7º aniversario de "Películas de culto"

176 posts publicados, 65 reseñas realizadas y 7 años de vida. Así se podría resumir lo que ha dado de si Películas de culto desde el momento en el que pensé "¿Y si hago un blog sobre cine?" y lo llevé a cabo. Desde aquel hormigueo inicial tras darle a publicar los primeros posts, con la incertidumbre de lo que ocurriría después de haberlo hecho, ¿alguien lo leerá? ¿gustará a la gente? ¿lo habré hecho bien? Desde la alegría que producía recibir los primeros comentarios. Esos sentimientos siguen siendo más o menos los mismos tras estos 7 años, aunque el tiempo hace callo y uno se acostumbra a todo, pero las ganas de escribir siguen presentes y quiero seguir haciéndolo mientras existan (1 vez al mes como viene siendo costumbre) y espero que vosotros sigáis ahí leyendo. Gracias por este tiempo compartido.

Si todo marcha bien, nos vemos cuando el blog llegue a los 178 posts, 70 y pico reseñas y 8 años de vida.

Psicosis II: El regreso de Norman

Han pasado 22 años y Norman Bates vuelve a casa.

Este artículo contiene spoilers no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tras estar 22 años recluido en una institución mental, Norman Bates es puesto en libertad, algo con lo que los familiares de sus víctimas no están de acuerdo. Norman vuelve al motel donde cometió sus crímenes e intenta rehacer su vida, pero empieza a recibir notas y llamadas de su madre, lo que le harán dudar de su propia cordura, sobre todo cuando comiencen a sucederse nuevos asesinatos.

Ahora que Psicosis (1960) vuelve a estar de actualidad gracias al estreno de Hitchcock (2012) y a la serie Bates Motel (2013-?), es un buen momento para recordar el mejor acercamiento hasta la fecha al film original, Psicosis II: El regreso de Norman (Psycho II, 1983).

EL REGRESO DE NORMAN BATES

El primer intentó de realizar una secuela del film de Hitchcock se encuentra en una producción independiente de título "The Return of Norman", escrita por Michael January y Gary Travis, que inició su andadura entre 1980 y 1981, pero que no llegó a buen puerto, tras conversaciones con la Universal Pictures para llevarla a cabo.

El verdadero comienzo de la película que aquí nos ocupa surgió cuando Robert Bloch, autor de la novela original en la que se basó Hitchcock para su film, anunció que escribiría la segunda parte de su más popular obra. "Psicosis II" fue publicada en 1982 y narraba como Norman Bates lograba escapar de la institución mental en la que estaba recluido y ponía rumbo a Hollywood, donde se estaba realizando una película basada en su vida. Con la novela Bloch intentó criticar a las películas de género slasher tan populares en aquella época. A la Universal no le gustó la novela, de modo que, decidieron escribir un guión original apartado del trabajo de Bloch.

Los productores a cargo del proyecto fueron Hilton A. Green (asistente de Hitchcock en el rodaje de Psicosis) y Bernard Schwartz (acreditado como productor ejecutivo) y la idea inicial era que Psicosis II fuese una producción para televisión, para la compañía Oak Communication. 

El primer paso fue buscar al director apropiado para el proyecto. Los ojos de Schwartz se posaron en el australiano Richard Franklin (Juego secreto), quien recientemente había estrenado Juegos de carretera (1981), una película de clara inspiración Hitchcock y además el director era un estudioso del maestro del suspense. Franklin había visitado los sets de rodaje de Topaz (1969) y La trama (1976), donde había conocido al director, con el que se escribió a lo largo de los años. Schwartz contactó con Franklin, quien se reunió a comienzos de 1982 con Hilton y otros ejecutivos que deseaban que se encargase del proyecto. El director tenía claro que Norman no debía fugarse del psiquiátrico como sucedía en la novela de Bloch, debía salir por su propio pie habiendo pagado su deuda con la sociedad, esa idea gustó a los ejecutivos, que le dieron las riendas del proyecto.

Necesitaban a un guionista que supiese estar a la altura y el elegido fue Tom Holland (Noche de miedo), quien conoció a Franklin gracias a su mutuo abogado, quien le pasó al director el guión de Scream for help, que Holland había escrito (y que sería llevado al cine por Michael Winner 2 años después). Tras conocerse se cayeron bien e iniciaron una amistad que conservaron hasta el fallecimiento de Franklin en 2007. Ambos trabajaron en la escritura del guión de Psicosis II, teniendo siempre el argumento muy claro, los familiares de las víctimas de la primera entrega intentaban volver loco a Norman tras salir de la institución mental. A Holland le llevó 3 meses completar el guión.

LOS HUÉSPEDES DEL MOTEL BATES

El papel de Norman Bates le fue ofrecido obviamente a Anthony Perkins, quien inicialmente tuvo dudas sobre si aceptarlo de nuevo, en el intervalo de tiempo que transcurrió entre el tal vez y el sí definitivo, los productores se lo ofrecieron a Christopher Walken, pero esa posibilidad quedaría en nada cuando Perkins aceptó meterse de nuevo en la piel (y en los jerseys de cuello alto) de Norman. El actor declararía que había aceptado el papel porque le gustaba como estaba retratado el personaje en el guión. Fue la contratación del actor la que hizo cambiar de opinión al estudio para estrenar la película en cines y olvidarse de la televisión.

Para el papel de Mary Loomis se presentaron actrices de sobra conocidas hoy día como Kathleen Turner, Carrie Fisher, Meg Ryan o Linda Hamilton. Hilton A. Green incluso sugirió a Jamie Lee Curtis (hija de Janet Leigh). Pero finalmente se escogió a Meg Tilly (hermana de Jennifer Tilly), gracias a la intervención de Anthony Perkins.

Vera Miles recuperó su papel de Lila, hermana de Marion Crane. Dennis Franz interpretaría al odioso nuevo responsable del Motel Bates. Para el papel del psiquiatra, inicialmente se había escogido a Simon Oakland, para que repitiese su papel de Psicosis, pero estaba muy mayor, por lo que entonces se creo el personaje del Dr. Raymond, que interpretaría Robert Loggia. También estaba previsto que John McIntire repitiese su papel de Sheriff Al Chambers, pero hubo un error a la hora de hacer el casting y no pudo ser contratado, como en el caso anterior, se creo un nuevo personaje, el del Sheriff John Hunt, interpretado por Hugh Gillin.

RODAJE

La famosa casa del film de Hitchcock fue usada en la película, aunque tuvo que ser colocada en un nuevo emplazamiento, una zona desierta dentro de los Universal Studios. El motel había sido destruido años atrás y para el rodaje sólo se reconstruyó la recepción y una cabina telefónica, el resto era un matte painting (el motel se reconstruiría para la tercera parte). Para recrear los decorados del interior de la casa, el diseñador de producción John W. Corso, tuvo que basarse en fotografías, en la propia película original y en su trailer, por ejemplo, para saber las dimensiones de los mismos contó el número de pasos que daban los actores. Todas las fotografías existentes del rodaje eran en blanco y negro, de modo que, para saber los colores de la decoración, se basaron en los esquemas de color de otras películas de Hitchcock e intentaron conseguir objetos de la película original. Un trabajo encomiable que devolvió a la vida el hogar de los Bates de una forma tan realista que parece el mismo lugar. De hecho, cuando el decorador de la película original, George Milo, visitó el rodaje les felicitó por su trabajo.

El pueblo de Fairvale, mostrado cuando el Dr. Raymond sigue a Lila, fue rodado en otro lugar emblemático, en el Courthouse Square de los Universal Studios, lugar donde se rodaron Gremlins y Regreso al futuro (Hill Valley vamos).

