-Round Broke Down", "Broadway Selection" y "Mickey's Melody".
La popular frase, "No soy mala. Es que me han dibujado así", fue elegida como la nº 83 entre "Las 100 grandes frases de película" por la revista Premiere en 2007.
Debido a que Mel Blanc tenía más de 70 durante la producción no podía ponerle voz a Yosemite Sam de forma adecuada, por lo que fue sustituido por Joe Alaskey.
Los tranvías de línea roja, eran realmente replicas de un tranvía eléctrico del Orange Empire Railway Museum y las vías eran tiras de metal puestas sobre el pavimento.

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Saturday, February 02, 2019

Atrapado en el tiempo

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

El cínico meteorólogo Phil Connors se desplaza hasta Punxsutawney para retransmitir el "Día de la marmota", pero sin saber como, se encontrará reviviendo el mismo día una y otra vez.

EL DÍA DE LA MARMOTA
Al guionista Danny Rubin se le ocurrió en 1990 la idea que daría pie a Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, 1993), tras leer la novela "Entrevista con el vampiro". Rubin se planteó como sería para una persona vivir eternamente. Por aquel entonces, su agente le había recomendado que escribiese un guión que le sirviera como tarjeta de visita para reunirse con productores en Los Angeles. Pero el guionista estaba estancado ya que no sabía como desarrollar la historia de una persona que debe evolucionar a lo largo de una eternidad. En ese punto recordó una vieja idea para una historia, "un hombre que se despierta cada mañana y es el mismo día, una y otra vez. Fue entonces cuando mi cabeza explotó. Poner esas dos ideas juntas fue el nacimiento de Atrapado en el tiempo." 
Rubin tuvo que escoger que día sería el que se repite una y otra vez, lo cual le llegó con gran facilidad. "Simplemente abrí el calendario y el primer festivo que encontré fue el día de la marmota, el de 2 febrero. Sí, fue así de simple," recordaba el guionista. Aunque en aquel momento dicho día no era muy popular, Rubin lo conocía por un trabajo de escritura que había hecho para la compañía telefónica de Pensilvania. Así decidió situar la historia en el pueblo de Punxsutawney, que cada año celebra dicha festividad. Rubin le puso a su protagonista el nombre de Phil, en honor al nombre de la marmota del pueblo. Y el situar la historia en Punxsutawney le dio la idea que el protagonista fuera un hombre del tiempo que viaja al pueblo y se queda atrapado en él.
El guionista decidió no dar ninguna explicación de porqué Phil se queda atrapado en el mismo día. Con todas esas ideas y notas que reunió durante siete semanas, Rubin se puso a escribir el guión, lo que sólo le llevó una semana.
Una vez terminado, el guión pasó por diferentes productores hasta que en 1991, aterrizó en la mesa de Trevor Albert, socio de Harold Ramis. El agente Richard Lovett se lo envió, después de que Albert le pidiera que le enviara un guión que fuera diferente a todo lo que había hecho con Ramis. Albert le contó a Ramis la premisa, pero no llamó su atención porque, "sonaba predecible," según el director. Pero la insistencia de su socio le hizo leerlo y fue entonces cuando quiso hacer la película. "El argumento de Danny tenía algunas escenas preciosas, que a la vez eran divertidas, espirituales y emotivas, y ésa es una rara combinación para una comedia," explicaba Ramis.
