Monday, July 02, 2018

Misión imposible

"Luz roja, luz verde."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un grupo de agentes secretos del FMI (Fuerza de Misión Imposible) es asesinado en el transcurso de una operación, el único superviviente, Ethan Hunt, deberá descubrir quien asesinó a sus hombres y de paso limpiar su nombre, para ello reclutará a un nuevo grupo de espías repudiados.

PROYECTO IMPOSIBLE
Paramount Pictures se hizo con los derechos de la serie Misión imposible (1966–73) comprándoselos a Desilu Productions, propiedad de la actriz Lucille Ball, nada más terminar su séptima y última temporada. Durante años trataron de realizar una adaptación al cine, pero nunca llegó a buen puerto.
La adaptación cinematográfica realmente no arrancó hasta que Tom Cruise, fan desde niño de la serie, se mostró interesado en el proyecto. Su idea era ejercer como protagonista y productor, ya que el actor acababa de crear su propia productora, la Cruise/Wagner Productions. "Me pareció un proyecto perfecto para poner en marcha nuestra empresa," declaraba el actor. "Tenía todos los elementos para convertirse en un film divertido y lleno de suspense." Y mientras Cruise rodaba la La tapadera (1993), se comenzó a desarrollar el proyecto.
Paramount quería mantener el presupuesto entre los 40 y 50 millones de dólares, pero Cruise solicitó 70 millones, ya que quería hacer una gran película de acción. Al final Paramount concedió un prepuesto mayor (terminó costando 62 millones, que ascendieron a 80 millones al añadir los gastos de publicidad). Para poder mantener la película en el presupuesto asignado Cruise prefirió no cobrar sueldo alguno, pero sí percibir un porcentaje de la recaudación (algo que le salió redondo porque terminó ganando 70 millones de dólares).
El primer director al que se le ofreció la película fue John McTiernan (Jungla de cristal), pero por varias desavenencias salió del proyecto. Después pasó a Sydney Pollack, quien trabajó durante varios meses con los guionistas Willard Huyck y Gloria Katz (Indiana Jones y el templo maldito) en el guión.
Por otro lado, el fracaso comercial de Atrapado por su pasado (1993) dejó a Brian De Palma en una difícil situación, "no me quedaba más remedio que conseguir un éxito," admitía el director. Para buscarlo decidió dejar a su agente y se fue con Michael Ovitz a la CAA (Creative Artists Agency), y pronto surgió la oportunidad de dirigir de Misión imposible, proyecto que le llegó a De Palma a través de Ovitz, después que Cruise pensara en el director para hacerse cargo de la película. "Creo que Pollack estaba deseando dejar el proyecto para dedicarse en cuerpo y alma a su remake de Sabrina," recordaba el director. "Así que cogí la ocasión por los pelos, escuché las sugerencias de Cruise y me puse a trabajar con Katz y Huyck." El director se sumó al proyecto en enero de 1994.
"Paula y yo pensamos que la maestría técnica de Brian serviría para trascender el género de la película, que es un thriller de acción," declaraba Cruise. "Pero queríamos hacer algo diferente. Uno de los motivos por los que hoy en día resulta tan difícil hacer una película de espías es porque la guerra fría no existe, los villanos han cambiado. Quería que fuera una película muy sofisticada, que el argumento y los personajes tuvieran cierta complejidad, que tuvieran una base emocional muy realista. Sabía que Brian era el director que podía darnos todo esto y más."
El guión de Huyck y Katz estaba situado en los Estados Unidos, fue idea de De Palma llevar la historia a Europa. Una vez finalizado el guión, éste no convenció a nadie y Cruise tuvo que despedir a los guionistas. Fue entonces cuando llamaron a Steven Zaillian (Peligro inminente) para que se hiciera cargo del guión. De Palma y Zaillian crearon juntos la historia de la película durante seis semanas. Originalmente el director quería, "arrancar de una construcción como la de Doce del patíbulo, con Cruise buscando a los miembros de su equipo por todos los rincones del globo. Jean Réno estaba preso en la India, Ving Rhames en una isla en Irlanda. Las secuencias tenían bastante gracia, pero yo me topaba una y otra vez con el mismo problema: 'Si hago Misión imposible, tengo que llegar a la misión enseguida'. El problema principal iba unido al propio concepto de Misión imposible. Es la historia de cinco personajes que actúan en equipo. Pero estábamos haciendo una película en que el actor estrella era Tom Cruise. Y el protagonista tenía que ser él. Así que propuse que matásemos a los otros cuatro desde el principio." Con esa base escribieron un libreto de doce páginas y como Zaillian no pudo comprometerse a estar en la producción durante más de seis semanas, dejó vacante el puesto de guionista. Y De Palma llamó a su amigo David Koepp para que escribiese el guión definitivo, partiendo del esquema que habían creado previamente. Trabajo por el que el guionista recibió 1 millón de dólares.
Cruise aceptó filmar el guión escrito por Koepp y así se le dio luz verde el rodaje, pero al día siguiente el guionista fue despedido y contrataron a Robert Towne (La tapadera), amigo de Cruise, para realizar reescrituras. El actor creía que había cosas con respecto a su personaje que debían ser cambiadas.
Con Cruise como absoluto protagonista, se tuvo que buscar a los miembros de su equipo y también al resto del reparto. Inicialmente estaba previsto recuperar a todo el reparto original de la serie, sólo para matarlos en el comienzo de la película. Martin Landau y Peter Graves se opusieron a ese planteamiento y rechazaron participar en la película. "Era básicamente una película de acción/aventura y no Misión imposible. [...] ¿Por qué ser voluntarios para esencialmente hacer que nuestros personajes se suiciden?," declaraba Landau. Graves se sintió molesto porque convirtieron a su personaje en el villano de la historia. Por su parte, Greg Morris (que interpretó a Barney Collier en la serie original) salió del cine antes que acabara la película, describiéndola como, "una abominación."
Quedando vacante el papel de Jim Phelps, se lo ofrecieron a Al Pacino, Michael Douglas y Robert Redford, siendo finalmente escogido Jon Voight.
Se tantearon a muchas actrices para el papel de Claire, la que estuvo más cerca de conseguirlo fue Juliette Binoche, pero finalmente escogieron a Emmanuelle Béart. El inglés de la actriz francesa no era demasiado bueno, por lo que tuvo que practicar durante cuatros meses con una profesora de diálogo para dar vida a su personaje correctamente.
De Palma se fijó en Jean Reno en las películas Kamikaze 1999 (1983) y El gran azul (1988), y le ofreció el papel de Krieger. Según Reno, la información que le dio el director para su personaje fue, "que es francés, es un traidor y fuma."
Ving Rhames fue elegido para dar vida a Luther, el hacker informático. Cruise había conocido al actor en el estreno de Pulp fiction (1994) y esa fue la puerta de entrada para Rhames al proyecto. Según el actor, originalmente el papel de Luther era más corto, ya que moría al comienzo de la película. "Llamé a Tom Cruise y a Brian De Palma y dije '¿por qué el negro muere en cada película de acción en los primeros seis minutos?'," recordaba Rhames. El guión fue reescrito y se mantuvo al personaje con vida (se entiende que Luther era el hacker miembro del equipo original de Hunt, rol que después recaería en Emilio Estevez). Para meterse en el papel de un hacker, Rhames pasó tiempo con la consultora técnica Suzane Doucette, ex-miembro del FBI.
Emilio Estevez, amigo de Cruise, se hizo con el papel del informático Jack Harmon de forma no acreditada. El (por aquel entonces) popular actor, fue elegido para crear un efecto sorpresa cuando fuera asesinado en el primer acto.
El papel de Sarah Davies, miembro del equipo de Hunt, recayó en la británica Kristin Scott Thomas, que se limitó a una corta participación. "Muero en la página 25. Pero muero en los brazos de Tom Cruise, así que vale la pena," bromeaba la actriz.
El papel de Max estaba escrito originalmente para un hombre, pero Cruise era amigo de Vanessa Redgrave y quería incluirla en la película, así que se le ocurrió que diera vida al traficante de armas, algo que gustó a De Palma.
El resto del reparto se compuso por Henry Czerny (como el jefe del FMI Kittridge), Ingeborga Dapkunaite (en el papel de Hannah, miembro del equipo original de Hunt) y Dale Dye (dando vida al agente Frank Barnes).

