Agárralo como puedas

El teniente Frank Drebin inicia una investigación para descubrir al responsable del intento de asesinato de su compañero Nordberg. Su principal sospechoso es el magnate Vincent Ludwig, quien planea en secreto asesinar a la Reina de Inglaterra durante un acto en su honor.

Agárralo como puedas (The naked gun: From the files of Police Squad!, 1988) supuso la última película conjunta del grupo ZAZ, sobrenombre por el que eran conocidos Jim Abrahams y los hermanos David y Jerry Zucker. Este grupo fue el responsable de comedias tan sobresalientes como Aterriza como puedas (1980), Top secret (1984) y Por favor, maten a mi mujer (1986). Aunque en esas 3 películas firmaron los 3 como directores, en la película que aquí nos ocupa, sólo aparece acreditado David, figurando Jerry y Jim como productores ejecutivos.

El proyecto de Agárralo como puedas surgió como adaptación cinematográfica de la serie de televisión Police squad!, creada por los ZAZ en 1982, la cual tuvo una corta vida, siendo cancelada en su primera temporada, cuando tan solo se habían emitido 6 episodios. La base de la trilogía de Agárralo como puedas está en la serie, su humor paródico, los personajes, las tramas y el estilo de los gags, ya estaban presentes en Police squad!

De los actores de la serie sólo repiten Leslie Nielsen como el teniente Frank Drebin y Ed Williams como Ted, el científico de la policía. Los personajes del capitán Ed Hocken y Nordberg estaban presentes en la serie, donde eran interpretados por Alan North y Peter Lupus respectivamente, siendo reemplazados en la película por George Kennedy y O.J. Simpson.

La película no toma el camino fácil convirtiéndose en un simple episodio alargado, en su lugar, multiplica las ideas de la serie y consigue tener personalidad propia, creando todo un clásico de la comedia (sí, un clásico). Si Police squad! parodiaba las series de género policial, Agárralo como puedas es una parodia del drama policial, usa los clichés del género para reírse de ellos, ahí están el policía envuelto en una investigación criminal, una posible femme fatale, el villano con un plan criminal, la voz en off clásica del cine negro, etc. El teniente Drebin puede considerarse como una versión cómica y desastrosa de Harry, el sucio.

La película parte de un argumento clásico, pero lo divertido de ella es que su desarrollo está sostenido por sucesión inagotable de gags, que muchas veces carecen de toda lógica (de ahí su gracia). Además se suma el hecho de que todos los actores pese a realizar los mayores disparates siempre permanezcan con cara seria, resultando todo mucho más cómico si cabe. En la película están presentes todos los tipos de gags de los ZAZ; humor slapstick, bromas que acontecen en segundo plano, rotura de la cuarta pared, humor escatológico, juegos de palabras, ... y la idea de que básicamente que no hay reglas.

La película está plagada de geniales gags que son ya clásicos del género, como el prólogo en Beirut con teniente Drebin enfrentándose a los enemigos de América, los populares títulos de crédito, el intento de soborno de Frank a un delincuente de los muelles, el momento "¿y dónde coño estaba yo?", la desastrosa intrusión nocturna de Frank en el despacho de Ludwig, el intento de Frank de salvar a la Reina de Inglaterra, Frank haciéndose pasar por árbitro durante un partido de béisbol... podría estar así todo el día. Es tal la acumulación de gags que es imposible percatarse de todos en un primer visionado.

Agárralo como puedas supuso una de las mejores y más divertidas comedias de los 80, que marcó la última gran obra que ha dado el género de la parodia. La película generó dos secuelas no tan conseguidas, pero sí realmente divertidas Agárralo como puedas 2 1/2: El aroma del miedo (The naked gun 2 1/2: The smell of fear, 1991) también dirigida por David Zucker y Agárralo como puedas 33 1/3: El insulto final (Naked gun 33 1/3: The final insult, 1994) dirigida por Peter Segal.