Ramis y Rubin trabajaron juntos en el guión, aunque las últimas revisiones corrieron por cuenta de Ramis en solitario. En el guión de Rubin la historia comenzaba con Phil en medio de las repeticiones (con éste golpeando a Ned Ryerson), pero Ramis y el estudio querían darle un comienzo a la historia antes de las repeticiones, para mostrar a Phil reaccionando ante ellas. "Por supuesto que realmente le dije a Danny Rubin que me encantaba el hecho de empezar justo en el medio, con el recurso ya en marcha, que era una cosa que nunca cambiaría," reconocía Ramis. "Le prometí eso. Por supuesto fue la primera cosa que cambié."
Otro cambio que querían realizar era introducir una escena de una maldición gitana para explicar la situación de Phil, pero Rubin se opuso a ella y no fue incluida. Se eliminó la voz en off de Phil y también se cambió el final original, en el que Rita le confesaba a Phil que ella también revivía el mismo día una y otra vez, lo cual fue eliminado por Ramis.
Aunque pareciese que el papel de Phil estaba escrito para Bill Murray, el actor no estaba en los primeros lugares de la lista de Ramis y eso se debía a la actitud de Murray por aquella época. "Se estaba poniendo cada vez más malhumorado," reconocía el director. "Hacia el final de Cazafantasmas II estaba bastante irritable. Pensé, '¿quiero aguantar esto durante doce semanas?'"
Así que la primera elección de Ramis para el papel fue Tom Hanks, pero lo rechazó, ya que según el actor, "el público habría estado sentado esperando a que me convirtiera en alguien agradable, porque siempre interpreto a gente agradable." El papel se le ofreció a Michael Keaton, pero también lo rechazó porque no entendió el guión, aunque el actor reconoció haberse arrepentido de su decisión. Ramis consideró a Chevy Chase, Steve Martin y John Travolta, hasta que se lo ofreció a su amigo y colaborador habitual, Bill Murray. El actor aceptó participar en la película a cambio de un cheque de 10 millones de dólares.
La cantante Tori Amos fue considerada para el papel de Rita, la productora del programa de Phil. Pero Ramis se fijó en Andie MacDowell tras verla en Objeto de seducción (1991). "En esa película, Andie era sofisticada, graciosa y amable, y yo había imaginado a Rita Hanson como una princesa mítica," explicaba el director. "Ella tenía que ser generosa, misericordiosa y honesta. Andie encarna esas cualidades sin ser vanidosa, lo cual es sorprendente considerando su anterior carrera como modelo." Que MacDowell debía interpretar a Rita se constató tras realizar una lectura de guión con Bill Murray, aunque según reconocía la actriz, poco hubo de lectura, "ni siquiera creo que realmente lo leyéramos. Fue más como conocernos y estar con él [Murray]." Pero fue suficiente para convencer a todos de que era la actriz idónea para el papel.
Stephen Tobolowsky interpretó al agente de seguros Ned Ryerson. El actor se inspiró en su propio agente de seguros para crear el personaje y fue elogiado por éste por su precisión a la hora de dar vida a uno sin caer en la parodia.
El resto del reparto se compuso con los nombres de Chris Elliott (Larry), Brian Doyle-Murray (Buster), Marita Geraghty (Nancy), Angela Paton (Mrs. Lancaster), Rick Ducommun (Gus) y Rick Overton (Ralph).

