Thursday, October 21, 2021

Donnie Darko

-"Donnie Darko, ¿qué clase de nombre es ese? Suena a superhéroe o algo por el estilo."
-"¿Qué te hace pensar que no lo soy?"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Donnie Darko, es un adolescente al que se le aparece un amigo imaginario con la forma de un conejo gigante, que le dice que el mundo se terminará en 28 días.

LA FILOSOFÍA DE LOS VIAJES EN EL TIEMPO
"Tenía 23 años," recordaba Richard Kelly. "Me acababa de graduar en la escuela de cine, y estaba en pánico tratando de escribir un guión para comenzar mi carrera. Recordé una noticia que leí cuando era niño, sobre un enorme trozo de hielo que cayó del ala de un avión y golpeó la habitación de un niño, pero él no estaba allí y escapó de morir. Eso me dio la semilla de una idea." Así comenzó a desarrollar Kelly el guión de la que sería su primera película como director, la irrepetible Donnie Darko (Donnie Darko, 2001).
Esa idea de un trozo de hielo cayendo desde avión, se convirtió en un motor a reacción cayendo sobre una casa, sin saber de donde venía, lo que, "parecía representar una sentencia de muerte para la era Reagan, y escribí la historia en torno a eso." Kelly tomó elementos de su infancia, como el personaje de la Abuela Muerte, las clases de auto ayuda en el colegio, o una discusión con su profesora de gimnasia sobre "La línea de la vida", para escribir algo, "ambicioso, personal y nostálgico sobre el final de los 80."
Kelly escribió el guión en tan solo seis semanas, durante un periodo que coincido con el Halloween de 1998 (de ahí extrajo que la película ocurriera también durante esa festividad). Así le fue dando forma a un complejo guión, en el que el personaje más chocante era un hombre con un extraño disfraz de conejo. "Sabía que había un punto importante de la trama de la película que trataba de un tipo con un disfraz de Halloween, que termina convirtiéndose en un mensajero," explicaba Kelly. "Cuando tuve que decidir cuál sería el disfraz de Halloween, inmediatamente pensé en un conejo, principalmente porque iba a hacer una referencia literaria a la novela "La colina de Watership", que iba a ser una trama secundaria en la película [...]. Era uno de mis libros favoritos mientras crecía, y pensé que había una verdadera ironía en que un conejo fuera este frágil animal, una de las criaturas más inocentes e inofensivas de la naturaleza. Frank es una versión monstruosa de esto, y llegó a un punto en el que, debido a la ironía, tenía que ser un conejo."
Kelly firmó con la Creative Artists Agency, una de las agencias de talentos más importantes de Estados Unidos, lo que permitió que su guión circulara por todo Hollywood. Durante 14 meses Kelly trató de vender el proyecto, reuniéndose con productores importantes (como Sydney Pollack o Ben Stiller), pero no fue capaz de conseguirlo, su juventud e inexperiencia, además de la complejidad del proyecto eran las principales trabas. El guión rondó por tantos estudios de Hollywood, que Adam Fields, futuro productor de la película y amigo de Kelly, admitió que, "literalmente había manchas de comida en las páginas porque se había circulado mucho," comentaba Fields, a quien le fascinó el libreto. "No lo entendí completamente, pero [Kelly] tenía magia en su diálogo. Me recordó en muchos sentidos a John Hughes."
El actor Jason Schwartzman se interesó por el proyecto y quiso interpretar a Donnie Darko. Con su nombre ligado a la película, atrajo a la productora Flower Films de Drew Barrymore y Nancy Juvonen, quienes también se sintieron atraídas por el proyecto. Kelly se reunió con ambas en el trailer de la actriz durante el rodaje de Los ángeles de Charlie (2000), y le ofreció a Barrymore el papel de la profesora Karen Pomeroy, la actriz no sólo lo aceptó, además llegaron a un acuerdo, por el cual ambas producirían la película bajo su sello. El papel de Barrymore fue crucial para el desarrollo de la película, gracias a su participación pudieron reunir 4,5 millones de dólares, (lo mínimo) que necesitaban de presupuesto, en asociación con Pandora Cinema.
Aún así, como necesitaban más dinero, buscaron otras fuentes, y Schwartzman organizó una reunión con su tío Francis Ford Coppola a principios del año 2000, quien se interesó en financiar el proyecto a través de American Zoetrope. Según contaba Kelly, Coppola le dio algunas notas sobre su guión, y quiso que esperaran varios meses para desarrollar el proyecto bajo su productora, pero de hacerlo perderían a Barrymore, quien ya se había comprometido a rodar Los chicos de mi vida (2001) en el mismo año, de modo, que a Kelly no le quedó más remedio que rechazar la oferta de Coppola, y rodar la película con los 4,5 millones que habían conseguido gracias a la participación de Barrymore. Kelly cobró un sueldo entre los 50.000 y 60.000 dólares por su trabajo.

REPARTO
Como debían rodar en verano para permitir la participación de Barrymore, provocó que Schwartzman no pudiera trabajar en la película debido a otros compromisos en las mismas fechas. Buscaron un reemplazo y le ofrecieron el papel a Vince Vaughn, pese a que Kelly se reunió con él cuatro veces, el actor rechazó el papel porque no se sentía cómodo intepretando a un joven de 16 años (Vaughn ya había cumplido los 30). Mark Wahlberg también fue considerado, pero el papel terminó recayendo en Jake Gyllenhaal, quien leyó el guión sólo un mes antes de comenzar el rodaje. "Jake Gyllenhaal acababa de protagoniza October Sky (1999) y llevaba toda la película sobre sus hombros," recordaba Kelly. "Aunque no era un nombre familiar, claramente tenía talento." El protagonista de Nightcrawler se sintió identificado con el guión de Kelly. "Pensé: 'Esto se siente como a mi experiencia en la escuela secundaria'," confesaba el actor. Gyllenhaal decidió que Donnie no parpadeara para hacer más patente su psicosis.
Como comentaba anteriormente, Barrymore se quedó con el papel de la profesora Karen Pomeroy, siendo la primera actriz en firmar para participar la película, y cobró un sueldo de 500.000 dólares.
Fue idea de Gyllenhaal, que su auténtica hermana Maggie interpretara a la hermana de su personaje. Kelly le ofreció el papel, pero inicialmente tenía sus dudas. "No estaba segura de si quería interpretar un pequeño papel en la película protagonizada por mi hermano," reconocía la actriz. "Pero lo hice, fue realmente genial."
Y los padres de ambos, Eddie y Rose Darko, fueron interpretados por Holmes Osborne y Mary McDonnell. La actriz conectó con la historia de inmediato. "Fue un guión que leí y, por alguna razón que nunca pude explicar, lo entendí. ¡En la primera lectura!," explicaba McDonnell. "Renuncié a mis vacaciones de verano para hacer esta película independiente por nada, y todos estábamos en la misma situación."
Jena Malone se presentó a la audición para el papel de Gretchen Ross, atraída por el guión, que consideraba, "provocador, extraño y asombroso." Cuando llegó a las pruebas creyó que el joven Richard Kelly era el asistente del casting, y la asistente de casting (mucho mayor que él) era la directora de la película. Pese al equívoco, el papel fue suyo.
El papel de Jim Cunningham recayó en Patrick Swayze, quien se tiñó el pelo para dar vida al orador motivacional, un papel diferente a todos los que el actor había interpretado anteriormente. "Quería plantarle fuego a su imagen," admitía Kelly. "No tenía miedo."
Noah Wyle, en plena fama con la serie Urgencias (1994), se hizo con el papel del profesor Kenneth Monnitoff. El actor decidió que su personaje fuera diabético, y por eso se lo ve comiendo caramelos en alguna escena.
Por su parte, Katharine Ross (El graduado) salió de su semi-retiro para interpretar a la Dra. Lilian Thurman, la psiquiatra de Donnie.
Seth Rogen interpretaría al matón Ricky Danforth, siendo éste su debut en el cine. "Fue una gran experiencia," declaraba el actor. "No la entendí en aquel momento, y todavía no lo he hecho, pero lo pasé bien."
Con 12 años, Mara Wilson (Matilda) fue considerada para el papel de Samantha Darko, pero le entró un ataque de pánico tras leer el guión, eso, sumado a que su padre tenía dudas sobre que su primera frase en la película fuera "gilipollas", hicieron que se quedara fuera del proyecto. Al final la escogida fue Daveigh Chase.
El papel de la insoportable profesora Kitty Farmer, recayó en Beth Grant, quien quedó fascinada por el guión, tanto que rompió a llorar una vez terminó de leerlo. "Literalmente rogué por el papel," recordaba la actriz. "Lo que no creo haber hecho nunca antes ni después, y dije: '¡Tenéis que darme este papel!'" Y le funcionó, porque se lo llevó, y la verdad es que el personaje le sienta como anillo al dedo, de hecho, el productor Sean McKittrick le confesó que una vez la vio el día de la audición, sabía que habían encontrado a su Kitty Farmer. Grant se inspiró en su profesora de secundaria para dar vida al personaje.
James Duval se encargó de interpretar al conejo Frank, quien no lo pasó realmente bien dentro del traje, ya que además de ser de lo más caluroso, el rodaje tuvo lugar en pleno verano.
El resto del reparto se completó con los nombres de Jolene Purdy (en el papel de Cherita Chen), Stuart Stone y Gary Lundy (como Ronald Fisher y Sean Smith respectivamente, ambos amigos de Donnie), Alex Greenwald (interpretando al matón Seth Devlin), David Moreland (como Cole, el director del colegio), y Patience Cleveland (en la piel de Roberta Sparrow, también conocida como Abuela Muerte). Y podemos encontrar a Ashley Tisdale en un pequeño papel.

