Sunday, March 15, 2015

Regreso al futuro II

"Nadie me llama gallina."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Doc Brown recoge a Marty y Jennifer para llevarlos al año 2015, con el objetivo de salvar a sus hijos. Pero ese será sólo el comienzo de su aventura, ya que Biff se apoderará de la máquina del tiempo y cambiará el curso de la historia. Ahora estará en manos de Marty y Doc corregir la línea temporal y devolver las cosas a su estado original.

Bienvenidos al año 2015. Bienvenidos al futuro. Bienvenidos a Regreso al futuro II.

PARADOJA
Tras el enorme éxito de Regreso al futuro (1985), pronto se habló de realizar una secuela. Y aunque el final abierto de la primera entrega pudiera hacer creer que ya tenían pensada la segunda parte, no fue así, aquel final con Doc llegando del futuro y llevándose a Marty y Jennifer en el DeLorean volador fue sólo un chiste con el que cerrar la película, tal y como lo explicaba Bob Gale "Usamos ese final porque sentimos que era divertido. En ese momento, no teníamos intención de hacer una secuela. Pero cuando Universal dijo que querían una secuela y que querían que Bob y yo la hiciéramos, ambos sentimos que sería una trampa como mínimo, el no empezar la película donde la otra lo dejó. A nuestro modo de ver, el final nos dijo donde esta película debía comenzar."
Según afirmó Zemeckis, de haber sabido que haría una secuela, se hubiera encargado de que Jennifer no estuviera en el coche al final de la primera parte, ya que no había mucho material para ella al centrar la secuela en Marty, es por eso que Doc la deja inconsciente al principio de la película.
Antes incluso de iniciarse la escritura del guión, fue necesario garantizar el regreso de todo el reparto. Todos los actores accedieron a repetir sus roles en la secuela, todos salvo dos, Crispin Glover y Claudia Wells.
Con el primero no llegaron a un acuerdo. Glover se quejó de que su sueldo iba a ser la mitad del que Lea Thompson y Thomas F. Wilson iban a cobrar. Durante las negociaciones el agente de Glover expresó a los productores que el actor quería una compensación justa (al parecer de 1 millón de dólares), además de una cláusula en su contrato bajo la cual debía aprobar el guión. Gale se negó a ceder a esas condiciones y su contraoferta fue ofrecerle al actor un sueldo más bajo que el inicialmente planteado, de tan sólo 125.000 dólares. Después de que Glover lo rechazase, significando esto su salida del proyecto, Gale reescribió el guión para reducir la presencia de George en la segunda parte, la cual se centró en la muerte del personaje y como todo acontece en una versión alternativa de 1985. Con Glover fuera del proyecto, se contrató al actor Jeffrey Weissman para el papel de George. Para hacerlo pasar por Glover se maquilló al actor partiendo de moldes creados en la primera entrega y gracias a prótesis faciales se dio el pego, a lo que también ayudó al mostrarlo boca abajo, de espaldas, desde lejos o con gafas de sol. Además se usó metraje de la primera parte donde aparecía Glover (lo que traería más de un problema a los productores tal y como veremos en unos párrafos).
Por su parte la actriz Claudia Wells, que interpretó a Jennifer en la primera parte, no pudo aceptar participar en las secuelas porque se había retirado temporalmente de la actuación, al ser su madre diagnosticada con cáncer (no volvería a actuar hasta el 2008). Claudia fue sustituida por la siempre estupenda Elisabeth Shue, quien tuvo que volver a rodar la secuencia final de Regreso al futuro, que es repetida al comienzo de la segunda parte.
El inicio de la producción se fue retrasando por la implicación de Zemeckis en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, fue Bob Gale quien se ocupó de escribir la primera versión del guión por su cuenta, mientras su amigo se ocupaba de filmar las aventuras del conejo animado. Inicialmente sólo estaba previsto rodar una única secuela, en la cual Biff se entregaba a si mismo el almanaque en los 60, no en los 50 y cuando Marty viajaba atrás en el tiempo se encontraba con sus padres, que estaban en la universidad y eran unos hippies y Marty a punto estaba de evitar su propia concepción.
Pero Zemeckis consideró que las paradojas temporales brindaban la oportunidad de volver a situar la acción en 1955 y dar una vuelta de tuerca a la historia de lo más original "Hemos sido capaces de hacer algo que nunca se había hecho en una secuela antes, regresamos a la primera película y vemos escenas de esa película desde una perspectiva completamente diferente." Reconocía Zemeckis "Deliberadamente diseñamos escenas para refrescar la memoria de la audiencia de la primera película, que es lo que creo que es divertido al ir a ver en una secuela."
Esta nueva versión del guión recibía el título de "Paradox" y vendría a ser una versión comprimida de los acontecimientos mostrados posteriormente en la segunda y tercera parte. Pero tal y como explica Bob Gale, pronto se dieron cuenta que esta segunda parte se convertiría en trilogía "Aparecimos con grandes ideas. El problema es que teníamos muchas grandes cosas que podríamos poner en una película y sería realmente larga y muy cara. La Universal no estaba muy contenta con eso. Pero si pudiéramos hacer dos películas, entonces podrían justificar los gastos. Ha sido emocionante saber que podíamos empezar algo en la segunda parte y poder terminarlo en la tercera. Todos sentimos que nos dio un lienzo mucho más grande para trabajar. Hacer dos películas al mismo tiempo es una idea bastante loca, pero es la clase de locura que atrae a todo el mundo."
El presupuesto para rodar ambas películas fue de 80 millones de dólares, dividido a partes iguales para ambas películas, lo que convirtió al proyecto en uno de los más caros de la historia.
Sus responsables idearon un futuro diferente al de las películas distópicas "Nuestro futuro definitivamente no es del tipo de Blade Runner. Nuestro futuro es un lugar agradable para vivir" Declaró Bob Gale. El guionista añadiría que "Sabíamos que no podíamos predecir el futuro. Nos fijamos en un montón de películas, recuerdos de las Ferias Mundiales, así como libros y otros materiales que predijeron el futuro. Nada de esto aconteció como lo predijeron, así que supimos que íbamos a fallar de alguna manera si intentábamos ofrecer predicciones reales del futuro. Aceptando esto, decidimos que la única forma de tratar con él era hacerlo optimista y pasar un buen rato con él."
Y ya por aquel entonces cerraban toda duda sobre la realización de más secuelas "Hemos tratado de poner un cierre definitivo en la tercera película porque si alguna vez va a haber una cuarta y la hacemos, no querría estar cargando con una vieja idea." Declaró Gale a la revista "Starlog". "Pero para ser perfectamente honesto, no creo que vaya haber un Regreso al futuro IV ya que, de alguna manera, el hecho de que estemos haciendo estos films conjuntamente es muy oportunista. En cuatro años, Michael será demasiado viejo para interpretar a un chico y él y todo el mundo se habrá movido a otras cosas. Si no hiciéramos la tercera parte ahora, probablemente no se haría nunca."

REGRESO A HILL VALLEY
El rodaje comenzó el 24 de febrero de 1989 y se prolongó hasta el 2 de agosto del mismo año, primero filmaron la segunda parte y después de 3 semanas de descanso, comenzaron el rodaje de la tercera, cuyo rodaje finalizó el 22 de enero de 1990. Y mientras rodaban la tercera parte iban editando la segunda, no había tiempo que perder.
La película se filmó en parte en los Universal Studios, el estudio de sonido 12 se convirtió de nuevo en la plaza de Hill Valley y el 27 sirvió para rodar escenas con el DeLorean volando. Diferentes localizaciones de California dieron vida a Hill Valley como Pasadena (la casa de Doc), Wilmington (la escena del cementerio), Whittier High School (que se convirtió en el instituto de Hill Valley), Griffith Park (la escena del túnel), Arleta (la casa de los McFly) y El Monte (donde está situada la casa de Marty en el futuro).
Michael J. Fox revivió lo acontecido en el rodaje de la primera parte, tener que casarlo con el rodaje de la serie Enredos de familia, que también protagonizaba, sólo que en esta ocasión esa coincidencia de rodajes se produjo durante las primeras semanas de filmación de la segunda parte. Y para hacerlas más llevaderas Fox habló con los guionistas de la serie para que redujeran la presencia de su personaje en la serie (que se encontraba en su séptima y última temporada), cosa que hicieron durante un par de semanas, lo que ayudó al actor a sobrellevar ambos rodajes.
Según el calendario de producción las primeras escenas de Hill Valley que se rodarían serían las del 1985 alternativo. Fue trabajo del diseñador de producción Rick Carter, el primero afear la plaza del pueblo y convertirla en un sitio decadente, para después eliminar todo rastro de destrucción y convertirla en una utopía futurista.
Como es obvio, para mostrar el Hill Valley de 1955 tuvieron que volver a construir los decorados tal y como lucían en la primera parte y además trajeron de vuelta a la misma gente para rodar de nuevo escenas, como, por ejemplo, aquellos que participan en el "Baile del encantamiento bajo el mar", ahí están los mismos bailarines después de cuatro años.