RODAJE
Con un presupuesto de 30 millones de dólares, el rodaje se inició el 16 de marzo de 1992 y terminó el 10 de junio del mismo año. Y aunque la película popularizó el pueblo de Punxsutawney, lo cierto es que se rodó realmente en Woodstock (Illinois). La razón del cambio fue según Ramis porque, "las posibilidades de producción no eran buenas, tanto en el alojamiento del reparto y el equipo, como en las posibilidades de rodaje." Ramis, oriundo de Chicago, sabía que el lugar idóneo donde rodar la película era en el norte de Illinois, y así se decantaron por Woodstock. Por su parte, los decorados se construyeron en los Universal Studios.
El cambio de emplazamiento no sentó bien a los oficiales de Punxsutawney, que se negaron a que la auténtica marmota Phil apareciese en la película. Se recreó Gobbler's Knob en Woodstock, el lugar donde la marmota Phil sale de un tronco para dar su pronóstico del invierno ante los medios. Miembros del "Groundhog Club" de Punxsutawney visitaron el rodaje durante dicha escena para asegurarse que la ceremonia se retrataba con precisión. Según el productor Trevor Albert, "estaban realmente contentos."
El pueblo de Woodstock fue muy acogedor con la producción, salvo la tienda Lloyd's (que aparece al fondo en las escenas de Phil y Ned Ryerson), que trató de demandar a la producción por cientos de miles de dólares por negocios perdidos, pero no tuvo éxito.
El primer día de rodaje el equipo de producción tuvo que crear la tormenta de nieve que deja aislados a Phil y sus compañeros, y para ello tuvieron que cubrir cerca de un kilómetro de autopista con espuma. Irónicamente sólo unos días después hizo acto de presencia una auténtica tormenta que cubrió todo de nieve.
Y es que fue un rodaje frío, en el que tuvieron que rodar a bajas temperaturas, según Murray, "nunca hizo más de -7 ºC donde estábamos. No fue el invierno más frío. No fue el que más nevó. Pero nunca paró. Estuvo nevando hasta prácticamente finales de mayo."
Cuando rodaron escenas de multitudes (que rondaban entre las 400 y 500 personas), el equipo de producción hizo sorteos de dinero en efectivo cada hora, para así alentar a los extras que siguieran enfrentándose al frío.
Una familia de marmotas fue criada para la película y se les llamó de forma colectiva Scooter. Y no eran del todo amistosas, de hecho, cuando rodaron la escena en la que Phil secuestra a la marmota y la lleva en una furgoneta, el animal mordió a Murray dos veces en el nudillo en el momento que éste intenta enseñarle a conducir. El actor tuvo que ponerse inyecciones antirrábicas, ya que las mordeduras eran graves.
Una de las escenas que trajeron mayores problemas fue el final, en el que Phil se despierta en la cama al lado de Rita y las repeticiones han llegado a su fin. Llegaron a realizar veinticinco tomas ya que no estaban seguros del tono de la misma, y si debían estar vestidos o desnudos. Al final Ramis hizo que el reparto y el equipo votaran para decidir como Phil y Rita debían aparecer en la última escena. Y votaron que la pareja no se había acostado, así que debían llevar la ropa puesta.
La relación entre Ramis y Murray se fue degradando durante el rodaje, los hasta aquel entonces amigos, dejaron de hablarse una vez éste finalizó. Murray estaba en proceso de separación de su mujer y su comportamiento era errático. "En ocasiones, Bill era irracionalmente mezquino y no estaba disponible. Constantemente llegaba tarde al set," admitía Ramis. Ya antes de empezar el rodaje, Murray comenzó a dar problemas. "Cinco o seis semanas antes de que empezáramos a rodar, Bill nos envió un mensaje de que quería que se hiciera un trabajo en el guión. [...]. Fue poco específico e inquietante porque estábamos a punto de empezar la producción," recordaba Albert. Cansado de recibir sus llamadas a la dos de la madrugada, el director envió a Rubin a Nueva York para trabajar con Murray en el guión y resolver sus ansiedades. Incluso su punto de vista sobre la película era distinto del de Ramis. "Bill quería que fuera más filosófica y Harold no dejaba de recordarle que era una comedia," declaraba Rubin.
Mientras editaban la película se dieron cuenta que necesitaban una escena con Phil dando el tiempo en la cadena de noticias y además introducir a Rita, de modo que tuvieron que coger de nuevo las cámaras y rodar esas escenas.
La película se estrenó en Estados Unidos el 12 de febrero de 1993 (tras una premiere el día 4 del mismo mes en Westwood) y resultó ser todo un éxito crítico y comercial. En territorio Norteamericano recaudó unos excelentes 70.906.973 de dólares.
Tras el estreno fueron varios los que acusaron a la producción de haber plagiado su idea. Uno de ellos fue Richard A. Lupoff, quien consideró que se habían apropiado de su historia corta "12:01 p.m." publicada en 1973. Lupoff quiso denunciar a los realizadores de la película, pero tras seis meses tratando con abogados decidió abandonar el caso. Leon Arden demandó a la Columbia, a Danny Rubin, Harold Ramis y Trevor Albert, acusándolos de haber plagiado su novela "One Fine Day" de 1981, pero el juez terminó desestimando el caso. Otros vieron similitudes con la novela "Replay" de Ken Grimwood, publicada en 1986. Rubin declaró que la única historia que tomó como inspiración fue el relato corto "Christmas Every Day", que William Dean Howells escribió en 1892.

