Sunday, September 01, 2019

Acorralado

"Allí manejaba aviones, conducía tanques, tenía a mi cargo millones de dólares en equipo, aquí ni siquiera me dan trabajo de lavacoches."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un veterano de Vietnam se verá injustamente perseguido por el sheriff de un pueblo y sus hombres, lo que provocará una espiral de violencia que sólo irá a más, cuando el soldado pone en práctica sus habilidades en combate.

PRIMERA SANGRE
David Morrell publicó en 1972 su primera novela "First Blood", y cambió sin saberlo el cine de acción para siempre. Ese mismo año, Columbia Pictures se hizo con los derechos cinematográficos por 75.000 dólares a instancias del productor Lawrence Turman. Y la película entró en el infierno del desarrollo pasando de unas manos a otras durante una década.
El primer director asignado fue Richard Brooks (Los profesionales) quien se encargó de escribir el guión. Brooks estuvo ligado al proyecto durante un año y su guión terminaba con Rambo desarmado siendo asesinado. El director quería a Lee Marvin o Burt Lancaster para dar vida al sheriff y a Bette Davis para interpretar a una psiquiatra que trataba a Rambo. La Columbia no estaba contenta con el guión y el proyecto no llegó a buen puerto.
En 1973, John Calley de la Warner Bros. le compró a la Columbia los derechos de novela por 125.000 dólares. Inicialmente se barajaron los nombres de Clint Eastwood y Robert De Niro para el papel de Rambo.
Martin Ritt (Hud, el más salvaje entre mil) fue elegido como director y Walter Newman (El gran carnaval) se encargó de escribir el guión, del cual elaboró tres versiones diferentes. En esta versión de la película, Rambo y Teasle morían, y Trautman era el verdadero villano de la historia. Ritt quería a Paul Newman para dar vida al sheriff Teasle. El director barajaba entre rodar en Georgia y Kentucky. Pero la huelga de guionistas de 1973 desbarató los planes de rodaje de inmediato, y aunque el director siguió interesado en realizarla, nunca logró hacerlo.
A finales de 1974, Warner contrató a Sydney Pollack para dirigir la película con Steve McQueen como Rambo. Pero tras seis meses de desarrollo se dieron cuenta que McQueen, quien ya superaba los 40 años, era demasiado mayor para dar vida a un veterano de la guerra de Vietnam, y la producción fue cancelada.
En 1975, el productor Martin Bregman se unió al proyecto el cual desarrolló para que Al Pacino lo protagonizase. David Rabe (La tapadera) fue el encargado de adaptar la novela. Al final Pacino rechazó hacer la película.
Mike Nichols fue el siguiente director ligado al proyecto, quien quería que Dustin Hofmann diera vida a Rambo, pero el actor rechazó el papel por considerarlo demasiado violento.
En 1976, Robert Shapiro, jefe de la Warner le envió a Ted Kotcheff el libro de Morrell con idea de que se hiciese cargo de la película. Al director le encantó la novela y se puso manos a la obra con el proyecto con el guionista Michael Kozoll (Colegas a la fuerza). En tres meses tenían el guión terminado, el cual Kotcheff presentó a la Warner, pero fue rechazado, la productora ahora descartaba hacer la película porque Vietnam no era un tema popular.
En 1977, el productor y guionista William Sackheim (El concurso) quiso sacar adelante el proyecto y escribió con Kozoll el guión que finalmente sería utilizado. John Badham (Juegos de guerra) fue el director asignado y el reparto barajado fue de John Travolta como Rambo, George C. Scott en el papel de Trautman y Gene Hackman o Charles Durning como Teasle. Al no poder conseguir financiación, el proyecto terminó muriendo.
El productor Carter DeHaven (Hoosiers: Más que ídolos) opcionó al proyecto a cambio de 25.000 dólares que pagó a la Warner y escogió a John Frankenheimer como director para filmar el guión de Sackheim y Kozoll. Para el papel de Rambo se barajaron los nombres de Powers Boothe, Nick Nolte y Michael Douglas, siendo escogido finalmente Brad Davis. La financiación venía por parte de Cinema Group y de la distribución se encargaría Filmways, pero el proyecto tampoco llegó a buen puerto.
Le ofrecieron a Bruce Beresford dirigir la película, pero rechazó la oferta.
El proyecto también pasó por la manos de Kris Kristofferson en el papel de Rambo, el actor recién salido del éxito de Convoy (1978), trató de convencer al director de ésta, Sam Peckinpah, para que la dirigiese. En esta ocasión se barajó a Gene Hackman como Teasle y a Lee Marvin para dar vida a Trautman.
En otro momento del proyecto también le ofrecieron el papel de Rambo a Terence Hill, pero lo rechazó. Lo mismo que hizo James Garner, un veterano de la Guerra de Corea, que no quiso dar vida a un soldado que regresa a casa para terminar matando a policías.
La producción también pasó por las manos del productor Freddie Fields (Tiempos de gloria), quien le ofreció a su amigo Ryan O'Neal el papel principal, pero el actor lo rechazó. Según reconocería O'Neal, lo hizo porque en aquel momento tenía una relación obsesiva con Farrah Fawcett y no quería separarse de ella.
Tiempo después de estar involucrado en el proyecto, Kotcheff conoció a Andrew G. Vajna y el productor le preguntó si tenía algún proyecto que quisiera realizar, ya que Vajna y su socio Mario Kassar querían embarcarse con su pequeña productora Carolco en proyectos de mayor envergadura en Hollywood. Kotcheff lo tuvo claro y le habló a Vajna de Acorralado. A los productores les encantó el guión y se pasaron un año tratando de comprar a la Warner los derechos de la novela, algo que consiguieron a cambio de 385.000 dólares. Además pagaron otros 150.000 dólares a Cinema Group por el guión de Sackheim y Kozoll.
Vajna y Kassar consiguieron el prepuesto para la película mediante la venta anticipada a distribuidores extranjeros, una práctica habitual en la compañía. Así juntaron los 11 millones de su presupuesto, que terminaron ascendiendo a 15. Kassar tuvo que hipotecar su casa para poder financiar la película.
Para Kotcheff sólo Sylvester Stallone podía interpretar a Rambo y razón no le faltaba, el actor había nacido para dar vida al boina verde. El director le envió el guión a su agente un día y a la mañana siguiente recibió una llamada del actor (quien en aquel momento estaba rodando Halcones de la noche (1981)) diciéndole que quería participar en la película, y sólo puso una condición, poder reescribir el guión, algo a lo que el director estuvo de acuerdo. Stallone cobró un sueldo de 3,5 millones de dólares. Kassar y Vajna le pagaron 2 millones y el resto vino de las ventas a la televisión.
Stallone llegó a realizar siete revisiones del guión hasta dar con el definitivo. Los cambios que el actor aportó al guión fueron, por una parte hacer más humano a Rambo (eliminó toda la parte en la que conseguía un arma y mataba a los miembros de la Guardia Nacional), redujo sus diálogos al mínimo (inicialmente ideó que Rambo nunca hablase en toda la película, pero al resultar un tanto forzado, decidieron reducir sus frases todo lo posible) y cambió el final previsto en el que Rambo moría por otro en el que termina con vida (el final con la muerte de Rambo se llegó a rodar). Se habían escrito 26 guiones durante 10 años hasta que Stallone escribió el guión final, todo un récord.
Aún así se hicieron más cambios en el guión. Kotcheff le pidió a Larry Gross (con quien había colaborado en Capturado) y a David Giler (quien había escrito el guión de su película Roba bien sin mirar a quién), que realizasen labores de reescritura en el guión durante la producción. Giler redujo el monólogo final escrito por Stallone de varias paginas de guión a una sola.
Ted Kotcheff escogió a su amigo Brian Dennehy, quien había servido en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos, para dar vida a Teasle.
Inicialmente Kirk Douglas fue contratado para el papel de Trautman, pero como veremos en unos párrafos, terminó siendo sustituido por Richard Crenna.
El resto del reparto se compuso con los nombres de Bill McKinney (Kern), Jack Starrett (Galt), Michael Talbott (Balford), Chris Mulkey (Ward), John McLiam (Orval), Alf Humphreys (Lester) y David Caruso (Mitch).