EFECTOS VISUALES DEL FUTURO
Rodar previamente ¿Quién engañó a Roger Rabbit? le fue de gran ayuda a Zemeckis para enfrentarse a las secuelas de Regreso al futuro en el campo de los efectos visuales. Según el director, para película se usó "Cada truco del libro". Todas las técnicas imaginables fueron empleadas para dar vida a las nuevas aventuras de Marty McFly, desde CGI (cuando apenas existía el CGI), pasando por efectos físicos y ópticos e incluso se inventaron nuevas técnicas como veremos a continuación. No es de extrañar que la película fuera nominada al Oscar en la categoría de mejores efectos visuales (Ken Ralston, Michael Lantieri, John Bell y Steve Gawley).
Michael Lantieri fue nombrado supervisor de los efectos especiales. Lantieri inició una relación profesional con Zemeckis en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? que dura hasta nuestros días. El genio de los efectos visuales dividió al equipo en dos categorías, una se ocupaba de la utilería como los monopatines voladores, las chaquetas o las deportivas Nike y la otra se ocupaba de los efectos reales, como la lluvia, el fuego y los efectos de vuelo.
Los efectos para hacer volar a los monopatines trajeron varios quebraderos de cabeza al equipo (aún no existían los efectos CGI actuales para poder darles vida) y fueron la mezcla de varios tipos diferentes de técnicas. Como usar cuerda de piano (para lo que se construyeron los sets con líneas para disimular los cables). Arneses ocultos bajo la ropa de los actores, que eran movidos por una grúa (en las tomas que Michael J. Fox llevaba uno, sus deportivas tenían que estar unidas al monopatín, por lo que el actor tenía que ser transportado entre tomas). Pantalla azul. Ken Ralston, el supervisor de efectos visuales de la película, se encargó de hacer "borrados" de los cables. E incluso se usaron espejos para hacer flotar el monopatín sobre el agua (colocándolos debajo del mismo reflejaban el agua).
Para hacer "volar" más fácilmente al DeLorean se construyeron varios modelos en fibra de vidrio. Uno de los modelos construidos fue destruido accidentalmente. Para hacerlo "flotar" o despegar verticalmente usaban cuerdas de piano. Rodando la escena del callejón en el futuro, Michael J. Fox se acercó al coche y tocó una de las cuatro cuerdas que sujetaban el coche y en ese momento las otras tres se rompieron provocando que el coche cayera al suelo y se hiciera pedazos.
Durante el rodaje de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Zemeckis utilizó una cámara controlada por ordenador que le permitió hacer interactuar a los actores reales con los animados. El único problema que tenía esta cámara era que apenas podía moverse. Cuando Zemeckis se embarcó en Regreso al futuro II le pidió a la ILM que modificaran el sistema para poder usar la cámara como una convencional y así surgió el sistema "VistaGlide". Esta cámara controlaba el movimiento horizontal, vertical, el enfoque, el zoom y la línea de división durante cada paso. Gracias a esta cámara el director pudo hacer que en las escenas en las que un actor interpretaba a varios personajes, estos pudiesen interactuar entre si e incluso pasarse objetos, siendo la primer película de la historia en conseguirlo. Se rodaron tres escenas usando esta técnica, la cena de los McFly en el 2015, el Biff anciano hablando con el Biff joven en el garaje en 1955 y Doc hablando consigo mismo en la calle en 1955. Cuando rodaban este tipo de escenas, el actor llevaba un pequeño receptor en el oído para escuchar las frases de los otros personajes (que también interpretaba) y poder así reaccionar a ellas.
La mayoría de actores principales tuvieron que utilizar maquilles para envejecer su aspecto. Para convertir a Michael J. Fox en el Marty de 47 años hacían falta 4 horas de trabajo. Pero quien padeció más sesiones de maquillaje fue Thomas F. Wilson, para quien muchos días de rodaje se traducían en comenzar las sesiones de maquillaje a las 3 de la mañana para caracterizarlo como el viejo Biff, para después de filmar las escenas, eliminar el maquillaje (lo que requería de una hora y media) y filmar la escena con el Biff joven o Griff que aparecería en pantalla al mismo tiempo que el viejo Biff.

ESTRENO
La película se llegó a las pantallas el 22 de noviembre de 1989 en medio de un gran hype, la taquilla en los EE.UU. respondió favorablemente y la recaudación ascendió a 118.450.002 de dólares (siendo la 6ª película más taquillera del año en territorio norteamericano) y la recaudación final a nivel mundial fue de 331.950.002 de dólares (situándose como la 3ª producción más taquillera del año, sólo superada por Indiana Jones y la última cruzada y Batman). La tercera parte llegaría sólo 6 meses después, el 25 de mayo de 1990, pero esa es otra historia.
Pero hubo algo que empañó el éxito de la película, la demanda que Crispin Glover interpuso a los responsables de la película por usar sin permiso su imagen. Como comentaba antes, varios planos de Regreso al futuro donde aparecía el actor fueron usados en la segunda parte. No se llegó a juicio, ya que la Universal llegó a un acuerdo con el actor por 765.000 dólares si éste retiraba la demanda. Después de lo acontecido, el "Gremio de Actores del Cine" introdujo nuevas reglas sobre el uso ilícito de los actores.

ESCENAS ELIMINADAS
Varias escenas inicialmente filmadas fueron eliminadas del montaje final de la película, pero gracias a la edición en dvd éstas fueron recuperadas:
1. El viejo Terry y el viejo Biff (24"): Terry le echa en cara a Biff que en 1955 no quiso pagarle la reparación de su coche tras el accidente con el camión de estiércol. 

2. El padre de la casa (versión extendida) (1' 15"): La escena en la que el Marty adulto llega a su casa en el 2015 era más larga originalmente. Se cortaron momentos como el de Marty hablando con sus padres, quienes le dicen que George fue atropellado en un campo de golf por un coche volador que cayó del cielo y también se cortó otro momento en el que Marty le entrega a su hijo unas gafas-televisión.

3. Pizza (versión extendida) (1' 06"): La cena de la familia McFly en el futuro era más larga originalmente. Había más interacciones entre los personajes y nos enteramos que al tío Joey le han vuelto a denegar la condicional.

4. Jennifer se desmaya (versión extendida) (20"): Escena posterior al desmayó de Jennifer al encontrarse consigo misma, en la que Marty y sus dos hijos acuden junto a ella. Al recogerla del suelo Marty dice "Está drogada otra vez."

5. El viejo Biff desaparece al lado de un coche (39"): Marty y Doc se suben al DeLorean tras recuperar a Jennifer. El viejo Biff, que acaba de regresar del pasado, se encuentra escondido detrás de un coche. Cuando Marty y Doc salen volando rumbo a 1985, Biff se desmaya y desaparece del tiempo.

6. Escuela quemada (19"): En el 1985 alternativo Marty se encuentra con su instituto destruido.

7. Marty se encuentra con Dave (1' 12"): En el 1985 alternativo, los matones de Biff echan al hermano de Marty del casino a patadas, quien es ahora un borracho. Marty le pregunta que ha pasado y donde puede encontrar a sus padres. Antes de marcharse Dave le dice que puede encontrar a su madre en el casino de Biff. Según Bob Gale y Neil Canton esta escena fue eliminada porque la actriz que diera vida a la hermana de Marty en la primera parte, Wendie Jo Sperber, no pudo participar en la película por estar embarazada y creyeron que si el hermano aparecía en la película, el público se preguntaría que le sucedió a su hermana también. 

Existen dos escenas eliminadas adicionales que no fueron incluidas en las ediciones de dvd de la película, de las cuales sólo hay vestigios de su existencia gracias a unas pocas fotografías.
8. Jennifer observa al Marty adulto ajustándose su doble corbata antes de su videoconferencia con Needles.

9. Doc descubre a Pa Peabody (el granjero que aparecía en la primera parte y al que Marty daba un susto de muerte a su llegada a 1955) y un oficial de policía al lado del anuncio detrás del cual está escondido el DeLorean. El granjero, escopeta en mano, le dice al policía que ha visto un platillo volante aterrizar (el DeLorean volador) y que está buscando al alien para matarlo. Doc escucha la conversación y le dice a Peabody que ha avistado un platillo al otro lado del pueblo. Peabody y el policía ponen rumbo al lugar que les indicó Doc.