RODAJE
La fotografía principal comenzó el 13 de marzo de 1995 y terminó el 8 de agosto del mismo año. El rodaje empezó en el Museo Nacional de Praga, reconvertido para la película en la embajada americana. Se utilizaron otras localizaciones de la capital checa, como el Palacio Liechtenstein, el Puente de Carlos y el Hotel Europa (interiores del apartamento donde Hunt se reúne con Max). Fue idea de De Palma el rodar en Praga, ya que la ciudad apenas había sido vista en el cine.
Una vez completadas las escenas de Praga, a principios de abril de 1995, la producción se mudó a Inglaterra, para rodar principalmente en los Pinewood Studios. También se rodaron escenas de exteriores en Londres, en localizaciones tales como Tower Bridge (donde se construyó un helipuerto especialmente para la película), Tate Britain (imagen de la familia de Hunt saliendo de los juzgados), County Hall (vestíbulo de la CIA), Anchor Pub (conversación final entre Hunt y Luther) o la Estación de Liverpool Street (encuentro entre Hunt y Phelps).
Los exteriores de la escena del TGV aunque acontecen supuestamente en Kent (Inglaterra), realmente se rodaron en Escocia, más concretamente en la Glasgow South Western Line, entre New Cumnock, Dumfries y Annan.
El rodaje se inició sin un guión terminado y durante el mismo Towne no se dedicó sólo a pulir el personaje de Ethan Hunt, comenzó a reescribir todo el guión, algo que a De Palma le pareció un error. El guión se reescribía a diario lo que ocasionaba todo tipo de problemas. Pronto fue evidente que el guión de Towne no se podía utilizar, de modo que volvieron a llamar a Koepp y éste tuvo que reescribir el guión de nuevo. Pero ambos guionistas se mantuvieron en plantilla y cada uno trabajaba en el guión por su cuenta desde sus respectivos hoteles. Según De Palma, ese tiempo al principio del rodaje fue lo peor de toda la filmación. "Robert Towne volvía a escribir el trabajo de David Koepp y viceversa. Una auténtica pesadilla," recordaba el director. Llegado un momento de la producción Koepp tuvo que irse a rodar El efecto dominó (1996) y Towne se mantuvo revisando el guión hasta el final de la misma.
Y el entendimiento entre De Palma y Towne no fue el mejor posible. El guionista quería eliminar la secuencia final del tren, para terminar la película con una conversación entre los tres protagonistas en la bodega de equipajes. El director se opuso a ello diciendo, "estamos haciendo Misión imposible, hay que terminar con algo espectacular." Al final Cruise le dio la razón a De Palma y la fabulosa secuencia del tren se mantuvo.
La producción estuvo llena de retos, entre ellos la iluminación. Para rodar en el Hotel Europa de Praga se le prohibió al equipo colgar luces de las paredes o clavar un clavo, de modo que, los métodos tradicionales no servían. El director de fotografía Stephen H. Burum (Los intocables de Eliot Ness) se topó con una empresa que había creado globos de helio que emitían luz, pero los globos eran pequeños y no daban la potencia suficiente, así que llegaron a un acuerdo con la empresa que los fabricaba para crear para la película cuatro globos de mayor tamaño y que daban 8.000 vatios de luz. Vistos los buenos resultados terminaron utilizándolos para rodar otras escenas de la película, algo que en aquel momento fue revolucionario.
Tampoco fue tarea fácil iluminar aproximadamente 3 kilómetros de la orilla del río Moldava a ambos lados del Puente de Carlos, para transmitir la atmósfera deseada. Necesitaron dos semanas de preparación previa a los 12 días de rodaje y se usaron 11 generadores para suministrar energía a cientos de luces.
Aunque no lo parezca, una de las escenas que dieron más quebraderos de cabeza fue la de apertura, con Cruise disfrazado tratando de conseguir que un hombre hable. Se rodó de tres formas diferentes, con una iluminación distinta de cada vez. "El ambiente estaba muy tenso, porque todo el mundo se peleaba. El maquillador se quejaba de la luz y entonces Stephen H. Burum se ponía como loco," recordaba De Palma.
La secuencia del restaurante Akuarium se rodó entre los Pinewood Studios de Inglaterra y la Plaza de la ciudad vieja de Praga. El restaurante fue diseñado por Norman Reynolds (En busca del arca perdida) y en él acontece uno de los puntos álgidos de la película, el momento en que Hunt salta por la ventana mientras todo el restaurante se desmorona detrás de él (que fue una idea de Tom Cruise). "Calculo que habría 16 toneladas de agua entre los cuatro tanques," explicaba Greg Powell, coordinador de efectos especiales. "Tuvimos que usar un cristal templado especial para sujetar aquella estructura, y cuando todo explotó y el agua se desparramó, el cristal salió despedido en todas direcciones." Primero rodaron en Pinewood la escena con un especialista, pero no funcionaba, así que De Palma le pidió a Cruise que la hiciera él mismo. Y aunque el actor es conocido por hacer sus propias escenas de riesgo, tuvo miedo de rodar ésta. "Antes de empezar a rodar se me acercó y me dijo: 'Sólo soy un actor, ¿sabes?'," recordaba De Palma. El director le tranquilizó asegurándole que todo saldría bien y así fue, la escena resultó perfecta. Sí se utilizó un especialista en el plano que se ve a Hunt corriendo de espaldas (rodado en Praga), ya que necesitaban a alguien muy rápido.
Para la escena del robo en el cuartel general de la CIA, De Palma se inspiró en el robo de la película Topkapi (1964) y después le aportó sus propias ideas. "Se me ocurrió rodar la escena en el más completo silencio, es decir, todo lo contrario de lo que sucede hoy en día en el cine de acción americano," comentaba el director. "No quería ni música ni efectos sonoros. Sino silencio. [...]. Lo que se pretendía era llevar la escena a sus últimas consecuencias."
Y el espectacular clímax en el tren requirió de seis semanas para rodarlo en el Plató 007 de los Pinewood Studios, donde se construyeron tres vagones de tamaño real. De Palma quería utilizar un tren Eurostar, pero al final consiguieron un TGV, gracias a que Cruise invitó a cenar a uno de los pesos pesados de la Sociedad Nacional de Ferrocarriles Franceses. Uno de los problemas de la escena era como simular la fuerza del viento al rodarla dentro de un estudio. Cruise llegó con la solución, "probamos con motores de jet, todo tipo de ventiladores y ninguno nos daba lo que queríamos. Entonces recordé que cuando practicaba paracaidismo me había entrenado con un simulador especial. Le sugerí a Powell que quizá resolviéramos el problema con una de esas máquinas." Utilizaron el único simulador que había en Europa y que podía generar vientos de 240 kilómetros por hora.
Cruise y Beart tenían más escenas juntos, pero fueron cortadas. De hecho, se rodó una escena inicial que introducía un triángulo amoroso entre Hunt, Claire y Phelps, pero que fue eliminada tras un pase de prueba, ya que según De Palma la escena sacaba al público fuera del género de espías.
Originalmente la película iba a terminar con una conversación en un aeropuerto entre Hunt y Luther, pero tres días antes de acabar el rodaje De Palma se dio cuenta que la escena no funcionaba. "El decorado no vale," recordaba el director. "Después de esa escena tan larga en el tren, en el túnel, no puede haber otra escena en un universo tan artificial y cerrado como el de un aeropuerto. La pesadilla ha concluido. Lo que hay que mostrar es un regreso a la vida. Tiene que verse la realidad, filmar las calles y los pubs ingleses." La escena se cambió por la conversación en la terraza de un pub entre los dos personajes vista en la película.
Los efectos especiales corrieron a cargo de la ILM, que creo unos efectos visuales de infarto, llegando a realizar aproximadamente 150 planos para la película. Fue tal la cantidad de trabajo en este campo, que De Palma vivió en el Rancho Skywalker durante toda la post-producción de la película. John Knoll (La amenaza fantasma) fue el supervisor de los efectos visuales de ILM para la película. Otras compañías que aportaron efectos para la película fueron Computer Film Company y Cinesite Europe.
La secuencia con mayor número de efectos fue el clímax del tren. Para crear la secuencia se recurrió a la suma de varias técnicas, como pantalla azul, miniaturas, CGI, pirotecnia y uso de cables, dando lugar a una escena que sigue sorprendiendo por su realismo a día de hoy.
El genial plano en el que Hunt se quita la máscara con la cara de Jim Phelps se consiguió rodando primero a Jon Voight y después a Cruise quitándose la máscara (creada por Rob Bottin) en el mismo eje y con el mismo tamaño de plano. Más tarde, mediante un efecto morphing se creó el cambio de cara.
El compositor elegido para escribir la banda sonora fue Alan Silvestri (tras ofrecérselo a Ryuichi Sakamoto, quien lo tuvo que rechazar por conflictos de agenda), pero desde el principio ya hubo problemas con su partitura. A De Palma le parecía que no funcionaba. "Era demasiado melódico, por muchas cosas que cambiase, siempre había algo excesivo en su música," declaraba el director. Hicieron varios cambios en ella, pero después de la cuarta sesión, Silvestri fue despedido (cuando había compuesto aproximadamente 23 minutos de su banda sonora) y contrataron a Danny Elfman. Elfman mantuvo el popular tema principal de la serie compuesto por Lalo Schifrin.
Se le ofreció a U2 que versionaran el tema de la serie compuesto por Schifrin. Bono y The Edge no tenían tiempo para ello, pero Larry Mullen Jr. y Adam Clayton aceptaron el encargo. Cada uno por su cuenta hizo su propia versión, Clayton trabajando en Nueva York y Mullen en Dublín, durante los fines de semana entre sesiones de grabación del grupo. Dejaron que Polygram escogiera su tema preferido y al final se quedaron con ambos.
Inicialmente la película terminó su rodaje en agosto de 1995, antes del tiempo previsto y por debajo del presupuesto asignado.
George Lucas puso su pequeño granito de arena en la película. Mientras De Palma estaba en el Rancho Skywalker le enseñó un primer montaje de la película a su amigo y, "lo primero que dijo fue: ¿Dónde está la escena en que están todos alrededor de la mesa y Jim explica la misión?", recordaba De Palma. El director le dio la razón a Lucas y se fue con todo el equipo a Londres a rodar la escena.
Estos y otros reshoots, sumado a problemas con los efectos visuales y diversas complicaciones del rodaje, retrasaron el estreno de la película e hicieron aumentar el presupuesto. Originalmente la fecha de estreno prevista era en diciembre de 1995, pero se cambió a mayo de 1996.
La película se estrenó entre rumores de mal entendimiento entre Cruise y De Palma (que el director negó posteriormente) y que se agravaron cuando el director decidió no conceder entrevistas antes del estreno de la película.
La première de Misión imposible fue el 20 de mayo de 1996, para conocer el estreno masivo en salas sólo dos días después. Fue la primera película en estrenarse en más de 3.000 salas en Estados Unidos y literalmente reventó la taquilla. En Norteamérica recaudó 180.981.856 de dólares (tercera película más taquillera del país en 1996) y la recaudación total a nivel mundial fue de 457.696.359 de dólares, lo que la convirtió en la tercera película más taquillera del año.
La película fue totalmente ignorada por los Oscars, lo que resulta chocante, principalmente por su apabullante apartado técnico.