Lo más recordado de la película fue el descubrimiento de la gran bis cómica de Leslie Nielsen, actor conocido hasta entonces por papeles de carácter en producciones como Planeta prohibido (Forbidden planet, 1956), Furia en el valle (The sheepman, 1958) o La aventura del Poseidón (The Poseidon adventure, 1972), tras interpretar a Frank Drebin, paso a ser reconocido como actor cómico, trabajando posteriormente en multitud de películas de género paródico como Espía como puedas (Spy hard, 1996), Drácula, un muerto muy contento y feliz (Dracula: Dead and loving it, 1995), ¡Vaya un fugitivo! (Wrongfully accused, 1998) o Scary movie 3 (Scary movie 3, 2003).

Agárralo como puedas fue un gran éxito de taquilla, recaudando en EE.UU. 78.756.177 de dólares.

Curiosidades:

El título original de Agárralo como puedas es The naked gun. El título es una parodia hacia la serie Superagente 86, que al igual que Police squad!, era también una serie de humor paródico que tuvo su adaptación al cine con el título original de The nude bomb (1980).

El cuadro que Drebin accidentalmente destruye en el piso de Vincent Ludwig es "Blue boy", obra de Thomas Gainsborough.

Bo Derek fue la primera elección para el papel de Jane Spencer, que finalmente recayó en Priscilla Presley.

El director, David Zucker, tiene un cameo durante los títulos de crédito, puede vérsele poniendo en hora un reloj de pared cuando el coche de la brigada policial irrumpe en una casa, cuando el coche entra en la habitación, él da un salto a la habitación contigua.

Cuando Frank Drebin se hace pasar por árbitro, el bateador mueve el bate hacia atrás y golpea a Frank en la cara, esta broma fue sugerida por Mel Brooks.

La serie Padre de familia parodió en el episodio "PTV" (temporada 4, episodio 14) el comienzo de Agárralo como puedas, primero mostrando a Stewie Griffin luchando contra Bin Landen y después parodiando los títulos de crédito con Stewie montado en un triciclo.

El estudio insistió que uno de los papeles principales debería estar interpretado por un actor ganador del Oscar. Esto permitió la participación de George Kennedy en la película, quien estuvo meses haciendo campaña para conseguir el papel de Ed Hocken.

El cómico Weird Al' Yankovic realizó un cameo en cada una de las entregas de la saga.

La escena en la que Ludwig le habla a Drebin sobre su pez luchador chino, es una parodia de una escena similar de la película Juego con la muerte (1978) de Bruce Lee.

Y la escena en la que Frank baja del avión al comienzo de la película y habla con Ed es una parodia de una escena similar de la película La regla del juego (1939) de Jean Renoir.

A su vez, la conversación entre Ludwig y Papschmear sobre la hipnosis inducida sensorialmente es una parodia de otra escena similar de la película Teléfono (1977), protagonizada por Charles Bronson.

Top 80 de películas de los 80 (41-50)

El reloj calculadora nos trae la nueva entrega del top de mis películas preferidas de los 80. Este mes, las comprendidas entre los puestos 41-50. Como siempre, puestos discutibles y películas imprescindibles. Reflejad vuestras impresiones en los comentarios.

50. Tras el corazón verde (Romancing the stone, 1984)

De todas las películas que crecieron a la sombra de Indiana Jones, Tras el corazón verde es la mejor. Una película muy entretenida con un planteamiento infalible, una apocada escritora de novelas de aventuras debe viajar a Colombia porque su hermana ha sido secuestrada, una vez allí, vivirá una auténtica aventura gracias a un buscavidas llamado Jack Colton. Tiene todo lo que una película de aventuras requiere, el mapa de un tesoro, persecuciones por la jungla, héroes balanceándose entre lianas, cocodrilos hambrientos, caídas por cataratas y hasta un barco navegando por las calles de Nueva York.
Impacto ochentero: Fue un gran éxito que confirmó a Douglas y Turner como dos estrellas del celuloide.
Momento para el recuerdo: Un cocodrilo arrancándole una mano al villano.
Diálogo: -"(...) Jack C. Colton. Bien, ¿qué significa esa C?" (Joan Wilder) -"Confiable." (Jack Colton)
Canción: ”Romancing the stone” de Eddy Grant.