El rodaje duró sólo 32 días y el único problema destacable durante ese mes fue la relación poco amistosa entre Perkins y Tilly. Al parecer la actriz nunca había visto la película original y desconocía el impacto de ésta y del papel de Perkins en ella, por lo que no entendía porque había tanto revuelo con el regreso de Perkins al personaje y porque todo el mundo lo trataba como a una estrella, esto llegó a oídos de Perkins quien se enfadó con ella e incluso sugirió que se despidiese a la actriz a mitad del rodaje.

La escena con el sándwich de queso, en la que Norman y Mary están encerrados en una habitación y tienen una emotiva conversación, fue propuesta por el propio Perkins, quien creyó que era necesario que ambos personajes tuvieran una escena íntima y tranquila, Holland aceptó su petición y la escribió durante el rodaje.

El final de la película era un secreto bien guardado por Franklin y Holland, sólo ellos sabían como terminaba la película. En el guión figuraba una nota que indicaba "La escena final será distribuida al reparto y al equipo el último día de rodaje", cosa que así hicieron, revelando a todo el equipo al mismo tiempo el misterio. Tal y como había hecho Hitchcock en el rodaje de Psicosis.

La película se estrenó el 3 de julio de 1983, resultando un gran éxito de taquilla, recaudando en los EE.UU. 34.725.000 de dólares. Una cifra nada despreciable teniendo en cuenta que su presupuesto fuera de 5 millones de dólares.

En la premier de la película en Nueva York, el equipo obtuvo otro éxito inesperado cuando Patricia Hitchcock, hija del famoso director, les dio su bendición por la película y aseguró que el film hubiera gustado a su padre.

VALORACIÓN

Creo que lo que más me gusta de la película es como sus creadores humanizaron a Norman Bates, cuando lo más fácil habría sido tomar el camino opuesto y mostrarlo como un monstruo, un serial killer más, ese respeto por el personaje y su evolución a lo largo de película, mostrado primero como un hombre amable, educado, tímido, pero con carácter cuando es necesario y después como un ser inestable, herido y perdido, consiguen que simpaticemos con él, incluso que sintamos pena por su situación, eso tiene un gran mérito y hay que reconocérselo a sus responsables. También tiene mucho que ver en ello la interpretación de Perkins, que está excelente de nuevo en el papel y eso que éste no es el mismo Norman que vimos 22 años atrás y es digno de elogio que el actor no lo interprete igual, este nuevo Norman (con más arrugas y canas) ha conseguido recuperarse, pero sigue luchando contra los fantasmas del pasado, unos internos (sus recuerdos) y otros físicos (los familiares de sus víctimas), con los que tendrá que lidiar hasta el final de la película.

El rol de los familiares de las víctimas le confiere a la película una curiosa dualidad, los buenos de antaño son ahora los villanos y el villano de antes es ahora el bueno. Pero a diferencia de aquellos, Norman fue un asesino y ese otro Norman oculto bajo toneladas de terapias y sesiones de psiquiátrico, puede resurgir de nuevo y eso siembra la película de dudas. ¿Es Norman el culpable de los crímenes? ¿Le están haciendo luz de gas? ¿Hay algo de real en sus delirios? Todas esas preguntas se van formulando en nuestra mente durante la película y poco a poco van obteniendo su respuesta y no será hasta la última secuencia cuando las tengamos todas.

Otro detalle genial de la historia es el punto deliciosamente perverso de que alguien trata de volver loco a Norman Bates, ¡a Norman Bates! lo que le da un interés extra a la película. Además cuando sospechamos que alguien está cometiendo los crímenes y vemos como Norman está a un paso de la locura, sabemos que el Norman que conocemos saldrá tarde o temprano a la superficie y eso hace que las secuencias con Mary tengan más tensión, hay un asesino que los acecha, pero ella está en la misma habitación con Norman Bates que está perdiendo la cabeza.

Pero no nos vamos a engañar, el guión abusa de manipulador y de las casualidades demasiado convenientes. Por citar varios casos, la escena en la que Warren Toomey entra en el motel y justo unos segundos después suena el teléfono de la casa de Norman, éste cree que se trata de Toomey en un intento de asustarlo, pero nosotros sabremos después que fue Lila la autora de la llamada. La decisión de Mary de no seguir atormentando a Norman me parece acertada, pero no hasta el punto de llegar a ponerse en contra de su madre y de defender a Norman, una persona a la que conoce desde hace sólo unos días y que además asesinó a su tía, esto no resulta creíble, sobre todo cuando se ve que Norman está realmente trastornado (todo esto tiene una explicación al final de la película, pero me sigue pareciendo forzado). ¿Y si Norman llegara a guardar cualquiera de las notas que "su madre" le deja y que siempre desaparecen convenientemente? ¿Por qué Norman cree tan ciegamente que su madre está viva y que Norma no era su auténtica madre? Además la resolución de la historia, por sorprendente y coherente que sea dentro de la película, creo que no es satisfactoria desde el punto de vista de como reconstruye el pasado de Norman, alterando cosas que sabíamos de la primera parte, empaña el recuerdo de aquella, lo cual no es un acierto, pero lo hace de una forma tan chocante y sorprendente que la damos por buena.

Antes hablaba de los fantasmas de Norman y es curioso como la película tiene sus propios fantasmas contra los que luchar, el recuerdo de la película de 1960, es muy difícil olvidar que estamos antes una secuela de un film irrepetible y del que sobre el papel no era necesario realizar ninguna continuación. Constantemente nos vienen a la memoria momentos de aquella, una ducha con final sangriento, un pantano que esconde secretos en su fondo, una sombra tras una ventana, un asesinato en unas escaleras, unos animales disecados, un bombilla oscilando en un sótano, el plano final de Norman mirando a cámara. Ese último plano nos decía que Norman ya no existía, se había convertido en su madre, era su final, de modo que, realizar una segunda parte carecía de lógica y ese es el principal lastre de la película (o como antes lo definí, su fantasma), depende de cada espectador el decidir si acepta el juego de la película o si por el contrario, no puede dejar a un lado el recuerdo del film de Hitchcock, suya es la elección. 

Creo que la mejor forma de definir la película, es decir que es descaradamente respetuosa, por un lado, es un relato siempre entretenido y lleno de suspense, que sigue la estela del film de 1960 y por otro, se muestra sin prejuicios a la hora de sumergirse en el universo creado por Hitchcock, llegando incluso comenzar la película con la famosa escena de la ducha. Y es ese desparpajo, esa mirada entre insolente y considerada con el material que maneja, la razón por la que aceptamos de buen agrado a la película, digamos que sabe meternos en el bolsillo.

La película está llena de guiños al film original. Norman dudando a la hora de darle a Mary la habitación número 1 de su motel. El apellido falso que Mary le da a Norman es Samuels, el mismo con el que Marion Crane había firmado al llegar al Motel Bates. Y cuando Norman se encuentra la habitación de su madre reconstruida sigue prácticamente los mismos pasos que Lila en la primera parte cuando entraba en la misma habitación. También existen otros guiños al cine de Hitchcock, como ese picado que muestra a la joven que huye del sótano de la casa que recuerda al de Cary Grant huyendo del edificio de las Naciones Unidas en Con la muerte en los talones (1959) o el excelente (y muy hitchcockiano) movimiento de cámara que va desde la ventana del desván donde se encuentra Norman hasta la pareja de jóvenes que se están colando en el sótano.

Los asesinatos y en parte, la propia película, se adentra en el género slasher tan popular en los 80 por el éxito de títulos como La noche de Halloween (1978) o Viernes 13 (1980), atrás quedaba la sutileza de Hitchcock y se abría paso la sangre y una violencia más directa (y también los desnudos). Destacan los asesinatos de Lila Loomis y de Mrs. Spool, los mejores de la película, mucho más gráficos que los de la primera película y más acordes con el signo de los tiempos.