VALORACIÓN
Misión imposible es toda una gozada y una de las mejores películas de espías de las últimas décadas. Es una película de acción, pero una con pedigrí. El reparto es espectacular, el guión viene firmado por algunos de los grandes nombres de Hollywood, los medios técnicos son impresionantes y el director es excelente.
Es increíble la implicación de De Palma en el proyecto, el cual pese a ser un encargo, consiguió convertirlo en una película personal. Casi todas las decisiones argumentales y artísticas fueron suyas y defendió su visión ante todos. Por eso Misión imposible es algo más que una película comercial al uso, es también una película de autor.
Y es que aunque no lo parezca, la película es puro De Palma, ahí está el uso de tecnología por parte de los personajes (cámaras y pantallas de vídeo son utilizadas como un elemento más de la historia al igual que en Snakes eyes, En nombre de Caín o El fantasma del paraíso), las amistades traicionadas (como en Atrapado por su pasadoFascinación El precio del poder), los personajes actuando en un falso escenario haciendo que otros crean ver algo que no es real (como sucede en la primera escena de la película y que recuerda a Doble cuerpo), las referencias y homenajes a otros directores y películas (ahí tenemos el macguffin a lo Hitchcock con la lista NOC o el robo con influencias de Topkapi), el uso de máscaras o disfraces (como en Doble cuerpo, Vestida para matarPassion) o la idea del doble (como en Hermanas Femme fatale). El director acercó el material a su universo, pero al mismo tiempo supo crear un espectáculo impecable.
Y es que pocas veces se ha podido ver una película mejor filmada que Misión imposible, la cual está compuesta de los planos justos y necesarios, la cámara siempre esta situada en el lugar apropiado y cada plano tiene la duración debida. De Palma rodó una película de perfección milimétrica.
Aunque no es un film del todo redondo. Adolece de un pequeño problema de ritmo entre el robo en la CIA y el clímax en el TGV, pero es necesario para el desarrollo de la trama y de los personajes. Y la relación entre Hunt y Claire no termina de funcionar, no hay química entre ellos y ésta nunca llega a explotar realmente, quedándose en una mera atracción entre ambos.
Y como adaptación de la serie creada por Bruce Geller nunca me ha parecido que capte realmente el estilo de aquella (aunque sí es la más cercana al espíritu original de todas las películas de la saga por no apoyarse principalmente en la acción). La serie Misión imposible jugaba más con el suspense y la astucia para engañar a unos villanos, y de paso al propio espectador. Por su parte, la saga protagonizada por Cruise se ha convertido en un parque de atracciones. Por otro lado, la serie era coral, mientras que aquí todo el protagonismo recae en su estrella y productor, lo que la distancia de la serie. Y su planteamiento habría sido fantástico para una segunda parte, deberían haber presentado a todos los personajes en la primera parte para matarlos después en la segunda. Pero hay que reconocerle que la trama es inesperada y pilla a uno por sorpresa, y además intenta tener su propia personalidad.
La película se construye sobre tres grandes escenas que coinciden con el planteamiento (la misión fallida en Praga), nudo (el robo en la CIA) y desenlace (el clímax en el TGV). Pero lo genial de la película es que las escenas puente entre esos tres grandes momentos también son excelentes. Sólo hay que recordar la escena del restaurante acuario, a Phelps contando una historia mientras Hunt al mismo tiempo construye en su mente la verdad (la primera vez puede confundir, pero es una gran idea) o a Hunt explicando el plan del robo a sus nuevos compañeros (todo un prodigio de montaje).
Y es que De Palma crea momentos geniales con la cámara. Personalmente me encanta el plano posterior al robo en Langley, con los cuatro protagonistas escapando en el camión de bomberos y como el director hace un barrido con la cámara, mostrando como cada de uno de los personajes reacciona de forma distinta al robo, Luther preocupado porque sabe lo que han robado, Kruge contento con el golpe, Claire pensado en Ethan, y Ethan serio porque está empezando atar cabos. Otro detalle que me gusta es que el disco que roban en Praga está (literalmente) manchado de sangre cuando Max trata de usarlo, es algo insignificante, pero muy simbólico.
La película tiene un soterrado sentido del humor, como lo demuestra el juego de magia de Ethan con los discos, Jack diciéndole a Hunt que no masque el chicle explosivo, el informático de la CIA vomitando una y otra vez, Kittridge enviando a Alaska a dicho informático, como todos los teléfonos del TGV dejan de funcionar cuando Luther pasa al lado de ellos con su inhibidor. La película consigue ser divertida sin perder el tono, algo en lo que fallaba Misión imposible 2 (2000).
Y no puedo terminar sin hablar del final en el TGV, que es sencillamente una de las mejores escenas de acción de la historia y la que nos demuestra que esto es sí es Misión imposible. Por si sola ya merecía el precio de la entrada. Y es que el momento del "luz roja, luz verde", con el tema de Lalo Schifrin sonando a todo trapo y con Hunt volando por los aires, es de esos que te hacen querer ponerte de pie y aplaudir como un loco.
De Palma logró lo imposible, realizar una de las mejores películas de acción de la década, sin pegar un solo tiro ni mostrar una pelea, sólo apoyándose en el suspense y en un sentido del espectáculo único. La película sólo trata de ser una entretenida historia de espías y lo consigue con creces. La saga ha seguido viva con el paso de los años, pero la primera de la misiones de Ethan Hunt sigue siendo la mejor.

CURIOSIDADES
Última película de un gran estudio en ser lanzada en formato Betamax.
Del mismo modo que Emilio Estevez (amigo de Tom Cruise), hace una participación no acreditada en la película, Cruise hizo lo mismo en Arma joven (1988) protagonizada por Estevez.
Los peces utilizados en la escena que explota el acuario eran de goma.
El body count de la película asciende a 7 muertos.
Alan Silvestri recicló la banda sonora que compuso para la película y que no fue usada, para la película Eraser (1996).
Fue nominada a un premio Saturn en la categoría de mejor película de acción/aventura/thriller.
Para el truco que Hunt le hace a Krieger desapareciendo el CD no se utilizaron efectos visuales, Cruise lo hizo realmente frente a la cámara.
En el trailer de la película hay un plano de Hunt y Claire besándose apasionadamente que no está incluido en la película.
Ving Rhames nunca había visto la serie original. Lo hizo cuando fue contratado para participar en la película.
Jim Phelps es el único personaje de la serie original que aparece en la película.
Uno de los nombres cable de la lista NOC es Maverick, lo cual es un guiño al personaje que Tom Cruise interpretó en Top Gun (1986).
Es la única película de la saga en la que Ethan Hunt no dispara un arma y en la que no hay ningún tiroteo.
El nombre de Andrew Eio, coordinador de efectos visuales y coordinador de sistemas informáticos de la película, aparece como uno de los agentes de la lista NOC.
Y el nombre de Simon Staines, diseñador de gráficos de ordenador de la película, es el primero que aparece cuando Ethan Hunt busca agentes repudiados del FMI para que le ayuden.
A la hora de rodar la famosa escena del robo de la lista NOC, con Hunt colgado a pocos centímetros del suelo, la cabeza de Cruise se golpeaba contra el suelo, para solucionarlo al actor se le ocurrió meterse monedas en los zapatos para equilibrarse.
La película sentó una de las máximas de la saga, mostrar al protagonista saltando desde una gran altura y quedándose a una corta distancia del suelo. Momento repetido por Cruise en Misión imposible 2Misión imposible 3. En Misión imposible: Protocolo fantasma la escena la protagonizó Brandt (Jeremy Renner).
La compañía Apple creo una campaña de publicidad de 15 millones de dólares vinculada a la película, que incluía un juego (“Mission: Impossible - The Web Adventure”), anuncios impresos, spots de televisión, publicidad en cines y product placement de sus ordenadores en la película. Dos semanas antes de lanzar la campaña, Apple anunció perdidas de 740 millones de dólares en su segundo trimestre fiscal de 1996, y la campaña fue un intento de mejorar su imagen.
El nombre del personaje Alexander Golitsyn es una referencia al desertor del KGB Anatoliy Golitsyn.
Tom Cruise realiza dos papeles en la película, además de a Ethan Hunt también interpreta al senador John Waltzer, el cual aparece en un programa de entrevistas que estudia Hunt.
Aunque el TGV es un tren eléctrico y utiliza líneas aéreas de alimentación, para hacer posible la lucha en el techo y tener al helicóptero sobrevolando el tren, se hizo que fuera movido por una locomotora diesel.
Reza Badiyi, el director que más episodios rodó de la serie original, fue invitado por el jefe de la Paramount para estar presente en el rodaje como asesor. Brian De Palma le dijo lo mucho que le gustaba la serie, pero que la película no se parecía en nada aquella y que su presencia sólo haría que ambos se sintieran incómodos. Badiyi agradeció su honestidad y se marchó del rodaje, para no volver nunca.
Norman Reynolds se negó a ver la serie para que todos los diseños de la película fueran originales. 
La versión del tema de la serie realizada por Larry Mullen Jr. y Adam Clayton alcanzó el puesto nº 7 del Billboard Hot 100 americano, consiguiendo vender 500.000 copias. La banda sonora de la película también fue todo un éxito y se aupó al puesto nº 16 del Billboard 200 americano.
Fue escogida por "Cahiers du Cinema" como una de las 10 mejores películas de 1996.

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Saturday, June 02, 2018

La mosca

"Ten miedo, mucho miedo."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Seth Brundle está investigando la teletransportación, pero tras probarla consigo mismo, terminas fusionándose con una mosca. A partir de ese momento, su cuerpo experimentará una increíble transformación.