VALORACIÓN
De entrada tengo que decir que me encanta esta película, siempre la he considerado una de las mejores secuelas jamás filmadas y eso que tiene el duro reto de ser comparada con la original, que es sencillamente perfecta. Pero esta segunda parte logra ir más lejos de lo que jamás hubiéramos podido imaginar y podemos afirmar que puede tratar de tú a tú al film original. Y aquel "¿Carretera? A donde vamos no necesitamos carreteras" es sólo el inicio de una aventura más grande que la vida.
Creo que la mejor idea que guarda la película es la de viajar a la primera parte y volver revivirla de una forma diferente. Como decía Zemeckis hace unos párrafos, es algo que nunca se había hecho antes en el cine y son de esas ideas que te hacen explotar la cabeza. Y si eso no fuera suficiente, tenemos de regalo un divertido y espectacular viaje al futuro (que siempre será el FUTURO) y un 1985 alternativo totalmente distópico. ¿Qué más se puede pedir? Si hasta tenemos a dos Martys y Docs por el precio de uno, lo que se traduce en el doble de diversión.
Por su propia naturaleza la película deja de ser la típica secuela hecha para aprovecharse del éxito de la primera entrega, para convertirse en una película con personalidad propia, que al mismo tiempo es coherente con la propia saga. Y al repetir los acontecimientos vistos en la primera parte, dándoles una nueva vuelta de tuerca, eleva la película a otro nivel y al mismo tiempo parece reírse de esas secuelas que son similares a la primera entrega, pero aquí consigue que eso sea su punto fuerte y resultar totalmente novedosa.
La película guarda ideas geniales como Marty viéndose a si mismo en el futuro y descubriendo que es un fracasado. ¿Qué haríamos si descubriéramos que no seremos quienes esperábamos ser? ¿Aprenderíamos de nuestros errores y los evitaríamos? Al final de la tercera parte descubriremos si Marty lo logra o no.
El Marty del futuro se convierte en el George McFly de esta segunda parte, un perdedor, ninguneado por otra persona (Needles en lugar de Biff) e incluso se repite el hecho de que Jennifer se casó con él por lastima, tal y como Lorraine había hecho con George.
Y hablando de repeticiones, la película parece decirnos que ciertos acontecimientos se repiten una y otra vez en la vida. Vemos a Marty de nuevo escapándose de unos matones en un monopatín, a Marty encontrándose con Biff en una cafetería con el consiguiente "¡Ey McFly!", Biff vuelve a ser sepultado por un camión de estiércol y Marty vuelve a quedarse inconsciente y a despertarse al lado de su madre.
Me encanta su visión de un futuro optimista, que curiosamente es una rareza dentro del cine, ¿cuántas películas recordáis que muestren un futuro positivo? Esto dota de una mayor comicidad a la película. Y para la gente de mi generación el futuro siempre fue el 2015 de Regreso al futuro II. Más allá de lo espectacular que lucía con sus coches y monopatines voladores, este 2015 parecía un lugar afable en el que vivir, de alguna forma la película nos daba la esperanza de que algo bueno estaba por llegar y por una vez el futuro no parecía algo a lo que tener miedo. Me gusta ese positivismo y lo encuentro al mismo tiempo muy irreverente.
El personaje de Marty McFly no es el mismo que vimos en la primera parte, aquí es un ser más pagado de si mismo y fanfarrón (recordemos el "Nadie me llama gallina"), de los que no hay ni rastro en la primera aventura. Cambiaron cosas del personaje para profundizar más en él y que tuviera su propia historia a desarrollar, su evolución a través de un arco argumental más grande y ambicioso. Algo que se resolvería en la tercera parte con un Rolls Royce de por medio. También se revela como un ser mezquino y codicioso cuando se quiere aprovecharse del almanaque deportivo en su propio beneficio, algo que no haría el Marty de la primera parte. Este acercamiento de Marty al lado oscuro altera el curso de la historia (a través de Biff), Marty debe pagar por sus pecados y arreglar el desastre que él mismo ha ayudado a crear.
Biff evoluciona en un supervillano, aquel macarra estúpido de la primera parte se convierte en la némesis más perversa de Marty McFly (incluso mata a su padre en el 1985 alternativo). Y el personaje sigue siendo tan cretino como siempre, su gran plan se lo roba a Marty, incluso para eso es mezquino y patético. El poder lo corrompe y es la muestra de lo que le habría podido ocurrir a Marty, si éste no tuviese a su lado a su brújula moral (Doc).
¿Soy al único a quien el plan de Doc de cambiar el futuro no le parece correcto? Vale que lo hace por una buena razón, pero nadie mejor que él debería saber que no se debería jugar con el futuro, que las consecuencias podrían ser terribles, las acciones de Biff con el almanaque son el mejor ejemplo. Los responsables de la película a la hora de justificar al gag final de la primera parte tienen que pagar cierto peaje, no pueden hacer olvidar que Doc llega a 1985 con la intención de salvar a los hijos de Marty e intentan hacer lo mejor que pueden dadas las circunstancias y aunque no esté bien justificado, hay que admitir que toda la parte del futuro es memorable.
Y hablemos del DeLorean, si en la primera parte el coche se convirtió por derecho propio en la mejor máquina del tiempo de la historia, el DeLorean volador de la segunda está fabricado con el material con el que se hacen los sueños. La imagen del coche volador es ya todo un icono. Lo mismo que los monopatines voladores, que se convirtieron al instante en el sueño de todo niño.
De la película me encantan hasta esos maquillajes exagerados e imperfectos a propósito. Hacen que toda la película tenga un aire extraño de comedia enloquecida que le sienta genial. Siendo todavía más enloquecida que la original.
La película se adelantó al futuro al pronosticar cosas como las Google Glass, las videoconferencias, los drones, videojuegos en los que no hay que usar las manos, televisiones con múltiples canales o el uso de huellas dactilares. Puede que no acertara en otras cosas, pero ahí dio en el blanco.
No me puedo imaginar una película más entretenida que Regreso al futuro II ni con mayor ritmo, no hay segundo que de tregua al espectador, la película se convierte en 100 minutos de puro entretenimiento. Y ese final con Marty recibiendo la carta que Doc le escribió 70 años en el pasado es sólo la guinda que redondea esta gran película. Como ver a Marty partir en el DeLorean hacia 1985 y al momento verle llegar corriendo para que Doc le ayude a viajar a 1885, es demasiado fuerte para Doc, pero también para nosotros. Se suele decir que segundas partes nunca son buenas, esta película reescribe la historia para ser la excepción a la regla.

ALMANAQUE DE CURIOSIDADES
El papel de Marlene McFly (la hija de Marty) fue escrito originalmente para Crispin Glover.
La frase promocional de Tiburón 19 es "Esta vez es REALMENTE REALMENTE personal".
Tras los 4 años que transcurrieron entre el rodaje de la primera parte y las secuelas, Michael J. Fox olvidó como montar en monopatín.
Entre las series de televisión que se pueden ver en los televisores del "Cafe 80's", se incluyen Enredos de familia (1982-89) y Taxi (1978-83), protagonizadas por Michael J. Fox y Christopher Lloyd respectivamente.
Gracias a la tumba de George McFly sabemos que su segundo nombre es Douglas y además que nació el 1 de abril de 1938.
La secuencia final de la primera parte se filmó de nuevo para esta película y contiene pequeños cambios (por ejemplo Doc se queda pensando cuando Marty le pregunta "¿Qué nos ocurre en el futuro? ¿Nos volvemos gilipollas o algo parecido?"). 
Cuando Marty intenta tocar la guitarra en el futuro interpreta de forma desafortunada "The power of love" de Huey Lewis and The News, tema principal de la primera parte.
Sin contar la escena inicial repetida de la primera parte, ésta es la única entrega en la que Marty no conduce el DeLorean ni una sola vez.
Ésta es la única película de la saga que no termina con una máquina del tiempo volando directamente a cámara.
La película significó el debut de Elijah Wood. Es uno de los niños que hablan con Marty en la máquina recreativa del "Cafe 80's".
La película se adelantó en el tiempo, en el "Cafe 80's" se muestran cuatro tipos distintos de Pepsi (Original, Diet, Max y Perfect). Pepsi Max se hizo realidad en 1993 en Europa y llegó a los EE.UU. en 2007.
La cornisa de la torre del reloj que Doc rompió en 1955 todavía sigue rota en 2015.
La versión estrenada en cines terminaba con un "Concluirá" y después se mostraba un teaser de Regreso al futuro III. Sólo Russ Meyer y Richard Lester habían hecho lo mismo antes. 
Según la noticia del periódico, que muestra como Griff y su banda son detenidos por la policía y que leen Marty y Doc tras cambiar el futuro, los nombre reales de la banda de Griff son Rafe Unger (Data), Leslie O'Malley (Spike) y Chester Nogura (Whitey).
Al estreno en Londres acudió la familia real y Christopher Lloyd se sentó muy cerca de Ladi Di, el actor recordaba que el momento en el que ella se rió más fuerte fue cuando el camión con estiércol vierte su contenido sobre Biff.
La camisa que Doc lleva en la mayor parte de la película muestra a unos vaqueros a caballo y un tren, como presagio del final de la tercera parte.
Charles Fleischer, quien puso voz a Roger Rabbit, realiza un cameo en la película, es Terry el mecánico que arregla el coche de Biff en 1955 y aparece como su versión anciana en 2015 diciéndole a Marty que hubiera querido apostar por los Cubs. Además puso voz a la abuela de Biff.
En el escaparate de las tienda de antigüedades donde Marty se hace con el almanaque deportivo, puede verse entre otras cosas, un muñeco de Roger Rabbit, la chaqueta que Marty llevó en 1985 o el videojuego de Tiburón para la NES.
En la primera versión del guión el segundo nombre de Marty era Hopkins.
Cuando llegan al futuro Doc menciona que visitó una clínica de rejuvenecimiento, esto fue incluido en el guión para que Christopher Lloyd no tuviera que constantemente llevar maquillaje para avejentarlo en las dos secuelas.
La fecha del periódico que Doc le muestra a Marty sobre el futuro es la del 22 de octubre, que es el cumpleaños de Christopher Lloyd.
En el 1985 alternativo, el presidente de los Estados Unidos es Richard Nixon, quien ha sido elegido para su quinto mandato. Esto lo descubrimos gracias al periódico que Doc muestra a Marty, con la noticia de que el científico fue encerrado en una institución mental.
El monopatín volador de Griff originalmente se llamaba "Mad Dog", a modo de presagio del personaje que aparecería en la tercera parte, al final al monopatín se le puso el nombre de "Pit Bull".
Los coches que vemos en 2015 son principalmente Ford Probes y Mustangs modificados y también varios prototipos. Pero además podemos ver entre ellos un Spinner de Blade Runner (1982) y el StarCar de Starfighter: La aventura comienza (1984).
Carl Sagan consideró a Regreso al futuro II la mejor película sobre viajes en el tiempo jamás hecha. Alabó la precisión a la hora de hablar sobre múltiples líneas temporales y lo que sucedería con ellas si realmente se pudiese viajar en el tiempo.
En esta segunda parte vemos como Biff "alegra" el ponche con alcohol y en la primera parte vemos a George beber de ese mimo ponche antes de enfrentarse a Biff en el parking. Por lo que podemos suponer que George encontró el valor para enfrentarse a Biff en el alcohol vertido por éste.
Muy pocos de los trajes originales del "Baile del encantamiento bajo el mar" fueron usados para la secuela. Lea Thompson fue la única actriz en llevar el vestido de la película original.
La torre del hotel del "Casino de Biff" era realmente la del "Plaza Hotel y Casino" de Las Vegas.

