Thursday, February 01, 2024

Héroes fuera de órbita

"Nunca abandonar. Nunca rendirse."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Los protagonistas de una vieja serie de ciencia ficción, son tomados por unos extraterrestres como auténticos héroes, y los reclutan en una misión para salvar su mundo.

CAPITÁN STARSHINE
En 1994, Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen fundaron DreamWorks, un nuevo estudio que quiso competir con los ya existentes en Hollywood, y que se lanzó a la producción de nuevos títulos que lo aupasen a lo más alto. Uno de ellos sería Héroes fuera de órbita (Galaxy Quest, 1999).
También en 1994, Mark Johnson creó su propia productora Gran Via Productions, tras una exitosa carrera en Baltimore Pictures, productora que compartía con Barry Levinson.
DreamWorks y Gran Via Productions llegaron a un acuerdo, y juntos trataron de sacar adelante una película de ciencia ficción. Todo comenzó optando por un guión escrito por David Howard, titulado "Captain Starshine", que narraba como unos aliens confundían a los actores de una vieja serie de televisión con unos héroes reales. La idea de partida se le ocurrió a Howard en un cine IMAX cuando vio un trailer cuyo narrador era Leonard Nimoy, y se imaginó a los actores de Star Trek encasillados siempre en el mismo papel. "La idea de estar atrapado en ese mundo me pareció algo potencialmente muy divertido," confesaba el guionista a IGN. "¿Cómo te alejas de eso y decides: 'No, ya no voy a hacerlo nunca más?'" Su guión se centraba principalmente en el protagonista, y no tanto en el resto de la tripulación.
Johnson vio potencial en el guión, pero sólo tomaron su punto de partida y reescribieron el resto. Contactaron con varios guionistas para la reescritura, pero ninguno parecía ser el indicado, hasta que llegó Robert Gordon (Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket), quien dio en el blanco. Su idea fue que al protagonista, Jason Nesmith le encantase ser el comandante de la serie, y desde ahí la historia despegó. Aunque inicialmente Gordon tuvo sus dudas sobre si aceptar el encargo, y no fue hasta que dio con una idea clavé, que supo que podría escribirlo. "El momento en que realmente sentí que podía escribirlo ahora me parece muy obvio," contaba el guionista en el documental Never Surrender"Es cuando ellos tienen que admitir que son sólo actores y que no son héroes, y todo se fastidia, fue cuando eso encajó y dije: 'Sí, lo tengo'." Y fue idea suya que los protagonistas viajaran al espacio. Howard por su parte, sólo participó en el guión al comienzo del proyecto, durante unas pocas semanas, aportando algunas ideas. Con el primer borrador de Gordon, la película obtuvo luz verde (que inicialmente cambió el título a "Galaxy Quest: The Motion Picture" y con el tiempo se quedó en tan solo Galaxy Quest).
El primer director asignado al proyecto fue Harold Ramis (Atrapado en el tiempo), cuya incorporación se anunció a finales de 1998. Gordon trabajó con mano a mano con él en el guión.
Ramis deseaba que el papel de Jason Nesmith lo interpretase Kevin Kline. Ya estaban construyendo los platós, cuando Kline decidió no participar en la película debido a motivos personales. La película había perdido a su comandante y necesitaban enrolar a uno urgentemente. Se barajaron varios nombres, como los de Bruce Willis, Tim Robbins, y Mel Gibson. Se lo ofrecieron a Steve Martin, Bill Murray y a Robin Williams, pero no aceptaron.
Al final el estudio escogió a Tim Allen. Pero hubo diferencias con Ramis, quien no estaba de acuerdo con la participación del actor (prefería a Alec Baldwin). "Tuve un almuerzo muy peculiar con Jeffrey Katzenberg y Harold Ramis," contaba Allen a The Hollywood Reporter. "Katzenberg me propuso la idea del personaje del comandante y luego empezaron a hablar, y quedó claro que Ramis no me veía para el papel. Fue bastante incómodo." Sea como fuere, al final Allen fue contratado, pero en febrero de 1999, se anunció que Ramis dejaba la producción. Otra gran ausencia que debía ser reemplazada con más urgencia que la anterior. "Nos reunimos con tal vez ocho directores, tal vez diez," explicaba la productora ejecutiva Elizabeth Cantillon en Never Surrender"pero fue muy rápido." Dean Parisot (Bill y Ted salvan el universo) leyó el guión y quiso hacerlo, y Johnson, con quien había trabajado en Todo queda en casa (1998), le ofreció el proyecto. Para DreamWorks era un desconocido, pero el apoyo incondicional de Johnson hizo que Parisot fuera contratado.

REPARTO
Allen fue el primer actor en sumarse a la película, a cambio de un sueldo de 2 millones de dólares. El actor decidió no basarse en William Shatner para componer a Jason Nesmith / Comandante Peter Quincy Taggert. "Me gustó la forma en que Yul Brynner se sentó en su trono en Los diez mandamientos," confesaba Allen a la MTV. "Trabajé a partir de eso. Estudié eso. Bueno, alquilé la cinta." Ahora quedaba enrollar al resto de la tripulación de la "NSEA Protector".
Sigourney Weaver se emperró en conseguir el papel de Gwen DeMarco / Teniente Tawny Madison, y tuvo que luchar para que la contrataran. "Había oído que Harold estaba dirigiendo una película de ciencia ficción, pero que no quería a nadie que hubiera hecho ciencia ficción," explicaba la actriz a The Hollywood Reporter. Al final se llevó el gato al agua. "Lo primero que le dije a Dean fue que la teniente Tawny Madison tenía que ser rubia y tener tetas grandes," comentaba divertida la actriz al mismo medio. Tanto le gustaba su caracterización, que en ocasiones se iba al hotel con la peluca rubia y los pechos aumentados al acabar el día.
El británico Alan Rickman se hizo con el papel de Alexander Dane / Dr. Lazarus, y su interés por el proyecto vino porque, el de Héroes fuera de órbita era, "realmente uno de los guiones más divertidos que he leído," según contaba a la revista Starlog.
Le ofrecieron el papel de Guy Fleegman a Sam Rockwell, pero inicialmente lo rechazó. El actor se había comprometido en hacer una película con Marisa Tomei, y tenía dudas de participar en Héroes fuera de órbita, ya que quería enfocar su carrera para ser un actor de carácter, al final fue Kevin Spacey quien le convenció de aceptar el papel. "Pensé que podría interpretar a Guy Fleegman y aún hacer El cazador," confesaba el actor a The Hollywood Reporter. "Puedo interpretar a un bufón y luego darle la vuelta con un papel versátil en la próxima película." Sus referentes para componer a Guy fueron, según explicaba a MTV"Bill Paxton en Aliens mezclado con Michael Keaton en Turno de noche."
Se consideró a David Alan Grier (Jumanji) para el papel de Tommy Webber / Laredo, pero el finalmente escogido fue Daryl Mitchell. Parisot había trabajado con él en Todo queda en casa (1998), e insistió en que lo contrataran. Como era más joven que el resto del reparto, tuvieron que justificar su edad, haciendo que en la serie original su personaje fuera un niño, el cual fue interpretado Corbin Bleu.
A Tony Shalhoub le enviaron el guión y tuvo una reunión con Parisot, en la que lo consideraron para interpretar a Guy Fleegman, cuando Rockwell aún se lo estaba pensando. Cuando al final el protagonista de Moon aceptó el papel, a Shalhoub le ofrecieron el de Fred Kwan / Chen, que originalmente era asiático. "Dije: 'No voy a interpretar a un tipo asiático, pero interpretaré a un tío que interpreta a un asiático. ¿Qué hay sobre eso?'," contaba el actor a MTV.
Enrico Colantoni leyó el guión mientras rodaba la serie Dame un respiro (1997-2003), e hizo una audición para interpretar a uno de los aliens con Parisot y Debra Zane, en la que puso una peculiar voz que había ensayado, y cuando el director la oyó, supo que había encontrado la forma en la que hablarían los thermianos. Así Colantoni fue contratado para dar viada su líder, Mathesar. Y para las audiciones del resto de actores que interpretaron a los demás extraterrestres, trataron que imitaran la voz de Colantoni.
En el caso de Missi Pyle, llegaron a mostrarle la audición de Jed Rees para el papel de Mathesar (actor que terminó interpretando a Teb) para que supiera como debía comportarse su personaje. Al final Pyle fue escogida para dar vida a Laliari, por delante de Jennifer Coolidge, otra contendiente al papel. Tanto creía en ella la directora de casting Debra Zane, que grapó a su tarjeta del "Casting Society of America" a la audición y se la envió a Parisot, diciendo que si no la escogían, abandonaría la película. Por suerte, eso no fue necesario.
Justin Long se hizo con el papel de Brandon, y eso que los otros contendientes eran Kieran Culkin, Eddie Kaye Thomas y Tom Everett Scott. Long había rodado un piloto, cuya directora de casting era Bonnie Zane, hermana de Debra Zane, quien le recomendó al actor para el papel de friki. La película significó su debut en el cine. Parisot le dio a Long un documental llamado Trekkies (1997), para que éste se preparara su papel de fan de la ciencia ficción.
Rainn Wilson (The Office) hizo su debut en el cine interpretando al thermiano Lahnk. El papel era originalmente más grande, pero como se había comprometido con el piloto de la serie The Expendables (1999) y un pequeño papel en Casi famosos (2000), al final fue recortado.
El resto del reparto lo formaron Robin Sachs (como el villano Sarris), Patrick Breen (en el papel de Quellek), y Jeremy Howard (dando vida a Kyle).