UNA GUERRA DE RODAJE
El rodaje tuvo lugar en la Columbia Británica (Canadá), principalmente en la ciudad de Hope, que ironías del destino dio vida a la ficticia ciudad de Hope en Washington. Además se utilizaron otras localizaciones de la Columbia Británica como el Golden Ears Provincial Park, North Vancouver, Pitt Lake, Pitt Meadows y Port Coquitlam. La fotografía principal comenzó en octubre de 1981 y se prolongó hasta diciembre del mismo año.
Pronto comenzaron los problemas, y serían muchos a lo largo de la filmación. Kirk Douglas llegó al set la tercera semana de rodaje y comenzó a tener problemas con sus frases. Kotcheff y Stallone se pasaban las noches reescribiendo sus diálogos. Una de las ideas de Douglas era que Trautman matase a Rambo. Después de una semana con esa actitud, el director le dio un ultimátum al actor, o rodaban el guión original o tendría que irse, y como suele decirse el resto es historia, Douglas abandonó la producción a tres días de rodar sus escenas. Como reemplazó le ofrecieron el papel a Rock Hudson, pero el actor se estaba recuperando de una operación de corazón y no pudo aceptarlo. Al director de casting se le ocurrió que Richard Crenna podría ser un buen sustituto y la noche antes de rodar llegó al set y dio vida al personaje más popular de su carrera.
Las duras condiciones climatológicas de Canadá no le pusieron las cosas nada fáciles al equipo, siendo el frío y la lluvia dos contantes del mismo. La niebla interrumpía constantemente el rodaje y la luz del día se esfumaba a las dos y media de la tarde. Visto el panorama, el director de fotografía Andrew Laszlo (The Warriors) decidió aprovechar lo que tenía y utilizó luz natural para fotografiar la película.
Stallone no estaba preparado para las bajas temperaturas que tuvo que soportar y se improvisó el famoso poncho que porta Rambo en la película. "Milagrosamente, en el medio del bosque me encontré este camión oxidado que debía llevar allí más de 30 años," recordaba el actor. "Y debajo estaba este pedazo de lona podrida y seca. Cogí mi cuchillo y corté un agujero en la parte superior y lo convertí en un poncho que realmente me salvó del frío penetrante y la lluvia helada."
Rodar en los bosques complicó todavía más el rodaje, como recordaba Kotcheff, "el suelo del bosque tenía unos 90 centímetros de profundidad con árboles y ramas caídas, por lo que al caminar te hundías. Y las orillas del río podían derrumbarse. Todos tuvimos que atarnos con cuerdas a los árboles, en caso de que cediera." Eso no evitó que miembros del equipo sufrieran fracturas de tobillo y se rompieran algunos dedos.
Los accidentes fueron algo normal durante el rodaje. Filmado la escena en la que Rambo huye de la comisaría al principio de la película, Stallone le rompió la nariz a Alf Humphreys (Lester) al darle un codazo en la cara (de hecho, el actor se pasa el resto de la película con una tirita en la nariz). Y el momento en el que lavan con una manguera a Rambo, la fuerza del agua era tan fuerte que arrancaba las falsas cicatrices del cuerpo de Stallone, y el equipo de maquillaje necesitaba dos horas para volver a aplicarlas.
La persecución en moto estuvo llena de problemas. El más grave fue el accidente que sufrió el especialista Bernie E. Dobbins al rodar el momento en que el coche de policía salta por encima de unas vías del tren, para ello se utilizó una rampa para dar el salto, pero el especialista lo hizo a demasiada velocidad e impactó con fuerza en el suelo, lo que provocó que se fracturara la espalda (la escena volvió a rodarse con otro coche y especialista, con un salto y aterrizaje más pequeño y creíble). Otro accidente sucedió cuando uno de los coches de policía se salió de la carretera y rodó por un terraplén, quedando boca abajo. Kotcheff decidió mantener ese momento en la película y no sólo eso, improvisó y le pidió a Dennehy que se metiera en el coche y siguió rodando. Y el propio Stallone casi no lo cuenta, cuando montado en la moto por poco choca contra un camión que accidentalmente se saltó una barricada.
La escena más peligrosa de rodar fue el memorable momento en que Rambo desciende por un barranco y salta cayendo sobre un árbol. El salto del barranco fue realizado por el especialista Buddy Joe Hooker, pero la caída final quiso hacerla el propio Stallone. Kotcheff le pidió que no lo hiciera, pero ante la insistencia del actor le permitió rodarla. "Saltó de una rama y cayó 2 metros para aterrizar sobre una rama de pino muy gruesa que no cedió nada en absoluto," recordaba Kotcheff. "Soltó ese increíble grito de dolor. Su cara estaba justo en la cámara, ¡es un gran plano! y se deslizó de la rama y cayó al suelo. Se había roto cuatro costillas. Pero siguió rodando y nunca se quejó."
Igual suerte corrió Dennehy al rodar personalmente la caída desde el techo de la comisaría de policía, un doble hizo la primera parte de la caída y el impacto contra el suelo el propio actor. Esa caída desde dos metros y medio hizo que el actor se rompiera una costilla.
Si romperse unas costillas no fuera suficiente, Stallone sufrió más accidentes durante el rodaje. Al filmar el momento en el que Rambo entra por primera vez en la mina mientras le disparan, el actor apoyó su mano sobre un trozo de madera, sin darse cuenta que lo estaba haciendo justo encima de una bala de fogueo que se disparó casi al instante, hiriendo su mano. El actor por un momento creyó haber perdido un dedo. Y al rodar la escena de las cuevas (las cuales eran auténticas), el agua donde se sumergía Stallone estaba tan helada, que las ratas utilizadas en la escena se asustaron hasta tal punto que clavaron sus garras en el actor, y cuando se las quitó de encima le arrancaron la carne.
Y para colmo de males, en medio del rodaje fueron robadas las armas de fuego que habían sido importadas de la Columbia Británica para usarse en la película.
El final de película siempre fue un problema, Kotcheff y Stallone llegaron a escribir dieciséis finales distintos. En uno de ellos Rambo se acercaba a la ventana de la comisaria y disparaba al aire para que lo matasen, y así terminaba acribillado por la Guardia Nacional y la policía. En el final original de la película, Rambo se quitaba la vida, pero una vez filmado Stallone tuvo una idea. "Nosotros lo filmamos," recordaba Kotcheff. "Fue increíblemente conmovedor, después de todo lo que habíamos pasado. Sylvester se levantó y dijo, 'Ted, ¿puedo hablar contigo un segundo?' Él dijo, 'Sabes Ted, hemos hecho pasar a este personaje por demasiadas cosas. La policía abusa de él. Es perseguido sin descanso. Envían perros tras él. Salta de acantilados. Corre a través de agua helada. Le disparan en el brazo y tiene que coserse a si mismo. Todo esto, ¿y ahora vamos a matarle?'" A Kotcheff le gustó la propuesta de un final feliz, pero no a los productores, dados los problemas de calendario que arrastraba la película. Desoyéndoles el director filmó su final alternativo con Rambo saliendo de la comisaría con vida. En aquel momento aún no tenían distribuidor para Estados Unidos y la llevaron a la Orion para conseguir un acuerdo de distribución, y mantuvieron el final original, cuando Mike Medavoy la vio, dijo que la película le gustaba pero no el final, Vajna ardió de rabia. Se hizo un pase de prueba con público y la reacción fue la misma, a nadie la gustaba el final con la muerte de Rambo. Así que todos se dieron cuenta que final original no funcionaba y la película se estrenó con el segundo final rodado.
Pero antes de llegar a ese punto la película pasó por una compleja post-producción. El primer montaje de la película duró cerca de tres horas y media. A Stallone la pereció tal desastre que intentó comprar la película para destruirla, temiendo que pudiera acabar con su carrera. Posteriormente se redujo su duración a 93 minutos tras una intensa labor de remontaje. Según Stallone, la parte en que los policías persiguen a Rambo por el bosque duraba originalmente entre 45 y 50 minutos, y terminó durando unos 10 minutos aproximadamente sin perder su esencia.
Para vender la película se mostró un montaje de tan solo 40 minutos a los compradores y la reacción fue tan espectacular ante ella, que los derechos de distribución internacional se vendieron en tan solo cinco minutos.
Acorralado llegó a las salas de cine de Estados Unidos el 22 de octubre de 1982 y fue un éxito rotundo. En territorio norteamericano amasó 47.212.904 de dólares y la recaudación a nivel mundial ascendió a 125.212.904 de dólares. Era el nacimiento de un icono.