49. El príncipe de las tinieblas (Prince of darkness, 1987)

Pese a ser una de las películas menos conocidas de Carpenter, El príncipe de las tinieblas es una de las mejores obras de terror de la década, miedo puro de contexto metafísico. Carpenter filmó con muy poco dinero, una historia sobre el fin del mundo mucho más aterradora e interesante, que cualquier otra realizada con más medios. Tras un tiempo alejado del terror, durante el cual dirigió una historia de amor entre una mujer y un extraterrestre y las aventuras de un camionero perdido en un mundo subterráneo oriental, volvió a su género predilecto para regalarnos otra gran obra.
Impacto ochentero: Es posiblemente la película de Carpenter menos popular.
Momento para el recuerdo: El video mental.
Frase: "Cristo... ¿dónde estás?"

48. Gremlins (Gremlins, 1984)

De todas las criaturas y monstruitos que aparecieron en los 80 (y fueron muchos), los gremlins siempre han sido mis favoritos. Y es que Gizmo, Stripe y compañía son difíciles de superar, su afán destructivo y su mala leche, los hacen irresistibles. El trío Dante/Columbus/Spielberg creo una película inolvidable, que tiene la cualidad de ser a la vez, una original monster movie, una perfecta película antinavideña, una divertida comedia negra y una ácida caricatura de nuestra sociedad.
Impacto ochentero: Los gremlins forman ya, parte de la cultura ochentera.
Momento para el recuerdo 1: Los gremlins metidos en un cine viendo Blancanieves.
Momento para el recuerdo 2: La madre de Billy matando con saña a varios gremlins en la cocina.
Frase: "Hay 3 reglas que debe seguir. Que no le dé la luz, odia la luz brillante, sobre todo la del Sol, le mataría. Que esté lejos del agua, que no se moje. Pero lo más importante, lo que nunca debe olvidar, es que por mucho que llore, por mucho que suplique, nunca, nunca debe comer después de medianoche."

47. El club de los cinco (The breakfast club, 1985)

La película adolescente por antonomasia de la década. Toda generación tiene una película que les representa y El club de los cinco lo fue para los adolescentes de los 80. Al igual que pasa con la década, la película no es tan superficial e intrascendente como puede parecer a primera vista, todo lo contrario es un acertado análisis de la juventud y las clases sociales (dentro de un instituto), visto desde la óptica de cinco jóvenes cualesquiera, que lo único que tienen en común es ser castigados en su instituto un sábado por la mañana.
Impacto ochentero: La película juvenil definitiva de los 80.
Momento para el recuerdo: El final, mientras suena "Don't you forget about me".
Frase: "Querido Sr. Vernon, admitimos el hecho de tener que quedarnos castigados todo un sábado por habernos portado mal, pero pensamos que está usted loco al intentar forzarnos a escribir un ensayo explicando quienes queremos ser, porque usted simplemente nos ve como quiere vernos, en pocas palabras, la definición más conveniente sería que hemos sacado en limpio lo que hay en cada uno de nosotros; un cerebro, un atleta, una irresponsable, una princesa y un criminal, ¿contesta eso a su pregunta? Le saluda muy atentamente, El club de los cinco."
Canción: "Don’t you forget about me" de Simple minds.

46. La mosca (The fly, 1986)

La mosca siempre ha sido mi película de Cronenberg preferida. Una película en la que la evolución y la metamorfosis forman parte de ella; lo que empieza siendo material para una película de terror se convierte en un tratado sobre la "nueva carne", lo que comienza siendo un simple remake se reformula en una película de autor y la progresiva transformación del protagonista en insecto se convierte en una de las experiencias cinematográficas más fascinantes de la década.
Impacto ochentero: Es el mayor éxito en la carrera de Cronenberg.
Momento para el recuerdo: La pesadilla del parto.
Frase: "Ahora ya no soy Seth Brundle. Soy el resultado de Brundle y una mosca común."