RODAJE
La fotografía principal comenzó el 19 de abril de 1999, y se extendió hasta el 13 de agosto del mismo año. La película se rodó principalmente en los Culver Studios (California) y para los exteriores se utilizaron diferentes localizaciones de Los Angeles. Y sólo salieron de California para viajar al Goblin Valley State Park (Utah), que dio vida al planeta desértico.
Los decorados fueron diseñados por la directora artística Linda DeScenna, toda una experta trekkie, ya que había sido la decoradora de Star Trek: La película (1979). Cuando Ramis era el director al cargo del proyecto, la serie de televisión se situaba a finales de los 60, y así DeScenna fue creando los sets con la estética de esa época, pero una vez Parisot fue contratado, la serie pasó a ser de finales de los 70, más acorde con la edad de los actores, y la directora artística tuvo que modificar los sets para adaptarlos a esa década.
Antes de empezar el rodaje, los actores que interpretaban a los thermianos, se reunieron durante una semana, en lo que llamaron la "Escuela Thermiana", para ensayar las voces y gestos de los aliens, y de esa forma ser un grupo afinado cuando empezase el rodaje. "Tenemos una forma de caminar específica," contaba Jed Rees a la revista Starlog. "Normalmente, cuando caminas, tu pierna va con tu brazo opuesto; con los thermianos, la misma pierna y brazo se mueven juntos. [...] La forma de caminar fue creada simbióticamente."
Fue un rodaje muy divertido donde todos se llevaron de maravilla y reinó el buen ambiente. Allen no paraba de bromear, como recordaba Shalhoub a MTV, había "muchas bromas de pedos con Tim. Algunas no eran bromas, eran realmente pedos."
Y esa costumbre de bromear entre tomas de Allen, fue la que provocó que al comienzo del rodaje, no hubiese un buen entendimiento entre él y Rickman. "No creo que le agradara mucho cuando empezamos a rodar Héroes fuera de órbita," confesaba el protagonista de ¡Vaya Santa Claus! The Hollywood Reporter. Además el estilo de interpretación de Allen surgido del mundo del stand-up, chocaba con el de Rickman, proveniente del teatro británico, pero al final se terminaron haciendo amigos. "Un día en el set," contaba Allen al mismo medio, "Alan se acercó a mí y se disculpó. Dijo que confundió mi comportamiento con falta de compromiso." 
Síntoma del buen rollo entre los actores, se vio relejado el día del cumpleaños de Daryl Mitchell, Weaver contrató una stripper para que hiciera un baile erótico en el set. La vistieron con uno de los uniformes de la película y la hicieron pasar por una extra, cuando comenzó a bailar, Weaver salió por patas del lugar. Además, cuando el rodaje coincidió con 20º aniversario de Alien (1979), Weaver se presentó a la proyección de la película en el "Egyptian Theater", con sus compañeros de Héroes fuera de órbita (y por supuesto con su peluca rubia).
Hubo algunas presiones por parte del estudio, como por ejemplo, eliminar toda la subtrama de Justin Long. De hecho, una vez ya iniciado el rodaje, el director de producción quiso eliminar una de las mejores escenas de la película, aquella en la que en medio de una situación límite, la madre de Long le obliga a sacar la basura. Parisot se enfrentó a él, y al principio aceptó no filmarla, pero cuando un día terminaron de rodar antes de tiempo, aprovechó y rodó rápidamente la escena con Long y las bolsas de basura, consiguiéndolo en tan sólo dos tomas.
En el último momento, el estudio también quiso cambiar el diseño de los thermianos, creado por el Stan Winston Studio, una vez las cinco marionetas de silicona estaban construidas y cuando sólo quedaban tres semanas para que las filmaran en el set. Spielberg vio a los aliens con aspecto de pulpo, y le parecieron demasiado feos, y prefirió que tuvieran un aspecto más cercano a los de Encuentros en la tercera fase (1977). Winston habló con Spielberg y le convenció para mantener los diseños que habían creado. 
Todos los aliens de la película fueron creados por el Stan Winston Studio, incluida la cabeza del Dr. Lazarus. Para dar vida a Sarris, emplearon una técnica desarrollada por Winston para la versión nunca realizada de El planeta de los simios que iba a dirigir James Cameron, y que permitía que las expresiones faciales de un actor se reflejasen en una aplicación de maquillaje externa.
Y como se trataba de una parodia de Star Trek, tuvieron que tener sumo cuidado con el diseño de la nave "NSEA Protector", para evitar una demanda de Paramount. Los abogados de DreamWorks estuvieron supervisando el trabajo de los artistas. A uno de los asistentes de producción de ILM se le ocurrió como esquivar una posible demanda, y el número de la nave (3120) fue precedido de las siglas NTE, que significaba "Not the Enterprise" (No es el Enterprise). "Así podríamos defendernos ante un tribunal," explicaba Bill George, co-supervisor de efectos visuales en el documental Never Surrender, "y decir: 'No es el Enterprise, porque lo dice aquí mismo'."
Pero pese a lo que pueda parecer, DreamWorks dejó bastante tranquilos al equipo de Héroes fuera de órbita, sobre todo porque estaban también realizando Gladiator (2000), que atravesaba por problemas de todo tipo.
Lo curioso es que muchas situaciones e incluso algunos personajes, se fueron inventando sobre la marcha. Por ejemplo, cuando los protagonistas aterrizan en el planeta desértico, originalmente no hacían ningún tipo de comprobación de su atmósfera, Allen se dio cuenta de ello y se lo comento a Parisot. Al final lo resolvieron de forma cómica, con Rockwell improvisando totalmente enloquecido su preocupación sobre si habrá aire, y con Shalhoub dando un par de bocanadas y diciendo simplemente: "¿Creo que sí?". Para otra escena, Rockwell le pidió permiso a Gordon cambiar la frase de su personaje a "Eso no vale", cuando ve a Kwan y Laliari besándose. "Olvidé lo que escribí," confesaba Gordon a MTV"pero no fue tan bueno como eso." Y fue idea de Shalhoub el abrazo en grupo en la sala de motores.
El personaje que interpreta Shalhoub fue cambiando a lo largo del rodaje. Simplemente no funcionó tal cual estaba escrito originalmente (esa idea de que interpretaba a un asiático), así que crearon uno nuevo, y de esa forma Fred Kwan se convirtió en un fumeta (aunque nunca se dice explícitamente). Shalhoub se inspiró en David Carradine en la serie Kung Fu"Escuché que estaba fumado todo el tiempo, y fuera cierto o no, lo usamos como punto de partida para Fred Kwan," explicaba Shalhoub a The Hollywood Reporter. Y el actor le añadió algunas ideas para completar el personaje, como que siempre llevase una bolsa de papel con comida. "Dean y los escritores, nos lo inventamos sobre la marcha," confesaba Shalhoub a AV Club. Además se le dio un interés romántico con el personaje de la alien Laliari.
Por otro lado, Spielberg creyó que Laliari debía tener un mayor protagonismo. "Vino y vio mi personaje y maquillaje, y decidió que debería ser un papel mayor," contaba Missi Pyle a MTV. "Se suponía que sólo debía estar en dos escenas, y luego se dieron cuenta de que no tenían otra mujer excepto a Sigourney Weaver."
Spielberg sólo visitó un día el set de rodaje. Y fue el día en que Allen debía rodar la escena en la que le confiesa a Mathesar que realmente es un actor. Mientras veía a Allen entregado en la escena toma tras toma, el director de Tiburón le comentó a Parisot lo mucho que le sorprendía su interpretación, y después felicitó al actor por ello. Una vez terminó la última toma, Allen se fue totalmente emocionado a su trailer. Según se explica en el documental Never Surrender, Rickman le dijo a Parisot: "Dios mío, creo que acaba de sentir la actuación."
Ese día con Spielberg en el set, éste demostró ser uno más del equipo. "Yo estaba bromeando con todos entre tomas y vi a Spielberg hablando con uno de los productores en el dispensador de agua," contaba Daryl Mitchell a The Hollywood Reporter. "Grité: 'Tío, estoy trabajando muy duro. Ey Steven, tráeme un agua'. Sin interrumpir la conversación, Steven se inclinó, agarró una botella y me la arrojó. El elenco no podía creer que yo hiciera eso, pero Steven era demasiado guay."
Para dar vida al heroico Jason Nesmith, Allen se preparó físicamente para el papel, para ello se sometió a un duro entrenamiento gracias a una entrenadora profesional (Jane Hajduk, que más tarde se convertiría en su mujer), y siguió una estricta dieta. 
En medio del rodaje, cuando tenían que rodar la escena sin camiseta (ahí la razón de ponerse en forma), Allen se dio cuenta que en ninguna escena posterior se la volvía a poner, y el actor se negó a pasarse el resto de la película sin ella. Así que lo solucionaron simplemente haciendo que la camiseta se teletransportara a la nave con Allen. No tenía mucho sentido, pero pasa bastante desapercibido.
Cuando tocó rodar la escena en la que Tommy saca la nave de la estación espacial, para simular en el set el ruido de la nave arañándose, el propio Parisot se dedicó a hacer el ruido con la boca para acompañar a la escena.
Rockwell se preparó para filmar la escena en la que viajan al planeta rocoso en una nave, tomando cuatro tazas de café y dos Excedrin, ya que según explicaba a MTV, "quería estar tan excitado como si tuviera un ataque de nervios en el transbordador." Así obró la magia de uno de los momentos más divertidos de la película.
En un momento de la película, Sarris se hace pasar por Fred Kwan (Shalhoub) y Nesmith (Allen) pelea con él. Cuando rodaron la escena, Allen golpeó realmente a Shalhoub, así que Parisot decidió cambiar a Allen por un experto especialista y así evitar cualquier tipo de lesión en el actor. 
El mayor incidente durante el rodaje fue un pequeño incendio que se produjo en el set. Como Parisot  decidió rodar en anamórfico, el cual precisa mucha luz, pusieron polietileno brillante en los suelos para darle más vida. El problema es que al encender las luces, el suelo se derritió.
Técnicamente la película tiene varios hallazgos interesantes. Por ejemplo, cuenta con tres formatos diferentes, empieza con uno de 1:1.37 (típico de la televisión), cuando se recrea la serie original de "Galaxy Quest"; pasa después a 1:1.85; y en la escena en la que Jason descubre que está en el espacio, el formato vuelve a cambiar, esta vez a 2:1.35 (todavía más grande) y se mantiene con ese formato el resto de la película. Muchos se perdieron ese efecto en el cine, ya que los proyeccionistas no estaban avisados y no abrían las cortinas lo suficiente para apreciarlo. Cuando se dieron cuenta de este error, la producción lo comunicó a los cines.
Los espectaculares efectos visuales corrieron por cuenta de la "Industrial Light and Magic", que se encargó de crear para la ocasión más de 300 planos con efectos visuales, bajo la supervisión de Bill George.
Para hacer creíbles los movimientos de la nave "NSEA Protector", se construyó el set sobre una plataforma articulada, la cual podía levantarse varios centímetros del suelo e incluso simular las sacudidas provocadas por los impactos recibidos.
David Newman fue contratado para poner música a las aventuras de "Galaxy Quest". El compositor llegó al proyecto a través de Jeff Carson, el supervisor musical de la película. Y lo primero que hizo fue componer el tema principal, el cual le salió a la primera, y del que hizo dos versiones. "Uno era una parodia del tema original de Star Trek," contaba el compositor a Go See Talk, "con los coros y los elementos de bossa nova, que escribió Sandy Courage, y el otro era el tema que se incluyó en la película, el tema 'heroico'."
"DreamWorks no sabía qué hacer con la película," declaraba Johnson a The Hollywood Reporter. Pese a toda la libertad que tuvieron durante el rodaje, DreamWorks decidió en el último momento que sería su película para las navidades, para competir contra Stuart Little (1999). 
Cuando hicieron un pase de prueba de la película, la recepción no fue la deseada, ya que se esperaban una película de corte más infantil y se encontraron con algo diferente. Terry Press, la responsable del marketing, no pudo presentarse a dicho pase por estar embarazada de gemelos. "Si hubiera estado allí, se habría dado cuenta de que se trataba de una película para el público," declaraba Johnson a MTV. Así que la campaña de promoción nunca fue la adecuada, y lo que es peor, fue insuficiente. No sabían que tenían un diamante en bruto entre manos, y la película llegó a las salas de cine sin apenas promoción. Allen viajó a Australia, pero poco más.
Al final cortaron varias escenas e hicieron cambios para acercarla al público infantil. La película originalmente tenía un humor más enfocado en los adultos, lleno de tacos, y violencia. "Cuando la escribí originalmente, no estaba pensando en una película familiar, sólo en lo que quería ver," confesaba Gordon a MTV"Entonces, cuando la nave aterriza en el sala de convenciones en el borrador original, decapita a un grupo de personas. También filmamos cosas en las que Sigourney intenta seducir a algunos extraterrestres." Además en la escena de los masticadores originalmente Weaver gritaba: "Well, fuck that!", pero lo doblaron para que dijese el mucho más suave: "Well, screw that!". Si no uno se fija bien en la versión original, verá que la frase que dice no coincide con sus labios. Además hicieron incluir la escena en la que la limusina que lleva a Jason Nesmith sale volando, para dejar claro que todo lo que ocurre era real, ya que originalmente el personaje se quedaba dormido y cuando se despertaba ya estaba en la nave espacial, lo que creaba la ambigüedad de si todo lo que narraba la película era un sueño.
La película se estrenó el 25 de diciembre de 1999, y recaudó en Estados Unidos 71.583.916 de dólares, siendo su recaudación final a nivel mundial de 90.683.916 de dólares. Tendiendo en cuenta que su presupuesto fue de 45 millones de dólares, salvó los muebles, pero se quedó lejos de la taquilla que podría haber hecho.
Al final Héroes fuera de órbita hizo suya la frase nunca abandonar, nunca rendirse, y poco a poco se ha convertido en una película de culto, y ha conseguido una legión de fans tan fiel como la trekkie. Además ya cuenta con su propio documental Never Surrender: A Galaxy Quest Documentary (2019).