RODAJE
El rodaje se inició el 24 de julio del 2000 y se prolongó hasta el 30 de agosto del mismo año, en un periodo total de rodaje de 28 días, el mismo número de días que transcurren en la película.
Aunque la historia tiene lugar en el estado de Virginia, realmente se rodó en diferentes localizaciones de California, principalmente en Long Beach, como el vecindario donde vive la familia Darko, que se encontraba realmente en el Virginia Country Club (y que pese al nombre estaba situado en California). Por su parte, en Los Angeles se rodaron las escenas del colegio de Donnie (en el Loyola High School), y las del campo de golf (en Griffith Park). La secuencia inicial se rodó en el "Angeles National Forest" de Los Angeles. El Aero Theatre al que acuden Donnie y Gretchen se encontraba en Santa Monica. Y los anuncios de "Cunning Visions" se rodaron en Calabasas.
La habitación de Donnie fue construida en un estudio de sonido de Burbank, ya que tenían que destruirla con un motor de avión. También rodaron en estudio las escenas del baño de la habitación, el cual estaba equipado con una barrera de plexiglás, para que Gyllenhaal pudiera asestar puñaladas hacia la cámara, sin que ésta sufriera daño alguno.
También se construyó en Burbank el decorado de la casa de la Dra. Thurman, y como era una película de bajo presupuesto, rehicieron el decorado para convertirlo en la casa de Cunningham, y destruirlo en un incendio.
Para crear al conejo Frank, Kelly hizo el diseño original de la ya mítica máscara, de la cual se hizo un modelo 3D, y después un escultor hizo un molde de la misma. Por su parte, la diseñadora de vestuario April Ferry se encargó de crear el traje.
Y para el grupo Sparkle Motion, Ferry diseñó los trajes de las chicas en homenaje a la película Peggy Sue se casó (1986) de Coppola, que también trata sobre viajes en el tiempo, y además el famoso director había pasado tangencialmente por Donnie Darko.
Steven Poster (La sombra del testigo) se convirtió en el director de fotografía de la película. Kelly decidió rodar la película con cámaras Panavision PanaStar de lentes anamórficas (que necesitan el doble de luz para iluminar una escena respecto a una lente normal) y se usó película Kodak 800 ASA, que acababa de salir. "La gente decía que lucía terrible y con mucho grano," explicaba Poster. "Pero me gusta el grano." Poster estaba empeñado en utilizar esa película de Kodak, y como con ella se conseguía reducir la cantidad de luz a la mitad, la hacía perfecta para la ocasión. Poster ayudó al estilo visual de la película, como por ejemplo, aconsejó a Kelly que no abusara del plano holandés (que consiste en una inclinación de la cámara sobre su eje). Además la película hizo uso de ralentizados y aceleraciones de la imagen llamadas "rampas", las cuales se hacían en el momento de rodar con la cámara y no en post-producción (todas salvo una, se hicieron en tiempo real).
Lo primero que se rodó de la película fueron los anuncios de Jim Cunningham. Se filmaron durante la pre-producción de la película (aproximadamente una semana antes del inició de la fotografía principal), en el rancho que Patrick Swayze tenía cerca de Calabasas (California). Lo completaron en un solo día y el actor utilizó su propia ropa de los 80.
En el primer día de rodaje oficial se rodó el plano con el que se abre la película, pero hubo un problema de vibración con la steadicam y se dieron cuenta cuando revisaron los dailies, por lo que dos semanas después tuvieron que volver al mismo lugar para volver a filmar el plano.
Fue un rodaje placentero para todos los implicados y reinó un buen ambiente, como demuestra el momento en que rodaron la escena en la que la profesora Kitty Farmer explica molesta, que Donnie le dijo que se metiera una tarjeta de "La línea de la vida" por el culo. Kelly se río tanto, que estropeó una toma tras otra, razón por la que tuvo que salir del set.
En un momento de la película Donnie y Gretchen van al cine a ver Posesión infernal (1981), aunque en el guión original iban a ver en realidad C.H.U.D. (1984), pero eran necesarias varias semanas para conseguir sus derechos, y no tenían apenas tiempo. Linda McDonough de Flower Films, era amiga del socio de Sam Raimi, y les preguntó si podían usar Posesión infernal, a lo que dijeron que sí, sin cobrarles nada. Inicialmente había una escena en la que Donnie iba a ver La última tentación de Cristo (1988), pero una vez tuvieron acceso a Posesión infernal, se sentía más natural que el personaje fuera a ver el film de Raimi y se cambió en el guión. El incluir ambas películas en la marquesina del cine a modo de sesión doble, fue una idea de última hora, que se tomó cuando rodaban en el Aero Theatre. Y mientras rodaban la escena de la marquesina, se dio la casualidad de que Sam Raimi justo pasó por allí conduciendo con su hijo y vieron el anuncio de su película siendo proyectada junto con el film de Scorsese, una casualidad digna de las que ocurren en Donnie Darko.
Y una película llena de casualidades y momentos extraños, vivió uno el día que tuvieron que rodar la escena del accidente con el motor, ya que el mismo día a un 747 que volaba de Los Angeles a Amsterdam, le explotó uno de sus motores y piezas del mismo cayeron sobre Dockweiler State Beach (California).
Una de las escenas más icónicas de la película, es aquella en la que suena "Head Over Heels" de Tears for Fears mientras la cámara recorre la escuela pasando por todos los personajes. "Me encanta incorporar música a mis películas, y siempre es por diseño," explicaba Kelly. "A menudo se planifica con anticipación y se coreografía escrita en el guión. Esos momentos líricos son para mí los más cinematográficos." Inicialmente Kelly quería rodarlo en un único plano con Steadicam desde el exterior al interior. Pero una vez realizaron ensayos y coreografiaron la escena, Kelly tuvo que cambiar de opinión y rodarla en dos planos.
Para componer la banda sonora, el elegido fue Michael Andrews (La boda de mi mejor amiga), el cual fue recomendado por el hermano de Nancy Juvonen. "Me reuní con Mike y supe de inmediato que tenía mucho, mucho talento y que podía componer una partitura realmente original," recordaba Kelly. El estilo de su música se denominó "retro-futurista" con el uso de instrumentos de los 60 y 70, pero también de sintetizadores. Para la escena final, Andrews había ideado que la canción de U2 "MLK" acompañara a las imágenes, pero la producción no se podía permitir pagar sus derechos, así que el compositor llamó a su amigo, el cantante Gary Jules, para realizar una (mítica) cover de "Mad World" de Tears for Fears, con Andrews al piano y la voz de Jules. La canción quedó unida para siempre a la película. Y fue todo un éxito, siendo número 1 en Reino Unido.
Donnie Darko debutó en el festival de Sundance en enero de 2001, y tuvo una pésima acogida, tan mala que se fue sin conseguir distribuidor. Kelly creía que una de las razones fue por la masacre de Columbine, la cual aún estaba reciente, y el tener a un joven disparando un arma hacía sentir incómoda a la gente. "Nadie la distribuiría porque pensaban que era imposible de comercializar," declaraba Kelly. Necesitaron cerca de seis meses para vender la película, y cuando estaba a punto de ir directamente a televisión a través del canal Starz, contaron con la ayuda de Christopher Nolan, quien consiguió convencer a Newmarket Films para que se hiciese con la distribución de la película para Estados Unidos.
Así la película llegó a las salas de cine el 26 de octubre de 2001, y fue un rotundo fracaso de taquilla, con tan solo 517.375 dólares recaudados en territorio norteamericano. Aunque los sucesivos reestrenos que ha tenido la película, ha logrado recaudar a día de hoy 6.979.093 de dólares a nivel mundial.
Seguro que no ayudó a la película estrenarse un mes después del 11-S, con un trama que implicaba el motor de un avión desprendiéndose sobre una casa.
Pero su llegada a vídeo permitió que mucha gente la descubriese y se convirtiera en una de las mayores películas de culto del siglo XXI.

DIRECTOR'S CUT
En 2004, se lanzó el director's cut de la película, el cual tiene 21 minutos más de duración que la versión estrenada en cines. Se añadieron escenas, se mejoró el sonido, se añadieron más efectos especiales, y se incluyeron más canciones. Esta versión de la película se pudo ver por primera vez en el Seattle International Film Festival, en mayo de 2004.
Kelly no prefiere una versión sobre la otra. "Ambas versiones tienen sus virtudes y no estoy completamente satisfecho con ninguna de ellas, pero son lo que son," declararía el director. El director's cut es simplemente una versión ampliada de la película original, con más material y con algunas mejoras técnicas.
"La versión estrenada en cines opera a un nivel muy esotérico a lo David Lynch," explicaba Kelly. "Lo cual es válido, pero siempre tuve en mente una versión más provocativa que funciona como una fábula de ciencia ficción."
Son muchos los pequeños cambios y cortes entre una versión y otra. Pero las principales diferencias en el director's cut respecto a la versión estrenada en cines son:
1. A lo largo de la película, se incluyen varios insertos de capítulos del libro "La filosofía de los viajes en el tiempo".
2. Se celebra "El día de la poesía" en el colegio, y Donnie lee un poema que escribió sobre Frank en la clase de Karen Pomeroy.
3. Hay una escena de una cena en un restaurante entre Eddie y Rose. La cual es seguida por otra en la que Donnie y Elizabeth están tallando calabazas de Halloween, y la de Donnie tiene la cara del conejo Frank.
4. La charla de Jim Cunningham en el colegio es más larga.
5. Karen Pomeroy anuncia a la clase que el libro "Los destructores" de Graham Greene ha sido prohibido en el colegio, y que será cambiado por "La colina de Watership" de Richard Adams, el cual está protagonizado por unos conejos. Más tarde, en otra escena, proyecta en clase la película Orejas largas (1978) basada en la novela de Adams.
6. Hay una escena completa de una conversación entre Donnie y su padre, donde el segundo le dice a su hijo que no está loco.