45. Arma letal (Lethal weapon, 1987)

Esta es una película que tenía que existir por fuerza, la idea del poli loco acompañado de otro sensato, es uno de los puntos de partida más prometedores del cine de acción y la razón por la que Arma letal se convirtió inmediatamente en la buddy movie definitiva. La pareja Riggs y Murtaugh es la que mejor me lo ha hecho pasar en el cine de acción (sobre todo en las dos primeras entregas) y es que lo suyo sólo puede explicarse como química.
Impacto ochentero: Todo un bombazo que se convirtió de inmediato en un clásico del género.
Momento para le recuerdo: La escena con el suicida.
Frase: "Soy muy bueno ¿sabes? A los 19 años mate a un hombre en Laos a 1 kilómetro de distancia y a contraviento... de un solo disparo. Puede que haya 8 ó 10 personas en el mundo capaces de hacerlo."

44. Entre pillos anda el juego (Trading places, 1983)

Cuando John Landis aun sabía como dirigir, hacia películas como ésta, donde reunió a dos estrellas del Saturday night live en su mejor momento, Eddie Murphy y Dan Aykroyd, para hacernos reír como nunca. Landis también nos hizo descubrir la gran bis cómica de Jamie Lee Curtis (además de su atractivo físico). En definitiva una gran comedia sobre intercambios de identidad, apuestas de un dólar, prostitutas de buen corazón, disfraces de gorila, zumo de naranja y arriesgados negocios en la bolsa.
Impacto ochentero: Es una de las mejores y más exitosas comedias de los 80.
Momento para el recuerdo 1: Jamie Lee Curtis desnudándose frente a Dan Aykroyd.
Momento para el recuerdo 2: Dan Aykroyd vestido de Santa Claus comiendo un salmón.
Frase: "¿Eres prostituta?"

43. El trueno azul (Blue Thunder, 1983)

Parece que todo el mundo se ha olvidado de esta película, cuando se trata de toda una gozada, un ejemplo de lo que debe ser una película de acción, buenos actores, director artesanal, gran historia y excelentes escenas de acción. Su parte final, desde el momento en que Murphy roba el Tueno azul, hasta el plano final con la destrucción del helicóptero, debería figurar en todos los manuales de como realizar una película de acción.
Impacto ochentero: En su momento el suficiente como para generar una serie de televisión.
Momento para el recuerdo: La batalla aérea final en medio de Los Angeles.
Frase: "Ya te pillé."

42. Frenos rotos, coches locos (Used cars, 1980)

La batalla por el número de ventas entre dos empresas de coches usados, da lugar a una de las comedias más divertidas y con más mala leche de los 80. Esta película me hace reír a carcajadas, sobre todo con las escenas de la muerte de Luke y el rodaje del anuncio destrozando coches. Y es que, Robert Zemeckis tras la cámara y Kurt Russell delante de ella, es una combinación que no puede fallar.
Impacto ochentero: En su momento paso desapercibida, pero merece ser reindivicada.
Momento para el recuerdo: La carrera final con los coches de segunda mano.
Frase: "No es rojo, no es rojo."

41. Acorralado (First blood, 1982)

Antes de convertirse en el héroe de acción por excelencia, John Rambo era simplemente un soldado de regreso a casa, que a base de tiro limpio pidió un poco de respeto por los soldados que lucharon en Vietnam. Acorralado posee varias lecturas que la convierten no sólo en la mejor entrega de la saga, sino en una de las mejores películas de acción de la década, gracias a ideas tan brutales como convertir un apacible pueblo norteamericano en un Vietnam improvisado.
Impacto ochentero: La semilla para la creación del mayor icono de acción de la década.
Momento para el recuerdo: La conversación final entre Rambo y Trautman.
Frase: "Allí manejaba aviones, conducía tanques, tenía a mi cargo millones de dólares en equipo... aquí ni siquiera me dan trabajo de lavacoches."
Canción: "It's a long road" de Dan Hill.


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Jungla de cristal

"¡Yippee-ki-yay, hijo de puta!"

Un grupo terrorista se apodera del edificio Nakatomi Plaza y secuestra un grupo de rehenes. El policía John McClane, que se encuentra dentro del rascacielos, consigue escapar y comenzará una lucha a muerte contra los terroristas.