ESCENAS ELIMINADAS
Existen varias escenas cortadas del montaje final, que han sido incluidas en las ediciones de vídeo doméstico. Son las siguientes:
1. Los thermianos llevan a los protagonistas a la sala del reactor, y le piden ayuda a Fred Kwan para resolver un difícil problema, algo que hace éste hace gracias a la ayuda de un ingeniero thermiano, pero se lleva él todo el mérito.

2. Quellek le muestra a Dane su habitación en la nave, que dispone de una cama formada por pinchos y un extraño inodoro.

3. Una versión alternativa de la escena de la conversación entre Jason y Gwen, en la que se deja entrever (de forma más evidente que en la película) que tuvieron algo en el pasado.

4. Guy exagera cuando su pie queda atrapado en una zanja, Jason le ayuda y hace su "pose vigorosa".

5. La lucha entre Jason y el monstruo de rocas es más larga, y se incluye un momento en el que Dane usa un método de interpretación para descubrir la motivación del monstruo. Al final, Jason lanza unas piedras para atraer a éste hacia una garganta, y el monstruo queda sepultado por unas rocas, pero se recompone rápidamente.

6. Cuando Jason y Gwen van a apretar el botón azul para activar el "Omega 13", aparecen dos esbirros de Sarris y ella trata de seducirlos, cuando se colocan delante de una de las compuertas, ella pide al ordenador que la cierre y los aplasta.

7. Mientras tratan de aterrizar la nave en el parking de la convención, Sarris se despierta y todos comienzan a luchar contra él.