ESCENAS ELIMINADAS
En las ediciones de vídeo domestico de la película se incluyen seis escenas que quedaron en la mesa de montaje. Son las siguientes:
1. Rita se encuentra en su habitación y Phil la saluda desde la calle, pero ella corre la cortina al verle.


2. Phil muestra sus habilidades al billar a dos desconocidos.


3. El meteorólogo juega una partida de bolos perfecta.


4. Usando una motosierra, Phil corta la cabeza de varias esculturas de hielo con forma de marmota.


5. Phil salva a una niña que lleva a su perro en brazos de ser atropellada por una furgoneta y después le dice que debe tener cuidado al cruzar la calle.


6. Phil estudia en la biblioteca como ayudar al mendigo. Cuando muere lo tapa con una manta y justo después llega una ambulancia. Dos hombres bajan de ella y cuando tratan de examinar al mendigo, encuentran en su abrigo un poema que Phil le dejó.


VALORACIÓN
Atrapado en el tiempo es una de las mejores comedias que jamás se hayan filmado. Parte de un planteamiento harto original, del cual sus responsables explotan todas sus posibilidades, llevando la historia hasta el límite.
Muestra la evolución de su miserable protagonista, una suerte de Scrooge, hasta convertirse a base de repeticiones, en una gentil persona. Y es que lo mejor de la película, aparte de su gran vis cómica, es su lado humano. Momentos como el de Phil impotente sin poder salvarle la vida al anciano o cuando le dice a Rita lo que siente mientras ella duerme, demuestran que estamos ante algo más que una película muy divertida, es una comedia con un gran corazón.
Al final el mensaje de la película es que debemos ser buenas personas y hacer lo correcto para poder avanzar en la vida, algo que por simple no pierde un ápice de su fuerza. Phil vive en un circulo de infelicidad por ser mezquino, y no consigue salir de él hasta que deja de pensar en si mismo y comienza a hacerlo en los demás. Seguro que en muchos momentos de nuestra vida nos hemos sentido así. La película lleva esa idea hasta sus ultimas consecuencias.
Phil primero decide sacar provecho de su situación divirtiéndose, se liga a una chica, roba el dinero de un furgón y conduce un coche a alta velocidad mientras lo persigue la policía. Pero una vez se cansa de eso, decide conquistar a Rita, lo cual no está forzado, ya nos damos cuenta de que algo se enciende en su interior la primera vez que la ve, y además dice su nombre (varias veces) mientras está con Nancy. Pero su plan se va al garete porque el amor no puede planificarse, ni forzarse, por eso ella lo rechaza una y otra vez. Phil descubre que cuando es sincero con Rita, es cuando más cerca ha estado de ella realmente. Ese momento de clarividencia es lo que hace que decida cambiar y ser mejor persona. Al final consigue conquistarla cuando es la mejor versión de si mismo, y lo hace sin intentar nada con ella, es Rita la que se siente atraída por él, al ver el hombre en el que se ha convertido. La evolución de la historia es fantástica y siempre coherente consigo misma.
Pero el punto fuerte de la película son sus grandes momentos de comedia, como Phil acertando las preguntas de un programa de televisión ante el asombro de todos, como asusta a Ned al ser excesivamente cariñoso con él, o verle conducir con la marmota al volante, todos hacen que me parta de risa, son pura comedia.
Además la película no rehuye el humor negro, así lo demuestran los continuos suicidios de Phil, pero Ramis sabe como hacer que la película no se le vaya de las manos y con un sólo cambio de plano (con Rita hablando de nuevo con Phil vivo) devuelve a la película a su dinámica habitual.
El guión de Rubin y Ramis es formidable, todo un mecanismo de relojería que funciona a la perfección, donde nada sobra ni falta.
Guarda ideas que van más allá de lo escrito y la película hace que nos replanteemos muchas cosas, desde como las diferentes acciones de Phil (a veces insignificantes) producen cambios en el mundo que le rodea, nos hace pensar hasta que punto podríamos aprovechar un día si pusiéramos todo nuestro empeño en ello o nos preguntamos cuanto tiempo lleva Phil viviendo en Punxsutawney.
Ramis consigue introducirnos en ese microcosmos que es Punxsutawney, con todos esos entrañables personajes y sus pequeñas historias, de tal forma que cuando termina la película tenemos la sensación de conocer a todo el mundo como lo hace Phil y sentimos que somos parte de ese pueblo.
Uno de los mayores aciertos de la película es no explicar nunca el porqué de las repeticiones, simplemente suponemos que se trata del karma. Esa sencillez de exposición se agradece.
Y su uso del montaje es fantástico, Ramis y su editor Pembroke J. Herring juegan hábilmente con él para potenciar el humor de la historia, como mostrar como a base de repeticiones Phil va aprendiendo que decir y hacer en cada escena. Los resultados son hilarantes.
Cuesta imaginar a otro actor que Bill Murray para dar vida a Phil, y es que el papel le sienta como anillo al dedo. El protagonista de Los fantasmas atacan al jefe pocas veces ha estado mejor, es el culmen de ese personaje odioso, pero carismático que fue dando forma durante toda su carrera y que explotó aquí. Y Andie McDowell nunca ha brillado de tal forma como en esta película (sin contar Matrimonio de conveniencia), ni nunca ha estado más adorable.
La película ha sido realmente influyente y ha sido mil veces imitada, pero nunca igualada, ahí están Al filo del mañana (2014), Feliz día de tu muerte (2017), Un día sin fin (2004), Alf Mabrouk (2009), la serie Muñeca rusa o el capítulo "Monday" de Expediente X.
La única pega que le podría poner a la película es la banda sonora de George Fenton, que nunca llega a funcionar, pero que tampoco molesta demasiado.
Atrapado en el tiempo es una gozada, una película que podría ver en bucle una y otra vez, y vivir mi propio día de la marmota con ella. Pocas comedias son tan originales y divertidas, y han quedado grabadas en el recuerdo de la gente de la misma forma que ésta. Tiene algo especial y al igual que pasa con Phil, el tiempo no pasa por ella. Es una obra maestra.

