Monday, September 01, 2014

La isla del Dr. Moreau

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Edward Douglas es un naufrago que llega hasta una isla propiedad del Dr. Moreau, un científico que está experimentando con animales para convertirlos en humanos. Sus creaciones no tardarán en rebelarse y sembrar el caos en la isla.
Coincidiendo con el reciente estreno en Londres del documental Lost soul: The doomed journey of Richard Stanley's Island of Dr. Moreau de David Gregory, donde se relata la odisea que pasó el director Richard Stanley, en su intento de llevar al cine su añorada adaptación de la obra de H.G. Wells, me parece un momento más que adecuado para recordar la película que dio pie a dicho documental, La isla del Dr. Moreau (The island of Dr. Moreau, 1996), cuya historia no tiene desperdicio.

LA ISLA DE LA LOCURA
La novela de H.G. Wells, "La isla del Dr. Moreau", ya había conocido dos adaptaciones al cine, la primera La isla de las almas perdidas (1932) dirigida por Erle C. Kenton y protagonizada por Charles Laughton y la segunda, La isla del Doctor Moreau (1977) a cargo de Don Taylor y con Burt Lancaster y Michael York en los roles principales. Richard Stanley (Hardware, programado para matar), gran fan de la novela, consideraba que dichas adaptaciones no estaban a la altura de la obra de Wells, de modo que decidió filmar su propia versión de la misma. El director estuvo cuatro años trabajando en ella.
Su visión de la historia, según sus palabras, era la de "una realmente astuta, épica, película de horror gótico vudú a una gran escala." Stanley escribió el guión con la colaboración de Michael Herr (La chaqueta metálica).
Los derechos de la novela fueron, de la productora AIP (que produjo la versión del 77) a Orion Pictures Corporation y de ahí a New Line Cinema, donde Stanley consiguió la financiación para su película, que se presupuestó en 35 millones de dólares.
Inicialmente Bruce Willis entró en negociaciones para interpretar al protagonista Edward Prendick y Marlon Brando hizo lo propio con el personaje del Dr. Moreau. Con el tiempo Willis se salió del proyecto, pero Brando firmaría para interpretar al icónico doctor. Al protagonista de El rostro impenetrable le gustó el guión, pero no quería a Stanley como director, quería que Roman Polanski dirigiese la película, para demostrarle que era el director idóneo, Stanley se reunió con el actor y tras hablar con él, Brando le dio su aprobación. Teniendo a semejante leyenda a bordo era fácil que otros nombres se unieran al proyecto. Val Kilmer se sumó al proyecto tras el éxito conseguido con Batman forever, encargándose inicialmente del rol de Edward Prendick. Rob Morrow aceptó el papel de Montgomery, el ayudante de Moreau. Y en papeles secundarios el proyecto se llenó de bestias y humanos como Fairuza Balk como Aissa, Ron Perlman como Pregonero de la ley, Mark Dacascos como Lo-Mai y la mítica Barbara Steele en el papel de la ex-mujer de Moreau (que posteriormente sería eliminado).
La creación de las bestias corrió a cargo del gran Stan Winston, cuyo equipo tuvo que dar vida a todos los hombres-bestia en un plazo limitado de tiempo, como comentaba el propio Winston "Creo que tuvimos aproximadamente 20 semanas en total para el diseño, desarrollo y creación de los isleños de Moreau. Esculpiendo, buscando a los actores, creando los animatronics, trajes de cuerpo entero y prótesis para el pelo, mucho trabajo intensivo fue necesario para crear un gran número de estas personas."
Por su parte "Digital Domain" fue la encargada de los efectos visuales de la película. Su principal trabajo fue crear copias digitales de algunas de  las bestias para aquellas escenas que no podían ser interpretadas por los actores que les daban vida, como por ejemplo cuando se muestra a Lo-Mai saltando en el río. Los técnicos de la "Digital Domain" estudiaron los movimientos de un tigre de bengala para animar el CGI del personaje. Además crearon a las ratas mutantes con las que Douglas se topa en un barco. Para esta escena varios técnicos llevaron trajes de captura de movimiento e imitaron los movimientos de cada una de las criaturas, para después trasladarlos a las criaturas digitales.
El rodaje tuvo lugar en Cape Tribulation, Queensland (Australia). Pero semanas antes de que se iniciase, comenzaron los problemas. Val Kilmer exigió que su personaje fuera recortado en un 40%. El actor acababa de divorciarse de su mujer, la también actriz Joanne Whalley y quería reducir su compromiso con la película todo lo posible. Stanley vio que era imposible recortar escenas del personaje, ya que eso afectaría a la integridad de la película. Para no perder a su estrella, a Stanley se le ocurrió la idea de intercambiar los papeles entre Kilmer y Morrow, ya que el personaje de Montgomery tenía una menor presencia que el de Prendrick. Para Stanley aquella era una situación muy complicada "Si Kilmer salía [del proyecto], sería percibido que era mi culpa. Esencialmente tenía que buscar la forma de mantener a Val a bordo. No podía tenerle fuera, porque si lo hiciera, probablemente habría colapsado el proyecto. Y eso habría sido el final para mí de todo modos."
Ambos actores aceptaron el cambio. Pero aun así los problemas continuaron en los primeros días de rodaje (en los que Brando aun no estaba presente), aparte del accidente de coche que sufrió el director el primer día, el huracán que asoló el lugar de rodaje o la gripe que se cebó con el director (todos malos presagios de lo que estaba por venir). Val Kilmer apenas dio señales de vida durante los dos primeros días de rodaje. Del primero no se salvó nada de lo filmado, el mal tiempo complicó muchísimo las labores del equipo, quienes tuvieron que rodar en el mar (por la insistencia del productor Michael De Luca, presidente de producción de la New Line). Y del segundo, el director sólo logró rodar una escena, una en la que unos animales vivos eran llevados de un carguero a una lancha. Kilmer sí se presentó el tercer día, pero no se sabía sus frases, incluso recitó las frases de otros personajes en lugar de las suyas. Estos problemas afectaron a las secuencias rodadas, en las que prácticamente la gente no sabía muy bien que hacer, los actores tropezaban unos con otros y Kilmer no decía nada, todo era un absoluto caos que llegó a los ejecutivos de la New Line, quienes basándose en lo visto en esas primeras tomas, decidieron al cuarto día de rodaje despedir a Stanley. Cuatro años trabajando en su película, para sólo poder estar en ella cuatro días.
Stanley alegó que si fuera otro director de más renombre no lo hubieran echado a los cuatro días de rodaje, eso posiblemente sea cierto, pero como admitió Michael De Luca "No le di [a Kilmer] un director fuerte y eso fue mi culpa", lo dice el mismo que insistió en rodar en el mar con mal tiempo, siendo insalvable nada de lo filmado.
