Saturday, June 04, 2022

Eraser

"Ya eres bolsa de viaje."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un miembro de la agencia de protección de testigos, debe proteger a una mujer involucrada en un caso de venta de armas de alta tecnología, en la que están implicados altos cargos políticos y sus propios compañeros de agencia.

ELIMINADOR
En el verano de 1994, Tony Puryear escribió el guión de "The Eraser" (que con el tiempo perdería el "The"), y se pasó el resto del año trabajando en él. Su punto de partida le vino de su hogar. "Solía vivir en una ciudad controlada por la mafia, Providence (Rhode Island)," confesaba el guionista a blackfilm.com. "Y siempre oía que los tipos del programa de protección de testigos eran descubiertos y asesinados. Así que pensé que debería haber un tipo que, incluso cuando las cosas fueran realmente difíciles, sería tu ángel de la guarda y tu protector, sin importar qué."
Puryear conocía a una mujer, que a su vez conocía al manager de Keanu Reeves, quien tras leer el guión vio su potencial y le convenció que podía venderlo a un gran estudio de Hollywood. Y cumplió su palabra, el 17 de junio de 1994, compitieron por el libreto Fox y Warner, pero durante la puja se produjo la famosa persecución de O.J. Simpson en su Ford Bronco, y paralizó las negociaciones, una vez el ex-jugador de fútbol americano fue arrestado, el guión se vendió a Warner a cambio de 250.000 dólares, y Puryear recibió otro tanto cuando el proyecto obtuvo luz verde.
Eraser (Eraser, 1996) se desarrolló con el productor Arnold Kopelson al mando, cuya productora tenía sede en la Warner. Kopelson y Arnold Schwarzenegger estuvieron hablando durante años de hacer una película juntos, y el productor creyó que éste era el vehículo perfecto para ello. "Eraser es el proyecto más grande que he producido," contaba Kopelson. "El guión que me propuse producir presentaba un lienzo tan grande que necesitábamos una estrella más grande que la vida para igualar su alcance. Esa estrella solo podría ser Arnold Schwarzenegger."
Al actor austriaco le atrajo hablar sobre el programa de protección de testigos. "Es algo fascinante porque sabemos muy poco sobre él," contaba Schwarzenegger. "Debido al secreto que exige, no se divulga información. Realmente queríamos mostrarle a nuestra audiencia de qué trata este mundo."
Eraser iba a estar repleta de efectos digitales, y necesitaban a un director que tuviera experiencia en este campo. Schwarzenegger había trabajado con Chuck Russell en dos remakes nunca realizados, el de El capitán Blood (1935) y el de El planeta de los simios (1968), y había demostrado su experiencia con el CGI en La Máscara (1994), por lo que parecía el director idóneo. "Cuando Arnold Kopelson me propuso hacer Eraser en seguida pensé en Charles," explicaba el actor, "porque en el pasado ha demostrado que nadie conoce mejor que él la realización de secuencias con efectos visuales digitales."
Schwarzenegger llamó a Puryear una noche para hacerle preguntas sobre su personaje, pero sobre todo para saber que arma llevaría en la película, el guionista se inventó como respuesta un rifle de raíl que disparaba proyectiles de cerámica a 400.000 km/h. Puryear había leído que la Marina tenía ese tipo de armas montadas en sus barcos. Al día siguiente el austriaco aceptó participar en la película. Y el arma de raíl pasó a formar parte de la trama de la película en las reescrituras.
Puryear realizó una reescritura para adaptar el guión lo máximo posible a Schwarzenegger. Por ejemplo, le dio un pasado que justificara su acento (algo que se terminó omitiendo en la película, al igual que todo lo relacionado con el asesinato de su mujer por parte de la mafia). Pero el guión pasaría después por muchos otros guionistas, para finalmente volver a Puryear. "Escribí 13 borradores diferentes de ese guión," contaba el guionista a Comic Book Historians.
Walon Green, que había escrito la película nunca realizada de Schwarzenegger "Crusade", fue introducido en el proyecto por éste para trabajar en el guión. A su vez Green llamó a su colega de la serie Ley y orden (1990-2010), Michael S. Chernuchin. Entre los dos hicieron una gran reescritura, en la que eliminaron a la mafia como los villanos, que fueron sustituidos por un contratista de defensa, y añadieron la escena del zoo con los cocodrilos. El momento en que unos mafiosos tratan de cortarle la lengua a Johnny C fue obra de Chernuchin.
Aunque la escena con los cocodrilos no fue escrita por Puryear, sí aportó la famosa replica final: "Ya eres bolsa de viaje." Russell quería un chiste para cerrar la escena y el guionista sugirió esa frase con desprecio, ya que no le gustaba ni Russell, ni todas las reescrituras a las que sometieron a su guión, sin contar la cantidad de veces que lo despidieron de la película. Y así, sin quererlo creo la frase más popular de Eraser.
Russell aportó algunos grandes momentos de la película. La escena del avión con el salto de Kruger atrapando el paracaídas en el aire, había sido escrito por Puryear, pero Russell añadió el momento en el que los villanos lanzan el avión contra el protagonista, y ese otro en que éste aterriza delante de unos niños y les pregunta: "¿Dónde estoy?", y la niña responde: "En la Tierra. Bienvenido."
Además Russell llamó a su amigo Frank Darabont, para que ayudase con el guión. Según informó Entertainment Weekly, Darabont se encargó de la escena del secuestro (se entiende que el de Lee Cullen), y le dio un mayor protagonismo a los miembros de la mafia que ayudan a Schwarzenegger al final de la película.
John Pogue, que había escrito U.S. Marshals (1998) para Kopelson, también fue contratado para reescribir una secuencia de acción que involucraba a Schwarzenegger, pero al final la mayoría de sus ideas no se utilizaron.
Y William Wisher (Terminator 2: El juicio final) también se encargó de realizar reescrituras durante el rodaje.
Las páginas que eran reescritas se codificaron con colores. Fueron tantas las reescrituras que el guión final, "parecía un arcoíris," según declaraba Chernuchin a Entertainment Weekly. Al final sólo fueron acreditados Puryear y Green como autores del guión, y se acreditó a Puryear, Green y Chernuchin como responsables de la historia.

REPARTO
Antes de decantarse por Schwarzenegger para interpretar a John Kruger, se tantearon los nombres de Steven Seagal, Harrison Ford y Mel Gibson. Pero el personaje de Kruger le sentaba como anillo al dedo a Schwarzenegger. "Es un solitario," explicaba el actor. "Es el mejor en hacer lo que hace, y la única forma en que puede hacer su trabajo es hacerlo solo." El austriaco se embolsó un sueldo de 20 millones de dólares por su participación en la película.
Para el papel de la testigo protegida Lee Cullen, Russell quería a Madeleine Stowe. Pero fue Vanessa Williams quien finalmente se hizo con él, tras una sugerencia de Maria Shriver, la por aquel entonces mujer de Schwarzenegger. Era una elección curiosa, ya que Williams era principalmente conocida por su carrera como cantante, y no por la de actriz. Tanto deseaba participar en Eraser, que llegó a posponer la gira de conciertos que tenía programada. Además cogió un avión por su cuenta y puso rumbo a Los Angeles (algo raro en una actriz), donde hizo una audición con Russell y Kopelson, quienes no la tenían en consideración para el papel. Unos días después la llamaron para hacer una prueba con Schwarzenegger, en la que lo dio todo. Tres días después el papel fue suyo. Para Williams el personaje no era la típica damisela en apuros, era una mujer de armas tomar. "Ella no es una víctima en absoluto," declaraba la actriz a Los Angeles Times"De hecho, hay un par de ocasiones en las que tengo la oportunidad de contraatacar y agredir al malo." Para meterse en el papel, Williams perdió cerca de 5 kilos (a petición de Kopelson), trabajó con un entrenador personal, y aprendió a manejar un arma. Después de contratarla, modificaron el final de la película que era de carácter romántico, para evitar semejanzas con El guardaespaldas (1992), donde un hombre blanco salvaba a una mujer negra y cantante, de quien la amenazaba, y terminaban enamorándose.
A Jonathan Pryce le ofrecieron interpretar al villano DeGuerin, pero también le ofrecieron el papel de Juan Perón en Evita (1996). Cuando leyó que debía pelear con Schwarzenegger, según declaró a Entertainment Weekly, llamó a su agente y le dijo: "Soy un buen actor, pero no tan bueno." Y se decantó por el film de Alan Parker. Al final James Caan fue contratado. Pese a que Caan no estaba muy a favor de este tipo de superproducciones, hizo una excepción para participar en Eraser porque, "era una muy buena historia."
Según contaba Puryear, Russell quiso que diera vida a Johnny C, a lo que se negó. Al final Robert Pastorelli fue contratado.
El resto del reparto lo formaron James Coburn (Beller), James Cromwell (Donahue), Danny Nucci (Monroe), Andy Romano (Harper), Nick Chinlund (Calderon), Joe Viterelli (Tony), Mark Rolston (J. Scar), John Slattery (Corman), Roma Maffia (Claire), Tony Longo (Little Mike) y Gerry Becker (Morehart).