Decir que Jungla de cristal es la mejor película de acción de la historia puede resultar una obviedad, pero con el paso de los años y con cada nuevo visionado, dicha afirmación cobra cada vez más fuerza. Sobre todo en un tiempo como el actual, donde el cine de acción está enfocado al público juvenil y no al adulto, donde la sangre ha desaparecido de la pantalla y la corrección política premia antes que la violencia que hizo grande al género y donde Jungla de cristal se destaca como la número uno.

La película es un perfecto mecanismo de relojería donde cada resorte funciona a la perfección, cada disparo, explosión, chascarrillo, están milimétricamente calculados, creando un todo perfecto. A los 17 minutos los terroristas ya están en el edificio, a los 23 ya han tomado el lugar, a los 35 McClane se carga el primer terrorista, así hasta su apoteósico final. 131 minutos de puro entretenimiento, en toda la extensión de la palabra.

El proyecto de Jungla de cristal comenzó como secuela de la película Commando (Mark L. Lester, 1985) protagonizada por Arnold Schwarzenegger, y tras la negativa del austriaco a realizar la película, ésta tomo vida propia convirtiéndose en una producción independiente. Los productores Lawrence Gordon y Joel Silver desarrollaron el proyecto bajo la productora 20th Century Fox.

El guión escrito por Jeb Stuart (El fugitivo) y Steven De E. Souza (Commando, La jungla 2) se basa en la novela "Nothing lasts forever" de Roderick Thorp, que a su vez es la secuela de otra novela titulada "El detective", que dio lugar a una película del mismo nombre en 1968. El planteamiento de la película es su principal fuerte, reducir el espacio de movimiento y el tiempo, confinándolo a los límites de un edificio y durante una noche, para de esa forma aumentar la tensión y emoción. Después introduce a un policía que se enfrenta a un grupo de terroristas bien armados, a los que ira eliminando uno a uno, para salvar la vida los rehenes y la suya propia. El resultado es posiblemente el mejor planteamiento de la historia para una película en acción.

Cuando lo terroristas llegan al edificio ya sabes que después espera algo muy grande, toda la secuencia del asalto al edificio y como toman posiciones, es un prodigio de puesta en escena y montaje. Y es sólo es principio, la película nos lleva de una escena cumbre a otra. Pero la película no se queda tan solo en un mero planteamiento original y nada más, esta posee varios elementos más que la convierten en la pieza maestra que es, la película que reinventó el cine de acción.

El primer gran acierto de la película, fue la elección de John McTiernan como director, ésta es la película que estaba destinado a realizar. A lo largo del metraje da continuas muestras de su talento, cada movimiento de cámara, cada encuadre, cada desenfoque en la fotografía, tienen su sello. McTiernan nos regala momentos geniales como el de McClane sacándose los cristales clavados en su pie; el encadenado que pasa del sargento Powell viendo el edificio desde lejos al tiroteo en la azotea; la muerte de Gruber; y por supuesto, todas y cada una de las escenas de acción de la película. McTiernan confirmaría su calidad como director en otras películas como, la genial Depredador (1987), la magistral La caza del Octubre Rojo (1990), esa gran secuela que es Jungla de cristal. La venganza (1995) y también con la sensacional El secreto de Thomas Crown (1999). Lamentablemente en los últimos años ha caído en cierto ostracismo personal y profesional del que espero que salga pronto y nos de otra gran obra.

Otro gran acierto fue la elección de Bruce Willis para el rol protagonista, el cine de acción necesita de actores como él, tan propensos a la ironía y el sarcasmo, para hacer más creíble su papel de héroe a la fuerza. En su momento resultó curiosa su elección. Aunque hoy día estamos acostumbrados a verle en películas de acción, por aquel entonces, sólo era conocido por su papel en la serie Luz de luna (1985-1989) y en la comedia Cita a ciegas (1987). Está claro que no había mejor actor para interpretar a John McClane que Bruce Willis, lo que supuso un cambio en el rol de héroe de acción, sustentado por aquel entonces por Schwarzenegger y Stallone. Willis convirtió a McClane en un tío normal, con sentido del humor y que termina gravemente herido, lo que lo diferenciaba de sus compañeros de género.