ESCENAS ELIMINADAS
Entre todo el metraje que se sabe que se cortó de la película, sólo dos escenas se incluyen en las ediciones de DVD y Blu-ray:
1. Mientras Rambo está en la cueva hay un flashback en el que él y sus compañeros están en un bar de Vietnam pasando el rato con unas chicas. El protagonista se va a una habitación con una y se acuesta con ella. Rambo rompe a llorar en la cueva.
2. Final alternativo. Rambo le dice a Trautman que le mate y pare ello le entrega su pistola. Trautman la aparta, pero Rambo tira de ella provocando que se dispare y termina resultando muerto.
Existen otras escenas cortadas de la película que no han sido incluidas en las versiones de vídeo doméstico, pero sí en algunas ediciones para televisión. Son las siguientes:
1. Tras la muerte de Galt, Rambo revisa la munición del arma de éste.
2. La confrontación entre Teasle y Mitch después de la muerte de Galt es más larga y se ven las reacciones del resto de hombres del sheriff.
3. Un helicóptero lleva el cuerpo de Galt hasta la base de operaciones y Teasle observa como la mujer de éste rompe a llorar mientras Lester trata de consolarla. Teasle le pide disculpas a la mujer de uno de sus hombres heridos.
4. La conversación entre Teasle y Kern sobre el arresto de Rambo es más larga.
5. La conversación posterior entre Trautman y Teasle con Kern presente es un poco más larga y el coronel suelta con respecto a Rambo, "¡Ese chico es un ataque al corazón!"
6. Existe una conversación adicional entre Trautman, Teasle y Kern sobre atrapar a Rambo.
7. La secuencia de Rambo caminando por los túneles de la mina con una antorcha en la mano es más larga, así como su encuentro con las ratas.
8. El encuentro entre Teasle y Trautman en el bar es más largo y el segundo se ofrece a llevar al coronel al aeropuerto, pero éste se niega.
9. Teasle y Trautman aterrizan en el lugar en el que Rambo supuestamente es asesinado.
10. Teasle es felicitado por matar a Rambo.

VALORACIÓN
Poco tiene que ver Acorralado con el resto de la saga de Rambo, sobre todo con la más popular y belicista Rambo: Acorralado, parte II (1985), de la que políticamente está a años luz. Si en aquella se hacía un descarado uso del espíritu patriótico y derechista, aquí tenemos una película anti-bélica, que no deja quedar bien ni al gobierno americano, ni a los americanos. Por eso la película se sitúa fácilmente como la mejor entrega de la saga.
Y es que Acorralado es una excelente película de acción, una de las mejores de la década de los ochenta, llena de grandes apuntes y momentos para el recuerdo.
Lo más brillante de la película es llevar la guerra de Vietnam a Estados Unidos, y es que ese bosque donde tiene lugar la historia se convierte en un Vietnam improvisado. Puede que Rambo no encaje en el pueblo, pero en el bosque está en su medio natural, lo contrario que sus perseguidores, que allí son peces fuera del agua. Es genial ver como el boina verde consigue él solo deshacerse de Teasle y sus hombres con suma facilidad, haciendo que por un breve plazo de tiempo, sepan lo que es estar metidos en una guerra, una que no pueden ganar (como dice Trautman). Lo increíble de la película, es que incluso cuando Rambo destruye el pueblo (el corazón de América), consigue que nos pongamos de su parte.
Teasle es un personaje de lo más internaste. El sheriff subestima a Rambo nada más verlo, considera que es un vagabundo y trata de echarlo del pueblo, entendemos que no hay verdadera maldad en sus actos, sólo trata de mantener limpio y en orden su pueblo, pero lo hace como si el fin justificara los medios, y la situación se le va totalmente de las manos.
Ya desde la primera escena de la película, Acorralado se posiciona muy clara en su opinión sobre la guerra de Vietnam. Descubrimos en boca de la mujer del amigo de Rambo, que su marido murió de cáncer por causa del agente naranja que se utilizaba en la guerra. Vemos a través de pequeños flashbacks los horrores por los que pasó el boina verde. Y en el monólogo final de Rambo está condensada y resumida toda la esencia del discurso de la película.
Podríamos pensar que la película es una apología de la venganza, pero realmente Rambo nunca mata a nadie, son los policías (su país) quien lo desprecia y trata de matarlo. Un duro golpe para alguien que en el pasado dio su vida por su país y ahora es un apestado en él.
Acorralado es una película tremendamente física, se puede palpar el frío en cada fotograma y se sienten los golpes que reciben todos los actores como reales. Su concepción de la acción no es el de una non-stop action como Rambo: Acorralado, parte II, aquí las escenas de acción ayudan a llevar la historia adelante y a definir los personajes, como bien demuestra la escena del barranco.
El clímax de la película es en si un anticlímax con Rambo soltando su popular monólogo y desmoronándose, y es sinceramente la mejor escena de la película. Me encanta que el mejor momento de una película de acción no sea una escena de acción. Es lo que hace tan grande a Acorralado.
A Stallone el papel de Rambo le sienta como anillo al dedo. Actor y personaje han quedado unidos para siempre. Acorralado es una de las mejores películas de su carrera, y la que lo asentó definitivamente como una gran estrella. El actor consigue que simpaticemos con él y nos preocupemos por su devenir, casi de inmediato. Aunque en las secuelas es una máquina de matar sin más, aquí Rambo es un personaje complejo, un ser herido que sufre estrés post-traumático (las verdaderas cicatrices que la guerra de Vietnam dejó en él). Vive en un país por el que ha dado la vida y que ahora lo desprecia, donde no le dan trabajo ni de lavacoches, cuando antes manejaba equipos que costaban millones. Es un hombre perdido en un mundo que no le acepta, y Teasle es el reflejo de ello.
Dennehy demostró una vez más ser uno de los mejores secundarios del cine norteamericano de los ochenta. Nunca nos posicionamos del lado de su personaje, pero lo entendemos, y su enfrentamiento con el boina verde es legendario.
El personaje de Trautman siempre me ha parecido forzado, parece sólo estar en la historia para soltar frases lapidarias y pasearse con pose altiva durante toda la película. Es la representación del gobierno, un ser frío que entrenó a un joven a quien convirtió en una máquina de matar y ahora esa máquina se ha salido de control. Sólo al final de la película parece un ser humano, cuando ve a Rambo llorando, se emociona y lo consuela, tal vez arrepentido por el monstruo que ha creado. Se ve que hay una relación de amistad y respeto entre ambos (Trautman sospecha que Rambo sigue vivo tras la explosión en la mina, pero no dice nada esperando que su hombre huya), pero su amistad sólo sería realmente explotada en las dos secuelas siguientes.
Kotcheff rueda con muy buen pulso toda la película, desde las escenas de acción, a aquellas más íntimas (siempre apoyado en la gran labor de fotografía de Laszlo). En la escena del barranco mantiene muy bien la tensión y tiene un plano fantástico, ese en el que vemos a Rambo oculto tras un árbol, mientras le disparan desde el helicóptero, con la cámara moviéndose de un lado a otro mostrando siempre la acción sin cortes. El canadiense siempre ha sido un director infravalorado y eso que tiene en su haber varios títulos de lo más interesantes como Despertar en el infierno (1971) o Más allá del valor (1983), siendo Acorralado su título más exitoso y recordado.
Acorralado es algo más que una película de acción sin freno, nos habla de las consecuencias de la guerra en los soldados, y de las cicatrices que dejó una guerra tan impopular e innecesaria como la de Vietnam en los hombres que allí lucharon, y como marcó al país para siempre. Ese mensaje se perdería en las siguientes entregas de la saga, pero siempre nos quedará un clásico del cine de acción tan redondo y contundente como éste. Larga vida a Rambo.

