Saturday, September 16, 2023

Cypher

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Morgan Sullivan acepta ser un agente de una gran corporación llamada DigiCorp, para robar información de una empresa rival, una mujer se cruza en su camino y le revela que está metido en una gran conspiración.

Llevo años queriendo hacer una reseña sobre Cypher (Cypher, 2002), una película que me encanta, pero nunca encontré mucha información sobre ella. Al final decidí recurrir a la fuente original y contacté con su director, el gran Vincenzo Natali, que para mi sorpresa, se mostró muy abierto y compartió conmigo los entresijos de la producción, e incluso me permitió usar material de su archivo digital. Esta es la historia de una película que estuvo años guardada en una cámara hasta que fue liberada. Espero que os guste.

COMPANY MAN
En el año 2000, tras haber sorprendido a todos con su ópera prima Cube (1997), el director canadiense Vincenzo Natali estuvo a punto de conseguir que su segunda película fuese Splice (2009), pero el proyecto no llegó a buen puerto en aquel momento, y el director trató de buscar otra película en la que trabajar. Él y el guionista Brian King habían colaborado juntos en una película nunca realizada para Warner Bros., e iniciaron una gran amistad a partir de ese proyecto. King le entregó tiempo después un guión titulado "Company Man" para que Natali le diese su opinión. "Cuando lo leí, mi respuesta fue: 'Quiero dirigirlo'," me contó Natali. "Pensé que era realmente brillante, algo así como James Bond a través de Kafka."
Cuando le pregunté a Natali si aportó ideas propias al guión, fue claro. "Contribuí muy poco al guión. Fue filmado como Brian lo escribió. Y Brian estuvo allí durante toda la preproducción y el rodaje."
Primero Natali trató de realizar la película con una productora canadiense, pero fue rechazada por ésta, según creía el director porque éste era un proyecto muy americano. Después lo llevó a diversas compañías de Hollywood, donde corrió una mayor suerte, ya que despertó el interés de muchas de ellas. Al final el proyecto recayó en Pandora, según me explicó Natali porque, "fue la más agresiva y tenía el dinero para hacerlo de inmediato." Tiempo después, cuando la película se encontraba en producción vendieron los derechos de distribución a Miramax.
El proyecto se movió muy rápido, y en un plazo de entre seis y ocho meses ya se encontraban rodando.

REPARTO
Para los dos papeles principales, el del agente doble Morgan Sullivan, y la misteriosa espía Rita Foster, se hicieron pruebas a un gran número de actores. Finalmente los ascendentes Jeremy Northam y Lucy Liu consiguieron los papeles. "Brian y yo realmente pensamos que Jeremy era uno de los mejores actores que había," me explicó Natali. "Tenía una especie de vulnerabilidad que haría que Morgan cayera bien, pero también podía interpretar a alguien con un grado de ambigüedad moral que era importante para el papel. Y Lucy era una presencia icónica y emocionante. Y tan hermosa, por supuesto, el señuelo perfecto para Morgan. Afortunadamente, ambos estaban muy entusiasmados por estar en la película, por lo que en realidad fue bastante fácil conseguirlos."
Natali contó con su actor fetiche, David Hewlett, para dar vida a Virgil C. Dunn, el agente que custodia "La cámara".
El resto del reparto lo formaron Nigel Bennett (en el papel de Finster, un agente de la DigiCorp Technologies), Timothy Webber (dando vida a Callaway, agente de la empresa Sunways Systems), Kristina Nicoll (como Amy, la mujer de Morgan) y Kari Matchett (en la piel de Diane, una agente contratada para fingir ser la mujer de Morgan).

RODAJE
La película se rodó a mediados de 2001 en Toronto (Canadá). "Recuerdo que fue un rodaje de 37 días con un presupuesto de 7,5 millones de dólares," me explicó el director. "¡Así que fue rápido y barato!" Natali sacó oro de ese presupuesto, por comparativa con otras películas del mismo año, Minority Report costó 102 millones y Muere otro día tuvo un presupuesto de 142 millones.
"Una de las razones por las que quería hacer Cypher," me explicó Natali, "era porque acababa de hacer mi primera película, Cube, que se filmó en su totalidad en un set con algunos personajes y estaba ansioso por salir de la caja. Cypher, por otro lado, tenía innumerables ubicaciones: estábamos por todo Estados Unidos, bajo tierra, en el agua, en el cielo, con un gran elenco. Fue divertido." 
Además contaba con un presupuesto mayor, Cube había costado 365.000 dólares canadienses, por lo que Cypher fue un completo cambio de aires. Además Cube fue un rodaje muy difícil, y el de Cypher pese a tratarse de una producción mayor, fue más llevadero para el director.
Pero Natali quiso estar bien rodeado y repitió con gran parte del equipo con el que había trabajado en Cube (1997). Contó de nuevo con el director de fotografía Derek Rogers, la diseñadora de producción Jasna Stefanovic, el editor de sonido Stephen Barden y el supervisor de efectos visuales Bob Munroe (de la compañía C.O.R.E. Digital Pictures).
Rogers utilizó todo tipo de trucos en cámara para darle a la película el look deseado y su tono paranoico, como el uso de lentes periscopio, filtros de parpadeo, lentes oscilantes e inclinables, grandes angulares e incluso una lente snorkel que introdujeron por la nariz y boca de Jeremy Northam. Rogers tuvo dos claras inspiraciones, para el arranque puso un ojo en Lemmy contra Alphaville (1965), para que la película tuviera una apariencia monocromática, y una vez la historia se convierte en un noir, tomó como referente a 2001: Una odisea del espacio (1968). "A medida que la trama se complica y el suspense aumenta, empezamos a crear escenas de colores muy saturados que son un reflejo del estado emocional de los personajes principales," explicaba Rogers a Playback.
Los decorados están influenciados por las películas futuristas de los años sesenta, con un ojo puesto también en Kubrick. Natali en particular tomo como inspiración la película El proceso (1962) de Orson Welles. Y según declaró otra de sus fuentes de inspiración fue la novela El señor de las moscas.
Por aquel entonces, Lucy Liu arrastraba fama de ser una actriz difícil en el set, sobre todo por su enfrentamiento con Bill Murray en el set de Los ángeles de Charlie (2000), pero en una entrevista para la BBC, Natali declaraba que la actriz fue siempre profesional durante el rodaje de Cypher. Por su parte, Liu decidió reducir sus diálogos todo lo posible.
"Disfruté de todas las diversas set pieces y secuencias de acción," me contó Natali. "Pero la que probablemente fue la más compleja y agradable para mí, y la que realmente me hizo querer hacer la película en primer lugar, fue la secuencia de la conferencia en la que Morgan es testigo del proceso de lavado de cerebro. Era complejo respecto a la cantidad de tomas que teníamos que hacer en poco tiempo. Pero tuve un gran equipo y hice un guión gráfico de toda la escena, así que de alguna manera lo superamos todo."
Como comentaba antes, durante el rodaje se llegó a un acuerdo de distribución con Miramax, famosa por entrometerse en el proceso creativo de los directores y remontar las películas a su gusto (o de falta del mismo). Le pregunté a Natali sobre si había sufrido la interferencia de la productora de los hermanos Weinstein. "Me opuse a vender la película a Miramax mientras estábamos filmando porque creía que Cypher valdría mucho más una vez que estuviera terminada," me comentó el director. "En cierto modo, se demostró que tenía razón porque cuando les mostramos la película a los Weinstein, no me apoyaron mucho. Acababan de hacer varias películas de ciencia ficción fuertes, como Equilibrium (2002) e Infiltrado (2001), las cuales fracasaron en la taquilla. Creo que pintaron a Cypher con el mismo pincel. Entonces, si bien no interfirieron creativamente con la película, cuando estuvo terminada se negaron a estrenarla. Y así permaneció prácticamente invisible en Norteamérica durante años, hasta que finalmente Disney compró Miramax y simplemente la sacaron en DVD. Fue muy doloroso para Brian y para mí pasar por esa experiencia, pero afortunadamente la película permaneció intacta desde el punto de vista creativo y con el tiempo ha encontrado una audiencia."
Pero como le sucede a Morgan, la película tendría que cambiar de nombre, todo por una inesperada casualidad. "Rodamos la película con el título Company Man," me comentó Natali, "pero por coincidencia, otra película acababa de terminarse con el mismo título. Así que nos vimos obligados a cambiarlo, así nació Cypher."
Se puede encontrar en internet, a la película también con el título de "Brainstorm", y le pregunté a Natali sobre el porqué de este título alternativo. "En cuanto a "Brainstorm", ese es un título absurdo para nuestra película, ya que es una película de Douglas Trumbull bien considerada de los años ochenta. Creo que fue añadido por un pequeño territorio [por ejemplo Finlandia y Suecia]. No fuimos consultados y me pareció muy ofensivo que hicieran eso. De alguna manera fue amplificado por IMDb."
Tras una post-producción de nueve meses la película estaba terminada, pero no vería la luz en Estados Unidos hasta 2005. Aunque en otros países del mundo como en España pudimos disfrutarla en las salas de cine mucho antes (se estrenó el 30 de abril de 2004). En Japón o en Francia se estrenó a principios de 2003.
Tuvo mejor suerte en su paso por los festivales de cine. Jeremy Northam ganó el premio al mejor actor en el Festival de Cine de Sitges de 2002. La película ganó el Cuervo de Oro (premio a la mejor película) en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas (BIFFF) de 2003. Y en el festival de Fantasporto de 2003 se hizo con tres galardones, el premio especial del jurado (compartido con la película Rokugatsu no hebi), el premio al mejor actor (Jeremy Northam) y a los mejores efectos especiales (Bret Culp y Bob Munroe).
Echando la vista atrás Natali afirma que sobre la película, "todavía estoy muy contento con los resultados."