La película se inspira libremente en el género catastrofista tan popular en la década de los 70. Jungla de cristal puede considerarse una puesta al día de El coloso en llamas (1974), un rascacielos lleno de peligros, donde un grupo de personas deben superar todo tipo de adversidades durante una noche interminable. Del mismo modo su segunda parte fue la puesta al día de la película Aeropuerto (1970), con terroristas de por medio.

Algunos han visto en su trama cierta crítica social, los terroristas serían la representación del alzamiento de Europa a finales de la década de los 80 y son vistos como una amenaza para los EE.UU. cuando éstos atacan dos de sus principales pilares de su sociedad, la familia (la de John McClane) y la Navidad. Además de forma irónica McTiernan usa el famoso "Himno de la alegría" de Bethoveen (también himno de Europa) para acompañar los actos de los terroristas.

La película ha conocido hasta la fecha 3 secuelas:

La jungla 2: Alerta roja (Renny Harlin, 1990) producción muy entretenida, de espíritu megalómano, que parte de un planteamiento realmente absurdo y que básicamente sigue a pies juntillas lo acontecido en la primera parte, cambiando un rascacielos por un aeropuerto. Con todo, es un espectáculo de primer orden, con algunas escenas de acción excelentes.

Jungla de cristal. La venganza (John McTiernan, 1995) la mejor secuela que uno podría imaginar, que de paso reinventa el planteamiento "Jungla de cristal", con el mejor escenario posible para ello, la ciudad de Nueva York. Un impagable Samuel L. Jackson hace de compañero de fatigas de Willis y Jeremy Irons anima la fiesta como gran villano de la función. Una montaña rusa continua de emoción.

La jungla 4.0 (Len Wiseman, 2007) correcta película de acción, con un estilo muy clásico teniendo en cuenta los tiempos que corren, que se revela como la más floja de la saga, pero aun así consigue ser una entrega de los más digna, con un John McClane cincuentón, pero tan contundente como en la primera entrega.

El impresionante éxito de la película y sus secuelas, generó multitud de películas imitadoras entre las que destacan: Alerta máxima (1992), Pasajero 57 (1992), Speed (1994), Alerta máxima 2 (1995), Decisión crítica (1996), La Roca (1996), Con Air (1997), Air Force One, el avión del Presidente (1997) y Negociador (1998). Ninguna de ellas igualo al film de McTiernan.

El estreno de la película fue acompañado de un gran éxito comercial, su recaudación en EE.UU. fue de 83.008.852 de dólares, situándose como la séptima película más taquillera en su país de origen. En el resto del mundo recaudo otros 55.700.000 de dólares. Su presupuesto fue de 28 millones dólares.

El gran trabajo en el apartado técnico fue recompensado con 4 nominaciones al Oscar, en las categorías de mejor montaje (Frank J. Urioste y John F. Link), sonido (Don J. Bassman, Kevin F. Cleary, Richard Overton y Al Overton Jr.), efectos sonoros (Stephen Hunter Flick y Richard Shorr) y efectos visuales (Richard Edlund, Al Di Sarro, Brent Boates y Thaine Morris), no ganó ningún premio.

Escenas eliminadas:

No se eliminaron grandes escenas, simplemente se recortaron algunas o se rodaron de forma alternativa otras. Las más destacables son:

La escena en la que el FBI ordena cortar la electricidad en el Nakatomi Plaza era más larga. Primero había un primer intento de cortar la corriente y después la escena seguía igual que se ve en la película, con Robert Davi dando orden que corten la corriente del edificio, quedándose sin corriente también todas las manzanas de alrededor.

Se rodó una escena en la que John McClane hablaba con la azafata con la que se cruza al comienzo de la película. También se rodó una escena posterior, en la que McClane camina por la pasarela de desembarque y el hombre que estaba sentado a su lado, le vuelve a aconsejar que se quite los zapatos para relajarse.

Curiosidades:

Arnold Schwarzenegger, Sylvester Stallone, Burt Reynolds y Richard Gere fueron tanteados para el papel de John McClane, antes de decantarse por Bruce Willis.

