Saturday, September 01, 2018

Depredador 2

"Bienvenido a la guerra."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En 1997, en la ciudad de Los Angeles, alguien está asesinando a los criminales más peligrosos. Un grupo de policías trata de descubrir al culpable, el cual resulta ser un extraterrestre en plena temporada de caza.

LA CAZA CONTINÚA
Tras el éxito de Depredador (1987) estaba claro que pronto llegaría su secuela. El primer paso para la realización de Depredador 2 (Predator 2, 1990) fue la contratación de Jim y John Thomas, artífices del guión de la película original. Los hermanos presentaron a la Fox varias ideas para continuar la saga. "Una era una fantasía que siempre tuve sobre poner a la criatura en una selva urbana," declaraba Jim Thomas. "Y resultó que esa fue la idea que gustó a la Fox." Para poder traer de vuelta a Arnold Schwarzenegger, protagonista de la primera parte, el plan de los guionistas era arrancar la historia justo donde terminaba aquella. Tras la explosión del Depredador en la selva, aparecería un nuevo Depredador que encontraría los restos del primero, incluido el ordenador de su brazo, gracias al cual descubría todo lo ocurrido en la primera parte y fijaría a Dutch como su objetivo. En la secuela Dutch sería el líder de un equipo federal que se encargaría de las apariciones de los Depredadores por todo el mundo.
La idea original era situar al Depredador en Nueva York, viviendo en Central Park, pero durante el proceso de producción se cambió al Downtown de Los Angeles, un hábitat más apropiado para un ser que busca lugares cálidos.
Gracias a su excelente trabajo en Depredador (1987) le ofrecieron a John McTiernan dirigir la segunda parte, pero el director ya se había comprometido a realizar La caza del Octubre Rojo (1990) y dejó la silla de director vacante. Aunque según Schwarzenegger, tras el bombazo que supuso Jungla de cristal (1988), el salario del director subió hasta los dos millones y los ejecutivos del estudio querían mantener el mismo presupuesto de la primera parte, lo que descartaba a McTiernan.
Mientras Stephen Hopkins rodaba Pesadilla en Elm Street 5 (1989), recibió una llamada de Joel Silver, productor de Depredador, quien le confesó que le había gustado Juego peligroso (1987), su ópera prima como director, y pensó que era el hombre adecuado para hacerse cargo de Depredador 2. Hopkins se reunió con Michael Levy, presidente de Silver Pictures, quien le ofreció oficialmente rodar la secuela y aunque el director estaba dudando entre dirigir Agente juvenil (1991) o Decisión crítica (1996), se decantó por Depredador 2. Hopkins comenzó la pre-producción de la película en agosto de 1989. Y cuando se unió al proyecto el guión aún no había sido escrito, por lo que pudo aportar sus propias ideas al proyecto desde el comienzo. "Añadí el tiroteo inicial en la calle y la escena del metro," admitía el director. También fue idea suya introducir la calavera de un Alien entre los trofeos del Depredador, "principalmente porque Stan Winston estaba repitiendo las tareas de maquillaje y Fox era la propietaria de ambas películas". Y una de las primeras decisiones que tomaron el director, guionistas y productores es que este Depredador sería nuevo y más joven que el visto en la primera parte (al cual se le conoce también como el City Hunter).
Tras unas primeras reuniones entre los guionistas, Hopkins y Silver, el primer borrador estuvo listo en tres semanas. Ahora tocaba juntar al reparto.
Silver quería que Schwarzenegger repitiese como Dutch en la secuela y Hopkins llegó a reunirse varias veces con el actor. El primer problema para conseguir su participación era el conflicto de calendarios con el rodaje de Poli de guardearia (1990) y el segundo la disputa por el sueldo del actor. Schwarzenegger confesaría años después que el mayor problema era que no creía en el proyecto. El austriaco le dijo a Silver que, "la película sería un fracaso. No sólo el director no era el indicado, sino que el guión era malo. La historia de desarrolla en Los Angeles y le dije: 'Nadie quiere ver a los depredadores corriendo por el centro de Los Angeles. Ya tenemos bastantes depredadores. Las guerra entre pandillas matan personas continuamente. No necesitas extraterrestres para hacer que la ciudad parezca peligrosa'. Me dije que si no pagaban para contratar a un buen director y para tener un buen guión no lograrían contratarme a mí." Algo que Silver no aceptó y Schwarzenegger no quiso hacer la película.
Esa decisión cambio el rumbo de la producción, y el guión tuvo que ser reescrito. La película encontró una fuente de inspiración en el mundo del cómic. Y es que Depredador conoció una exitosa carrera en el noveno arte, tras el estreno de la primera parte. El primer cómic del personaje se publicó en junio de 1989 y fue poco después de salir a la luz el primer número de la serie "Predator: Concrete Jungle", obra de Mark Verheiden (guión) y Chris Warner y Ron Randall (dibujos), cuando Silver se puso en contacto con Verheiden, ya que le había gustado el cómic y quería utilizar la historia para la segunda parte. Se tomaron para Depredador 2 conceptos del cómic como situar la historia en un futuro cercano, en una ciudad que sufre una ola de calor y llena de violencia (Nueva York en lugar de Los Angeles), la inclusión de varios Depredadores, el ataque en el metro, que los protagonistas son policías, la aparición de la nave de los Depredadores en la ciudad, y el ataque de un Depredador a las bandas de la ciudad, que a su vez se enfrenan entre ellas. Chris Warner confirmaba la influencia del cómic en la película, "cuando Dark Horse creó la primera serie de comics de Depredador, los planes para una secuela de Depredador se habían estancado, desde que Arnold Schwarzenegger había rechazado estar en ella. La serie mostraba como se podían utilizar otros personajes principales. Probablemente sea la primera vez que una serie de comics realmente tuvo un efecto en la franquicia cinematográfica que la inspiró."
Con la salida de Schwarzenegger, se creo un nuevo protagonista y éste sería un policía, el Teniente Mike Harrigan. Y para darle vida, la primera elección de los productores fue Steven Seagal, algo a lo que Hopkins se opuso. También se consideró a Patrick Swayze para el papel, pero no pudo aceptarlo debido a una lesión en la rodilla durante el rodaje de De profesión: Duro (1989). Por su parte, la lista del director la encabezaba Danny Golver, en alza por aquel entonces gracias a las dos primeras entregas de Arma letal. "Con su 1,93 metros de estatura y sus 100 kilos de sólido músculo, pensé que la gente creería que alguien de su tamaño podría luchar contra un adversario alienígena, y ganar," declaraba el director. Para interpretar a Harrigan, el actor perdió 10 kilos, se sometió a un duro entrenamiento y entre otras actividades, corría todas las mañanas 15 kilómetros. "Me convertí en un auténtica máquina de guerra," admitía Glover.
Con los cambios en el guión, el personaje de Dutch se reconvirtió en el agente de la CIA Keyes. La primera elección de Stephen Hopkins para el papel fue John Lithgow, pero Silver prefirió a Gary Busey y el actor fue contratado. Aunque Hopkins no veía a Busey en el papel, más tarde reconoció que el actor hizo un buen trabajo y se convirtieron en amigos.
El director escogió a Bill Paxton para el papel del policía Jerry Lambert, "porque es un gran fan de Aliens," reconocía el actor.
El papel de la policía Leona Cantrell fue a parar a Maria Conchita Alonso. La actriz fue una elección de Silver, ya que quería tener un reparto étnico, al rodar en Los Angeles, una ciudad con una gran población hispana.
Kevin Peter Hall repitió dando vida al Depredador, el rodaje de la primera parte fue tan duro que el actor reconoció que, "cuando oí por primera vez que estaban planeando una secuela pensé, 'Oh no'. Pero entonces me enviaron el guión y era una historia genial que me enganchó." Para meterse en el papel, Hall estudió danzas tribales africanas, con idea también darle una personalidad al alien.
Kevin McCord (famoso por interpretar a un policía en la serie Área 12) se hizo con el papel del Capitán B. Pilgrim, gracias a su hija, quien trabajaba para Michael Levy. Como estaban teniendo problemas para encontrar a un actor para el papel, su hija dio su nombre y todos quedaron encantados con su propuesta, siendo el actor contratado.
Elpidia Carrillo, que interpretó a Anna en Depredador, fue contratada para repetir el mismo papel en una escena donde narraba los acontecimientos ocurridos en la primera parte, pero finalmente su escena fue cortada del montaje final. Se la puede ver brevemente en una de las pantallas del cuartel general de Keyes.
Y en otros papeles podemos encontrar a Rubén Blades (como el detective Danny Archuleta), Robert Davi (en el papel del subcomisario Phil Heinemann), Adam Baldwin (en la piel del agente de la CIA Garber), Morton Downey Jr. (como el reportero Tony Pope) y Calvin Lockhart (interpretando a King Willie, líder de la banda jamaicana).