Con la salida de Stanley, Rob Morrow abandonó el proyecto. Y la New Line se vio en la situación de buscar un reemplazo para su director y protagonista principal. El elegido para gritar acción fue John Frankenheimer, quien accedió a participar en la película a cambio de poder modificar el guión y según admitió también porque "Me gustaba la idea de trabajar con Marlon Brando. Y pensé que podría representar una película muy comercial para mí, lo cual necesitaba en ese punto de mi carrera." Para sustituir a Morrow se contrató a David Thewlis, quien había sido una de las primeras elecciones de Stanley para el papel protagonista. Thewlis aceptó protagonizar la película para trabajar con Brando.
La entrada de Frankenheimer en el proyecto influyó que el guión original fue modificado para adaptarlo a su visión sobre el proyecto, según él "Lo primero que hice fue cambiar el guión. La verdad es que el de Richard Stanley era bastante malo. Era un caos. Una especie de homenaje a las películas japonesas de terror de los años 60. Una gran idea, pero plasmada en un mal guión. Se puede decir que lo único que mantuvimos fue el título." Thewlis tenía una opinión diferente sobre el guión original y la visión de Stanley sobre el proyecto "El guión original era realmente muy inteligente y una verosímil mirada de tales teorías liberales. Frankenheimer no entró con mucho amor en el proyecto y a pesar de que Richard había planeado la película para hacer una parodia y por eso tenía a Stan Winston para crear criaturas para una parodia, trató de convertirlo en un thriller serio. Y Brando no quería hacer de Moreau el villano, lo cual nos puso de mierda hasta el cuello para empezar y siguió desde allí."
De modo que se incorporaron cambios en el guión propuestos por Brando para plasmar la visión que tenía el actor respecto a su personaje. Y lo mismo sucedió con Kilmer. Los productores contrataron al guionista Walon Green (Grupo salvaje) para dichas reescrituras. Con este guión se inició el rodaje, pero después Frankenheimer decidió que quería más énfasis en algunos aspectos y para ello se contrató a Ron Hutchinson (Seducción peligrosa) para las nuevas reescrituras. Los principales cambios con respecto al guión de Stanley y Kerr fue la modificación del apellido del protagonista, que pasó de Prendick a Douglas. Además se simplificó su profesión pasando de ser un abogado de derechos humanos de las Naciones Unidas en el guión original, a ser un delegado en los acuerdos de paz en la versión definitiva. Se excluyó la subtrama ideada por Stanley del mundo amenazado por un ataque nuclear, que añadía a la historia el atractivo de no saber si más allá de la isla existía la vida, dándole una vuelta de tuerca adicional a la historia, convirtiendo a las creaciones de Moreau en el posible futuro de la humanidad. Se eliminó el personaje de la ex-mujer de Moreau que iba a protagonizar Barbara Steele. Se expandió el personaje de Pregonero de la ley, el cual inicialmente sólo aparecía en una escena y terminó haciéndolo en nueve. Se eliminó gran parte de la violencia de la película y el gore, sobre todo en su tercer acto que era mucho más explícito (al parecer se llegaba a cocinar a uno de los personajes y después se lo comían vivo). Aun así la WGA mantuvo a Richard Stanley acreditado como guionista, pero Kerr perdió su crédito.
Para llevar a cabo todos estos cambios fue necesario detener la producción durante una semana y media. Pero la participación de un nuevo director, no hizo que se terminaran los problemas con Kilmer, de hecho Frakenheimer llegó a declarar sobre el actor "No me gusta Val Kilmer. No me gusta su ética de trabajo y no quiero ser asociado con él nunca más." El actor cuando tenía una rabieta decidía no presentarse al rodaje, aun teniendo a todo el equipo dispuesto, provocando que se cancelase el rodaje de la escena. En una ocasión apagó un cigarrillo en la cara de un operador de cámara, no se sabe si a propósito o como fruto de una broma que le salió mal. Y cuando el actor rodó su última escena en la película, Frakenheimer soltó un rotundo "Corten. Ahora sacad a ese bastardo de mi set." Brando también terminó teniendo diferencias con Kilmer, a quien le llegó a decir "Tu problema es que confundes el tamaño de tu talento con el tamaño de tu cheque." Y además pidió mover su remolque para alejarse del de Kilmer.
Aunque el protagonista de El último tango en Paris también ocasionó retrasos en el rodaje. Un miembro del equipo llegó a declarar que "Entre Kilmer y Brando dejamos de rodar durante 12 días, con todo el equipo parado." Poco antes de que se iniciase el rodaje, Marlon Brando sufrió la devastadora noticia del suicidio de su hija Cheyenne. El actor estaba atravesando el peor momento de su vida personal (además de la muerte de su hija, por aquel entonces, su hijo Christian cumplía condena por el asesinato del novio de Cheyenne e incluso tuvo problemas relacionados con las pruebas nucleares francesas en Tahití, cerca de un atolón de su propiedad) y todo esto pudo afectarle durante el rodaje de la película. El actor ni siquiera se molestaba en aprender sus frases, usaba un pequeño receptor de radio en su oído para que le ayudaran a recordarlas (algo que ya había hecho en otras películas). En una escena decidió llevar en su cabeza un cubo para el hielo y nadie se lo impidió, el propio actor admitió que lo hizo porque "Estaba tan aburrido, que no sabía que otra cosa hacer." Y además exigió que el enano con el que había trabado amistad (interpretado por Nelson de la Rosa) y que tenía un pequeño rol en la película, apareciera junto a él en todas sus escenas (cosa que así se hizo).
El rodaje se convirtió en un absoluto caos. Al hecho de que el guión fuera reescrito prácticamente a diario, hay que sumarle que Thewlis se cayó de un caballo y se rompió una pierna. Además el actor llegó a improvisar algunas de sus escenas con Brando. Harta de todo, la actriz Fairuza Balk se escapó del rodaje, pero sólo pudo llegar hasta Sydney donde fue encontrada y mandada de vuelta en avión a Queensland. Y para rizar más el rizo, Stanley, quien después de ser despedido, se había quedado cerca del lugar de rodaje, llegó a infiltrarse en el mismo caracterizado como uno de los hombres bestia. Bill Hootkins, amigo de Stanley y miembro del reparto, sacó el disfraz del taller de Stan Winston con la excusa que iba a realizar una broma, y caracterizado como uno de los personajes de la película pudo observar el rodaje desde dentro (y la anarquía que allí reinaba) y tuvo así la oportunidad de hablar con Brando. Al director puede vérsele brevemente como un bulldog fusión en la escena en la que Montgomery hace su imitación de Moreau delante de todas las bestias.
La película se terminó estrenando el 23 de agosto de 1996 y como no podía ser de otra forma, resultó ser un fracaso de taquilla. En suelo norteamericano recaudó 27.663.982 de dólares y en el resto del mundo 21.963.797 adicionales.
Además el film recogió horribles críticas, llegando a ganar el premio Razzie al peor actor secundario (Marlon Brando) y siendo nominada en las categorías de peor película (Edward R. Pressman), peor pareja (Marlon Brando y ese "enano maldito"), peor actor secundario (Val Kilmer que competía en la misma categoría por su papel en Los demonios de la noche), peor director (John Frankenheimer) y peor guión (Richard Stanley y Ron Hutchinson).