STORYBOARDS
Natali realizó personalmente los storyboards para la película (con la ayuda de Andrei Natali y Riccardo Durante) y los dibujos conceptuales (aunque el diseño del helicóptero y los cascos son de Todd Cherniawsky), me dio permiso para utilizarlos, así que os dejó algunos ejemplos que captan lo que quería llevar a la pantalla.

VALORACIÓN
Cypher es una de las joyas de la ciencia ficción de principios del siglo XXI, una película que está compuesta por varias capas y que resulta muy atractiva y estimulante. Su mayor pega es no ser muy conocida, pero merece la pena que le deis una oportunidad.
Me encantan esas películas en las que existen juegos de identidades, en las que su protagonista no sabe diferenciar que es real y que no (El maquinista, Abre los ojos, La escalera de Jacob). Cypher es uno de los mejores ejemplos de ese tipo de películas.
Morgan se convierte en espía para una gran corporación para hacer algo emocionante con su vida, en el fondo no está contento con quien es y busca un cambio. Cuando al comienzo de la película asume la falsa identidad de Jack Thursby, vemos como se desenvuelve con gracia ante el resto de personas, y el hombre tímido que era, desaparece, y hace acto de presencia (deja salir) a ese hombre seguro de si mismo que lleva dentro, que prefiere beber whisky de malta, le gusta fumar y rebosa carisma. Toda la película es el viaje de autodescubrimiento de Morgan, cuando termina es la persona que siempre soñó ser y que en el fondo ya era.
La película habla sobre la identidad, cuando Morgan tiene que hacerse pasar por Jack Thursby pregunta como es éste, y Finster le responde que como a él le parezca bien. La sonrisa en el rostro de Morgan delata que es justo lo que necesitaba oír, por fin podrá ser quien quiere ser realmente, y utiliza para ello a su alter ego.
Como relato de espías resulta fascinante, me encanta el mundo en el que sucede la historia, es como si fuera un futuro imaginado en los años sesenta. La película toca techo con la escena de "La cámara". Cuando Finster deja a Morgan en medio de un campo (un momento que recuerda a Con la muerte en los talones), no podemos esperar que la famosa "cámara" que busca esté oculta en una instalación subterránea, todo lo que viene después es puro pulp, desde la aparición de la entrada que emerge del suelo, el robo de la información, esa tensa conversación con Virgil (todo un detector humano de agentes dobles) y la huida en el ascensor. Toda esta parte parece sacada de un cómic. 
Otra escena que es puro scifi es aquella en la que Morgan se mantiene despierto mientras tratan de hacerle un lavado de cerebro en una conferencia. El diseño del aparato que utilizan, la forma en la que está filmado, lo interesante de la idea, lo convierten en uno de los grandes momentos de la ciencia ficción de las últimas décadas.
La película supo ver el futuro y muestra a las grandes corporaciones como el mal. Dos empresas rivales se enfrentan utilizando a Morgan como peón (como una lucha de poder entre Amazon y Apple). Las personas son para ellas nada más que un número y todo vale para hacerse con el poder. Las corporaciones son mostradas como despiadadas, unos auténticos villanos, y creo que es una idea adelantada a su tiempo, y que funciona de maravilla.
Cypher compensa su falta de presupuesto con grandes ideas. Tiene detalles donde se definen a los personajes y sus relaciones a la perfección, como ese instante en el que Liu pone en el dedo de Northam un anillo, que es un dispositivo de seguimiento, pero que simboliza su unión.
Jeremy Northam hace una gran interpretación, el papel le da la oportunidad de dar vida a dos personajes distintos, el tímido Morgan, perdido en una pesadilla paranoica, y a un misterioso espía; y se encuentra cómodo con ambos roles. Por su parte Liu esta fantástica como esa enigmática femme fatale, que al final resulta ser no tan fatale. La actriz dota de un gran magnetismo a su personaje y roba cada escena en la que interviene.
La película vino a confirmar que detrás de Cube había un director de talento, y que no era flor de un día. Cypher me sigue pareciendo a día de hoy la mejor película de Natali, y hace pensar lo que podría llegar a hacer con un gran presupuesto en sus manos. Para muchos Natali es el director de Cube, para mi siempre ha sido el director de Cypher.
La idea de un hombre que se inserta una personalidad falsa para infiltrarse en una organización, lo que lo convierte en el espía perfecto, es muy atractiva. En el fondo es algo que ya habíamos visto en otras películas antes, como en Desafío total (1990), donde hay también una localización futurista, grandes corporaciones malignas y una trama de espías, se podría decir que Cypher es una versión indie del film de Paul Verhoeven.
Cypher es también una historia de amor, Morgan arriesga su vida y su propia identidad para salvarle la vida a Rita. Cuando Morgan la ve por primera vez en la máquina de hielo, se siente inmediatamente atraído por ella, y cuando la ve en el bar se acerca a ella instintivamente porque su amor es real. Cuando al principio de la película le preguntan si no le importa mentir a su mujer, su respuesta es no, es sincero porque sabe que en el fondo no la quiere (realmente es una ayudante suya que finge ser su mujer). Su corazón ya pertenece a Rita, aunque no lo sabe.
La película comienza con una paleta de colores monocromática, y según avanza se vuelve más colorida, conforme Morgan más se acerca a la verdad. En la primera escena de la película, la del control de seguridad, hay una ausencia total de color, Morgan aparece siempre en las sombras o poco iluminado, salvo el libro sobre navegación que lleva consigo, del que resaltan todos sus colores, porque es lo único auténtico que hay del protagonista en esa escena.
La película tiene un giro final, algo muy de moda en las películas de la época, el cual funciona de maravilla. No quiero revelearlo, pero hace que la película acabe muy alto. Y si la ves sabiéndolo, no afecta al resultado final, sólo nos confirma que todo está bien atado en su estupendo guión.
Cypher recuerda a las películas paranoicas de los sesenta de Frankenheimer como Plan diabólico (1966), El mensajero del miedo (1962) y Siete días de mayo (1964), llenas de conspiraciones, agentes secretos, y cambios de identidad, es una puesta al día de aquellos films, llevado de forma acertada hacia el terreno de la ciencia ficción.
Y forma parte de una corriente de películas de ciencia ficción de bajo presupuesto que llegaron a las pantallas con el cambio de siglo, films tan estimulantes como Gattaca (1997), Dark City (1998) Pi, fe en el caos (1998), Primer (2004) o la propia Cube de Natali. 
Cypher es puro cine de culto. De lo mejorcito de la ciencia ficción de los 2000s. Una película fascinante que no sólo no fue descubierta en su estreno, es que éste tardó varios años en ocurrir, pero que desde entonces ha ido ganando adeptos. Si tenéis oportunidad dejaros sumergir en su mundo, es un viaje que merece la pena.

CURIOSIDADES
Brian King tiene un cameo como un pasajero dormido en uno de los vuelos de Morgan.
Primera película del actor Nelson Tynes.
Vincenzo Natali y el guionista Brian King hicieron otra película juntos, el film de terror Haunter (2013).
Morgan utiliza el versículo 13:17 de Job para conseguir un número de teléfono, el cual dice: "Escucha atentamente mi discurso y mi declaración con tus oídos."

BIBLIOGRAFÍA
Entrevista a Vincenzo Natali (jul-ago 2023)
Vincenzo Natali Interview (BBC Films, 1 sep 2003)
Company Man Derek Rogers (Playback, 9 jul 2001)
Imágenes de actualidad (Nº 208, 233)

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Sunday, August 20, 2023

Blanco humano

"La temporada de caza ha terminado."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Una joven busca a su padre desparecido y contrata a un vagabundo para que la ayude. Ambos descubrirán a una organización que realiza juegos de caza donde la presa es el hombre.