Sus responsables quisieron restaurar el concepto de madre y lo que eso significa para Norman. Si en la primera parte creíamos todo el rato que la madre de Norman era quien cometía los crímenes y descubríamos al final que en realidad el asesino era el propio Norman, en esta segunda se produce el caso contrario, sospechamos que Norman ha vuelto a las andadas, pero al final descubrimos que es su madre quien comete los crímenes. Con la escena final, con Norman matándola y sentándola en la ventana de su cuarto, se cierra el circulo y Norman vuelve a estar en el mismo sitio que cuando comenzó Psicosis y en palabras de su director "esperando por Janet Leigh" (en un último plano realmente sensacional, por cierto).

Norman Bates estaba de regreso al lugar que lo vio nacer, un lugar oscuro y a veces olvidado en el que habitan los mayores miedos y horrores, donde los serial killers campan a sus anchas y esconden oscuros secretos, Norman Bates estaba de regreso al cine y amenazaba con quedarse para siempre. El Motel Bates reabría sus puertas y tenía habitaciones libres para quien quisiera hospedarse, se recomienda una ducha después de un duro viaje, sobre todo si eres una bella mujer rubia.

Curiosidades:

Tom Holland, guionista de la película, tiene un cameo en la película como el ayudante del sheriff Norris.

El reflejo de un joven Norman en la puerta de la habitación de su madre corresponde a Oz Perkins, hijo de Anthony Perkins.

La actriz Lee Garlington, que interpreta a Myrna, era quien escribía las notas de la madre de Norman.

Meg Tilly utilizó una doble de cuerpo para sus escenas de desnudo.

Fue idea de Richard Franklin que Norman matase a Mrs. Spool con una pala.

Cuando Norman y Mary entran en la habitación de la madre de él, antes de que enciendan las luces puede verse una sombra con la silueta de Hitchcock (como puede observarse a la derecha de la imagen inferior).

La alcachofa original de la ducha de Psicosis supuestamente iba a usarse en la película, pero justo antes de comenzar el rodaje, alguien la robó.

Ensayando la escena de la cocina durante una lectura del guión, Perkins pronunció sin querer la palabra "cubiertos" tartamudeando, esto gustó tanto a Franklin que le dijo al actor que lo dijera igual al rodar la escena.

El compositor Jerry Goldsmith escribió un tema instrumental para Norman Bates, pero fue rechazado por el director. Dicho tema sería usado en la película En los límites de la realidad (1983).

Al parecer en el guión original existían dos escenas que al final no fueron filmadas, una conversación entre Mary y el Dr. Raymond cuando él la lleva al trabajo en coche y otra conversación en la comisaría al final de la película en la que descubría que Mary estaba viva después de haber recibido varios disparos, pero que se había vuelto loca.

La película tuvo una nominación a los premios Saturn en la categoría de mejor actriz secundaria (Meg Tilly).   

Quentin Tarantino llegó a declarar que prefería esta película por encima del original de Hitchcock.

El último plano de la película fue usado como postal navideña entre los miembros del equipo. Fue idea del montador de la película, Andrew London, el utilizar esa imagen para el póster de la película y también fue idea suya el tagline de la película ("Han pasado 22 años y Norman Bates vuelve a casa"). A Richard Franklin no le gustó el póster, pero al final fue usado por la Universal para promocionar la película. 

El ejército de las tinieblas

"Saluda al rey, muñeca."

Ash es enviado al año 1.300 por un portal creado por el Necronomicrón. Para volver su tiempo deberá recuperar el libro, pero en su viaje para conseguirlo, despertará a las fuerzas de la oscuridad. Será entonces cuando tendrá que liderar a los humanos en una lucha contra las fuerzas del mal y evitar que se apoderen del mundo.

THE MEDIEVAL DEAD

Se comenzó a hablar sobre el proyecto de El ejército de las tinieblas (Army of darkness, 1992) desde después del estreno de Terroríficamente muertos (1987), el final de la segunda parte, con Ash perdido en la Edad Media, dejaba el camino abierto para ello. Dino De Laurentiis, productor de Terroríficamente muertos, les propuso a los responsables de Renaissance Pictures y padres de la saga Posesión infernal, Sam Raimi (director), Robert Tapert (productor) y Bruce Campbell (protagonista), realizar la tercera entrega de la saga, oferta que ellos aceptaron y Raimi se puso manos a la obra con el guión que inicialmente tenía el título de "The medieval dead".

En primer lugar, Raimi contactó con Scott Spiegel, con quien había escrito Terroríficamente muertos, para colaborar juntos en esta nueva entrega, pero el guionista estaba ocupado reescribiendo el guión de El principiante (1990) para Clint Eastwood y no pudo aceptar la oferta. Tras la buena experiencia de trabajar con su hermano Ivan en el guión de la película Easy wheels (1989), Sam le ofreció escribir juntos el guión de El ejército de las tinieblas e Ivan aceptó la propuesta.

La idea de situar la historia en la época mediaval había surgido como argumento de la segunda parte. Tras el estreno de Posesión infernal, el agente de Raimi y Tapert, les sugirió que hicieran una secuela, fue entonces cuando a Raimi se le ocurrió la idea de situar la historia en la época mediaval, a Shapiro le gustó el planteamiento y le puso el título de "Evil dead 2: Army of darkness", bajo el cual publicó anuncios a comienzos de los 80 con el fin de promocionar el proyecto. Se escribió una historia similar a la que finalmente sería El ejército de las tinieblas, pero cuando el proyecto tuvo luz verde se dieron cuenta que resultaría muy caro de filmar (el presupuesto de la película era de tan solo 3,6 millones de dólares), por lo que al final se descartó esa idea y se volvió a repetir el escenario de la cabaña. Aun así el cliffhanger final de la película situaba a Ash en la época mediaval.

El guión de El ejército de las tinieblas quedó prácticamente terminado en 1988, pero su rodaje sería aplazado por otro proyecto de Raimi, uno con el nombre de Darkman (1990). Raimi se lanzó en la producción de esta película que había vendido a Universal Pictures, una producción mucho más ambiciosa de todo lo que había rodado hasta la fecha. El ejército de las tinieblas quedó aparcado durante un tiempo, aun así durante la producción de Darkman, Sam e Ivan siguieron incluyendo ideas en el guión de El ejército de las tinieblas. Una vez completada Darkman, Sam retomó su proyecto de El ejército de las tinieblas, que recibió un presupuesto inicial de 8 millones de dólares, el cual era insuficiente teniendo en cuenta la escala de la película, Dino De Laurentiis llegó a un acuerdo de distribución con Universal Pictures, por lo que la película pudo tener un presupuesto de 12 millones, puestos a partes iguales por De Laurentiis y la Universal. Universal Pictures se encargó de distribuir la película en territorio americano y De Laurentiis vendió los derechos de distribución internacionales en el "American Film Market" de 1991, recuperando rápidamente el dinero que había invertido en la película. Al final Sam Raimi, Campbell y Tapert tuvieron que poner de su bolsillo 1 millón de dólares adicional para terminar la película. Con eso se completaron los 13 millones de su presupuesto (que viendo el resultado, fueron una ganga).

RODAJE

Estaba claro que Bruce Campbell sería de nuevo Ash. El papel femenino principal recayó en la por aquel entonces desconocida Embeth Davidtz (La lista de Schindler). Marcus Gilbert interpretaría a Arthur, Ian Abercrombie se metería en la piel del Hombre Sabio y Richard Grove haría lo propio con Henry el Rojo. Bridget Fonda realizaría un cameo como la Linda, la novia de Ash, la actriz era fan de la saga y preguntó a sus responsables si podía tener un papel en la película, algo a lo que no se pudieron negar.