RODAJE
Con un presupuesto de partida de 70 millones de dólares, la fotografía principal comenzó el 13 de septiembre de 1995, y aunque debía terminarse en enero de 1996, no se completó hasta el 26 de marzo de 1996. Además se hicieron reshoots en el mes de abril.
La película comenzó su rodaje en la ciudad de Nueva York, utilizando localizaciones como Brooklyn Borough Hall, Chinatown, Whitestone (Queens), Harlem Rail Yard (Bronx) y Sheep Meadow (Central Park). Después la producción se mudó a Washington, D.C., para filmar en el Phoenix Park Hotel y en la Rainbow Pool. Tras rodar una secuencia en Nueva Jersey, el rodaje continuó en Los Angeles. De la ciudad angelina se utilizaron localizaciones en los muelles de Terminal Island (para el clímax final), el Ayuntamiento de Los Ángeles, un albergue Topanga Canyon, un club nocturno de West Hollywood, el Wholesale District, y el "Zoológico de Los Ángeles" de Griffith Park sirvió para recrear los exteriores del zoo de Nueva York. Los interiores del zoo se construyeron en un plató de los "Warner Bros. Studios" en Burbank.
La casa de Johnny C que vuela por los aires al comienzo de la película, fue construida en un set que iba ser destruido.
Los problemas de producción fueron constantes durante el rodaje. Las culpas recayeron en problemas con el guión, y como la producción comenzó sin solucionarlos, éste se iba reescribiendo sobre la marcha, con algunas escenas siendo descartadas el mismo día que debían rodarse. "Creo que fue una de las películas menos organizadas en las que he trabajado," contó un miembro del equipo a la prensa. Surgieron situaciones totalmente caóticas como recogió el Los Angeles Times. En septiembre de 1995, enviaron a todo el equipo y reparto de Los Angeles a Nueva York para rodar escenas que corresponderían a un edificio de la CIA, para nada más llegar, enviarlos a todos de vuelta a la ciudad angelina sin haber rodado nada, para continuar la producción en los estudios de la Warner. Esta secuencia tardó meses en prepararse, modificaron un edificio para que se pareciera a la sede de la CIA, para que al final todo ese trabajo fuera descartado (la razón que llevó a esta decisión fue evitar comparaciones con Misión imposible, la cual iba a estrenarse poco antes que Eraser, y que también incluía una escena similar en el mismo edificio gubernamental). No fue la única vez en la que sucedió algo similar, en otra ocasión enviaron al equipo de Los Angeles a Washington, D.C. donde debía permanecer varios días, para en otro cambio de planes inesperado, ser enviados un día después a Nueva York.
Y Schwarzenegger tuvo sus diferencias con Russell, a quien le gustaba hacer bastantes tomas, y el actor le aconsejó que con él hiciera dos, ya que no era un actor profesional.
Según confesaba Puryear a Comic Book Historians, al final de la producción, "todos odiaban a Chuck Russell." Tras el incremento presupuestario, y en medio de la producción, Puryear recordaba como el jefe del estudio llamó a Schwarzenegger para remplazar a Russell, y el propio actor sugirió a Joel Schumacher. Al final la sangre no llegó al río y Russell terminó la película.
Kopelson negó que hubiese problemas durante la producción, y que los retrasos eran los habituales en una producción de estas características. Pero el presupuesto de 70 millones ascendió hasta unos estratosféricos 100 millones (lo que la convirtió en una de las cinco películas más caras de la historia), y el rodaje que debía terminar en enero de 1996, no se completó hasta marzo. Y la escena del zoo requirió de reshoots a principios de abril.
Para recrear a los cocodrilos de esta escena, se hizo mediante el uso de marionetas, animatronics y efectos digitales, y fue una escena llena de complicaciones. "El resultado final colmó nuestras mayores expectativas," contaba Schwarzenegger, "pero, en el rodaje, fue enormemente complicado coreografiar los movimientos de los actores y luego hacerlos encajar con los de los falsos animales."
La película cuenta con unos 185 planos con efectos visuales, de los que John E. Sullivan era su supervisor. Las tareas con los efectos se repartieron entre diferentes compañías como ILM (escena de los cocodrilos), Mass. Illusions (secuencia del avión), KNB EFX Group (cocodrilos animatrónicos) o Steve Johnson's XFX (efectos de maquillaje).
Schwarzenegger realizó muchas de sus propias escenas de riesgo, la más peligrosa de todas fue rodar su caída del avión sin llevar paracaídas y pasando al lado del motor en llamas. La escena se filmó en el plató nº 16 de la Warner, donde el actor saltó desde una altura de sesenta metros e hizo una voltereta hacia atrás mientras estaba sujeto a un cable, el cual se eliminó en post-producción. El actor tuvo que realizar el salto hasta en cinco ocasiones para garantizar que saliera perfecto. La escena sigue con Kruger atrapando un paracaídas y colocándoselo en plena caída libre. Y para filmarlo, Schwarzenegger se pasó cerca de una semana de rodaje colgado de cables, y fueron necesarias aproximadamente 10 plataformas voladoras diferentes.
En todo blockbuster con grandes escenas de acción, siempre surgen problemas y accidentes, y Eraser no fue una excepción. Una explosión provocó que Schwarzenegger se quemara el pelo. Pero eso fue una minucia comparado con el accidente que tuvo lugar rodando una escena de riesgo del clímax, y que casi le cuesta vida al especialista Peter Kent, doble de Schwarzenegger. En la escena Schwarzenegger, Williams y Caan están en lo alto de un contenedor que cae al vacío. Ahí es donde entraron los especialistas para doblar a los actores. Dos de ellos debían caer de una gran altura llevando un cable a sus espaldas, que debía cortarse antes de tocar el suelo, pero el de Kent no lo hizo y se golpeó varias veces contra un contenedor de tres toneladas. Se rompió tres costillas, la escapula, la clavícula y el tobillo. Culpó a los encargados de los efectos especiales por manipular mal el cableado. Tras salir con vida de milagro, el especialista decidió dejar de realizar escenas de riesgo.
Y no fue el único problema, cuando convirtieron en el villano a la empresa Cyrex (un contratista de defensa), provocó que poco antes del estreno de la película, una compañía que fabricaba microprocesadores llamada Cyrix, se quejase a la Warner del parecido que existía con el nombre de su empresa. El estudio tomó la decisión de cambiar el nombre por el de Cyrez, y durante de cerca de una semana, y a toda prisa, tuvieron que modificar digitalmente los cerca de 100 planos en los que aparecía el nombre original. Además llamaron a algunos de los actores para que doblaran de nuevo sus frases con el cambio de nombre. Por lo visto esto tuvo un coste adicional para la producción de 1 millón de dólares.
Pese a todos estos problemas y a la mala prensa que recibió por causa de ellos, la película fue un rotundo éxito comercial, cuando se estrenó el 21 de junio de 1996. En territorio norteamericano hizo una taquilla de 101.295.562 de dólares y su recaudación final a nivel mundial fue de 242.295.562 de dólares.
Además la película recibió una nominación a los Oscar en la categoría de mejor edición de sonido (Alan Robert Murray y Bub Asman), premio que perdió frente a Los demonios de la noche (1996).