CAZADORES CAZADOS
Universal Pictures desarrolló Blanco humano (Hard Target, 1993) como un proyecto para Jean-Claude Van Damme. Se encargó el guión a Chuck Pfarrer (quien tenía un trato con el estudio) y se asignó a James Jacks como productor a través de su productora Alphaville Productions. La idea era actualizar la clásica historia de caza al hombre, tomando como referente la madre de todas estas historias, El malvado Zaroff (1932). Aunque la primera versión del guión se inspiró realmente en La presa desnuda (1965), y la segunda tenía el ojo puesto en Aliens (1986), no fue hasta en la tercera versión que el guión se basó en el film de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. Situaron la historia en Nueva Orleans para justificar el acento de Van Damme. Pfarrer escribió el guión en menos de tres meses.
Por un momento Andrew Davis (El fugitivo) estuvo interesado en dirigirlo, pero al final descartó hacerlo. Y pronto sonó el nombre de John Woo, según Van Damme fue él quien se lo sugirió a Tom Pollock, el presidente de Universal. Otras fuentes dicen que fue el agente de Woo en William Morris, quien le propuso a Jacks que el director se hiciese cargo de Blanco humano.
Woo gozaba de un gran éxito en Honk Kong y su fama había llegado hasta Hollywood. Mientras rodaba Hard-Boiled (1992) le comenzaron a llegar ofertas para dar el salto a la meca del cine. Barajó varios guiones de Fox y Warner (entre ellos Rapid Fire y Cara a cara, que terminaría rodando años después), y un proyecto de artes marciales con Oliver Stone como productor, que no se materializó porque la Warner quería darle a Woo un presupuesto muy bajo. Al final fue el guión de Blanco humano el que permitió que Woo debutase en Estados Unidos, y eso que inicialmente le echó para atrás la dificultad que entrañaba.
Para convencerle de aceptar el trabajo, Van Damme, Pfarrer y Jacks volaron a Honk Kong para reunirse con Woo. La reunión fue sobre ruedas, y el director aceptó hacerse cargo de la película, que fue la primera producción de un estudio de Hollywood dirigida por un director asiático.
Ya tenían el sí de Woo, pero quedaba lo más importante, que el estudio aceptara su contratación, ya que inicialmente era reacio por los problemas que podría acarrear, tanto por causa del idioma, como por su estilo. Después de que Pollock viera el trabajo previo de Woo, decidió aceptar su contratación siempre y cuando Van Damme diera su aprobación. Y el belga era fan, así que Woo consiguió luz verde.
Pero como en Universal seguían sin estar seguros si el idioma podría ser un obstáculo para Woo durante el rodaje, contrataron a Sam Raimi para que supervisara al director, y en caso de que éste no pudiera hacerse cargo, el estudio haría que Raimi tomase las riendas. Así director de El ejercito de las tinieblas y su socio Robert Tapert se convirtieron en productores ejecutivos de la película a través de su productora Renaissance Pictures. Pero según contaba Woo, Raimi nunca se entrometió y nunca hubiera ocupado su puesto, ya que tenía mucho respeto por Woo y tuvieron una muy buen relación durante el rodaje. De hecho, Raimi supervisó la producción de forma esporádica, y apenas se pasaba por el set (estaba trabajando al mismo tiempo en El gran salto (1994) de los hermanos Coen). Y el idioma no fue un problema, Terence Chang estaba ahí para ayudar, y por otra parte el inglés de Woo era mejor o peor según a él le interesara.

REPARTO
Pfarrer escribió el personaje de Chance Boudreaux con Armand Assante en mente. Aunque Jean-Claude Van Damme se hizo finalmente con el papel de Chance Boudreaux, antes de que firmara, Woo quería a Kurt Russell para darle vida, pero el actor estaba ocupado con otros proyectos, y al final Van Damme terminó protagonizando la película. Por ello cobró un cheque de 3,5 millones de dólares.
Lance Henriksen se hizo con el papel del villano Emil Fouchon. El actor era fan de Woo y cuando se reunió con él, le dijo que quería interpretar a Fouchon como un antiguo miembro de la legión extranjera francesa, alguien que siempre busca acción. Woo y él se entendieron bien y el papel fue suyo.
Yancy Butler fue quien interpretó a Natasha Binder, quien contrata al personaje de Van Damme para buscar a su padre desaparecido. Éste fue el primer papel importante de la actriz.
En 1992, el sudafricano Arnold Vosloo compartió escenario con Al Pacino y Sheryl Lee en la obra "Salome", Woo le vio en una de las representaciones, y le dio el papel de Pik van Cleaf, la mano derecha de Fouchon.
Wilford Brimley se hizo con el papel del Tío Douvee, gracias a la recomendación que el coordinador de especialistas de la película, Billy Burton, le hizo a Woo, ya que Brimley y él eran amigos.
Tres semanas antes de terminar el rodaje, Woo le pidió al guionista Chuck Pfarrer que interpretase a Douglas Binder, padre de Natasha y que es asesinado en la escena inicial de la película. Pfarrer estuvo durante el rodaje haciendo reescrituras en el set y aceptó hacer el papel. Realizó personalmente sus escenas de riesgo, durante los cerca de diez días que duró el rodaje de la secuencia.
El resto del reparto lo formaron Willie C. Carpenter (en el papel de Elijah Roper), Kasi Lemmons (como la detective Marie Mitchell), Eliott Keener (en la piel de Randal Poe), y Sven-Ole Thorsen (interpretando a Stephan).