EL MONTAJE DEL DIRECTOR
Para garantizar la calificación por edades PG-13, se cortaron las escenas más explícitas que sí fueron incluidas en el director's cut de la película, el cual tiene aproximadamente 5 minutos más de metraje que la versión estrenada en cines. Algunos cambios se limitan a la inclusión de planos de pocos segundos de duración o a planos alternativos que sustituyen a otros. Para conocer todas las diferencias podéis consultar la página movie-censorship.com. Las escenas principales incluidas en esta versión de la película son las siguientes:

1. La pelea en la balsa al comienzo de la película es más larga y más violenta.


2. La muerte de Moreau es más larga y explícita. Hyena llega a arrancarle una mano.


3. Azazello le da Hyena un arma y le dice que sabe donde puede encontrar más. A cambio de contarle donde están, quiere que le quiten su implante. Todas las bestias agarran a Azazello e Hyena le desgarra el implante de su cuerpo.


4. La muerte de Montgomery es más larga, después de ser disparado por Azazello, éste le da la pistola a Hyena, quien le dispara varias veces.


5. Mientras Edward y Aissa entran corriendo en la base, Hyena dispara con una ametralladora destruyendo todo a su alrededor.


6. La muerte de Azazello a manos de Hyena es más gráfica.

VALORACIÓN
La isla del Dr. Moreau es considerada una de las grandes películas malas de los 90, pero a diferencia de otras que son absolutos fracasos, sin nada que salvar, como Batman y Robin, Super Mario Bros. o Street Fighter, por citar sólo algunos casos, el film de Frankenheimer tiene elementos de interés que no la convierten en un film a olvidar del todo.
Es cierto que tiene momentos sonrojantes, excéntricos y carentes de todo sentido, que evidencian la locura que fue su rodaje. Como la escena en la que Douglas conoce a Aissa, donde Montgomery les observa llevando una flor en la boca sin venir a cuento. El dueto a piano de Moreau y el enano es un WTF de los grandes. Como que ambos vayan vestidos exactamente igual en cada escena que comparten. Sin olvidar las dos escenas en las que Montgomery imita a Moreau, que son una ida de olla en toda regla. ¿Y por qué el enano aparece desnudo mientras Montgomery vacuna a las bestias? No lo sé y nunca lo sabré.
Y un caso aparte es la horrible interpretación de Marlon Brando, con diferencia el peor trabajo de toda su carrera. Su presencia a lo largo de la película molesta y despista más que aportar algo a la misma. Desde su ridículo aspecto en su introducción (que intenta ser espectacular y termina siendo ridícula), a cualquiera de sus otras escenas, parece que Brando esté en una película diferente al resto.
Kilmer tampoco es que esté a la altura, por momentos no sabemos a que juega su personaje, parece como si a cada escena el actor hiciera lo que le diera en gana, a veces sus actos o comportamientos no tienen ninguna lógica.
Lo mejor de la película no es la historia de los humanos, si no la de las bestias, ahí radica la verdadera película, una realmente interesante, la lástima es que no está lo suficientemente explotada y todas las tramas de los humanos frenan hasta cierto punto el avance de la historia. La película debería haberse centrado más en desarrollar la historia de las bestias y menos en intentar contentar a sus estrellas humanas. Porque en esta parte de la película encontramos ideas atractivas. Por un lado el film nos habla de los peligros de jugar a ser Dios. Y es el objetivo de Moreau lo que nos lleva al quid de la película, éste quiere crear seres perfectos partiendo de animales, para que la pureza de éstos dignifique la raza humana, pero el problema es que cuanto más humanas se vuelven las bestias, más experimentan éstas las peores conductas del hombre, se vuelven seres violentos, codiciosos y obsesionados por las armas (como el momento en el que Azazello mata a Lo-Mai a sangre fría por no haber cumplido la ley o la escena en la que Hyena dispara varias veces al cuerpo de Montgomery). Se revelan porque comienzan a tener dudas. ¿Por qué dios nos ha creado? ¿Por qué nos hace sufrir? ¿Por qué debemos acatar tantas normas? Dudas humanas que no llegan a comprender. Moreau les priva de la libertad, de la posibilidad de elección para que sean más humanos, para ello intenta erradicar sus instintos animales, pero ellos son en parte animales. Y eso hace que al final éstos exploten. A diferencia de lo que sucede con los hombres, su dios es de carne y hueso y pueden matarlo, pero no sólo matan a su dios, matan al mismo tiempo a su padre, lo que hace que sus actos sean más horribles todavía. Y al hacerlo creen convertirse en dioses, pero en realidad son simplemente monstruos, son simplemente hombres.
Y la gran vuelta de tuerca de la película es que muestra a los hombres a su vez como bestias, al comienzo de la película tres luchan por conseguir un poco de agua (Douglas incluso mata impulsado por un acto de rabia) y Montgomery es mostrado como un psicópata. Además Douglas es encerrado en su habitación que casi parece una jaula. La visión que da de los humanos es realmente fatalista y negativa. Al final son las criaturas de Moreau quienes demuestran tener una mayor lucidez, al decidir dejar de ser lo que no son (humanos) y vivir en función de sus instintos (siendo animales).
La película surgió en pleno revival por los monstruos clásicos iniciado por Drácula de Bram Stoker (1992), seguido por Frankenstein de Mary Shelley (1994) y Mary Reilly (1996) y continuado por La momia (1999). En la que La isla del Dr. Moreau fue su peor exponente.
Nunca sabremos como sería el film de Stanley, pero lo que sí sabemos es que La isla del Dr. Moreau es una oportunidad perdida de hacer algo realmente grande. Los medios los tenían, además de un planteamiento de lo más sugestivo e incluso Frakenheimer dirige con su buen pulso de siempre, pero le falta concreción a la hora de querer plasmar sus intereses y los pocos elementos de interés no logran levantar el film. Tal vez, la película es lo único que podía salir de tan caótico rodaje y de tanta lucha de egos. Ésta no más que la suma de un montón de malas decisiones. Al final La isla del Dr. Moreau fue una abominación más horrible que cualquiera de los experimentos de Moreau.

Curiosidades:
La película se estrenó en el 100 aniversario de la publicación de la novela de H.G. Wells.
El personaje de Pregonero de la ley es ciego, de modo que Ron Perlman tuvo que llevar puestas unas lentillas que le cegaban, de modo que interpretó su papel ciego.
Val Kilmer se sintió obligado a pedirle permiso a Brando para hacerse pasar por él para rodar la escena en la que Montgomery imita a Moreau.
Según recordaba David Thewlis, un día que Brando usaba su receptor de radio para que le recordaran sus frases, ésta se acopló con la frecuencia de la policía y el actor repitió lo que escuchó, que no fue otra cosa que "Hay un robo en Woolworths'."
David Thewlis juró que nunca vería la película, ya que ésta fue experiencia negativa para él. De hecho, no asistió al estreno de la película.
El personaje del Dr. Mephisto de South Park es una parodia del Dr. Moreau de esta película, a quien como a Marlon Brando le acompaña siempre un enano. Majai, que ese es el nombre del enano, fue quien inspiró el personaje de Mini-Yo de las películas de Austin Powers. Además en Austin Powers: La espía que me achuchó se parodia la escena en la que Moreau y Majai hacen un dueto al piano.
La película fue incluida en el libro "The official Razzie movie guide: Enjoying the best of Hollywood's worst" como una de las 100 películas más divertidamente malas jamás hechas. El autor del libro fue John Wilson, fundador de los premios Razzie.
Ron Perlman aceptó participar en la película para poder trabajar con Marlon Brando, a quien admiraba. Val Kilmer participó en la película por la misma razón.
Antes de comenzase el rodaje Brando y Kilmer se fueron juntos de vacaciones a Irlanda.
El nombre del barco que lleva a Douglas a la isla de Moreau en el libro es Ipencacuanha, pero en la película fue cambiado por Ombak Penari, cuya traducción sería "Bailador de olas".

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Friday, August 01, 2014

Manhattan sur

"Esto no es el Bronx, ni Brooklyn, ni siquiera Nueva York, es Manhattan sur."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

El policía Stanley Wihite es destinado al distrito de Manhattan sur, una vez allí iniciará una lucha encarnizada para eliminar la delincuencia de las calles. Su principal objetivo será la mafia china y más concretamente Joey Tai, jefe del crimen local, con quien mantendrá un enfrentamiento a muerte.