RODAJE
Con un presupuesto de 35 millones de dólares, el rodaje se inició el 20 de febrero de 1990 y finalizó el 8 de junio del mismo año. La película se rodó en diferentes localizaciones de Los Angeles y las escenas de interior se rodaron en los "20th Century Fox Studios".
Para dar vida al Los Angeles futurista de la película, Hopkins quería que la ciudad fuera, "calurosa, polvorienta, carente de glamour y con colores apagados." Para ello Peter Levy (RicochetBroken arrow), el director de fotografía, utilizó filtros amarillos y marrones, y sobreexpuso la película un poco.
Y la auténtica ciudad de Los Angeles resultó no distar mucho de la infernal mostrada en la película. Por ejemplo, el equipo tuvo problemas de todo tipo para rodar la escena del callejón, el cual se encontraba en un vecindario de lo más peligroso. Los residentes enfadados por los ruidos de la producción lanzaron al equipo botellas llenas de orina y bolsas de papel con heces desde las ventanas. Además el callejón estaba lleno de ratas enormes y basura (que utilizaron para la película), y encontraron entre los desperdicios un cadáver oculto.
Hopkins tuvo que enfrentarse a los contratiempos prácticamente sólo, sin la ayuda de Joel Silver, ya que los problemas del incremento presupuestario de La jungla 2: Alerta roja (1990) provocaron conflictos entre Silver y la Fox, por lo que el productor apenas estuvo presente durante el rodaje de la película. "No supervisó Depredador 2 tanto como me hubiera gustado. Apenas nos vimos en verdad," confesaba Hopkins.
Uno de los puntos fuertes de la película son sus escenas de acción, pero con la perspectiva del tiempo, Hopkins se arrepintió de haberlas incluido todas. "Debería haber cortado la mayoría de la acción," declaraba Hopkins. "Lo que no vi en aquel momento fue lo importante que eran las escenas en las que el equipo de Glover se da cuenta exactamente de lo que está sucediendo, que son las presas, no los cazadores. Sin esos momentos, grandes agujeros aparecieron en la trama y realmente me fastidia en retrospectiva."
Las secuencias de riesgo más peligrosas del Depredador las realizaron especialistas, y no Kevin Peter Hall. La única escena de riesgo que realmente hizo el actor fue aquella en la que el alien se queda colgando de un edificio, ya que ningún extra podría dar el pego por Hall, dadas las grandes dimensiones del actor.
La escena del matadero requirió de cuatro días para filmarse y fue extremadamente difícil según Hopkins debido a la cantidad de agua usada y a la luz. Además fueron necesarios respiradores por causa de los desechos y productos químicos con los que se llenó el set.
Tampoco fue fácil rodar el tiroteo inicial de la película en las calles de Los Angeles, se requirió de tres días para rodar todos los exteriores. Los interiores se filmaron en los "20th Century Fox Studios".
El director realizó storyboards de toda la película (sobre 400), dada la complejidad de los efectos visuales. Estos ocuparon gran parte del rodaje. "Terminamos rodando durante 90 días, 30 de los cuales fueron puramente dedicados a los efectos," declaraba Hopkins. Lo que da una dimensión de los mismos.
Stan Winston volvió a ser el responsable de los efectos especiales y es que no quería dejar en manos de otro su creación. "Estaba muy orgulloso del diseño original del Depredador," declaraba Winston. En esta ocasión pudieron, "añadir unos pocos trucos que no tuvimos tiempo para hacer en la primera película." Y es que para diferenciar a este Depredador del de la primera parte, Stan Winston, Stephen Hopkins y Lawrence G. Paull, le dieron todo tipo de armas y gadgets, como la lanza retráctil, el disco volador o la red.
Para dar vida al Depredador, se crearon dos trajes de cuerpo entero que vistió Hall, uno con una cabeza articulada y otro con una estática. Además se construyó una cabeza animatrónica para los primeros planos (principalmente en los que habla el alien), que era capaz de un mayor número de expresiones que la que tenía el cuerpo.
Y conseguir el efecto de invisibilidad del Depredador no era tarea fácil. "Cada vez que el alien tenía que ser invisible significaba que teníamos que rodar cinco partes separadas de película en cinco situaciones diferentes," explicaba Hopkins.
En su primer montaje la película fue calificada "NC-17" por la MPAA (fue la primera película en conseguir dicha calificación, que acababa de ser instaurada). La película tuvo que ser reeditada más de veinte veces, principalmente cortando los planos de cuerpos mutilados y decapitaciones por parte del Depredador, para conseguir la calificación "R" deseada.
Depredador 2 se estrenó en tres diferentes versiones en los Estados Unidos. Esto fue debido a que estaba previsto que se estrenase a principios de 1991, pero la Fox decidió adelantar la fecha de estreno a noviembre del año anterior, y eso provocó que Hopkins no pudo editar a tiempo la película. El primer montaje que hizo, del cual se realizaron 500 copias, fue inmediatamente estrenado en salas de cine. El director siguió trabajando en la película y añadió varios efectos ópticos, de esa versión se hicieron otras 500 copias, que fueron a parar a los cines, y volvió a ocurrir una tercera vez. La Fox llegó a cerrar un laboratorio de procesamiento entero sólo para la película y así tenerla lista a tiempo. "Teniendo tiempo la habría editado de forma totalmente diferente en retrospectiva," admitía Hopkins.
La première de la película tuvo lugar en Westwood (California) el 19 de noviembre de 1990 y su estreno masivo en salas fue sólo 2 días después. La recaudación de la película en los Estados Unidos fue de 30.669.413 de dólares y en el resto del mundo hizo otros 26.450.905 de dólares más. Con una taquilla final de 57.120.318 de dólares se convirtió en uno de los fracasos del año. En parte, Hopkins creía que fue debido a una mala programación del estreno, muy cercano a las navidades. "Fox la estrenó en el momento equivocado," declaraba el director. "Era demasiado violentamente oscura para competir contra otras 30 películas navideñas." 

ESCENAS ELIMINADAS
Además de las dosis de violencia, se eliminaron varias escenas del montaje original. Son las siguientes:
1. Se omitió toda la subtrama del embarazo de Leona. Por ejemplo, en la escena del bar con Harrigan y sus hombres, aparecía el novio de Leona, pero se cortaron todos sus planos.
2. El momento en el que el Depredador escala el Edificio Eastern Columbia inicialmente iba antes en la película y la calavera que porta el alien era la de Archuleta, y no la de Jerry Lambert.
3. Se incluían más partes del programa "Hard Core" a lo largo de la película.
4. Se mostraba el entierro de Archuleta, con la presencia de varios policías. Pope aparece y se enfrenta a Harrigan por una entrevista, pero el capitán Pilgrim lo hecha del lugar. Después Harrigan golpea a propósito la furgoneta de Pope con su coche.
5. Una escena en la que el Depredador visita la tienda de taxidermia que Harrigan observa en un momento de la película. El alien en modo invisible mira diversos trofeos disecados.
6. Cuando Harrigan llegaba a la masacre del metro, Heinemann le pedía que le ayudara a lidiar con la prensa, quien está furiosa por la incapacidad de la policía por atrapar al asesino. Harrigan se niega y deja a Heinemann solo con la prensa.
7. La persecución de Harrigan en su coche al Depredador por la ciudad, originalmente era más larga con más metraje del alien saltando por los tejados y con el policía disparándole.