RODAJE
La película originalmente tenía previsto empezar su fotografía principal en marzo de 1992, pero realmente no lo hizo hasta el 1 de octubre de ese año, y terminó el 20 de enero de 1993, con un total de 74 días de rodaje. Contó con un presupuesto que osciló entre los 19,5 y 20 millones de dólares, según diferentes fuentes.
Sólo contaron con tres semanas y media de pre-producción. Según Terence Chang, el productor habitual de Woo, hubieran necesitado 2 millones más de presupuesto para acometer la película adecuadamente, y el ajustado presupuesto con el que contaron les obligo a trabajar en jornadas de seis días a la semana, y entre 12 y 14 horas al día.
A la sexta semana de rodaje, iban con cuatro días de retraso y los ejecutivos del estudio culparon a Woo. Y es que el director asiático chocó de lleno con la forma de hacer las cosas en la meca del cine. "No sabía que había tantos problemas para hacer películas en Hollywood," contaba Woo a happening.com. "Muchas cosas fueron muy frustrantes. Como la política, los juegos, y las reuniones. Fue toda una experiencia." Al director le sorprendía el poder que tenían las estrellas, Van Damme podía tener derecho al corte final, al reparto y al guión, y no el director.
Para una escena, Fouchon debía aparecer tocando el piano, pero Henriksen no sabía tocar, así que contrataron a un profesor de piano para que aprendiera a interpretar sólo una sonata, pero cuando llegó el momento de rodar la escena, decidieron utilizar otra pieza, y el actor no sabía tocarla, así que simplemente fingió hacerlo. En la escena se producía un montaje paralelo que mostraba imágenes de archivo de animales siendo cazados, pero Universal le dijo a Woo que no podía hacerlo, algo que sorprendió al director.
Fue una de varias intromisiones del estudio. En otra ocasión, Universal quiso incluir una escena de sexo entre Van Damme y Butler, pero Woo y la actriz se negaron, y al final el estudio vio que no era necesaria.
Woo se quejó al Los Angeles Times de como el guión sufrió demasiados cambios. "El guión original era bueno, pero se involucró mucha gente en el estudio y el guión cambiaba, cambiaba y cambiaba. (El resultado final) no fue tan bueno como era originalmente." Como comentaba hace unos párrafos, Pfarrer estuvo presente durante el rodaje para las reescrituras necesarias. A cada reescritura se cambiaba el color de las páginas, y el guión terminó con nueve colores diferentes.
El director de Misión imposible 2 dio mucha libertad a los actores para que aportaran ideas a sus personajes y les dejó improvisar. Animó a Henriksen y Vosloo para que crearan el pasado de sus personajes (algo que hicieron durante las dos primeras semanas de rodaje). Henriksen escogió el vestuario de su personaje, ya que el que originalmente decidió el diseñador de vestuario no le gustó ni a él, ni a Woo. Se pegó las orejas hacia atrás para que su imagen fuera parecida a la de un doberman. E improvisó su frase: "Y ese es un jodido búfalo." Originalmente en la escena en la que Fouchon y van Cleaf le ofrecen a Elijah participar en el juego, no le mostraban el dinero, y Henriksen consideró que las presas sólo aceptarían si veían el dinero, algo que se añadió al guión. Eliott Keener decidió convertir a su personaje en un fumador empedernido. Woo abrazaba las ideas de sus actores y los apoyaba.
Aunque era amable en el set, Van Damme también se mostraba un tanto distante con el resto del reparto y miembros del equipo. Por ejemplo, comía solo en su trailer, en lugar de hacerlo con la demás gente. Normalmente se encontraba haciendo negocios por teléfono, tratando con los estudios sobre otros proyectos, y todo el equipo tenía que esperar a que terminase para empezar a rodar. Los ejecutivos y la aseguradora presionaban a Woo para que filmara, ya que estaban perdiendo dinero, pero nada podía hacer sin su actor principal.
En un acto de vanidad, en una ocasión Van Damme le pidió al director que colocara una cámara adicional para filmar sus musculosos brazos. A Woo le molestó que le dijeran como configurar la posición de una cámara, pero lo hizo porque iban bien de tiempo, pero después no usó el material.
Según Vosloo, el belga llegaba al set después de que Woo hubiera establecido las tomas y le cuestionaba. Sven-Ole Thorsen confirmaba que el actor se entrometía en los diferentes departamentos y le decía a la gente qué hacer. Y el punto álgido del ego del actor, fue cuando se cambió una persecución de lanchas prevista, por una entre un caballo y un helicóptero, y cuando le preguntaron si sabía montar a caballo, el belga respondió que sí, pero una vez empezaron a rodar, se demostró que realmente no sabía, y no sólo eso, según contaba Thorsen en el libro Born to be Bad, cuando Van Damme trató de subirse al caballo, éste le propinó una coz. Al final todos los planos de Boudreaux montando a caballo fueron realizados por el doble de Van Damme, el especialista Mark Stefanich.
Blanco humano lleva el sello de Woo en las escenas de acción, y eso se nota porque el director añadió ideas propias al guión, como el espectacular choque frontal entre la moto y la furgoneta. Y la inspiración de otras le vino de las formas más curiosas, como la pelea de Van Damme con cuatro hombres al comienzo de la película, idea que le vino de escuchar jazz. "Quería conseguir ese sentimiento de jazz malhumorado en esa escena," confesaba Woo a South China Morning Post.
Billy Burton se convirtió en el coordinador de especialistas y en el director de segunda unidad de la película. La hija de Burton, Heather fue la doble de Yancy Butler, y realizó la peligrosa acrobacia en la que los personaje de Van Damme y Butler saltan desde un puente a un tren en marcha.
Siempre pueden ocurrir accidentes en una película de acción, y en Blanco humano la peor parte se la llevó el doble de Van Damme, quien en una escena perdió el equilibrio y se rompió una pierna. A Billy Burton nunca se le había herido un especialista.
No fue el único accidente que ocurrió durante el rodaje. Cuando rodaron una persecución, Van Damme y Butler se cayeron de la moto que montaban, y todo podría haber acabado muy mal para la actriz, ya que la moto se fue directa hacia ella, pero Van Damme le salvó la vida desviando la moto con una patada. Algo digno de su personaje.
Pero la mayoría de las acrobacias y trucos salieron bien. Una de las más impresionantes es el momento en que el abrigo de Fouchon comienza a arder, y vemos como Henriksen realiza la peligrosa escena él mismo. Woo y el actor se llevaron de maravilla durante el rodaje, y cuando el director le pidió si podía hacer personalmente el stunt, Henriksen respondió de forma afirmativa. Prendieron fuego al abrigo del actor, y una vez terminaron la toma, Woo le pidió si podía repetirla, algo que éste aceptó.
Henriksen no es el único que hizo sus propias escenas de riesgo, aunque sorprenda Wilford Brimley se ofreció a realizar personalmente la escena en la que corre a caballo, mientras la casa que está a su espalda vuela por los aires.
Estaba previsto que la serpiente a la que Van Damme deja KO fuera auténtica, pero Butler les tenía pánico, y por esa razón utilizaron una mecánica.
Uno de los momentos de acción más espectaculares es en el que Van Damme dispara a un motorista tras lanzarle una lata de gasolina, y éste sale volando por un ventanal envuelto en llamas. Esto se consiguió montando un títere sobre una moto, la cual era arrastrada por un cable. El truco salió perfecto a la primera toma.
Para el tiroteo final en el almacén el presupuesto sólo permitía a ocho villanos, pero para Woo eran pocos, y aunque Jacks se negó a meter a más actores, Woo le pidió a Billy Burton que consiguiera a gente del equipo, y la vistiera con cazadoras o abrigos negros, y que montaran en moto para la escena. Así consiguió aumentar el body count del clímax.
De hecho, según Pfarrer, con la entrada de Woo en el proyecto, el número de muertos creció exponencialmente en la película, en el guión original sólo había dos muertes al comienzo y seis al final.
Para proteger a los operadores de cámara de las explosiones y las posibles quemaduras de las armas, Woo pidió que crearan unos escudos que se colocarían en las cámaras, y que permitirían por un lado que los operadores no corrieran peligro, y además que la cámara se moviera con total libertad, esto era algo habitual en Hong Kong. El key grip Lloyd Moriarty fue el responsable de fabricarlos en plexiglass.
Para el tiroteo del clímax en un almacén lleno con carrozas del Mardi Grass, el diseñador de producción Phil Dagort encontró un enorme almacén vacío con unos grandes ventanales, algunos tuvieron que oscurecerse porque el presupuesto para iluminación era limitado. Construyeron unas oficinas en su interior y la mayoría de las carrozas fueron creadas expresamente para la película.
Para dar vida a la comisaria de policía, Woo quería un set que transmitiera la sensación de look de los años cuarenta, y se escogió por esa razón un edificio histórico del Barrio Francés de Nueva Orleans. Y lograron filmar en el lugar de milagro, los conservacionistas locales no querían que se rodará allí y cuando supieron que era una de las localizaciones de Blanco humano, montaron delante de una de las ventanas un andamio tratando de boicotear el rodaje, pero los responsables de la película pudieron rodar las escenas antes de que pudieran montar más andamios, aunque cerraron las ventanas para que no se vieran los que ya habían montado.
Russell Carpenter se convirtió en el director de fotografía de la película, después de que Daryl Kass, productor de línea de la película, se lo presentase a Woo. Carpenter no conocía el trabajo previo del director, así que decidió ver El asesino (1989) y Hard Boiled (1992), y quedó impresionado por su técnica y estilo. Carpenter tuvo que adaptarse a la forma de rodar de Woo, quien acostumbra a rodar cada escena con varias cámaras. Utilizaba dollies sobre raíles, tantas que el equipo la denominó la "Woo-Woo choo-choo".
Para hacerse entender, ya que su inglés no era el mejor del mundo, le decía al equipo ahora quiero "un plano Martin Scorsese" si la cámara iba a hacer un travelling, o "este es un plano Sam Peckinpah" si quería que fuera a cámara lenta. Un "plano John Woo" era un primer plano de los ojos de un actor. Así logró comunicarse sin problemas.
Rodar cada escena con varias cámaras podría ser posteriormente un quebradero de cabeza para el montador, pero para el encargado de ello, Bob Murawski, no lo fue, según contaba éste aunque una escena tuviera un sinfín de planos (una de ellas llegaba componerse de 357), Woo tenía en su cabeza como sería la escena incluso antes de filmarla, lo que era de gran ayuda para él.
Woo editó la película con Murawski, pero Van Damme decidió realizar su propio montaje con el editor jefe del estudio. Cuando se supo, Raimi organizó una reunión con los productores y el editor, y enfurecido les dijo que le dejaran a Woo hacer su película. Al final el montaje de Van Damme fue rechazado.
La MPAA le dio originalmente a la película una calificación NC-17, por lo que Woo tuvo que recortar la violencia, y hacer hasta siete versiones diferentes, hasta que la MPAA le dio la calificación "R" deseada por Universal.
El primer pase de prueba de la película en mayo de 1993 fue un fracaso. El público asistente no entendió el estilo de Woo con su uso de transiciones (utilizadas normalmente para mostrar el paso del tiempo, pero que el director asiático utiliza para transmitir emociones en los personajes) o imágenes congeladas; se escucharon risas durante la proyección, y algunas personas se marcharon al poco de comenzar la película. Universal decidió hacer un nuevo montaje reduciendo los recursos estilísticos del director. El estudio llamó a Bud S. Smith (Karate kid) en medio del proceso de montaje. La película pasó de una duración de 128 a 97 minutos. Una de las escenas que se perdieron en la mesa de montaje, fue una escena romántica entre Van Damme y Butler, que Universal decidió eliminar. Años después de su estreno, circuló un workprint con un montaje extendido de la película. Woo ha declarado que la versión que más le gusta de la película es su montaje original más largo, pero no ha confirmado si ese workprint se trata justo de su versión.
Woo tuvo que meter la directa para tener la película terminada a tiempo. Dos semanas antes del estreno se encontraba aún trabajando en la banda sonora, realizando jornadas de 16 horas al día. 
Estaba previsto que la película se estrenase en julio de 1993, pero al final se retrasó hasta el 20 de agosto de ese año. En territorio norteamericano recaudó 32.589.677 de dólares y su recaudación a nivel mundial fueron unos estupendos 74.189.677 de dólares, que la convirtieron en un éxito de taquilla.
Rodar Blanco humano fue una experiencia frustante para Woo, y se pasó dos años sin estrenar una película porque estuvo tratando de buscar el material adecuado (su siguiente trabajo en Hollywood sería Broken Arrow en el que también tuvo problemas con el estudio). Aún así Woo no se arrepiente de trabajar con Van Damme y lo considerada un tío interesante. "Tiene un ego bastante grande," declaró a la revista Vibe, "pero sigue siendo profesional y siempre trata de hacer un buen trabajo."