EL AÑO DEL DRAGÓN
Tras el enorme fiasco de La puerta del cielo (1980), el director Michael Cimino estuvo ausente de las pantallas de cine durante 5 años. Durante ese tiempo estuvo involucrado en diferentes proyectos, pero sin llegar a materializar ninguno, como por ejemplo Footloose (1984), Motín a bordo (1984) o Sed de poder (1984). Su regreso se lo debemos a Dino De Laurentiis, quien le ofreció la dirección de Manhattan Sur (Year of the dragon, 1985), adaptación de la novela de Robert Daley, "Year of the dragon", publicada en 1981.
El productor italiano llevaba años queriendo realizar una película localizada en Chinatown, pero los primeros guiones que recibió no le gustaron y no fue hasta que apareció el libro de Daley, que su idea comenzó a tomar forma. Compró los derechos y se puso en contacto con Cimino para su adaptación, pero el director rechazó el proyecto. Tras no conseguir adaptar la novela, De Laurentiis llamó de nuevo a la puerta de Cimino, quien esta vez sí acepto, pero sólo a cambio de varias condiciones, que el libro sería sólo un punto de partida, que tendría la libertad de contar la historia a su manera y que podría cambiar los personajes. A lo que el productor de Hannibal dio su aprobación. Una de las razones que le llevaron a Cimino a aceptar el proyecto fue su interés por narrar la historia de la contribución de los chinos a la construcción del Oeste y principlamente al ferrocarril transcontinental, de echo estuvo años trabajando en un western con esa temática, pero nunca consiguió sacarlo adelante.
Cuando se subió al carro de la producción, ésta ya tenía una fecha de inicio aproximada de rodaje prevista por los productores y Cimino se dio cuenta de que no podría escribir él solo el guión en el tiempo asignado, así que buscó ayuda. Cimino se decantó por Oliver Stone tras quedar impresionado al leer su guión para Platoon (1986).
Para escribir el guión ambos se documentaron considerablemente, sólo Cimino se pasó un año y medio reuniendo información. Stone y Cimino se entrevistaron con cualquier persona que pudiera darles información sobre el funcionamiento del hampa en Chinatown, como aquellos a los que Stone definió como "un grupo de gangsters disidentes", que les mostraron lo que estaba pasando en dicho barrio.
El nombre del protagonista de la novela era Arthur Powers, pero Stone decidió cambiarlo por Stanley White, que era el nombre del policía que le ayudó cuando investigaba para escribir un guión sobre los asesinatos del "Estrangulador de Hillside". Además le dio al personaje un pasado como veterano de Vietnam.
En el guión se cambiaron más cosas con respecto a la novela, por ejemplo, en aquella la relación entre el protagonista y la reportera es una simple aventura y el policía volvía al final con su mujer. En la película su mujer es asesinada y White y Tracy acaban juntos. En la novela el villano es detenido por un tecnicismo, bigamia, mientras que en la película Tai se termina pegando un tiro tras su enfrentamiento con White.
Según Stone el guión final no fue todo lo bueno que podría haber sido "Creo que el guión tiene defectos graves. Pero tengo que añadir que el productor, Dino De Laurentiis, tiene un gusto abominable. Michael Cimino quería hacer una reaparición después del fracaso de La puerta del cielo y De Laurentiis nos obligó a hacer recortes perjudiciales en el guión que Cimino tuvo que aceptar."
Cimino quería una combinación de actores profesionales y aficionados, no quería a los actores de siempre interpretando a sus eternos roles, de modo que le pidió a la directora de casting que descartara a ese tipo de actores y que buscasse caras nuevas.
Inicialmente Cimino y Stone tenían en mente para el papel protagonista a Nick Nolte o Jeff Bridges, pero finalmente Cimino se decantó por Mickey Rourke, tras verlo en Sed de poder (1984), la cual estuvo a punto de dirigir. Además Cimino y Rourke ya habían trabajado juntos en La puerta del cielo (1980). Rourke tuvo que meterse en la piel de un personaje 15 años mayor que él, entre otras cosas tiñó su pelo de blanco para envejecerse en pantalla. Rourke tuvo que ponerse en forma para la película, pero inicialmente no se tomó muy en serio su entrenamiento, de modo que Cimino hizo que Chuck Zito, guardaespaldas del actor y ex-ángel del infierno, fuera su entrenador personal y según el director, hizo maravillas con él. Rourke le dio varios papeles a Zito en la película, se le puede ver en tres ocasiones, como doble de acción, otra como karateka y una más como taxista.
Para el papel de Joey Tai se contrató a John Lone, quien había llamada la atención en la película El hombre del hielo (1984). Lone realizó aquí la que es posiblemente su más popular interpretación junto con la de El último emperador (1987).
Para interpretar a Tracy se barajó a Joan Chen, pero Cimino finalmente escogió a la modelo Ariane Koizumi, según explicaba él "[Joan] podría haber estado asombrosa también. De una forma diferente. Pero Ariane tenía algo más de americana. Y eso es lo que quería. Ella tenía que ser igualmente china y americana, mientras que Joan era claramente nacida china."
Con un presupuesto de 24 millones de dólares y con el final cut por contrato, Cimino comenzó el rodaje de la película, que se extendió a lo largo de 61 días.
Aunque se llegaron a rodar algunos planos en la auténtica Nueva York, el grueso de los supuestos exteriores se filmaron en los North Carolina Film Studios (Wilmington, North Carolina). De tan realistas que eran los decorados creados por Wolf Kroeger, que llegaron a engañar a Stanley Kubrick, nacido en Nueva York y que asistió al estreno de la película. Otras secuencias se filmaron en Tailandia (incluida su capital Bangkok), Wilmington y Vancouver.
Esa variedad de localizaciones brindó una de las mejores anécdotas de la producción. A la hora de rodar la escena en la que Joey Tai y su mano derecha caminan por una fábrica textil china, atraviesan un paso elevado y llegan hasta un apartamento destartalado donde se encuentran los dos asesinos que contrató, se filmó en tres localizaciones distintas, la fábrica estaba en Bangkok, el paso elevado en Nueva York y el apartamento en Wilmington. Una de las scripts le comentó a Cimino que la secuencia no iba a funcionar, entonces el director le apostó 1.000 dólares a que sí lo haría, cuando la script vio la secuencia montada admitió su error, pero Cimino rechazó los 1.000 dólares.
El apartamento de Tracy no era un decorado, para conseguir unas vistas únicas de Nueva York, el apartamento se construyó expresamente en la Torre del Reloj de Nueva York, esa necesidad surgió según Cimino porque "No soporto ir a un lugar y filmar de la forma que todo el mundo lo ha hecho antes. La gente va a París, siempre está la Torre Eiffel. Ellos vienen a Nueva York y es el Hotel Plaza y Central Park. Así que quería una vista de la ciudad que fuera única y memorable."
Como comentaba anteriormente Cimino tenía el final cut, pero aun así el estudio le obligó a realizar un cambio, tal y como comentaba el director "El único cambio que me pidieron que hiciera, el cual a día de hoy lo sigo encontrando inexplicable porque pienso que creo que resume la película, fue la última frase. Al final de la película hay otra lucha que estalla en Mott Street, durante el desfile del funeral. Mickey está en medio de la refriega, Tracy corre y le recogé del suelo, ambos se ven como los supervivientes de una guerra. La cámara se cierra. Si te fijas, puedes ver que no están diciendo la frase que estás oyendo. La última frase de la película era, Stanley la mira y dice "Bueno, supongo que si luchas en una guerra el tiempo suficiente, terminas casándote con tu enemigo." Oliver Stone está casado con una chica vietnamita ahora mismo. Estoy seguro que veremos americanos con mujeres iraquís en algún momento. Por alguna razón que no entiendo, la frase no era aceptable, así que cogí una frase de otra parte de la película y la deslicé dentro y no tiene ningún sentido en absoluto. Pero esa frase, era la que resumía toda la película."
Al contrario con su anterior película, Cimino terminó Manhattan Sur a tiempo y dentro del presupuesto asignado. El film se estrenó el 16 de agosto del 1985 en medio de críticas negativas y fue un fracaso de taquilla. Recaudó en los EE.UU. sólo 18.707.466 de dólares. Este fracaso pudo ser producido por las duras críticas producidas por los sectores asiáticos que vieron el film como sexista y racista, alegando que la película estaba llena de estereotipos sobre ellos. Cimino se defendió alegando "No estoy de acuerdo con esa acusación. El filme coloca al racismo en la pantalla, pero no significa que sea racista en sí mismo."
Tal fue el varapalo crítico, que incluso fue nominada a varios premios Razzie, la mayoría totalmente injustificados como los correspondientes a las categoría de peor película (Dino De Laurentiis), peor director (Michael Cimino) y peor guión (Oliver Stone y Michael Cimino), por su parte Ariene se llevó dos nominaciones, una a la peor actriz y otra como peor nueva estrella. El consuelo es que no llegó a ganar ninguno y que recibió dos nominaciones a los Globos de Oro en las categorías de mejor actor secundario (John Lone) y mejor banda sonora original (David Mansfield).