En el futuro, cuando Doc y Marty ven como el periódico del "USA Today" cambia ante sus ojos, estos son los titulares que se pueden encontrar en él:
1. Banda encarcelada: Monopatín volador desbocado destruye Palacio de justicia.
2.Comienzan los playoffs de Slamball (este deporte comenzó a televisarse en 2002).
3. Cubs barren series en 5 (en las series mundiales del béisbol son necesarias 4 victorias para ganar los playoffs y no 5).
4. Marshall corre una milla en 3 minutos.
5. Washington se prepara para la visita de la Reina Diana (Lady Di nunca fue reina y murió 8 años después del estreno de la película).
6. Banda del pulgar ataca (es una idea no usada por Bob Gale en la que en el futuro nadie usa dinero en metálico, en su lugar se usa la huella dactilar para pagar, por lo que los criminales se dedican a cortar dedos).
7. Hombre muerto por caída de basura.
8. La bolsa de Tokio sube.
9. Amenaza de terrorista suizo.
10. Trituración para caridad.
11. Presidente dice que está cansada.
12. Reina Diana (repetido).
13. Precios de las algas aumentan.
14. Pitcher suspendido por uso de brazo biónico.
15. Slamball playoffs (repetido).
16. Tiburón sin dentellada (reseña de "Tiburón 19" de estreno en 2015)

Las agentes de policía que encuentran a Jennifer inconsciente en el futuro se llaman Reese y Foley, que son los nombres que Zemeckis y Gale usan recurrentemente para los policías o agentes del gobierno en todas las películas que han escrito.
Y la policía rubia que encuentra a Jennifer inconsciente y la lleva a su casa está interpretada por Mary Ellen Trainor, mujer de Robert Zemeckis por aquel entonces.
Sólo una escena de Regreso al futuro III se filmó durante el rodaje de la segunda parte, fue aquella en la que Jennifer se despierta en el porche de su casa. Después de rodar la escena en la que Marty y Doc la dejan inconsciente en el porche en el 1985 alternativo, todo el equipo esperó a que amaneciese para rodar la escena perteneciente a la tercera parte.
Todos los resultados de fútbol americano que Biff escucha en la radio son auténticos resultados del 12 de noviembre de 1955.
En el futuro Doc menciona que dejó a su perro Einstein en una perrera tiempoestática. Esto fue incluido en el guión para explicar porqué el perro no estaba con Doc cuando éste viajó a 1985 para recoger a Marty y Jennifer.
En la versión española a Marty le llaman "Levi's Strauss" en 1955, después de que Lorraine vea ese nombre escrito en su ropa interior, pero en la versión original el nombre era "Calvin Klein".
Cuando Doc llega al 2015 dice "Lástima que Correos no sea tan eficaz como el servicio meteorológico", al final de la película esto se vuelve cierto, cuando la carta que le escribió a Marty en 1885 es entregada por el servicio postal en 1955 a la hora exacta.
Doc expresa su deseo de visitar su época preferida de la historia, el antiguo oeste y sugiere que se dedicará al estudio de las mujeres, a modo de presagio en Regreso al futuro III hará ambas cosas.
El videojuego Wild Gunman al que Marty enseña a jugar a unos niños en 2015, fue creado expresamente para película y tiene gráficos diferentes (incluso peores que los del juego original). El videojuego existía para la consola NES, pero nunca se comercializó en arcades como tal. Aunque las PlayChoice-10 (máquinas de arcade que permitían jugar a 10 juegos de la NES durante 3 minutos) de Nintendo lo incluían.
La película tiene lugar el 26 de octubre de 1985, el 21 de octubre de 2015, el 26 y 27 de octubre del 1985 alternativo y el 12 de noviembre de 1955 en este orden exacto.
Cuando Marty habla con Needles por videollamada, es mucha la información que aparece en la pantalla sobre él. Su nombre es Douglas J. Needles. Ocupación: Operaciones Sys. Edad: 47. Fecha de nacimiento: 6 de agosto de 1968. Dirección: 88 Oriole Rs, A6t. Esposa: Lauren Anne. Hijos: Roberta, 23 y Amy, 20. Comida preferida: Filete de ternera, comida mexicana. Comida que no le gusta: Pescado, atún. Bebidas: Whisky escocés, cerveza. Hobbies: Ávido fan del baloncesto. Deportes: Jogging, Slamball, Tenis. Intereses políticos: Ninguno.
El Biff del 1985 alternativo está vagamente inspirado en el multimillonario Donald Trump. Y Lorraine en la televangelista y cantante Tammy Faye.
Para recrear el Hill Valley de 1955 en esta segunda parte tuvieron que limpiar todo el set y dejarlo tal y como estaba en la primera parte, esto fue más costoso que construir todo el pueblo en la primera parte.
Aunque Marty y su hijo parecen exactamente iguales hay una pequeña diferencia entre ellos, Marty tiene los ojos azules y su hijo marrones.
En el 1985 alternativo cuando Marty ve un documental sobre la vida de Biff se muestra una imagen de Buford "Mad Dog" Tannen, que aparecería en la tercera parte. Según Bob Gale la foto pertenece a una prueba inicial de maquillaje del personaje y el aspecto del villano cambiaría al comenzar el rodaje de Regreso al futuro III.
Cheryl Wheeler Duncan, doble de Darlene Vogel, sufrió una lesión al rodar la escena del monopatín volador, por un percance técnico, se golpeó contra un pilar de hormigón.
El "Cafe 80's" del 2015 es la suma de las dos negocios anteriores del lugar, el "Lou's Cafe" de 1955 y el gimnasio de 1985, ya que el "Cafe 80's" es una cafetería donde la gente hace ejercicio.
Cuando rodaron la secuencia en la que los McFly se sientan alrededor de la mesa en 2015 tuvo lugar un terremoto entre tomas. El equipo tuvo miedo que partes del decorado se hubiesen movido por el temblor, sobre todo por la complejidad de las tomas que tenían que encajar con las que había hecho Michael J. Fox interpretando 3 personajes distintos. Para sorpresa del equipo nada se había movida y todo estaba exactamente en el mismo lugar.
Sin contar todos los viajes que Doc hizo en el futuro hasta regresar a 1985 a por Marty, el tiempo que el DeLorean ha viajado en el tiempo a lo largo de la trilogía es de 130 años, 9 meses, 20 días, 16 horas y 29 minutos.
Michael J. Fox cobró 5 millones por protagonizar la película. El mismo sueldo que cobró por la tercera entrega. 
Parte del metraje de los títulos de crédito en la que la cámara vuela a través de las nubes, fue creado por la ILM para la película Firefox (1982).