LA METAMORFOSIS
Kurt Neumann dirigió La mosca (1958) basada en un relato corto de George Langelaan (publicado por primera vez en la revista Playboy) y que fue todo un éxito para la Fox. A principios de los ochenta, el productor Kip Ohman tuvo la idea de realizar un remake de aquella y para ello le encargó la escritura del guión a Charles Edward Pogue (Dragonheart).
"Mi manager me dio la historia original para que la leyese," recordaba el guionista. "Nunca había visto la película original. Me gustaron los aspectos de Jekyll/Mr. Hyde. Se me ocurrió esencialmente la estructura de la historia que actualmente se ve en la película. La mutación de los genes en lugar de ese gran cabeza de mosca que ves en la original (¿cómo funciona eso en cuanto a la ciencia?)."
El guión de Pogue no gustó a la Fox, pero el guionista y Ohman llegaron a un acuerdo con la major, ésta se encargaría sólo de distribuirla y ellos conseguirían la financiación a través de otra productora. Así entró Stuart Cornfeld en el proyecto, el auténtico impulsor del mismo, al sentirse muy atraído por la historia. Cornfeld a su vez le llevó el proyecto a su socio Mel Brooks, quien se encargaría de producir la película a través de su productora Brooksfilms. El director de Sillas de montar calientes no quiso ser acreditado en la película, porque consideró que si se sabía que era una producción suya, el público no se la tomaría en serio.
Se consideró que el guión de Pogue necesitaba ser reescrito y se contrató a Walon Green (Grupo salvaje), pero el guión de éste no convenció y volvieron a llamar a Pogue.
El proyecto le fue ofrecido a David Cronenberg, pero lo rechazó por conflictos de calendario con el rodaje de Desafío total, que inicialmente tenía previsto rodar. Los productores le ofrecieron entonces la silla del director a Robert Bierman (Besos de vampiro), pero tras la muerte de su hija en un accidente al inicio de la producción, decidió no rodar La mosca.
Desavenencias con Dino De Laurentiis hicieron que Cronenberg saliese de Desafío total. Cornfeld se enteró de esto a través de Scott Rudin y le volvió a ofrecer el proyecto al director canadiense.
"Mi agente me llamó y me dijo que Mel Brooks estaba interesado en que yo dirigiera un remake de La mosca," recordaba Cronenberg. "Gracias a mi amigo Mark Boyman pude leer el guión, que había sufrido ya diversas reescrituras. Cuando lo leí, me di cuenta de que contenía toda una serie de elementos narrativos y dramáticos que me interesaban. Me reuní con Mel Brooks y Stuart Cornfeld y les dije: 'Para mí, el guión empieza en la página diecinueve y continua unas dieciocho páginas más allá. Luego se acabó'. Se quedaron muy sorprendidos y me dijeron que les contara cuáles eran mis ideas. Y así lo hice. Al terminar, concluí de esta manera: 'He perdido un año de vida tratando de hacer Desafío total con Dino De Laurentiis, y todo el tiempo estuvimos hablando de dos películas distintas. Y no voy a pasar por otra experiencia igual. Esto es lo que yo quiero hacer. Si estáis de acuerdo, debéis dejarlo todo en mis manos, si no, no puedo hacer la película'. Mel me hizo una fantástica oferta que no pude rechazar, y regresé a Toronto con el contrato firmado."
Aunque fue necesario que Mel Brooks escribiese una carta a los jefes de la Fox para que aceptasen la elección del director. Cronenberg cobró un sueldo de 1 millón de dólares por dirigir la película.
En su acuerdo por realizar la película, incluía la libertad de poder reescribir el guión. Así le dio su toque personal o mejor dicho, hizo una metamorfosis con el libreto.
Existen bastantes diferencias entre el guión de Pogue y el finalmente reescrito por Cronenberg. En el primero, los protagonistas eran el científico Geoff Powell y su mujer Barbara, y la historia hacía más hincapié en su relación y como le afectaba la transformación de Geoff. Existían dos personajes más, DeWitt, el villano de la historia, que era quien financiaba el proyecto del científico, y Harry, un amigo del protagonista. DeWitt descubría la máquina de teletransporte y viendo su incalculable valor se hacía con ella. El protagonista mataba a DeWitt en su oficina, tras iniciarse un incendio, vomitándole encima y alimentándose de él. Geoff moría en el incendio y el teletransportador se destruía, todo en presencia de su mujer. La historia terminaba con una pesadilla de ella dando a luz a un gusano gigante, para descubrir, tras despertase en un hospital, que había dado a luz a un bebé normal.
Cronenberg modificó los personajes y sus nombres (para diferenciarlos más del relato original), eliminó otros (como el de DeWitt), cambió el diálogo y parte de la trama. Aunque todo lo que tenía que ver con la fusión de un hombre y una mosca, y su transformación lo mantuvo.
"Recuerdo que reescribí un sesenta por ciento del libreto de Charles," comentaba Cronenberg. "Y, sin embargo, aunque la WGA reconoció este hecho, defendió hábilmente la labor inicial de Charles a la vez que reconocía mi posterior trabajo. Ambos fuimos acreditados en el film."
El papel de Seth Seth Brundle se le ofreció a John Malkovich, Richard Dreyfuss y Michael Keaton, pero los tres lo rechazaron. Mel Gibson fue considerado para el papel, pero prefirió participar en Arma letal (1987). John Lithgow llegó a realizar una prueba. Pero al final el papel recayó en Jeff Goldblum. La elección del actor por Cronenberg no fue bien recibida por la Fox, ya que no lo consideraban una estrella.
La primera opción de Cronenberg para el papel de Veronica era Linda Hamilton, debido a su interpretación en Terminator (1984). Pero la actriz rechazó el papel porque le perturbó demasiado el guión. Jennifer Jason Leigh y Laura Dern fueron también consideradas para el papel, pero los productores querían a una desconocida. Y el papel fue a parar a Geena Davis, quien era la pareja de Goldblum por aquel entonces, aunque consiguió el papel por méritos propios. Rudy De Luca, quien la había dirigido en Transylvania 6-5000 (1985), se la recomendó a su amigo Mel Brooks.
El tercer vértice del triángulo protagonista, fue John Getz en el papel de Stathis Borans.

RODAJE
Con un presupuesto de 15 millones de dólares, el rodaje comenzó el 1 de diciembre de 1985 y se extendió hasta el 28 de febrero del siguiente año. Tuvo lugar en diferentes localizaciones de Toronto y principalmente en los Kleinburg Studios, donde se rodaron las escenas de interior. Aunque la post-producción y mezclas de sonido se realizaron en los Twickenham Studios en Reino Unido.
Cronenberg contó con sus colaboradores habituales, como el editor Ronald Sander, el compositor Howard Shore, la diseñadora de producción Carol Spier y el director de fotografía Mark Irwin. Shore por su parte, hizo una banda sonora que es, "como una ópera trágica," según el compositor.
Fue un rodaje que transcurrió sin mayores incidentes, y donde las dificultades vinieron principalmente del apartado técnico.
La excepción fue el babuino, con el que fue problemático trabajar ya que no son animales que puedan ser entrenados. Y además se sentía atraído por la supervisora de guiones, Gillian Richardson. Cronenberg confesó que Typhoon (ese era el nombre del primate utilizado en la película) lo aterrorizaba, ya que era un animal salvaje, fuerte e impredecible. De hecho, en una ocasión las luces intermitentes de la cámara de teletransportación lo asustaron tanto, que llegó a romper la puerta para poder salir. Por el contrario, con Jeff Goldblum se comportaba de forma cariñosa y respetuosa, según Cronenberg se debía a que el actor era más alto y musculoso que el primate, y aceptó al actor como macho alfa.
Goldblum no lo tuvo fácil durante el rodaje, aunque se tomó muy en serio su papel y no le importó estar bajo kilos de maquillaje. El actor llegó a atrapar a una mosca y a meterla en una bolsa de plástico. "Encontramos una forma de alimentarla a través de un agujero, así que la tuve como una mascota durante una semana más o menos y la vi moverse, comer y esas cosas," declaraba el actor. Tuvo que aprender a hablar con varios tipos de prótesis dentales, y por ello tuvo que trabajar con un terapeuta del habla durante todo el rodaje. Y para la escena en la que Seth le habla a Veronica sin parar mientras toman un café, el actor añadió ideas propias la noche antes de rodarla, ya que creía que podía aportarle más cosas a su personaje.
Y rodar con Goldblum y Davis, una auténtica pareja, no fue un problema para Cronenberg. "No tenían ningún reparo en desnudarse y siempre iban más allá de lo que yo realmente les pedía," recordaba el director. "De hecho, filmé algún material bastante erótico hacia el final del rodaje. Stuart me recomendó que no me pasara con el sexo, así que logré un notable erotismo sin mostrar tetas o vello púbico."
Para crear los complejos efectos visuales, Cronenberg contó con Chris Walas (fututo director de La mosca II) con quien había trabajado en Scanners (1981). Aunque Walas inicialmente rechazó participar en la película porque no quería hacer un remake. Cornfeld le dijo que leyera el guión y cuando lo hizo, cambio de opinión.
Walas trabajó estrechamente con Cronenberg para diseñar las diferentes fases de mutación de Brundle, para lo que tuvo que crear más de un centenar de bosquejos. Los diseñadores de Chris Walas, Inc. estudiaron libros sobre enfermedades como punto de partida para el diseño de Brundlefly. Una vez establecidos los diseños, tomaron moldes del cuerpo de Goldblum para construir los trajes de látex, además de crear una veintena de piezas sueltas para su rostro y manos. "Debíamos utilizar materiales muy ligeros y finos, que no entorpecieran el trabajo del actor, además de dar una alta sensación de carnalidad," explicaba Walas. Y para ello utilizó todo tipo de materiales, "látex, espuma de polieuretano, siliconas, claras de huevo (para las babas y secreciones), leche condensada disuelta en agua (para los vómitos de Brundle), pinturas al agua, incluso sangre real y algo de vísceras de vaca parra la escena del mandril dentro del teletransportador."
Walas tuvo que emplear diferentes técnicas para cada uno de los estados de transformación de Brundlefly. Para la etapa I y II, usó colores como el rojo, borgoña, amarillo y azul en el maquillaje para decolorar la cara del personaje, creó llagas y heridas, y además le añadió pequeños pelos de mosca al personaje. Para los estados III y IV utilizó prótesis parciales como, verrugas de plástico, pelucas con calvas, dientes, partes del cuerpo desintegradas y "pringue" de mosca. Para el estado V se empleó un traje de cuerpo completo (se utilizó otro traje en la escena eliminada del mono-gato). Y para los estados VI y VII se utilizaron marionetas animatrónicas creadas por John Berg.
Se construyeron en total tres animatronics, los cuales dieron varios quebraderos de cabeza al equipo ya, "que se colapsaban en el instante menos esperado," según Walas.
Eran necesarias sesiones de maquillaje de cinco horas, para convertir a Goldblum en Brundlefly en las últimas etapas de su transformación. Para ayudar al actor, Geena Davis le cantaba o le leía durante las sesiones (entre otras cosas a P. G. Wodehouse y Kafka).
La mayoría de los efectos de la película fueron prácticos y algunas situaciones se resolvieron de una forma muy ingeniosa. Por ejemplo, para crear la ilusión de Brundle trepando por las paredes, Carol Spier (diseñadora de producción) y Kirk Cheney (jefe de construcción) crearon decorados inclinados y giratorios. El director de fotografía Mark Irwin, tuvo que idear un sistema que utilizara espejos para poder iluminar la escena.
Para conseguir el efecto del babuino desapareciendo en el teletransportador, se utilizó una cámara de control de movimiento, y para ello la escena tuvo que ser filmada dos veces, una con el mono dentro de la máquina y otra sin él.
El diseño original de la cabinas de teletransportación eran similares a duchas de cristal, muy parecidas a las de la película original, lo que a Cronenberg le parecía aburrido. El diseño final vino de la forma de los cilindros de la moto Ducati 450 de Cronenberg, que le dieron a la diseñadora de producción Carol Spier, la base para crear las icónicas cabinas.
Se rodó una escena en la que Brundlefly fusiona un gato y un babuino y después lo golpea hasta la muerte, pero tuvo que ser cortada tras una proyección en Toronto, ya que según Cornfeld, provocó el rechazo del público hacia el personaje de Seth y el resto de la película ya no funcionaba tan bien.
Se barajaron muchos epílogos para cerrar la película, la mayoría trataban sobre el embarazo de Veronica y si daba a luz o no, o si era un bebé sano o un monstruo, de hecho se rodó un final en el que da a luz a un bebé mariposa, aunque resulta ser un sueño."Trabajé mucho sobre el niño-mariposa," recordaba Cronenberg. "Así que probé este final con un público seleccionado. Aunque, en realidad, cuando Brundle moría los espectadores estaban tan desolados que no reaccionaban bien ante un final semi-optimista. También probé con uno en el que Veronica se levantaba de la cama junto a Stathis Borans, ambos tenían un niño, estaban casados, y todo era un sueño. Los espectadores odiaban ese final, así que opté por darle ese tono trágico, duro."
La película se estrenó el 15 de agosto de 1986 en Estados Unidos y resultó ser un éxito crítico y comercial. En territorio norteamericano recaudó 40.456.565 de dólares y en el resto del mundo otros 20.172.594 de dólares más.
Y los premios y nominaciones no se hicieron esperar. El más importante, fue el Oscar que ganó al mejor maquillaje (Chris Walas y Stephan Dupuis). Además recibió dos nominaciones a los BAFTA al mejor maquillaje y peluquería (Chris Walas y Stephan Dupuis) y mejor efectos especiales (Chris Walas, Jon Berg, Louis Craig y Hoyt Yeatman). Se hizo con los premios Saturn a la mejor película de horror, mejor actor (Jeff Goldblum) y mejor maquillaje (Chris Walas), sin olvidar las nominaciones en las categorías al mejor director (David Cronenberg), la mejor actriz (Geena Davis) y mejor música original (Howard Shore). Fue nominada a los premios Hugo en la categoría de mejor presentación dramática (David Cronenberg, Charles Edward Pogue y George Langelaan). Y se hizo con el premio especial del jurado en el Festival de Avoriaz.