VALORACIÓN
Depredador 2 es una gran aventura urbana, un subgénero que se le da bien a Hopkins, como lo demuestran otras de sus producciones como Los jueces de la noche (1993) y Blown away: Volar por los aires (1994). Y es que la idea de un Depredador suelto en la selva urbana es muy atractiva.
La película muestra una versión deformada de un Los Angeles al borde del limite, reflejo de la situación que atravesaba la ciudad a principios de los 90, una bomba de relojería a punto de estallar. Y por eso es un acierto en colocar a un ser que mata a personas violentas y armadas en una ciudad plagada de gente así.
Hopkins se encuentra cómodo con las escenas de acción, y las dota de un gran sentido de la diversión, como la masacre a los jamaicanos tras el rito vudú (con el genial despliegue de gadgets del Depredador), la decapitación de King Willie en el callejón, la muerte de Keyes, el tiroteo inicial en las calles de Los Angeles o toda la batalla final entre Harrigan y el Depredador. Y el director tiene varios aciertos, como ese plano que abre la película y que nos muestra lo que parece una selva, para descubrir a continuación que estamos en la ciudad de Los Angeles (toda una jungla de asfalto). O ese otro de Glover mirando un escaparate con animales disecados que lo sitúan como una presa de caza más. Y le regala a los fans un par de momentos para el recuerdo, la aparición de varios Depredadores en el interior de la nave y el cameo de la cabeza del Alien.
Pero la película sale perdiendo cuando la comparamos con la excelente primera entrega. Uno de los principales problemas de Depredador 2 es que carece de un protagonista carismático, al contrario de lo que sucedía en la primera parte. Glover no le llega a la suela de los zapatos a Schwarzenegger, aunque el actor poco podía hacer con su tópico personaje.
Con la ausencia de Schwarzenegger, el Depredador se convirtió en el verdadero protagonista de la película y la verdad es que roba todas las escenas en las que aparece, siendo el principal interés de Depredador 2. Pero es un error convertirlo en una especie de héroe, un justiciero de la ciudad encargado de eliminar a todos los criminales. Aunque esa idea conlleva un cierto tono irreverente, realmente el Depredador es un asesino y no se le debería mostrar como lo que no es. Y eso es algo que no sucedía en la primera parte, donde era el villano. Aquí terminamos aplaudiendo cada una de sus apariciones y a veces por las razones erróneas. Y se refuerza al presentarlo como un ser con un código de honor. No mata a Leona por estar embarazada, ni tampoco al niño del cementerio porque que porta una pistola de juguete. Y cuando Harrigan mata al Depredador, los demás no acaban con él, le dejan escapar porque ha sido mejor guerrero que su compañero e incluso le regalan una pistola.
El guión carece de originalidad y repite paso por paso lo acontecido en la película dirigida por McTiernan, incluso el cara a cara final de media hora entre el protagonista y el alien. Es cierto que tratan de darle su propio estilo a la película, contando una historia totalmente nueva y cambiando el escenario (e incluso situándolo en el futuro para distanciarse todavía más de la primera parte), pero no es suficiente.
La película no tendría que perder el tiempo presentando al Depredador porque ya lo conocemos, pero sorprendentemente no se nos muestra hasta la mitad del metraje, algo que aunque crea tensión, realmente no es necesario.
Y se nota una cierta falta de garra en la puesta en escena de Hopkins, como lo evidencia esa escena en la que Garber no sabe como reaccionar ante la emboscada del Depredador a los hombres en el matadero, que recuerda a un momento similar de Aliens, donde Gorman tenía la misma reacción ante un ataque de los xenomorfos. Las comparaciones son odiosas y donde Cameron mantenía el suspense de una forma encomiable, Hopkins se limita a filmar con el piloto automático la escena sin darle personalidad alguna.
Además la película cae en muchos momentos en describir personajes y situaciones con brocha gorda, como la presentación de los pandilleros en el metro y el posterior momento con toda la gente desenfundando sus armas. Así como el insoportable Tony Pope en cada una de sus intervenciones.
Aún con todo eso, Depredador 2 es un film entretenidísimo, con un gran ritmo. Su media hora final es imparable, yendo de una escena de acción a otra, con un excelente enfrentamiento entre Harrigan y el Depredador, que es lo mejor de la película. Puede que no fuera la gran secuela que muchos esperábamos, pero sí es un film divertido y disfrutable a rabiar. Mostraba el sinfín de posibilidades que tenía la saga y abría la veda para nuevas aventuras del extraterrestre cazador.

CURIOSIDADES
La acción de la película tiene lugar en 1997, 10 años después de los acontecimientos de la primera parte.
Henry Kingi, quien interpreta a Scorpio, tenía un papel en Depredador (1987) como uno de los guerrilleros del campamento que asaltan Dutch y sus hombres.
Elpidia Carrillo y Kevin Peter Hall son los únicos actores de Depredador (1987) que repiten en la secuela.
A Stephen Hopkins le ofrecieron dirigir Alien³ (1992).
La escena del metro se rodó en los estudio de la Fox, salvo los planos de los metros moviéndose que fueron filmados en Oakland (California), con auténticos trenes en movimiento.
Los sonidos del Depredador consisten en sonidos de animales pre-grabados como gatos, tigres, leones, osos y otros animales.
La lanza del Depredador fue robada una vez terminó la producción.
Como contaba antes, originalmente la historia se situaba en Nueva York. La escena en la que el Depredador es alacanzado por un rayo estaba previsto que ocurriera en lo alto del Edificio Chrysler.
Las bandas jamaicanas de la película que practican vudú, se basan en auténticas bandas que existieron en New York y Kansas City a mediados de los 80.
Primera película que Gary Busey rodó tras el grave accidente de moto que sufrió.
Fue nominada a los premios Saturn en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor maquillaje (Stan Winston y Scott H. Eddo) y mejores efectos especiales (Stan Winston y Joel Hynek).
Hasta la fecha, Keyes es el único personaje de la saga que utiliza la palabra "depredador" para referirse al alien protagonista.
Mientras Rubén Blades daba una entrevista en directo en el programa Good Morning America, apareció de pronto Stephen Hopkins y le ordenó que volviera al trabajo alzando la voz, llegando a quitarle el auricular del oído. El incidente fue tan embarazoso que unos días después actor y director concedieron otra entrevista para disculpare.
La sangre verde fosforito del Depredador se consiguió mediante la mezcla del líquido de palitos luminosos y lubricante "KY jelly".
Gracias a esta película, Bill Paxton se convirtió en el primer actor atacado por un terminator [Terminator (1984)], un Alien [Aliens (1986)] y un Depredador [Depredador 2 (1990)]. Lance Henriksen fue el segundo, en Terminator (1984), Aliens (1986) y Alien vs. Predator (2004). Aunque contraria a la creencia popular, ninguno fue asesinado en los tres casos, por ejemplo, Paxton en Terminator sólo es empujado de forma violenta por el T-800 y Henriksen es herido gravemente por la reina alien en Aliens.
Los sensores y equipo que utiliza Keyes y sus hombres para monitorear el matadero eran principalmente equipos de producción de cine y televisión.
Para la escena del callejón en la que un Depredador invisible camina por el agua, se utilizó viento y ventiladores de agua para crear el efecto.
El líder de los jamaicanos King Willie practica el vudú, pero el vudú no se practica en Jamaica, sino en Haití.
En la pistola antigua que uno de los Depredadores da a Harrigan al final de la película, tiene grabada la inscripción "Raphael Adolini 1715". Esto corresponde a una idea de Jim y John Thomas para una secuela situando la historia en una época en la que no existieran las armas modernas para luchar contra los Depredadores. En el cómic posterior "Predator: 1718", se contaba la historia Adolini, un pirata que se enfrentó a un Depredador.
La canción "The Predator" de Ice Cube utiliza un sampling del diálogo de Danny Glover con los traficantes jamaicanos. Y la canción "The Final Solution: Slavery's Back in Effect" de Sister Souljah hace lo mismo con el diálogo de la primera escena de la película.
El águila metálica sobre la que el Depredador se coloca en un momento de la película, es una replica de las águilas del Edificio Chrysler de Nueva York. En la película el edificio utilizado es el Edificio Eastern Columbia, el cual carece de dichas gárgolas.
Cuando quedó claro que Schwarzenegger no regresaría para la segunda parte, Jim y John Thomas barajaron varias ideas sin el personaje de Dutch, una de ellas era situar al Depredador en medio de la "Batalla de las Ardenas" en plena segunda guerra mundial.
Jake Busey visitó a su padre Gary Busey durante el rodaje. Jake terminaría trabajando en The Predator (2018).

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Wednesday, August 01, 2018

Atmósfera cero

"¿Mi equipo? Mi equipo es una mierda."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En Io, una de las lunas de Júpiter, está situado un complejo minero en el que se comienzan a suceder extrañas muertes. El sheriff del lugar inicia una investigación, pero pronto se ve arrinconado por la compañía minera, que planea acabar con él.