VALORACIÓN
Eraser marcó el fin de un era, por una parte, fue la última gran película de acción de Schwarzenegger, y a su vez fue el fin de un tipo de cine, el protagonizado por los actioners que dieron vida al género de acción en los ochenta y noventa. Tras Eraser ninguno de los grandes nombres del género volvió a triunfar como héroe de acción (a partir de 1996, Stallone, Willis, Van Damme o Seagal comenzaron a perder su éxito entre el público). El propio Schwarzenegger estrenaría inmediatamente después las fallidas Un padre en apuros (1996) y Batman y Robin (1997), y en años posteriores tal vez las más salvables sean El fin de los días (1999) y Terminator 3: La rebelión de las máquinas (2003), que tampoco son nada del otro jueves. El género de acción tal y como lo conocíamos en los ochenta y noventa cambiaría tras Eraser, nuevas caras (Dwayne Johnson, Nicolas Cage, Jason Statham, Vin Diesel) y otras películas, lo renovarían (gracias a films como La Roca y Matrix).
Aquí Schwarzenegger supo rodearse de buenos nombres, con Russell detrás de las cámaras, Kopelson al cargo de la producción, y un gran plantel de actores secundarios acompañándole, lo tenía fácil para crear una excelente película de acción. 
Eraser es la clásica superproducción de Schwarzenegger, repleta de enormes escenas de acción y grandes efectos visuales. Se hubiera agradecido un poco más de trasfondo para Kruger, ya que el personaje es básicamente un ser casi indestructible, da igual que se caiga de un avión, que una madera le atraviese la pierna o que reciba un tiro en un brazo, nada le detiene en su lucha contra los villanos, como si fuera un terminator. La película acepta y abraza la figura de Schwarzenegger como icono de acción hasta las últimas consecuencias.
La película resulta atractiva, ya que por un lado habla de los entresijos del programa del protección de testigos, algo pocas veces tratado en el cine; y por otro la trama de los rifles de raíl funciona a nivel visual, ya que aportan una gran espectacularidad al film y lo dotan de imágenes icónicas, como Schwarzenegger portando dos de estas armas en el clímax. Y además que los villanos sean políticos, agentes del gobierno corruptos y contratistas militares, hacen que la amenaza a la que se enfrenta el héroe le sobrepase, y al mismo tiempo disfrutemos al ver como éste acaba con ellos gracias a su ingenio y habilidades.
Eraser tiene escenas nunca vistas, la mejor es la memorable secuencia del avión, que es como el teaser pre-créditos de Moonraker (1979) con esteroides. Sólo por el momento en que los villanos tratan de estrellar un avión contra Schwarzenegger ya merece la pena ver la película. También resulta memorable la escena del zoo con los cocodrilos, los cuales pese a ser creaciones de CGI del 1996 resultan creíbles. Pero además la película está adornada de pequeños momentos de acción realmente conseguidos. Como ese en el que Schwarzenegger dispara a una furgoneta y al explotar, ésta salta por los aires pasando por encima suya. Cuando le quita las anillas a las granadas de unos de los hombres de DeGuerin y lo empuja dentro de un ascensor, donde se encuentran otros cuatro hombres. Sal disparando a un hombre a través de la mirilla de su rifle. O Kruger y DeGuerin disparándose mutuamente con un cristal blindado entre ambos.
Resultan curiosas las similitudes con otra producción que se estrenó el mismo año, Misión imposible, no sólo hay una escena en la que el héroe debe reventar un acuario para huir, en ambas deben acceder a un edificio de máxima seguridad para conectarse a un ordenador del que de extraer una importante información, para más inri, inicialmente en Eraser ese edificio era el de la CIA, al igual que en la película protagonizada por Tom Cruise. Incluso Alan Silvestri era el compositor de la primera aventura de Ethan Hunt, hasta ser sustituido por Danny Elfman, y terminó componiendo la música de Eraser.
Y la película tiene sus peculiaridades, como por ejemplo, que las tres primeras set pieces de acción ocurren en una casa. Un cambio de escenario no le vendría mal a la película, y se beneficiaría de tener localizaciones más variadas.
Pero por otro lado tiene aciertos, me gusta que entre Kruger y Lee no haya un componente romántico, el cual resultaría típico y seguramente ralentizaría la historia. Kruger es un profesional intachable que sólo trata de cumplir su misión, salvar a su testigo. La película no toma el camino fácil y creo que es un acierto.
Está muy bien introducido el personaje de Johnny C en la escena inicial, para que ya esté presentado el personaje cuando Kruger necesite su ayuda más adelante en la trama. Además Robert Pastorelli aporta las dosis de humor que necesita la película.
Vanessa Williams fue una sorpresa en su momento, una cara nueva dentro del cine, que cumplía en su papel de mujer de principios que quiere hacer lo correcto, y que por ello se ve metida en una situación de alto riesgo.
Caan funciona de maravilla como villano, y hace creíble que pueda hacerle frente a Schwarzenegger. El actor le aporta toda la chulería que le caracteriza. La maldad de DeGuerin no conoce límites e incluso cuando Kruger le ayuda tras ser aplastado por una puerta metálica, trata de matarle.
Russell rueda con buen pulso esta enorme superproducción, haciendo que la acción siempre sea clara y sepamos lo que sucede en pantalla en todo momento. Dota a la película de un buen ritmo y sentido del humor, y no se corta con la violencia. Es una lástima que el director no se prodigara más en el género.
Eraser fue el canto del cisne de Schwarzenegger como héroe de acción y marcó el fin de una época irrepetible. Es una de las mejores película de acción de los noventa, y sigue siendo tan entretenida, espectacular y disfrutable como el primer día. Llena de grandes one-liners, geniales villanos, espectaculares escenas de acción, excelentes efectos visuales y al mayor héroe de acción de la historia en su última gran película. No la borréis de vuestra mente.

CURIOSIDADES
Como en un gran número de películas de Schwarzenegger, su amigo Sven-Ole Thorsen tiene un cameo. Aquí como uno de los hombres de Petrofsky, que está a bordo del barco en el clímax.
Vanessa Williams cantó el tema principal de la película "Where Do We Go From Here?"
Para mantener su increíble forma física durante el rodaje, Schwarzenegger todos los días entrenaba durante un par de horas, aprovechando cualquier ocasión para ello.
Durante el rodaje, Vanessa Williams voló prácticamente todos los fines de semana a su casa.
La película conoció una secuela mediante el videojuego Eraser: Turnabout.
Vanessa Williams fue considerada para el papel que terminó realizando Cameron Diaz en La Máscara (1994), otra película de Chuck Russell.
John Pogue, uno de los guionistas sin acreditar de la película, termino dirigiendo su reboot, Eraser: Renacer (2022).

BIBLIOGRAFÍA
Production Notes
Tony Puryear, Hollywood and comic books bio interview (Comic Book Historians, 2 sep 2020)
The other Big Arnold (Entertainment Weekly, 20 oct 1995)
Jonathan Pryce's film breakthrough (Entertainment Weekly, 17 nov 1995)
Timeline of Fox's "Planet of the Apes" remake (Entertainment Weekly, 16 may 1996)
Script for "Eraser" went through many re-writes (Entertainment Weekly, 21 jun 1996)
’Seven’s’ Up: “Seven,” the thriller starring Brad... (Los Angeles Times, 2 oct 1995)
‘Eraser’ on a Hurried Run to the Finish Line (Los Angeles Times, 25 abr 1996)
Ms. Clean Slate (Los Angeles Times, 12 may 1996)
Chip Maker Gets Warner Bros. to Erase Its Name from Action Film (Los Angeles Times, 12 jun 1996)
Interview - Tony Puryear (blackfilm.com, jul 99)
True Myths: The Life and Times of Arnold Schwarzenegger (Nigel Andrews, 2003)
Imágenes de actualidad (nº 150)
Hollywood's Newest Boys of Summer (The New York Times, 12 may 1996)
Not a Movie to His Name, But That's Hollywood (The New York Times, 6 oct 1996)
Arnold Schwarzenegger: The Life of a Legend (Fiaz Rafiq, 2021)
You Have No Idea: A Famous Daughter, Her No-nonsense Mother, and How They Survived (Vanessa Williams y Helen Williams, 2012)

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Saturday, May 07, 2022

Pitch Black

"¿No tendrás miedo de la oscuridad?"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Una nave se estrella en un planeta con tres soles, donde cada 22 años se produce un eclipse, momento en que las criaturas que lo pueblan, salen para alimentarse. Los supervivientes al accidente deberán correr por sus vidas.

ANOCHECER
Ejecutivos de la productora Interscope Communications le propusieron a los guionistas Ken y Jim Wheat (La mosca II), una idea para una película, la de un grupo de personas que llegan a un planeta, donde siempre brilla el sol, hasta que se produce un eclipse, momento en que atacan las criaturas que lo habitan.
Desde ese punto de partida, los Wheat construyeron toda la historia, teniendo siempre como referencia películas como Volvieron cinco (1939), Las arenas de Kalahari (1965) y La diligencia (1939). "Regresamos con una historia de quiénes eran las personas, cómo llegaban allí y qué eran las criaturas," explicaba Jim Wheat a Los Angeles Times. "Lo que buscábamos era el espíritu de los náufragos que intentaban sobrevivir."
Después de dos borradores por parte de los hermanos Wheat, a comienzos de 1998, Interscope contactó con David Twohy para hacerse cargo de la reescritura del guión de "Nightfall" (como se llamaba originalmente la película), pero terminó haciendo mucho más. "Sentían que era un buen concepto que no estaba siendo explotado totalmente," contaba Twohy a la revista Starlog. "Me invitaron a subir a bordo y me dijeron: 'Si puedes hacer que esta historia funcione, también puedes dirigirla'."
De esa forma, además de reescribir el guión, Twohy se sentó en la silla del director. Necesitó cuatro reescrituras para completar el libreto. En los borradores de Ken y Jim Wheat el personaje de Riddick era una chica (y tenía otro nombre), algo que Twohy cambió. Además el director de ¡Han llegado! aportó todos los giros y sorpresas detrás de los personajes. En la versión del guión que data del 12 de septiembre de 1997, Twohy había previsto que Riddick muriese y Fry se salvase, pero los destinos de ambos personajes se intercambiaron en el guión final.
Finalmente el guión tuvo que someterse a un arbitraje por parte de la "Writers Guild of America", para determinar quien sería acreditado en la película, siendo la decisión de la WGA que Twohy y los Wheat compartieran el crédito de escritura.
Pitch Black sería co-producida entre Interscope Communications y Polygram Pictures, y contó con un presupuesto de 23 millones de dólares.