VALORACIÓN
Aunque en su momento no se apreció debidamente, Blanco humano fue una gran presentación de John Woo en Hollywood, demostrando todas sus habilidades y lo que era capaz de hacer con la cámara. Los años han tratado bien a la película y cada vez está mejor considerada.
No sólo es uno de los mejores títulos del género de caza al hombre, junto con El malvado Zaroff (1932), La presa desnuda (1965) y La caza (2020), es además una de las películas de acción de Hollywood con más personalidad y más entretenidas de los noventa.
Es una película de acción directa, con un punto de partida potente y bastante sencillo. Un grupo organiza cacerías para ricos, donde las presas son vagabundos con un pasado en el ejército. No hay mucha sutileza, y su subtexto está en el texto, pero se agradece que haya una cierta crítica social, mostrando como los ricos juegan con las vidas de los más desfavorecidos, y se creen que están por encima de ellos. Además que las presas sean ex-militares sirve para criticar como Estados Unidos trata a sus antiguos combatientes, mostrando como muchos terminan siendo vagabundos, olvidados por el país por el que lucharon. Aquí estos indigentes arriesgan su vida por conseguir algo de dinero y salir del pozo en el que han caído. Se aprovechan de ellos y no le importan a nadie. La escena que mejor describe el discurso de la película, es aquella en la que Elijah huye de los cazadores por un barrio de Nueva Orleans pidiendo ayuda, y nadie se la ofrece, e incluso uno le replica que no lleva nada suelto. Van Damme llega para igualar la balanza, y poner a los ricos en su sitio.
Otra escena que me gusta particularmente es la reacción de Natasha (Yancy Butler) cuando descubre que su padre es un vagabundo, es un momento emotivo y muy duro, que nos hace pensar como reaccionaríamos si nos viéramos en la misma situación.
Aunque éste es uno de los mejores vehículos de Van Damme y se le ve bastante entregado, la verdad es que su personaje es bastante plano y sus motivaciones sólo se justifican con el que a veces los pobres también se aburren. Es simplemente un héroe salvando a la damisela en apuros. Pero se hubiera agradecido un poco más de profundidad en el personaje. Aún así es una de sus mejores películas, junto con Timecop (1994), Contacto sangriento (1988) y Soldado universal (1992). Y resulta bastante memorable con su mullet.
Agradezco que entre Van Damme y Butler no haya una historia de amor, algo que normalmente ralentiza este tipo de películas, y aunque parece que hay una tensión sexual entre ambos, me gusta que no vaya más allá.
Cuando mejor es el villano, mejor es la película, y aquí a falta de uno, tenemos a dos, estupendamente interpretados por Henriksen y Vosloo. Resultan carismáticos y hay una buena química entre ellos, ambos elevan el conjunto de la película. 
Blanco humano es un festival para los que nos gusta el cine de acción, Woo rueda como nadie las set pieces, que llevan siempre su sello. La película simplemente mola, con cada una de sus cámaras lentas, cada vez que alguien dispara con dos pistolas o con cada patada voladora.
Un ejemplo claro es la persecución con Van Damme montado en moto, que termina con ese momento del choque contra la furgoneta, no sólo Woo eleva las apuestas haciendo que Van Damme la vuele por los aires, es que después hace un excelente uso de la cámara lenta con la aparición de Henriksen tratando de disparar a Van Damme.
Pero esto es sólo un calentamiento para los que está por llegar, porque Woo aprieta el acelerador en el clímax, con un increíble tiroteo en un almacén, donde no hay un segundo que no deje al espectador sin aliento. La acción sucede entre piruetas y explosiones, rodadas con gracia e ingenio por la cinética cámara de Woo, y sólo nos queda levantarnos y aplaudir como locos.
Vale que tiene errores de racord para parar un tren, y que se nota en que planos entra el doble, pero resulta tan divertida que se le pasan esas cosas, ¡por favor, si Van Damme deja KO a una serpiente de un puñetazo!
Blanco humano es la película americana que más se acerca a los films de acción de Hong Kong de Woo. Sus películas influyeron mucho en el cine de acción posterior, algo que explotaría con Matrix (1999). Mucho antes de las aventuras de Neo ya habíamos visto a héroes disparando dos pistolas, cámara lentas y abrigos al vuelo. La influencia de Woo en el cine de acción occidental es inmensa, y Blanco humano es parte de esa influencia.
Resulta chocante que para realizar la película trajeran a uno de los mejores directores de cine de acción del mundo, para básicamente cortarle las alas, y no darle la libertad que necesitaba, lo curioso es que, ¡aún así la película funciona! Resulta siempre entretenida y cuando la acción empieza, ésta nunca se detiene. Y se nota que es una película de John Woo. Como demuestra ese excelente montaje paralelo de Henriken tocando el piano. Y no faltan la aparición de palomas, que siempre señalan el camino al héroe (aquí una le da a Van Damme una pista en forma de placas de identificación del ejército). Pese a todas las restricciones e intromisiones del estudio, creo que es la película de Hollywood donde Woo se muestra más liberado y loco, haciendo cosas que en sus siguientes películas no le permitieron (con la excepción de Cara a cara), pero aquí la violencia está desatada, como esos momentos en que Van  Damme vacía un cargador entero en uno de los villanos, y lo remata con una patada voladora, básicamente porque sí. Blanco humano junto con Cara a cara son sus mejores títulos de su periplo en Hollywood. Y es de paso el mejor heroic bloodshed que se haya rodado en la meca del cine.
Blanco humano fue una excelente carta de presentación de John Woo en Hollywood, demostrando de lo que era capaz en el cine de acción. Después vendrían títulos más grandes y ambiciosos, pero el más cercano a sus films de Hong Kong y el más salvaje sigue siendo esta cacería, donde los cazadores se convierten en presas.

CURIOSIDADES
Arnold Vosloo se inventó su frase: "Si vuelvo aquí, te cortaré en rodajas."
Tras esta película, Sam Raimi y Robert Tapert le ofrecieron a John Woo dirigir una película titulada "Shadow War", también para Universal, pero nunca llegó a realizarse.
Chow Yun-Fat visitó a John Woo mientras rodaban en Nueva Orleans.
Uno de los cuatro hombres que atacan a Natasha (Yancy Butler) al principio de la película es el doble de Van Damme, Mark Stefanich.
La escena de Henriksen tocando el piano no estaba presente en el guión de Pfarrer.
"Hard Target" es un término militar para definir a un objetivo bien protegido.
Ted Raimi, hermano de Sam Raimi, hace un cameo, es el hombre que no le presta ayuda a Elijah cuando es perseguido.
Chuck Pfarrer, un ex-miembro de los SEAL, le enseñó a Woo en viejo truco de los SEAL para disparar una pistola y que parezca en una ametralladora, el cual fue incluido en la película.
La segunda versión del guión fue reconvertido por Pfarrer en el cómic "Virus", el cual sería adaptado al cine bajo el título homónimo de Virus (1999).
Incluyendo a la serpiente, el body count de la película asciende a 34 muertos.

BIBLIOGRAFÍA
Toning Down, John Woo Earns His Hollywood R (The New York Times, 15 ago 1993)
Summer Sneaks ‘94: These Guys Blow Us Away : With expensive blow-'em-ups running out of new tricks, some movie makers fear the genre faces a tragic ending (Los Angeles Times, 15 may 1994)
Born to be Bad (Timon Singh, 2018)
Russell Carpenter, ASC: Passion for the Craft (American Cinematographer, 1 feb 2018)
John Woo interview (happening.com, 1997)
City on Fire: Hong Kong Cinema (Lisa Odham Stokes y Michael Hoover, 1999)
Target: America (The Washington Post, 20 ago 1993)
Sight and Sound Magazine (May 1993)
John Woo: The Films (Kenneth E. Hall, 1999)
Jean-Claude Van Damme (AV Club, 11 mar 2008)
Starlog Magazine (nº 174)
Arnold Vosloo Interview (ardethsmistress)
Ten Thousand Bullets: The Cinematic Journey of John Woo (Christopher Heard, 1999)
John Woo on John Woo: My Hits - and Misses (Entertainment Weekly, 7 nov 2009)
Los Angeles Magazine (mar 2002)
Yancy Butler (Twitter, 7 ene 2022)
New Gun in Town: John Woo, Hong Kong’s legendary action director, teams with Jean-Claude Van Damme for his first American thriller, ‘Hard Target’ (Los Angeles Times, 3 ene 1993)
Moviestar Magazine (nov/dec, 2001)
Vibe Magazine (oct 1993)

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Thursday, July 20, 2023

Deep Blue Sea

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En un laboratorio en medio del Océano Pacifico, un grupo de científicos experimentan con tiburones para buscar una cura contra el alzheimer, pero eso los vuelve inteligentes y los escualos harán todo lo posible por huir de las instalaciones.