VALORACIÓN
Donnie Darko es una obra capital del cine de principios del siglo XXI, película fascinante, de varias posibles lecturas, extraña, única, y que fue muy importante para muchas personas, entre las que me incluyo.
Es una de mis películas favoritas y no es difícil saber porqué, viajes en el tiempo, años 80, música pop, película de instituto, visiones, y el fin del mundo, son ingredientes de los más sugestivos para dar pie a una película de lo más interesante. Creo que siempre la he sentido cercana porque habla de una época de la vida por la que todos hemos pasado, la adolescencia, una época extraña, dura, llena de dolor, cargada de emociones que nos cuesta asimilar (como la propia Donnie Darko). Una época en la que nos convertimos en las personas que terminaremos siendo, lo mismo que le sucede a Donnie en la película.
Donnie trata de madurar y tomar sus propias decisiones, vemos como su personalidad se forma cuando le dice a su profesora que se mete una tarjeta por el culo, cuando le planta cara a Jim delante de todo el colegio, o cuando le dice a Cherita que en el futuro las cosas le irán mejor. Todas las experiencias le hacen crecer, y convertirse en un adulto con ideas propias.
Esas decisiones Donnie las toma en una sociedad dividida entre gente abierta de mente, y otra con creencias conservadoras y regida por la religión. Kelly muestra como es la gente de esta pequeña ciudad en un simple detalle de genio, con ese cartel de la sesión doble de terror con Posesión infernal (1981) y La última tentación de Cristo (1988).
La película utiliza el futuro como una metáfora para hablar de madurar, Donnie desea conocer el futuro como nos sucedía a todos cuando eramos pequeños y deseábamos ser mayores, así la madurez (ese futuro) se muestra como un lugar misterioso y lleno de incertidumbre, apoyado en personajes como ese chico que no sabe lo que quiere ser de mayor, o las dudas de la familia Darko sobre a quien votar en las elecciones. La cuestión es que cuando Donnie llega al futuro no le gusta lo que ve, y acaba peor de lo que había imaginado, con el fin de su mundo particular. Además Kelly emparenta el fin de la adolescencia, con el fin de la década de los 80 (que fue también el final de la era Reagan), haciendo que la experiencia resulte más redonda.
Y hablando del final, y tratando de descifrarlo, podemos tomar varios caminos (o vectores). El más sencillo es entender, que tras la muerte de Gretchen, Donnie utiliza su coche para viajar atrás en el tiempo (cual DeLorean) a través del agujero de gusano, para que los eventos que ocurren tras la caída del motor cambien, falleciendo él en el accidente y salvando así a Gretchen. Otra opción, es que podemos creer que Donnie es un esquizofrénico y nada es real. Y tenemos una tercera opción, y a mi parecer la más interesante, Donnie muere al comienzo de la película al caer el motor y todo lo que ocurre después es un ¿y si?, como sería su vida si siguiera vivo, ve su futuro por un instante, como cuando se dice que tu vida pasa por delante de tus ojos antes de morir, pero aquí se trata de lo que podría haber vivido. Por eso se pasea como en trance toda la película, es como un fantasma asistiendo a su propia vida. Ese mensaje al principio de la película de la nevera con el, "¿Dónde está Donnie?" refleja que él ya no está vivo. Al final Donnie coge todas las horas de dolor y tristeza de su vida, y las cambia por algo mejor, termina en su habitación riéndose antes de morir, es feliz por una vez, por un instante lo ha experimentado todo, se ha enamorado, sabe que tiene una familia que le quiere, y tomó las riendas de su vida. Es hora de morir, pero lo hace en paz.
Donnie Darko también habla del determinismo, si todos los eventos de nuestra vida están prefijados, Donnie está destinado a que su vida acabe el 30 de octubre, como demuestra su encuentro con Frank tras atropellar a Gretchen, y que Donnie le mate con la pistola que encontró en la habitación de sus padres. Pero Donnie logra ver el gran plan y consigue cambiarlo, logra tomar sus propias decisiones (otra vez el proceso de madurar).
Incluso podemos ver la película como una versión oscura y teen de "Alicia en el pais de las maravillas" con el protagonista siguiendo a un conejo, pero en lugar de a través de una madriguera, por un agujero de gusano.
Y Kelly aprovecha para criticar el sistema educativo el cual experimentó en sus propias carnes, e incluso habla de los problemas de la vida en los suburbios. Hay espacio para todo ello en Donnie Darko.
Una cosa que se nota, es que pese a la complejidad y surrealismo de la película, es bastante accesible, Kelly quiere y mima sus personajes, y deja que formemos parte de su mundo.
El director se muestra muy seguro tras las cámaras, sorprende por ser su primera película y por su juventud. Hay algunos detalles que no han envejecido del todo bien, como esas aceleraciones de la imagen, muy hijas de su tiempo (y que se pueden justificar como manipulaciones del tiempo), pero en conjunto su puesta en escena sigue siendo sorprendente. Lástima que fuera flor de un día, porque nunca realizaría nada tan brillante como Donnie Darko, como atestiguan las decepcionantes Southland Tales (2006) y The box (2009).
Y su guión es excelente, tiene diálogos fantásticos, como cuando Donnie tras llamar puta a su madre, su padre le dice que ella no es un puta, pero sabe putear; o esa escena en la que Donnie debe elegir en clase entre el amor y el miedo. Y se nota su juventud, llenando el libreto de guiños a la cultura pop, como Regreso al futuro, Los Pitufos (con un gran monólogo de Donnie), Stephen King o Posesión infernal.
El uso de las canciones es fantástico y de un gran gusto, Kelly tira de clásicos de los 80 no excesivamente conocidos, pero que se adecuan a la perfección a las imágenes (es decir, aportan algo a la película), y que se han vuelto todavía más polares por formar parte de la película, como "The Killing Moon" de Echo and The Bunnymen, "Head Over Heels" de Tears for Fears, "Notorious" de Duran Duran, "Love Will Tear Us Apart" de Joy Division, o "Under the Milky Way" de The Church. Pero la más memorable es la canción con la que se cierra la película, la maravillosa cover de "Mad World" de Tears for Fears que hizo Gary Jules. Es posiblemente el mejor momento del film, con el tema sonando y la cámara pasando por cada uno de los personajes y mostrándose tal y como son, Jim atormentado porque tras su fachada es un ser terrible, Kitty Farmer afligida por sus remordimientos, Karen y Monnitoff juntos, y Donnie feliz.
Entre la versión estrenada en cines y el montaje del director, me quedo con la primera, ya que en el director's cut el ritmo se rompe, la inserción de páginas del libro "La filosofía de los viajes en el tiempo" frena la narración, y todo resulta más pretencioso y menos cercano.
Gyllenhaal está fantástico creando un personaje inolvidable con muy poco, lo que me gusta de su interpretación es que no sólo no se parece a ninguna otra de su carrera, tampoco se parece a ninguna otra del cine.
Y el resto del reparto está a la altura, cada uno con un pequeño papel y su momento de lucimiento, Barrymore gritando por la impotencia de ser despedida, Wyle diciéndole a Donnie que no puede seguir hablando con él por miedo a perder su trabajo, Swayze se luce en la charla en el colegio y en su enfrentamiento con Donnie, o la reacción de Holmes Osborne y Mary McDonnell al saber que Donnie insultó a la profesora. Todos están geniales.
Todo encaja en este puzzle, la madre de Donnie lee "It" y al final de película un chico disfrazado de payaso va en el coche con Frank. Donnie encuentra su destino en una "puerta al sótano", que es justo la combinación de palabras más hermosa en inglés, según le cuenta su profesora. El padre de Donnie le cuenta que los niños entraban a robar a Abuela Muerte, lo mismo que hacen Seth y Ricky. Al igual que en el relato "Los destructores", donde dos jóvenes también entran a robar en la casa de una persona anciana. En la clase sobre "La línea de la vida" Donnie lee una tarjeta sobre alguien que se encuentra una cartera, y poco después él encuentra la de Jim Cunningham. Y cuando le cuenta a Gretchen que en su pasado quemó una casa, ambos se pasan en ese momento por delante de la de Cunningham, la cual quemará más adelante. Donnie apuñala el ojo de Frank en la escena del baño, el mismo ojo donde le pagará un tiro al final de la película, y el mismo que el personaje se toca mientras suena "Mad World".
Donnie Darko coge elementos afines a David Lynch o John Hughes, y de ahí saca algo nuevo y diferente. Te lleva a través de un agujero de gusano hasta un mundo entre la nostalgia y la sátira, para hablar sobre la adolescencia como no se había visto antes. Es una de las mejores óperas primas jamás realizadas. Y una película única.

CURIOSIDADES
Ganó el premio al mejor guión (Richard Kelly) en el Festival de Sitges de 2001.
El póster que Donnie tiene en su habitación, con un ojo en el que se refleja una calavera, es una obra de M.C. Escher, unos de los artistas preferidos de Richard Kelly.
La suma de los números de la cuenta atrás para el fin del mundo (28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos) suman 88. Esto coincide con el año en que acontece la historia, y 88 mph era la velocidad que necesitaba el DeLorean para viajar en el tiempo en Regreso al futuro (1985), que es mencionada en un momento de la película.
Richard Kelly quería utilizar la canción "West End Girls" de los Pet Shop Boys para la escena del baile de Sparkle Motion, pero al final tuvo que cambiarse por "Notorious" de Duran Duran.
En momento de la película, Eddie Darko lee en la cama "Los Tommyknockers" de Stephen King, y en su primera escena, Rose Darko lee "It" del mismo autor.
Kelly desveló que el hombre con el chándal rojo que aparece en un par de momentos de la película, era un hombre que trabaja para una agencia del gobierno, por causa del accidente del avión.
Kitty le dice a la madre de Donnie que conoce a Graham Greene, por la serie Bonanza (1959). Kitty confunde al escritor con el actor Lorne Greene.
En el guión original, Donnie se despertaba de su sonambulismo en un centro comercial, esto fue cambiado por un campo de golf en la película.
El niño al que Jim Cunningham saca al escenario en su charla en el colegio, es el mismo que aparecía en su anuncio porque mojaba la cama.
Al principio de la película, cuando Donnie va en bicicleta hasta su casa, se cruza con Frank en su Pontiac Firebird Trans Am rojo.
En un momento de la película, Gretchen le dice a Donnie que su nombre suena al de un superhéroe. Como sucede con muchos personajes de cómics su nombre es una aliteración, como los de Peter Parker, Bruce Banner, Lois Lane).
La productora Nancy Juvonen tiene un cameo como una auxiliar de vuelo.
En un momento de la película, la profesora Pomeroy dice que un famoso lingüista dijo que "Cellar Door" (puerta al sótano) era la combinación de palabras más hermosa en inglés, estas palabras corresponden a J.R.R. Tolkien.
En el guión original, Donnie contaba a su terapeuta que tenía fantasías con Alyssa Milano, pero después por razones legales fue cambiado por Christina Applegate.
Además de Frank, podemos ver más conejos a lo largo de la película. Mientras Gretchen espera el autobús, pasa a su lado un Volkswagen Rabbit. Cuando Elizabeth está durmiendo en el sillón declinable, hay un conejo de peluche a su lado. Donnie aparece en una polaroid con su hermana disfrazado de conejo. Cuando Donnie habla son su hermana Elizabeth, después que su madre se haya marchado, se puede ver en la cocina una calabaza con la cara de un conejo esculpida. Incluso el grupo que canta "The Killing Moon" es Echo and The Bunnymen.
Cuando rodaron la primera conversación entre Donnie y Gretchen, Jena Malone no dijo correctamente el nombre del profesor Kenneth Monnitoff y Jake Gyllenhaal la corrigió. Richard Kelly dejó ese momento en la película.
En la película, el fin del mundo ocurrirá en 28 días, 6 horas, 42 minutos y 12 segundos (28:06:42:12), valor que coincide con el ciclo lunar (27:07:43:11) variando un número.
Richard Kelly le pidió permiso a Peyo, el creado de Los Pitufos, para poder hablar de la sexualidad de sus personajes.
La película conoció una secuela con S. Darko (2009), sin la participación de Kelly en ella, que se centra en el personaje de Samantha Darko.
Richard Kelly sacó la idea de los vectores del futuro que salen del pecho de la gente, del comentarista de fútbol americano John Madden, que utilizaba un "telestrator" para mostrar sobre una imagen en pausa, a donde se iban a dirigir los jugadores. Kelly llevó esa idea a si alguien le estaba haciendo eso mismo a los humanos.