El rodaje comenzó a mediados de 1991 y se extendió durante más de 100 días. La fotografía principal se centró en las afueras de Atcon (California), donde se construyeron los decorados del castillo.
Hubo algunos percances durante el rodaje, Bruce Campbell sufrió uno pequeño y bastante curioso, rodando la escena de la lucha de espadas en las escaleras del castillo, se hizo un corte en la cara con su propia armadura y tuvo que ser llevado a urgencias, como estaba caracterizado como Ash, tenía toda la cara llena de falsos cortes que despistaron al cirujano encargado de darle puntos. En otra ocasión hubo accidente, este más grave que el anterior, al filmar la secuencia inicial, en la que Ash cae literalmente en el año 1.300, una grúa tenía que sujetar el Oldsmobile Delta 88 de Ash para soltarlo a una gran altura en un momento determinado, pero antes de rodar la escena la grua se volvió inestable y se volcó cerca de un barranco, por suerte el operador de la grúa saltó a tiempo y nadie salió herido.

Cuando Raimi tuvo que rodar la batalla final, se dio cuenta de que no tenía dinero suficiente para filmar todo lo que quería, ahí es cuando entró en escena el supervisor de efectos visuales William Mesa, quien sugirió a Raimi que utilizase Introvision, una técnica que ambos ya habían usado en Darkman y que básicamente se trata de proyectar una imagen detrás de los actores y filmar a los actores frente a esa pantalla. A finales de julio Raimi se desplazó hasta las instalaciones de Introvision para rodar durante 7 semanas el resto de escenas necesarias.

La película es un amalgama de curisosos efectos visuales, además de usar Introvison, se emplearon también técnicas stop-motion (a cargo de Pete Kleinow) para dar vida al ejército de esqueletos y miniaturas (las escenas que hacían uso de ellas se rodaron un mes antes de la fotografía principal).

Tras terminar el rodaje en las instalaciones de Introvision a finales de septiembre de 1991, el plan previsto era rodar durante dos semanas más secuencias en exteriores, pero como todo el equipo estaba exhausto, decidieron hacer un descanso y rodarlas en noviembre. En esa nueva etapa del rodaje se rodaron planos de la batalla final, otros de la secuencia del molino, además de las escenas con Bridget Fonda y la escena en la que Ash se enfrenta a una endemoniada dentro del castillo. Esta secuencia sustituyó a otra que en el guión era mucho espectacular e importante para la trama. En la escena Ash debía obtener información de una bruja, la cual se convertía en una poseída, conocida como la She-Bitch. La escena marcaba un punto de inflexión para Ash y era cuando decidía que tenía que ayudar a los demás. En la escena, la She-Bitch derrumbaba varios pilares de un templo que caían como fichas de dominó aplastando a un hombre y parcialmente a si misma, Ash le metía entonces un trozo de madera ardiendo a la brujapor la boca, la cual ella escupía (golpeando a alguien en la cabeza) y después de eso era desmembrada, siendo su cabeza amputada. Las miniaturas necesarias para rodar la escena fueron construidas y se habían filmado en preproducción, pero Universal vetó la escena y se tuvo que rodar una mucho menos espectacular y con un tono diferente, en la que Ash simplemente acaba con la bruja a tiros.

PROBLEMAS Y RETRASOS

Mientras que Laurentiis dio una gran libertad al equipo, la participación de la Universal en el proyecto trajo algunos incovenientes. Terroríficamente muertos no había sido un éxito de masas, por lo que creyendo que El ejército de las tinieblas tendría un mayor éxito, se decidió cambiar el título previsto "Evil dead 3", por uno independiente, para que el público en general creyera que se trataba de una película original y no parte de una saga, así surgió el título de "Army of darkness" (que recuperó, en parte el propuesto por Shapiro años atrás).

El cambio de título fue sólo uno de los problemas que Raimi y su equipo tuvieron con la Universal, otro surgiría con el nombre de Hannibal Lecter. Dino De Laurentiis fuera el productor de Hunter (1986), adaptación de la novela "El dragón rojo" de Thomas Harris, en la que aparecía el personaje de Hannibal Lecter, la película resultó un fracaso y por eso cuando se lanzó el proyecto de El silencio de los corderos (1991), De Laurentiis cedió los derechos del famoso canibal (decisión de la que seguro se arrepintió), pero los retuvo para futuros proyectos. Universal Pictures compró los derechos para realizar una secuela de la película de Jonathan Demme. A su vez, Universal tenía un acuerdo de distribución por varias películas con la productora De Laurentiis y quiso llegar a un acuerdo con él, para tener una participación igualitaria en cualquier secuela de El silencio de los corderos que se filmase, cosa a la que Laurentiis se negó. Así comenzaron las demandas y entraron los abogados. Y El ejército de las tinieblas se vio metida en medio de la refriega, posponiendo su estreno sine die, como medida de presión por parte de Universal para llegar a un acuerdo con De Laurentiis. Esta situación se prolongó durante 6 meses hasta que ambas partes llegaron a un acuerdo.

Raimi y los suyos tenían su versión de la película de 96 minutos terminada (considerada el director's cut de la película), pero tras realizar unos test screenings, el estudio exigió que se redujese la duración de la película y que además se cambiase el final (el estudio tenía el final cut de la película). En el final original Ash viajaba hasta un futuro postapocalíptico en el que se encontraba Londres destruido, el estudio exigió un final más positivo, de modo que, Raimi y los suyos rodaron un nuevo final, que es el que tiene lugar en el supermercado en el que trabaja Ash y en el que el protagonista se enfrenta a una poseída. Rodado el nuevo final, la película tuvo que pasar de nuevo por la mesa de montaje y redujo su metraje hasta los 81 minutos para el mercado norteamericano. En el mercado internacional la película tuvo una duración de 88 minutos.

El último escollo en el camino hacia el estreno fue la calificación por edades de la película. La MPAA le puso una "R" (que prohibe la entrada a menores de 18 años a no ser que estén acompañados por un adulto), pero la Universal deseaba una "NC-13" (que prohibe la entrada a menores de 13). Raimi y su equipo recortaron escenas para conseguir la calificación deseada, pero de nuevo se consiguió una "R" por parte de la MPAA. Tras varios intentos, la Universal desistió y decidió estrenar la versión inicial con calificación "R".

La película estaba terminada (está vez sí) y se estrenó en EE.UU. el 19 de febrero de 1993 y lamentablemente resultó un fracaso de taquilla, recaudando tan solo 11.502.976 de dólares. La suma de recaudación mundial fue de 21.500.000 de dólares.

Los fans de las saga no estuvieron muy satisfechos con el resultado final, ya que el gore que la había hecho popular, había desaparecido y había sido sustituido por comedia y acción, algo con lo que ellos no contaban. Por suerte, con el tiempo la película ha ido ganando cada vez más adeptos y se ha metido al público en el bolsillo (gracias principalmnete al video y a los pases por televisión), siendo a día de hoy apreciada por tanta gente como las otras dos entregas de la saga.

LAS DIFERENTES VERSIONES

Como comentaba antes, existen 3 versiones de la película, una de 81 minutos (que fue como se distribuyó en los cines de EE.UU.), otra de 88 (que fue como se distribuyó internacionalmente) y finalmente una de 96 (correspondiente al director's cut). Veamos las diferencias entre unas y otras.

 

"Versión USA" vs. "Versión internacional":

La versión de 81 minutos difiere de la de 88 minutos en la inclusión de las siguientes escenas en el montaje internacional (sólo pondré imágenes de secuencias completas):

Una escena de amor entre Ash y Sheila vista a contraluz. Después Ash se encuentra en un torreón del castillo, Sheila se le acerca y se besan.

La escena en la que Ash montado a su caballo es perseguido por una fuerza que surge en el bosque es más larga.

Después de que Ash entre en el molino perseguido por esa extraña fuerza, hay una escena en la que él contempla el interior de molino, el cual da la sensación que algo extraño aguarda en su interior.

La aparición posterior de Evil Ash es más larga, desde que a Ash le crece una cabeza en el hombro hasta que entierra a su versión malvada en el bosque.

La escena en que Ash consigue el Necronomicrón también es más larga.