REPARTO
Cuando decidieron reunir al reparto, comenzaron a sonar grandes nombres del cine de acción, pero después de tres semanas de consideraciones, Twohy convenció a los jefes del estudio que era mejor apostar por caras poco conocidas. "Llenar esta película con actores famosos habría aumentado el presupuesto," declaraba Twohy a Starlog, "la habría retrasado al menos dos años, y habría destruido muchas de las sorpresas que había incorporado en la historia." Así que comenzaron la búsqueda de actores menos populares, pero que mejorasen el conjunto de la película.
Aún así, en un momento crucial, cuando Twohy se encontraba en Australia ocupado con la construcción de los sets y localizando, recibió una llamada de Los Angeles diciéndole que le habían entregado el guión a Steven Seagal, y que quería interpretar a Richard B. Riddick. Twohy conocía la mala fama del actor, y les dijo que prefería no hacer la película antes que contratarle. "Hubo una gran pelea por eso," contaba el director a SciFiNow. Finalmente descartaron a Seagal y le preguntaron a Twohy a quien tenía en mente, éste les dio sólo un nombre, Vin Diesel. 
Diesel no era conocido por aquel entonces, y según Twohy no había realizado una buena audición para el papel, pero había convencido al director, sobre todo gracias a su corto Multifacial (1995), que había dirigido el propio actor. Diesel tenía claro qué le gustaba de Riddick y porqué quería darle vida. "Nunca había leído un personaje con un arco tan grandioso," contaba el actor a Starlog"Es mucho más profundo que la película estándar de ciencia ficción. Vi algunos niveles geniales en Riddick. Tenías a este tipo al que temías y no te gustaba, pero finalmente no tenías otra alternativa que confiar en él, si querías sobrevivir. Era algo con lo que podía identificarme." Al final, Ted Field de Interscope apoyó a Twohy, y Diesel fue contratado. Para prepararse para el papel, el musculoso actor decidió dejar a un lado el entrenamiento físico, y centrarse en el yoga y en escuchar música clásica, para ponerse, "en un estado mental de Riddick."
En la australiana Radha Mitchell recayó el papel de la capitana Carolyn Fry. Pese a ser una pequeña película de ciencia ficción, a la actriz no le resultó fácil interpretar a su personaje. "Hay una especie de complejidad en ella, que es realmente confusa," confesaba Mitchell a IGN. "Se supone que es una capitana, pero luego su estado se ve socavado por su propia culpa, y también por los otros personajes que están en la tripulación. Así que, no podía decir: 'Soy la capitana, así que cállate'. Lo que me hubiera gustado haber hecho. Creo que la ambigüedad que había fue probablemente el principal desafío para mí en la película. De alguna manera, hacer que [ella] fuera realista. Porque ellos [Riddick y Johns] eran más grandes y llevaban armas, y sin embargo tenía que tener cierta seguridad en sí misma. Tenía que atravesar todo este arco para finalmente encontrarse a sí misma."
El papel de William J. Johns recayó en Cole Hauser. Al actor le encantó el arco que experimenta su personaje. "Recuerdo haber leído las primeras 60 páginas," contaba Hauser a Starlog, "y haber pensado que iba a ser un buen tipo de principio a fin. Entonces, de repente, obtienes este cambio. David tenía eso en el guión y me encantó." El actor creó un pasado para su personaje, para ayudarle a meterse en su piel. "Vin y yo hablamos mucho sobre dónde han estado estos personajes, de dónde vienen," explicaba el actor a Starlog. "Se nos ocurrieron cosas interesantes que nos ayudaron a ambos."
Keith David (La cosa) se encargó de dar vida a Abu 'Imam' al-Walid. "Lo que me atrajo de Pitch Black es que Imam es un hombre de espíritu y se niega a renunciar a su fe," confesaba el actor a Starlog"a pesar de que es sacudida y, en algunos puntos, destrozada." Keith se preparó de forma concienzuda para su papel, estudio el Corán, habló con tres eruditos religiosos y leyó sobre las bellezas del Islam.
La australiana Claudia Black interpretó a Sharon 'Shazza' Montgomery. La actriz tuvo que compaginar el rodaje de la película con el de la serie Farscape (1999-2003), lo cual fue realmente agotador para ella. "¡Subir a un avión cada dos noches para ir a Queensland o regresar a Sídney!," contaba Black a Starlog. "Casi no quería volver a actuar después de hacer Pitch Black."
El resto del reparto lo formaron Lewis Fitz-Gerald (Paris P. Ogilvie), Rhiana Griffith (Jack), Simon Burke (Greg Owens), John Moore (John 'Zeke' Ezekiel), Les Chantery (Suleiman), Sam Sari (Hassan) y Firass Dirani (Ali).