BIBLIOGRAFÍA
How we made Donnie Darko (The Guardian, 12 dic 2016)
Richard Kelly interview (Future Movies, 22 oct 2002)
Beth Grant (AV Club, 12 ene 2010)
Inside Donnie Darko (Live About)
Seth Rogen Interview (Collider, 24 may 2007)
Interview with Richard Kelly (CultureWhisper, 1 mar 2017)
Richard Kelly (1) (2) (3) (4) (5) (6) (7) (8) (9) (10) (11) (12) (13) (14) (15) (Twitter, 15 abr 2020)

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Friday, October 01, 2021

Ricochet

"Siempre quise un funeral vikingo."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Después de que un agente de policía atrape a un peligroso criminal, éste comenzara obsesionarse con vengarse del policía, y planificara la peor de las venganzas.

Este mes Ricochet cumple 30 años, así que es la ocasión perfecta para hablar sobre ella. Antes de comenzar, quiero agradecer la ayuda prestada por el guionista original de la película, Fred Dekker, con quien pude contactar, y que respondió a las preguntas que le formulé, aportando así luz sobre los orígenes de esta película. Gracias infinitas al creador de Una pandilla alucinante.

REBOTE
Fred Dekker escribió el guión de Ricochet (Ricochet, 1991), y según me explicaba, "fue concebido como una película de Harry el Sucio (1971)." Dekker tenía una relación profesional con Joel Silver, y juntos trataron de llevar adelante una nueva secuela de la saga protagonizada por Clint Eastwood. 
Lo que atraía a Silver del proyecto era que, "en la mayoría de las películas de acción, que giran en torno al trabajo en equipo de dos hombres, te presentan a dos tipos que se odian, se ven obligados a trabajar juntos y, al final de la película, aprenden a agradarse mutuamente. Lo que me fascinó de la premisa de Ricochet fue que empiezas con dos tipos que se odiaban, se separan, y cuando se vuelven a juntar, se odian mucho más. Su odio es tanto un vínculo entre ellos, como la amistad entre los chicos de otras películas. Podría llamar a Ricochet una película 'antibuddy'."
Se daba la casualidad que las oficinas de Silver Pictures se encontraban en Warner Bros., muy cerca de las de Malpaso de Eastwood. "Lo que no se me ocurrió fue que Eastwood era (y es) su propio productor y no necesitaba a Joel," me contó Dekker. "Sospecho que Joel me tiró un hueso al decir que le dio el guión a Clint ("Demasiado sombrío" fue la respuesta que recibí), para que pudiera hacerlo él mismo. Lo que en realidad estaba bien, ya que, durante un breve período, estaba en la contienda para dirigirla yo mismo." 
De esa forma, descartada la idea de hacer una secuela del inspector Calahan, el proyecto se convirtió en una película independiente, con Dekker asignado como director. 
Para el papel del policía protagonista se consideró a Kurt Russell. Dekker se reunió con el actor, pero no consiguió convencerle para que participara en la película. Eventualmente Dekker dejó el proyecto, pero éste siguió adelante.
El guión fue primero reescrito por Menno Meyjes (Indiana Jones y la última cruzada) y después por Steven E. de Souza (Jungla de cristal), guionista habitual de las producciones de Silver, quien escribió el guión final. Souza trató de darle una vuelta de tuerca más al personaje de Nick Styles. "El guión intenta revertir algunos de los elementos del género," explicaba el guionista en el libro "Denzel Washington: His films and career""Tratamos de hacer a Styles un poco imperfecto, dándole arrogancia. Al principio, es un poco demasiado ambicioso, muy involucrado en asuntos de política. A medida que avanza la película, pierde su carrera y su estatus en la comunidad cuando es llevado al límite. La pregunta es '¿Eso lo salvará o lo destruirá?'." Souza ha reconocido que Ricochet es uno de sus guiones de los que está más orgulloso.
Fueron tantos los cambios producidos, que cuando vio la película, Dekker poco reconoció en ella de su libreto. "Conté siete cosas que quedaban de mi guión original," me contó el guionista.
Silver encontró al director de la película dentro de otra de sus producciones, la serie Historias de la cripta (1989-96), el elegido fue nada más y nada menos que Russell Mulcahy (Los inmortales).
Aunque lo curioso es que pese a todos los cambios, el título de la película no se modificó. "Originalmente, en el tiroteo inicial," explicaba Mulcalhy, "una bala rebotaba en algo, que era por lo que se llamaba Ricochet. En las reescrituras, el título se mantuvo, pero la historia cambió."

REPARTO
En la noche de los Oscars de 1990, en la que Denzel Washington ganó el Oscar a mejor actor secundario por Tiempos de gloria (1989), invitaron al actor a la prestigiosa fiesta del agente Swifty Lazar en Spago's. Y fue durante esa velada, en la que el agente de Denzel le presentó a Joel Silver, quien le propuso hacer una película juntos. Dicho y hecho, en menos de un año Denzel ya estaba rodando Ricochet, su primera película de acción, en la piel de Nick Styles.
El papel del villano Earl Talbot Blake, recayó en el siempre excelente John Lithgow. El actor estuvo a punto de interpretar a Hannibal Lecter en El silencio de los corderos (1991), era la segunda opción después de Hopkins, pero como todos sabemos, no se llevó ese papel. Poco después le ofrecieron el papel de Blake. "Dije: 'Está bien, maldita sea, ¡también voy a interpretar a un villano horrible!" Y vaya si creó a uno memorable. "No hay papel más odioso o racista que el de Earl Talbot Blake," explicaba Lithgow. "Quiero decir, era simplemente un personaje completamente vil y horrible, y [los fans] siempre usan la palabra amor... Supongo que fue sólo porque fui hasta el final con ese papel. Fue uno de esos casos en los que interpretas un papel con la intención específica de hacer que todos te odien, y lo hice sin miedo."
Tras llamar la atención en New Jack City (1991), el rapero Ice-T firmó con Joel Silver para participar en dos de sus producciones, Arma letal 3 (1992), película que al final no realizaría, y en Ricochet, donde daría vida al líder de una banda de criminales, amigo de Nick Styles. Ice-T no tuvo que hacer ninguna audición para el papel, Silver se lo ofreció directamente, y se embolsó tan sólo 40.000 dólares.
Mary Ellen Trainor repitió su papel de la reportera Gail Wallens, que ya había interpretado en Jungla de cristal (1988), por lo que Ricochet comparte universo con el film de John McClane.
El resto del reparto lo formaron Kevin Pollak (en la piel del policía Larry Doyle), Lindsay Wagner (como la fiscal del distrito Priscilla Brimleigh), Victoria Dillard (como Alice, la mujer de Nick), John Amos (como el reverendo Styles, padre de Nick), Josh Evans (en la piel de Kim, mano derecha de Blake), John Cothran (interpretando al concejal Farris) y Linda Dona (en el papel de Wanda).

RODAJE
La fotografía principal inicialmente iba a iniciarse en noviembre de 1990, pero se retrasó hasta el 28 de enero de 1991, y terminó el 5 abril del mismo año. La película se rodó en su totalidad en la ciudad de Los Angeles.
Denzel se preparó de forma concienzuda para su papel. Se sometió a un duro entrenamiento físico gracias a un entrenador personal, y siguió una estricta dieta. Además, para meterse en la piel de un policía, acompañó a un auténtico sargento en sus guardias. En una de ellas, pudo saber de primera mano las situaciones de peligro a las que se enfrentan los policías. Asistieron a una llamada de un hombre armado, y mientras el actor se quedó en el coche, el policía resolvió la situación. "Al salir, otro automóvil llegó y dos jóvenes se bajaron gritando," explicaba Denzel. "Resultó que era su abuelo. Este policía apaciguó toda la situación simplemente manteniendo la calma." El propio actor pudo poner en práctica esos nervios de acero, en la escena inicial, en la que su personaje arresta al villano sin perder los nervios y usando su ingenio.
El primer día de rodaje Denzel tuvo que demostrar su versatilidad como actor. La primera escena que rodó fue aquella en la que sale del ayuntamiento, mientras las cámaras de televisión tratan de sacarle unas palabras, en un momento en el que su personaje rebosa éxito. Para justo después, filmar una escena totalmente opuesta, el descenso a los infiernos de Styles, cuando lo encuentran en la entrada del mismo edificio, y lo confunden con un vagabundo.
El protagonista de Marea roja ayudó a un actor que carecía de su experiencia, el rapero Ice-T, para quien Ricochet era realmente su segunda película. Cuando Denzel vio que éste estaba tenso, fue a su remolque y le tranquilizó diciéndole que simplemente lo hiciera lo mejor posible.
Una de las mejores anécdotas del rodaje, surgió en el Park Plaza Hotel. Mientras Mulcahy rodaba en la parte inferior del hotel, al mismo tiempo se filmaba en su salón de baile, la película El imperio del mal (1991), protagonizada por Christian Slater y Patrick Dempsey. Rizando el rizo, dos buscadores de localizaciones se encontraban también en el hotel buscando posibles lugares donde filmar. Cuando llegó la hora de la comida, ambas producciones pararon al mismo tiempo, y miembros del equipo y reparto de ambas producciones coincidieron juntos para comer, y no sabían que camión de catering debían usar.
La lucha final entre Styles y Blake tuvo lugar en las Watts Towers, unas estructuras metálicas construidas en Los Angeles. Fueron necesarias siete noches para filmarla, y los fuertes vientos y la lluvia les pusieron las cosas difíciles a los actores, que se encontraban en lo alto de la estructura. Metido en su rol de héroe de acción, Denzel decidió hacer él mismo una de las acrobacias más peligrosas de la película, aquella en el que se queda colgado de una aguja, a 20 metros de altura. Pese a que los productores le ofrecieron que la escena la hiciera un especialista, Denzel no quiso usar dobles.
Una vez terminó el rodaje, Denzel pudo dejar la dura dieta a la que se sometió. "Después de que terminamos de filmar, llamé a Denzel," contaba Mulcahy, "y me dijo: '¡Oh, tío, he estado sentado en el sofá, viendo la televisión y comiendo muchos pasteles!'.''
La película incluía una escena en la que Blake torturaba a Styles en una ducha, pero cuando hicieron un pase de prueba, el público la rechazó, hasta tal punto, que hubo quien salió de la proyección. Al final decidieron cortar esa escena del montaje final.
Pero antes del estreno, Joel Silver terminaría haciendo de las suyas. Tras la mala prensa recibida por El gran halcón (1991), que resultó ser un enorme fracaso, el productor decidió negarse a hacer pases de prensa para Ricochet. Souza trató de hacerle cambiar de opinión, ya que estrenar una película con dos actores de prestigio, sin mostrarla a la prensa, la condenaría a las malas críticas. "Esos bastardos se mearon en El gran halcón," se justificaba Silver. El productor se negó a cambiar de opinión, y así condenó a la película.
Ricochet llegó a las salas de cine el 4 de octubre de 1991, entre malas y tibias críticas, lo que no le ayudó en la taquilla. Al final recaudó en territorio norteamericano 21.756.163 de dólares.