ESCENAS ELIMINADAS
Se cortaron varias escenas del montaje final, que han sido recogidas en las ediciones de vídeo doméstico. Las escenas son las siguientes:
1. Brundle hace un experimento intentando fusionar el babuino con un gato y el resultado es una criatura que es mitad cada animal. El científico es atacado por ella y termina matándola a golpes.

2. Justo después de la escena del babuino-gato, Brundle sube al techo de su edificio y comienza a experimentar un gran dolor. Se cae del edificio y aterriza sobre un tejado, entonces una garra de insecto surge de su costado, la cual Brundle se termina arrancando.

3. Final alternativo en el que Veronica termina con Stathis y ella sueña con su hijo, el cual está por nacer y tiene alas de mariposa.

VALORACIÓN
Lo interesante de la película es que Seth es al mismo tiempo el bueno y el villano de la historia. Es alguien que quiere cambiar al mundo, pero termina siendo él quien termina cambiando. Es la clásica historia de un creador que es superado por su creación.
La película trata principalmente sobre la enfermedad y el deterioro físico, casi podríamos decir que la mutación de Brundle es un personaje más de la película. El protagonista la siente y habla por ella, detallando cada una de las etapas de su transformación.
La mosca además nos muestra lo que es para una persona convivir con otra que sufre una enfermedad degenerativa, y lo lleva hasta las últimas consecuencias. Veronica sufre al ver como Brundle es vencido por la enfermedad, por su impotencia al no poder hacer nada por él y por ver como éste es cambiado por la enfermedad físicamente y mentalmente. Cronenberg proyecta en la película sus propias vivencias con su padre, quien murió de cáncer.
El director hizo suyo el material y nos habla una vez más de la "nueva carne", convirtiendo a la película en un tratado sobre la unión entre lo tecnológico y la carne. El punto álgido es el final, cuando Brundle trata de fusionarse con Veronica y su hijo nonato para crear un ser que los aúne a los tres, algo que jamás ha existido antes.
La mosca hace gala de una fatalista historia de amor, que reforzada por la banda sonora de Howard Shore, le da a la película un tono muy trágico y operístico. La relación entre Brundle y Veronica se compone por pequeños detalles (ella sigue llevando el colgante que él le regaló después que éste la engañe con otra, mostrando sutilmente que ella le sigue queriendo) y otros más grandilocuentes (el brutal momento en que Brundlefly pone el cañón de la escopeta que empuña Veronica en su cabeza, para que ella lo mate). Es una historia que no puede acabar bien, y no lo hace, la cual es una de las mayores virtudes de la película.
Toda la película tiene un aire teatral, prácticamente toda la historia acontece en un único escenario en el que entran y salen tres personajes. La película consigue ser muy grande con muy pocos elementos.
La mosca es de esos pocos casos en los que un remake supera a la película original. Lo interesante respecto a la película de Neumann, es que aquí sí es coherente la transformación del personaje principal, el cual da resultado no a un humano con una cabeza o brazo de mosca, si no a la fusión de una mosca con un humano, creándose un ser diferente. Cronenberg filma con precisión milimétrica el proceso de transformación de Brundle, el cual resulta fascinante, empezando con detalles sutiles que la premonizan (el protagonista echándole mucho azúcar al café o el incremento de su apetito sexual), pasando por los primeros síntomas (con Brundle perdiendo un diente o las uñas), para llegar a las fases de trasformación más agresivas donde se muestran escenas sensacionales (Brundle licuando con vómito una rosquilla para poder comerla o a éste caminando por las paredes de su piso cual mosca).
Y los efectos especiales están más que nunca al servicio de la historia, la ayudan avanzar y la enriquecen. Chris Walas hizo un trabajo titánico y sin él la película no habría funcionando de la misma forma.
La mosca es uno de los mejores trabajos de Cronenberg, si no el mejor, donde pocas cosas chirrían. Tal vez se le podría poner alguna pega, como ese ordenador que da todas las respuestas que el protagonista necesita o sobre todo el personaje de Stathis, que está ahí para ser el personaje a odiar de la película (y cuya aparición en una tienda siguiendo a Veronica es ridícula), pero aún así cumple su función, hacer que los celos de Brundle le hagan probar la teletransportación consigo mismo. Esos mínimos detalles son ensombrecidos por los momentos increíbles que nos regala el director (la aparición de Brundle en la clínica para llevarse a Veronica e impedir que aborte es uno de mis preferidos), e incluso la clásica escena del falso sueño funciona (ese inolvidable y terrorífico momento en el que Veronica da a luz a una larva).
Y si Cronenberg está inspirado, Goldblum no se queda atrás, el actor realiza la que es posiblemente la mejor interpretación de su carrera. Brundle es todo un caramelo, y Goldblum se lanza en cuerpo y alma al papel, consiguiendo no sólo que percibamos su interpretación bajo kilos de maquillaje, y que presenciemos como se mimetiza a la perfección con una mosca (Goldblum llena su caracterización de pequeños gestos y detalles que imitan el comportamiento de esos insectos), es que además borda el papel de científico brillante (sólo hay que ver esas escenas en las que habla sin parar exponiendo sus ideas).
La mosca vuela muy alto en todo momento, yendo de una escena cumbre a otra y terminado con un clímax apoteósico y fatalista que ha quedado para el recuerdo. Trágica, espectacular, emocionante, terrorífica, teatral, en definitiva, toda una obra maestra, a la que el paso de los años no ha hecho mutar ni un ápice de su grandeza. Si la veis, recordad tener miedo, mucho miedo.