Varias escenas escritas originalmente en el guión fueron eliminadas tras pasar éste por sucesivas reescrituras:
1. Durante la persecución con el monopatín en 2015, Marty se agarraba a un coche volador que lo impulsaba a una gran altura, cuando se soltaba, Doc lo salvaba en una furgoneta voladora.
2. Tras descubrir que Biff se entregó el almanaque en el pasado, Marty y Doc huían en el DeLorean durante un tiroteo policial. Los circuitos de vuelo del coche eran dañados por los disparos, entonces Doc lanzaba el DeLorean contra el suelo para alcanzar las 88mph.
3. Tras los acontecimientos de la primera parte, Pa Peabody, el granjero al que Marty daba un susto de muerte al llegar a 1955, fuera internado en una institución mental por afirmar haber visto una nave espacial. Una vez sale de dicha institución, Peabody ve al DeLorean volando y le dispara con su escopeta, dañando el generador de fusión (en posteriores versiones serían los circuitos temporales). Ésta era la razón original por la cual la pantalla de destino temporal parpadeaba e indicaba 01/01/1885.
4. Con el generador de fusión y los circuitos de vuelo dañados, Marty y Doc vuelan el DeLorean sobre unas líneas de alta tensión sobre el Gran Cañón para generar la energía suficiente para regresar a 1985.  

Cuando Biff regresa al 2015 después de entregarse el almanaque, vemos como sufre una agonía, según Zemeckis el dolor de Biff no se debe al golpe recibido al salir del coche, si no que le sucede lo mismo que a Marty en la primera parte, se está desvaneciendo de la historia. Biff alteró de tal forma el pasado que cambió el curso de su vida y por lo tanto no estará vivo en 2015. Según borradores del guión, Lorraine lo mataba de un disparo en 1996. La desaparición de Biff fue eliminada del montaje final y puede verse en la sección de escenas eliminadas.
El 12 diciembre de 2008 el monopatín volador de Marty McFly fue vendido en una subasta por un precio que rondaba los 30.000/50.000 dólares.
Lea Thompson y Thomas F. Wilson son los únicos actores que interpretan a los mismos personajes y sus antepasados en los cinco periodos de tiempo en los que transcurre la saga (1985, 1955, 2015, 1985 alternativo y 1885).  
Cuando en el 2015 la joven Jennifer entra en su futura casa, su hija Marlene (Michael J. Fox) baja las escaleras y pregunta "¿Mamá?, ¿mamá, eres tú?", que es la misma frase que Marty dice en cada película al despertarse tras quedarse inconsciente.
En 1997 existió la leyenda urbana de que la película predijo que los Florida Marlins ganarían las Series Mundiales de béisbol. Pero dicha leyenda urbana no es cierta, en ningún momento se habla sobre este equipo. Lo que sucede es que cuando Marty llega al futuro ve en un noticiero holográfico que los Chicago Cubs han vencido a Miami en las Series Mundiales de 2015. Nunca se hace referencia a los Marlins, sólo a un equipo que tiene también sede en Florida, como el ficticio equipo de Miami. Lo único que realmente predijo la película es que Miami tendría un equipo de béisbol en las grandes ligas (lo conseguiría 2 años después del estreno de la película).
La película tiene otra leyenda urbana en su poder, ésta centrada en el famoso monopatín volador y como tras el estreno de la película mucha gente creyó que era auténtico. Posiblemente fue a causa de la ilusión del público por querer que fuera real que la leyenda cobró vida. Y el logo de Mattel en el monopatín sólo le daba mayor autenticidad al mismo. Además, a modo de broma, Robert Zemeckis comenzó a responder que sí eran auténticos a la gente que le preguntaba como podían hacer que volasen. Esto no hizo más que incrementar la leyenda. Fueron muchas las personas que llamaban a Mattel para preguntar como podían conseguir uno.


Labels: ,

Saturday, February 14, 2015

Starship troopers

"El único insecto bueno es el que está muerto."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

En el futuro, la humanidad se rige por un poder totalitario y militarista y sólo los miembros del ejército son considerados ciudadanos. Johnny Rico, un joven de Buenos Aires, se alista para impresionar a su novia, quien quiere ser piloto. Pronto estallará una guerra contra un planeta habitado por insectos gigantes. Será entonces cuando Johnny tenga que entrar en combate, pero los insectos demostrarán ser más peligrosos de lo esperado.

TROPAS DEL ESPACIO
Pese a lo que pueda creerse, Starship troopers (Starship Troopers, 1997) surgió como un proyecto independiente, ajeno a la novela (más que interesante) "Tropas del espacio" de Robert A. Heinlein. Ed Neumeier ideó una historia de título "Bug Hunt at Outpost Nine", sobre jóvenes que son enviados a una guerra contra insectos gigantes en el espacio y se la presentó al director Paul Verhoeven (Desafio total), con quien había trabajado en RoboCop. Juntos trabajaron en el proyecto coincidiendo con la finalización de Instinto básico por parte de Verhoeven. Al director le interesó el proyecto porque le recordó a las películas de ciencia ficción de los 40 y 50 como La humanidad en peligro (1954) o similares, aunque para su película el director quiso alejarse de la serie B. 
Dadas las similitudes temáticas con la obra de Heinlein y el descubrimiento por parte del productor Jon Davinson, que los derechos de la novela estaban libres, se decidieron a comprarlos y hacer su adaptación propiamente dicha. Verhoeven declaró que no le gustó la novela y comprendió que tenían que distanciarse de ella, mostrando el mundo militarista e incluso fascista que retrata, de una forma irónica.
Por ese hecho, existen bastantes diferencias entre novela y película. Para empezar la película se aparta ideológicamente de la novela, a la cual podría considerársela una obra fascista y probélica. En la novela apenas se retrata la guerra, principalmente se centra en el entrenamiento de los soldados, sólo se habla de batallas al comienzo y final de la misma. El romance entre Rico y Carmen en la novela no existe, sólo tienen una breve relación platónica. En la novela Dizzy Flores es un hombre y en la película se cambió su sexo y se creó un triángulo amoroso al estar ella enamorada de Rico. Toda la trama de Carmen convirtiéndose en piloto y participando en la guerra no existe. En la novela el padre de Rico no muere en el ataque a Buenos Aires y termina alistándose en el ejército. Rico y él tienen un encuentro antes de que ambos partan a una batalla. En la película se omiten por completo los sofisticados trajes blindados motorizados de los soldados de la novela, los cuales les permiten ser más fuertes y saltar a gran altura. Los bichos en la novela tienen armas y naves espaciales. Al contrario que en la novela, en la película las mujeres sí forman parte de la Infantería Móvil. Se elimina en la película cualquier referencia a los "Flacuchos", raza nativa humanoide aliada de los bichos. El personaje de Rasczak de la película es la combinación de los personajes del coronel DuBois (profesor de Rico), el sargento de sección Jelal y el teniente Rasczak de la novela.

¡GUERRA EN SONY!
La revista "Variety" anunciaba en diciembre de 1993, el inicio de las conversaciones con Verhoeven para el desarrollo de Starship troopers bajo el sello TriStar Pictures.Y fue bajo esta productora donde la película vio la luz. Pero el porqué una película como Starship troopers (hiperviolenta, con desnudos, de una gran carga antibelicista y con su elevadísimo presupuesto) pudo gestarse dentro de un gran estudio de Hollywood se debe principalmente a la delicada y caótica situación por la que pasó la Sony en los 90.
Vayamos con una pequeña lección sobre la historia de Hollywood. Por aquel entonces Sony Pictures Entertainment era la dueña de TriStar Pictures y también de la Columbia Pictures Industries. Mike Medavoy era el presidente de la junta directiva de la primera y Mark Canton el de la segunda. En enero de 1994 se eligió a Canton para el recién creado puesto de presidente de la junta directiva de la "Columbia TriStar Motion Picture Cos." quedando fuera Medavoy. En junio de 1994, Fred Bernstein fue nombrado presidente de la "Columbia TriStar Motion Picture Cos." (no confundáis presidente con presidente de la junta directiva) para suplir la marcha de Jonathan Dolgen a la Paramount. Peter Guber era el presidente de la junta directiva y CEO de la Sony Pictures Entertainment y fue obligado a dimitir en septiembre de 1994, tras hacer perder a la compañía 3.200 millones de dólares. Alan J. Levine reemplazó a Guber en su puesto. Marc E. Platt era el presidente de la TriStar en la época de Medavoy y fue obligado a salir de la TriStar en julio de 1996, siendo sustituido por Robert Cooper. Según la "Associated Press", al ocupar el cargo, Cooper declaró que no revisaría las películas planeadas previamente por TriStar, lo que incluía a Starship troopers. Si no era suficiente, Canton fue despedido en septiembre de 1996 tras acumular varios fracasos de taquilla como El último gran héroe, Gerónimo, Mary Reilly o Un loco a domicilio. El puesto de Canton no fue ocupado por nadie como tal, pero su papel dentro de la empresa fue asumido por Lucy Fisher (vicepresidenta de la junta directiva de la Columbia TriStar Motion Cos.) y Fred Bernstein. Como no podía ser de ota forma, poco después Bernstein abandonó su cargo. Y Levine resignó a su puesto en octubre de 1996. Al mes siguiente, John Calley ocupó el puesto de Levine. Stacey Lassally Snider, presidenta de producción de la TriStar, se fue a la Universal en diciembre de 1996, compañía en la que trabajaba Platt. Kenneth Lemberger fue nombrado presidente de la ahora Columbia TriStar Motion Picture Group (aunque la Columbia y la TriStar no se fusionaron hasta 1998) en enero de 1997. Cooper fue el presidente de la TriStar hasta mayo de 1997, al parecer dejó el cargo por diferencias con Calley y se fue a Dreamworks como jefe de producción. El puesto de Cooper no fue ocupado por nadie, Fisher y Gareth Wigan (co-vicepresidente de la junta directiva de la Columbia Tristar Motion Group) realizaron las funciones de aquel. Chris Lee fue nombrado presidente de producción de la TriStar en mayo de 1997 y fue quien se hizo cargo de Starship troopers hasta su estreno.
Con semejante vaivén de gente es fácil comprender como Starship Troopers pudo completarse sin llamar la atención de nadie y gracias a todo ese caos pudo ver la luz una auténtica rareza del cine comercial.