RODAJE
La fotografía principal de la película comenzó el 13 de marzo de 1999, y terminó el 30 de julio del mismo año. Por razones presupuestarias decidieron rodar en Australia. Los 70 días de rodaje (de jornadas de 17 horas cada día, durante seis días a la semana), se repartieron entre los "Village Roadshow Studios" en Queensland (para los interiores), y Coober Pedy, el mismo desierto donde ser rodó Mad Max: Más allá de la cúpula del trueno (1985), para los exteriores. En Estados Unidos rodaron en los "New Deal Studios" de Los Angeles, las escenas del interior de la nave, y las que implicaban miniaturas.
La película se rodó de forma casi cronológica. Primero rodaron todos los exteriores a la luz del día, y después las escenas nocturnas, tanto en exteriores como en decorados. Las escenas con pantalla azul se dejaron para el final del rodaje.
Rodar en las antípodas no les puso las cosas fáciles al equipo. "La desventaja de rodar en Australia era que la compañía filmaría en pleno invierno de ese país," contaba el director a Starlog, "limitada a ocho horas de luz solar." A eso había que sumar la dificultad de rodar en el desierto, y los problemas que conllevaba su climatología. "Tuvimos vientos de más de cien kilómetros por hora," recordaba el productor Tom Engelman en Imágenes de actualidad"lluvias constantes, temperaturas polares."
El frío fue el mayor problema con el que se encontró Diesel durante el rodaje. "El primer día estaba absolutamente helado," contaba el actor a Starlog, "y Radha y yo estábamos en camiseta sin mangas. Ya hacía frío, pero las escenas que estábamos filmando requerían que nos rociaran con agua [para que pareciera que estaban sudados], por lo que sólo nos enfrió más. Era insoportable, tratar de actuar mientras trataba de no temblar. Era como temblar, temblar, temblar, y decían acción, y tendríamos que recobrar la compostura." Según contaba Hauser, llegaron a experimentar temperaturas de 5ºC, cuando se suponía que debían estar en un cálido planeta desértico.
Diesel y Hauser realizaron personalmente casi todas sus escenas de riesgo. Esto pasó factura al protagonista de xXx, rodando la escena en la quita la lona para revelar que Jack está escondida, se hizo daño en el hombro, ya que se olvidaron de soltar la lona antes de rodar la escena, y tiró de ella con mucha fuerza. Cuando rodaron la escena en la que Riddick está amordazado dentro de la cámara de criogenia, a Diesel le dio un ataque de claustrofobia. Y fue idea de Hauser de que su personaje se inyectara droga en el ojo, y se lo propuso a Twohy, quien aceptó incluirlo en la película. El propio actor rodó el plano en el que se mete una aguja en el conducto lacrimal, pero para su seguridad se trataba de una aguja retráctil.
Cuando tocó rodar el plano en que Riddick se disloca los dos hombros para escapar, Diesel les mostró a todos que podía hacer la escena sin necesidad de efectos, girando los brazos por encima de su cabeza cogiendo una cadena. Pero cuando le pusieron las esposas y las cadenas, no fue capaz de replicarlo porque no podía girar las manos lo suficiente, así que tuvieron que recurrir a efectos visuales para completarla.
Para crear el efecto de los extraños ojos de Riddick, se hizo uso de CGI y de lentillas, las cuales eran unos prototipos que nunca se habían utilizado antes. El primer día que Diesel las utilizó, después no lograron quitárselas, por lo que tuvieron que llamar a un optometrista que se encontraba a tres horas de distancia. Al final el actor acabó en un hospital, porque tenía un pequeño rasguño en el ojo.
Tanto se metió Diesel en su papel, que comenzó a comportarse como Riddick en el rodaje. "Durante las primeras escenas," confesaba el actor a Starlog"cuando Riddick está en su peor momento, causé mucha tensión en el set."
Y si la climatología y los accidentes no causaban suficientes problemas, el mayor estaba por llegar, en medio del rodaje, Polygram Pictures, estudio que financiaba la película, fue cerrado. "¡De repente estoy filmando la película y ni siquiera sé si hay un estudio detrás de esto!," contaba Towhy a SciFiNow. Aún así el rodaje siguió adelante.
La película posee un peculiar estilo visual, el cual se consiguió mediante un proceso que se llama omisión de blanqueo, mediante el cual se altera el negativo de la cámara. Para ello, se deja, "algo más de plata en la emulsión, redistribuyendo los colores y acentuando el contraste," explicaba el director de fotografía David Eggby a Imágenes de actualidad. "El resultado es un cielo amenazante, perturbador."  Además la fotografía juega mucho con los colores, y a lo largo de la película se van cambiando de unos a otros, algo que no es para nada arbitrario, como el planeta epicentro de la película tiene tres soles, "[los diferentes colores] eran sólo una forma de entender qué sol estaba en el cielo en un momento dado, antes del eclipse," explicaba Twohy a SciFiNow.
Pese a ser una película con un presupuesto reducido, contó con unos resultones efectos visuales (cerca de 200 planos), los cuales corrieron por cuenta de varias empresas. Los efectos digitales fueron obra de "Double Negative (DNEG)", con Peter Chiang a la cabeza como supervisor. Y "Hunter/Gratzner Industries" se hizo cargo de los efectos con miniaturas. 
Pero lo más recordado de la película son las criaturas que pueblan el planeta de tres soles, conocidas como "bioraptors". Patrick Tatopoulos (Dark City) fue el encargado de diseñarlas. Los productores se pusieron en contactó con él, durante el rodaje de Godzilla (1998). El diseñador pronto tuvo claro su enfoque sobre los monstruos. "Sabía que esto iba a ser una especie de criatura que habita en cuevas," explicaba Tatopoulos a Starlog. "Inmediatamente sentí que sería una especie de murciélago, así que se me ocurrió la idea de dejar ciegas a las criaturas. Un monstruo ciego con grandes mandíbulas chasqueantes, era una imagen muy perturbadora para mí, algo que realmente me asustaba." Sus diseños gustaron a los productores, pero le quedaba aún conocer a Twohy. Tatopoulos y el director trabajaron juntos para dar los últimos retoques a los diseños. Después "John Cox's Creature Workshop" fue la responsable de construir a los "bioraptors" basándose en los diseños de Tatopoulos. Ya habían construido una primera versión en espuma de látex, cuando el productor de la película, les comunicó que había conseguido a un distribuidor para la película, el cual no quería que la criatura tuviera una única cola, ya que le recordaba demasiado a la de un dinosaurio, por esa razón la cola se dividió en dos. Se construyeron dos animatronics completos de fibra de vidrio, con todos los mecanismos que los hacían funcionar en su interior, y la "piel" se hizo de espuma de látex. Todas las escenas con los animatronics se rodaron en los estudios de Village Roadshow en Queensland.
Los brazos de las criaturas eran operados por dos titiriteros, encargándose cada uno de un brazo. En la escena en la que una de las criaturas ataca a Riddick y éste agarra sus patas, Diesel realmente estaba luchando con dos personas al mismo tiempo. Las garras eran de un material duro, no disponían de garras blandas para no dañar al actor, de modo que Diesel realmente trataba de mantenerlas fuera de su cara para que no le hirieran.
Como querían conseguir una calificación por edades PG-13, no podían mostrar sangre abiertamente, algo que en una película de terror llena de muertes escabrosas es difícil de evitar, así que decidieron usar sangre azul para esquivar a la MPAA. "De esa manera podríamos simplemente tirarla por todas partes," contaba John Cox a Befores & Afters, "en la gente, en el suelo, en las criaturas, y sin tener que preocuparse por una calificación, ya que no parecía sangre humana." Así consiguieron la calificación deseada.
Una de las escenas más sangrientas de la película fue una de las más divertidas de rodar, aquella en la que los protagonistas tienen que correr a través de una garganta, con todas las criaturas sobrevolándolos mientras se matan entre ellas. "Creo que teníamos nueve biorraptors livianos de tamaño completo, y partes del cuerpo y cubos de sangre y tripas," contaba Cox a Befores & Afters. "Mientras los actores corrían por esa garganta, nosotros simplemente los arrojábamos desde lo alto del acantilado detrás o frente a ellos. Eso fue muy divertido."
Graeme Revell (El cuervo) fue el encargado de componer la música para la película. Twohy le convenció para sumarse al proyecto y el compositor tenía claro el enfoque de su partitura. "No hay mucha acción en ella, en parte porque no es una película de gran presupuesto," declaraba Revell a Soundtrack Magazine, "por lo que fue un desafío para mí intentar inyectarle ritmo y pulso a la película."
Originalmente la película tenía tres protagonistas, Riddick, Fry y Johns, pero durante el montaje y los pases de prueba, se dieron cuenta de que el primero era el que más gustaba al público, por lo que decidieron potenciarlo en el montaje final. 
Cuando completaron la película, tras la quiebra de PolyGram no tenían un distribuidor para la película. Por un momento se planteó estrenarla directa a vídeo, pero al final apareció al rescate Universal Pictures (a través de USA Films, ahora Focus Features), que llegó a un acuerdo con PolyGram para distribuir Pitch Black.
La película llegó finalmente a las salas de cine de Estados Unidos el 18 de febrero de 2000, y resultó ser un éxito sorpresa. En territorio norteamericano recaudó 39.240.659 de dólares. Y la recaudación final a nivel mundial 53.187.659 de dólares.

MONTAJE DEL DIRECTOR
Existe un director's cut de la película, que dura poco más de 3 minutos con respecto a la versión estrenada en cines. Las escenas adicionales de este montaje son las siguientes:
1. Iman le habla a Fray de su peregrinaje a la Meca y de sus ritos.

2. Un breve momento en el que Shazza mira en dirección a las rocas donde Zeke está cavando.

3. Mientras se dirigen a comprobar las cavernas, Johns y Fry discuten si Riddick fue quién mató a Zeke. El primero lo cree culpable, y la segunda quiere encontrar el cuerpo para saber si realmente lo es.

4. Todos se preocupan del estado de la nave de emergencia. Johns le da tareas a Riddick para mantenerlo ocupado. Y Jack revisa la base encontrando juguetes y otros objetos.

5. Shazza le da a Riddick un respirador de aire, para pedirle disculpas por haberle acusado de la muerte de Zeke.

6. Johns le muestra a Fry la cicatriz de una herida provocada por Riddick, y le cuenta como los médicos tuvieron que dejarle dentro un trozo de navaja, esa es la razón por la que toma drogas.

VALORACIÓN
Pitch Black es pura serie B bien entendida. Saca todo el partido de su bajo/medio presupuesto, lo que le permite, al no ser una superproducción, correr riesgos y hacer cosas inesperadas.
La película trata del miedo, uno básico como es el miedo a la oscuridad, el cual saca a su vez los temores de cada uno de los personajes. Jack teme que descubran su sexo y que la traten diferente por ser una chica. Fry teme perder a su tripulación. Paris teme perder sus posesiones. Johns teme morir. Y todos temen a Riddick (y a las criaturas).
Pitch Black es un puro survival, que da pie para hablar de la condición humana, como se comportan las personas en una situación límite de vida o muerte, como sale a relucir lo mejor de unos y lo peor de otros. Las personas llegan a ser tan peligrosas como las criaturas, como lo refleja Johns cuando trata de convencer a Riddick para matar a Jack y usarla de carnaza.
Los personajes nunca son lo que parecen, creemos que Johns será el héroe, pero termina siendo un ser deleznable. Riddick es un peligroso criminal, pero termina salvando a los demás. Jack resulta ser una chica. Y al principio a Fry no le importa su tripulación, pero termina dando su vida por ella.
Todos los personajes tienen matices y resultan interesantes. Iman tiene una fe inquebrantable pese a que todo lo que le sucede, y es constantemente puesta a prueba. Jack se siente fascinada por Riddick y comienza a imitarlo. Y Riddick es la antítesis del antihéroe. Aunque puede que el personaje con mejor arco sea Fry, cuando comienza la película no duda desprenderse de una sección de la nave, lo que mataría a todos sus pasajeros, no se ha ganado el puesto capitana, de hecho, no es la capitana de la nave, sólo ocupa el cargo porque muere el verdadero capitán. Conforme avanza la película, va asumiendo su cargo y la responsabilidad que conlleva, y al final Riddick le hace admitir que moriría por los demás, cosa que desgraciadamente le termina sucediendo.
Todos los actores cumplen sobradamente en sus papeles, tomándose en serio sus roles en esta historia de ciencia ficción. Riddick es posiblemente el mejor personaje al que ha dado vida Vin Diesel, mucho más icónico e interesante que el Dominic Toretto de The Fast and the Furious (2001) o el Xander Cage de xXx (2002). Aunque en ocasiones con tanta pose, cae un poco en el ridículo, aún así es un personaje bastante memorable, y Diesel le aporta su gran presencia física.
Twohy se encuentra cómodo rodando este relato de ciencia ficción, apoyándose en su estupendo guión, y le imprime un buen ritmo a la historia, en la que nunca hay lugar para el aburrimiento. Y además crea momentos de lo más inspirados, como la muerte de Paris, escupiendo una llamarada de fuego que revela que está rodeado de criaturas en la oscuridad, y conforme se desvanece la luz, éstas se van acercando a él, quedando su muerte fuera de cámara.
En ocasiones la fotografía molesta y poco, y el montaje tiene algunos tics de comienzos del 2000, con aceleraciones y desenfoques, que han envejecido mal. Aunque los cambios de color tienen su justificación, saber en que parte del planeta se encuentran los personajes, en función del sol que tienen más cerca (lo que es una buena idea). Pero una vez llega la oscuridad, el montaje y la fotografía se relajan, algo que se agradece. Aún así esa fotografía de colores le aporta a la película un estilo visual propio y personal.
Las criaturas resultan icónicas, como ese planeta con tres soles, y el eclipse que se produce en él cada 22 años. Aceptamos la increíble casualidad que el eclipse suceda justo en el momento en que se estrella la nave, porque el guión inteligentemente va creando tensión en torno al planeta, y como se van sucediendo una serie de extraños acontecimientos que nos adelantan que algo sucederá (como la muerte de Zeke, la aparición de enormes esqueletos, los restos de las anteriores personas que habitaron la base, o el ataque de los pequeños "bioraptors" a Ali), y cuando llega el eclipse, queremos que ocurra. En eso también la beneficia al tratarse de una película con espíritu de serie B, aquí hemos venido a divertirnos y a vivir una gran aventura.
De las tres entregas de la saga Riddick hasta la fecha, Pitch Black sigue siendo la mejor de ellas. La segunda resulta demasiado aparatosa, y la excelente tercera entrega recuperaba el tono de serie B que tan bien le sienta al universo de Riddick.
Pitch Black es una gran entretenimiento, una pequeña joya que corre riesgos que una superproducción nunca tomaría. Es directa, violenta, llena de giros y apoyada en buenos personajes. Fue el inicio de una interesante saga, y lanzó la carrera de Vin Diesel. Lo que no es poco. Pocas veces tener miedo a la oscuridad ha sido tan genial.