El discurso de Ash a los hombres del castillo es más largo y su preparación para la batalla final es más largo también.

Hay una conversación entre Evil Ash y Evil Sheila en la que él le dice que ella será la reina del país cuando consiga el Necronomicrón.

La batalla final contiene algunos planos más.

El final de ambas versiones es el conocido como "S-Mart" o "Captain supermarket" en el que Ash regresa a su antiguo trabajo en el supermercado y termina de contarle toda su aventura a un compañero suyo (interpretado por Ted Raimi), le explica que para volver a su tiempo tuvo que tomarse una poción y decir unas palabras mágicas, que de nuevo no volvió a pronunciar exactamente, lo que explica la aparición de una endemoniada, a la que se enfrenta rifle en mano y tras abatirla le dice a una chica su ya famosa frase "Saluda al rey, muñeca."

"Versión internacional" vs. "Director's cut":

Y a su vez entre la versión de 88 y 96 minutos hay las siguientes diferencias:

En el director's cut la escena con los mini Ashes es más larga y resulta más cómica, incluyendo momentos como en el que Ash se saca el tenedor que los pequeños Ashes han clavado en su culo, como después ellos le tiran un caldero con agua sucia cae sobre su cabeza y al no poder ver, Ash se sienta sobre la cocina y se quema el trasero. En otro momento Ash tira dentro de la chimenea a uno de los pequeños Ashes. Y en otro rompe una tubería y se llena toda la cara de hollín.

Toda la batalla final es mucho más larga en el director's cut, incluyendo nuevos planos de explosiones y enfrentamientos. Se incluyen nuevas escenas, una en la que Arthur elogia a Ash en medio de la batalla, otra  en la que Arthur lucha contra esqueletos que intentan superar los muros del castillo mediante escaleras, la escena con Ash y su coche matando a los esqueletos está extendida y la lucha entre Ash y Evil Ash es también más larga.

Se cambia la escena de la llegada de Henry el Rojo y sus hombres, que ahora sucede casi al final de la batalla.

Y el final es completamente distinto, nos muestra como Ash se encierra en una cueva y tiene que beber una pócima, una gota por cada siglo, pero por error bebe una gota de más, cuando despierta y sale de la cueva descubre que se encuentra en un futuro postapocalíptico en el que Londres ha sido completamente destruido.

ESCENAS ELIMINADAS

Existen 4 escenas que no fueron incluidas en ninguna de las versiones de la película y que están incluidas como extras en el dvd. Son las siguientes:

1ª. Inicio original: La voz en off de Ash nos narra lo que le ha ocurrido hasta su llegada al año 1.300. La escena está visualizada sólo mostrando los ojos de Ash y después se muetra un flashback de todo lo sucedido, el cual es más largo que el de la versión estrenada en cines, incluyendo más material de Terrorificamente muertos. El tono de la escena es mucho más oscuro que el inicio de la versión final.

2ª. Ash se enfrenta a Arthur: La llegada de Ash al año 1.300 y su captura por parte de los hombres de Arthur era más larga. Ash tiraba de su caballo a un soldado (el mismo que después le azotaría con el látigo), después Arthur y Ash se enfrentan, el protagonista le quita su espada y le explica a Arthur que todo es un malentendido y le devuelve al espada esperando su ayuda, pero aun así éste lo hace prisionero.

3ª. La escena del molino original: La escena del molino también era más larga y se incluía una escena en la que Ash tras encender el fuego de la chimenea escucha como algo sucede con su caballo en el exterior, sale para ver que ha sucedido y es sorprendido por la repentina aparición de su caballo, que se encuentra en perfecto estado. Cuando mira hacia el molino ve la figura de alguien en su interior y la puerta se cierra de repente. Ash entra corriendo y es ahí cuando choca contra el espejo rompiéndolo en pedazos y cree que la figura que creyó ver era su propio reflejo. La duración de esta escena varía en función del versión del dvd, la versión más larga incluye mas metraje de Ash dentro del molino, así como una versión alternativa de Ash entrando en el molino, en esa otra versión no es perseguido por la fuerza del bosque, habiéndola dejado ya atrás y entra caminando con paso tranquilo en el molino.

4ª. Ash recluta a Henry el Rojo: Esta escena iría después de la escena del discurso en el castillo y muestra como Ash viaja hasta las tierras de Henry el Rojo, para pedirle que se una a él y los hombres de Arthur en la batalla final contra el mal. En esta escena aparece haciendo un cameo el productor de la película, Robert Tapert (es el melenudo que intenta matar a Ash).

VALORACIÓN

Si tuviera que describir la película con una palabra, esa sería gozada. El ejército de las tinieblas es una de las películas más entretenidas que he tenido el placer de disfrutar, su ritmo incansable, que dispara imágenes al espectador como una ametralladora, consigue que su visionado pase en un suspiro. Es, tal vez, la película que mejor define el estilo de Raimi, un film con mucho humor absurdo, movimientos de cámara imposibles, notas de terror y detalles cercanos al cómic.

La de Posesión infernal es una de las sagas más anárquicas que existen. La primera parte es una película de horror con altas dosis de gore. Su segunda entrega es prácticamente un remake de la primera con humor añadido y una reducción del terror. Y la tercera es una película de aventuras mediavales con una mayor carga de acción y humor y una gran reducción del gore. De hecho se puede decir que El ejército de las tinieblas fue un reinicio de la saga (como de alguna forma también lo fue Terroríficamente muertos). La película reescribe de nuevo la historia, cuando Ash nos cuenta como fue a dar en el año 1.300, volvemos a revisitar su llegada a la cabaña, pero estas escenas no son las de Terroríficamente muertos (sus responsables rodaron esos flashbacks de nuevo), ahora Ash llega acompañado sólo de su novia (interpretada en esta ocasión por Bridget Fonda) y se obvia al resto de personajes que aparecían en la segunda parte. La saga siempre se ha reinventado a cada secuela y con El ejército de las tinieblas no fue diferente.
La película comienza siendo una prolongación de Terroríficamente muertos incluyendo escenas con seres endemoniados y con toques de gore (la escena del foso), después se adentra en la comedia (Ash robando el Necronomicrón) y termina convirtiéndose en una película de aventuras épica (toda la batalla final). Y toda esa variedad de registros funciona perfectamente, Raimi le da tal personalidad y ritmo a la historia que ésta siempre funciona. La forma de avanzar la trama no se diferencia mucho de Terroríficamente muertos, haciéndolo a base de situaciones imprevisibles que empujan hacia delante la historia de una forma de lo más original (la aparición de pequeños Ashes, el villano de la historia como una versión malvada de Ash, la aparición de tres Necronomicrones, etc), que consiguen que a cada nueva secuencia, la película siempre resulte sorprendente y fresca.   
A diferencia de las dos primeras entregas, en las que no había un verdadero desarrollo narrativo, en El ejército de las tinieblas se ve por primera vez en la saga la intención de contar una historia como tal, era el reflejo de que Raimi estaba creciendo como director (pocos años distaban de Un plan sencillo), pero en el fondo, sigue siendo fiel a si mismo en todo momento, primando los gags y los recursos visuales por encima de todo.

Bruce Campbell es la estrella de la función y lo sabe. Este cartoon de carne y hueso no para de soltar one-liners memorables, su pose y estilo lo colocan con fuerza en el olimpo del cine de terror (si eso no lo había conseguido ya con las dos primeras entregas de la saga). Lo curioso del personaje es que es un idiota, uno carismático eso sí, que empieza siendo un completo egoista y va evolucionando hasta ser el héroe que todos esperan que sea, pero sigue siendo un idiota, en ambos finales vuelve a meter la pata una vez más y además ¿cuánta gente muere por sus actos inconscientes? Todo eso no hace más que convertirlo en alguien más normal, se acerca a lo posiblemente nos pasaría si estuviesemos en su misma situación, en todo, menos en esa habilidad innata para tener conocimientos sobre montar a caballo, lucha con espadas y estrategia militar, que nunca sabemos de donde viene.