VALORACIÓN
Hérores fuera de órbita es posiblemente la comedia más infravalorada de los 90, cuando se trata de una de las mejores que salieron de aquella década.
Lo más brillante de la película, y en lo que me parece adelantada a su tiempo, es que funciona a dos niveles, por una parte es una gran parodia de Star Trek, pero a la vez funciona como aquello que parodia, ya que es una excelente y entretenidísima película de ciencia ficción. Algo a lo que nos acostumbraríamos después con Edgar Wright y su "Trilogía del Cornetto", pero ahí estaba  primero Héroes fuera de órbita. E incluso podemos ver la película como un precedente de Guardianes de la galaxia (2014) en su mezcla de space opera y cachondeo.
Héroes fuera de órbita es una película que trata sobre los fans, de hecho es LA película sobre los fans. Fue la primera que habló sobre esos frikis que acuden a convenciones y lo saben todo sobre una serie. Y la película nos cuenta como la pasión de estos fans hacen realidad aquello que tanto admiran. Los thermianos logran basar su sociedad (su universo particular), de lo que han aprendido de la serie de televisión, e incluso han construido a escala real la nave "NSEA Protector". Y el corazón de la película está en el personaje de Justin Long, quien no sólo descubre que las aventuras de sus héroes son reales, si no que además termina formando parte de ellas.
Al mismo tiempo, los protagonistas de la serie tienen la oportunidad de dar vida en el mundo real aquellos personajes que inmortalizaron en la pequeña pantalla, y sólo necesitan que alguien crea en ellos para hacerlo realidad. De esa forma, la ficción se vuelve realidad, de una forma sutil esos personajes de ficción cobran vida.
Hay guiños claros a Star Trek, pero muy bien integrados en la trama, desde la broma sobre como Jason siempre pierde su camiseta (algo que frecuentemente le sucedía a Kirk), pasando por la escena de la nave saliendo del muelle espacial como parodia de una escena similar en Star Trek: La película (1979), y la lucha de Jason con el monstruo de piedra en un planeta desértico, que recuerda a la famosa escena de William Shatner luchando contra un monstruo reptiliano en el episodio "Arena", incluso en Star Trek V: La última frontera (1989) estaba previsto que hubiese un monstruo de piedra, pero fue eliminado del montaje final.
A Jason le encanta ser el comandante y recibir todo el reconocimiento, por eso abraza la propuesta de ayudar a los thermianos, porque puede ser realmente el comandante Peter Quincy Taggert. Entre él y Gwen hay una atracción, pero a ella no le gusta su lado egoísta, y sólo una vez Jason pasa por todo su arco hasta ser un auténtico líder, que ella lo acepta. Y es que los personajes están muy bien definidos y nos interesan, y sobre todo nos divierten. Funcionan muy bien como un equipo, y su dinámica es fantástica (por ejemplo, entendemos esa rivalidad entre actores de Jason y Dane). Toma como referentes los personajes de Star Trek, pero les da una vuelta y hace que tengan personalidad propia, aunque podemos ver rasgos de Kirk/Shatner en Jason/Allen o de Spock/Nimoy en Dane/Rickman. Y los thermianos, unos extraterrestres tan inocentes que no entienden el concepto de mentir, sólo pueden caernos bien, y ese aspecto hace que resulte creíble que se tomen la serie como algo real.
Uno de los puntos fuertes de la película es su reparto. Tim Allen nunca ha estado mejor que en Héroes fuera de órbita, nos resulta totalmente creíble como la estrella de una serie de televisión de ciencia ficción (hay que recordar la popularidad que contaba con Un chapuzas en casa y que puso voz a Buzz Lightyear en Toy Story), y es perfecto como remedo de William Shatner sin llegar a imitarlo directamente. Alan Rickman está muy divertido como ese Leonard Nimoy cansado del papel que le dio la fama, y vuelve a demostrar su don para la comedia (e interpreta a un actor Shakesperiano que trabaja en ciencia ficción, y justo él era un actor shakesperiano haciendo ciencia ficción). Sigourney Weaver hace un papel opuesto a Ripley y demuestra que tiene una gran vis cómica. Tony Shalhoub consigue sacar oro de un personaje, que sobre el papel no tiene nada. Pero el que se lleva la palma es un divertídisimo Sam Rockwell, nadie como él para dar vida a un idiota de forma memorable.
El guión funciona como un tiro y hay escenas que demuestran que estamos ante algo más que una buena comedia. Como por ejemplo, en la escena en la que Alexander Dane recita para Quellek su famosa frase del martillo de Grabthar. Esta escena sirve para que, por una parte Dane haga las paces con su personaje y lo acepte, por otro le regala a un fan que las últimas palabras que oiga sean la frase que el actor se niega siempre a decir y que tanto le gusta, y a otro nivel encaja con la escena ya que cuando jura venganza, realmente venga la muerte del thermiano. Es una escena perfecta.
Y hay hueco para otros momentos dramáticos, como la confesión de Jason a Mathesar diciéndole que es un actor.
Pero la película donde brilla, es por supuesto en los momentos de comedia, y está plagada de muchos geniales. Uno de mis preferidos es cuando todos los protagonistas son transportados a la estación espacial y llegan totalmente mareados y fuera de sí, pero el personaje de Fred Kwan está tranquilo como si no hubiera pasado nada. Y tiene otros muy sutiles que pasan prácticamente desapercibidos, como que Dane lleve a lo largo de toda la película el maquillaje del Dr. Lazaraus (siempre está metido en el personaje) incluso cuando está en casa, y conforme avanza la película se va deteriorando. O que Kwan interprete a un oriental en la serie, pero sólo de forma intermitente, como si en ocasiones no se acordase de ello.
Me gusta como cierran la película, con imágenes del regreso a la televisión de la nueva temporada de "Galaxy Quest", utilizando los créditos de esta serie con la presentación de cada personaje para usarlo como créditos finales de la película, como esas películas (normalmente bélicas) que cierran con una cortinilla similar. Aquí está integrado de una forma muy orgánica.
La película toma el mismo high concept de Tres amigos (1986), pero lo mejora. Donde aquella se quedaba en la broma fácil, Héroes fuera de órbita le añade varias capas al conjunto.
Héroes fuera de órbita es una gran comedia de ciencia ficción, que gana con los años. Está llena de diversión, espectáculo y cariño por los fans. Es mejor película de Star Trek, que la mayoría de las películas de Star Trek (y tiene mejores efectos especiales). Así que por el martillo de Grabthar, darle una oportunidad a esta película.

CURIOSIDADES
Robert Gordon no leyó el guión de David Howard, hasta después de que la película estuvo terminada.
Paul Rudd hizo una audición para la película.
Al final de la película se dice que la serie "Galaxy Quest" regresa con nuevos episodios, 18 años después de su cancelación. Star Trek: La nueva generación (1987-94) se estrenó 18 años después de la cancelación de Star Trek (1966-69).
Tim Allen, es un gran fan de la ciencia ficción, y durante el rodaje le insistió a Sigourney Weaver para que le firmase un trozo de atrezzo que poseía de Alien (1979). Al final lo consiguió, y ella escribió: "Robado por Tim Allen. Con amor, Sigourney Weaver."
En 2008, se comenzó a publicar el cómic de "Galaxy Quest", obra de Scott Lobdell e Ilias Kyriazis, a modo de secuela de la película.
Ganó el premio Saturn al mejor actor (Tim Allen). Y fue nominada en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor director (Dean Parisot), mejor actriz (Sigourney Weaver), mejor actor secundario (Alan Rickman), mejor interpretación de un joven actor/actriz (Justin Long), mejor música (David Newman), mejor vestuario (Albert Wolsky), mejor maquillaje (Stan Winston, Hallie D'Amore y Ve Neill), y mejores efectos especiales (Stan Winston, Bill George, Kim Bromley y Robert Stadd).
Ganó el premio Hugo a la mejor presentación dramática (Dean Parisot, David Howard y Robert Gordon).
Dos actores de la película han trabajado en series de Star Trek, Heidi Swedberg lo hizo en un episodio de Star Trek: Espacio Profundo Nueve (1993-99) y Rainn Wilson en dos episodios de Star Trek: Discovery (2017).
Gordon escribió la frase, "Por el martillo de Grabthar", de forma temporal, para cambiarla posteriormente por una mejor, pero cuando vio que comenzaron a imprimir camisetas con ella, se terminó quedando tal cual estaba.
En 2015, se anunció la realización de una serie con todo el reparto de regreso, pero la muerte de Alan Rickman en 2016 echó al traste el proyecto.
La película se ha vuelto muy popular entre los fans de Star Trek, tanto que en la "Star Trek Convention" de 2013 en Las Vegas, entró dentro de la votación de las mejores películas de la saga, y se colocó en el puesto 7º del ranking
La revista Rolling Stone la situó en el puesto 79, de su lista de "Las 150 mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos".

BIBLIOGRAFÍA
Never Surrender: A Galaxy Quest Documentary (2019)
Starlog Magazine (Nº 269, 270)
Galaxy Quest (Entertainment Weekly, 16 nov 1999)
Hanks, Ford outclout film on hizzoner (Chicago Tribune, 1 nov 1998)
Making Thermians and other creatures and effects (Stan Winston School, 29 abr 2022)
Imágenes de actualidad (Nº 189)
Cinefantastique Magazine - Vol 31 Nº 10

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Thursday, January 04, 2024

Repaso al 2023

Un 2023 bastante convulso acaba de terminar ¿y qué se recordará de él? La guerra de Gaza, el hundimiento del submarino Titan, los ataques de la orca Gladys y su séquito, la detención en Tailandia de Daniel Sancho tras descuartizar a un hombre, la dimisión de Luis Ribuales tras el beso no consentido a Jenni Hermoso, el terremoto de Marruecos, Pedro Sánchez de nuevo nombrado presidente del gobierno de España, y la guerra de Ucrania aún en activo. Además Taylor Swift arrasó (con nuevo disco, película concierto y una espectacular gira). Y también fue el año de las IAs, que estuvieron en boca de todos, desde el cine (presente en películas como Misión: Imposible - Sentencia mortal. Parte Uno y The Creator) a series de televisión (Mrs. Davis), pasando por la música (la aparición de una nueva canción de Los Beatles) y como parte importante de las huelgas de la asociación de actores y guionistas.