DANDO VIDA A LOS INSECTOS
De los 100 millones de presupuesto, 40 se dedicaron a los efectos especiales. El deseo de Verhoeven era mostrar a insectos fotorrealistas y que además parecieran auténticos insectos, no simplemente monstruos. Para ello contó con la ayuda de Phil Tippett y Craig Hayes. 
Tippett (con quien Verhoeven había trabajado en RoboCop), a través de su compañía Tippett Studio, hizo realidad lo imposible, insectos fotorrealistas a plena luz del día. Para lograrlo usó la tecnología más puntera de la época, utilizando modelos a escala de los insectos conectados a dispositivos de entrada digital, podía trasladar los movimientos de los modelos directamente a un ordenador, que lo convertía en un entorno digital.  
Y Hayes se encargó de diseñar a los insectos, creando toda una jerarquía militar por decisión de Verhoeven. Inicialmente se iban a mostrar diez tipos diferentes de insectos, pero al final se decantaron por seis, el escarabajo de arena arkeliano (el más pequeño y conocido también como insecto carro), el insecto tanque (que lanza fuego), el insecto volador (que como su nombre indica puede volar), el insecto guerrero (parecido a un arácnido), el insecto plasma (que puede lanzar plasma desde su trasero y llegar al espacio) y el cerebro (que se alimenta de cerebro humano y es la inteligencia del ejército de los bichos).
Para que los actores tuvieran algún tipo de referente durante el rodaje y para que supieran donde estarían los insectos, que serían añadidos posteriormente en postproducción, se colocaban banderas en unas astas, que daban una referencia de su posición y altura. Y además el equipo les describía lo que iba a suceder en cada escena explicándoselo mediante storyboards. Y si eso no bastaba, el propio Verhoeven se ponía a gritar a los actores haciéndose pasar por un insecto. 
Starship troopers fue un ejemplo de como varias compañías de efectos tuvieron que trabajar conjuntamente y repartirse las labores para la creación de efectos visuales. Hubo planos en los que incluso tuvieron que colaborar varias compañías al mismo tiempo. La película contiene aproximadamente 400 planos de efectos visuales. El Tippett Studio se hizo cargo de la animación de los insectos, llegando a participar en cerca de 250 planos. Sony Imageworks, bajo el liderazgo de Scott Anderson, se encargó de aproximadamente de 125 planos (entre otros, las naves en formación en el espacio, la colisión entre la nave Yamamoto y la Marshall o la destrucción de la Rodger Young). La popular ILM se hizo cargo de 43 planos (por ejemplo, el primer vuelo de Carmen en la Rodger Young o la destrucción de un asteroide que amenaza la Tierra desde una base lunar). 
El resto de compañías fueron, Boss Film Studios (encargada de secuencias de las naves en el espacio, como el espectacular plano en el que la cámara recorre la Rodger Young hasta terminar en el puente de mando de la nave), Amalgamated Dynamics (creación de los animatronics de los insectos), Banned From the Ranch (responsable de los gráficos y textos mostrados en los anuncios de la Cadena Federal), POP Film (se encargó de componer varios planos creados por otras compañías, como la acción evasiva de la Rodger Young para evitar chocar contra un asteroide), Compound Eye (al cargo de los matte paintings, el más espectacular, la imagen de Buenos Aires destruida), Visual Concept Engineering (se centró en borrados digitales, planos rodados con control de movimiento y composiciones digitales, por ejemplo, se encargaron de borrar el soporte que hacia que Rico flotase en el tanque líquido donde se cura, crearon los rayos láser de las armas que los soldados usan en las maniobras en el campo de entrenamiento o insertaron un látigo digital en la secuencia en la que Rico es azotado) y Kevin Yagher Productions (fue la encargada del maquillaje y de la creación prótesis, como todos los cuerpos mutilados y cadáveres que se ven a lo largo de la película.

RODAJE EN KLENDATHU
El rodaje comenzó en abril de 1996 y se prolongó hasta octubre del mismo año. El sistema Klendathu donde habitan los bichos, cobró vida gracias a diversas localizaciones. El planeta "Tango Urilla" fue recreado en el Parque Nacional de Badlands (Dakota del Sur), donde tiene lugar la batalla con el insecto tanque y en el Parque Natural de Vasquez Rocks (Escondido Canyon Road, California), que es donde Rasczak recompensa a sus "Recios" con diversión. Y "Hell's Half Acre" (Wyoming) hizo la doble función de convertirse en el planeta Klendathu (donde tiene lugar la batalla nocturna en la que Rico es herido) y en el planeta P (que es donde se produce la emboscada por parte de los insectos a los "Recios" en el campamento y también donde tiene lugar la batalla final).
El rodaje tuvo lugar también en varias localizaciones de California, el "Los Angeles Convention Center" (Los Angeles) se convirtió en el puerto espacial donde los protagonistas parten para su servicio en el ejército, el "Kaiser Permanente Medical Center" (Baldwin Park) fue utilizado para dar vida al instituto de los protagonistas, "The Pyramid" (Long Beach) es donde tiene lugar el partido de fútbol americano entre los equipos de Johnny y Zander y la "Henman House" (Malibu) fue convertida en la casa de los padres de Johnny. Además el campo de entrenamiento militar de Johnny fue construido en "Mile Square Regional Park" (Fountain Valley), en una antigua pista de aterrizaje de la Armada. Los interiores se rodaron en los Sony Pictures Studios en Culver City (California).
En lo referente a la elección de los actores Verhoeven afirmó que "Quería que tuvieran una mirada inocente. Busqué actores que fueran muy hermosos físicamente, porque quería mostrar una sociedad regida por cierta pureza física. La novela original tenía un aire neofascista en ese sentido." Y así fueron reclutados Casper Van Dien (Johnny Rico), Denise Richards (Carmen Ibanez), Dina Meyer (Dizzy Flores), Jake Busey (Ace Levy), Neil Patrick Harris (Carl Jenkins), Patrick Muldoon (Zander Barcalow), Seth Gilliam (Sugar Watkins), Eric Bruskotter (Breckinridge), Brenda Strong (Capitana Deladier), Clancy Brown (Sargento Zim), Michael Ironside (Jean Rasczak), Dean Norris (como un comandante sin nombre), Amy Smart (Stack Lumbreiser) y Rue McClanahan (como la profesora de biología).
Verhoeven insistió en que los actores fueran entrenados como soldados para que tuvieran cierta experiencia militar. El propio director, quien vivió la Segunda Guerra Mundial cuando era un niño y perteneció a la Real Marina Holandesa, aportó parte sus recuerdos para incorporarlos a la película "Las imágenes de las naves quemándose que aparecen en la película están basadas en los recuerdos de mi niñez, durante la Segunda Guerra Mundial, cuando veía aviones en llamas cayendo frente a mi ventana. [...] Muchas imágenes también están relacionadas con mi experiencia en la Marina, cuando navegaba en barcos enormes. [...] Por eso pienso que quería combinar diferentes facetas de mi vida. Me interesaba hablar de una guerra que me recordaba a la Segunda Guerra Mundial, pero también de la ciencia ficción, de mi etapa en la escuela superior y de cuando me enrolé en el ejército. Tenía guardadas todas esas experiencias que viví antes de los veinte años, y se me ocurrió que una película de ciencia ficción era una bonita manera de proyectar las emociones de aquella época."
La escena de la ducha colectiva trajo algún problema, tal y como relata Verhoeven "Cuando firmamos el contrato para hacer la película estaba perfectamente especificado que los actores iban a tener que rodar una escena en unas duchas, totalmente desnudos. Pero, de todos modos, yo sentí que al momento de realizar la escena tenía que inspirar a mis actores de alguna manera, por eso decidí que si ellos se tenían que desnudar, yo y mis compañeros del equipo técnico bien podíamos dar el primer paso y estar desnudos para que ellos se sintieran más cómodos. Así que me bajé los pantalones y luego me siguió el director de fotografía. Sirvió, porque todo el mundo se rió mucho y el ambiente se relajó bastante."
Durante el rodaje Verhoeven escribió nuevas escenas para el personaje de Denise Richards, incluida una escena de sexo en la que la actriz debía aparecer desnuda, pero la protagonista de Juegos salvajes se negó a rodarla, según ella "No pensé que tuviera que ver con mi personaje o con la película, la cual tenía más que suficiente pasando entre la acción y el trasfondo de crítica social y política."