CURIOSIDADES
David Cronenberg tiene un cameo como el ginecólogo que saca al bebé gusano en la escena del parto. Geena Davis le pidió que hiciera ese papel, ya que se sentiría más cómoda con él, dada la posición en la que se encuentra en la escena.
Jeff Goldblum llevó más de 2 kilos de maquillaje protésico en sus escenas donde refleja una mayor trasformación.
Está incluida en el libro "1001 películas que hay que ver antes de morir" de Steven Schneider.
David Cronenberg llamo al protagonista Seth Brundle por el piloto de carreras Martin Brundle.
Según Cronenberg, la famosa frase, "Ten miedo, mucho miedo," fue creada por Mel Brooks, mientras discutían como como los personajes debían reaccionar ante la transformación de Brundle.
Bryan Ferry compuso la canción "Help Me" para la película, como un encargo de Mel Brooks y Stuart Cornfield, y estaba previsto que sonara en los títulos de crédito de la película. A Cronenberg, pese a gustarle la canción, consideró que no encajaba con la película y después de proyectársela a ambos, estuvieron de acuerdo con el director. Al final "Help Me" suena sólo en la escena del bar y no está incluida en el álbum de la banda sonora de la película.
Se desarrolló una secuela escrita por Tim Lucas en la que Veronica se enfrentaba a la compañía Bartok y en la que la conciencia de Brundle había sobrevivido dentro del Telepod y era esclavizado por la compañía con el objetivo de clonar. Brundle podía comunicarse con Veronica a través del ordenador y al final tomaba el control del sistema de seguridad de Bartok y atacaba a los villanos. Brundle se reintegraba en una versión de su cuerpo original sin contaminar. Cronenberg estuvo ligado al proyecto, con la posibilidad de la participación de Geena Davis y un cameo de Jeff Goldblum. Un guión posterior de Jim y Ken Wheat fue el utilizado en la secuela con la participación de Frank Darabont y Mick Garris en el guión. La secuela no contó con Cronenberg, Davis ni Goldblum.
Por su parte, Cronenberg llegó a escribir un guión para una secuela de la película.
En los 90, se desarrollo una secuela de la película titulada "Flies" y que no tendría en cuenta los acontecimientos de La mosca II (1990), Veronica habría sobrevivido al parto y tendría gemelos. Estaba previsto que película estuviera producida y protagonizada por Geena Davis y dirigida por su aquel entonces marido Renny Harlin.
Cuando se supo que Mel Brooks era el productor de la película, el cómico se puso a repartir deely boppers en el estreno de la película.
Rob Bottin presentó su propia idea para el diseño de Brundlefly, pero terminó siendo descartada.
Tras ver sus primeras películas, Martin Scorsese quiso conocer a David Cronenberg. Al hacerlo le dijo que tenía aspecto de cirujano plástico de Beverly Hills, eso fue lo que inspiró al director para hacer un cameo en La mosca en el papel de doctor.
Cuando John Getz hizo su audición para el papel, sufrió una terrible migraña durante todo el rato. Cuando rodaron la primera escena de Sthathis, donde él y Veronica discuten la sobre la grabación a Brundle, Cronenberg le preguntó al actor si podía tener otro dolor de cabeza. Esa es la razón por la que Getz tiene sus dedos en la cabeza durante la mayor parte de la escena.
Los diseñadores de Chris Walas, Inc. estudiaron libros sobre enfermedades como punto de partida para el diseño de Brundlefly. La idea de Cronenberg es que el protagonista no debía ser una mosca gigante, si no la fusión entre un hombre y un insecto, que tiene elementos de ambos.
El efecto de la mano de Stathis derritiéndose se consiguió esculpiendo primero la mano mutilada y después se puso encima una mano hecha de gelatina. Dicha gelatina se fundió utilizando luces de escenario y un secador de pelo, filmando todo a baja velocidad. Es el mismo efecto que Walas había creado para derretir la cara de Toht en En busca del arca perdida (1981).
Es una de las tres películas que co-protagonizaron  Jeff Goldblum y Geena Davis, siendo las otras Transylvania 6-5000 (1985) y Las chicas de la Tierra son fáciles (1988).
En una de las versiones del guión, Brundle perdía su habilidad de hablar conforme se iba convirtiendo en Brundlefly, tal y como sucedía en La mosca (1958).
En 2008, se estrenó en Los Angeles una ópera en dos actos basada en la película. Cronenberg fue su director y contó con música de Howard Shore y libreto de David Henry Hwang.
En el guión había una escena que nunca se llegó a filmar, que seguiría a la escena eliminada del mono-gato, en ella una vagabunda sorprende a Brundlefly alimentándose de un contenedor, entonces éste agarra la bolsa de la mujer y desintegra su cara con vomito. Comienza a alimentarse del cadáver de la vagabunda y antes de terminar, aparece lo que queda de su humanidad, para observar el horror de su existencia.
Geena Davis declaró que la única escena en la que se sintió asqueada por el gore fue en la escena en la que a Seth se le cae una oreja y ella le abraza. Según la actriz, su reacción es natural y no estaba actuando.
La transformación de Seth en Brundlefly ocurre en 4 semanas y 6 días.
En toda la película Seth no mata a nadie, sólo hiere o daña gravemente.
En Transylvania 6-5000 Goldblum interpreta a un periodista y Davis a un monstruo (una vampiresa) y en La mosca ella interpreta a una periodista y él al monstruo.
George Chuvalo interpreta al hombre contra el que Brundle hecha un pulso en el bar, y es un campeón canadiense de los pesos pesados de boxeo, que ostenta el récord de no haber sido nunca noqueado en los 93 combates de su carrera profesional.
El nombre de la película en los títulos de crédito iniciales con las letras revoloteando, fue hecho para el trailer, pero le gustó tanto a Cronenberg que decidió incorporarlo a la película.

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Tuesday, May 01, 2018

La historia interminable

"¡Hija de la Luna!"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Bastian comienza a leer un libro titulado "La historia interminable", el cual tiene lugar en Fantasía y narra las aventuras de Atreyu, quien debe encontrar la cura de la Emperatriz Infantil. Aunque Bastian no lo sabe, las aventuras de Atreyu serán las suyas propias.

EL GUIÓN INTERMINABLE
El alemán Michael Ende publicó en 1979 su popular y genial novela de fantasía "La historia interminable", la cual se convirtió en todo un best-seller, siendo traducida a más de 36 idiomas y con más de 17 millones de ejemplares vendidos. En mayo de 1980, el productor Dieter Geissler (Jaque al asesino) se hizo con los derechos cinematográficos, pagándole a Ende 150.000 marcos alemanes (aproximadamente 50.000 dólares). En el acuerdo se establecía que Ende sería un asesor de la producción.
El primer director asignado al proyecto fue Hans W. Geissendörfer, quien terminó dejándolo tras trabajar un tiempo en el guión. Geissler se lo ofreció entonces a su ayudante Christian Schneider, quien al igual que Geissendörfer, pronto abandonó la producción.
Tras esos intentos frustrados de adaptación y dándose cuenta de su magnitud y coste, Geissler revendió los derechos al productor Bernd Eichinger (El nombre de la rosa), quien bajo su productora Neue Constantin Film, llevó adelante el proyecto, convirtiéndolo en toda una superproducción. Aún así, Geissler mantuvo su crédito como productor de la película.
El proyecto pasó al director Helmut Dietl (Schtonk), quien escribió el guión con Ende y que juntos terminaron en la primavera de 1982. El libreto era del gusto del escritor, pero no fue suficiente para sacar el proyecto adelante, ya que Dietl terminó apeándose del mismo.
Tras la salida de Dietl, tuvieron que buscar un reemplazo y la película cayó en las manos de Wolfgang Petersen (Enemigo mío), quien por fin conseguiría sacarla adelante. "Estaba buscando algo ligero, cálido y positivo después de tres años de trabajo en Das boot," recordaba Petersen. "Me puse muy contento cuando me dieron esa novela. Me gustó mucho. Era exactamente el material adecuado para mí en aquel momento." Además el director quería hacer algo que pudiera gustar a su hijo de 12 años.
Petersen intentó escribir el guión con Ende, pero pronto empezaron los problemas. Petersen viajó varias veces a Roma, donde vivía el escritor, para trabajar con él en diferentes ideas para el libreto, pero después de un tiempo, el director se dio cuenta de que no podían trabajar juntos. Convertir el libro en película no era una tarea sencilla, ya que según Petersen, "tienes que hacerlo más internacional, para una audiencia mundial. Es algo grande y caro de hacer. Tienes que simplificar cosas y cortar personajes. Además el estilo no podía ser demasiado oscuro. Necesitas un gran público. No era una película de Disney, pero quisimos ir en esa dirección de un gran entretenimiento familiar. A Michael Ende no le gustó la idea."
Al final Petersen dejó a un lado el guión escrito con Ende y elaboró uno nuevo con la ayuda de Herman Weigel, sin el conocimiento de Ende. Se tomó la decisión más importante a la hora de adaptar el libro, rodar sólo su primera mitad. "Si hubiera hecho todo el libro, no habría tenido una película porque es demasiado," admitía Petersen. "El gran error de Dune fue que trataron de hacer todo en una única película y es tan confuso que ya no es una auténtica historia. Es tan complejo que no entiendes lo que está pasando. Ese habría sido exactamente error con "La historia interminable" porque suceden muchas cosas en ese libro. Hay una ruptura natural. Ese momento cuando Bastian vuela hacia su propia Fantasía es exactamente la mitad del libro. En la segunda parte, seguimos las aventuras de Bastian en su creación de Fantasía."
Para hacer los últimos retoques en el guión contrataron al script doctor John Hill (Un vaquero sin rumbo).
Los desacuerdos entre Ende y los productores, llegaron a su fin en marzo de 1983, cuando el escritor leyó una copia del nuevo guión, que le decepcionó absolutamente, según él lo habían convertido en un "cómic de fantasía", en una historia comercial de estilo americano. Ende se desentendió definitivamente del proyecto e incluso quiso evitar que rodasen la película mediante una demanda, algo imposible a esas alturas de la producción, y los productores amenazaron con hacerle pagar una gran suma por las posibles perdidas ocasionadas, por lo que el escritor finalmente se echó atrás.
Y fueron muchos los cambios respecto al libro. En la película Bastian no es el chico gordito del libro. Todo lo que sucede en la película antes de la entrada de Bastian en la librería del señor Coreander, no existe en el libro. En la película, se eliminaron los personajes de Blubb el fuego fatuo y el de Ygrámul el múltiple (un enjambre que adopta la forma de una araña). En el libro, Carion es un centauro negro, mientras que en la película tiene forma humana. Este personaje en el libro, va en busca de Atreyu para encomendarle la misión de encontrar la cura para la Emperatriz Infantil, en la película es Atreyu quien viaja hasta a "Torre de Marfil" para ello. Ártax puede hablar en el libro. En la película, se omitió la escena de los troles de la corteza. En el libro, es Morla quien le dice a Atreyu que su misión es darle un nuevo nombre a la Emperatriz Infantil. En la película, Fújur aparece por primera vez para salvar a Atreyu en el "Pantano de la tristeza", en el libro es Atreyu quien encuentra la dragón atrapado en una telaraña de Ygrámul el múltiple. El "Oráculo del sur" es una voz que se comunica mediante rimas en el libro, y en la película son dos esfinges de color azul. En la película, no se muestra la batalla entre los cuatro gigantes de los vientos. En la película, se omitió toda la trama de la búsqueda del Viejo de la Montaña Errante por parte de la Emperatriz Infantil. La escena de Bastian montado en Fujúr en el mundo real y dando un susto de muerte a los matones, no aparece en el libro. Y el reencuentro y reconciliación entre Bastian y su padre del libro, es descartado en la película.
Viendo la magnitud de la película y pese a ser una producción alemana, decidieron rodarla en inglés para poder llegar a un mayor número de mercados. Y eso que la novela no había sido un éxito en Estados Unidos.
El presupuesto de la película ascendió a 60 millones de marcos alemanes (al cambio, 27 millones de dólares de la época) y se convirtió, por aquel entonces, en la película más cara de la historia de Alemania (y en la más cara jamás producida fuera de Estados Unidos y de la Unión Soviética). La película fue financiada por varias productoras alemanas (entre ellas Dieter Geissler Filmproduktion, Neue Constantin Film y Bavaria Studios) y por la Warner Bros., que puso un tercio de su presupuesto.
Para el papel de Bastian contrataron al por aquel entonces ascendente Barret Oliver (Cocoon), quien consiguió el papel frente a otros 200 aspirantes. Y eso que en otoño de 1982, en su primera audición, fue inicialmente rechazado por parecer demasiado joven. En marzo de 1983, lo llamaron para hacer una nueva prueba con Petersen, y a la segunda fue la vencida.
Noah Hathaway, de tan solo 12 años, consiguió el papel de Atreyu gracias a su madre, quien vio el anuncio para el casting de la película en un periódico, aunque no se mencionaba el título de la misma. Sus padres hablaron con el agente del joven actor e hicieron una cinta de vídeo con su prueba, la cual enviaron a Alemania. Y surgió efecto, Hathaway fue llamado para que volará a Munich para realizar una prueba de pantalla, un paso previo a conseguir el papel.
El tercer personaje principal de la película, el de la Emperatriz Infantil, recayó en la iraní Tami Stronach, en su debut como actriz. Stronach llegó a la producción por casualidad, mientras tomaba clases de actuación en San Francisco, una de las agentes de casting de la película era amiga de su profesora y tras verla en una de las clases, le ofreció que se presentara al casting. Sólo tenía 10 años cuando hizo la prueba para el papel y 11 cuando rodó la película.
El resto del reparto se compuso por Gerald McRaney (como el padre de Bastian), Deep Roy (en el papel de Teeny Weeny), Moses Gunn (quien interpretó a Cairon), Thomas Hill (como Carl Conrad Coreander, el dueño de la librería), Sydney Bromley y Patricia Hayes (dando vida a los gnomos Engywook y Urgl) y Alan Oppenheimer (quien puso voz a Fujur, Comepiedras, Gmork y al narrador).