VALORACIÓN
Una de las cosas que más aprecio de Manhattan sur es la verisimilitud que desprende en todo momento, como muestra los tejemanejes del mundo del hampa chino, sus ramificaciones tanto políticas como sociales y su funcionamiento a escala global. Tal vez por primera vez el cine hablaba sobre este tema, por lo que se puede catalogar a la película como pionera. Se acusó en su momento a la película de racista y considero que es ridículo, es cierto que el personaje de White es racista, aunque por otro lado no tiene problemas en tener una relación con una mujer asiática. Pero la película en todo momento demuestra un gran conocimiento y respeto por la cultura china, y habla sobre su legado y su influencia en la creación de los EE.UU. Pero eso no quiere decir que deba hacer la vista gorda como hacen los policías en la película y obviar que en su cultura también existe la delincuencia y las mafias. La película lo único que hace es mostrar ese lado negativo del mundo chino, sin olvidar mostrar también el positivo. A la hora de representarlos en pantalla, ni todos los asiáticos son malos (como el trabajador ilegal que se presenta en el funeral de la mujer de White, el joven policia Herbert o la propia Tracy), ni todos son buenos (Joey Tai, el resto de líderes de las triadas, Ma Polvo Blanco). Pero incluso los miembros de las triadas (salvo Tai) son siempre mostrados como hombres de honor.
Rourke hace un gran papel como el implacable e incorruptible Stanley White, alguien con un código moral a prueba de balas, que hará todo lo posible por erradicar las drogas de sus calles, de un modo casi kamikaze. Pese a la juventud de Rourke, el actor nos hace creible la madurez de su personaje y pese a lo cuestinable de sus tácticas, hace que, a base de carácter e individualismo, simpaticemos con él, sobre todo por lo imposible de su misión. Lo que atrae del personaje de White es que es mostrado como un hombre con defectos, puede ser egoísta, cruel, insensible y mezquino, y es esa personalidad disfuncional, combinada con su obcecación, mejor dicho obsesión, por su trabajo policial, que nadie parece compartir, lo que convierten al personaje en un ser fascinante y memorable.
Por su parte John Lone realiza el que es posiblemente su mejor (y más recordado) papel en cine. Su villano, pérfido, inteligente, arrogante y elegante, fue uno de los grandes villanos de los 80.
Y es el choque entre ambos personajes lo que hace elevar a la película a otro nivel. White excesivo y directo. Tai calmado y manipulador. Héroe y némesis que se complementan perfectamente. Un personaje no hace más que mejorar al otro.
La que no está a la altura es Ariane, se nota que era modelo y que apenas tenía experiencia como actriz, cumple con su cometido, pero poco más, el papel requería de una actriz más experimentada, pero pese a las pésimas críticas recibidas, considero que está aceptable en su papel.
Siempre se ha elogiado la fotografía de Alex Thomson y la verdad es que no es para menos, a lo largo de la película es capaz de iluminar sets que recrean calles de Nueva York con la mayor naturalidad, escenas iluminadas simplemente con luz natural y otras dotadas de un único color (el azul y el rojo en la escena de la discoteca), lo que le da a la película un tratamiento visual increíble.
La película como la mayoría de films en los que se involucraba Stone por aquellos tiempos, está lleno de escenas y frases memorables. Desde el brutal asesinato de Herbert en plena calle. El asesinato de la mujer de White y la posterior persecución de uno de los asesinos. El popular tiroteo en el restaurante chino. El uso por parte de White de monjas para las escuchas a las triadas. El viaje a Tailanda de Tai y como muestra la cabeza cortada de su competidor en medio de una comida. Y sobre todo el duelo final entre White y Tai en las vías del tren, combinación de cine de acción americano y asiático en una misma secuencia.
Los actos del protagonista hacen que nos planteemos que sucedería si realmente un policía con el código de moral de White hiciera lo mismo, ¿sería posible erradicar la delincuencia de las calles? ¿o se encontraría una y otra vez con muros con el nombre de "intereses políticos" y "corrupción"? Como él dice, se repite lo de Vietnam, parece que nadie quiere ganar esta guerra en Chinatown, pero White demuestra que un hombre solo puede marcar la diferencia.
Otro elemento brillante es su sentido de la violencia, algo de esperar si juntamos en una misma película a Cimino y Stone, cada una de las secuencias de acción y violencia están filmadas con absoluto nervio por Cimino, las cuales se quedan grabadas en nuestra en mente.
Otra cosa que me apasiona de la película es su sentido de la épica, el espectro que abarca, va desde los suburbios de Chinatown hasta Tailandia, es memorable el viaje Tai al cartel de droga. Esa visión del mundo criminal más grande que la vida mete de lleno a la película en una categoría priviliegiada del cine policiaco (la misma que los films de Michael Mann).
Manhattan sur es también la historia de dos personajes solitarios en sus respectivos mundos. White es prácticamente repudiado por toda la policía, su mejor y único amigo no para de reprocharle cosas y con su mujer no hace más que discutir, su personalidad lo aparta de todo el mundo a su alrededor, sólo lo salva la pureza de su misión. Y por su parte a Tai le sucede lo mismo dentro de las triadas, donde le terminan haciendo a un lado y es odiado por el resto de mafias, su objetivo por ser el jefe termina volviéndose en su contra. Llegado a ese punto ambos personajes se ven las caras, cuando no tienen nada más que perder que sus propias vidas y se enfrentan en un tiroteo, un duelo más bien, como no podía ser de otra forma y donde sólo uno puede salir con vida. Al final Tai termina suicidándose para no ser condenado y White posiblemente conocerá sus últimos días como policía después de todo lo acontecido. El policía esta vez sí ha ganado la guerra y se retira victorioso (como muestra ese plano final congelado con su cara), pese a todo lo que ha tenido que sacrificar.
Manhattan sur es uno de los mejores films policiacos de los 80, que roza la obra maestra. Cimino desmostró una vez más su talento e hizo olvidar el fiasco de La puerta del cielo y de paso firmó, la que sería su última gran película. Siempre dura, siempre violenta, sin bajar nunca el listón. "El año del dragón" fue un gran año para Cimino, aunque en su momento pareció no serlo, el tiempo ha colocado a la película en su lugar, entre el panteón del mejor cine policiaco de su época.
Curiosidades:
Tras el rodaje, Cimino fue nombrado Coronel honorario de la Fuerza Aérea de Tailandia. El director también había filmado El cazador (1978) en dicho país.
Tarantino incluyó en su lista de mejores muertes de películas, el tiroteo final de la película, según el director "¡Te olvidas de respirar durante ella!"
La prestigiosa revista francesa "Cahiers du cinéma" la situó en el tercer puesto de su lista de las mejores películas de 1985.
Durante los créditos finales aparece la cantante del restaurante cantando una clásica canción china.
Fue la primera película en incluir la pistola Desert Eagle.
El policía que dio nombre al personaje de Stanley White participó en la película como "Consultante técnico policial".