IO
Antes de ser director, Peter Hyams trabajó para la cadena CBS realizando reportajes sobre las misiones espaciales Geminis y Apolo de la NASA. Gracias a esto, pudo ver las imágenes enviadas por el satélite Voyager de la luna Io de Júpiter, lo que sería el germen para una de sus películas más personales.
"Quería hacer un western. Todo el mundo dijo, 'No puedes hacer un western, los westerns están muertos, nadie hará un western'", admitía Hyams. "Recuerdo estar pensando lo raro que era que este género que había durado tanto, acabara de desaparecer. Pero entonces desperté y llegué a una conclusión, obviamente después que otra gente, que estaba realmente vivo y sano, pero en el espacio exterior. Quería hacer una película sobre la frontera. No sobre lo maravilloso o el glamour de ella, quería hacer algo sobre Dodge City y lo dura que era la vida."
De la suma de esos dos conceptos, Io y el western, construyó el guión de Atmósfera cero (Outland, 1981), que inicialmente conocía el título de "Io""Imaginándome el espacio como una frontera fue como tuve la primera idea para lo que luego sería Atmósfera cero," explicaba Hyams. "Cada vez que escribes un guión alrededor del concepto de frontera no tardan en venirte a la memoria diversos referentes históricos y cinematográficos. Desde mi punto de vista, los obreros que cavaron el canal de Suez son equivalentes a los pioneros que viajaron al far west en busca de oro, los que trabajan en las plataformas petrolíferas en medio del mar o los que se dedican a extraer mineral en Io. Para mí esa clase de personajes son los auténticos héroes."
Varios estudios quisieron hacerse con el proyecto, entre ellos The Ladd Company, con la cual Hyams llegó a un acuerdo para realizar la película, convirtiéndose Atmósfera cero en la segunda película de la productora. Una vez firmó el contrato, tuvo que llegar a reescribir el guión siete veces hasta dar con el definitivo. Otra cosa que tuvo que cambiar fue el título original de la película, que pasó de Io a Outland, ya que era confundido con 10 (en español 10, la mujer perfecta), popular comedia dirigida por Blake Edwards.
Sean Connery fue la primera elección de Hyams para interpretar al marshall William T. O'Niel y le ofreció el papel. El actor escocés dio el sí al proyecto porque, "me gustó le manera en la que [el guión] estaba escrito. [...] Me gusta bastante la idea de trabajar con un director que también ha escrito el guión."
Connery impuso una serie de condiciones para aceptar el papel; reescribir parte de sus diálogos, poder escoger a sus compañeros de reparto, rodar la película en Inglaterra y hacerlo dentro de un calendario muy concreto. El tener que rodar en Inglaterra se debía a que por aquel entonces el actor tenía problemas con la hacienda británica.
Para el papel de Lazarus, Hyams tenía en mente a Charles Durning, pero su hermana, la directora de casting Nessa Hyams, tras leer el guión le recomendó que contratará a Frances Sternhagen para el papel y el director le hizo caso.
Hyams quería a Peter Boyle para interpretar a Mark Sheppard, el villano del relato, y al igual que sucedió con Connery, el director consiguió ficharlo. Y el resto de miembros del reparto se completan con James Sikking (Sgt. Montone), Kika Markham (Carol O'Niel), Clarke Peters (Ballard), Steven Berkoff (Sagan) y John Ratzenberger (Tarlow).

RODAJE
Con un presupuesto de 16 millones de dólares, el rodaje tuvo lugar a mediados de 1980 y lo hizo en su totalidad en estudio, más concretamente en los Pinewood Studios de Inglaterra.
John Stears (La guerra de las galaxias) fue el supervisor de efectos especiales de la película y Roy Field (Superman) se encargó de los efectos especiales ópticos.
La película fue innovadora en el uso de nuevas técnicas de efectos visuales, utilizando para muchas de sus escenas el sistema IntroVision. De hecho, fue la primera película en utilizarlo, cosa que después harían otros films como Rambo III, El ejercito de las tinieblas o El fugitivo. IntroVision era un sistema de proyección frontal que permitía que un actor estuviera entre un fondo proyectado y elementos en primer plano, todo en el mismo plano. Y permitía crear el efecto en tiempo real, sin tener que esperar por la composición foto-química para comprobar si éste había resultado. Su creador, John Eppolito, fue el supervisor de este sistema para el película.
Para aquellas escenas que acontecen en el exterior de la Con-Am #27, se creo la ilusión que los actores se encontraban en enormes decorados filmándolos desde una distancia de 150 metros. Y en ciertos planos de O'Niel paseando en su traje espacial, se sustituyó a Sean Connery por un enano.
Para crear el complejo minero Con-Am se utilizó una maqueta en escala 1 a 200 (de unos 60 metros de largo), obra de Martin Bower, Bill Pearson y John Stears. Y para darle vida utilizaron aproximadamente 6,5 kilómetros de fibra óptica. La inspiración para el diseño industrial de la misma se debe, según Hyams a que, "las personas que construyeron el complejo minero no les preocupaba como lucía, sino por como funcionaba en proteger a la gente de un ambiente hostil."
Como director de fotografía Hyams contrato a Stephen Goldblatt (El secreto de la pirámide, Arma letal), pero durante el rodaje, sería el propio Hyams quien realizaría las funciones de cinematógrafo, ya que sólo contrató a Goldblatt para que no hiciera nada, y sirviera como chivo expiatorio para la productora, en caso que algo saliera mal con el proceso IntroVision. Esto enfureció a Goldblatt, quien no hubiera aceptado el trabajo de saber las verdaderas intenciones de Hyams. Pero como ésta era sólo su segunda película y de haberla abandonado podría arruinar su carrera, decidió seguir trabajando en ella.
En cierto momento del rodaje, el director descubrió que ciertos planos de maquetas no encajaban con las escenas rodadas con los actores, debido a una mala coordinación entre la primera unidad y las de efectos especiales. Para poder solucionarlo rápidamente, Hyams tuvo que echar mano de Goldblatt, a quien le asignó la tarea de rodar las miniaturas con una vieja cámara Panavision sin visor.
Uno de los puntos fuertes de la película son sus increíbles decorados, obra de Philip Harrison (Nunca digas nunca jamás). "Imaginé un lugar donde la funcionalidad fuera el único requisito," explicaba Hyams sobre los orígenes del diseño. "La idea de una operación minera como Con-Am #27 tendría que ser meter a tantos hombres y mujeres trabajadores en la menor cantidad de espacio absolutamente necesaria. Darles aire para respirar, comida para alimentarse, ropa para vestir y eso es todo."
Y John Mollo (La guerra de las galaxias, Alien) se encargó del diseño de vestuario. El traje especial es de los elementos más recordados de la película. Para aligerar el peso hizo que el casco fuera de plástico, colocó dos luces en la parte exterior y otras por la interior e incluyó unos ventiladores en la parte posterior, para evitar altas temperaturas dentro del traje y posibles desmayos de los actores.
Para componer la banda sonora, Hyams contrató al gran Jerry Goldsmith, ya que habían trabajado juntos en Capricornio Uno (1977) y le gustaba el trabajo del compositor. El director le dio a Goldsmith completa libertad artística a la hora de realizar la partitura, aunque éste nunca se sintió orgulloso de su ella, "tuve una gran dificultad con la película porque no podía entrar en el lado humano de ningún personaje. Sobre el papel, todo estaba en Atmósfera cero para que funcionara para mí. Pero cuando vi la película terminada no lo sentí y no fue muy agradable."
La película se estrenó en cines con el sistema de sonido "Megasound", el cual fue creado por Warner Bros. a principios de los 80. La película se grabó en seis pistas de audio Dolby Stereo, entre las cuales se repartían la música, los efectos, los diálogos, sonidos graves, etc. Y después se equiparon ciertos cines con altavoces adicionales y los sonidos de baja frecuencia (explosiones, golpes, etc) fueron dirigidos a estos altavoces a un volumen muy alto, con la intención de sorprender al público.
Seguramente esa fue la razón por la que la película fue nominada al Oscar (la única que recibió) en la categoría de mejor sonido (John Wilkinson, Robert W. Glass Jr., Robert Thirlwell y Robin Gregory). Premio que perdería frente a En busca del arca perdida.
Atmósfera cero se estrenó en los Estados Unidos el 22 de mayo 1981 y no fue un gran éxito, ya que sólo recaudó 17.374.595 de dólares.