CURIOSIDADES
El body count de la película es sólo de 1 muerto (Galt cuando cae del helicóptero).
Brian Dennehy fue la única opción de Ted Kotcheff para dar vida a Teasle.
Es la película preferida de Sylvester Stallone de toda la saga de Rambo.
A Ted Kotcheff le ofrecieron rodar la segunda parte, pero lo rechazó.
David Morrell sacó el nombre de Rambo de una variedad de manzana popular en Pennsylvania.
El nombre de los miembros del equipo de Rambo en Vietnam corresponden a nombres del equipo técnico de la película.
El famoso cuchillo de Rambo no aparece en la novela.
Stallone subastó el poncho que lleva en la película por 60.000 dólares.
Según David Morrell, el nombre de Samuel Trautman viene del Tío Sam, quien creo al soldado Rambo.
Stallone escogió personalmente al fabricante de cuchillos Jimmy Lile para que diseñase y fabricase el famoso cuchillo de Rambo. Se crearon para la película seis cuchillos.
Varios fragmentos de sonido de la película fueron utilizados en la versión arcade del videojuego Golden Axe (1989).
Exceptuando al líder de la Guardia Nacional, Clinton Morgen (Patrick Stack), el resto de sus miembros son llamados como los actores que los interpretan.
La historia que cuenta Rambo al final de la película a Trautman, sobre como su amigo Baker muere en Vietnam por una bomba oculta en una caja de zapatos y todo lo relacionado con el Chevrolet descapotable del 58, es real, un veterano de la Guerra de Vietnam se la contó a Stallone.
Durante el rodaje de la película una chica se acercó a Stallone en un bar de la ciudad haciéndose pasar por una fan para tratar de conseguir una ronda de bebidas gratis. Stallone utilizó esa vivencia para una escena de Rocky Balboa (2006).
Hay bastantes cambios entre la película y la novela de David Morrell. En la película, Rambo y Trautman son amigos, pero en el novela Rambo apenas se acuerda de él. En la novela, Teasle es un veterano de la guerra de Corea, menos popular que la de Vietnam y de ahí viene su resentimiento hacia Rambo. En la novela, Rambo mata a varias personas, mientras que en la película no mata a nadie. En la novela, Rambo mata a Galt rajándole el estómago con una navaja de afeitar y en la película muere accidentalmente al caerse del helicóptero. La subtrama de Teasle tratando de ponerse en contacto con su esposa ausente existe en la novela, pero no en la película. En la novela, tanto Rambo como Teasle mueren, el primero por obra de Trautman y el segundo lo hace por causa de las heridas que le inflige Rambo. El personaje del sheriff tiene un mayor protagonismo en la novela.
El popular póster de la película es obra de Drew Struzan.

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Thursday, August 01, 2019

Deep Rising

"¿Y ahora qué?"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.


Un grupo de mercenarios planea asaltar un trasatlántico con idea de robar su caja fuerte, pero cuando llegan al barco en alta mar, se lo encuentran vacío. Lo que no saben es que un monstruo marino llegó antes que ellos.

TENTÁCULO
Stephen Sommers comenzó a escribir un guión llamado "Tentacle" cuando trabajaba en la productora Hollywood Pictures como guionista. La idea para la historia le vino durante la post-producción de El libro de la selva: La aventura continúa (1994), cuando leyó un reportaje del National Geographic sobre las medusas. "Estaba leyendo una historia sobre las medusas Bell, las criaturas más venenosas del planeta," recordaba Sommers. "Cerca de una semana después, vi algo en televisión sobre un tipo calamar vampiro, algo realmente desagradable. Tomé la medusa Bell y el calamar vampiro e hice algunas investigaciones sobre anémonas de mar gigantes. Y entonces decidí escribir un gran thriller de acción." Así surgiría Deep Rising: El misterio de las profundidades (Deep Rising, 1998).
Sommers contó con la ayuda del guionista Robert Mark Kamen (El quinto elementoVenganza) para escribir el libreto, aunque éste no sería acreditado por tal labor.
Hollywood Pictures sería la productora encargada de llevar adelante el proyecto con la colaboración de Calimari Productions y Cinergi Pictures Entertainment. Siendo John Baldecchi y Laurence Mark los productores al cargo de la producción.
A la hora de buscar a los pasajeros del Argonautica, Stephen Sommers tuvo claro de quien debía rodearse, "cuando pensé en esta película, supe que necesitaría buenos actores. A mí me encantan las películas de terror y ciencia ficción de los años 50, pero siempre les encuentro el mismo problema: La interpretación. Hay tan malos actores en ellas que uno nunca se acaba de creer la historia. Los mejores films de terror son aquellos en los que los actores consiguen hacerte creer la existencia de los monstruos."
Por lo que Sommers decidió primero contratar a Harrison Ford para el papel de Finnegan, pero tras el rechazo de éste, el papel recayó en Treat Williams. Este cambio en la estrella protagonista provocó que los productores redujeran el presupuesto de la película, fijándose en los 45 millones de dólares.
"Siempre he estado buscando una divertida película de acción y aventuras," declaraba Williams. "Y ha sido interesante. [...] Lo que me gusta sobre ésta es que es una película de acción que no pretende ser otra cosa. Tiene elementos de géneros de horror y películas de serie B, pero es mejor. La cosa que más me atrajo fue que había un verdadero sentido del humor en ella."
Para el papel de Trillian, Sommers contrató inicialmente a Claire Forlani, la actriz estuvo en el rodaje durante tres días, tras los cuales lo abandonó debido a diferencias creativas con Sommers, por lo que fue sustituida por Famke Janssen. La actriz holandesa confesó que, "Deep Rising fue una película que fue divertida sólo porque necesitaba trabajar en ese momento más que cualquier cosa, por razones personales." Janssen trató hacer que su personaje fuera, "femenina, sexy, dura, y tan inteligente y fuerte como cualquier de los chicos."
Wes Studi fue contratado para interpretar a Hanover, líder de los mercenarios, su participación en la película fue para el actor, "un gran proceso de aprendizaje en el uso de armas automáticas en cámara, así como nadar bajo al agua."
Anthony Heald fue contratado en el último minuto para dar vida a Simon Canton, dueño del Argonautica.
El resto de la tripulación del Argonautica la formaron Kevin J. O'Connor (Joey Pantucci), Derrick O'Connor (Captain Atherton), Jason Flemyng (Mulligan), Cliff Curtis (Mamooli), Clifton Powell (Mason), Trevor Goddard (T. Ray), Djimon Hounsou (Vivo), Una Damon (Leila) y Clint Curtis (Billy).