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Tuesday, July 01, 2014

Hook, el Capitán Garfio

"Vivir, vivir será una fantástica aventura."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Peter Banning, un abogado más preocupado por su trabajo que en sus propios hijos, tendrá que acudir al rescate de éstos, cuando sean secuestrados por el famoso Capitán Garfio. Con la ayuda de Campanilla viajará a Nunca Jamás, donde para poder rescatar a sus hijos tendrá que recordar, que en su pasado fue, ni más ni menos, que Peter Pan.

DE PETER PAN A HOOK
Que Steven Spielberg dirigiría una película sobre Peter Pan estaba escrito, su vida había estado ligada al personaje de J.M. Barrie desde que su madre le leyera "Peter y Wendy" siendo un niño (momento que retomaría para una escena de E.T., el extraterrestre), incluso él mismo declaró padecer el síndrome de Peter Pan y su cine siempre ha estado muy ligado a la infancia. De modo que el director que se negaba a crecer era el más apropiado para llevar al cine la historia del niño que se negaba a crecer. Así fue como Hook, el Capitán Garfio (Hook, 1991) cobró vida.
El primer intento del director de llevar el proyecto a cabo data de comienzos de la década de los 80, cuando  bajo el amparo de Walt Disney Pictures, comenzó a desarrollar la película sobre Peter Pan, que se basaría en lo narrado en el film homónimo, que la Disney había estrenado en 1953.
En 1983, Spielberg consideró convertir la película en un musical con Michael Jackson como protagonista, cuando el rey del pop demostró interés por intervenir como actor en el film y colaborar además en la banda sonora. Pero al final Spielberg se decantó por rodar Indiana Jones y el templo maldito (1984) y dejó aparcado temporalmente su proyecto sobre Peter Pan.
En 1985, y tras rodar la segunda aventura del Dr. Jones, Spielberg tuvo vía libre para ponerse manos a la obra con el film sobre del eterno niño. El proyecto pasó a la productora Paramount Pictures. La película entró en preproducción para comenzar su rodaje en Inglaterra. Se contrató a Elliot Scott (Dentro del laberinto, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?) como diseñador de producción. El compositor John Williams y el letrista Leslie Bricusse habían escrito hasta 10 canciones para la película. Pero tras el nacimiento de su primer hijo en 1985, Spielberg decidió abandonar la película. Como su Peter Banning, Spielberg prefirió ser padre, que estar rodeado de niños perdidos en Nunca Jamás.
El guionista James V. Hart (Drácula de Bram Stoker, Contact) trabajó por su cuenta en su propio guión sobre Peter Pan, al cual ayudó de forma involuntaria su hijo Jake. Cuando éste tenía 3 años le enseñó un dibujo en el que el Capitán Garfio sobrevivía después de ser tragado por el cocodrilo, lo que le dio a Hart el punto de partida para su guión, en el que Garfío habría matado al cocodrilo y siguiría vivo desde entonces. El guión tenía el título de "The return of Captain Hook" y el personaje de Peter Pan todavía era un niño. En 1986, mientras Hart jugaba con su familia al juego de "¿Y si?" su hijo Jake (que tenía 6 años) formuló la pregunta "¿Y si Peter Pan hubiera crecido?", lo que le dio al guionista la idea que necesitaba para completar su guión, Hart se imaginó a un Peter adulto en un mundo de piratas que trabajan en Wall Street.
Este guión pasó por los estudios de Hollywood sin conseguir ver luz verde, hasta que en 1989 la productora TriStar Pictures se decidió a realizar el proyecto (con el título definitivo de Hook), poniendo a Nick Castle (Starfighter: La aventura comienza) en la silla de director. Hart y Castle trabajaron juntos en el guión y se lo presentaron a la productora en abril de 1990, sus ejecutivos se dieron cuenta entonces de que tenían entre manos una película enorme con un gran potencial comercial. Esto provocó que la productora buscase un director más apropiado para una producción de estas características, Hart lo explicó de la siguiente forma "Estaba claro que la producción iba a ser enormemente costosa de producir y eso requería de un cierto tipo de cineasta y reparto. El estudio decididó que para hacerlo como debía hacerse, era necesario alguien como Steven Spielberg. Dustin Hoffman y Robin Williams ya se habían unido al proyecto. Todo el mundo sabía que iba ser caro. Steven fue una elección lógica."
El Presidente de TriStar en aquel momento era Mike Medavoy, antiguo agente de Spielberg. Medavoy vio que el proyecto era perfecto para Spielberg y despidió a Castle (a cambio de un cheque de 500.000 dólares). Según recordaba el director al leer el guión de Hart pensó "Esto no es exactamente lo que quería hacer, pero es una gran idea para una película". Spielberg se metió de lleno en la producción, para ello trabajó con Hart en la reescritura del guión, pero después contrató a Malia Scotch Marmo (cuya principal aportación fueron los diálogos de Garfio). Además Carrie Fisher también puso su grano de arena (no acreditado) trabajando en los diálogos de Campanilla. Al final Hart y Scotch fueron acreditados como firmantes del guión y Hart y Castle como autores de la historia.
Unas informaciones dicen que cuando Spielberg entró en el proyecto Robin Williams ya estaba ligado a la producción (como la declaración anterior de Hart a la revista Starlog) y otras señalan lo contrario, que el papel estaba libre y se le ofreció primero a Michael Jackson y después pasó por Kevin Kline, antes de llegar a Williams. Spielberg declaró a la revista Entertainment Weekly que contactó con Michael Jackson para ofrecerle el papel de Peter Banning, pero el nuevo enfoque del personaje no fue compartido por el cantante, tal y como recordaba el director "Michael siempre había querido interpretar a Peter Pan, pero llamé a Michael y le dijé, 'esto es sobre un abogado que tiene que traer de vuelta a sus hijos para salvarlos y descrubre que una vez fue, cuando era joven, Peter Pan.' Michael comprendió en ese punto que no era el mismo Peter Pan que él quería hacer". En el caso de Kline, al parecer llegó a aceptar el papel, pero finalmente tuvo que rechazarlo por los retrasos en el rodaje de Escándalo en el plató (1991).