TIBURÓN
Los tiburones siempre están relacionados con el miedo, sobre todo en el cine, y el origen de Deep Blue Sea (Deep Blue Sea, 1999) viene justo de ahí. Siendo un niño, el guionista Duncan Kennedy vio los restos de una víctima del ataque de un tiburón, y en los años posteriores sufrió una pesadilla recurrente en la que estaba atrapado en un pasadizo con tiburones que podían leer su mente. No fue el único suceso relacionado con tiburones con el que se topó, durante un viaje en barco que realizó por la "Gran Barrera de Coral" hacia la Isla Middle, éste casi vuelca cuando un tiburón merodeaba las aguas. En la isla encontró un observatorio submarino abandonado. Y días posteriores, visitó una granja que utilizaba hormonas de crecimiento genéticamente modificadas, que según le dijeron, provocaban que el ganado fuera más agresivo. Con todas esas experiencias e ideas rondando su cabeza, el australiano escribió el guión que dio pie a Deep Blue Sea.
Inicialmente escribió un tratamiento en cuatro semanas, que tenía el titulo de "Deep Red", y durante otras cuatro semanas escribió el guión, que terminaría llamándose Deep Bue Sea. Kennedy se entrevistó con científicos para elaborar su libreto.
Kennedy conoció al productor Lloyd Segan, que hizo llegar el guión a Lucy Stille y Valarie Phillips de la agencia Paradigm. Aproximadamente en el plazo de dos meses el guión se vendió a Warner Bros.
En 1994, el equipo de producción formado por Alan Riche y Tony Ludwig (Un ratoncito duro de roer) recibió el guión, el cual les entusiasmó. "Obtuvimos este gran guión sobre tiburones y no habíamos leído o escuchado nada parecido... bueno, desde Tiburón," admitían los productores en las notas de producción de la película.
Riche y Ludwig estuvieron desarrollando el proyecto en Warner durante dos años, hasta que la tecnología permitió llevar a cabo la película (gracias a la suma de los tanques de agua construidos para Titanic y la viabilidad de los animatronics de las películas de ¡Liberad a Willy!). Kennedy escribió tres reescrituras a lo largo de ocho meses. Durante su interminable desarrollo el proyecto fue un baile de guionistas que entraban y salían del proyecto para diversas reescrituras, que en su fase inicial contó con John Zinman, Simon Davis Barry (quien se encargó de crear al personaje de Preacher), Michael Frost Beckner (que creó un personaje alcohólico que posteriormente fue eliminado e ideó el accidente del helicóptero, que inicialmente sucedía en un barco), y Peter Briggs (según cuenta el guionista fue traído al proyecto por Riche y Ludwig, pero estuvo poco tiempo trabajando en él, una vez entró Phil Joanou como director, él salió del mismo).
Según Clemington McCarty Talkington, Jr., el ejecutivo de la Warner Jeff Robinov lo trajo al proyecto para mejorar el guión, y fue su borrador el que permitió al proyecto obtener por fin luz verde. El guionista fue quien ideó ese momento del tiburón lanzando a un hombre contra la ventana del laboratorio, y fue el autor de la escena de la muerte del personaje que interpreta Samuel L. Jackson en medio de un enérgico discurso (Akiva Goldsman aportó el pasado de Franklin y fue idea del supervisor de efectos visuales Jeffrey A. Okun adelantar el momento de la muerte del personaje).
Hablando de Goldsman, el productor y guionista fue traído al proyecto por la Warner para su desarrollo, y trabajó con Talkington en el guión. Pero la película no arrancó realmente hasta 1997, cuando el director Renny Harlin se hizo cargo del proyecto. Tras Memoria letal (1996), Harlin buscaba algo que fuera diferente. "Una de las razones por las que quería hacer esta película era porque no tenía tiroteos o peleas," declaraba el director a Starlog. "Deep Blue Sea es más que un thriller de acción. Es un desafío para mí crear terror y hacer diferentes tipos de grandes stunts que incluyen animatronics y CGI."
Además Harlin necesitaba un éxito tras los fracasos consecutivos de La isla de las cabezas cortadas (1995) y Memoria letal (1996). "Todo eso me hizo sentir que tenía que hacer una película con la que me jugara el todo por el todo," admitía Harlin a Imágenes de actualidad. "Por eso cuando apareció el proyecto de Deep Blue Sea acepté sin pensarlo dos veces."
Una vez se unió al proyecto, el filandés encargó al matrimonio de guionistas Donna y Wayne Powers (The Italian Job) que escribieran el libreto final. "Pensé que era una gran idea para una película," afirmaba Donna a la revista Starlog. "La tecnología cinematográfica ha avanzado a pasos agigantados desde Tiburón."
"Las previas encarnaciones de la historia, incluido el libreto de Kennedy, eran más películas de acción y misterio," revelaba Donna a Starlog. "Era del tipo Parque Jurásico, donde los tiburones se criaban para una logia de caza de alta tecnología. Había incluso un científico loco. Así que cuando comenzamos, empezamos desde un ángulo diferente. Nos deshicimos de todos los personajes armados con granadas y lanza misiles. Queríamos hacer un clásico thriller de horror, sin científicos locos. Si hubiera científicos, queríamos que fueran buenas personas que quisieran hacer algo honorable, y hacerlos sentir lo más reales posible."
Partieron de la idea de los tiburones creados genéticamente y a partir de ahí cambiaron los personajes, los diálogos, el tono de la historia y su estructura. Sí mantuvieron la creación de Aquatica ideada por Kennedy y el concepto que ésta se hundía en el mar dando pie a tener tiburones en lugares insólitos como cocinas o dormitorios. "En las versiones previas, los científicos habían encontrado una cura para el cáncer," explicaba Wayne a Starlog. "En nuestra opinión, eso era un poco exagerado. Quisimos algo más creíble." Y decidieron cambiarlo por la búsqueda de una cura para el alzheimer. Otra de sus aportaciones al guión fue la decisión de que Whitlock (Stellan Skarsgård) fuera atacado por el tiburón y perdiera su brazo.
Otro guionista, Charlie Mitchell también contribuyó al guión, una de sus aportaciones fue combinar dos personajes que se convirtieron en la Dr. Susan McAlester. Y también es el principal responsable del combinar los personajes de Conrad (un aventurero que muere de forma inesperada) y Brock (un ejecutivo que era un villano de la función) creados por Kennedy, para dar lugar a Franklin, interpretado por Samuel L. Jackson.
La revisión final del guión la hizo Akiva Goldsman, quien también se convirtió en uno de los productores de la película.
Durante todo el desarrollo de la película Alan Riche y Tony Ludwig mantuvieron el contacto con Duncan Kennedy, quien aportaba ideas en cada borrador, según el guionista algunas fueron tomadas en cuenta.
Pese al trabajo de tantos guionistas, sólo fueron acreditados Duncan Kennedy y los Powers.

REPARTO
Tocaba juntar al reparto, y el director tenía claro que quería sorprender al público. "Queríamos actores sólidos que no fueran estrellas," afirmaba Harlin en las notas de producción de la película. "En Alien nadie podía sospechar que fuera Sigourney Weaver la que sobreviviera. Queríamos que el público no supiera absolutamente nada. Si estuvieran Mel Gibson o Sandra Bullock nadie pensaría que fueran a morir."
Así reunieron una serie de caras conocidas para el reparto, aunque a ninguna gran estrella. La excepción sería la presencia de Samuel L. Jackson. Tras trabajar con el actor en Memoria letal, Harlin quiso contar con él de nuevo en Deep Blue Sea. "Lo quería como un punto de apoyo para mí," declaraba el director en las notas de producción. "Una vez lo tuve me dediqué a buscar al resto de actores, sólidos intérpretes que fueran capaces de hacer creíbles unos papeles tan duros a nivel físico."
Inicialmente a Jackson le ofrecieron el papel de Sherman "Preacher" Dudley, el cual no convencía al actor. Como Harlin deseaba tenerlo en la película, crearon un nuevo personaje expresamente para él, el multimillonario Russell Franklin, papel que Jackson sí aceptó. En parte porque Harlin le había explicado que sería el primero en morir, lo que haría que el público creyese que cualquier miembro del reparto podría morir también. El actor creía que iba a ser una participación corta, pero al final se pasó en el rodaje un mes y medio, mucho más tiempo del que esperaba.
El cuidador de tiburones Carter Blake fue interpretado por Thomas Jane. Para acometer el papel, el actor se sometió a un extenso entrenamiento, y llegó a realizar muchas de sus escenas de riesgo, llegando a nadar con auténticos tiburones.
Saffron Burrows interpretó a la Dr. Susan McAlester. La actriz se sumó al proyecto cuando comprobó que Harlin se preocupaba por el desarrollo de los personajes. Para prepararse para su papel, Burrows pasó mucho tiempo con una científica que dirigía un laboratorio en la USC.
El papel de Preacher lo terminó encarnando el rapero LL Cool J. Según contó Harlin al Reading Eagle quería, "tener un personaje que aportara mucha calidez y humor a la película sin ser un humor a base de chistes. Y lo había visto en varias películas y sentí que tenía un gran carisma. Así que me reuní con él y quedé muy impresionado, por lo que forcé al estudio para contratarle." El personaje estaba previsto que fuera pasto de los tiburones desde el principio, pero les gustó tanto a los responsables de la película, que decidieron que siguiera con vida.
Y el resto del reparto se compuso por Jacqueline McKenzie (Janice Higgins), Michael Rapaport (Tom Scoggins), Stellan Skarsgård (Jim Whitlock) y Aida Turturro (Brenda Kerns). El veterano Ronny Cox hizo una participación sin acreditar como el jefe de Franklin.