RODAJE
El rodaje de la película tuvo lugar entre el 12 de junio de 1996 al 18 de octubre del mismo año. Y se rodó en su totalidad en Vancouver (Canadá). Gran parte de la película se rodó en la histórica planta de ensamblaje de barcos Versatile Shipyards, situada en el North Shore de la ciudad. Fue allí donde se construyeron varios de los decorados de la película, como el exterior del Argonautica, su sala de máquinas, el muelle y dos pasillos que serían inundados. El coordinador de construcción Craig Henderson fue quien supervisó todo y según contaba, "creo que el mayor desafío fue el tamaño y el peso de las cosas. No podíamos coger algo y trasladarlo ni siquiera un metro." Un equipo de 80 personas construyeron los decorados en Versatile, mientras otro equipo igual construyó otros decorados en los Bridge Studios (Canadá).
Para las escenas acuáticas decidieron no rodar en el mar para evitar todos los problemas que esto conlleva, como había demostrado Waterworld (1995). "Salir a rodar al auténtico océano es una locura," afirmaba Sommers. Originalmente planearon rodar en un tanque de agua en Los Angeles, pero el coste del alquiler ascendía a 200.000 dólares, por lo que la producción se trasladó a Canadá, ya que los costes eran menores. Allí crearon un enorme tanque de agua, el segundo más grande jamás utilizado en una película, el cual estaba equipado de un generador de olas y que se utilizó para las escenas de tormenta, donde se sitúo el Sapian, el barco de Finnegan. Pero el tanque terminó reventando e inundó varias manzanas cercanas. Al final rodar en Canadá hizo que el coste fuera de 600.000 dólares.
Las primeras semanas de rodaje tuvieron lugar principalmente en el agua, y el director recordaba el rodaje con, "todo el mundo hasta la cintura de agua, barro, humo y suciedad." Por su parte, Famke Janssen reconocía que, "cuando leí el guión, ¡nunca pensé que pasaría tanto tiempo mojada y bajo el agua!. Pero en realidad fue muy divertido." A Wes Studi no le gustó tanto rodar en el agua, sobre todo cuando se cortó la mano con unos vidrios rotos al rodar una escena de buceo.
Una vez terminadas las escenas en el agua, pasaron a rodar "en seco" en los decorados del Argonautica, barco obra del diseñador de producción Holger Gross (Stargate). Para diseñar el barco, Gross visitó varios auténticos trasanlánticos y así creó uno de inspiración asiática.
El habitual director de fotografía Dean Cundey, fue el director de segunda unidad de la película y se encargó de rodar tomas exteriores, algunas de ellas en mar abierto, a las afueras de Tofino, una ciudad de la Isla de Vancouver.
Uno de los momentos más peligrosos de la producción fue rodar el enorme salto en moto de agua de Finnegan y Trillian en el clímax de la película. El coordinador de especialistas Gary Combs fue el encargado de realizar la acrobacia con la ayuda del campeón del mundo de moto acuática Larry Rippenkroeger, ambos dieron un salto de 30 metros desde una puerta de carga.
Combs también fue responsable del trabajo de 342 especialistas, que realizaron una caída desde lo alto de un balcón, durante el primer ataque del monstruo.
Aunque el que corrió mayores riesgos durante el rodaje fue Anthony Heald, ya que sufrió una infección de estafilococos en su pie, la cual cogió a través de su hija pequeña. El actor se pasó la mayor parte del tiempo en cama, y una enfermera tenía que ponerle una inyección de antibióticos cada 8 horas, ya estuviera en su casa o en el set.
Y Kevin J. O'Connor no salió bien parado al rodar la escena en la que los hombres de Hanover le dan patadas, aunque llevaba almohadillas para protegerse de los golpes, al terminar de rodar la escena tenía el cuerpo lleno de moretones.
El personaje de Mason originalmente moría antes en la película, pero en pleno rodaje Sommers le dijo al actor Clifton Powell que podía vivir 20 páginas adicionales si sabía nadar bajo el agua. Powell accedió, pero no dijo que tenía miedo al agua turbia.
La película hace gala de 70 planos de efectos visuales y Dream Quest Images fue la encargada de crear la mayoría de esos trucajes. Michael Shea fue el supervisor de efectos visuales y estuvo trabajando en el proyecto durante más de un año y medio. La labor principal de Dream Quest Images fue dar vida el monstruo de la película (que aparece en 40 planos de efectos), el cual fue diseñado por el gran Rob Bottin (La cosa). Inicialmente barajaron la idea de utilizar sólo animatronics, pero al final decidieron que la criatura y sus tentáculos fueron creados totalmente por CGI. "La única forma de obligarlos a hacer lo que queríamos que hicieran, y que lucieran como queríamos que lucieran, fue a través de generación por ordenador con un montón de efectos mecánicos interactivos," explicaba Sommers.
Bottin creó varias esculturas del monstruo, sobre las cuales el equipo de efectos visuales realizó el trabajo de digitalización, dándole así movimientos y texturas al monstruo. Bottin además supervisó los maquillajes y maniquíes de las victimas de la criatura.
Trabajaron más de 120 artistas en la película para crear todos los efectos, los cuales se repartieron entre varias compañías de efectos. Blur Studio se encargó del impactante plano de Billy mostrado medio digerido (en una combinación de CGI y maquillaje obra de Bottin). Banned from the Ranch Entertainment se encargó de otros trabajos digitales, principalmente el plano bajo el agua del monstruo yendo hacia el Argonautica o elementos de pantalla de gráficos de ordenador. La lentitud de Dream Quest Images en su trabajo provocó, además de retrasos en la producción, que Sommers tuviera que recurrir a la ILM para que completara los efectos visuales que faltaban (como el genial plano que cierra la película). De hecho, originalmente Deep Rising comenzaba con una escena submarina más grande que la finalmente vista en la película, pero los retrasos hicieron que terminaran descartándola.
Para recrear al Argonautica se construyeron dos maquetas a escala, obra de Dream Quest Images, una de 11 metros (para los planos exteriores) y otra de 34 metros (para el momento de la destrucción del trasatlántico). Necesitaron tres meses para crear ambas maquetas. El modelo más pequeño se utilizó principalmente para los planos del barco en el océano, con agua creada digitalmente en la mayoría de casos y disponía de más de 1.000 pequeñas luces. Para la explosión final del mayor modelo se utilizaron 1.200 kilos de acero, 4.600 de madera y cientos de tablas de madera contrachapada y plexiglás.
Y el diseñador de sonido Leslie Shatz, fue el encargado de crear la aterradora voz de la criatura, y lo consiguió recogiendo, "las formas de comunicación de cerdos, focas, monjes capuchinos, hombres sin laringe, cantantes de gospel..."
El personaje de Pantucci moría originalmente, pero tras un pase de prueba al público no le gustó que esto ocurriera, así que los responsables de la película decidieron que apareciese vivo al final de la misma. Para ello tuvieron que rodar de nuevo el final en la playa con el personaje montado en una tabla de surf. Para recordar al público que la tabla estaba en el barco de Finnegan, el equipo de efectos visuales incluyó la tabla en la explosión del barco.
Los retrasos provocados por la Dream Quest Images a la hora de crear los efectos especiales provocó que la fecha de estreno se tuviera que aplazar de mayo de 1997 al 30 de enero de 1998. Y la película terminó resultando todo un fracaso de taquilla. En los Estados Unidos sólo recaudó 11.203.026 de dólares. Ese retraso en la fecha de estreno fue según Sommers, la razón del fracaso de la película. "Deep Rising se estrenó después de AnacondaMimic y The relic, había como siete u ocho monster movies aquel año, sin mencionar Scream y Sé lo que hicisteis el último verano y dos películas sobre desastres en barcos, incluyendo Titanic," explicaba el director. "No podría haberse estrenado en peor momento. Todavía pienso que la razón por la cual Anaconda tuvo éxito fue porque no había habido una monster movie desde Alien³. Se suponía que íbamos a estrenar antes que ellos, pero por causa de la casa de los efectos visuales con la que empezamos se retrasó abismalmente en su trabajo, tuvimos que ir a la ILM y nos fastidiaron [la fecha de lanzamiento]." Deep Rising fue la última película en llegar y eso le pasó factura.