PROBLEMAS EN NUNCA JAMÁS
El rodaje se inició el 19 de febrero de 1991 en los Sony Pictures Studios (Culver City, California) y fue uno de los más conflictivos de la carrera de Spielberg. El presupuesto inicial de 48 millones de dólares que se incrementó finalmente hasta los 70 (lo que la convirtió en la segunda película más cara de la historia, empatada con La jungla 2: Alerta roja y ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y sólo superada por Terminator 2: el juicio final). Dicho incremento fue producido por los continuos retrasos durante el rodaje, de los 76 días previstos, el rodaje se extendió hasta los 116. El propio director reconoció los problemas durante el rodaje "Por alguna razón esta película fue como un dinosaurio saliendo por la puerta. Me arrastró detrás de él... Cada día me encontraba en el set y pensaba «¿Está volando fuera de control?»" Y tal y como añadió "Fue mi culpa. Comencé a trabajar a un ritmo más lento del habitual."
La principal causa de los retrasos fueron producidas por tener que trabajar con un gran número de actores infantiles "Nunca había trabajado con tantos niños... y nunca volveré a hacerlo", declaró Spielberg. "Soy realmente bueno con los niños de uno en uno y por supuesto adoro a mis propios hijos. Pero cuando ellos están todos juntos en un set, es como si fueras un profesor. Eres el director y te conviertes en una fea figura autoritaria. Temía convertirme en el capitán Garfio para algunos de estos chicos. Lo tenía. Teníamos que hacer una película y la mayoría de los niños no eran actores. No eran más que niños de la calle." 
Julia Roberts tampoco ayudó. Fueron famosas las diferencias entre Spielberg y la actriz. La protagonista de Erin Brockovich tenía reciente su ruptura con Kiefer Sutherland, a quien había dejado unos días antes de su boda, para escaparse a Irlanda con el también actor Jason Patric, mejor amigo de Kiefer. Eran frecuentes los retrasos de Julia en el rodaje, en una ocasión tras hacer esperar a todo el equipo la actriz se presentó diciendo "Ya estoy lista." A lo que Spielberg le replicó "Estamos listos cuando yo digo que estamos listos, Julia." Para complicar más las cosas, durante el rodaje la actriz tuvo que ser ingresada en el Hospital Cedars-Sinai por causa de una severa fiebre, lo que la separó de la producción durante una semana. El director llegó a declarar al programa "60 minutos" que nunca volvería a trabajar con ella. Aun así el director defendió su trabajo como actriz "Su mayor problema fue la sincronización. Su vida personal se vino abajo, y ella se presentó a trabajar en el mismo fin de semana. Fue un mal momento para ella, y bajo esas condiciones emocionales altamente cargadas, fue una profesional." Además la actriz no lo tuvo fácil, ser Campnilla implicó estar durante horas colgada de cables frente a una pantalla azul. Ya que no podía interactuar con el resto de sus compañeros de reparto, para ayudarla, Hoffman y Williams leían sus frases con ella fuera de cámara.
Eso sí, Hoffman y Williams se llevaron a las mil maravillas y eso que inicialmente el protagonista de Good morning, Vietnam estaba nervioso por tener a su lado a un grande de la interpretación como Hoffman, pero pronto se hicieron amigos y en el trailer de maquillaje no paraban de bromear entre ellos.
Ejemplos de esa camadería se reflejaron cuando filmando una escena Hoffman dijo "He perdido mi motivación. Hagámoslo otra vez." Y entonces Williams le replicó un sarcástico "Cuando todo lo demás falla, trata de actuar." Una referencia a la famosa frase que Laurence Olivier le dijera a Hoffman durante el rodaje de Marathon man (1976), por ser éste un actor del método. Hoffman no le dijo nada a Williams, pero parece que el actor trató de devolvérsela a la hora de rodar otra escena, cuando Williams dijo mal sus frases. Entonces Hoffman miró a cámara y dijo "¿Qué puedes esperar de Mork?" (el famoso personaje televisivo al que Williams dio vida durante años). Williams repitó la toma y la hizo a la perfección, entonces miró a cámara y dijo "Ishtar esta noche en televisión."
Spielberg contrató al diseñador John Napier como consultante visual. Napier era famoso por crear los decorados de musicales tan populares como Cats, Los Miserables o Miss Saigón. Y también los de la versión teatral de Peter Pan de la Royal Shakespeare Company de 1982. Napier ayudó a Norman Garwood (Brazil) en la creación de los espectaculares decorados de la película. Los sets de Nunca Jamás costaron 8 millones de dólares. Dante Basco, que interpreta a Rufio en la película, comentaba al respecto "Cada día era como ir a trabajar a Disneyland." Los decorados recibieron la visita de celebridades como Demi Moore, Tom Cruise, Michelle Pfeiffer, Mel Gibson, Prince, Warren Beatty o Annette Bening (estos dos últimos filmaban Bugsy en los mismos estudios) atraídos por la popularidad de los mismos.

EL BOTÍN DE HOOK
La película  se estrenó el 8 de diciembre de 1991 y fue un gran éxito comercial, recaudando 119.654.823 de dólares sólo es los EE.UU. y alcanzando una recaudación mundial de 300.854.823 de dólares. Situándose como la cuarta película más taquillera de 1991.
Aparte de sus respectivos sueldos, entre Spielberg, Hoffman y Williams se repartieron el 40% de los recaudado por la película, incluyendo salas cinematográficas, alquileres de video, televisión y el merchandising de la película. Vistas las cifras, salva decir que la película fue un negocio redondo para los tres.
La película fue nominada a 5 Oscars en las categorías de mejor dirección artística (Norman Garwood y Garrett Lewis), mejor diseño de vestuario (Anthony Powell), mejores efectos visuales (Eric Brevig, Harley Jessup, Mark Sullivan y Michael Lantieri), mejor maquillaje (Christina Smith, Monty Westmore y Greg Cannom) y mejor canción original ("When you're alone" de John Williams y Leslie Bricusse), pero no ganó ningún premio.

VALORACIÓN
Hook es una película fallida dentro de la carrera de Spielberg, lejos de otros títulos como El mundo perdido, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal ó 1941, pero aun así resulta hasta cierto punto decepcionante, por partir de un material tan prometedor y apropiado para su director y como éste no logra llevarlo tan lejos como cabría esperar. Aunque eso no quiere decir que sea un film a olvidar, ni mucho menos.
El principal problema de la película es su tono excesivamente infantil, que termina siendo un lastre para ella, la película confunde cine infantil con infantiloide. Y el estilo de la película tampoco es el adecuado, siempre he creído que su timming se asemeja al de un musical, podría decirse que Hook es un musical sin canciones, tiene el mismo aire de fantasía que envuelve a las películas de ese género, pero es como si los actores no se arrancaran a cantar y bailar. De hecho, es posible que la película hubiera funcionado mejor como un musical.
En perspectiva el director no está demasiado satisfecho con la película, tal y como declararía "Hay partes de Hook que me gustan. Estoy muy orgulloso de mi trabajo hasta que Peter es llevado en un paracaídas por la ventana en dirección a Nunca Jamás. Estoy un poco menos orgulloso de las secuencias en Nunca Jamás porque me siento incómodo con todo ese mundo altamente estilizado, que hoy día, por supuesto, probablemente lo habría hecho con personajes reales en un set digital."
Spielberg dio en el blanco, lo mejor de la película es lo que acontece antes del viaje a Nunca Jamás, la atmósfera, el cuidado en la puesta en escena no es el mismo desde el momento en que Peter pone el pie en Nunca Jamás, a partir de ahí es donde la película comienza a perder puntos y donde hace acto de presencia ese tono demasiado infantil que acompañará al relato hasta el final.
Aun así la película tiene momentos fantásticos, que Spielberg rueda con su buen ojo de siempre. El flashback sobre la infancia de Peter. La cena con los niños perdidos, en la que el protagonista usa la imaginación por primera vez. El momento en el que el niño perdido reconoce a Peter Pan en Banning tras escrutarlo a conciencia (donde John Williams brilla con luz propia). El momento en que Peter marca con su espada una línea en el suelo y todos los niños perdidos la cruzan (otro gran momento de Williams). Y guarda además apuntes interesantes. Cuando Banning llega a Nunca Jamás lo hace disfrazado de pirata, él mismo se ha convertido en uno, como bien le dice Wendy en un momento de la película. Otro detalle genial es cuando Peter pierde el dedal cuando va a besar a Moira, perdiendo al mismo tiempo su niñez, la fantasía y la inocencia. Le añade un punto de interés a la historia que tanto Wendy como Campanilla sientan algo por Peter, lo que le da fuerza al momento en que besa a Moira por primera vez en presencia de las dos. Los intentos suicidas de Garfio, que rozan el humor negro, ayudan a componer la extraña personalidad del pirata. Sin olvidar la sensacional idea de que alguien descubra que en su pasado fue el mítico Peter Pan.
Pero por otro lado guarda algunas incongruencias. Peter decide hacerse mayor porque desea tener hijos, pero luego resulta que los desatiende constantemente. ¿Por qué Peter no recuerda nada de su pasado en Nunca Jamás? En ningún momento se explica porqué carece de esos recuerdos, cuando abandonó Nunca Jamás tenía 12 años y no debería haberlo olvidado (sí se dice que al estar en Nunca Jamás uno puede olvidar su vida fuera de allí, pero no se explica que sucede en el caso contrario). Si Peter Pan no puede crecer ¿por qué cuando nos muestran los flashbacks de su pasado vemos como va creciendo? ¿Cómo es posible que el pensamiento feliz de Peter sean sus hijos y a la siguiente escena de convertirse en Pan ya no les recuerde?
Spielberg siempre fue un niño perdido que se negaba a crecer, en sus primeros viajes a Nunca Jamás los niños podían volar en sus bicicletas sin necesitar polvo de hadas, aguerridos capitanes de barco se enfrentaban a criaturas del mar (tiburones en lugar de cocodrilos), las sombras también tenían vida propia y servían para reconocer a intrépidos aventureros con sombrero y látigo. Pero cuando Spielberg se adentró en Nunca Jamás en 1991 ya era mayor y ya no había lugar para más besos con forma de dedal o para malvados piratas con garfio en lugar de mano. Spielberg ya no era un niño, ni lo volvería a ser más. Spielberg ya no creía en las hadas.
Y es que tras Hook, Spielberg se sumergiría en un cine más adulto, llegarían títulos (lejos de la visión del mundo infantil) como La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan, Munich o Lincoln. Hook marcó el cambio en el cine de Spielberg, atrás quedaba la infancia. Ese niño que se negaba a crecer, creció y su cine lo hizo con él.
El film, como en otras tantas ocasiones en la obra de su director, habla sobre la figura paterna (una ausente o parcialmente ausente como en este caso). Peter Banning es un hombre más preocupado en su trabajo que en sus propios hijos, a quien la aventura que vivirá le hará aprender la valiosa lección de valorar su posición como padre. El pensamiento feliz de Peter terminará siendo sus hijos, es el recordar la razón de su existencia lo que le hace ser Peter Pan de nuevo, es decir, lo que le devuelve la felicidad. En definitiva, la película habla sobre lo que significa ser padre, como bien lo refleja el momento en que Moira le dice a Peter que debe prestar más atención a sus hijos porque sólo hay unos pocos años especiales en que los niños desean estar con sus padres, antes de hacerse mayores. Todo un conocimiento de causa sobre la paternidad.
La película nos habla también sobre ser eternamente joven (de espíritu) y transmite fantásticamente bien ese sentimiento ligado a la niñez, el cual olvidamos al crecer y que la película por un breve instante de tiempo nos hace recordarlo.
Hook es un film mejor de lo que generalmente se opina sobre él, no es un film excelente, pero tampoco uno a menospreciar. Es simplemente una obra menor de un gran director. Parece que ni todas las palmas del mundo podrán hacer revivir a la película de la opinión negativa que hay sobre ella, pero si uno la ve de nuevo, se encontrará una más que correcta película infantil, con algunos momentos para el recuerdo y es posible que uno termine con una sonrisa en la cara y con ganas de gritar "bangarang". Es el efecto que la película causó en mí la primera vez que la vi siendo un crío y cada viaje a esta segunda estrella a la derecha, me ha entretenido, me ha emocionado y me ha divertido, ha sido una gran aventura, lo cual no está nada mal para una película.