La película está llena de referencias de todo tipo, desde el cine de Harryhausen (ese irresistible ejército de esqueletos), pasando por "Los tres chiflados" (Ash con dos cabezas), los cartoons de Tex Avery (Ash siendo aspirado por uno de los falsos Necronomicrones), hasta obras como Los viajes de Gulliver (Ash atrapado por los mini Ashes cual Gulliver) y Un yanqui en la corte del rey Arturo (que es básicamente el argumento de la película).

Uno de los puntos más interesantes (y ocurrentes) de la película es el mostrar la tecnología como algo sobrenatural para la gente de la Edad Media, esa idea hábilmente explotada, muestra el choque entre dos épocas y además le confiere a la película una curiosa dualidad, cuando Ash tiene que enfrentarse a verdaderas fuerzas sobrenaturales.

Sobre las diferentes versiones, mi preferida es la de 88 minutos, es la que tiene un mejor ritmo y también es la primera versión que vi de la película y seguro que eso ha influido en mi. El final del director's cut puede que sea mejor (nunca he tenido problemas con el final en el supermercado, que encaja mejor con el tono de comedia de la película), ese unhappy end es lo más remarcable de la versión del director, pero creo que el resto de escenas no aportan mucho a la película. La secuencia con los mini Ashes se me hace demasiado larga y muy cartoon. La batalla final gana en espectacularidad, pero pierde en fuerza, al ser en mi opinión demasiado larga. Y la aparición de Henry el Rojo se retrasa demasiado, tanto, que casi no tiene sentido incluirla.

El ejército de las tinieblas fue de cierta forma el fin de un tipo de cine dentro de la carrera de Raimi, del más desprejudiciado, divertido e insolente, después su cine se adentraría en las superproducciones de Hollywood o de un tipo de cine "más serio". El espítitu del Raimi de sus primeros títulos sólo emergería ocasionalmente en sus siguientes películas, pero nunca con tanta fuerza como en este film. El ejército de las tinieblas fue la última película que hizo el equipo de Reanissance Pictures al completo, pero fue un final a lo grande y memorable. Una vez más, ¡saludemos al rey!.

Curiosidades:

Ted Raimi interpreta 4 personajes distintos a lo largo de la película, a un guerrero cobarde, al hombre que dice "Podéis contar con mi arco", a un espadachín tuerto y al excéptico compañero de Ash en el supermercado.

Dentro del maletero del coche de Ash puede verse un número de la revista "Fangoria".

En la escena final del supermercado aparecen haciendo un cameo, los directores William Lustig (Maniac) y Bernard Rose (Candyman: El dominio de la mente).

Estaba previsto que el actor Charles Napier (Rambo: Acorralado, parte II) interpretase el papel del jefe de Ash en el supermercado, pero al final el personaje fue eliminado.

La película ganó un premio Saturn a la mejor película de horror en 1994.

La premiere de la película fue en el Festival de Sitges de 1992 y se proyectó el director's cut.

Las tres palabras mágicas que Ash debe recitar cuando coge el Necronomicrón son "klaatu, barada, nikto", que es una referencia directa a la película Ultimátum a la Tierra (1951).

Como en todas las películas de Sam Raimi, el Oldsmobile Delta 88 también hace un cameo en esta película.

A raíz de la película surgiría un colección de cómics de título homónimo. Los comics se publicarían primero bajo el sello "Dark Horse Comics" y después "Dynamite Entertainment" tomaría el testigo.

The Warriors

Estos son los ejércitos de la noche.

Nueve miembros de cada una de las bandas de Nueva York se reúnen en el Bronx, convocados por Cyrus, el líder de la mayor banda de la ciudad. En medio de la reunión Cyrus es asesinado por uno de los miembros de la banda de los Rogues, quien a su vez culpa a la de los Warriors de su muerte. Los Warriors inician entonces el regreso a su hogar, Coney Island, teniendo que atravesar toda la ciudad, cruzando los territorios de la demás bandas, mientras son perseguidos por estas y por la policía.

EL LARGO VIAJE A CONEY ISLAND

The Warriors se basa en la novela homónima escrita por Sol Yurick en 1965. Yurick se había inspirado a su vez en "Anábasis", escrita por el historiador y soldado griego Jenofonte, del siglo IV a.C., quien narró en su más popular obra, la historia vivida por él mismo, de como el descendiente de un rey persa, Cyrus (se mantuvo su nombre en la película) reclutó un ejército de 10.000 soldados griegos para derrocar a su hermano en el trono, tras una cruenta batalla, Cyrus murió y los 10.000 griegos quedaron atrapados en territorio enemigo sin saber como regresar a su hogar. Liderados por el propio Jenofonte, los soldados tuvieron que cruzar varios territorios enemigos mientras eran perseguidos por el ejército persa, hasta llegar a su casa. Esta apasionante historia sirvió de base a Yurick para su novela y después sería el plato perfecto para Walter Hill para crear su película.

Tras realizar Driver (1978), Hill se propuso rodar un western basado en un guión escrito a cuatro manos entre él y Roger Spotisswoode, la película sería producida por Lawrence Gordon, pero los problemas de financiación hicieron que el proyecto no se materializase. Fue en ese momento cuando Gordon le entregó a Hill el guión de The Warriors (adaptado por David Shaber) y la novela de Yurick, un proyecto que Gordon esperaba que tuviese financiación bajo la Paramount Pictures, que por aquel entonces estaba interesada en películas de temática juvenil. A Hill le encantó el guión y pronto se puso manos a la obra para llevarlo a cabo, él mismo lo rescribiría aportando ideas propias como la inclusión de la mítica banda de los Baseball Furies.

Se realizaron muchos cambios respecto al guión original y algunas de las ideas de Hill tuvieron que ser descartadas. Originalmente los Warriors eran una banda compuesta sólo por gente negra (al igual que en la novela), pero eso no le gusto al estudio, por lo que se decidió hacer una banda interracial. Hill quería que Orson Wells fuera el narrador en la introducción de la película, en la que haría una presentación sobre temática griega, pero eso tampoco gustó al estudio y se descartó. El director deseaba dividir la película en capítulos como si fuese un cómic y hacer una entradilla con viñetas que cobrarían vida para cada una de las partes, pero las limitaciones presupuestarias no se lo permitieron (pero en el posterior director's cut pudo realizarlo). Además quería comenzar la película con la frase sobreimpresa "En algún momento en el futuro", pero al estudio le sonaba demasiado a La guerra de las galaxias (1977) y no le permitieron usarlo.

Otros cambios fueron producidos respecto a su guión original sin intervenciones de los productores o limitaciones presupuestarias de por medio. Inicialmente Cochise era asesinado por los Baseball Furies, Vermin era asesinado por las Lizzies (pero su interpretación gustó y se descartó su muerte) y Swan era secuestrado por los Dingos (una banda homosexual y sadomasoquista), aunque lograba escaparse al final y llegaba a tiempo a Coney Island para su enfrentamiento con los Rogues, pero esto se eliminó cuando Hill tuvo problemas con el actor Thomas G. Waites (Fox), quien inicialmente tenía un romance con Mercy, el director decidió eliminar el papel de Fox a mitad de película (que es asesinado por un policía en una estación de metro) y rescribió el guión para que Swan fuera el que tuviera el romance con Mercy, tras ver la buena química entre Michael Beck y Deborah Van Valkenburgh.

RECLUTANDO A LOS WARRIORS
 

Durante la producción de The Warriors, Hill estaba trabajando también en la película Alien, el octavo pasajero (1979) de la que era su productor, como estaba considerando Sigourney Weaver para el papel de Ripley decidió ver la película Madman (1978) en la que ella trabajaba, para observar su actuación y quedó impresionado con su compañero de reparto Michael Beck, a quien le ofreció una audición para el papel de Swan, así conseguiría el actor hacerse con el papel protagonista de la película.