VALORACIÓN
Deep Rising es una película extremadamente entretenida, puede que no tenga un gran guión, pero sabe aunar acción, terror, humor y monstruos imposibles, de una forma ejemplar. No recuerdo ni cuantas veces la he visto, pero siempre me lo paso en grande con ella.
Sommers se muestra como pez en el agua con esta historia de monstruos gigantes y piratas modernos. El director le imprime un gran ritmo a la película y brinda algunos planos sensacionales como ese travelling que comienza en el mar y se introduce en el interior del Argonautica. Para mi gusto abusa demasiado del zoom, pero se le perdona.
La película es un hábil mix de La aventura del Poseidón (1972), Jungla de cristal (1988), Surgió del fondo del mar (1955) y Aliens (1986). Incluso hay secuencias sacadas de ellas, como la de Mason volándose a si mismo con una granada cuando es atrapado por la criatura (como hacían Vasquez y Gorman en el film de Cameron), el momento de Canton cerrando una puerta y dejando atrás y a una muerte segura a los protagonistas (recuerda a uno similar de Burke en Aliens) y la escena en la que los protagonistas tienen que cruzar buceando un pasillo inundado de agua (inmediamtemente nos viene a la cabeza una escena similar con Shelley Winters en La aventura del Poseidón).
Tiene momentos geniales, como Hanover queriendo suicidarse, pero descubriendo que no le quedan balas (tras haber gastado la última intentando matar a Joey), Billy mostrado a medio digerir por el monstruo (un gran momento de horror), o toda la persecución final en la moto de agua, que culmina con la increíble explosión del crucero. Y lo que me parece más brillante de la película es que todos los personajes son en mayor o menor medida malos, son mercenarios, ladrones, estafadores, contrabandistas o piratas.
El que toda la película transcurra ocurra en una sola noche y esté localizada en un único escenario hacen aumentar la tensión de la historia. Y esa gran tormenta le da a Deep Rising el tono adecuado.
Uno de los puntos fuertes de la película es que no se toma en seria a si misma y eso la beneficia, sobre todo por lo absurdo de su argumento. El humor es una constante sobre todo gracias al personaje de Pantucci, que sirve como alivio cómico. Ese sentido del humor, en ocasiones ridículo, en otras negro, le sienta de maravilla a la película.
Sommers nos introduce al monstruo poco a poco, creando siempre misterio en torno a él. Primero es un ser en las sombras, después el director muestra sus aterradores tentáculos, para en el clímax final descubrirnos a la criatura en todo su esplendor.
Pero la película tiene algunas incongruencias, ¿cuanto miden los tentáculos del monstruo? Durante toda la película el monstruo se encuentra fuera del barco y sus tentáculos parecen medir tanto como le interese al director. Y además, cada uno de ellos parece tener vida propia.
Deep Rising en pura serie B, pero con presupuesto de serie A. No es una película para todo el mundo, pero si se entra en su juego y hay ganas de divertirse, la película te gana totalmente. Es un gran espectáculo, un parque de atracciones en el que imposible aburrirse. Simplemente sube a este crucero y disfruta de una terrorífica aventura en alta mar.

CURIOSIDADES
Originalmente Sommers quiso llamar al trasatlántico Argonaut, en homenaje a la película Jason y los argonautas (1963), pero como era el nombre real de un barco, tuvo que cambiarlo por Argonautica.
El personaje de Trillian (Famke Janssen) recibe su nombre del personaje de Tricia McMillan del libro "Guía del autoestopista galáctico", siendo una abreviatura de dicho nombre.
Y el personaje del capitán Atherton (Derrick O'Connor), toma su apellido del director de fotografía de la película, Howard Atherton.
La película fue incluida por el crítico Roger Ebert en su libro "I Hated, Hated, Hated This Movie".
En el guión original la frase recurrente de Finnegan era "what now?", que fue cambiada en la película por "now what?" ("¿y ahora qué?" en la versión española).
En la escena inicial en el casino del Argonautica se pueden ver billetes de 1.000 y 2.000 liras italianas, los cuales son de un importe muy bajo.
Famke Janssen casi no fue contratada para la película porque los productores consideraron que era demasiado reconocible de su trabajo en GoldenEye (1995).
Para crear los rifles que portan Hanover y sus hombres se utilizaron ametralladoras Calico M-960 modificadas, a las que se les añadió un tambor giratorio.
El plano final de la selva fue filmado en una playa Malibu.
Las escenas iniciales con más de 400 extras fueron filmadas a lo largo de cinco días.
La primera escena que rodó Anthony Heald fue la de su muerte en el barco de Finnegan y la última en la que salta a dicho barco desde el Argonautica.

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Monday, July 01, 2019

El maquinista

"Si estuvieras más delgado ya no existirías."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Trevor Reznik lleva un año padeciendo insomnio y experimenta una extrema delgadez, en ese momento comienza a dudar de su propia cordura.