CURIOSIDADES
Primera película de Michael Shannon.
Todos los relojes del comedor están parados, reflejando la situación de Phil.
La canción con la que se despierta todas las mañanas Phil, "I've Got You Babe" de Sonny y Cher siempre estuvo en el guión de Danny Rubin desde el inicio.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
Rita abofetea a Phil 10 veces durante la película.
En la escena de la fiesta al final de la película, donde todos le dan las gracias a Phil, originalmente estaba previsto que tuviera lugar en la boda de Fred y Debbie, pero fue cambiado por limitaciones de tiempo.
Se representan 38 días a lo largo de la película.
A la hora de rodar la escena de la batalla de bolas de nieve, Harold Ramis le dijo a los niños que golpearan a Bill Murray tan fuerte como pudieran. Y Murray respondió lanzado las bolas tan fuerte como pudo.
La idea de que Phil leyese a Rita mientras ella duerme fue de Bill Murray. Su mujer bebió mucho champán en su noche de bodas y se durmió pronto, así que Murray le leyó en voz alta hasta que él también se durmió.
Estaba previsto que Phil matase a la marmota en su madriguera, pero fue cambiado para eliminar similitudes con El club de los chalados (1980).
La escena en la que Phil tira el reloj contra el suelo, no salió como estaba previsto. Murray golpeó el reloj, pero apenas lo rompió, por lo que un miembro del equipo tuvo que golpearlo con un martillo para que tuviera la apariencia de haber sido aplastado. El reloj realmente siguió tocando la canción tal y como lo hace en la película.
El poema que Phil le espeta al hombre con el que se cruza delante de su habitación todos los días es "Trabajo sin esperanza" de Samuel Taylor Coleridge. Y el poema francés que recita a Rita es realmente la canción de Jacques Brel "La bourrée du célibataire" y dice, "La fille que j'aimera / Sera comme bon vin / Qui se bonifiera / Un peu chaque matin" ("La chica con la que me casaré / Será como un buen vino / Que será mejor / Un poco cada mañana"). Por su parte, el que Rita recita en la cafetería es "Lay of the Last Minstrel" de Sir Walter Scott.
Harold Ramis hace un cameo en la película como el neurólogo que le dice a Phil que está bien.
En el audicomentario del DVD de la película, Ramis declara que Phil pasa en Punxsutawney diez años, aunque en el guión original la idea era que viviera allí diez mil años. Tiempo más tarde declaró en "Heeb magazine" que creía que posiblemente Phil había revivido el mismo día entre 30 y 40 años.
Según contaba Ramis, en la mayoría de las ocasiones en las que trataba de explicarle a Murray una escena, éste solía interrumpirle y le preguntaba, "sólo dime, ¿Phil bueno o Phil malo?"
Los dos locutores de radio que se oyen cada mañana son Harold Ramis y Brian Doyle Murray.
A raíz del estreno de la película, la ciudad de Punxsutawney se convirtió en una importante atracción turística.
En la ciudad de Woodstock hay una placa que pone "Bill Murray pisó aquí" en el bordillo donde el actor repetidamente cae en un charco. Y hay otra placa que pone "Esquina de Ned", donde Phil constantemente es asaltado por Ned Ryerson.
Cuando Phil lleva al anciano al hospital y habla con la enfermera, se puede ver a un niño con la pierna rota al fondo. Es el mismo niño que se cae del árbol más tarde, sólo que Phil no está allí para salvarle.
Brian Doyle-Murray que interpreta a Buster Green es el hermano mayor de Bill Murray.
En el plano final, Phil pasa a Rita por encima de la puerta de la cerca y después la salta, esto se debió a que la puerta estaba realmente congelada.
La canción que Phil toca al piano en la fiesta al final de la película es "Cleaning Up the Town", la cual sonaba en Los Cazafantasmas (1984) cuando los protagonistas escapaban de la biblioteca.