RODAJE
Con un presupuesto de 60 millones de dólares, el rodaje se inició el 3 de agosto de 1998 y terminó el 5 de noviembre del mismo año. Tuvo lugar en los Fox Baja Studios, situados en Rosarito (México) y que fueron creados para la película Titanic (1997). Aunque después Harlin insistió en viajar a las Bahamas para poder trabajar con tiburones auténticos.
Según declaró el director en las notas de producción de la película, tenía clara su decisión de rodar en estudio, "si ruedas en el auténtico océano, estás tratando de controlar olas, corrientes, viento, el sol, las películas acuáticas tienen reputación de ser rodajes terriblemente difíciles. Pero rodando en Fox Baja, podríamos maximizar los recursos disponibles y eliminar gran parte del peligro potencial, maximizando la seguridad del proceso. También tienen los mayores tanques de agua del mundo."
El rodaje de Deep Blue Sea, no fue fácil, de hecho, según Harlin, ésta fue la película más dura de su carrera, y lo dice alguien que filmó La jungla 2: Alerta roja (1990) y La isla de las cabezas cortadas (1995). "Porque todo era agua. Tal vez 80 días de rodaje estábamos en el agua o bajo ella," explicaba el director a Den of Geek. Y eso no hacía las cosas fáciles al equipo, por ejemplo, el guión y los documentos no podían ser de papel, así que estaban hechos de plástico. Algunos elementos del decorado flotaban y se iban moviendo por el set, y otros en cambio se hundían de forma inesperada.
Rodar en el agua supuso un reto para el diseñador de producción William Sandell, para quien el mayor desafío fue, según contaban a MovieMaker, "la construcción de escenarios enormes que resistieran la tensión de estar bajo el agua."
Y el reparto no lo pasó especialmente bien por tener un rodaje tan pasado por agua. "El primer día estaba en una jaula," recordaba Jane a Entertainment Weekly. "Pero al siguiente me sumergieron a 9 metros de profundidad. Entonces este tío me quita el respirador y el agua se agita con sangre, tripas y cosas. Fue tan terrorífico que no quiero recordarlo."
Ocurrieron algunos incidentes durante la producción, y la mayoría de ellos estaban relacionados con los animatrónicos de los tiburones. En el primer día de rodaje, rodaron la escena en la que un tiburón ataca a Saffron Burrows en su habitación, y se produjo un cortocircuito en el sistema eléctrico del tiburón animatrónico, que provocó que éste saltase fuera del agua, y golpease el techo del set, el cual rompió. El techo estaba hecho con planchas de hierro fundido, y lo destrozó como si nada.  
En otra ocasión, LL Cool J casi se ahogó, el hombre que manejaba uno de los tiburones soltó el joystick cuando el actor había puesto su pierna en la boca del tiburón y quedó atrapado bajo el agua. Por suerte, le habían dado un pequeño bote con oxígeno extra y pudo aguantar bajo al agua hasta que salió a la superficie.
Trabajar en los tanques de agua conllevaba problemas, y eran complejos de utilizar. En los estudios de México había cinco tanques diferentes, llenar cada uno de ellos requería de dos días, y luego era necesario filtrar el agua para poder rodar. En una ocasión inundaron el decorado de la cocina y se dieron cuenta de que el horno había quedado sumergido, pero lo necesitaban para la escena, así que tuvieron que mandar a unos buzos que pusieran una plataforma debajo del horno para que quedara por encima del agua, y así rodar la escena.
Uno de los momentos más complejos de la película es aquel en el que un tiburón rompe el cristal de la sala donde se encuentran los protagonistas, la cual se inunda a continuación. En el escenario 2 de los Fox Baja Studios se construyó dicho decorado, que estaba situado sobre un elevador, que al desplazarse permitió que el set se inundase realmente aproximadamente en unos cinco segundos, y los actores tuvieron que escapar corriendo de 80 toneladas de agua.
Al rodar la secuencia en la que los protagonistas regresan al ascensor tras llevar la camilla hasta el helicóptero, por accidente arrojaron tres toneladas de agua sobre los actores haciendo que estos fueran arrastrados por la pasarela y casi cayeran al agua.
Cuando ya estaban metidos en pleno rodaje, se dieron cuenta de que no estaba claro que hacían los científicos en el laboratorio, así que decidieron crear un nuevo personaje para explicar mejor la trama, y ese fue el jefe de Franklin, a quien dio vida Ronny Cox. Escribieron tres escenas para el personaje y construyeron un set en México para sus oficinas. Filmaron las escenas, pero una vez editaron la película, prácticamente eliminaron todo el metraje rodado con Cox, dejando sólo una escena, en la que no llega a decir ni una palabra. Al final su participación quedó en un mero (y extraño) cameo.
Deep Blue Sea hace gala de unos excelentes efectos visuale (para la época), que permitieron mostrar a los tiburones como no se había hecho antes. Se utilizaron tiburones animatrónicos, otros creados digitalmente y también tiburones reales. Hasta once compañías de efectos visuales trabajaron en la película para completar los 432 planos con trucajes que la componen. Y se enfrentaron a un sinfín de retos y dificultades. "Creamos cincuenta olas gigantes de más de seis metros de altura, que chocan contra la base," explicaba Jeffrey A. Okun, supervisor de efectos visuales de la película, a Imágenes de actualidad. "Además, se diseñó un software especial para incrementar el aspecto malicioso de los tiburones, para añadir más sangre y carnaza a las secuencias violentas, y para simular fuego y explosiones bajo el agua."
Utilizaron sangre digital, ya que si vertían sangre o pintura en los tanques, al agua quedaría inservible para las siguientes tomas.
Los efectos visuales y de animación corrieron por cuenta de Industrial Light and Magic y Cinesite. Efectos adicionales fueron responsabilidad entre otras compañías, como Hammerhead Productions (que se encargó de producir 35 planos de tiburones digitales), Grant McCune Design (que construyó las miniaturas), W.M. Creations (quienes crearon los efectos de maquillaje y protésicos) y Edge Innovations (con Walt Conti a la cabeza, que creó los animatrónicos de los tiburones).
Conti recibió el guión dos años y medio antes que comenzase el rodaje de la película, y le llevó ocho meses crear los animatrónicos. Se construyeron para la ocasión cuatro tiburones y medio, tres de 4,5 metros y cerca de 1.000 kg para dar vida a los dos escualos más pequeños, y uno y parte de otro para recrear al más grande de 7,5 metros y de aproximadamente 3.500 kg. Conti contó con un equipo de setenta especialistas.
Una de las escenas más espectaculares rodadas con los animatrónicos es la muerte de Janice. "El tiburón estaba conectado a una base hidráulica submarina, para que pudiera repetir el mismo movimiento que se necesitaba para esa toma una y otra vez," explicaba Harlin a Imágenes de actualidad. "Tuvimos que programar los ordenadores para que el tiburón fuera haciendo los mismos movimientos coreografiados con los de Jacqueline. Pero como la escena empieza debajo del agua, Jacqueline tuvo que pasarse un buen rato sumergida, con buzos pasándole oxígeno cada pocos minutos, atada a la boca del tiburón hasta que todo estuviera listo para filmar. Entonces sacábamos a los buzos, apretábamos el botón en el ordenador, que tardaba unos segundos en hacer arrancar el tiburón mecánico, y ahí Jaqueline es sacada del agua por un instante en que los demás la tratan de rescatar, y luego el tiburón vuelve a meterla bajo el agua. Allí la máquina se paraba." Este proceso se repitió una y otra vez hasta que obtuvieron la toma correcta.
Uno de los momentos más impactantes, aquel en el que un tiburón arranca un brazo a Whitlock, se consiguió con la suma de un animatrónico de Conti y un especialista con una prótesis de un brazo de plástico. Sobra decir que el resultado es increíble.
Y para el momento en que el helicóptero explota se utilizó una combinación de varios de tipos de efectos. Se usaron planos reales de un helicóptero real suspendido de una grúa combinado con efectos pirotécnicos. Por otro lado, también utilizaron una miniatura del helicóptero chocando contra una maqueta de la base marina para otros planos. Y en post-producción se añadieron otros elementos (los escombros producidos por la explosión, la lluvia, las olas y una segunda explosión).
Aunque para Okun la secuencia más compleja fue la de la tormenta, que fue una combinación de un software para crear el océano, elementos prácticos e instalaciones CGI.
El compositor escogido para la película fue Trevor Rabin. Cuando en Score Magacine le preguntaron si se había inspirado en la música de Tiburón (1975), respondió que: "La única influencia que tuvo Tiburón de John Williams en mí, fue asegurarme de no acercarme a él."
Tras un pase de prueba con público, el final previsto con el personaje de la Dr. Susan McAlester escapando con vida del tiburón, y salvando la situación con un arpón, no gustó. Según contaba a CraveOnline, Harlin se dio cuenta que, "en sus mentes, ella era la mala y en las nuestras, ella era la heroína y pensamos que salvarla era la clave. Básicamente, tuvimos tarjetas de test que decían: 'Mata a la zorra.' Fue una revelación asombrosa." Esa fue la razón por la que decidieron rodar un nuevo final en el que el personaje moría. Todo esto sucedió a un mes del estreno de la película. No tenían mucho tiempo para un gran reshoot, pero a Harlin se le ocurrió que McAlester fuera comida por los tiburones y que Preacher fuera quien disparase el arpón. El director sólo necesitó un día de rodaje para cambiar el final de la película, rodándolo en el tanque de agua de los Universal Studios. Tras el trabajo de efectos visuales necesario para crear a los tiburones y borrar a Saffron Burrows digitalmente de algunos planos, la película estaba lista para su estreno.
Warner inicialmente no prestó demasiado interés a la película y no dedicó demasiado dinero para publicitarla. Pero tras su premiere, en la que tuvo una gran aceptación por parte del público, la productora se dio cuenta que tenía un bombazo entre manos, así que comenzó a insuflar dinero para promocionarla, pero llegó un poco tarde. Aún así la película tuvo un buen rendimiento en taquilla. En los Estados Unidos recaudó 73.648.142 de dólares y su recaudación a nivel mundial fue de 164.648.142 de dólares. Tal vez si hubieran apostado por la película antes habría sido uno de los grandes taquillazos del año.