CREANDO FANTASÍA
La fotografía principal comenzó el 14 de marzo de 1983, terminando en noviembre del mismo año. Se rodó principalmente en los Bavaria Studios de Munich (Alemania), donde se construyeron todos los decorados de la película. Las escenas correspondientes a Bastian se rodaron en Vancouver (Canadá), salvo las del ático del colegio que tuvieron lugar en estudio. Y en Almería (España) se rodaron dos secuencias, la de Atreyu siendo arrastrado hasta una playa, que se filmó en la Playa de Mónsul y la de Atreyu montando a su caballo se rodó en el Desierto de Tabernas.
Fue un rodaje largo y muy complejo. Sólo la escena de "Los pantanos de la tristeza" requirió de un mes para rodarse, el mismo tiempo que la del encuentro de Atreyu y la tortuga Morla. Que el rodaje tuviera lugar durante el verano más caluroso en Alemania en 25 años, no ayudó a la producción, de hecho, una de las estatuas de la Torre de Marfil se llegó a derretir. Y en el lado opuesto, el frío causó otros contratiempos, por ejemplo, las puertas del estudio debían permanecer cerradas para que las bajas temperaturas no causaran daños a los fondos azules usados para los matte paintings, en una ocasión, antes que hubiera empezado el rodaje, dejaron las puertas abiertas y se formó un enorme agujero en uno de los fondos.
Primero se rodaron la escenas con Noah Hathaway y después las de Barret Oliver, quienes prácticamente no coincidieron en el rodaje.
Para rodar la escena de "Los pantanos de la tristeza" tuvieron que entrenar a los dos caballos que utilizaron para la escena durante siete semanas, para evitar que tuvieran miedo a la hora de hundirlos en el barro. Cuando completaron la escena después de un mes de rodaje, todo el equipo lo celebró enzarzándose en una enorme lucha en el barro.
El personaje de Atreyu es de color verde en el libro y ese era el diseño original del personaje en la película. Antes de empezar a rodar hicieron una prueba con Noah Hathaway y lo pintaron de verde, pero tal y como el actor recordaba se descartó porque, "no funcionó. No era creíble. ¡Parecía un hongo!" 
Antes de empezar el rodaje, Hathaway entrenó para montar a caballo y dar el pego como un experto jinete. En una de esas sesiones, el caballo cayó encima del actor provocándole la rotura de un par de vertebras. Hathaway se pasó 2 meses en un hospital y terminó con varios tornillos de titanio en su espalda. Tal vez, para compensarle le regalaron a Artax al acabar el rodaje, pero dado los costes de su transporte, la consabida cuarentena y la esterilización del animal, tuvo que dejarlo en Alemania.
No fue el único momento en el que Hathaway lo pasó mal durante la producción. Rodando la escena del "Los pantanos de la tristeza" su pierna se quedó atrapada en un elevador y fue arrastrado bajo el agua, el actor estaba sin conocimiento cuando lo sacaron a la superficie. Además, durante su pelea con Gmork, una de las garras de la bestia le golpeó en la cara con tanta fuerza que lo tiró al suelo. Al final decidieron rodar sólo una toma, por miedo a que se hiciera daño.
Y si no hubiera tenido percances suficientes, Hathaway también tuvo problemas con los productores. "No terminaron de pagarme mi sueldo," recordaba amargamente el actor. "Estaba en un país extranjero, así que estaba bastante jodido sin la SAG vigilando mi espalda. Me negué a hacer la segunda parte. Querían que renunciara a mis derechos y a todo lo que me debían, pero no quería hacerlo."
Para Hathaway el rodaje no fue de lo más placentero, pero tampoco se lo puso fácil al director. Según Petersen el actor tenía un problema de actitud, el cual venía por parte de sus padres, "hacían muchas demandas y estaban tratando esencialmente de chantajear a la producción," declaró el director. Incluso Brian Johnson dijo que el actor, "era un grano en el culo". Por el contrario Petersen se llevó de maravilla con Oliver (todo el mundo lo cubrió de alabanzas) y Stronach.
Trabajar con niños no es fácil. Por ejemplo, a Stronach se le cayeron dos dientes de leche durante el rodaje, por lo que tuvieron que crearle unas prótesis dentales. Pero después comenzaron a salirle los nuevos dientes, por eso su dentadura es diferente en la primera escena en la que aparece que en la segunda.
Brian Johnson (El Imperio contraataca) fue contratado como director de efectos especiales porque en Alemania tenían poca experiencia con efectos especiales prácticos y necesitaban a una persona con su veteranía. Johnson estuvo dos años trabajando en la película y tuvo a su cargo a un equipo de 30 técnicos, todos británicos. Además dirigió todo el material aéreo y las secuencias de vuelo.
La ILM se encargó de los compuestos ópticos y de parte de los matte painting. Y el resto del mattes fueron subcontratados al gran Jim Danforth de "Effects Associates".
Para dar cabida a una producción con efectos especiales tan complejos se tuvieron que gastar 6 millones de marcos en modernizar los Bavaria Studios. Johnson mandó construir una enorme pantalla azul, una de las más grandes del mundo, para algunas tomas de efectos visuales.
El mayor reto para Johnson fue representar la nada, ya que no era más que una fuerza invisible. Para mostrar su poder construyeron decorados que podía girar 90º, tanto a tamaño real como en miniaturas y a los cuales estaban ancladas las cámaras. De esa forma cuando Atreyu está agarrado a un árbol y parece estar arrastrado por el aire, en realidad estaba colgado boca abajo. Y para aumentar la ilusión, el equipo dejaba caer cosas delante de la cámara. Los cámaras por su parte, estaban sujetos con cinturones de seguridad.
Y el otro gran reto fue dar vida a Fújur, el famoso dragón de la película. Se usaron dos modelos del dragón diferentes. Uno medía sólo 40 centímetros de longitud y necesitaron de 6 meses para crearlo. Este modelo se utilizó sólo para las escenas de vuelo. El segundo modelo, construido por Guiseppe Tortura, medía más de 15 metros de largo, contaba con una cabeza que pesaba 100 kilos y su piel contenía sobre 10.000 escamas y 100 kilos de lana de angora. "Tenía que hablar, así que manipulamos la boca para conseguir gran variedad de expresiones de él," explicaba Johnson. "El movimiento de los ojos y de ciertas partes de ella????? fueron controladas por radio y el resto fue hecho con cables. El dragón podría hacer de todo desde sonreír, gruñir, jadear y soplar, a llorar." Ocultos bajo el suelo estaban los cerca de 20 titiriteros que movían al dragón, "uno era el responsable de la nariz, otro de los ojos y otro de la boca," recordaba Petersen. La cara del dragón fue creada por Colin Arthur, quien tuvo, "libertad absoluta para interpretar las ilustraciones e ideas del libro de Michael Ende como creí conveniente," declaró el artista.
Por limitaciones presupuestarias, dos grandes escenas escritas en el guión y pertenecientes al libro, no llegaron a filmarse. La primera era la introducción original de Fújur, el cual era rescatado por Atreyu de Ygrámul el múltiple. Y era originalmente en esta escena, donde los personajes de Fantasía oían el grito de Bastian. Se cambió, siendo el dragón quien rescata a Atreyu en el "Pantano de la tristeza" y el grito de Bastian pasó a la escena de Morla.
La segunda escena eliminada fue el encuentro de Atreyu y Fújur con los cuatro gigantes de los vientos. En la película se cambió, para dar paso a la escena en la que la nada hace que Atreyu se caiga de Fújur y acabe en la playa.
Petersen se acercó a su amigo Steven Spielberg y le consultó si podía mostrarle la película antes de su estreno en los Estados Unidos, para que le diera su opinión sobre si ésta necesitaba un ritmo diferente para el público americano. "Así que él la vio y dijo que tenía algunas sugerencias realmente interesantes para algunos recortes," recordaba Petersen. "Para darle un poco más de ritmo y de rapidez."
Siguiendo las indicaciones de Spielberg, se hizo un nuevo montaje para la que sería la versión internacional, la cual resultó ser 7 minutos más corta que la alemana. "Eran pequeños fragmentos, partes y piezas aquí y allá," explicaba Petersen. "Nada mayor. Nada como 'cortar toda la secuencia'. Era simplemente un clase de pulido. Un tema de ritmo, unos pocos segundos aquí, unas pocas cosas allá."
Los principales cambios se encuentran durante los título de crédito iniciales (sobre un fondo negro en la alemana y con imágenes de Fantasía en la internacional), el desayuno de Bastian con su padre (unos 50 segundos más largo en la versión alemana) y la escena en la que Bastian sube al desván del colegio (en la versión alemana el niño primero revisa de forma más concienzuda el lugar y después hace acto de presencia el jardinero del colegio, quien carga con un montón de madera y cae al suelo al tropezar con una colchoneta, una vez se marcha, el niño se sienta en la colchoneta para leer el libro).
Como agradecimiento a Spielberg, Petersen le regaló el auryn original utilizado en la película. El cual Spielberg aún conserva a día de hoy en su oficina.
El montaje no fue el único cambio de la película para su versión internacional, la música también sufrió modificaciones. La versión alemana sólo contó con la (excelente) partitura orquestal compuesta por Klaus Doldinger, mientras que para la internacional se contrató a Giorgio Moroder para darle un toque más pop a la misma, siendo el resultado final, una banda sonora instrumental con arreglos electrónicos. Además en la versión internacional se incluyó la mítica canción "The Neverending Story" compuesta por Moroder (música) y Keith Forsey (letras), la cual fue cantada por Limahl y que ha quedado unida para siempre a la película. La canción fue todo un éxito, siendo número 1 en países como España, Noruega y Suecia.
Ende vio la película unos días antes de su estreno y sólo gracias a un veredicto judicial. "Estaba horrorizado," recordaba el escritor. "Habían cambiado todo el sentido de la historia. Fantasía reaparece sin la fuerza creativa de Bastian. Para mi esa era la esencia del libro." 
En abril de 1984, coincidiendo con el estreno de la película, Ende realizó una rueda de prensa para distanciarse de lo que llamó, "esa repugnante película" y pidió que retiraran su nombre de los créditos iniciales (sólo se le nombra al final de la película). El escritor también trató que el estudio cambiara el título de la película, algo a lo que se negaron.
Esa guerra abierta no le puso las cosas fáciles a la película, ni a sus responsables, pero aun así cuando se estrenó fue todo un éxito. La película debutó en las salas de cine el 6 de abril de 1984 en Alemania Occidental y fue un éxito apoteósico (5 millones de alemanes vieron la película y recaudó cerca de 20 millones de dólares en su país de origen). En los Estados Unidos debutó el 20 de julio de 1984 y recaudó unos correctos 20.158.808 de dólares. En España fue un éxito atronador. La recaudación final a nivel mundial ascendió a unos impresionantes 100 millones de dólares.
Warner Bros. tenía previsto que Supergirl (1984) fuera su blockbuster del verano, pero finalmente decidió no estrenarla (lo haría Tri-Star Pictures), y de pronto, La historia interminable se convirtió en su superproducción del verano. Pero la estrenaron una semana antes de que comenzaran los Juegos Olímpicos, que aquel año se celebraban en Los Ángeles, y esa fue una de las principales razones por las que no recaudó más dinero en América. "Las Olimpiadas mataron todo el negocio de la película," recordaba Petersen. Aunque el director también admitía que, "tal vez La historia interminable era demasiado dulce, demasiado europea para ellos. Igual también era un poco sofisticada. ¿Una película sobre un niño leyendo un libro? Tal vez no fuera tan perfecto para el temperamento americano."
Dado el éxito de la película se pensó en hacer una secuela. Pero Petersen nunca quiso formar parte de ella. Y pronto Dieter Geissler se vio en vuelto en una batalla legal con Michael Ende, quien presentó una demanda por incumplimiento de contrato, pero esa es otra historia...