Ganó el BAFTA al mejor guión original (Danny Rubin y Harold Ramis).
Bill Murray aprendió a tocar de oído el tema "Rhapsody on a Theme by Paginini" para la escena de la lección de piano.
En 2008, la AFI la situó en el puesto nº 8 en su lista de "Las 10 mejores películas en el género de fantasía".
Y la revista Premiere incluyó a la película en su lista de "Las 50 mejores comedias de todos los tiempos" en 2006.
En el guión original, Phil marcaba el paso del tiempo leyendo una página de cada libro de la librería de la casa de huéspedes cada día. Lo hacía a través de todos los libros más de una vez.
Originalmente estaba previsto que en la escena de la pronosticación de Phil, la marmota huyera corriendo. El equipo de la producción sintió que no era necesaria y la descartaron.
En 2007, fue elegida por la "National Film Registry" para ser preservada.
La bebida favorita de Rita es el vermouth dulce. Esto fue una idea de Harold Ramis, ya que era la bebida favorita de su mujer.
Cuando rodaron la escena que Phil secuestra a la marmota, Murray improvisó la frase, "No conduzcas cabreado", ya que el animal estaba nervioso y trataba de escaparse. El actor también improvisó la frase que le suelta a Ned, "No sé hacia donde vas, pero ¿por qué no avisas que estás enfermo?"
El oficial que lleva el sombrero de copa y que saca a la marmota de Gobbler’s Knob, está interpretado por el criador que crió a la familia de marmotas para la película.
A Bill Murray le ofrecieron un cubo para escupir para la escena del restaurante donde engulle pasteles sin parar, pero el actor rechazó el ofrecimiento. El pastel de ángel le hizo sentirse enfermo.
Al filo del mañana (2014) guarda dos coincidencias con Atrapado en el tiempo, la más obvia la historia de un hombre que vive en un bucle constante, reviviendo el mismo día, pero además el nombre de las protagonistas de ambas películas es Rita.
Danny Rubin y Harold Ramis evitaron explorar el lado oscuro del tiempo transcurrido por Phil, en el cual podría haber hecho cosas horribles sin consecuencias, como asesinar o torturar.
Bill Murray y Harold Ramis han sido Grand Marshals honorarios en las celebraciones del día de la marmota en Punxsutawney.
Andie MacDowell le preguntó a Harold Ramis si podía hablar con su acento normal y bastante fuerte de Carolina del Sur.
La película atrajo la atención de diferentes grupos religiosos, gurús meditativos y gente interesada en la metafísica. Ramis se sorprendió de este hecho, ya que esperaba una reacción opuesta.
Harold Ramis le pidió a Steve Dahl, una leyenda de la radio en Chicago, que hiciera el papel del locutor de radio que Phil escucha cada mañana, pero su compañero de la radio no entendió la película y no quiso hacerla.
Ramis y Rubin quisieron hacer una escena adicional de Ned Ryerson en el último minuto, así que Stephen Tobolowsky escribió personalmente la escena donde enumera de un tirón varias pólizas de seguros que vendió a Phil.
La casa de huéspedes donde Phil se hospeda era realmente una casa privada y los interiores se construyeron en estudio.
Ramis lloró cuando leyó la secuencia en la que todas las personas agradecen a Phil lo que ha hecho por ellos.
La escena en la que Phil parte un lápiz para comprobar que está reviviendo el mismo día, originalmente era más grande, Phil destruía la habitación, cortaba las almohadas, pintaba con spray las paredes, etc., pero no resultó como esperaban y decidieron dejarla como se ve en la película.
En la versión entrenada en cines había una escena adicional que posteriormente fue cortada, en ellaRita le dice a Phil en la cafetería que su bebida favorita es el vermut dulce porque le recuerda como el sol golpea los edificios en Roma por la tarde y también le comenta que le gustaría vivir en las montañas.

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