James Remar consiguió el papel de Ajax tras meterse totalmente en el personaje durante la audición, tanto que ensayando la escena del banco en el parque lanzó por los aires una mesa donde estaban las pertenencias del director y los productores.

A Robert De Niro se le ofreció el papel de Cowboy, pero lo rechazó y al final se lo llevó Tom McKitterick, que sólo realizaría esta película en toda su carrera.

El papel de Vermin fue ofrecido inicialmente al popular actor televisivo Tony Danza (¿Quién es el jefe?), pero lo rechazó en favor de un papel en la no menos popular sitcom Taxi (1978-83).

El agente de Deborah Van Valkenburgh convenció a los directores de castings para que le hicieran una prueba y aunque ella no era lo que Hill tenía en mente para el papel de Mercy (el deseaba que fuera interpretado por una puertorriqueña), se lo terminó llevando.

David Harris (Cochise) fue el último en unirse al reparto.

RODAJE

El rodaje de la película se realizó (casi siempre de noche) en su totalidad en diferentes localizaciones de Nueva York (sólo la pelea con los Punks en el servicio de hombres se rodó en estudio, en los Astoria Studios de Long Island). Como una prolongación de la propia película y como vestigio de lo peligrosa que era la ciudad en los 70, durante el rodaje se vivieron auténticos enfrentamientos con bandas. El rodaje de la escena con la banda de los Orphans fue interrumpida por una persecución policial. Miembros del equipo fueron amenazados por bandas que se sintieron insultadas por no haber sido incluidas en la película. Y miles de dólares en equipo fueron dañados cuando una banda atravesó el set de rodaje. Como medida de seguridad se contrataron los servicios de una auténtica banda de Nueva York, conocida como The Mongrels, para que protegiesen los camiones con los equipos de filmación por 500 dólares al día.

Las escenas de lucha y acción conllevaron ciertos problemas durante el rodaje. Sólo la secuencia de la pelea con los Punks llevó 5 días rodarla, trabajando en jornadas de 11 horas diarias. Y cuando Michael Beck rodó la escena en la que le tiraba un bate a un policía, golpeo sin querer la cara de Deborah Van Valkenburgh, provocándole un corte, por lo que tuvo que ser llevada al hospital para que le dieran varios puntos. A la actriz le quedó una cicatriz por causa la herida.

Hill quería conseguir un gran realismo en las escenas de peleas, de modo que, envió al reparto principal a una escuela de dobles para que entrenasen y así saber como luchar en la pantalla.

El bajo presupuesto de la película (estimado en unos 6 ó 7 millones) dificultó sobremanera rodar la escena de la caída de Cyrus en el momento en que es asesinado. La caída era de aproximadamente desde 4,5 metros de altura, cayendo a través de un tablón de madera. En el suelo había una almohadilla de judo y el efecto de la caída sobre ella parecería que impactaba contra el suelo. El coordinador de dobles de la película Craig R. Baxley (futuro director de Acción Jackson y Frío como el acero), quería contratar a un experto stunt men de Hollywood afroamericano (al igual que el actor que daba vida a Cyrus), pero el coste del especialista hizo imposible contratarlo. En Nueva York sólo había dos dobles negros, pero no querían hacer la escena, de modo que, al final tuvo que hacerla el propio Baxley (que era blanco), para dar bien en pantalla, llevó una peluca a lo afro y maquillaje para oscurecer su piel, huelga decir que la escena salió bien en la primera toma.

David Patrick Kelly (Luther) improvisó su popular frase "Warriors vamos a jugar" mientras hacía tintinear tres botellas con los dedos, inspirándose en un vecino suyo al que tenía miedo. Inicialmente David quería usar dos palomas muertas en la escena, pero Hill consideró que no funcionaría, fue entonces cuando al actor se le ocurrió la idea de las botellas.

ESTRENO POLÉMICO

El estreno de la película se vio envuelto en una gran polémica, cuando varias muertes se relacionaron con ella, que desataron el eterno discurso sobre la violencia en el cine y su influencia en la sociedad. 

El 12 de febrero de 1979 (sólo 3 días después de su estreno), en un cine al aire libre de Palm Springs (California) en el que se proyectaba la película, un joven de 19 años fue muerto a tiros, tras discutir con otro que le bloqueó el camino al baño. Esa misma noche, en la también californiana ciudad de Oxnard y en un cine en el que también se proyectaba The Warriors, cuatro jóvenes fueron atacados por una banda compuesta por 15 hombres, resultando dos de ellos apuñalados y un tercero asesinado de una puñalada en el corazón.

El 13 de febrero, a través de un comunicado, Paramount se ofreció a pagar los costes por el incremento de seguridad en aquellas, de las 670 salas, en las que se proyectaba la película, que así lo solicitasen. Fueron varias las salas que aumentaron su seguridad.

Además Paramount decidió modificar la campaña publicitaria de la película, el póster de la película incluía la frase "Estos son los ejércitos de la noche. Ellos son 100.000. Superan a la policía en 5 a 1. Podrían gobernar la ciudad de Nueva York", la cual asustó a bastante gente. El nuevo póster sólo incluía el logotipo de los Warriors sobre un fondo blanco.

El 15 de febrero, a la salida de una estación de metro, dos grupos de jóvenes se vieron envueltos en un altercado, uno de los grupos acababa de ver la película y estando borrachos buscó bronca contra el otro, tras imitar una escena de película se produjo un enfrentamiento, siendo un joven de 16 años asesinado por una puñalada en el pecho.

La situación se volvió insostenible, de modo que, el 16 de febrero, Frank Mancuso, uno de los dirigentes de la Paramount, envío un comunicado eximiendo a las salas de cine sus obligaciones con la proyección de la película, si los dueños de las mismas consideraban que existía la posibilidad de poner en peligro las vidas de personas, estos podían quitar de sus carteleras la película. Una docena de salas decidieron retirarla. En el mismo comunicado se declaraba el fin de la campaña publicitaria de la película por parte de Paramount, se retirarían todos los anuncios de radio y televisión, la primera vez en la historia de la productora que eso sucedía.

Toda esta polémica no hizo otra cosa que aumentar las ganas del público por ver la película, convirtiéndose en todo un éxito, su recorrido final por las carteleras norteamericanas se saldó con una recaudación de 22.490.039 de dólares.

ULTIMATE DIRECTOR'S CUT

La película conoció una versión del director conocida como el "Ultimate director's cut", que recuperó la idea de Hill de convertir a la película en un cómic viviente. En esta versión, las transiciones entre escenas se hacen mediante las viñetas de un cómic que cobran vida dando paso a la escena con los actores de carne y hueso.

El otro cambio importante con respecto a la versión original (además de algún cambio de encuadre en algún plano) es una escena nueva, un prólogo en el que una voz en off nos narra la batalla de Cunaxa en la antigua Persia y protagonizada por soldados griegos (tal y como hablaba en la introducción de la película), para crear así un paralelismo con la historia que veremos a continuación.

ESCENAS ELIMINADAS
 

Existen 7 escenas eliminadas que no fueron incluidas en el montaje final, pero sí lo fueron en versiones de la película para televisión. Son aproximadamente 8 minutos de metraje inédito, que repasaremos a continuación.

1º. Prólogo en Coney Island

Éste era el verdadero comienzo de la película, con la banda en Coney Island antes de viajar al Bronx. Primero Cleon (el líder del grupo) habla con su novia (interpretada por Pamela Porter), quien le aconseja que no acuda a la reunión con las demás bandas. Después Cleon introduce a los 8 miembros que viajarán con él, explicando la razón de su elección. Los Warriors se alejan caminando por el paseo marítimo de Coney Island. También se incluye una conversación adicional entre Swan y Ajax en el metro, en la que éste último dice que la reunión será una pérdida de tiempo. Esta parte fue eliminada porque los productores consideraron que sólo debería haber luz del día cuando los Warriors regresasen a Coney tras una noche infernal.