VALORACIÓN
Atmósfera cero es la mejor película de Peter Hyams, un director bastante infravalorado, que tiene en su haber varios títulos interesantes, Capricornio Uno, 2010: Odisea dos, Apunta dispara y corre, Testigo accidental, Timecop o The relic, algunos de ellos de lo más entretenidos.
El director sabe manejar bien la historia y nos mantiene en tensión constantemente. Y compone algunas escenas muy bien resueltas, como la persecución a pie de O'Neil a Spota o la muerte por descompresión en el ascensor.
La película surgió en pleno auge por la ciencia ficción creado por los estrenos de La guerra de las galaxias y Alien, de hecho, se ven influencias de esta última, principalmente en los decorados, vestuario, tono de la historia y banda sonora.
Atmósfera cero supo conjugar dos géneros, ciencia ficción y western, siendo ese uno de sus elementos más originales, y aunque otros títulos ya lo habían hecho antes (Luna cero dos y Los siete magníficos del espacio), ésta es tal vez la película más famosa de ese curioso sub-género. Y lo cierto es que esa extraña mezcla funciona a la perfección.
"Todos somos buenos profesionales" dice Sheppard en un momento de la película y eso podría resumir perfectamente Atmósfera cero, un grupo de artesanos y profesionales trabajando juntos y creando una buena obra. Hyams, Connery, Goldsmith, Stuart Baird, Philip Harrison, John Mollo, John Stears y Roy Field, grandes nombres de la industria que dieron lo mejor de si mismos.
Tal vez el punto débil de la película son sus similitudes con Solo ante el peligro, y que le restan algunos puntos. En todo su tramo final no se puede evitar pensar en el film de Zinnemann. Y curiosamente es ese tercer acto lo mejor de la película, media hora sin apenas diálogos, sólo acción, con O'Neil enfrentándose en solitario a sus enemigos.
Uno de los elementos más interesantes de la película es que muestra un futuro de estilo bastante realista. La historia se sitúa en un complejo claustrofóbico, sucio e industrial, donde no hay lugar para rayos láser, ni naves espaciales. Los protagonistas son mineros y policías, no piratas del espacio, ni aliens provenientes de otra galaxia. Y las preocupaciones y motivaciones de los personajes son el dinero o hacer cumplir la ley. Incluso el vestuario poco o nada tiene de fantasioso y se asemeja al que podría utilizarse en la actualidad. Y esa visión del futuro tan cercana a nuestra mundo es la que la ha hecho envejecer tan bien.
El viaje de ese sheriff por hacer lo correcto según su código moral nos atrapa, sentimos su soledad y tememos por él, queriendo que salga victorioso teniéndolo todo en contra. Y es interesante que se vuelque en la investigación para tratar de olvidar el que su mujer se haya marchado, siendo una válvula de escape para su soledad. También es un acierto el no contar demasiado de su pasado, pero dejando entrever que es algo tortuoso (lo mismo que con el personaje de la Dr. Lazarus). Y para ello la película se beneficia de la presencia de Sean Connery, capaz de añadir dosis de carisma a cualquier producción. El actor escocés sabe además darle el toque de sensibilidad e indefensión necesarios a su personaje, sobre todo en esas escenas que tiene que estar apartado de su familia o en los que trata de pedir ayuda en vano sabiendo que lo van a matar.
Atmósfera cero es una entretenida historia de ciencia ficción. Una de las mejores aportaciones al género de los 80 y que debería ser recuperada de esa luna de Júpiter en la que parece haber sido olvidada. Os recomiendo a todos que viajéis a Io, un lugar lleno de acción, muerte y tensión. El viaje merece la pena.

CURIOSIDADES
Además de Atmósfera cero, las únicas películas que hicieron uso del sistema Megasound fueron Viaje alucinante al fondo de la mente (1980), Superman II (1980) y Lobos humanos (1981).
Como en la mayoría de películas de Hyams existe un personaje llamado Spota, que es el apellido de soltera de la mujer del director.
James Cameron es un admirador de la película, y utilizó el mismo nombre de la droga utilizada en la película, el polidiclórico-eutinol, para nombrar al explosivo utilizado en Terminator 2: El juicio final (1991).
La película ganó un premio Saturn a la mejor actriz secundaria (Frances Sternhagen) y fue nominada en otras cinco categorías, mejor película de ciencia ficción, mejor actor (Sean Connery), mejor guión (Peter Hyams), mejor música (Jerry Goldsmith) y mejores efectos especiales (John Stears).
Fue nominada a un premio Hugo a la mejor presentación dramática (Peter Hyams).
Conoció una adaptación en formato cómic publicado en la revista Heavy Metal y fue obra de Jim Sterank. Fue publicado entre octubre de 1981 y enero de 1982.
El nombre de la empresa minera es Con-Amalgamate, el mismo nombre de una empresa aparecida en la película Capricornio Uno (1977), también dirigida por Hyams.
Las voces de los actores Nicholas Barnes y Marc Boyle fueron dobladas.
Frances Sternhagen (Dr. Lazarus) y John Ratzenberger (Tarlow) trabajarían juntos en la popular serie Cheers (1982-93) en los papeles de madre e hijo.
Según Elliott Gould, Hyams le ofreció el papel del sheriff William T. O'Niel.
Son varias las similitudes con el western Solo ante el peligro (1952). En ambas películas se espera la llegada de un asesino o asesinos para matar al sheriff de una ciudad y éste se ve abandonado por sus comisarios. El sheriff pide ayuda a la gente de la ciudad para enfrentarse a los villanos, pero nadie se la brinda. El tercer acto de ambas películas es una larga lucha entre el protagonista y los villanos, y el primero consigue acabar con sus adversarios. Y tanto en el film de Zinnemann como en el de Hyams, el protagonista sólo recibe finalmente la ayuda de una mujer.

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Monday, July 02, 2018

Misión imposible

"Luz roja, luz verde."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un grupo de agentes secretos del FMI (Fuerza de Misión Imposible) es asesinado en el transcurso de una operación, el único superviviente, Ethan Hunt, deberá descubrir quien asesinó a sus hombres y de paso limpiar su nombre, para ello reclutará a un nuevo grupo de espías repudiados.