CURIOSIDADES
La nave que transporta a los protagonistas se llama "Hunter/Gratzner", al igual que la empresa de efectos visuales encargada de las miniaturas. 
Fue nominada a los premios Saturn en la categoría de mejor película de ciencia ficción.
En la secuencia inicial, no tenían ningún plano de Simon Burke saliendo de la cámara de criogenia, así que utilizaron uno de Cole Hauser.
El plano de apertura de la película, de la nave viajando por el espacio, se incluyó después de que en los pases de prueba, el público no fuera consciente de donde se situaba la escena.
El momento en el que Riddick aparece sentado en la silla de Paris, después que Zeke mate por error al superviviente del accidente, fue una sugerencia de última hora de Vin Diesel.
Keith David improvisó la frase: "Ahí está mi Dios, Sr. Riddick."

BIBLIOGRAFÍA
The Brothers Grim (Los Angeles Times, 18 feb 2000)
Starlog Magazine (nº 271, 272, 273, 274, 278, 283)
Interview with David Twohy (SciFiNow, 14 ago 2020)
Imágenes de actualidad (nº 192)
Graeme Revell on scoring Tomb Raider (Soundtrack Magazine Vol. 20 nº 78, 2001)
The Making of 'Pitch Black' (2000)
Comentarios del director (DVD)

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Friday, April 08, 2022

70 minutos para huir

Este artículo contiene spoilers como bombas nucleares, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un hombre contesta a una llamada telefónica que le advierte que la ciudad en la que encuentra será destruida por armas nucleares. Sólo tendrá 70 minutos para ponerse a salvo.

Para escribir este artículo he contado con la ayuda de excepción de Steve De Jarnatt, director y guionista de 70 minutos para huir, quien fue muy amable al responder a mis preguntas, y logró así rellenar todos los espacios en blanco que tenía sobre la génesis de su película. ¡Muchas gracias por todo Steve!

APOCALYPSE NOW
Steve De Jarnatt escribió el guión de 70 minutos para huir (Miracle Mile, 1988) como un intento de, "exorcizar mis pesadillas nucleares que tuve cuando era niño. Quería sacudir a la gente sobre la amenaza olvidada de miles de ojivas apuntadas entre sí y preparadas para ser lanzadas." El primer borrador data de finales de 1979, pero el proyecto se pasó casi 10 años en desarrollo hasta que llegó a materializarse. El guión de 70 minutos para huir alcanzó un gran prestigio, tanto que fue incluido en la lista de los 10 mejores guiones no producidos de la revista "American Film" en 1983. Según De Jarnatt, la razón por la que la película tardó tantos años en realizarse era que no tenía un final feliz.
Inicialmente De Jarnatt le presentó su idea a Mark Rosenberg, jefe de producción de Warner Bros., a quien le gustó. Le pagaron cerca de 18.000 dólares por escribir el guión, y De Jarnatt tardó un año en presentarlo, aunque según reconocía, lo escribió en tan sólo tres semanas, pero era muy extenso. Rosenberg dio el ok para el desarrollo de la película.
Pasó el tiempo, y la película seguía sin rodarse, por lo que De Jarnatt pidió recuperar su guión, Warner accedió a darle una opción gratuita durante un año. "Luego tuve que optar por dos años más por 5.000 dólares," me explicó De Jarnatt. "La siguiente vez que surgiera la opción, yo podría comprarlo directamente, y otros también podrían hacerlo y lo iban a hacer." Para que no cayera en otras manos y como soñaba con rodar la película, decidió recomprar su propio guión. "Escribí el primer borrador de Extraño brebaje (1983), y fui brevemente el director (hasta que se convirtió en una película canadiense)," me explicó De Jarnatt. "Me pagaron 50.000 dólares para NO dirigirla. Le di todos esos dólares a Warner Bros. para poseerlo totalmente (después de impuestos, etc., quedó en 35.000 dólares)." De esa forma el director fue de nuevo el dueño de su guión.
En 1982, Rosenberg tuvo la idea de convertir el guión de 70 minutos para huir en la adaptación al cine de The Twilight Zone antes de que Spielberg y Landis la convirtieran en una película de segmentos (En los límites de la realidad (1983)). "Me ofrecieron 400.000 dólares para venderlo de nuevo," me contó De Jarnatt. El director puso como única condición para deshacerse de él que George Miller (Mad Max 2: El guerrero de la carretera) lo dirigiera, pero eso no ocurrió y se negó a venderles de nuevo el guión. La idea de la Warner era mantener toda la historia, pero cambiando el final, con el protagonista despertándose y descubriendo que todo había sido un sueño, para que todo volviera a empezar de nuevo.
De Jarnatt reescribió una y otra vez el arranque de la película, todo lo que ocurre antes de que el protagonista conteste al teléfono. En la primera versión del guión ese arranque tenía cerca de 200 páginas. E inicialmente el personaje de Harry era un hombre de unos 40/50 años, que tras 15 años volvía a Los Angeles para ver a sus hijos y trataba de reconciliarse con su exmujer, pero posteriormente De Jarnatt decidió rejuvenecer al personaje y hacer que conociera a una chica de la que se enamora. Esa trama de reconciliación se convirtió en la de los abuelos de Julie Peters.
Inicialmente el director había ideado rodar la película en un único plano secuencia, pero terminó descartándolo. Los años pasaban y la película seguía sin ponerse en marcha, De Jarnatt sólo deseaba rodarla y por el camino rechazó dirigir otras películas. "Como la primera película de Pee-wee Herman," me contó el director.
A punto estuvo de hacerla en Orion, pero uno de los jefes del estudio quería que De Jarnatt cambiase el guión para que los rusos atacaran primero, y no lo americanos, pero de hacer eso no habría película, porque ese tiempo hasta que los rusos contraatacan es lo que le daba a la película los 70 minutos que necesitaba para contar la historia.
Cuando el proyecto estuvo bajo el paraguas de Orion, en un punto iba a realizarse con Nicolas Cage de protagonista y con un presupuesto de 2 millones de dólares, pero según contaba el director, recibió una llamada del abogado de Cage (que también era el de Francis Ford Coppola) diciéndole que debía retrasar su película durante año y medio para que el actor pudiera trabajar en Peggy Sue se casó (1986) y en otras películas. Con ese panorama De Jarnatt decidió rodar Cherry 2000 (1987) para Orion, proyecto que Mike Medavoy le había ofrecido ese mismo día. Más tarde, Cage contactó con el director diciéndole que quería hacer la película y que su abogado sólo estaba fanfarroneando. De Jarnatt estaba comprometido con Cherry 2000, y no podía hacer 70 minutos para huir en ese momento. Cage quedó fuera de juego, y su película soñada siguió esperando.
Al final 70 minutos para huir terminó en Hemdale Film Corporation, con John Daly y Derek Gibson como productores asignados.