VALORACIÓN
Ricochet es una de las tantas películas de acción venidas de la mano de Joel Silver en los ochenta y noventa, aunque el film de Mulcahy está más cerca del thriller, que de la acción pura. Ya que sus coordenadas cinematográficas la sitúan más en la línea de El cabo de miedo (1991), que de Arma letal (1987). La película es sórdida y enfermiza, como lo son pocas películas de acción.
Tiene un buen comienzo, creando un paralelismo entre el ascenso de Styles, y la bajada a los infiernos de Blake, quien se va obsesionando con el ex-policía. La película sigue funcionando más o menos bien, tras la fuga de la cárcel del villano y como se venga de Styles, pero pronto empiezan a acumularse los agujeros en el guión. Aunque la idea de un criminal que arruina la vida del policía que lo atrapó, para conseguir que acabe en la cárcel, es atractiva, la película nunca logra hacerlo de una forma que resulte creíble. Esa falta de coherencia, es su principal problema.
Porque para empezar, el plan de Blake es tan loco como absurdo. Ya que consiste en primero escaparse de la cárcel (para lo que se une a una hermandad aria); fingir su propia muerte; implicar al socio de Styles en una trama de abuso infantil; secuestrar al protagonista, drogarle y hacer que una prostituta le viole mientras lo graba en vídeo (y de propina le pase la gonorrea); para después desacreditarle y hacerle parecer un loco antes todos; y finalmente acusarle del asesinato de su antiguo compañero de policía. Aún así, sin saber muy bien como, todo le sale a pedir de boca.
Toda la trama se sustenta en momentos donde no hay suspensión de la credulidad, y la trama avanza a través de una serie de casualidades que son difíciles de aceptar.
Pongamos como ejemplo la secuencia en la que Styles se queda solo en casa (y convenientemente borracho), y encuentra una nota que le indica que encienda el vídeo, al hacerlo ve una grabación de Blake amenazando a sus hijas con un hacha, entonces sale de su casa en bata corriendo para buscarlas. Primero, todo implica que el villano entró en la casa mientras el ex-policía dormía, y metió la cinta en el vídeo, corriendo un gran riesgo con ello. Y segundo, éste ya había previsto que Styles reaccionaría así, por lo que su socio espera a que salga de casa para cambiar la cinta por otra. Si Styles se quedase con la cinta o simplemente llamase a la policía, que es lo que haría cualquier persona (sobre todo teniendo en cuenta que él llevó una placa), todo el plan se desmoronaría, ya que habría una prueba de que Blake sigue vivo. Y así toda la película.
En otra escena, Styles lleva a los periodistas a la piscina vacía donde le retuvieron, y se la encuentra llena de agua, y esto hace creer a todos que está desequilibrado. Toda la escena se podría resolver simplemente interrogando a la gente del hotel y preguntándoles cuando llenaron la piscina.
En otro momento, Styles y Doyle van a interrogar a un contacto de Blake, que tiene que entregarle unos pasaportes falsos, y el villano les está esperando, cuando que vayan a visitarle en ese momento de la trama es casi pura suerte. No sólo eso, Blake mata a Doyle, y Styles deja sus huellas en la pistola del crimen, lo cual es crucial para el plan del villano. Blake parece tener poderes de adivino.
Y la suerte siempre está de su lado, por ejemplo, graba una conversación entre Styles y una camarera, que justo se adecua a sus planes, ya que la utiliza para insertarla en el vídeo de Styles y la prostituta. Algo que por otro lado tampoco tiene sentido, ya que no es posible que la voz del audio pueda coincidir con el movimiento de los labios de Styles, pero el montaje siempre omite los planos en los que habla Denzel.
Pero curiosamente toda esa locura es la que hace a la película tan entretenida. Cuanto mayor es la venganza de Blake, sabemos que mayor será la revancha de Styles. Todo es tan exagerado que no nos lo podemos tomar en serio, como la escena en la que Styles atrapa a Blake desnudándose, o ese momento en que el protagonista trata de convencer a Odessa usando una granada (que resulta ser un mechero). Además Mulcalhy no se corta con la violencia, como en la fuga de la prisión, cuando los miembros de la hermandad aria matan a los guardias, a uno con un taladro y a otro con una sierra mecánica.
La película guarda una idea interesante, lo importante que puede ser una persona para otra, pero que ésta no sepa ni que existe. Styles es el centro del universo de Blake y vengarse de él, es el motor de su vida. Pero cuando Gail Wallens le comenta a Styles que Blake murió tras fugarse de la cárcel, el ahora ayudante del fiscal, ni siquiera le recuerda. Lo que hace que toda venganza de Blake sea aún más irónica.
Pero si la película funciona, es por sus dos protagonistas. Denzel destila carisma, y Lithgow borda un villano tan deleznable como calculador.
Y el personaje de Styles sufre un cambio a lo largo de la película, toda la espiral de destrucción en la que se ve envuelto, sirve para hacerle evolucionar, su éxito le ha convertido en un engreído, y Blake llega para bajarle los humos, eso sí, lo hace de la forma más bestia posible. 
Estamos deseando que las tornas se viren y el protagonista se vengue. Y para eso está el tercer acto, que nos da lo que esperamos, pero también otra ración de incoherencias.
Para hacer creer al villano que se va a suicidar, y así arruinar sus planes, Styles vuela por los aires el edificio en el que se encuentra, y salva su vida porque antes de la explosión, salta a través de una claraboya, y cae justo en un tubo que le permite bajar por el edifico sin sufrir daño alguno. Todo muy espectacular, pero un completo sinsentido. No sólo eso, además una parte importante de su plan es que los hombres de Odessa atrapen al socio de Blake, algo que hacen en plena calle y en medio de un gran número de personas. Y su forma de deshacerse del villano es electrocutarlo en las torres, para ello Styles lo atrae al lugar, se pelea con él en lo alto de las torres, para después colgarse de una cuerda y que en ese preciso momento Odessa conecte la corriente. Un plan arriesgado y lleno de fisuras, pero eso sí, bastante espectacular.
La música de Silvestri se adecua bien a las imágenes, pero se parece demasiado a la partitura que compuso para Depredador (1987), lo que le hace perder puntos.
Jugó en contra de la película, que se estrenase el mismo año que la superior El cabo del miedo, con la que guarda bastantes similitudes. Ya que tras Los inmortalesRicochet es la mejor película de Russell Mulcahy. Está rodada con su gracia y ritmo de siempre (sólo ver como mueve la cámara en el partido de baloncesto inicial), mantiene un buen pulso a lo largo de la película, y tiene arranques bastante inspirados, como ese plano de la explosión reflejándose en el ojo (de cristal) de Blake.
Además Mulcahy utiliza en repetidas ocasiones imágenes de vídeo para hacer avanzar la historia, como si fueran un narrador de los acontecimientos. Blake es atrapado mientras un videoaficionado graba toda la escena; sabemos del ascenso de Styles de policía a ayudante del fiscal, mediante un reportaje de las noticias; Blake observa a través de un televisor como Styles llega a lo más alto durante la colecta (gracias al dinero que él mismo donó); la cinta de vídeo de Blake amenazando a las hijas de Styles hace que éste se vuelva loco; el vídeo de Styles con la prostituta termina destruyendo su vida; y Blake muere delante de las cámaras, justo donde todo empezó.
Ricochet nos retrotrae a esa época gloriosa del cine de acción, en el que las carteleras y los videoclubs se llenaban de infinidad de películas de este género. Llenas de tiroteos, violencia y explosiones. Ricochet es un film tan correcto como entretenido, que no sigue los cánones de aquella época, ya que es posiblemente la película de acción más oscura de la década, tal vez por eso ha caído en el olvido. Incongruencias aparte, resulta una muy entretenida película de acción y venganza.

CURIOSIDADES
El guionista Steven E. de Souza tiene un cameo en la película como un reportero de televisión.
De la secuencia inicial, que acontece en 1983, al final de la película, pasan siete años y medio.
John Lithgow no parpadea a lo largo de la película. Además lleva una lente de contacto en un ojo, para simular que es de cristal.
En la televisión del laboratorio de Odessa, se puede ver el episodio "Lover Come Hack to Me" de la serie Historias de la cripta (1989-96), otra producción de Joel Silver.
Ice-T fue el responsable del tema principal de la película "Ricochet".