INSOMNIO
El guionista Scott Kosar escribió el libreto que daría pie a El maquinista (The Machinist, 2004) en el año 2000, mientras estudiaba en un programa de escritura de guiones en UCLA, y tomó como referencia las novelas de Dostoevsky que estaba leyendo. "No lo concebí como tarjeta de presentación para conseguir un representante," declaraba el guionista. "Tampoco como una película de éxito veraniego. Fue algo más parecido a una confesión."
"La idea se me ocurrió una noche en que regresaba a casa desde la parada del autobús," recordaba Kosar. "En mi barrio hay una zona que siempre me ha parecido poéticamente desolada, un parque industrial atravesado por vías de tren. Al pasar por una de las factorías que hay allí, me detuve y eché una ojeada al interior. Recuerdo haber visto varios operarios anónimos trabajando en sus máquinas como si fueran meras extensiones de éstas. Me pregunté qué tipo de historias personales se cocían debajo de aquellos cascos protectores y monos grasientos. ¿Tienen los operarios crisis existenciales?" Esa idea sumada a las novelas de Dostoevsky darían forma a su excelente guión.
El libreto le llegó a Brad Anderson a través de su agente y en seguida le encantó. El director buscaba dirigir un guión que no hubiera escrito, ya que hasta aquel momento todas sus películas habían sido escritas o co-escritas por él mismo. Según el director, Kosar, "tenía esa manera de crear una especie de estado de ánimo y una atmósfera que era lo que yo buscaba hacer. Quería hacer una película que fuera en gran parte una obra de un personaje, pero que realmente se guiara por su atmósfera y por su tono. Así que me involucré en el proyecto desde el principio."
Anderson y Kosar llevaron el proyecto a diferentes estudios durante cerca de dos años y medio buscando financiación, pero la respuesta siempre fue la misma, que la película era demasiado oscura y ambigua.
Cuando empezaron a buscar actores para el papel de Trevor Reznik, se dio la causalidad que Christian Bale acababa de leer el guión y quería hacerlo. El actor estaba atravesando en aquel momento una depresión y después de leer el guión, "soñaba con el personaje y no podía parar de pensar en ello. Me sentí como si esto fuera a salvarme el culo, y sacarme del estado de depresión en el que estaba metido." Según reconocía el actor le llamó la atención la complejidad del guión. "Me atrajo el hecho de que tuviera que leerme el guión tres y cuatro veces para hacerme mi propia idea de cuál era el significado profundo de la historia," afirmaba Bale. "O por lo menos, el que yo quería darle." Tras hablar con Anderson el papel fue suyo. El actor aceptó participar en la película a cambio de sólo 250.000 dólares.
La entrada de Bale no facilitó la realización de la película, la cual seguía sin financiación. Pero la ayuda llegó de España a través de la productora Filmax, donde había gustado la anterior película de Anderson, Session 9 (2001). Antonia Nava, futura productora ejecutiva de la película, recibió el guión a través de un amigo que sabía de su deseo de trabajar con Anderson. Tras leerlo, Anderson recibió una propuesta de Filmax de financiarle su película a cambio de rodarla en España, algo que de entrada dificultaba la viabilidad del proyecto porque el guión de Kosar se situaba en San Pedro (Los Angeles).
Anderson viajó a España para hacer una exploración preliminar para ver si era posible rodar la película allí, y cuando se dio cuenta que podría hacerlo, dijo sí a Filmax.
El cambio de emplazamiento para el rodaje hizo que el guión tuviera que ser reescrito para tener lugar en un lugar indefinido de California. Además el bajo presupuesto con el que contó la película (5 millones de dólares) hizo que el guión tuviera que adaptarse a él, ya que estaba escrito para ser una película de mayor presupuesto.
Pronto se fue dando forma al reparto. Jennifer Jason Leigh fue una de las primeras actrices en las que pensó Anderson para el papel de Stevie. La actriz aceptó el papel aunque su manager le recomendó que no interpretase de nuevo a una prostituta, cosa que había hecho en el pasado varias veces, pero según la actriz, "pensé que Stevie era una clase diferente de prostituta."
El canadiense Michel Ironside consiguió interpretar a Miller gracias a que era amigo de Kosar, quien lo recomendó para el papel.
La española Aitana Sánchez-Gijón fue contratada para el papel de Marie. Según la actriz lo que le atrajo de su papel fue que su personaje representaba, "el contrapunto onírico a la desesperación del protagonista. Ella es una figura placentera, acogedora y comprensiva."
Y John Sharian se hizo con el papel del misterioso Ivan tras llamar la atención de Anderson en una audición, aunque también, como reconocía el director, influyó que, "había algo realmente perverso en el hecho de que se parece a un joven Marlon Brando en Apocalypse Now."
El resto del reparto lo formaron Lawrence Gilliard Jr. (Jackson), Reg E. Cathey (Jones), Anna Massey (Mrs. Shrike), Matthew Romero Moore (Nicholas) y Craig Stevenson (Tucker).

RODAJE
La película inició su rodaje el 26 de mayo de 2003 y se prolongó hasta el 22 de julio del mismo año. Tuvo lugar en diferentes localizaciones de la ciudad de Barcelona, así como en sus proximidades, como en San Adrián de Besós, el Parque de Atracciones Tibidabo, el Hospital del Torax de Tarrasa (utilizado para escenas de interiores) o el Aeropuerto del Prat. El maquinista es una película con sangre española, ya que parte del compromiso de rodar la película en España incluía que tenían que utilizar a un número determinado de actores y miembros del equipo del país. Esto provocó que algunos actores tuvieron que ser doblados dado su acento marcadamente español.
El rodaje tuvo lugar en el inicio del verano y se llegaron a alcanzar temperaturas de hasta 40º, que no hicieron nada fácil la filmación. Quien mejor lo llevó fue Bale, cuya delgadez le ayudó a soportar mejor las altas temperaturas.
Recrear California en Barcelona no fue tarea fácil y tuvieron que llenar las localizaciones de objetos típicos de Estados Unidos, desde señales de tráfico, teléfonos públicos, matrículas, cigarrillos, y bebidas alcohólicas. Pero lo más difícil fue encontrar coches americanos en España. La mayoría los consiguieron de una base militar americana, ya que era costumbre importar coches de Estados Unidos para usarlos allí. El más complicado de conseguir fue el Firebird que conduce Ivan, el cual fue cedido a la película por un coleccionista privado (era uno de los dos únicos Firebirds que pudieron encontrar en España), quien para su arrepentimiento, el coche terminó sufriendo algunos desperfectos.
Lo más recordado de la película es la asombrosa transformación física de Bale, quien para meterse en la piel de Reznik (descrito en el guión como un esqueleto viviente), llegó a perder cerca de 28 kilos para quedarse en unos escasos 54 kilos de peso. El papel no exigía una reducción de peso tan extrema, de hecho, Anderson nunca lo alentó a hacerlo, pero según reconocía el actor, "cuando acabé de leer el guión comprendí que si no lo hacía, el personaje no tenía ningún sentido para mí." En el guión estaba indicado ese peso, pero Kosar había escrito el papel para alguien de estatura más baja que Bale (el guionista se tomó a si mismo como referencia), pero el actor lo afrontó como un desafío para ver si podía conseguirlo. Además Bale utilizó como referente una foto del cantante Hank Williams demacrado, en cuya imagen se basó para componer, según el actor, "lo que Trevor debería ser." Su "dieta" se basó básicamente en café, una manzana y una lata de atún al día, además de algún suplemento de vitaminas y minerales. No consultó a ningún médico, pero tuvo siempre a su lado a un dietista que le aconsejaba que tenía que hacer. Bale necesitó de cuatro meses para perder todo el peso. Su voz cambió, y al igual que su personaje, comenzó a padecer de insomnio. "Todo ello contribuyó a que pudiera profundizar mejor en mi papel," declara el actor. "Porque no tenía más remedio que estar 24 horas en su piel. Cuando llegaba a casa y me miraba en el espejo, era a él a quien veía."
Después de rodar la escena en la que Reznik se burla delante de Stevie de su delgadez, Bale empezó a ganar peso. El actor recuperó su masa muscular a tiempo para el rodaje de Batman begins (2005).
Anderson no tuvo un rodaje tan placentero como cabría esperar, ya que pasó la mayor parte del mismo con muletas debido a que se había torcido un tobillo y se lastimó un tendón. Después de terminar con las muletas, el director se dañó la espalda llegando a rodar la película desde una camilla.
Rodaron en las auténticas alcantarillas de Barcelona la escena en la que Trevor escapa de la policía. Bale demostró una vez más su entrega a la película, al negarse a utilizar un calzado especial, así que rodó la escena caminando por aguas con desperdicios reales con un calzado corriente y sin protección.
"El look de la película se inspiró en la austeridad expresionista de los primeros films de terror," afirmaba Anderson. "Como El gabinete del Dr. Caligari, Nosferatu y Vampyr, así como en las sombrías y sugerentes películas producidas por Val Lewton en los años cuarenta, como Yo anduve con un zombie y La 7ª víctima." De esa forma el director de fotografía de la película, Xavi Giménez (Darkness), trabajó con una paleta de colores muy poco iluminada, que le sentó como anillo al dedo al tono oscuro buscado para la película. Ese estilo visual tan peculiar se terminó consiguiendo al filmar primero la película en 35mm para después pasarla a HD y hacer una corrección digital del color. De esa forma pudieron extraer el color y darle a la película un aspecto metálico. La idea era conseguir, "que la película fuera la combinación de colores del metal de una máquina, ese tipo de brillo púrpura-gris-azulado," explicaba Anderson. Así la fotografía se acercaba a como ve el mundo alguien quien padece insomnio, ya que esas personas pierden la capacidad de ver colores brillantes. Lo que es un acierto genial por parte de los responsables de la película.
Roque Baños (No respires) fue recomendado a Anderson por la gente de Filmax, para componer la banda sonora, y nada más conocerse ambos congeniaron. Inicialmente Anderson tenía previsto utilizar una partitura similar a la de Session 9, "casi sería un collage de sonido," según afirmaba el director. Pero tras ver Ultimátum a la Tierra (1951) en televisión, la banda sonora de Bernard Herrmann con su ya clásico uso del theremín, hizo que Anderson quisiera utilizar ese instrumento en la partitura de su película. "Pensé que la música necesitaba tener una especie de locura, una cualidad paranoica, y el theremín definitivamente captura eso," explicaba Anderson. Baños guiado por el director compuso una banda sonora con influencias de Herrmann.
La película tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 22 de octubre de 2004, después de haber pasado por varios festivales como los de Sundance, Berlin o Toronto. Tuvo una tibia acogida en la taquilla recaudando en territorio norteamericano tan solo 1.082.715 de dólares. Siendo su recaudación a nivel mundial de 8.203.235 de dólares. En España congregó a 156.268 espectadores y recaudó 793.984€.
Tubo una mejor acogida crítica, recibiendo alabanzas de forma unánime. Increíblemente la interpretación de Bale fue ignorada por los Oscar, aunque la película pronto se convirtió en un film de culto gracias al boca a boca propiciado por méritos propios, e impulsado por el gran trabajo del actor.