PROYECTO IMPOSIBLE
Paramount Pictures se hizo con los derechos de la serie Misión imposible (1966–73) comprándoselos a Desilu Productions, propiedad de la actriz Lucille Ball, nada más terminar su séptima y última temporada. Durante años trataron de realizar una adaptación al cine, pero nunca llegó a buen puerto.
La adaptación cinematográfica realmente no arrancó hasta que Tom Cruise, fan desde niño de la serie, se mostró interesado en el proyecto. Su idea era ejercer como protagonista y productor, ya que el actor acababa de crear su propia productora, la Cruise/Wagner Productions. "Me pareció un proyecto perfecto para poner en marcha nuestra empresa," declaraba el actor. "Tenía todos los elementos para convertirse en un film divertido y lleno de suspense." Y mientras Cruise rodaba la La tapadera (1993), se comenzó a desarrollar el proyecto.
Paramount quería mantener el presupuesto entre los 40 y 50 millones de dólares, pero Cruise solicitó 70 millones, ya que quería hacer una gran película de acción. Al final Paramount concedió un prepuesto mayor (terminó costando 62 millones, que ascendieron a 80 millones al añadir los gastos de publicidad). Para poder mantener la película en el presupuesto asignado Cruise prefirió no cobrar sueldo alguno, pero sí percibir un porcentaje de la recaudación (algo que le salió redondo porque terminó ganando 70 millones de dólares).
El primer director al que se le ofreció la película fue John McTiernan (Jungla de cristal), pero por varias desavenencias salió del proyecto. Después pasó a Sydney Pollack, quien trabajó durante varios meses con los guionistas Willard Huyck y Gloria Katz (Indiana Jones y el templo maldito) en el guión.
Por otro lado, el fracaso comercial de Atrapado por su pasado (1993) dejó a Brian De Palma en una difícil situación, "no me quedaba más remedio que conseguir un éxito," admitía el director. Para buscarlo decidió dejar a su agente y se fue con Michael Ovitz a la CAA (Creative Artists Agency), y pronto surgió la oportunidad de dirigir de Misión imposible, proyecto que le llegó a De Palma a través de Ovitz, después que Cruise pensara en el director para hacerse cargo de la película. "Creo que Pollack estaba deseando dejar el proyecto para dedicarse en cuerpo y alma a su remake de Sabrina," recordaba el director. "Así que cogí la ocasión por los pelos, escuché las sugerencias de Cruise y me puse a trabajar con Katz y Huyck." El director se sumó al proyecto en enero de 1994.
"Paula y yo pensamos que la maestría técnica de Brian serviría para trascender el género de la película, que es un thriller de acción," declaraba Cruise. "Pero queríamos hacer algo diferente. Uno de los motivos por los que hoy en día resulta tan difícil hacer una película de espías es porque la guerra fría no existe, los villanos han cambiado. Quería que fuera una película muy sofisticada, que el argumento y los personajes tuvieran cierta complejidad, que tuvieran una base emocional muy realista. Sabía que Brian era el director que podía darnos todo esto y más."
El guión de Huyck y Katz estaba situado en los Estados Unidos, fue idea de De Palma llevar la historia a Europa. Una vez finalizado el guión, éste no convenció a nadie y Cruise tuvo que despedir a los guionistas. Fue entonces cuando llamaron a Steven Zaillian (Peligro inminente) para que se hiciera cargo del guión. De Palma y Zaillian crearon juntos la historia de la película durante seis semanas. Originalmente el director quería, "arrancar de una construcción como la de Doce del patíbulo, con Cruise buscando a los miembros de su equipo por todos los rincones del globo. Jean Réno estaba preso en la India, Ving Rhames en una isla en Irlanda. Las secuencias tenían bastante gracia, pero yo me topaba una y otra vez con el mismo problema: 'Si hago Misión imposible, tengo que llegar a la misión enseguida'. El problema principal iba unido al propio concepto de Misión imposible. Es la historia de cinco personajes que actúan en equipo. Pero estábamos haciendo una película en que el actor estrella era Tom Cruise. Y el protagonista tenía que ser él. Así que propuse que matásemos a los otros cuatro desde el principio." Con esa base escribieron un libreto de doce páginas y como Zaillian no pudo comprometerse a estar en la producción durante más de seis semanas, dejó vacante el puesto de guionista. Y De Palma llamó a su amigo David Koepp para que escribiese el guión definitivo, partiendo del esquema que habían creado previamente. Trabajo por el que el guionista recibió 1 millón de dólares.
Cruise aceptó filmar el guión escrito por Koepp y así se le dio luz verde el rodaje, pero al día siguiente el guionista fue despedido y contrataron a Robert Towne (La tapadera), amigo de Cruise, para realizar reescrituras. El actor creía que había cosas con respecto a su personaje que debían ser cambiadas.
Con Cruise como absoluto protagonista, se tuvo que buscar a los miembros de su equipo y también al resto del reparto. Inicialmente estaba previsto recuperar a todo el reparto original de la serie, sólo para matarlos en el comienzo de la película. Martin Landau y Peter Graves se opusieron a ese planteamiento y rechazaron participar en la película. "Era básicamente una película de acción/aventura y no Misión imposible. [...] ¿Por qué ser voluntarios para esencialmente hacer que nuestros personajes se suiciden?," declaraba Landau. Graves se sintió molesto porque convirtieron a su personaje en el villano de la historia. Por su parte, Greg Morris (que interpretó a Barney Collier en la serie original) salió del cine antes que acabara la película, describiéndola como, "una abominación."
Quedando vacante el papel de Jim Phelps, se lo ofrecieron a Al Pacino, Michael Douglas y Robert Redford, siendo finalmente escogido Jon Voight.
Se tantearon a muchas actrices para el papel de Claire, la que estuvo más cerca de conseguirlo fue Juliette Binoche, pero finalmente escogieron a Emmanuelle Béart. El inglés de la actriz francesa no era demasiado bueno, por lo que tuvo que practicar durante cuatros meses con una profesora de diálogo para dar vida a su personaje correctamente.
De Palma se fijó en Jean Reno en las películas Kamikaze 1999 (1983) y El gran azul (1988), y le ofreció el papel de Krieger. Según Reno, la información que le dio el director para su personaje fue, "que es francés, es un traidor y fuma."
Ving Rhames fue elegido para dar vida a Luther, el hacker informático. Cruise había conocido al actor en el estreno de Pulp fiction (1994) y esa fue la puerta de entrada para Rhames al proyecto. Según el actor, originalmente el papel de Luther era más corto, ya que moría al comienzo de la película. "Llamé a Tom Cruise y a Brian De Palma y dije '¿por qué el negro muere en cada película de acción en los primeros seis minutos?'," recordaba Rhames. El guión fue reescrito y se mantuvo al personaje con vida (se entiende que Luther era el hacker miembro del equipo original de Hunt, rol que después recaería en Emilio Estevez). Para meterse en el papel de un hacker, Rhames pasó tiempo con la consultora técnica Suzane Doucette, ex-miembro del FBI.
Emilio Estevez, amigo de Cruise, se hizo con el papel del informático Jack Harmon de forma no acreditada. El (por aquel entonces) popular actor, fue elegido para crear un efecto sorpresa cuando fuera asesinado en el primer acto.
El papel de Sarah Davies, miembro del equipo de Hunt, recayó en la británica Kristin Scott Thomas, que se limitó a una corta participación. "Muero en la página 25. Pero muero en los brazos de Tom Cruise, así que vale la pena," bromeaba la actriz.
El papel de Max estaba escrito originalmente para un hombre, pero Cruise era amigo de Vanessa Redgrave y quería incluirla en la película, así que se le ocurrió que diera vida al traficante de armas, algo que gustó a De Palma.
El resto del reparto se compuso por Henry Czerny (como el jefe del FMI Kittridge), Ingeborga Dapkunaite (en el papel de Hannah, miembro del equipo original de Hunt) y Dale Dye (dando vida al agente Frank Barnes).