TOP CINE
El 2023 fue un año cuanto menos difícil para el cine. Como contaba en la introducción, Hollywood se vio sacudido por la huelga de la asociación de actores (la más larga de la historia) y de guionistas. No sólo eso, la sucesión de fracasos en grandes superproducciones (Flash, The Marvels, Indiana Jones y el dial del destinoAnt-Man y la Avispa: QuantumaníaWish, Misión: Imposible - Sentencia mortal. Parte UnoDungeons & Dragons: Honor entre ladronesFast X por citar sólo los casos más gordos) sembró el pánico en los grandes estudios. Aún así la taquilla sigue en proceso de recuperación tras la pandemia, en Estados Unidos se superaron las cifras del año anterior en un 21%. Fue además el año del Barbenheimer, a raíz del del estreno el mismo día de dos películas tan opuestas como Barbie y Oppenheimer, lo que empezó como un meme, terminó siendo la mejor campaña de publicidad para ambas películas, convirtiéndose la primera en la más taquillera del año. Batgirl fue guardada en un cajón por la Warner, pese a estar terminada. Y Todo a la vez en todas partes se alzó con el Oscar a la mejor película (siendo la primera película de ciencia ficción en conseguirlo).

El 2023 no fue precisamente el año en que más cine vi, pero intenté ser bastante selectivo. Y creo que la cosecha cinematográfica fue bastante buena. A continuación la lista de mis 10 películas preferidas del 2023 en orden alfabético:

Babylon (Babylon)
Un canto un amor al cine, retratando lo peor de Hollywood, como un reverso tenebroso de Cantando bajo la lluvia. Está llena de excesos y bilis, pero también de buen cine. En unos años será un clásico. Fue mi película favorita del año.

Flora y su hijo Max (Flora and Son)
John Carney ha vuelto a hacer la misma película de siempre, como la música puede unir a las personas, y por mí, puede hacer una de estas cada año.

Háblame (Talk to Me)
Consigue que se den la mano, con total naturalidad, cosas tan dispares como el puro terror, el dolor por una perdida, y la adicción de las drogas, de una forma original. Y posee posiblemente la mejor escena final del año. 

John Wick 4 (John Wick: Chapter 4)
Fue el festival de tiroteos, coreografías, peleas y tiros a la cabeza que estábamos esperando. Tarda en arrancar, pero una vez lo hace, es gloriosa.

Los asesinos de la luna (Killers of the Flower Moon)
Aún con algunos peros (su excesiva duración, y que el cambiar el punto de vista de la historia del marido al agente del FBI seguramente le habría beneficiado), en un film formidable sobre el mundo criminal (algo en lo que Scorsese es un maestro), está rodada de lujo, tiene grandes interpretaciones, y de paso habla de los Estados Unidos y su pasado escrito en sangre.

Los Fabelman (The Fabelmas)
Desde que leí el anuncio de este proyecto, se convirtió en una de las películas más esperadas por mí de este año, y tras verla y teniendo en cuenta algún problemas (excesiva duración y el caer en algunos clichés), me parece un gran film, casi a la altura de mis expectativas, donde destaca por encima de todo, esa historia sobre un chico que sueña con ser director de cine.

Nimona (Nimona)
Fue toda una sorpresa inesperada, una película de animación siempre divertida, fresca y emocionante. Con su mensaje por bandera de aceptar o tratar de entender a los que son diferentes, se convirtió en mi película de animación favorita del año.

Oppenheimer (Oppenheimer)
No es la mejor obra de Nolan, pero sí la que posiblemente le haga ganar el Oscar. Una muy interesante película sobre la persona que cambió (para mal) el curso de la historia. El director consigue hacer un biopic de tres horas, sobre un físico teórico, con gran parte del metraje en blanco y negro, y que resulte siempre fascinante y entretenido, lo cual no es nada fácil.

Spider-Man: Cruzando el multiverso (Spider-Man: Across the Spider-Verse)
Aunque está un escalón por debajo de la primera parte, es una maravilla visual y lo más lejos que ha llegado la animación en los últimos años. Cuando mete la directa, ya no baja el ritmo y se cierra con un gran final, que deja con ganas de más.

Vidas pasadas (Past Lives)
Una película muy sencilla sobre los ¿y si? Una historia de amor nunca consumada y las dudas sobre como habría sido de haber tomado otras decisiones. Una joyita.


TOP SERIES
Las series de televisión también se vieron afectadas por las huelgas de actores y guionistas. Parece que la burbuja de las plataformas de streaming ha explotado, salvo Netflix, la mayoría han tenido grandes perdidas económicas o de suscriptores (Disney, Paramount y Warner fueron las más afectadas). En el campo de los premios, Succession ganó el Emmy a la mejor serie dramática, y Ted Lasso hizo lo propio en la categoría de comedia. Y la nota triste la puso la muerte de Matthew Perry.

Mis cinco series del año fueron:

Poker Face - 1ª temporada
Llevaba años esperando una serie así, una revisión de Colombo con aires renovados, y que resulta una rareza a día de hoy, por ir en contra de lo que se hace actualmente en el terreno de las series. Sólo Rian Johnson lo podía hacer posible.

Succession - 4ª temporada
Un gran final para una de las series de cabecera de los últimos años. Ni un episodio por debajo del notable. Y me parece un acierto de su creador cerrar con la cuarta temporada.

Ted Lasso - 3ª temporada
La serie terminó su última temporada dejándonos con buen rollo en el cuerpo y una sonrisa en la cara. No me esperaba menos.

The Bear - 2ª temporada
Creo que esta temporada estuvo un poco por debajo de la primera, pero aún así fue genial acompañar a los personajes de "The Bear" entre los fogones, con sus tensiones y problemas, para conseguir abrir su soñado restaurante.

The Last of Us - 1ª temporada
La mejor serie de alto presupuesto del año. Nunca jugué al videojuego, pero igualmente me atrapó. Pese a recorrer caminos ya transitados, lo hace de una forma eficaz, inteligente y madura. Y Pedro Pascal está fantástico.


Y mis seis episodios preferidos del 2023 fueron los siguientes:

Barry - 4x04 - "it takes a psycho"
Todo el mundo alabó el quinto episodio de la temporada, pero creo que fue el cuarto el más puramente Barry, tiene momentos hilarantes, giros de guión sorprendentes, un genial cameo de Sian Heder y una escena final que te deja con el culo torcido.

Doctor Who - 14x03 - "The Giggle"
El Doctor cumplió 60 años de la mejor forma posible. El episodio recuperó el tono y sentido de la maravilla de los finales de temporada marca Russell T. Davies. Lo tiene todo, un excelente villano, grandes momentos, mucha épica, y hay cabida para hablar del estado del mundo actual. Además sirve como cierre y nuevo comienzo para el Doctor. Una maravilla.

Poquita fe - 1x04 - "Abril"
El capítulo con el que más me reí el año pasado (sí, el del cuadro de Franco).

Succession - 4x10 - "With Open Eyes"
El final de la serie fue la tragedia griega que se esperaba. Sin soltar spoilers, creo que la serie termina de la única forma que podía terminar.

The Bear - 2x07 - "Forks"
En 30 minutos vemos todo el arco de transformación del primo Richie, de ser un completo gilipollas, a alguien centrado, con un propósito en la vida. El plato mejor elaborado de la temporada, y el mejor episodio que vi el año pasado.

The Last of Us - 1x03 - "Long, Long Time"
La serie se sale por la tangente para contar una historia independiente a la trama principal, condensando en poco más de una hora, una gran historia de amor. Un episodio emotivo, trágico y muy memorable. 


Esto es lo que dio de sí el 2023, os deseo lo mejor para el 2024.

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Tuesday, December 05, 2023

Big

"Quiero ser mayor."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un niño de 13 años pide el deseo de ser un adulto, y éste se cumple.