ESCENAS ELIMINADAS
En las ediciones de vídeo doméstico se incluyeron cinco escenas eliminadas del montaje original de la película. Son las siguientes:
1. Durante su fiesta de cumpleaños la Dr. McAlester da un discurso a todos los presentes agradeciendo su esfuerzo en el proyecto.

2. Todos los habitantes de Aquatica se despiertan por la mañana. Janice y Whitlock durmieron juntos, lo que hace clara su relación, y ella además menciona que está embarazada. Todos desayunan juntos y hablan sobre la tormenta que se acerca. Harlin confesó que eliminó la escena porque no parecía correcto matar a una mujer embarazada.

3. Preacher camina por un pasillo inundado y comienza a rezar. Un tiburón hace acto de presencia.

4. Janice y la Dr. McAlester mantienen una breve conversación, después de que la segunda le diga que siente la muerte de Whitlock, la primera arremete contra ella echándole en cara lo poco que conocía a Whitlock.

5. Carter y Scoggins están en una bolsa de aire y hablan sobre nadar bajo el agua, pero el segundo no se ve capaz de hacerlo. Al final Carter se va y Scoggins se queda esperando a que vuelva su compañero.

VALORACIÓN
Deep Blue Sea es la última alegría que nos ha dado Renny Harlin, después de esta película su carrera ha caído en picado (aunque Cazadores de mentes es distraída). Es un film extremadamente entretenido, donde el director nos ofreció diversión a raudales.
Lo atractivo de la película no era colocar a los humanos en el territorio de los tiburones, si no hacer todo lo contrario, mostrar a tiburones en localizaciones imposibles como una cocina o un pasillo. Y aunque pueda resultar absurdo, realmente funciona.
Además, Harlin inteligentemente hace lo opuesto a Spielberg en Tiburón, no oculta al monstruo, sino que lo muestra en cámara. Es una forma diferente de terror, pensando más en el espectáculo que en el propio miedo. Evitando así repetir la fórmula y dándole su propia personalidad a la película.
Es la clásica historia del hombre jugando con la naturaleza y de como ésta se vuelve en su contra. Por muy justa que sea la causa de los científicos (la cura del alzheimer), el fin no justifica los medios y estos terminan siendo literalmente devorados por sus actos.
Lo bueno es que nos lo cuentan de la forma más entretenida posible, y además la pantalla se llena de violencia, algo que Harlin muestra con una claridad de exposición sorprendente. Sirva como ejemplo la mejor escena de la película, la del ataque a Whitlock, donde no falta la hemoglobina y donde el director hace un gran uso de la cámara lenta para crear tensión.
La película es todo un parque de atracciones, que no da respiro al espectador. Comienza desde el minuto uno con un ataque de tiburón, y una vez la acción pasa a  situarse en Aquatica la cosa no tarda en irse de madre. Toda la parte del ataque del tiburón a Whitlock, el posterior accidente del helicóptero y el momento de la rotura del cristal con la camilla, es una gozada para todo aficionado al cine de acción.
Pero tiene más momentos para el recuerdo, como la famosísima muerte sorpresa de Samuel L. Jackson (que nos hace ver que cualquiera puede morir), la excelente elipsis que utiliza Harlin para mostrar como los personajes salen de la zona de escaleras y se ponen a salvo tras ser salvados por Preacher, o ese plano que pasa de la superficie a debajo del agua para mostrarnos las instalaciones de Aquatica con la voz en off de Janice.
El reparto es solvente, aunque no son más que mera carnaza para los verdaderos protagonistas de la película, los tiburones. Aún así poco pueden hacer los actores con un guión tan funcional, construido para ensamblar una set piece tras otra. Eso sí, Thomas Janes cumple como héroe de acción. 
Es una de película de grandes efectos visuales, algunos increíbles (principalmente los maravillosos animatronics) y otros que han envejecido mal (algunos planos de tiburones digitales), pero se nota en pantalla cada dólar del presupuesto.
Deep Blue Sea es la mezcla perfecta de acción y terror, donde Harlin se mueve como pez en el agua. Son 105 minutos de pura diversión, que se pasan como un suspiro. Cuesta encontrarse películas tan entretenidas y violentas como ésta, rodadas con tanto oficio. Sigue siendo la mejor película de tiburones después de Tiburón. Simplemente hay que dejarse de complejos y sumergirse en este Deep Blue Sea, la experiencia merece la pena.

CURIOSIDADES
La matrícula que extraen de la mandíbula del tiburón al comienzo de la película, es la misma que encontraban dentro del tiburón tigre de Tiburón (1975).
LL Cool J cantó el tema principal de la película "Deepest Bluest (Shark's Fin)".
Hay varias referencias a Finlandia, país natal de Renny Harlin, en la habitación de Janice hay una pequeña bandera de Finlandia, en la pizarra de la cocina aparece escrito "panqueques filandeses", Helsinki es mencionada y si también se puede ver una botella de vodka marca Finlandia.
El loro que usaron de mascota para el personaje de LL Cool J, no paraba de morderle la oreja al actor, quien tuvo que quitarse los pendientes porque el animal los mordisqueaba.
Renny Harlin hizo storyboards de cada plano de la película.
Fue la primera película que Stephen King vio tras su atropello y declaró que, "disfruté cada minuto."
Los tres tiburones mueren igual que los tres tiburones de Tiburón (1975), Tiburón 2 (1978) y Tiburón 3: El gran tiburón (1983), dos de ellos mueren por una explosión y otro es electrocutado. 
Renny Harlin tiene un cameo como uno de los trabajadores de Aquatica, que vuelven a casa para el fin de semana en el barco de suministro. Un día la novia del director visitó el set y éste le sugirió que aparecieran juntos en la película a modo de broma. Al final a Harlin le gustó como quedó la toma y la dejó en la película.
El body count de la película asciende a nueve muertos (sin contar tiburones ni el loro).
Renny Harlin está trabajando en una nueva película de tiburones titulada "Deep Water".

BIBLIOGRAFÍA
Starlog Magazine (Nº 262, 265, 266)
Exclusive Interview: Renny Harlin (CraveOnline, 21 ago 2013)
'Deep Blue Sea' strives for old-fashioned horror (Reading Eagle, 31 jul 1999)
Deep Blue Sea (Entertainment Weekly, 19 abr 1999)
The Reel Stephen King (Entertainment Weekly, 10 dic 1999)
LL Cool J reflects on his career (Entertainment Weekly, 29 ene 2010)
Imágenes de actualidad (Nº 185, 187)
Interview with Trevor Rabin (Score Magacine, 22 sep 2005)
‘Blue Sea’ Hopes to Be Box-Office Big Fish (Los Angeles Times, 26 jul 1999)
Femme Fatales Magazine (abr 1999)
Notas de producción
Born to be Bad (Nacidos para ser malos) (Timon Singh, 2018)
Peter Briggs (Twitter, 15 mar 2023)
An Interview With C.M. 'Carty' Talkington (Money Into Light, abr 2016)
The Art of Cinematic Design (MovieMaker, 18 sep 1999)
Cinefantastique Magazine (Vol 31 Nº 7 - ago 1999)
In Conversation: Samuel L. Jackson (Vulture, 20 jul 2023)

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