RODAJE
La fotografía principal comenzó el 13 de marzo de 1995 y terminó el 8 de agosto del mismo año. El rodaje empezó en el Museo Nacional de Praga, reconvertido para la película en la embajada americana. Se utilizaron otras localizaciones de la capital checa, como el Palacio Liechtenstein, el Puente de Carlos y el Hotel Europa (interiores del apartamento donde Hunt se reúne con Max). Fue idea de De Palma el rodar en Praga, ya que la ciudad apenas había sido vista en el cine.
Una vez completadas las escenas de Praga, a principios de abril de 1995, la producción se mudó a Inglaterra, para rodar principalmente en los Pinewood Studios. También se rodaron escenas de exteriores en Londres, en localizaciones tales como Tower Bridge (donde se construyó un helipuerto especialmente para la película), Tate Britain (imagen de la familia de Hunt saliendo de los juzgados), County Hall (vestíbulo de la CIA), Anchor Pub (conversación final entre Hunt y Luther) o la Estación de Liverpool Street (encuentro entre Hunt y Phelps).
Los exteriores de la escena del TGV aunque acontecen supuestamente en Kent (Inglaterra), realmente se rodaron en Escocia, más concretamente en la Glasgow South Western Line, entre New Cumnock, Dumfries y Annan.
El rodaje se inició sin un guión terminado y durante el mismo Towne no se dedicó sólo a pulir el personaje de Ethan Hunt, comenzó a reescribir todo el guión, algo que a De Palma le pareció un error. El guión se reescribía a diario lo que ocasionaba todo tipo de problemas. Pronto fue evidente que el guión de Towne no se podía utilizar, de modo que volvieron a llamar a Koepp y éste tuvo que reescribir el guión de nuevo. Pero ambos guionistas se mantuvieron en plantilla y cada uno trabajaba en el guión por su cuenta desde sus respectivos hoteles. Según De Palma, ese tiempo al principio del rodaje fue lo peor de toda la filmación. "Robert Towne volvía a escribir el trabajo de David Koepp y viceversa. Una auténtica pesadilla," recordaba el director. Llegado un momento de la producción Koepp tuvo que irse a rodar El efecto dominó (1996) y Towne se mantuvo revisando el guión hasta el final de la misma.
Y el entendimiento entre De Palma y Towne no fue el mejor posible. El guionista quería eliminar la secuencia final del tren, para terminar la película con una conversación entre los tres protagonistas en la bodega de equipajes. El director se opuso a ello diciendo, "estamos haciendo Misión imposible, hay que terminar con algo espectacular." Al final Cruise le dio la razón a De Palma y la fabulosa secuencia del tren se mantuvo.
La producción estuvo llena de retos, entre ellos la iluminación. Para rodar en el Hotel Europa de Praga se le prohibió al equipo colgar luces de las paredes o clavar un clavo, de modo que, los métodos tradicionales no servían. El director de fotografía Stephen H. Burum (Los intocables de Eliot Ness) se topó con una empresa que había creado globos de helio que emitían luz, pero los globos eran pequeños y no daban la potencia suficiente, así que llegaron a un acuerdo con la empresa que los fabricaba para crear para la película cuatro globos de mayor tamaño y que daban 8.000 vatios de luz. Vistos los buenos resultados terminaron utilizándolos para rodar otras escenas de la película, algo que en aquel momento fue revolucionario.
Tampoco fue tarea fácil iluminar aproximadamente 3 kilómetros de la orilla del río Moldava a ambos lados del Puente de Carlos, para transmitir la atmósfera deseada. Necesitaron dos semanas de preparación previa a los 12 días de rodaje y se usaron 11 generadores para suministrar energía a cientos de luces.
Aunque no lo parezca, una de las escenas que dieron más quebraderos de cabeza fue la de apertura, con Cruise disfrazado tratando de conseguir que un hombre hable. Se rodó de tres formas diferentes, con una iluminación distinta de cada vez. "El ambiente estaba muy tenso, porque todo el mundo se peleaba. El maquillador se quejaba de la luz y entonces Stephen H. Burum se ponía como loco," recordaba De Palma.
La secuencia del restaurante Akuarium se rodó entre los Pinewood Studios de Inglaterra y la Plaza de la ciudad vieja de Praga. El restaurante fue diseñado por Norman Reynolds (En busca del arca perdida) y en él acontece uno de los puntos álgidos de la película, el momento en que Hunt salta por la ventana mientras todo el restaurante se desmorona detrás de él (que fue una idea de Tom Cruise). "Calculo que habría 16 toneladas de agua entre los cuatro tanques," explicaba Greg Powell, coordinador de efectos especiales. "Tuvimos que usar un cristal templado especial para sujetar aquella estructura, y cuando todo explotó y el agua se desparramó, el cristal salió despedido en todas direcciones." Primero rodaron en Pinewood la escena con un especialista, pero no funcionaba, así que De Palma le pidió a Cruise que la hiciera él mismo. Y aunque el actor es conocido por hacer sus propias escenas de riesgo, tuvo miedo de rodar ésta. "Antes de empezar a rodar se me acercó y me dijo: 'Sólo soy un actor, ¿sabes?'," recordaba De Palma. El director le tranquilizó asegurándole que todo saldría bien y así fue, la escena resultó perfecta. Sí se utilizó un especialista en el plano que se ve a Hunt corriendo de espaldas (rodado en Praga), ya que necesitaban a alguien muy rápido.
Para la escena del robo en el cuartel general de la CIA, De Palma se inspiró en el robo de la película Topkapi (1964) y después le aportó sus propias ideas. "Se me ocurrió rodar la escena en el más completo silencio, es decir, todo lo contrario de lo que sucede hoy en día en el cine de acción americano," comentaba el director. "No quería ni música ni efectos sonoros. Sino silencio. [...]. Lo que se pretendía era llevar la escena a sus últimas consecuencias."
Y el espectacular clímax en el tren requirió de seis semanas para rodarlo en el Plató 007 de los Pinewood Studios, donde se construyeron tres vagones de tamaño real. De Palma quería utilizar un tren Eurostar, pero al final consiguieron un TGV, gracias a que Cruise invitó a cenar a uno de los pesos pesados de la Sociedad Nacional de Ferrocarriles Franceses. Uno de los problemas de la escena era como simular la fuerza del viento al rodarla dentro de un estudio. Cruise llegó con la solución, "probamos con motores de jet, todo tipo de ventiladores y ninguno nos daba lo que queríamos. Entonces recordé que cuando practicaba paracaidismo me había entrenado con un simulador especial. Le sugerí a Powell que quizá resolviéramos el problema con una de esas máquinas." Utilizaron el único simulador que había en Europa y que podía generar vientos de 240 kilómetros por hora.
Cruise y Beart tenían más escenas juntos, pero fueron cortadas. De hecho, se rodó una escena inicial que introducía un triángulo amoroso entre Hunt, Claire y Phelps, pero que fue eliminada tras un pase de prueba, ya que según De Palma la escena sacaba al público fuera del género de espías.
Originalmente la película iba a terminar con una conversación en un aeropuerto entre Hunt y Luther, pero tres días antes de acabar el rodaje De Palma se dio cuenta que la escena no funcionaba. "El decorado no vale," recordaba el director. "Después de esa escena tan larga en el tren, en el túnel, no puede haber otra escena en un universo tan artificial y cerrado como el de un aeropuerto. La pesadilla ha concluido. Lo que hay que mostrar es un regreso a la vida. Tiene que verse la realidad, filmar las calles y los pubs ingleses." La escena se cambió por la conversación en la terraza de un pub entre los dos personajes vista en la película.
Los efectos especiales corrieron a cargo de la ILM, que creo unos efectos visuales de infarto, llegando a realizar aproximadamente 150 planos para la película. Fue tal la cantidad de trabajo en este campo, que De Palma vivió en el Rancho Skywalker durante toda la post-producción de la película. John Knoll (La amenaza fantasma) fue el supervisor de los efectos visuales de ILM para la película. Otras compañías que aportaron efectos para la película fueron Computer Film Company y Cinesite Europe.
La secuencia con mayor número de efectos fue el clímax del tren. Para crear la secuencia se recurrió a la suma de varias técnicas, como pantalla azul, miniaturas, CGI, pirotecnia y uso de cables, dando lugar a una escena que sigue sorprendiendo por su realismo a día de hoy.
El genial plano en el que Hunt se quita la máscara con la cara de Jim Phelps se consiguió rodando primero a Jon Voight y después a Cruise quitándose la máscara (creada por Rob Bottin) en el mismo eje y con el mismo tamaño de plano. Más tarde, mediante un efecto morphing se creó el cambio de cara.
El compositor elegido para escribir la banda sonora fue Alan Silvestri (tras ofrecérselo a Ryuichi Sakamoto, quien lo tuvo que rechazar por conflictos de agenda), pero desde el principio ya hubo problemas con su partitura. A De Palma le parecía que no funcionaba. "Era demasiado melódico, por muchas cosas que cambiase, siempre había algo excesivo en su música," declaraba el director. Hicieron varios cambios en ella, pero después de la cuarta sesión, Silvestri fue despedido (cuando había compuesto aproximadamente 23 minutos de su banda sonora) y contrataron a Danny Elfman. Elfman mantuvo el popular tema principal de la serie compuesto por Lalo Schifrin.
Se le ofreció a U2 que versionaran el tema de la serie compuesto por Schifrin. Bono y The Edge no tenían tiempo para ello, pero Larry Mullen Jr. y Adam Clayton aceptaron el encargo. Cada uno por su cuenta hizo su propia versión, Clayton trabajando en Nueva York y Mullen en Dublín, durante los fines de semana entre sesiones de grabación del grupo. Dejaron que Polygram escogiera su tema preferido y al final se quedaron con ambos.
Inicialmente la película terminó su rodaje en agosto de 1995, antes del tiempo previsto y por debajo del presupuesto asignado.
George Lucas puso su pequeño granito de arena en la película. Mientras De Palma estaba en el Rancho Skywalker le enseñó un primer montaje de la película a su amigo y, "lo primero que dijo fue: ¿Dónde está la escena en que están todos alrededor de la mesa y Jim explica la misión?", recordaba De Palma. El director le dio la razón a Lucas y se fue con todo el equipo a Londres a rodar la escena.
Estos y otros reshoots, sumado a problemas con los efectos visuales y diversas complicaciones del rodaje, retrasaron el estreno de la película e hicieron aumentar el presupuesto. Originalmente la fecha de estreno prevista era en diciembre de 1995, pero se cambió a mayo de 1996.
La película se estrenó entre rumores de mal entendimiento entre Cruise y De Palma (que el director negó posteriormente) y que se agravaron cuando el director decidió no conceder entrevistas antes del estreno de la película.
La première de Misión imposible fue el 20 de mayo de 1996, para conocer el estreno masivo en salas sólo dos días después. Fue la primera película en estrenarse en más de 3.000 salas en Estados Unidos y literalmente reventó la taquilla. En Norteamérica recaudó 180.981.856 de dólares (tercera película más taquillera del país en 1996) y la recaudación total a nivel mundial fue de 457.696.359 de dólares, lo que la convirtió en la tercera película más taquillera del año.
La película fue totalmente ignorada por los Oscars, lo que resulta chocante, principalmente por su apabullante apartado técnico.