REPARTO
De Jarnatt escribió el papel de Harry Washello con Gene Hackman en mente. Paul Newman llegó a leer el guión, pero eso es lo más cerca que estuvo de interpretarlo. Como comentaba antes, Nicolas Cage a punto estuvo de hacerlo. El director se reunió con Kurt Russell varias veces, y le llegaron a ofrecer cerca de 500.000 dólares cuando la película se iba a realizar en Orion, pero tampoco fue adelante. Y Sting fue otro de los candidatos.
Anthony Edwards leyó el guión por primera vez en un avión, y no le gustó, pero se le quedó metido en la cabeza y comenzó a hablar sobre él con el pasajero que iba a su lado, y al terminar el vuelo se dio cuenta de que era bueno. Tras el enorme éxito de Top Gun (1986), Edwards tenía la popularidad suficiente como para poder protagonizar una pequeña película como 70 minutos para huir, y así pudo llevarse el papel de Harry. 
Cuando Nick Cage iba a protagonizar la película, De Jarnatt quería a Jennifer Tilly para el papel de Julie Peters. Edwards conocía a Mare Winningham y así entró en el proyecto. El estudio quería a una actriz más espectacular, pero para el director ambos hacían una pareja que parecía real, por lo que era la elección perfecta. Tan buena pareja hacían, que muchos años después de rodar la película se terminaron casando.
John Agar dio vida a Ivan Peters, el abuelo de Julie Peters. El actor trabajó durante dos semanas en la película. Y a su mujer Lucy, la interpretó la actriz Lou Hancock.
Mykelti Williamson se hizo con el papel de Wilson. "Llegó, leyó, y lo elegimos," recordaba De Jarnatt. "Podría soltar una lágrima mientras muere en cada toma (antes de Forrest Gump!!)."
Kurt Fuller consiguió el papel de Gerstead gracias a ser recomendado por Anthony Edwards.
Denise Crosby se hizo con el papel de Landa, una mujer del gobierno que se encuentra en el Johnie's Coffee Shop. Mientras trabajaba en el película la actriz estaba haciendo al mismo tiempo las audiciones para la serie Star Trek: La nueva generación (1987-94), en la que interpretó a Tasha Yar, papel que le dio una gran popularidad.
Jack Nance rechazó el papel de Fred, que finalmente fue interpretado por Robert DoQui. 
Después de trabajar con Claude Earl Jones en Cherry 2000, volvió a contar con él para esta película, para el papel de Harlan, el barrendero. Según contaba el actor, De Jarnatt le dejó improvisar.
Alan Rosenberg se encargó de interpretar a Mike. Curiosamente el actor era el hermano de Mark Rosenberg, quien diera luz verde a la película cuando era el presidente de Warner.
Raphael Sbarge interpretó a Chip, la voz al otro lado del teléfono que advierte a Harry de la catástrofe inminente. "Tuvimos una audición [telefónica] extraña de Crispin Glover, que se alargó durante unos 15 minutos," me reveló De Jarnatt. El George McFly de Regreso al futuro, fue fiel a sus excentricidades, y decidió interpretar a Chip como si fuera retrasado. Falta decir que De Jarnatt lo rechazó, tras no parar de reírse durante la prueba.
Después de ver Aliens (1986), De Jarnatt contactó con Jenette Goldstein para conocerla. Al final le dio el papel de una de las dos mujeres armadas que tratan de escapar en el helicóptero, y también le permitió improvisar.
Y el actor (y futuro director) Peter Berg tuvo su debut en el cine con un pequeño papel como miembro de la banda en la que toca Harry. Además Berg fue el doble de luces de Edwards y llegó a doblarle en algunos planos.
En el resto de papeles podemos encontrar a Kelly Jo Minter (Charlotta, la hermana de Wilson), O-Lan Jones (en la piel de una camarera del Johnie's Coffee Shop), Danny De La Paz (interpretando a un travestí), Diane Delano (dando vida a una azafata), Earl Boen (como un borracho en la cafetería), y Brian Thompson (quien interpreta a un piloto).

RODAJE
Con un presupuesto de 4,4 millones de dólares la película se rodó durante siete semanas durante la primavera de 1987, en diferentes localizaciones de la ciudad de Los Angeles. Fue un rodaje principalmente nocturno, y normalmente se filmaba un plano de cada amanecer.
Filmaron en localizaciones características de la ciudad angelina como La Brea Tar Pits, el Muelle de Santa Mónica, el Pan-Pacific Auditorium, el Mutual Benefit Life Building o el Johnie's Coffee Shop (cafetería donde sucede gran parte de la película).
Para las escenas de los disturbios cortaron Wilshire Boulevard, y rodaron durante toda una noche utilizando enormes luces como las usadas en los estadios de béisbol.
Rodaron las escenas del alcantarillado en un auténtico desagüe de aguas, que resultó ser tóxico. Cuando un responsable del sistema de alcantarillado les advirtió de las enfermedades que podrían contraer, la mitad del equipo se marchó. Edwards se llevó la peor parte, ya que le salió un gran sarpullido por rodar allí.
Aunque fue un rodaje agradable, no estuvo falto de presión. El presupuesto era tan justo que no creían que fuera suficiente para rodar la película, y la aseguradora le advirtió a De Jarnatt que si se retrasaba dos días lo despedirían (incluso había un director en la retaguardia esperando para sustituirle). Por suerte, se mantuvo dentro del calendario y eso no llegó a suceder.
De Jarnatt contó con el director de fotografía Theo van de Sande (Blade), a quien ya había querido contratar para Cherry 2000, algo que no fue posible, pero sí lo logró para 70 minutos para huir. Según de Sande, decidió mostrar Los Angeles de una forma abstracta y áspera.
Para ayudar a Anthony Edwards en la escena que recibe la llamada telefónica, utilizaron a un chico para que leyera las frases de Chip (la voz al otro lado del teléfono) en el set. "Fue como la primera semana de rodaje," me contó De Jarnatt, "y [el chico] se quedó bloqueado en el momento, lo arruinó. Fue una actuación horrible. Tuve que eliminarlo, y hacer que el supervisor de guión leyera con Tony, quien realmente tuvo que hacer un trabajo imposible (y brillante), hacer que esa larga escena de una sola toma funcionara (la película se desmoronaría si no lo hace). Más tarde, un gran actor, Raphael Sbarge hizo la voz de Chip en la postproducción."
En la escena del restaurante, hubo lugar para la improvisación. Como por ejemplo con el chiste que cuenta Claude Earl Jones (Harlan), lo curioso es que el actor realmente no sabía como terminaba, y volvió loco al equipo que trataba de resolverlo.
Se rodó material no incluido en el montaje final. Por ejemplo, de la secuencia inicial en la que Harry y Julie se conocen, se rodaron dos versiones diferentes. Y hay una secuencia completa que De Jarnatt descartó, y que estaba protagonizada por Joe Turkel (El resplandor), quien bajaba en el ascensor del clímax con una mujer, mientras él recitaba el "Infierno" de Dante. Cuando llegaban al final del trayecto, se encontraban con que pasaban cosas realmente horribles y después subían. El director se dio cuenta que la escena no funcionaba y no la incluyó en la película.
El presupuesto asignado para efectos visuales fue de tan solo 25.000 dólares, lo que no hizo posible incluir un hongo nuclear en el clímax, tal y como deseaba el director.
El presupuesto era tan bajo que cuando rodaron el momento en que Kurt Fuller (Gerstead) presencia el impacto de los misiles, colocaron pudin en sus manos, y el actor se lo restregó en sus ojos después de encender una luz, creando el efecto de que estos estaban supurando.
Tras terminar la fotografía principal, De Jarnatt se pasó un año rodando tomas de segunda unidad por su cuenta con un pequeño equipo, y en ocasiones llamaba a Edwards y Winningham para rodar algún plano con ellos (como prácticamente todo el arranque de la película). Al final terminó rodando entre 10 y 15 minutos de la película final. Algunos de los gastos fueron reembolsados por Hemdale, pero otros no, y el director llegó a tener una deuda personal de 150.000 dólares, aunque según admitía, no cayó en bancarrota.
La primera opción de De Jarnatt para componer la música fue Tangerine Dream. El director había escrito el guión escuchando una y otra vez su banda sonora para Carga maldita (1977), e incluso llegó a utilizarla como música temporal en el montaje preliminar de 70 minutos para huir (además de otras partituras de Tangerine Dream). Le envió este montaje al grupo, que tras verlo quiso participar en la película (más concretamente Edgar Froese y Paul Haslinger). El director se pasó una semana con ellos en Viena trabajando en la música.
Inicialmente estaba previsto, que una vez el helicóptero se hundía al final de la película con los dos protagonistas dentro, una luz blanca se fusionaba en dos diamantes que se alejaban flotando, una forma de cerrar la película con un toque positivo. Cuando John Daly lo vio le aconsejó a De Jarnatt que lo eliminara, para así hacer el final más pesimista, algo extraño en un productor. Daly también sugirió otro corte, un plano de Wilson (Mykelti Williamson) llevando a su hermana en las escaleras mecánicas totalmente ensangrentado. 
El pase de prueba de la película fue en Secaucus (New Jersey), y fue bien recibida por el público (algunos hombres terminaron llorando en el baño).
Pero el estreno de la película no fue tan positivo. La película llegó a las salas de cine el 19 de mayo de 1989 (cabe recordar que la película se había filmado en la primavera de 1987), aunque se vio por primera vez en el "Festival Internacional de Cine de Montreal" el 3 de septiembre de 1988. Sólo recaudó 1.145.404 de dólares en el territorio de Estados Unidos y Canadá. En España la película llegó directamente a vídeo en 1991. Y fue justamente gracias al vídeo doméstico, que la película fue descubierta por el público y se convirtió con el paso de los años en una película de culto.
De la recaudación que hizo en vídeo, De Jarnatt no vio ni un dólar, según cuenta el director, Hemdale le debía entre 300.000 y 400.000 dólares en residuales que nunca cobró. La compañía cerró en 1995.