VALORACIÓN
El maquinista nos habla de un hombre consumido por la culpa y como su cuerpo es el reflejo de ello. Su extrema delgadez le provoca el insomnio, y el no dormir le provoca a su vez alucinaciones, llegando a un punto que no sabe diferenciar lo que es realidad y que es fantasía.
La película se mueve en un mundo onírico que va tendiendo hacia la pesadilla. ¿Nunca habéis tenido un sueño en el que habéis hecho algo horrible y cuando os despertáis por un momento dudáis de si ha sucedido realmente o no? La película pone en imágenes esa angustiosa idea.
El giro final es todo un shock cuando descubrimos, no sólo que Trevor atropelló al hijo de Marie y se dio a la fuga, si no que es él mismo, o mejor dicho su conciencia, quien estuvo siempre haciéndole la puñeta. Hay algo latente en su subconsciente, una verdad que quiere salir a la superficie y que simplemente busca la forma de hacerlo.
La primera frase de la película es la pregunta a Trevor, "¿Quien eres?" Él no lo sabe. ¿Es un muerto en vida? ¿La víctima de una conspiración? ¿Una buena persona? La película es un viaje de autodescubrimiento. Trevor trata de averiguar quien le está haciendo la vida imposible para terminar descubriendo que esa persona es él mismo.
Toda la película ocurre en la cabeza de Trevor y vemos la historia según su punto de vista. Todas las piezas del rompecabezas encajan perfectamente y todas las pistas están siempre ahí. Ya en la atracción de la "Ruta 666", Trevor atropella a un niño de cartón. Además el protagonista siempre se deja post-its a si mismo con recordatorios, y el misterioso juego del ahorcado no deja de ser uno más. Ivan se aparece por primera vez ante Trevor cuando éste se queda dormido en su furgoneta y no descubrimos que le falta una mano hasta después de que Miller pierda la suya, lo que nos demuestra que Ivan es la representación de la conciencia de Trevor, un reflejo deformado de si mismo, que trata que la verdad salga a la luz.
Hay detalles que denotan la presencia en la sombra de la conciencia del personaje. Así se explicaría que es Trevor quien activa la máquina en la que tiene metido el brazo, ya que se siente culpable por haberle hecho perder el suyo a Miller y su conciencia quiere hacer que él también pierda uno.
Hay otros detalles que me gustan, como la sugerencia de que Trevor seguramente extrajo los nombres de Marie y su hijo Nicholas, de la novela de "El idiota" (libro que lee en un momento de la película), donde hay dos personajes con esos nombres. Los relojes eternamente parados a la 1:30 (la hora de su crimen). O que durante toda la película vayan apareciendo sutilmente objetos de Trevor en diferentes lugares presagiando el final (como el tocadiscos, el muñeco rojo y el bol de cristal en el piso de Marie, o el coche de juguete rojo visto en una foto de Trevor que está en el pasillo donde vive Stevie).
Trevor se niega a ser feliz por los remordimientos que guarda en su interior, Stevie puede ser su salvación, ella quiere estar con él, pero él se sabotea a si mismo y también la pierde. Sólo encuentra la paz cuando se entrega a la policía y confiesa lo que ha hecho, así por fin consigue dormir y estar en paz consigo mismo.
La interpretación de Bale es increíble, y su entrega al papel es encomiable. El británico nos hace sentir su dolor y angustia de una forma única, y hay que reconocer que el haber perdido todo ese peso hace más auténtica e impactante su interpretación. Es fascinante verlo en pantalla siendo un esqueleto andante. Él hace que la película sea especial y siempre será recordada por su impresionante transformación física.
Con El maquinista Anderson filmó la que es su mejor película y se consolidó como un talento en alza. Después nunca realizaría una película tan brillante, pero aquí dio en el clavo, creando una obra oscura y adulta con múltiples lecturas y matices.
El maquinista es uno de los mejores thrillers psicológicos que se hayan filmado (y una de las mejores películas producidas en España). Juega a deambular entre la realidad y la ficción sin que sepamos hasta su inolvidable final que es real y que no. Oscura, kafkiana y siempre fascinante. Es una película que consigue quitarte el sueño.

CURIOSIDADES
En la escena del metro se puede ver un póster de la película Rottweiler (2004), otra producción de Filmax Group y Julio Fernández.
Para ayudarse a perder el apetito Christian Bale comenzó a fumar durante su dieta extrema.
El personaje de Michael Ironside sufre una amputación, como le sucede en otras películas de su carrera como Desafío total (1990), Starship Troopers (1997) y Guy X (2005).
Hay en la película un par de referencias a Dostoevsky. En un momento de la película Trevor lee "El idiota". Y dentro de la atracción de la "Ruta 666" se ve un cartel que indica "Crimen y castigo", título de otra de las novelas del escritor ruso.
Cuando Bale empezó a recuperar su peso, lo cual hizo demasiado rápido, descubrió que tenía el colesterol de una persona de 90 años.
Fue nominada a los Premios del Cine Europeo y Saturn en la categoría de mejor actor (Christian Bale). En los premios Goya fue nominada en la categoría de mejor música original (Roque Baños). Y en el Festival de Sitges se llevó los premios al mejor actor (Christian Bale) y mejor fotografía (Xavi Giménez).
La matrícula del coche de Ivan es "743CRN", justo el contrario que la de la furgoneta de Trevor "NRC347".
Cuando Trevor introduce el nombre de Miller en el juego del ahorcado, al muñeco le falta el mismo brazo que a Miller.
Dada su delgadez Bale encontró difícil realizar tareas tan simples como correr porque básicamente no tenía músculos en las piernas.
En la escena en la que Trevor lleva a Marie y su hijo conduciendo a casa en su furgoneta, cuando se detienen, se puede ver al fondo a dos hombres sentados. Según Brad Anderson, se trataba de dos drogadictos que estaban inyectándose heroína mientras rodaban la escena.
La 1:30 es importante en la trama de la película, curiosamente aproximadamente a la hora y treinta minutos de película se revela el gran giro de la historia.
Scott Kosar, fan del grupo Nine Inch Nails, tomó el nombre de su líder Trent Reznor para dar nombre a su protagonista Trevor Reznik. Incluso en el guión original había una cita de sus letras en la primera página. Además el guionista quería una banda sonora del grupo para la película, pero Anderson tomó otro camino.

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