VALORACIÓN
Misión imposible es toda una gozada y una de las mejores películas de espías de las últimas décadas. Es una película de acción, pero una con pedigrí. El reparto es espectacular, el guión viene firmado por algunos de los grandes nombres de Hollywood, los medios técnicos son impresionantes y el director es excelente.
Es increíble la implicación de De Palma en el proyecto, el cual pese a ser un encargo, consiguió convertirlo en una película personal. Casi todas las decisiones argumentales y artísticas fueron suyas y defendió su visión ante todos. Por eso Misión imposible es algo más que una película comercial al uso, es también una película de autor.
Y es que aunque no lo parezca, la película es puro De Palma, ahí está el uso de tecnología por parte de los personajes (cámaras y pantallas de vídeo son utilizadas como un elemento más de la historia al igual que en Snakes eyes, En nombre de Caín o El fantasma del paraíso), las amistades traicionadas (como en Atrapado por su pasadoFascinación El precio del poder), los personajes actuando en un falso escenario haciendo que otros crean ver algo que no es real (como sucede en la primera escena de la película y que recuerda a Doble cuerpo), las referencias y homenajes a otros directores y películas (ahí tenemos el macguffin a lo Hitchcock con la lista NOC o el robo con influencias de Topkapi), el uso de máscaras o disfraces (como en Doble cuerpo, Vestida para matarPassion) o la idea del doble (como en Hermanas Femme fatale). El director acercó el material a su universo, pero al mismo tiempo supo crear un espectáculo impecable.
Y es que pocas veces se ha podido ver una película mejor filmada que Misión imposible, la cual está compuesta de los planos justos y necesarios, la cámara siempre esta situada en el lugar apropiado y cada plano tiene la duración debida. De Palma rodó una película de perfección milimétrica.
Aunque no es un film del todo redondo. Adolece de un pequeño problema de ritmo entre el robo en la CIA y el clímax en el TGV, pero es necesario para el desarrollo de la trama y de los personajes. Y la relación entre Hunt y Claire no termina de funcionar, no hay química entre ellos y ésta nunca llega a explotar realmente, quedándose en una mera atracción entre ambos.
Y como adaptación de la serie creada por Bruce Geller nunca me ha parecido que capte realmente el estilo de aquella (aunque sí es la más cercana al espíritu original de todas las películas de la saga por no apoyarse principalmente en la acción). La serie Misión imposible jugaba más con el suspense y la astucia para engañar a unos villanos, y de paso al propio espectador. Por su parte, la saga protagonizada por Cruise se ha convertido en un parque de atracciones. Por otro lado, la serie era coral, mientras que aquí todo el protagonismo recae en su estrella y productor, lo que la distancia de la serie. Y su planteamiento habría sido fantástico para una segunda parte, deberían haber presentado a todos los personajes en la primera parte para matarlos después en la segunda. Pero hay que reconocerle que la trama es inesperada y pilla a uno por sorpresa, y además intenta tener su propia personalidad.
La película se construye sobre tres grandes escenas que coinciden con el planteamiento (la misión fallida en Praga), nudo (el robo en la CIA) y desenlace (el clímax en el TGV). Pero lo genial de la película es que las escenas puente entre esos tres grandes momentos también son excelentes. Sólo hay que recordar la escena del restaurante acuario, a Phelps contando una historia mientras Hunt al mismo tiempo construye en su mente la verdad (la primera vez puede confundir, pero es una gran idea) o a Hunt explicando el plan del robo a sus nuevos compañeros (todo un prodigio de montaje).
Y es que De Palma crea momentos geniales con la cámara. Personalmente me encanta el plano posterior al robo en Langley, con los cuatro protagonistas escapando en el camión de bomberos y como el director hace un barrido con la cámara, mostrando como cada de uno de los personajes reacciona de forma distinta al robo, Luther preocupado porque sabe lo que han robado, Kruge contento con el golpe, Claire pensado en Ethan, y Ethan serio porque está empezando atar cabos. Otro detalle que me gusta es que el disco que roban en Praga está (literalmente) manchado de sangre cuando Max trata de usarlo, es algo insignificante, pero muy simbólico.
La película tiene un soterrado sentido del humor, como lo demuestra el juego de magia de Ethan con los discos, Jack diciéndole a Hunt que no masque el chicle explosivo, el informático de la CIA vomitando una y otra vez, Kittridge enviando a Alaska a dicho informático, como todos los teléfonos del TGV dejan de funcionar cuando Luther pasa al lado de ellos con su inhibidor. La película consigue ser divertida sin perder el tono, algo en lo que fallaba Misión imposible 2 (2000).
Y no puedo terminar sin hablar del final en el TGV, que es sencillamente una de las mejores escenas de acción de la historia y la que nos demuestra que esto es sí es Misión imposible. Por si sola ya merecía el precio de la entrada. Y es que el momento del "luz roja, luz verde", con el tema de Lalo Schifrin sonando a todo trapo y con Hunt volando por los aires, es de esos que te hacen querer ponerte de pie y aplaudir como un loco.
De Palma logró lo imposible, realizar una de las mejores películas de acción de la década, sin pegar un solo tiro ni mostrar una pelea, sólo apoyándose en el suspense y en un sentido del espectáculo único. La película sólo trata de ser una entretenida historia de espías y lo consigue con creces. La saga ha seguido viva con el paso de los años, pero la primera de la misiones de Ethan Hunt sigue siendo la mejor.

CURIOSIDADES
Última película de un gran estudio en ser lanzada en formato Betamax.
Del mismo modo que Emilio Estevez (amigo de Tom Cruise), hace una participación no acreditada en la película, Cruise hizo lo mismo en Arma joven (1988) protagonizada por Estevez.
Los peces utilizados en la escena que explota el acuario eran de goma.
El body count de la película asciende a 7 muertos.
Alan Silvestri recicló la banda sonora que compuso para la película y que no fue usada, para la película Eraser (1996).
Fue nominada a un premio Saturn en la categoría de mejor película de acción/aventura/thriller.
Para el truco que Hunt le hace a Krieger desapareciendo el CD no se utilizaron efectos visuales, Cruise lo hizo realmente frente a la cámara.
En el trailer de la película hay un plano de Hunt y Claire besándose apasionadamente que no está incluido en la película.
Ving Rhames nunca había visto la serie original. Lo hizo cuando fue contratado para participar en la película.
Jim Phelps es el único personaje de la serie original que aparece en la película.
Uno de los nombres cable de la lista NOC es Maverick, lo cual es un guiño al personaje que Tom Cruise interpretó en Top Gun (1986).
Es la única película de la saga en la que Ethan Hunt no dispara un arma y en la que no hay ningún tiroteo.
El nombre de Andrew Eio, coordinador de efectos visuales y coordinador de sistemas informáticos de la película, aparece como uno de los agentes de la lista NOC.
Y el nombre de Simon Staines, diseñador de gráficos de ordenador de la película, es el primero que aparece cuando Ethan Hunt busca agentes repudiados del FMI para que le ayuden.
A la hora de rodar la famosa escena del robo de la lista NOC, con Hunt colgado a pocos centímetros del suelo, la cabeza de Cruise se golpeaba contra el suelo, para solucionarlo al actor se le ocurrió meterse monedas en los zapatos para equilibrarse.
La película sentó una de las máximas de la saga, mostrar al protagonista saltando desde una gran altura y quedándose a una corta distancia del suelo. Momento repetido por Cruise en Misión imposible 2Misión imposible 3. En Misión imposible: Protocolo fantasma la escena la protagonizó Brandt (Jeremy Renner).
La compañía Apple creo una campaña de publicidad de 15 millones de dólares vinculada a la película, que incluía un juego (“Mission: Impossible - The Web Adventure”), anuncios impresos, spots de televisión, publicidad en cines y product placement de sus ordenadores en la película. Dos semanas antes de lanzar la campaña, Apple anunció perdidas de 740 millones de dólares en su segundo trimestre fiscal de 1996, y la campaña fue un intento de mejorar su imagen.
El nombre del personaje Alexander Golitsyn es una referencia al desertor del KGB Anatoliy Golitsyn.
Tom Cruise realiza dos papeles en la película, además de a Ethan Hunt también interpreta al senador John Waltzer, el cual aparece en un programa de entrevistas que estudia Hunt.
Aunque el TGV es un tren eléctrico y utiliza líneas aéreas de alimentación, para hacer posible la lucha en el techo y tener al helicóptero sobrevolando el tren, se hizo que fuera movido por una locomotora diesel.
Reza Badiyi, el director que más episodios rodó de la serie original, fue invitado por el jefe de la Paramount para estar presente en el rodaje como asesor. Brian De Palma le dijo lo mucho que le gustaba la serie, pero que la película no se parecía en nada aquella y que su presencia sólo haría que ambos se sintieran incómodos. Badiyi agradeció su honestidad y se marchó del rodaje, para no volver nunca.
Norman Reynolds se negó a ver la serie para que todos los diseños de la película fueran originales. 
La versión del tema de la serie realizada por Larry Mullen Jr. y Adam Clayton alcanzó el puesto nº 7 del Billboard Hot 100 americano, consiguiendo vender 500.000 copias. La banda sonora de la película también fue todo un éxito y se aupó al puesto nº 16 del Billboard 200 americano.
Fue escogida por "Cahiers du Cinema" como una de las 10 mejores películas de 1996.

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