2º. Camino de la reunión

No muestra nada de interés, sólo a la banda caminando tras salir del metro y como intentan encontrar el lugar de la reunión, mientras Ajax y otros opinan que todo igual es una trampa.

3º. El discurso de Cyrus

El discurso de Cyrus era originalmente más largo, se cortó una parte en la que habla sobre cosas que tratan de frenar a la gente si se cae en ellas como los amigos o los tribunales. 

4º. Noticias

Después de que le comuniquen al líder de los Gramercy Riffs que los Turnbull AC fracasaron en su intento de atrapar a los Warriors, la DJ hace lo mismo a través de la radio.

5º. Informando a Masai

Después que la DJ anuncie que los Baseball Furies han fallado a la hora de capturar a los Warriors, hay una escena en la que uno de los Riffs le comunica a Masai (el nuevo líder de los Riffs) que la policía no pudo atrapar a los Warriors, al igual que las Baseball Furies.

6º. Reencuentro

Antes de la escena de la pelea en los baños de la estación de metro con los Punks, hay una escena en la que Swan descubre que Ajax ha sido detenido por la policía y se siente responsable de ello. En ese momento llegan los Punks y Swan hace un gesto con la cabeza a los demás indicándoles que entren en los servicios.

7º. En los muelles de Coney

Antes de su enfrentamiento con los Rogues, los Warriors corren debajo de los muelles para esconderse, tras mantener una breve conversación sobre que deben hacer, salen caminando del lugar.

VALORACIÓN

Desde la primera vez que la vi, The Warriors se convirtió en una de mis películas favoritas, es difícil explicarlo y resaltarlo todo con palabras, porque la película conecta con nosotros a un nivel subconsciente, The Warriors es cine acción en su estado más puro, reduciendo la narrativa a su estado más primigenio (hábilmente explotada al máximo por Hill) y es también una historia muy primaria, un pequeño grupo enfrentado contra una gran amenaza que lo supera en número, en seguida conectamos con eso, se trata de simple y llanamente de supervivencia, por eso simpatizamos con los Warriors aunque sean unos criminales, ya que en el fondo son culpados de un crimen que no cometieron y demuestran tener un código de honor, al verlos sobrevivir a cada reto y prueba que se encuentran, hace que cada vez nos sintamos más conectados con ellos, queremos que sobrevivan y que lleguen a su hogar, viajamos con ellos en los vagones de metro, corremos por los andenes, somos perseguidos por la policía y por todas las bandas de Nueva York, cuando los Warriors llegan a Coney Island nosotros somos uno más de ellos.

Uno de los mejores elementos de la película es la reducción de tiempo (todo sucede en una noche infernal), que hace que la tensión y el ritmo de la película se multipliquen por 1.000, sin dejar un segundo de descanso al espectador, creando una conseguidísima sensación de peligro constante, nunca sabemos quien de los Warriors sobrevivirá a esa noche interminable. 

Pocas películas resultan más entretenidas y fascinantes que ésta. Un Walter Hill, en el mejor momento de su carrera, cerraba los 70 con su obra maestra particular y con una de las películas setenteras más memorables e influyentes que se recuerdan. Tras The Warriors vendría el cine de acción moderno, pero sería esta película, una de las primeras piedras de ese nuevo género.

Al principio de este artículo comentaba como muchas de las ideas de Hill no se pudieron materializar, resulta curioso como el que eso sucediese, en mi opinión beneficio a la película. No veo a Orson Welles siendo el narrador de la película, al no reforzar la idea de la historia griega y que esta sea más sutil y forme parte de la película la beneficia (como la inclusión de las Lizzies como unas sirenas modernas), lo leemos entre líneas, sabemos que está ahí, no hace falta que nos lo expliquen más. Entiendo que Hill quisiera convertir a la película en un cómic viviente, en una distopia futurista, la visión que da de las bandas es irreal y totalmente excesiva, pero creo que a la película le sienta mejor ese tono más real, sucio y oscuro, como si ese peligro con las bandas estuviese a la vuelta de la esquina, considero que la da un mayor golpe de efecto a la película. Por todo lo mencionado, creo que la película funciona mejor tal y como se estrenó en 1979.

Los personajes de la película están bien perfilados (y beben mucho del western, al igual que la película en si), pero no funcionan realmente como seres individuales, sino como grupo, exceptuando a Swan y Ajax, que si tienen cierta personalidad, los demás parecen creados con simples pinceladas que definen su carácter, y es que la banda de los Warriors ejemplariza lo que significa una banda, un grupo cerrado que cualquier miembro de ella daría su vida por otro, una especie de hermandad masculina llevada hasta sus últimas consecuencias.

La masculinidad es uno de los temas principales del cine de Hill, El luchador (1975), Calles de fuego (1984) o Danko: Calor rojo (1988), todas forman una oda a lo masculino, mostrado siempre una visión muy clara del hombre, sin estereotipos, siempre destilando fuerza, confianza y carácter. Y The Warriors puede ser el máximo exponente de ello, incluyendo además la idea de grupo unido, que también explotaría posteriormente con Forajidos de leyenda (1980) y La presa (1981). La mujer siempre suele tener un papel secundario en su cine, aunque sus personajes femeninos siempre son tan fuertes como los hombres, nunca son meras comparsas, como la Mercy de The Warriors. 

La película adquirió desde el momento de su estreno la etiqueta de "película de culto" no sólo por la polémica que la envolvió, sino también por su planteamiento y su forma de mostrar el mundo de las bandas callejeras. Posteriormente se hizo un hueco en las sesiones de medianoche, que aumentó más aun su aura de culto, a lo que también ayudó la llegada del video. 

The Warriors dio forma al subgénero de las películas de bandas que tuvo cierto boom a comienzos de la década de los 80, gracias al estreno en un plazo muy corto de tiempo de Mad Max: Salvajes de autopista (1979), Mad Max 2: El guerrero de la carretera (1981) y 1997: Rescate en Nueva York (1981), a las que seguirían títulos como The Wanderers (1979), Curso 1984 (1982), 1990: Los guerreros del Bronx (1982) o Fuga del Bronx (1983).

The Warriors es puro cine de los 70, la violencia, el tono crudo y directo del cine de la época, la música rock, el Nueva York más fascinante y peligroso que jamás haya dado el cine (sólo comparable al de 1997: Rescate en Nueva York, con la que haría una perfecta sesión doble). La película es la antítesis del cine de aquella década, pero elevada a la enésima potencia. The Warriors no son buenos, son los mejores y siempre lo serán.

Curiosidades:

La revista Entertainment Weekly la colocó en el 16º puesto de su "Top 50 de las mayores películas de culto". Además también ocupó el 14º de la lista de "Las 25 películas más controvertidas" de la misma revista.

Walter Hiill creo la banda de los Baseball Furies aunando dos de sus pasiones, el béisbol y el grupo Kiss.

Cuando los actores de la ficticia banda de los Turnbull AC entraron en una hamburguesería caracterizados como sus personajes, provocaron que la gente que se encontraba allí huyera por temor a ser atacados.

El nombre de Ajax es una referencia a un guerrero griego.

En 2005 se lanzó un videojuego basado en la película para las consolas PlayStation 2 y Xbox. En 2007 se lanzó también para PlayStation Portable.

El coordinador de especialistas, Craig R. Baxley dio vida a uno de los miembros de la banda de los Punks.

Fueron necesarios 1.000 extras para la escena inicial del encuentro de las bandas. Al parecer se incluyeron auténticos miembros de bandas.

La futura ganadora del Oscar, Mercedes Ruehl, tiene un pequeño papel en la película, como la policía que detiene a Ajax.