DESEO CONCEDIDO
Anne Spielberg (hermana de Steven Spielberg) y Gary Ross escribieron a cuatro manos el guión de Big (Big, 1988). En 1985, ambos llevaron el libreto al director y productor James L. Brooks, quien lo desarrolló con los guionistas durante un año. El guión fue comprado por la Twentieth Century Fox, con Brooks como productor asignado mediante su compañía Gracie Films.
Inicialmente Steven Spielberg estuvo ligado durante un par de meses como director del proyecto, y su idea era que Harrison Ford interpretase el papel principal. Finalmente decidió no rodar la película para no robarle protagonismo a su hermana.
El proyecto se ofreció a varios directores, pero fue rechazado uno tras otro, entre ellos estaba Charles Shyer (El padre de la novia).
Fue Penny Marshall quien finalmente tomó las riendas del proyecto, la directora conocía a Brooks de sus tiempos en Paramount Television en los 70. La famosa protagonista de la comedia de televisión Laverne & Shirley (1976-83) dio el salto a la dirección con Jumpin' Jack Flash (1986), y a punto estuvo antes de filmar Peggy Sue se casó (1986), proyecto que dejó por diferencias creativas. Fue durante la post-producción de Jumpin' Jack Flash que el famoso productor entró en la oficina de Marshall con el guión de Big bajo el brazo, y le dijo que esa sería su siguiente película.
Casualidades de la vida, al mismo tiempo que se desarrollaba Big, también los hacían otras películas de cambio de cuerpo entre un adulto y un niño, como De tal astilla, tal palo (1987), Viceversa (1988) y Plantón al cielo (1988). Curiosamente Big fue la última en estrenarse, pero la primera en ser escrita. Marshall llegó a leer los guiones de las dos primeras. Aunque inicialmente hizo pruebas a cómicos, cuando supo de la existencia de esas películas, decidió hacer algo distinto, y comenzó a probar a actores dramáticos (por eso entró Robert De Niro en el proyecto, más sobre esto en unos párrafos).
Robert Greenhut, productor de muchas de las películas de Woody Allen (La rosa púrpura de El CairoDías de radioMisterioso asesinato en Manhattan) fue asignado como productor de la película.

REPARTO
Tras la salida de Harrison Ford del proyecto, Marshall le ofreció el papel principal a Tom Hanks, Kevin Costner y Dennis Quaid, y fue rechazado por los tres. Quaid, años después, lo consideró el gran papel de su carrera que no realizó. Sean Penn hizo una gran prueba, pero era demasiado joven. Andy García también destacó en las pruebas, pero un ejecutivo de la Fox lo descartó por ser hispano. Gary Busey también hizo una prueba, pero Marshall lo veía bien interpretando a un niño, pero no a un adulto. John Travolta quería el papel, pero el estudio no lo quería por estar considerado veneno para la taquilla. Albert Brooks lo rechazó porque no quería interpretar a un niño.
No había forma de encontrar al actor que diera vida a Josh, e incluso se barajó un cambio de género. Debra Winger, con quien Marshall a punto estuvo de hacer Peggy Sue se casó, le preguntó si podían cambiar el guión para que la protagonista fuera una niña, pero al final Marshall la descartó porque no funcionaría para el público, ver a un adulto que tiene una relación con una niña de 12 años.
Entonces Marshall decidió cambiar el perfil del actor que buscaba (también para distanciarse de las otras películas de temática similar que se estaban desarrollando), y le ofreció el papel a Robert De Niro, quien para sorpresa de todos, se interesó en participar en la película. El protagonista de El cabo del miedo buscaba un papel más comercial, en una película para toda la familia. La decisión de De Niro de participar en la película dio respetabilidad al proyecto, de pronto, actores que habían rechazado la película, mostraban interés en ella. 
Marshall reunió a De Niro y Jared Rushton, el niño que interpreta al amigo de Josh, para que interactuaran.
Todos sabemos que De Niro no terminó participando en la película, lo primero que sucedió es que realmente Barry Diller, el presidente del estudio, no quería al actor para el papel y prefería a Warren Beatty. Marshall se llegó a entrevistar con el protagonista de Dick Tracy, pero no funcionó, ya que no quería recibir indicaciones en su actuación. A De Niro no le sentó bien saber que no era la primera opción. Pero lo que lo complicó todo, es que el sueldo que iba a recibir era bastante bajo, y se publicó un artículo en la prensa sobre los sueldos que recibían otros actores, y eran cifras muy superiores comparadas a la que iba a recibir De Niro por este trabajo. Según contó Marshall en una entrevista al New York Post, James L. Brooks le sugirió que le diese su sueldo a De Niro para contratarlo, pero el actor se negó a que la directora hiciese eso. Al final por una cosa y por otra, De Niro dejó el proyecto.
Se reanudó la búsqueda de Josh. Le ofrecieron el papel a Matthew Modine quien lo rechazó, y según declaraba el actor, el guión que recibió era más oscuro que el que finalmente se filmó. "Le habían ofrecido la película a Robert De Niro y Harrison Ford antes de venir a mí," declaraba el actor al Independent, "así que no tenía sentido, porque esos tipos son casi 20 años mayores que yo. Pensé que si me eligieran para la película, no tendría la ironía que necesitaba."
Los dos contendientes finales para el papel fueron Tom Hanks y Jeff Bridges. El primero originalmente había rechazado el papel, pero ahora quería hacerlo, y era otra de las opciones de Barry Diller, pero estaba rodando Dos sabuesos despistados (1987) y no estaba disponible. Bridges por su parte, estaba interesado en el papel y su interpretación en Starman (1984), era cercana a lo que buscaba Marshall para dar vida a Josh. Al final la directora escogió a Hanks, lo que implicó retrasar el rodaje hasta que quedara liberado de su anterior compromiso. El actor cobró un sueldo de 1.750.000 de dólares por su trabajo.
Elizabeth Perkins fue contratada para dar vida a Susan, el interés amoroso de Josh. Cuando Perkins entró en el proyecto, era De Niro quien iba a interpretar a su partenaire.
Cuando Marshall estaba haciendo pruebas para el papel de Susan, vio que el actor John Heard estaba en las pruebas esperando a que su novia leyera, y le pidió a él si podía leer el papel del odioso Paul con ella, y le hizo tanta gracia que lo contrató. 
Dar con el actor que fuera una joven versión de Tom Hanks no fue tarea fácil. "Examinamos a todos los niños del sistema escolar de la ciudad de Nueva York," recordaba Marshall al Los Angeles Times. David Moscow hizo la audición para el papel de Billy, el mejor amigo de Josh, pero el joven actor se terminaría llevando el papel de Josh. Medio año después de realizar la audición, recibió la llamada para comunicárselo. Para parecerse más a Hanks le tiñeron el pelo, tuvo que llevar lentes de contacto verdes, y como se le cayeron varios dientes durante el rodaje, tuvo que utilizar un aparato ortopédico para suplir los que le faltaban.
El primer actor que escogió Marshall para participar la película fue Jared Rushton, que interpretó a Billy.
Marshall había trabajado con Jon Lovitz en Jumpin' Jack Flash y volvió a llamarle para darle el papel de Scotty Brennen en Big. La directora le quería por su capacidad para la improvisación, pero una vez en el rodaje, Marshall le pidió que no improvisara, ya que según ella eso molestaba a los guionistas. Lovitz decidió ser más sutil a la hora de ser divertido, y después Marshall le dijo que era justo lo que buscaba en su interpretación.
El resto del reparto lo formaron Robert Loggia (en el papel de MacMillan, el jefe de Josh) y Mercedes Ruehl (interpretando a la madre de Josh).