VALORACIÓN
La historia interminable es una de las mejores películas infantiles del cine de los ochenta, y de paso una de las mejores películas de fantasía que jamás se hayan filmado. La desbordante imaginación que desprende hace que la nuestra se dispare con ella.
Como dice el librero, cuando lees una novela puedes convertirte en el Capitán Nemo, y ese mismo efecto causa esta película, ya que nos convertimos en Bastian y vivimos sus aventuras, y cuando acaba la película somos nosotros quienes gritamos a los cielos, "Hija de la Luna".
El juego entre la realidad y la fantasía está realmente bien conseguido, sobre todo por el paralelismo que se crea entre Bastian y Atreyu gracias a sencillos detalles, como la imagen de un indio grabado en la mochila de Bastian, a ambos personajes parando a comer al mismo tiempo, el grito del joven lector que se oye en Fantasía, y todo culmina en ese momento en que Atreyu ve a Bastian reflejado en el espejo, demostrando que en el fondo son el mismo personaje. Y es que es Bastian quien puede salvar a la Emperatriz y a toda Fantasía y no Atreyu, él es el joven guerrero, sólo que no lo sabe.
La película mantiene el espíritu de la novela de Ende, hablando sobre la fuerza infinita de la imaginación y la pasión por la lectura. Es cierto que es más comercial y realiza ciertos cambios respecto a la novela, pero la hace atractiva y cercana para el público más joven transmitiendo una serie de mensajes y valores que no deberían ser olvidados.
Nunca he visto la versión alemana, crecí con la internacional y está hecha con el material con el que se fabrican los sueños. Ya desde los títulos de crédito con las imágenes de la nada y con la canción de Limahl sonando, estoy dentro de la película.
Y después se suceden escenas que ya son parte de mi infancia, Atreyu enfrentándose a las esfinges del "Oráculo del sur", a Bastian escapando de los matones que le persiguen, la muerte de Artax en "Los pantanos de la tristeza", la introducción del Comepiedras en su bicicleta, Fújur al rescate de Atreyu, y la aparición de la tortuga Morla.
Lo genial de la película es que trata al publico juvenil como personas inteligentes, sin escatimarle momentos dramáticos (la muerte de Artax) o terroríficos (la aparición final de Gmork), estamos ante una producción infantil diferente, como las que ya no se hacen.
Vale que igual los tonos pop de la banda sonora hayan quedado un poco desfasados, pero para alguien crecido en los ochenta son como un viaje en el tiempo a aquella década. Y los efectos especiales (excelentes para la época) y el diseño de producción tienen un encanto especial, se nota el mimo puesto en ellos.
Petersen filma con su buena mano de siempre y poca pega se le puede poner, ya que creó una película inolvidable, consiguiendo que sea entretenido ver a un niño leer un libro, y eso no lo hace cualquiera. Y crea con la cámara momentos fantásticos, seguramente mi preferido es cuando la Emperatriz Infantil rompe la cuarta pared para decirle a Bastian (y a todos nosotros) que crea en la fantasía.
La película nos dice que no dejemos de creer y de soñar, que por mucho que crezcamos impidamos que "La nada" (la falta de imaginación) haga acto de presencia en nuestras vidas. Y para que viva la fantasía no debemos pedir miles de deseos, solamente es necesario ver esta maravilla que es La historia interminable.

CURIOSIDADES
Patricia Hayes, Sidney Bromley y Deep Roy fueron contratados por una sugerencia de Brian Johnson.
La película conoció dos secuelas, La historia interminable 2: El siguiente capítulo (1990) y La historia interminable III: Las aventuras de Bastian (1994). En la primera Jonathan Brandis dio vida a Bastian y en la segunda fue Jason James Richter
En los Deutscher Filmpreis (los Oscars de Alemania) ganó el premio al mejor diseño de producción (Rolf Zehetbauer). Fue su única nominación.
Ganó el premio Saturn a la mejor interpretación por un joven actor (Noah Hathaway). Y fue nominada en las categorías de mejor película de fantasía y mejor música (Klaus Doldinger y Giorgio Moroder).
Noah Hathaway sólo leyó el libro una vez había rodado la película, ya que por aquel entonces no estaba disponible en inglés.
Las imágenes de la nada se crearon vertiendo emulsiones de pintura en un tanque acrílico de agua.
El mundo de La historia interminable llamado en la novela original Phantásien, fue traducido al inglés en su versión literaria como Fantastica, mientras que en la película recibió el nombre de Fantasia.
Noah Hathaway fue uno de los protagonistas de la serie Galáctica, estrella de combate (1978-79). Barret Oliver participó en el episodio "Spaceball" de la serie Galáctica 1980 (1980), continuación de la anterior.
La voz del actor Deep Roy (Teeny Weeny) fue doblada.
Al igual que con Ende, Petersen también tuvo problemas con el escritor de la novela en la que se basaba Das boot a la hora de adaptarla.
Aunque no se llega a apreciar, el Duende Nocturno suelta un taco en la escena inicial cuando el Comerrocas aparece en su bicicleta.
En Bavaria Filmplatz, el parque temático de los Bavaria Studios en Munich, se puede montar al auténtico Fújur utilizado en la película.
Según los responsables de la película, las nubes de tormenta no son realmente "La nada", sólo indican su presencia, ya que "La nada" es una fuerza invisible.
Dos grupos tomaron su nombre de personajes creados por Michael Ende, el español Vestusta Morla (de la tortuga gigante) y la estadounidense Atreyu (del pequeño guerrero).

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