Curiosidades:
Maggie Smith quien interpreta a una mujer de 80 años, sólo tenía 57 cuando hizo la película.
Rebecca De Mornay y Samantha Mathis fueron consideradas para el papel de Campanilla.
Joseph Mazzello (Parque jurásico) fue considerado para el papel de Jack.
Después de que los hijos de Peter sean secuestrados, éste habla con un inspector de policía, que no es otro que Phil Collins. Éste es el primero de los muchos cameos de la película. Glenn Close realiza el más sorprendente, es el pirata que es encerrado en un cofre con escorpiones. George Lucas y Carrie Fisher son la pareja que se besa en un puente y comienza a volar por causa del polvo de hadas de Campanilla. Puede verse brevemente a Gwyneth Paltrow como Wendy cuando es una adolescente (ésta fue su segunda película). Jimmy Buffett es uno de los piratas que intentan robar los zapatos a Peter cuando éste llega a Nunca Jamás. El también cantante, David Crosby realiza otro cameo como el pirata Tickles.
Dustin Hoffman ha trabajado en dos películas sobre Peter Pan, Hook, el Capitán Garfio (1991) y Descubriendo nunca jamás (2004).La palabra "bangarang" pertenece al lenguaje jamaicano y significa alboroto o desorden.
Steven Spielberg quería a Richard Attenborough para interpretar a Tootles, pero el actor declinó la oferta porque estaba trabajando en la película Chaplin (1992), de la que era su director.
Julia Roberts tenía un ayudante cuyo trabajo era limpiarle los pies, ya que Campinilla se pasa la mayor parte de la película volando y no sería muy normal que tuviera los pies sucios.
Los nombres de los niños perdidos originales aparecen en el puerta de la casa de Wendy.
Originalmente iba a ser la película que inaugurase el sistema de sonido SDDS (Sony Dynamic Digital Sound), pero su desarrollo se retrasó y El último gran héroe fue finalmente la primera película en usarlo en cines.
En la versión original, cuando Peter y su familia vuelan a Londres, el piloto del avión dice "This is your captain speaking...", es Dustin Hoffman quien pone voz al piloto.
Los tres hijos de Dustin Hoffman tienen pequeños papeles en la película. Max interpreta a Peter Pan con 5 años (cuando éste observa desde una ventana como sus padres han seguido adelante tras su desaparición). Rebecca interpreta a Jane en la obra de teatro al comienzo de la película. Y Jake es uno de los niños que juegan al béisbol en la liga con Jack. El hijo mayor de Robin Williams también tenía un papel en la película, pero su participación se quedó en la sala de montaje.
Bob Hoskins compró cerveza para más de 300 extras después de rodar una larga y complicada escena.
Cuando Wendy se marcha de la habitación de los niños recita la plegaria "Queridas lamparillas proteged a ms niños dormidos, lucid claras y firmes esta noche", la cual pertenece a la obra "Peter y Wendy".
El disfraz de Capitán Garfio pesaba tanto y daba tanto calor bajo los focos a Dustin Hoffman, que se tuvo que poner debajo del disfraz una chaqueta de aire condicionado similar al que usan los astronautas.
En un momento de la película Peter Banning dice "¿Pregúntale si alguien hecha de menos al Tyrannosaurus Rex?". La siguiente película de Spielberg fue Parque Jurásico, donde el T-Rex campaba a sus anchas.
El propio J.M. Barrie consideró escribir una historia en la que Peter Pan crecía.
El garfio del Capitán Garfio fue diseñado por Spielberg, Norman Garwood (diseñador de producción) y Mark Wade (atrecista de la Amblin). El herrero Tony Swatton fue el encargado de fabricar físicamente varias versiones. También se fabricaron garfios de goma para las escenas de lucha de Dustin Hoffman.
Para rodar la película Robin Williams tuvo que afeitarse toda la parte superior del cuerpo.
Bob Hoskins volvería a intepretar a Smee en la mini serie Neverland (2011).
De las diez canciones compuestas por John Williams y Leslie Bricusse en 1985, cuando el proyecto estaba ideado como un musical, sólo una fue incluida en la película, se trata de "When you're alone". Eso sí, otros temas fueron usados como música incidental.
Para el rodaje se ocuparon 9 estudios de sonido de los Sony Pictures Studios.
Spielberg le dio por error a Julia Roberts el oso de peluche que tenía que aparecer en la cabaña de los niños perdidos, cuando la actriz fue ingresada en el hospital. El director se dio cuenta de su error la noche anterior a rodar una escena en la cabaña. Al final todo se solucinó cuando el departamento de utilería creo un nuevo oso de peluche parecido al anterior en cuestión de horas. 

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