RODAJE
Con un presupuesto de 18 millones de dólares, el rodaje comenzó el 10 de agosto de 1987, y terminó el 29 de octubre del mismo año. Se filmó en diferentes localizaciones de Nueva York y Nueva Jersey, como el Yankee Stadium, el Puente George Washington, Times Square o la juguetería FAO Schwarz.
Marshall grabó en vídeo a David Moscow, interpretando las escenas de Hanks con los otros actores, para que éste supiera como afrontarlas. Después Hanks grabó en vídeo a Moscow y sus amigos en momentos específicos de la que película, para saber como lo harían unos niños. Por ejemplo, la escena en la que Hanks y John Heard pelean en una cancha de squash, y el primero aparta la pelota del segundo para que no la alcance, surgió de Moscow y un amigo suyo.
Hanks comenzó los ensayos tres semanas antes de comenzar el rodaje. En 2009, el actor declaró que nunca había ensayado tanto para una película. Él y Marshall denominaron el tipo de actuación INSH  "innocence and shyness" (inocencia y timidez), las dos cualidades que definían a Josh. Según Marshall, esto era clave para que funcionara la película. "Tuve que convencerlo de que tenía que tener 12 años, no interpretar que tenía 12," explicaba la directora al Los Angeles Times
Durante esos ensayos hubo un momento en el que Moscow lo pasó realmente mal. Fue durante la escena de seducción entre Susan y Josh. El joven Moscow se sintió muy avergonzado al hacer la escena con Elizabeth Perkins y se quedó totalmente callado. Moscow creía que Hanks tomó buena nota de su reacción, para su interpretación de la misma escena.
Marshall decidió cambiar un detalle en la escena final entre Josh y Susan, estaba escrito que ella lo besaba en los labios antes de despedirse, pero la directora consideró que ella ya sabía en ese momento  que Josh tenía 13 años, por lo que parecía inapropiado, y consideró mejor que lo besara en la frente. Además se rodaron diferentes tomas con distintas reacciones de Perkins al ver a Josh convertido en un niño de 13 años.
Por su parte, el estudio quería un final en el que Susan pidiese el deseo de tener también 13 años, pero Marshall se negó.
Muchas secuencias fueron fruto de la improvisación. Una de ellas fue el momento de la fiesta en la que Hanks lleva un ridículo esmoquin blanco, y comienza a jugar con la comida. Hanks llegó hacer 15 versiones distintas de la escena con diferentes tipos de comida. Marshall encontró un poco de maíz tierno, y sólo con una seña que le hizo a Hanks, éste supo lo que tenía que hacer, e improvisó el momento en que lo come como si fuera una mazorca de maíz. La reacción de Hanks de comprobar si lleva la bragueta abierta, cuando se le quedan mirando, fue una idea del actor. También fue en su mayor parte improvisada la escena en la que Hanks y Perkins saltan en la cama elástica.
Cuando tocó rodar esta escena, a Marshall se le ocurrió filmar una toma desde fuera del edificio, el productor Robert Greenhut no quería hacerla, así que la directora, obstinada en conseguirla, esperó hasta que el productor se echó una siesta altas horas de la madrugada para rodarla.
Barry Sonnenfeld fue contratado como director de fotografía. El futuro director de Hombres de negro, había comenzado en el cine como camarógrafo de los hermanos Coen en Sangre fácil (1984) y Arizona Baby (1987). Inicialmente tuvo una reunión con Penny Marshall, que no salió demasiado bien. Sonnenfeld ya creía que había perdido el trabajo, cuando a diez semanas de empezar el rodaje, aún no tenían a un director de fotografía contratado, y Greenhut se acordó de él y lo llamó para darle el trabajo. Pero a Sonnenfeld, un neurótico de tomo y lomo, no le gustó como se refirió a él durante la conversación y exigió que le hiciera otra entrevista. Greenhut, que no daba crédito, ya que básicamente ya le acaba de dar el trabajo, aceptó hacerle otra entrevista ese mismo día. Una vez Sonnenfeld dijo sí para encargarse de la fotografía de Big, el productor se lo quiso llevar a buscar localizaciones, pero Sonnenfeld se negó a irse hasta tener un trato, Greenhut que volvía a no dar crédito, llamó al agente de Sonnenfeld y acordaron un trato en tan sólo unos minutos. Se produjo un parón entre la salida de De Niro y la entrada de Hanks, por lo que a Sonnenfeld le dio tiempo a rodar entremedias Tira a mamá del tren (1987). Cuando Hanks estuvo disponible, Sonnenfeld se puso manos a la obra con Big. Él y Marshall no tuvieron una buena relación, desde el punto de vista de Sonnenfeld, a la directora le gustaba rodar muchas tomas (podía hacerlo hasta 40 veces), con diferentes ángulos de cámara. Por otra parte, según la directora, Sonnenfeld pretendía rodar Big de la misma forma estilizada que había afrontado en Sangre fácil, y eso no encajaba con su visión de la película. En la segunda semana de rodaje, le dijo a Sonnenfeld que quería despedirlo, pero que no le dejaban.
A Marshall le costaba tomar decisiones, por ejemplo, no tuvo claro hasta el primer día de rodaje si Elizabeth Perkins debía ser rubia o pelirroja, así que ese día rodaron todas las tomas dos veces, primero con la actriz con una peluca rubia, y después con una pelirroja (al final se decantó por ésta última). Cuando tuvieron que rodar la escena en la que Hanks y Perkins viajan en una limusina, la directora no sabía entre que tres coches escoger, por lo que la misma noche en que debían rodar la escena, el equipo preparó los tres coches para que tomara una decisión, y aún así no lo hizo, le preguntó a Sonnenfeld que coche escoger, y éste respondió que la limusina, y ese fue el que utilizaron.
Cuando rodaron la escena en la que Hanks choca contra Perkins y Loggia, Marshall repitió una y otra vez la toma, a la número 15, Loggia le dijo a la directora que era muy mayor y que sólo iba a chocar contra Hanks una vez más, sólo una. Cuando estaban rodando, Perkins dijo mal su frase, por lo que la toma no era válida, pero Marshall decidió seguir adelante, seguramente por no percatarse de ese error. Sonnenfeld trató de avisarla varias veces, pero le ignoró. La toma no valdría y Loggia no haría más repeticiones, por lo que era un momento de bastante tensión. Al final, antes de que se produjese el choque, el propio Sonnenfeld gritó "Corten", ante la sorpresa de Marshall (eso es algo que nadie puede hacer en un rodaje excepto el director). Cuando Marshall le preguntó a Sonnenfeld que había sucedido, éste le respondió que se había fundido una luz. Hicieron una otra más y fue la que la usaron en la película.
Tal vez la escena más recordada de Big es aquella en la que Hanks y Loggia tocan con los pies un piano. Fue idea de Anne Spielberg introducirlo en el guión, tras verlo en la juguetería FAO Schwarz de Nueva York. Fue en ese mismo lugar, donde se rodó la secuencia, pero el piano que tenían, no era realmente funcional, y era demasiado pequeño para que ambos actores lo tocaran. Marshall se puso en contacto con su inventor, Remo Saraceni, y le pidió que hiciera uno nuevo más grande, que se iluminase cuando tocaran una nota, y que cada nota sonase con su octava correspondiente. Los productores querían que unos dobles hicieran el baile, pero Marshall prefería que lo realizaran los propios actores, por lo que contrató a la coreógrafa Patricia Birch, quien hizo que Hanks y Loggia ensayaran en un piano de cartón. En la secuencia primero tocan "Heart and Soul", y fue idea de la directora que después tocaran "Chop Sticks". Según contaba Loggia, cuando ambos actores llegaron a la juguetería para rodar la escena, se encontraron con dos dobles que iban a rodar en su lugar los pasos de baile, pero ambos decidieron rodar ellos mismos la escena. Salió en la primera toma.
El videojuego "The Cavern of the Evil Wizard" al que Josh juega no era real y fue creado expresamente para la película por el ingeniero informático David Satin. Y rodar la escena inicial fue todo menos alta tecnología, ya que no era un videojuego funcional, de modo que cada vez que Moscow pulsaba un tecla de su teclado, Satin, fuera de plano, hacia lo mismo con su propio teclado, para avanzar los fotogramas de la animación que había creado.
Cuando Jon Lovitz llevaba aproximadamente una semana rodando, padeció una fuerte gripe, y tuvo que ausentarse del rodaje durante una semana. Una vez se recuperó, no llamó a Marshall para comunicarle que se encontraba bien, porque consideraba que su papel no merecía la pena. Según contó a AV Club, cuando la película terminó resultando un gran éxito, el cómico pensó: "Soy un idiota." 
Mientras James L. Brooks dirigía Al filo de la noticia (1987), le enviaba a Marshall notas sobre el material que ella iba rodando. Al final la directora decidió filmar de nuevo unas diez escenas.
Tras un proceso de montaje en el que Marshall fue afinando la película, quitando todo aquello que no funcionaba, Big estuvo lista para su estreno en Estados Unidos el 3 de junio de 1988. Resultó ser un enorme éxito de taquilla, amansando 114.968.896 de dólares (cuarta película más taquillera del año en su país de origen). Y la cifra total a nivel mundial ascendió a los 151.665.347 de dólares (una de las diez películas más taquilleras del año a nivel mundial). Además Penny Marshall se convirtió en la primera directora en superar los 100 millones de dólares de recaudación con una película.
La suerte también le sonrió a la película en la hora de los premios. Entre otros, Tom Hanks ganó en Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical, y la película fue nominada en la categoría de mejor película comedia o musical. Big fue nominada a los premios Hugo a la mejor presentación dramática (Penny Marshall, Gary Ross y Anne Spielberg). El guión fue nominado a los Writers Guild of America. Tom Hanks ganó el premio de Los Angeles Film Critics Association. Pero el premio gordo fueron las dos nominaciones al Oscar en las categorías de mejor actor (Tom Hanks), y mejor guión original (Gary Ross y Anne Spielberg).

VERSIÓN EXTENDIDA
En 2007, con la salida de una edición de DVD de la película, pudimos descubrir una versión extendida de una duración de 130 minutos (la versión estrenada en cines es de 104 minutos). Los principales añadidos en esa nueva versión son los siguientes:
Se muestran más escenas de Josh con su familia cuando es un niño. Sus padres hacen que su hermana pequeña duerma en su habitación.
Conocemos a la familia de Billy, incluyendo a su madre interpretada por Frances Fisher.
Hay una escena en la que los padres de Josh hablan con la policía, creyendo que su hijo ha sido secuestrado.
La escena en la que Josh y Billy buscan en el periódico posibles trabajos para el primero, es más larga.
Hay una escena de presentación del personaje de Susan en la oficina totalmente nueva.
Josh y Billy van juntos a una sastrería, para conseguirle al primero un traje que llevar a la fiesta.
La secuencia de la fiesta de la empresa es más larga.
Hay una secuencia en la que Josh entra en el despacho de MacMillan, y hablan sobre el primer juguete que éste produjo.
La secuencia de la cita de Josh y Susan en la feria es más larga.
Hay una secuencia en la que Josh observa como juegan unos niños (y que ayuda a comprender su decisión de querer tener de nuevo 13 años).
Hay una secuencia en la que Josh le muestra a Susan un nuevo juguete, y ella se va a buscar café, y por el camino se topa con MacMillan, quien le dice que se alegra de que ella y Josh estén juntos.
La mañana después de que Josh y Susan tengan la discusión, ella encuentra en la cartera de él la tarjeta de Zoltar. Después de camino al trabajo, se paran a comprar chicles en un quiosco, y Josh le entrega a ella unos chicles para niños (estos momentos son los que después dan sentido a que Susan crea que Josh es realmente un niño).