BIBLIOGRAFÍA
Ice-T: From Rap to Riches (Movieline, sep 1991)
Movies that lost money (The Washington Post, 8 mar 1991)
Exclusive interview (Part 2): Steven E. De Souza (Bristol Bad Film Club, 19 mar 2015)
Remembering Ricochet with Russell Mulcahy by Kent Hill (Podcasting Them Softly, 8 jun 2017)
Denzel Washington: His films and career (Douglas Brode, 1997)
New York Magazine (13 ago 1990)
Jet Magazine (29 jul 1991)
Jet Magazine (14 oct 1991)
Ice: A Memoir of Gangster Life and Redemption-from South Central to Hollywood (Ice-T y Douglas Century, 2011)
Smarmy saga bounces from bad to worse (8 oct 1991, Sun Sentinel)
Talking Pictures #5: Steven E. de Souza (Talking Pictures Podcast, 1 ene 2020)

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Tuesday, September 07, 2021

007: Alta tensión

"Smiert Spionom."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

A James Bond le encomiendan la misión de ayudar a desertar a un general soviético. En su camino se cruzará una violonchelista, un traficante de armas y un plan para matar espías.

EL CUARTO BOND
Con el anuncio el 3 de diciembre de 1985, del retiro de Roger Moore como James Bond, tocaba dar paso a una nueva cara para el papel. Y el guión para el "Bond 15" se desarrolló en esa línea, pero la idea original no era seguir las aventuras de 007 como habían hecho hasta la fecha, si no hacer una precuela contando sus orígenes. Richard Maibaum y Michael G. Wilson llegaron a escribir un tratamiento del guión con esa premisa, el cual estaba situado en China, pero finalmente el productor Albert R. Broccoli lo descartó argumentando, según Maibaum que, "el público no pagaría por ver a James Bond como un principiante." Esta idea de los orígenes de Bond sería parcialmente recuperada en Casino Royale (2006).
Al final para 007: Alta tensión (The Living Daylights, 1987), como se terminó llamando la decimoquinta entrega de la saga, se tomó como punto de partida el decimocuarto y último libro de Ian Fleming sobre 007, "Octopussy and The Living Daylights" publicado en 1966. De este libro de relatos se utilizó como punto de partida el que dio título a la película, el correcto "The Living Daylights", que narra como Bond debe ayudar a un agente soviético a escapar de Alemania Occidental, y al mismo tiempo matar con un francotirador de la KGB, que resulta una mujer de una orquesta, y a la que sólo llega a dispararle en el brazo. Desde ahí, Maibaum y Wilson construyeron una historia dentro de la Guerra Fría con presencia de la Guerra de Afganistán. Y escribieron el guión sin ningún actor en mente.
La película sería dirigida por John Glen, quien ya había rodado las tres películas de la saga anteriores.
Se inició la búsqueda del nuevo Bond. El primero que hizo una prueba fue Sam Neill, quien por aquel entonces era popular por la serie Reilly: As de espías (1983) en la que interpretaba a un agente secreto. Neill hizo la prueba a regañadientes empujado por su agente, ya que nunca tuvo interés en interpretar al agente británico. "Fue uno de los peores días de mi vida," recordaba el actor. "No quería estar allí, y me sentí muy incómodo todo el día." Curiosamente estuvo cerca de ser elegido, ya que gustó a todo el mundo, pero no convenció a Albert R. Broccoli, y para su alivio, fue descartado del papel.
Lambert Wilson hizo una prueba con Maryam d'Abo, cuando la actriz aún no había sido escogida para trabajar en la película. El actor cree que no consiguió el papel por ser de nacionalidad francesa, algo que no aceptarían los fans de la saga, pese a tener un perfecto acento británico.
Mel Gibson también estuvo en la contienda por el papel, pero tal y como contaba el guionista Tom Mankiewicz (El hombre de la pistola de oro): "Alguien de United Artists me dijo: 'Llama [a Cubby] y dile que Mel Gibson sería genial'. Y Cubby dijo: 'No quiero hacer una película de Mel Gibson, quiero hacer una película de James Bond'." La popularidad del actor jugó en su contra, y también quedó descartado.
Pero fueron muchos los nombres que se barajaron para el papel. Robert Bathurst confesó que hizo una audición. Y se rumorearon los nombres de Antony Hamilton, Andrew Clarke, Mark Greenstreet, Bryan Brown, Simon MacCorkindale, Tom Selleck, y el modelo australiano Finlay Light (del que se llegó publicar en la prensa que había firmado un contrato por diez años para ser Bond).
Al final Pierce Brosnan fue elegido en 1986, para convertirse en el cuarto Bond, después de estar tres días realizando pruebas como 007. El actor había entrado en el radar de Cubby Broccoli, cuando la mujer de Brosnan, Cassandra Harris, se lo presentó durante el rodaje de Sólo para sus ojos (1981), en la que ella participaba. El actor había alcanzado la popularidad gracias a la serie Remington Steele (1982-87), y había quedado liberado de ella, tras ser cancelada tras cuatro temporadas. Los astros parecían alinearse para que se hiciera con el papel, pero el contrato del actor estipulaba que la NBC tenía un plazo de 60 días en el que podía revocar su decisión, y realizar más episodios de la serie. Fue durante esos dos meses, en los que Brosnan fue aceptado como 007, y comenzó con las prueba de vestuario y las sesiones fotográficas. Eon Productions y la NBC estaban en buenos términos sobre el actor, incluso Cubby Broccoli estaba dispuesto a que Brosnan rodara seis nuevos episodios, antes de convertirse definitivamente en 007. Todo estaba en marcha. Pero en el día 60, NBC decidió rodar una temporada completa de 22 episodios (posiblemente para aprovecharse de la renovada fama del actor), algo que Cubby no aceptó. De esa forma, a Brosnan le revocaron la licencia para matar (irónicamente el actor recibió la noticia mientras llevaba una botella de champagne para celebrar que iba a ser James Bond). Al final sólo rodaron seis episodios antes de cancelar definitivamente la serie. Pero como todos sabemos, Brosnan consiguió unos años más tarde, vestirse el esmoquin de Bond.
Fue entonces cuando le ofrecieron el papel a Timothy Dalton. Cuando iniciaron la búsqueda de un reemplazo para Roger Moore le consultaron si estaba interesado, pero en aquel momento (principios de 1986) el actor no estaba disponible, ya que estaba ocupado con sus propias producciones teatrales de "La fierecilla domada" y "Antonio y Cleopatra" en Londres. No era la primera vez que era considerado para el papel, ya le habían ofrecido ser 007 cuando Sean Connery dejó el papel, pero lo rechazó porque, "tenía 24 ó 25 años, y Bond no puede ser tan joven," declaraba Dalton. Se lo volvieron a ofrecer a finales de los 70, cuando existían dudas sobre si Roger Moore continuaría con el papel en Sólo para sus ojos (1981), pero bien es sabido que Moore protagonizó esa película, así que la idea de Dalton como 007 quedó descartada (de forma temporal). Una vez terminó con sus trabajos teatrales, y debido a los retrasos que había experimentado 007: Alta tensión, Dalton estuvo disponible y cuando le volvieron a ofrecer el papel, esta vez aceptó. Pero había un último obstáculo que sortear, Dalton ya había firmado para rodar Brenda Starr (1989), pero como su participación en esa película era de tan solo cuatro o cinco semanas, pudieron encajarlo con el calendario de rodaje, empezando a rodar escenas en las que no intervenía, ganando tiempo hasta que el actor se pudiese sumar al mismo. El anuncio oficial tuvo lugar el 6 de agosto de 1986. Y Dalton empezó a rodar la película sólo dos días después de terminar el rodaje de Brenda Starr. El actor firmó un contrato por tres películas, y cobró un sueldo de 3 millones de dólares dar vida por primera vez a 007.
La aproximación de Dalton al personaje fue tratar de, "capturar el espíritu de Ian Fleming." Le dieron al actor la oportunidad hacer cambios para que Bond se adaptase a él. Y para ello el guión sufrió modificaciones, como por ejemplo, una reducción de los diálogos. "Una película es un medio visual," explicaba Dalton. "Si puedes cortar cualquier cosa que sea innecesaria o superflua, haciendo tu idea más económica, es mucho mejor. Es decir, cortamos mucho."
Otro cambio para hacer de este nuevo Bond el Bond de Dalton fue eliminar los chistes. "Corté la mayoría de esas frases frívolas," admitía Dalton, aunque mantuvieron cierto sentido de humor que, "viene de la situación y de la credibilidad de ella." Y se recuperó el gusto de 007 por fumar, algo abandonado en la era Moore.

REPARTO
A principios de 1986, en plena búsqueda del nuevo Bond, se llamó a Maryam d'Abo para dar la replica a Lambert Wilson, tal y como comentaba antes. La actriz había entrado en el radar los productores, porque que había hecho una audición para el papel de Pola Ivanova en Panorama para matar (1985). Por otra parte, se hicieron pruebas a varias actrices para el papel de Kara Milovy, la chica Bond de la película. Pero no conseguían encontrar a la actriz adecuada, hasta que Barbara Broccoli se topó con d'Abo por la calle, llevando un look diferente al que tenía cuando ayudó en la prueba de Wilson, y creyó que había encontrado a su Kara. Broccoli, Glen y Wilson opinaron lo mismo, y la actriz se llevó el papel (cuando Brosnan aún iba a ser 007). Para interpretar convincentemente a una violonchelista, la actriz tuvo que tomar lecciones de chelo, entrenando todos los días, un mes antes que comenzar la fotografía principal, e incluso ensayó con la orquesta sinfónica de Viena. Además también tuvo que aprender a montar a caballo.
Y aprovechando que había un nuevo Bond, decidieron traer una nueva Moneypenny. A Glynis Barber, popular en aquel momento por la serie Como el perro y el gato (1985-86), le ofrecieron el papel, pero lo terminó rechazando (algo de lo que más tarde se arrepintió). Al final Caroline Bliss fue la elegida para sustituir a la mítica Lois Maxwell.
Al holandés Jeroen Krabbé le ofrecieron el papel del villano de la película, el general Georgi Koskov. Y el actor lo aceptó, "porque quería ser parte del circo de James Bond una vez en mi vida."
Necros, la mano derecha de Koskov, fue interpretado por Andreas Wisniewski, quien consiguió el papel con cierta facilidad, ya que parecía escrito para él. Cuando llegó para hacer la prueba de casting, se sorprendieron con el parecido que tenía Wisniewski con el actor que estaban buscando. Igualmente tuvo que hacer una prueba de pantalla, pero el papel era para él.
Joe Don Baker fue escogido para dar vida a Brad Whitaker, el tercer villano de la película.
El resto de reparto se compuso por caras conocidas de la saga como, Desmond Llewelyn (Q), Robert Brown (M), Geoffrey Keen (Ministro de defensa) y Walter Gotell (Gogol). Y otras nuevas como John Rhys-Davies (Leonid Pushkin), Art Malik (Kamran Shah), Thomas Wheatley (Saunders) y John Terry (Felix Leiter).