SS TROOPERS
Una vez concluido el rodaje comenzaron los problemas, incluso a la hora de vender la película. Así lo relataba Verhoeven "El equipo de promoción lo pasó mal. No tenía ni idea de cómo vender Starship troopers. Sólo hubo una campaña absolutamente maravillosa en Inglaterra, donde colgaron enigmáticos pósters gigantes por toda la ciudad con frases clave escritas en letras enormes como «EL ÚNICO INSECTO BUENO ES EL QUE ESTÁ MUERTO». Entendieron a la perfección el tipo de ironía de la película."
Y los problemas continuaron con la reacción de la crítica. Un artículo de Stephen Hunter para el "Washington Post" condenó la recepción crítica de la película. En dicho artículo se acusaba a la película de fascista. Hunter en su análisis soltó perlas como "Es espiritualmente nazi. Psicológicamente nazi. Viene directa de la imaginación nazi y está ambientada en el universo nazi" o "A diferencia de películas de una sociedad civilizada que ven la guerra como una debilitante y trágica necesidad, tales como El puente sobre el río Kwai o Platoon o Adiós a las armas, esta película lo considera como una experiencia profundamente conmovedora."
Si la crítica en norteamericana arremetió contra la película, la europea no se quedó atrás. Ésta se hizo eco de las palabras de Hunter y extendió la opinión negativa sobre la película por el continente. "No paraba de intentar explicar nuestras intenciones y ellos no paraban de gritarme que era un maldito fascista. Cuanto más fascista era el país, de más mala leche se ponían con la película." Declaró su director.
La película tenía su estreno previsto para agosto, pero como la Sony tenía en cartera otras películas de ciencia ficción para ese verano (como por ejemplo Hombres de negro y El quinto elemento), hizo que su estreno se retrasase hasta noviembre. Lo que dio tiempo a los genios de los efectos visuales a pulir aún más su trabajo. Y que permitió que la película recibiese una merecidísima nominación al Oscar a los mejores efectos visuales (Phil Tippett, Scott E. Anderson, Alec Gillis y John Richardson), estatuilla que terminaría llevándose Titanic, como en la mayoría de categorías de aquel año.
El film se terminó estrenando el 7 de noviembre de 1997 y como hacían augurar sus malas críticas, la película perdió su guerra contra la taquilla. En los EE.UU. sólo recaudó 54.814.377 de dólares y en el resto del mundo acumuló otros 66.400.000 más.

ESCENAS ELIMINADAS
La edición en dvd de la película incluye 5 escenas cortadas del montaje original, las cuales todas tienen que ver principalmente con el personaje de Carmen y en su relación con Johnny y Zander. En estas escenas se deja claro que ella mantiene una relación con Zander, en lugar de estar sólo sugerido como en la película.
1. Johnny se encuentra con Carmen en los jardines de su instituto y se sienta a su lado. Primero él comenta la baja puntuación que ha sacado en el examén de matemáticas. Después comienzan a besarse y Johnny introduce su mano dentro de la chaqueta de Carmen, entonces él le pregunta si se acostarán juntos, a lo que ella responde que sí quiere hacerlo, pero que quiere que sea especial y siguen besándose.
2. Carmen mantiene una breve conversación con Johnny antes de subirse a un transporte, él quiere acompañarla a su casa, pero ella le dice que no puede porque su padre está allí, Johnny se queja de que éste le trata como a un criminal y Carmen le responde que eso es porque los padres de él no son ciudadanos. Ella se sube al transporte y se aleja.
Tras unos test de audiencia, el público (de ambos sexos) creyó que una mujer no podía estar enamorada de dos hombres al mismo tiempo, de modo que se decidió cortar las siguientes escenas y dar una ambigüedad a la relación entre Carmen y Zander, sin mostrarse nunca claramente lo que sucede entre ambos.
3. Zander va al cuarto de Carmen, quien está llorando tras descubrir que Johnny a muerto, él intenta consolarla, le dice que estará allí para ella siempre, ella le besa y se recuestan en la cama.
4. Carmen se encuentra en su cuarto preparándose para asistir al funeral de Dizzy. Zander le pregunta cuales son sus sentimientos por Rico y ella no es capaz de darle una respuesta.
5. Tras la captura del insecto cerebro, Carmen se acerca a Rico y le da las gracias por haberle salvado la vida. Él le dice que lo hizo por los dos y ambos se besan, dando a entender que han vuelto juntos. Según los test de audiencias el que ambos se besaran tras la reciente muerte de Zander (y sin olvidar que Carmen había dejado a Rico por su carrera profesional), hacia la escena de lo más inmoral y por eso fue cortada.