VALORACIÓN
Siempre he considerado a Big una de mis comedias favoritas de los ochenta. Me encantó cuando la vi de niño, cuando crecí me siguió pareciendo fantástica, y a día de hoy siendo un adulto, me sigue encantando. Creo que consigue sacar ese niño interior que aún vive en mí.
Big habla sobre los cambios que se producen al llegar a la adolescencia, tanto de tipo personal, como físicos (estos últimos son exagerados en la película). Cuando Josh vuelve a ser un niño al final de la película, su infancia ha llegado a su fin, y comenzará la adolescencia, toda la película muestra su proceso de maduración. Y al mismo tiempo Big habla de lo que implica ser un adulto. Todos de niños deseamos ser mayores, pero no sabemos lo que eso conlleva. Josh lo descubre; tiene que conseguir un trabajo, tiene responsabilidades, e inicia una relación sentimental. Josh vive una aventura siendo un adulto por unas semanas, para saber lo que eso significa. Pero toda esa experiencia le hace valorar lo que es ser un niño, aunque dé el paso a la adolescencia, aún le quedan años por delante de no tener preocupaciones, de jugar con sus amigos, y estar con sus padres, algo que uno no puede hacer cuando es un adulto, por eso es coherente que desee volver a ser un niño al final de la película, es una parte de la vida que todos tenemos que vivir. Cuando el Josh adulto regresa a su barrio, revive todo lo que se está perdiendo, tiene 13 años y debería estar haciendo las cosas que hace un niño de 13 años, no trabajando en una empresa. Por eso entendemos que decida pedir el deseo de volver a ser un niño. Y me gusta el enfoque de Susan, cuando Josh le propone que pida el deseo de tener 13 años para estar juntos, y ella le replica que ya lo vivió, ese momento guarda mucha experiencia, ninguno querríamos ser otra vez niños, y pasar por la adolescencia, es una época importante de nuestra vida, pero llena de momentos frustantes y duros, cuesta mucho llegar a ser un adulto y uno no quiere volver la vista atrás y tener que revivirlo de nuevo.
Me gusta la historia de amor entre Josh y Susan, porque creo que encajan, cuando igual no deberían hacerlo, y ambos evolucionan gracias a su relación. Desearía que acabaran juntos, pero es imposible. Aunque me gusta que dejen la puerta abierta, cuando ella le dice que la busque cuando sea mayor.
La amistad entre Josh y Billy siempre me parece real, da igual que Josh tenga la apariencia de 13 años o 30, la película capta perfectamente lo que es la amistad entre dos niños, y aunque uno de los actores sea un adulto, nunca se rompe esa magia.
La película tiene un pie puesto en la realidad, como refleja el susto que se lleva la madre de Josh cuando éste, en su versión adulta, entra en su casa, y ella lo toma por un intruso; y por otro lado Billy casi se pone a llorar, cuando el Josh adulto lo acorrala para hablarle por primera vez. Los personajes tienen reacciones reales y nos hacen creer así, en esta historia fantástica de un niño que se despierta y de repente tiene 30 años. Y eso la diferencia de las otras películas de intercambios de cuerpos de la época, aquí hay más corazón y cariño que en las otras películas juntas, y además no olvida ser muy divertida.
Me encanta como se muestra la evolución del Josh, cuando después de un tiempo viviendo solo, le vemos tomando Oreos mientras se oyen disparos en la calle, y ni siquiera se inmuta, cuando en una escena similar anterior, había roto a llorar al escuchar gritos en el hotel. Se ha endurecido y ha madurado, ya no es el niño que era antes (me parto con esta escena).
También me gusta como cambia el personaje de Elizabeth Perkins, mostrándolo simplemente por como disfruta saltando en una cama elástica. Ella es una trepa que se encuentra con alguien que no es un interesado, y tal vez por primera vez, en muchos años, se lo pasa bien. Su sonrisa después de que Hanks no se acueste con ella, o cuando al día siguiente se pone a jugar con la radio del coche de Heard, nos dicen que algo ha cambiado en ella.
Y es muy coherente que Josh inicialmente  no se quiera acostar con Susan, él tiene 13 años y ella es una mujer adulta, es lógico que a él le gusten la niñas de su edad, y no una mujer cerca de los 30 años. Y es un apunte interesante que una vez lo hacen, Josh se muestre más maduro, como si el tener sexo le haya cambiado, y sea ya totalmente un adulto. 
Creo que la película sabe como funciona la mente e imaginación de los niños. Un buen ejemplo es el trabajo que consigue Josh, probador de juguetes, de niños al ver la película todos deseábamos tener ese trabajo, no podía haber nada mejor.
Son muy creíbles las reacciones de Hanks, parece que son las que tomaría realmente un niño. Como por ejemplo, cuando Susan le pregunta si van en serio en su relación y él reacciona tirándole unos papeles. Y es que lo de Hanks en esta película es sorprendente, siempre creo estar viendo a un niño en el cuerpo de un adulto. Es increíblemente divertido y tierno al mismo tiempo, pero coherente con el personaje. Es una gran interpretación, y ya hacía presagiar todas las grandes interpretaciones que vendrían después. Su nominación al Oscar fue más que merecida.
Todos los actores están fantásticos, hasta Jon Lovitz que a veces puede resultar cargante, aquí está realmente divertido en su pequeño papel.
Marshall es una gran directora de comedia y se nota en esta película más que en cualquier otra de su carrera. Creo que Big es el cenit de su trabajo detrás de las cámaras, aunque después creara títulos destacables como Despertares (1990) o Ellas dan el golpe (1992), su mejor película sigue siendo ésta.
Big es un clásico de las comedias de los ochenta. La mejor película de intercambio de cuerpos que se haya realizado. Tiene escenas para el recuerdo (como la del piano). E hizo que la Academia y el público se tomaran en serio a Hanks, aunque fuera con un papel cómico, en el que daba vida a un niño. Es una maravilla que parece salida de un deseo.

CURIOSIDADES
Penny Marshall y David Moscow volverían trabajar juntos en Los chicos de mi vida (2001).
En 1996, la película conoció una adaptación como musical de Broadway. Fue nominado a cinco premios Tony.
Años después de su estreno, Hanks se reencontraría con la máquina Zoltar, en un sketch del programa "The Late Show with Stephen Colbert", en el que le pedía el deseo de volver a tener 30 años.
Tras el estreno de la película, las ventas del piano creado por Saraceni se dispararon.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
Primera película de la actriz Debra Jo Rupp.
En 1988, Tom Hanks presentó en el Saturday Night Live unas divertidas tomas falsas de Big.

BIBLIOGRAFÍA
How Tom Hanks got ‘Big’ 25 years ago (New York Post, 7 dic 2013)
Steven Spielberg: Interviews, Revised and Updated (Brent Notbohm, Lester D. Friedman, 1990)
Robert De Niro Explains Why He Dropped Out of the Lead in ‘Big’ (The Hollywood Reporter, 8 jun 2021)
With the success of 1988’s ‘Big,’ Penny Marshall’s career turned a corner (Los Angeles Times, 8 jun 1988)
Tom Hanks Interview (Film Comment, mar-abr 2009)
Jon Lovitz (AV Club, 29 dic 2010)
Robert Loggia (AV Club, 8 sep 2011)
Albert Brooks takes a look back on his career (Entertainment Weekly, 30 may 2003)
Matthew Modine: ‘America has never dealt honestly with what its history is’ (Independent, 21 feb 2021)
She Knows Give and Take of Direction (The Morning Call, 5 jun 1988)
Tom Hanks: From Leading Man to Movie Star (The New York Times, 6 jul 1988)
Penny Marshall Edgy, Ambitious and Very 'Big' (The Washington Post, 26 jun 1988)
My Mother was Nuts: A Memoir (Penny Marshall, 2012)
Interview to Dennis Quaid (The View, 3 dic 2019)
The Heart and Soul of the ‘Big’ Piano (The Ringer, 4 jun 2018)
Elizabeth Perkins on luck, sexism and Big’s love scene (The Guardian, 8 abr 2021)
Edge Magazine (5 jun 2014)

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