RODAJE
Con un prepuesto de 40 millones de dólares, la fotografía principal comenzó el 29 de septiembre de 1986, y se prolongó hasta el 13 de febrero de 1987. Fue un rodaje muy viajero, pasando por localizaciones de todo el globo como Gibraltar, Austria, Inglaterra, Marruecos, Estados Unidos e Italia. Los interiores se rodaron en los Pinewood Studios.
Alan Hume, el director de fotografía de las anteriores películas de la saga, no pudo hacerse cargo del proyecto, por estar comprometido con otra película. Por lo que llamaron a Alec Mills para ocupar su puesto, quien había sido operador de cámara en muchas de las películas de 007. El diseñador de producción Kem Adam se lo comunicó durante el rodaje de King Kong 2 (1986), en la que Mills participaba. "Me quedé sin palabras," reconocía el camarógrafo. "Este tenía que ser el momento más emocionante desde que entré en la industria en 1946."
El 17 de septiembre, la segunda unidad comenzó a rodar parte de la secuencia pre-créditos en Gibraltar, doce días antes de la llegada de Dalton, y que comenzara oficialmente la fotografía principal.
El salto en paracaídas de los tres agentes 00 fue realizado el especialista B.J. Worth y sus hombres. Se planteó utilizar grúas para realizar los tres aterrizajes, dado el peligro que conllevaban los lugares donde debían tomar tierra, pero al final los especialistas decidieron aterrizar con sus paracaídas, y completaron sus tres tomas en un solo día.
Y la escena del salto del jeep por el acantilado de Gibraltar, les dio todavía mayores quebradores de cabeza. Primero hicieron pruebas en el desierto de Mojave, soltando un jeep desde un helicóptero que llevaba un paracaídas en su interior, pero en la segunda prueba el paracaídas se enrolló alrededor del vehículo, y éste quedó destruido en el impacto. Descartaron esta opción, y decidieron utilizar otro método, lanzar el jeep con un cañón de aire desde un barranco (en Beachy Head, Inglaterra). Éste portaba un muñeco en su interior, y mediante un aparato de radio control se activaba el paracaídas que llevaba puesto, y una vez el muñeco salía del vehículo, lo volaban por los aires. Esta vez la secuencia sí salió según estaba planeado.
Dos semanas después de que comenzaran a rodar en Gibraltar, y mientras la segundad unidad aún se encontraba allí, a la primera le tocó rodar en Inglaterra la compleja pelea entre Andreas Wisniewski (Necros) y Bill Weston en la cocina. Tras entrenar unos pocos días en Pinewood, rodaron la pelea durante tres días en Stonor House (convertida en la casa franca de Bladen), que estuvo rodeada de todo tipo de incidentes, Weston se fracturó un dedo y Andreas lo noqueó en una ocasión.
Tras finalizar con la pelea, Timothy Dalton llegó al set para su primer día de rodaje como Bond, que no era otra que la secuencia del secuestro de Koskov en la casa franca.
Una vez realizada su primera toma de contacto como 007, Dalton se desplazó a Gibraltar para encargarse de sus escenas en la secuencia pre-créditos, donde tuvo que rodar su primera escena de acción. A diferencia de otros Bonds, Dalton realizó muchas de sus propias escenas de riesgo, como ir realmente sobre el techo del jeep. Según el actor, "la acción es necesaria para el papel, así que hago todo lo que puedo."
Después rodaron durante dos semanas en Viena, y fue en esa ciudad cuando se hizo la presentación de Dalton como 007 en una rueda de prensa, el 5 de octubre. La capital austriaca sirvió también para recrear Bratislava (cuando pertenecía a la República Checa), y se utilizaron localizaciones como Prater Park, Schönbrunn Palace, Volksoper Opera House y Musikverein Concert Hall.
Mientras rodaban en Viena, el equipo de segunda unidad rodaba en Estados Unidos la escena de la pelea entre Bond y Necros colgados del avión Hercules. Escena que fue llevada a cabo por los especialistas B.J. Worth y Jake Lombard. Para conseguir que Worth (doble de Dalton) entrase de nuevo en el avión mientras estaba agarrado a la red, no se hizo con el especialista trepando por ella, si no que se consiguió mediante unos cabrestantes que tiraban de la red y una vez cerca del avión, dos personas arrastraban a Worth hacia el interior. Fue una escena muy peligrosa de rodar, en una de las tomas, la red comenzó a moverse de una forma tan violenta por el viento, que Worth cerca estuvo de golpearse contra la cola del avión, tras unos tensos instantes, y creyendo que saldría herido, se soltó del avión. Sobra decir que la escena resulta espectacular y es uno de los mejores stunts de la saga.
La primera unidad viajó de Austria a Marruecos, y comenzaron a rodar en Tánger el 27 de octubre. Ouarzazate, al sur de Marruecos, sirvió para recrear Afganistán.
Durante el rodaje de la batalla en el aeropuerto, unos caballos casi le pasan por encima a Andreas Wisniewski, pero le avisaron a tiempo, y por suerte se evitó que sucediera un accidente. Toda la secuencia estuvo llena de retos, por ejemplo, para conseguir el momento en el que el vehículo que conduce Maryam d'Abo suba por una rampa y se introduzca en el avión, no pudieron hacerlo con el propio Hercules, ya que este tipo de aviones no pueden circular por el suelo con la rampa trasera bajada, por lo peligroso que sería, por eso el equipo de producción tuvo que construir la parte trasera del avión en un gran camión, y así si pudieron filmar la escena. Y para el plano de los caballos y tanques atravesando el puente, necesitaban uno que fuera realmente alto, y como no existía, recurrieron a una solución de lo más ingeniosa, utilizaron un puente real de unos pocos metros de altura por el que pasaban los especialistas (para la parte superior del plano), y colocaron delante una miniatura de un puente con grandes columnas (para la parte inferior), al unir ambos puentes, y gracias a la perspectiva, dio la impresión de tener 30 metros de altura, tal y como deseaban.
Pese a todas estas dificultades, fue una producción en la que reinó un buen ambiente, la familia Broccoli se encargaba de ello. Mientras rodaban en Marruecos, el equipo se cansó de la comida marroquí, y Krabbé propuso cocinar para todos algo diferente. Barbara Broccoli se encargó de conseguir los ingredientes, y para ello envió expresamente un avión a Italia. Después Krabbé, Barbara y un par de personas se pusieron manos a la obra en la cocina del hotel donde se alojaban, y prepararon comida para todo el equipo y reparto.
El equipo viajó a los Pinewood Studios a finales de noviembre, para rodar los interiores, en los sets creados por el diseñador de producción Peter Lamont. El 11 de diciembre, la producción recibió la visita del Príncipe Carlos y Lady Di. El príncipe fue quien disparo el misil del "ghetto blaster" en la escena del laboratorio de Q. Y de la visita surgió una famosa imagen de la princesa rompiendo una falsa botella, en la cabeza de su entonces marido.
En Pinewood rodaron entre otras escenas, la muerte de Saunders, o los primeros planos que faltaban de la pelea entre Dalton y Wisniewski colgados del avión. Ambos actores se pasaron tres días rodando esta escena.
A mediados de enero de 1987, completaron el rodaje en Austria, rodando dos persecuciones en la nieve, la del del Aston Martin, y la del chelo. Rodando la primera secuencia, algo salió mal en el momento en el que el coche hace un espectacular salto, y terminó estrellándose. Y la escena del chelo fue una idea de John Glen, quien tuvo que convencer a todo el mundo para hacerla, y al final se salió con la suya. El instrumento musical estaba hecho de fibra de vidrio, y su funda estaba equipada con asas a ambos lados para su control, y por la parte inferior tenía unos esquís. La secuencia requirió 3 días en filmarse.
Para la canción principal de la película, los Pet Shop Boys presentaron una demo e incluso se pusieron manos a la obra para componer la banda sonora completa de la película, pero al final quedó en nada. La demo evolucionó hasta convertirse en la canción "This Must Be The Place I Waited Years To Leave" de su álbum "Behaviour" de 1990.
El grupo noruego A-ha fue finalmente el escogido para cantar y componer el tema principal, en colaboración con John Barry. No hubo buen entendimiento entre el compositor y el grupo, Barry definió trabajar con ellos como, "jugar al ping pong con cuatro pelotas". Esa mala relación provocó que existiesen dos versiones del tema principal "The Living Daylights", uno que se puede escuchar en la película (de estilo más Bond y del gusto de Barry), y otro incluido en el álbum "Stay on These Roads" de la banda (que prefería A-ha). Aunque años después, uno de los miembros del grupo, Paul Waaktaar-Savoy declaró: "Me encantó las cosas que él añadió al tema, quiero decir que le dio ese arreglo de cuerda tan guay. Eso es cuando para mí empezó a sonar como una cosa de Bond."
La película contaría además con dos canciones del grupo The Pretenders, "Where Has Everybody Gone?" que suena en varios momentos de la película, y "If There Was a Man" que acompaña los créditos finales.
Antes de su estreno, metraje de la película fue robado y se vendió en cintas de vídeo como si se tratase de la película original completa. Los responsables de la película lanzaron un póster explicando que esa copia de la película estaba inacabada, que faltaban las escenas de acción principales, carecía de la banda sonora y de la mayoría de efectos especiales, diciendo que para ver la auténtica 007: Alta tensión debían ir al cine.
Y eso hizo la gente cuando se estrenó la película. La premiere tuvo lugar el 29 de junio de 1987 en Londres (otra vez con la presencia del Príncipe Carlos y Diana de Gales), para conocer el estreno masivo en salas de Reino Unido al día siguiente. La película gozó de una buena carrera comercial, en los Estados Unidos recaudó 51.185.897 de dólares, y a nivel global sumó en total 191.200.000 de dólares. Eso la convirtió en la quinta película más taquillera del año, aunque comparada con otras películas de la saga, es una de las menos taquilleras.