VALORACIÓN
Starship troopers es posiblemente la película nauseabundamente menos militarista de la historia y la que muestra un mayor sarcasmo, mala leche y realismo, a la hora de hablar sobre la guerra. Verhoeven filmó una de las películas más lúcidas de los 90, que no fue aceptada por todos. La crítica no vio el sarcasmo que impregnaba cada escena y la gran sátira que encierra, cuando se muestra una escena de guerra no hay exaltación militar, todo lo contrario se muestra lo repugnante que puede llegar a ser la guerra, vemos las consecuencias de cada disparo y el número incontable de vidas que se pierden en una contienda, incluso la parte del entrenamiento de los soldados está llena de dureza (éstos son golpeados, fustigados, heridos e incluso acaban muertos durante esa etapa). Cuando un militar dice "La Infantería Móvil hizo de mí el hombre que soy ahora" y después vemos que a ese hombre le faltan las piernas, la película con brocha gorda nos da clara, su opinión sobre un conflicto armado, convirtiendo a la historia en una sátira. No estamos frente a Top Gun o Rambo: Acorraldo, parte II, que son costosas campañas de reclutamiento. La guerra es algo horrible y Starship Troopers así nos lo muestra.
Verhoeven nos habla del fascismo y recurre a muchas referencias a la Segunda Guerra Mundial para ello. Todo ese universo militarista es una extensión amplificada y deformada del nazismo. Cuando vemos los uniformes y las banderas vemos en realidad símbolos hitlerianos. Y eslóganes como el famoso "El único insecto bueno es el que está muerto" eran usados en la segunda gran guerra por los norteamericanos como propaganda contra los japoneses. Y hablando de propaganda, Verhoeven la usa (en forma de anuncios de internet insertados en la historia) como medio para la manipulación del pueblo, reflejando de paso la ideología de esta sociedad. Esos anuncios adoptan el estilo de la propaganda nazi, copiando planos de Leni Riefenstahl, aunque también imita el estilo de los "Fox Movietone News" de la WW2.
El gobierno manipula a la población, son los humanos los primeros en mover ficha, ocupando el planeta de los insectos y el ataque a Buenos Aires no es si no, una represalia por parte de éstos. El gobierno usa la propaganda para demonizar a los insectos y que la sociedad apoye la guerra (vasta recordar el anuncio en el que una madre se alegra al ver como sus hijos aplastan unas cucarachas). Pero los personajes de la película no reaccionan ante nada de esto, porque asumen esta realidad como auténtica, creen en ella. En ningún momento nos presentan a un personaje que sea la brújula moral de la historia y que se de cuenta del error de esta sociedad militarista. Sólo nos deja pistas (el soldado mutilado que dice el ejército le ha convertido en el hombre que es, los institutos como lugares de reclutamiento encubiertos, la brutalidad de las batallas, las referencias al nazismo, el uso descarado de la propaganda militar) y sobre todo, nuestra propia moralidad para juzgarla. Verhoeven deja en nuestras manos el definir la idelogía de la película, nuestro código moral nos permitirá detectar este problema, pero si por el contrario uno es un fascista, sólo verá fascismo en ella. La película se demuestra así como mucho más inteligente de lo que podría parecer a simple vista.
En definitiva, Starship troopers hace una desmitificación de la sociedad americana mostrando su pasión por las armas, su dependencia de la guerra y su fascinación por la violencia. En este mundo distópico en el que nos sumerge la película, el mayor interés de la población es pertenecer al ejército (si no eres ciudadano, no eres nada). Starship troopers nos muestra lo erróneo de una sociedad con una creciente tendencia militarista como la americana y hasta donde ésta podría llegar.
Además este futuro distópico guarda ciertos apuntes interesantes. Como la perdida de identidad en los sexos (como muestra la escena de la ducha unisex o el partido del fútbol americano). La falta de discriminación de razas (como ejemplifica el uso de la canción "I Wish I Were in Dixie" de la guerra civil americana, que era básicamente el himno del Sur, que es aquí usado por todos los soldados sin importar su raza). O los juicios rápidos llevados hasta el extremo (uno de los anuncios de la Red Federal muestra como un hombre es sentenciado a la pena de muerte un día y como será ejecutado al siguiente).
La elección de actores provenientes de series de televisión, principalmente de Sensación de vivir o Melrose Place, se debe a que Verhoeven no quiere que nos identifiquemos con los personajes que pueblan la película, quiere que disfrutemos de como estos seres unidimensionales y perfectos sufren y son destrozados en batalla, no nos los muestra como verdaderos héroes, sino como parte de una maquinaria belicista. El director siempre ha entendido que toda película debe ser entretenida, pese a lo duro de su trama y nosotros disfrutamos viendo a todos esos personajes pasarlo canutas. Y la verdad es que nos da igual ver como caen como moscas, porque no sentimos ningún tipo de empatía hacia ellos, nos cuesta simpatizar con unos seres insensibles (hasta estúpidos) cuyo único objetivo en la vida es ser militares y matar (aunque le echo en cara a Verhoeven que no eliminase a la insoportable Carmen). Además la película parece que hace todo lo posible porque nos resulten odiosos. Por ejemplo, nunca sabemos a que juega Carmen y ese doble juego que tiene con Rico y Zander. Ace se ríe cuando a Rico lo azotan porque ha conseguido su puesto y hace lo mismo cuando el General Owen es envestido por un insecto volador. Dizzy le suelta pullas a Carmen sólo porque le gusta Rico. En la escena de las duchas, Djana'D hace una mueca de desprecio hacia Katrina porque ésta dice que se alistó porque quiere ser madre. Rico sonríe cuando Zim le da una paliza a Dizzy. Rico, Dizzy y Ace no parecen muy apenados tras la masacre de Klendathu en la que perdieron a varios de sus amigos. El sargento Zim se degrada simplemente para poder volver a luchar. Todos los soldados vitorean al final de película, cuando Carl afirma que el cerebro tiene miedo. Incluso la trama romántica de la película parece sacada de una de esas series de los 90 (lo que no ayuda a que nos caigan mejor).
Creo que también en estas elecciones del reparto hay algo en ellas relacionado con escoger iconos o estereotipos de la cultura americana (el capitán del equipo de fútbol americano convertido en héroe, quien a su vez sale con una especie de reina del instituto, el típico joven que sólo piensa en acostarse con su novia, los triángulos amorosos dignos de cualquier serie juvenil, el duro oficial de entrenamiento que en el fondo no es tan duro, el profesor que motiva a sus alumnos) para que el público los reconozca fácilmente y después la película se encargue de pervertirlos.
Pero al final la elección de los actores y las personalidades y tramas simplistas de los personajes, marcan los principales puntos débiles de la película, la cual también se empaña de esa simpleza. Es el peaje que debe pagar la película al hacernos imposible empatizar con sus personajes y al querer que éstos no sean más que carne de matadero.
Verhoeven sabe como filmar una superproducción de estas dimensiones y convierte a la película en un gran film de acción y aventuras, con un ritmo perfecto. Incluso la parte del entrenamiento resulta de lo más entretenida, pero el plato fuerte comienza cuando la acción se traslada al planeta de los bichos, a partir de ahí, asistimos a un espectáculo impresionante (uno de los mayores de los 90), con unas batallas violentísimas (geniales todas ellas) filmadas por Verhoeven sin ahorrarnos ni una gota de hemoglobina. Ver a miles de insectos juntos en pantalla o los enfrentamientos de la Infantería Móvil cuerpo a cuerpo contra ellos, son imágenes difíciles de olvidar.  Starship troopers es una modernización de La chaqueta metálica, pero a diferencia de Kubrick, a Verhoeven no se le escapa la película una vez termina la instrucción, cuando estalla la guerra, la película se convierte en una experiencia memorable y donde asistimos a la verdad con la que se topan los jóvenes soldados, no hay nada de glorioso en la batalla, sólo muerte.
No nos vamos a engañar, Starship troopers no es una obra maestra, ni el mejor film de Verhoeven (ni siquiera dentro de la década de los 90), pero es un fascinante relato de ciencia ficción, con una carga antibelicista que la convierte en una rara avis dentro del cine comercial norteamericano. Un espectáculo desmedido e hiperrealista realmente disfrutable, que no fue entendido por todos en su momento (al parecer incluso los actores creían estar en la clásica película de guerra patriótica). Pero el tiempo ha demostrado que estamos ante un film único (es casi inconcebible que un estudio de Hollywood vuelva a producir una superproducción con una carga antimilitarista como ésta). Starship troopers perdió la batalla con el público y la crítica en el momento de su estreno, pero con el paso del tiempo ha terminado ganando la guerra.

¿DESEA SABER MÁS?
Casper Van Dien se rompió una costilla al rodar la escena en la que salta desde un insecto tanque.
Fue usada más munición que en cualquier otra película antes filmada.
Las escenas del informativo que muestran la destrucción de Buenos Aires son el realidad videos de los incendios de Oakland (California) en octubre de 1991.
El guionista Ed Neumeier realiza un cameo, es el hombre que es condenado a muerte en uno de los anuncios de la Cadena Federal. Y el productor Jon Davison realiza otro, es el dueño del perro muerto en el ataque a Buenos Aires que suelta el popular "El único insecto bueno es el que está muerto."
Mark Wahlberg rechazó el papel de Johnny Rico. James Marsden también fue considerado para el papel.
La película tiene a dos de los villanos de la saga de Los inmortales, Clancy Brown, que era el memorable Kurgen en la primera parte y Michael Ironside, que interpretaba al menos memorable Kitana de la segunda.
Cyrano, la mascota de Carl, era originalmente una rana en lugar de un hurón.
La película ha conocido varias secuelas Starship troopers 2: Hero of the Federation (2004), Starship troopers 3: Marauder (2008) y Starship troopers: Invasion (2012), ésta última se trata de un film de animación. Phil Tippett dirigió la segunda parte y Edward Neumeier la tercera. Casper Van Dien retomó su papel de Johnny Rico en la tercera entrega.
La película está dedicada a Gavin Gharrity (asistente de producción de cámara de Showgirls) y Tom O'Halloran (segundo asistente de cámara de Showgirls).
En Desafío total Michael Ironside pierde ambos brazos en su pelea final con Schwarzenegger. En Starship troopers le falta un brazo y al final pierde ambas piernas arrancadas por uno de los insectos.
Steven Ford, que interpreta al Teniente Willy, es hijo del ex-Presidente de los EE.UU. Gerald Ford.
Al igual que RoboCop, Instinto básico, Showgirls y El hombre sin sombra, Starship troopers dio pie a secuelas (algunas directas a video), partiendo de una película dirigida por Paul Verhoeven y ninguna de ellas fue dirigida por el director holandés.
El oficial de reclutamiento con el que Rico, Carmen y Carl hablan al alistarse y que no tiene piernas, está interpretado por Robert David Hall (serie C.S.I.), quien realmente perdió sus piernas en un accidente en 1978.
La escena del ataque de los bichos al Puesto Whiskey contiene varias referencias a la película Zulú (1964), las frases "¡Moriremos todos!", "Fuego a discreción" y "Hacia el interior del campamento", además de algunos ángulos de cámara similares.
Algunos de los muros vistos en la película fueron ya usados en Desafío total.
La banda de la fiesta de graduación interpreta la canción "I Have Not Been to Oxford Town" de David Bowie, en la cual se cambió la letra para que hiciese referencia al siglo 23 en lugar del 21. Además la canción es cantada por Zoë Poledouris, hija de Basil Poledouris, compositor de la película.
El personaje de Amy Smart se llama Stack Lumbrezer, como la co-productora de la película Stacy Lumbrezer.
Al rodar la escena en la que Rasczak cae en un agujero y los insectos le arrancan las piernas, Dina Meyer sufrió un golpe en la cabeza, quedándose inconsciente y llegando a sufrir una conmoción cerebral. 
En el guión original, era la Capitana Deladier a quien sorbían su cerebro en lugar de a Zander.
La nave Rodger Young que pilota Carmen recibe su nombre del instructor de armas, sargento Rodger Wilton Young, quien luchó en la Segunda Guerra Mundial. A Young se le negó la oportunidad de desplegar su unidad tras la entrada de Japón en la guerra. Para poder luchar se degradó voluntariamente a soldado raso (al igual que el sargento Zim de la película). Una vez en la lucha, dio su vida para destruir el solo un puesto de ametralladora japonés en medio de una emboscada, consiguiendo así que su pelotón escapara con vida. El compositor Frank Loesser escribió la canción "The allad of Rodger Young" inspirada en él.

Labels: ,