VALORACIÓN
70 minutos para huir es una de las joyas del fantástico más olvidadas de los ochenta. No es una película perfecta, tiene algunos tics del cine de su década (sobre todo estéticos), pero el altamente interesante y habla de un temor que está presente y siempre vuelve, el miedo a la guerra nuclear.
Se palpa la tensión en cada fotograma, ese el mayor logro de la película, consigue meternos dentro de esta historia apocalíptica en la que apenas llegamos a ver el apocalipsis. La historia de Harry se siente cercana porque es un hombre normal, y nos resulta fácil identificarnos con él, porque la película se centra sólo en un personaje, no se conseguiría el mismo efecto si fuera una película más coral. Y el que está narrada en casi tiempo real y durante una sola noche, hace que aumente la sensación de tensión. 
Inteligentemente el director nos introduce poco a poco algún presagio de que algo malo va a pasar, como esas ratas que caen de una palmera sobre el coche de Harry. Y una vez se inicia la acción, suceden otros momentos que nos presagian el trágico final, como esa escena de los policías quemándose vivos accidentalmente (la humanidad será pasto de las llamas sólo unos minutos después).
Otra idea interesante es que no sabemos las razones del porqué del ataque. Conocemos la historia al mismo tiempo que Harry y tenemos la misma información que él, es un acierto que nunca se revelen las causas de la catástrofe.
Es una película del fin del mundo casi minimalista,y aún pese a su bajo presupuesto, las escenas finales de los disturbios son muy efectivas.
Otro de los aciertos de la película es cerrar con un final triste, la solución fácil sería que los protagonistas se salvasen, pero ese nunca podría ser el final, sólo puede terminar con las bombas cayendo y ambos muriendo. No existe otro final posible si el mensaje de la película es alertar del peligro de las armas nucleares.
La película te pone en la situación de preguntarte si supieras que el mundo se va acabar esta misma noche qué harías. Cada personaje reacciona de una forma distinta. Harry pese a que acaba de conocer a Julie, está tan enamorado de ella que lo arriesga todo para salvarla. Por su parte, Wilson decide ir a por su hermana. Landa y la mayoría de los de la cafetería deciden poner rumbo a la Antártida. Y los abuelos de Julie se reconcilian después de 15 años, y deciden que en lugar de tratar de escapar, prefieren pasar el poco tiempo que les queda juntos.
Pese a todas esas pequeñas tramas, 70 minutos para huir es una historia de amor que dura solo un día, pero que al mismo tiempo es toda una vida, Harry y Julie se encuentran justo antes de que se acabe el mundo, pero estarán juntos para siempre en una tumba de alquitrán.
Se nota el cariño que De Jarnatt le pone a la película, y se encuentra muy cómodo rodándola, creando momentos realmente inspirados, como la escena de la llamada en la cabina rodada en un solo plano, o ese contrapicado de Harry en la calle mirando hacia la azotea del rascacielos. Y tiene grandes ideas de guión, como ese momento en que Harry llama por teléfono al padre de Chip. Su libreto está bien construido, De Jarnatt le da a Harry una motivación para que se separe del grupo que se dirige a la Antártida, y así mantenerle ocupado durante toda la película, ¿y qué mejor excusa que encontrar al amor de tu vida?
La película muestra Los Angeles como una ciudad extraña, siempre nocturna, llena de personajes y situaciones raras, como si estuviéramos viviendo un sueño, como ese momento en que Julie se despierta dentro de carrito de supermercado y se encuentra llevada por Harry por en medio de la ciudad. También parece que nosotros nos hayamos despertado en un mundo extraño donde no entendemos del todo lo que sucede.
Aunque desde el momento en que suena el teléfono los acontecimientos se precipitan, nunca tengo claro cuanto tiempo queda para la hora de la destrucción, debería reflejarse mejor mediante los diálogos o la inserción de relojes, lo que daría una mayor sensación de inmediatez y de miedo. Tampoco me resulta creíble que Harry recoja a Wilson en el coche de policía cuando acaba de provocar accidentalmente la muerte de dos agentes, y haya volado una gasolinera por los aires (seguramente el dependiente haya muerto también). Ni tampoco que no quiera contarle a Julie la verdad sobre el ataque inminente, y trate de mantener la mentira todo el rato. Y el primer plano de la película, con Harry tocando el trombón con una foto de Julie, despista al espectador, porque ese momento no ocurre dentro de la trama, simplemente parece ser la imaginación de Harry. Pero son pegas menores.
La música de Tangerine Dream funciona bastante bien para crear atmósfera, pero algún tema recuerda demasiado a su trabajo previo en Risky Business (1983).
Tiene un curioso e interesante plantel de actores secundarios, que dan a esta pequeña película la apariencia de ser algo más grande, podemos ver en pequeños papeles a John Agar (La venganza del hombre monstruo), Lou Hancock (Terroríficamente muertos), Mykelti Williamson (Forrest Gump), Kurt Fuller (Los Cazafantasmas II), Denise Crosby (El cementerio viviente), Robert DoQui (RoboCop), O-Lan Jones (Eduardo Manostijeras), Earl Boen (Terminator), Brian Thompson (Cobra, el brazo fuerte de la ley) y Jenette Goldstein (Aliens).
Fue parte de una corriente de películas de los ochenta, cuya trama trataba sobre el miedo a la guerra nuclear, como El día después (1983), Testamento final (1983), Juegos de guerra (1983), Threads (1984), Cuando el viento sopla (1986) o Abyss (1989). Tal vez 70 minutos para huir llegó un poco tarde, cuando se estrenó tuvo lugar el fin de la guerra fría, pero su mensaje siendo siendo igual de válido, y siempre lo será.
La imagen de Harry y Julie hundiéndose dentro del helicóptero en el alquitrán y rodeados por las figuras de los mamuts, es una imagen que habla sobre la extinción, sabemos que es el final de la raza humana. La película comienza con un vídeo que explica la génesis de la vida en la Tierra, y los hombres somos sólo un capítulo más; como dice Harry en un momento de la película, la siguiente oportunidad le toca a los insectos. La visión de De Jarnatt de la humanidad no es positiva, si el mundo está lleno de gente así es normal que acabe autodestruyéndose. Sólo hay que ver como se comportan algunos una vez saben que el fin está cerca, todos tratan de matarse y estalla el caos (incluso se sugiere que el personaje de Gerstead practica la necrofilia). Y viendo el estado del mundo actual, esa idea está más vigente hoy, que el día en que se estrenó la película.
70 minutos para huir es también la historia de un director que hizo realidad su sueño (o debería decir su pesadilla), realizar la película que quería y como quería, y en eso es un triunfo. Ya que no toma el camino fácil y la termina con un final terrible, tal vez el más terrible de todos. Vemos la película a través de sus ojos y conseguimos sentir su miedo a una guerra nuclear. 
Resulta una película muy icónica y se queda grabada a fuego en tu mente. Tiene el poder de una bomba nuclear. Si no la habéis visto os recomiendo darle una oportunidad. 

CURIOSIDADES
El guión incluía un papel para el presentador Walter Cronkite, quien informaba de la catástrofe, pero al final no participó en la película.
Por error se acreditó al actor Mykelti Williamson como Mykel T. Williamson.
Ganó el premio a los mejores efectos especiales en el Festival de Sitges de 1989.
Steve De Jarnatt tiene un cameo como el hombre al que disparan y cae sobre la tapa de una alcantarilla.
El vídeo que se ve al comienzo de la película en el museo, corresponde a la miniserie Cosmos (1980) de Carl Sagan.
Fue el debut en Hollywood del director de fotografía Theo van de Sande. 

BIBLIOGRAFÍA
Entrevista a Steve De Jarnatt (dic 2021)
World Remains Magazine (nº 5)
Miracle Mile (Walter Chaw, 2012)
Fear Magazine (nº 11, nov 1989)
Starlog Magazine (nº 164, 191)
Comentarios del director (Blu-ray)
Super-Con Big Wow!-Interview Denise Crosby (I Smell Sheep, 25 may 2011)
Interview with Jenette Goldstein (The after movie diner)
Next level Hollywood (The flashback files)

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