ESCENAS ELIMINADAS
Se cortaron dos escenas del montaje final, las cuales han sido recuperadas para las ediciones de DVD y Blu-ray de la película. Son las siguientes:
1. Una extensión a la escena del laboratorio de Q, en la que se muestra otro gadget, una pluma que todo lo que escribe, es transcrito a una máquina con la letra del Primer Ministro.

2. Tras el asesinato de Pushkin, Bond escapa por los tejados de Tánger, y termina deslizándose por los cables de telégrafo gracias a una alfombra (que a la vista de todos parece mágica), y aterriza en la moto de un comerciante (interpretado por el especialista Eddie Kidd). La escena fue considerada demasiado cómica por los productores, por lo que no encajaba con el tono de la película.

VALORACIÓN
007: Alta tensión es una de las mejores películas de la saga de James Bond, e injustamente es una de las más olvidadas, tal vez se deba al paso fugaz de Dalton por el personaje. Tiene una historia más realista y más cercana a la realidad (con el foco puesto en la Guerra Fría y en la Guerra de Afganistán), además de un guión más cuidado y más complejo. Lo bueno, es que después no olvida las escenas de acción, la persecución del Aston Martin en la nieve es una de las mejores de la saga (y eso que ésta tiene muchas), y la media hora final es un festín de cualquier aficionado al cine de acción.
Por otro lado, el guión peca de ser demasiado enrevesado para lo que tiene que contar, se meten demasiadas subtramas que no agilizan la historia. Pero hay que reconocerle que tiene un mayor tono de relato de espionaje clásico, el cual se había perdido en la era Moore. Devolvió a la saga el espíritu de las novelas de Fleming.
El cambio de rostro fue un soplo de aire fresco para 007, el cual llevaba anclado desde hacía años en la comedia imposible (aunque muy disfrutable) de la era Moore. Dalton demostró ser un buen Bond, uno más serio y violento, más cercano al de los libros, que era justo lo que necesitaba el personaje. Así el actor se adelantó al Bond de Daniel Craig. Aunque no se ve aquí a Dalton del todo cómodo en el papel, sí lo conseguiría en Licencia para matar, más pensada para él para dar vida a 007. Creo que sólo le faltó una película más para consagrarse en el personaje.
Por su parte, Jeroen Krabbé no consigue que ser un villano demasiado memorable, es ladino y calculador, pero su Koskov no se encuentra entre los mejores de la saga. De hecho, Joe Don Baker me parece que está mejor en su papel de villano secundario.
Y d'Abo es una de las peores chicas Bond que se recuerdan, la actriz carece de carisma, y el guión tampoco la ayuda a ser más que un tópico.
John Glen filma la película con su corrección de siempre, pero no pasa de lo académico, ni le da auténtica personalidad. Aún así, es posiblemente su mejor trabajo tras las cámaras dentro de la saga Bond.
La película tiene puntos que hacen que destaque por encima de la media de producciones de la saga. Además de un guión más trabajado, el cual no toma siempre el camino más habitual, por ejemplo, Bond no mata al villano, aquí es detenido; y a diferencia de otras películas de 007, la escena pre-créditos no es una historia independiente, si no que es parte de la trama de la película, lo cual ayuda al conjunto. Las escenas de acción son excelentes (como la fallida misión en Gibraltar, la genial persecución del Aston Martin antes mencionada, o la lucha de Bond y Necros colgados del avión). Y la canción de A-ha es una de mis preferidas de la saga (que sigue el camino marcado por Duran Duran en Panorama para matar), así como la estupenda partitura del gran John Barry.
Luego hay cosas que no cambian, Moneypenny sigue bebiendo los vientos por 007, ahí están los gadgets de Q, el "Mi nombre es Bond, James Bond" , los martinis con vodka mezclados no agitados, el Aston Martin, el regreso de Felix Leiter, etc, pero es lo que quiere el público.
Nada nuevo bajo el sol, 007: Alta tensión es una aventura más del agente secreto más famoso del mundo, rodada con el buen hacer de siempre, y cuyo objetivo es sólo dar grandes dosis de entretenimiento al público, algo que consigue con creces. James Bond estaba de regreso tan espectacular y letal como siempre, pero un poco más adulto. No es su mejor misión, pero sí una de las más satisfactorias.

CURIOSIDADES
Última película Bond con banda sonora compuesta por John Barry.
Se estrenó en el 25 aniversario de la saga cinematográfica.
Primera película de la saga oficial en la que Moneypenny no es interpretada por Lois Maxwell. Y última película de Geoffrey Keen, que dio vida al Ministro de Defensa en seis películas de James Bond.
Joe Don Baker (Whitaker) interpretaría al agente de la CIA Jack Wade en GoldenEye (1995) y El mañana nunca muere (1997). Por su parte Nadim Sawalha, que interpreta al jefe de seguridad en Tánger, interpretó a Aziz Fekkesh en La espía que me amó (1977). Y Peter Porteous que da vida al supervisor del gasoducto, tuvo el papel de Lenkin en Octopussy (1983).
La noria a la que suben Bond y Kara es la misma vista en El tercer hombre (1949). John Glen tuvo su primer trabajo en el mundo del cine en esa película, como asistente del editor de sonido.
Fue nominada a un premio Saturn en la categoría de mejor película de fantasía.
Caroline Bliss (Moneypenny) interpretó a Lady Di en la película para televisión Charles and Diana: A Royal Love Story (1982). La princesa visitó el set de rodaje.
Primera película de la saga oficial desde Vive y deja morir (1973) en la que vuelve a aparecer Felix Leiter. Lo había hecho en la película no oficial Nunca digas nunca jamás (1983).
Existen varios cameos en la película. Al productor y guionista Michael G. Wilson se le puede ver en la escena de la ópera en Viena sentado cerca de Saunders, y a la derecha de la mujer con el vestido blanco. Y el compositor John Barry es el director de la orquesta de Kara en la escena final.
En las novelas de Ian Flemnig, SMERSH era una agencia de contraespionaje contra la que luchaba Bond. SMERSH existió realmente durante la Segunda Guerra Mundial, siendo una rama de la NKVD, la policía secreta soviética (que más tarde se convertiría en el KGB). Para evitar problemas políticos a la hora de realizar las películas, prácticamente se omitió toda referencia a SMERSH, estando sólo presente en una frase en Desde Rusia con amor (1963), y en la subtrama de esta película con el Smiert Spionom (SMERSH o muerte a los espías).
John Glen considera ésta y Licencia para matara (1989) sus mejores películas de 007.
En el museo de guerra de Whitaker podemos ver varios bustos y estatuas de diferentes líderes militares con su cara, ahí están, Alejandro Magno, Genghis Khan, Atila el Huno, Adolf Hitler, Napoléon Bonaparte, el Duque de Wellington y Julio César.
Primera película de James Bond en la que el villano es arrestado.
Uno de los oficiales que se encontraban destinados en Gibraltar se llamaba James Bond. Cuando Eon Productions lo descubrió, organizó una sesión fotográfica con el verdadero James Bond y el ficticio.
Fue la primera película de la saga en no ser directamente anunciada en la película anterior, una tradición que no se ha vuelto a repetir. La excepción sería Moonraker, que no fuera anunciada en La espía que me amó, y sí Sólo para sus ojos, pero un cambio de planes provocó una alternación en el orden de las películas.
Caroline Bliss, que interpreta a Moneypenny, fue reemplazada en GoldenEye (1995) por Samantha Bond, que era amiga suya desde que eran niñas.
El General Gogol es acreditado como General Anatol Gogol, cuando en La espía que me amó (1977) M le llama Alexis.
La modelo norteamericana Kathy Stangel fue quien posó para convertirse en la mujer del vestido blanco del póster de la película.
Fue la primera película de la saga en tener una canción diferente para los títulos de créditos finales, con el tema "If There Was a Man" del grupo The Pretenders.
Las organizaciones de la Cruz Roja en Estados Unidos, Reino Unido y Canadá, protestaron por el uso, inapropiado según ellos, que se hace de su emblema en la película (en una escena se transporta opio en sacos con el emblema de la organización, y en otra Koskov es secuestrado en un helicóptero con el símbolo de la Cruz Roja).

GADGETS
Cerdo: Una cápsula usada para limpiar el gasoducto desde Rusia, convenientemente modificada para llevar a un hombre dentro.

Ghetto Blaster: Un radiocasete lanzamisiles ideado por Q para los americanos.

Aston Martin V8: Coche dotado de todos los extras inimaginables (misiles, tapacubos con láser, clavos en las ruedas y patines laterales para circular por la nieve, cohete propulsor y un dispositivo de autodestrucción).

Llavero localizador: Con el silbido de las primeras notas de "Rule Britannia" libera un gas que desorienta a una persona durante 30 segundos. Con otro silbido activa el explosivo plástico que guarda en su interior. Y tiene una llave que abre el 90% de las cerraduras del mundo.

BIBLIOGRAFÍA
Starlog Magazine (nº 120, 123, 124)
Production Notes - The Living Daylights (MI6: The Home of James Bond 007)
London Calling! (007 Magazine)
'I wouldn’t want to be James Bond!' (Daily Mail, 12 feb 2015)
Inside 'The Living Daylights' (2000)
Octopussy and The Living Daylights (Ian Fleming, 1966)
For your ears only (The Guardian, 31 oct 2008)
New James Bond (Gainesville Sun, 29 abr 1986)
The Living Daylights - The Offical Poster Magazine (1987)
Glynis Barber (Twitter)
Some Kind of Hero: The Remarkable Story of the James Bond Films (Matthew Field, Ajay Chowdhury, 2015)
Bonded Blonde (Los Angeles Times, 9 ago 1987)
Nacidos para ser malos (Timon Singh, 2018)
Simon MacCorkindale (The Telegraph, 15 oct 2010) 
Interview with Andreas Wisniewski (bondlocations.com, 6 dic 2020)
Mark Greenstreet: James Bond for a day (The James Bond Dossier, 16 jun 2011)
60 SECONDS: Timothy Dalton (Metro, 15 feb 2007)
The 007 agent Ian Fleming imagined (World Today News, 22 mar 2021)
Red Cross Protests Use Of Emblem in Film (The New York Times, 26 aog 1987)
Nobody Does it Better: The Complete, Uncensored, Unauthorized Oral History of James Bond (Edward Gross, Mark A. Altman, 2020)

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