La popular frase "¡Yippee-ki-yay, hijo de puta!", es utilizada en las 4 entregas de Jungla de cristal.

Fue el debut de Alan Rickman en el cine.

En el póster original norteamericano no aparecía Bruce Willis, sólo una imagen del edificio, tras el éxito de la película y la popularidad adquirida por Willis, la Fox retiró los posters y los imprimió de nuevo, con la cara del actor al lado del edificio.

Aunque la autoría de la banda sonora pertenece a Michael Kamen, pueden oírse hacia el final de la película dos temas musicales pertenecientes a otras películas. Un fragmento de Bala blindada (1987) compuesto por John Scott, suena cuando McClane y Powell se ven por primera vez. Un tema compuesto por James Horner para Aliens (1986) suena cuando Karl resurge inesperadamente al final de la película e intenta matar a McClane.

Bruce Willis cobró un cheque de 5 millones por su participación en la película, realmente alto, teniendo en cuenta que el actor no era aun demasiado conocido.

La escena del encuentro entre McClane y Gruber, en el que este último se hace pasar por un rehén extraviado, fue ideada durante el rodaje, cuando director y productores, comprobaron la capacidad interpretativa de Alan Rickman, fue entonces cuando consideraron que sería una buena idea el enfrentar al héroe y al villano antes del final de la película.

El número de muertos de la película asciende a 23.

Bruce Willis recomendó personalmente a la actriz Bonnie Bedelia para el papel de su esposa.

John McClane lleva a su hija un gran oso de peluche, en otra película dirigida por John McTiernan, La caza del Octubre Rojo (1990), Jack Ryan lleva a su hija un oso de peluche idéntico al de John McClane.

El edificio Nakatomi Plaza es realmente el Fox Plaza, donde se encuentran las oficinas de la Fox.

John McTiernan tuvo que recortar varios planos de Alan Rickman disparando, porque el actor tenía la costumbre de fruncir el ceño y arrugar la nariz cada vez que disparaba un arma.

Para la escena en la que Hans Gruber cae desde lo alto del edificio, Alan Rickman realmente fue arrojado desde una altura aproximada de 6 metros a una gran colchoneta de aire. Para conseguir del actor una auténtica expresión de miedo, el especialista que supervisaba la escena le dijo que contaría hasta 3 y después le soltaría, pero lo hizo al contar hasta 2, lo que pilló al actor desprevenido y expresó realmente miedo en su caída.

La maqueta del puente en la oficina de Takagi, es un trabajo del famoso arquitecto Frank Lloyd Wright de 1949 para Bay Area (San Francisco).

Al comienzo de la película la camiseta de John McClane es de color blanco, después de introducirse por los conductos del aire, se vuelve de color verde, más tarde cuando se encuentra con Hans Gruber su camiseta se vuelve blanca, pero llena de manchas. Cuando descubre la identidad de Hans y se inicia un tiroteo, la camiseta se vuelve de nuevo de color verde.

La escena del final de la película, en la que John McClane salta desde la azotea del edificio, con una manguera atada a la cintura, mientras se produce una explosión tras él, fue filmada por el propio Bruce Willis sin ayuda de dobles, saltando desde una plataforma de 12 pisos de altura.

El alemán que hablan los terroristas es en ocasiones gramaticalmente incorrecto y con palabras sin sentido.

El actor Anthony Peck, que interpreta al policía que hacia el final de la película dice la frase "No, algo sobre una trampa", volvería a trabajar en Jungla de cristal. La venganza (1995) en el papel del policía Ricky Walsh.

Los terroristas llegan al edificio en una furgoneta con la inscripción "Pacific Courier" en un lateral. En Jungla de cristal. La venganza (1995) la furgoneta que explota al comienzo de la película tiene escrito "Atlantic Courier" en un lateral. En la película Speed (1994), el avión que explota al final de la película también tiene un "Pacific Courier" en un lateral. Todo es una broma interna del diseñador de producción Jackson De Govia, quien formo parte del equipo en las 3 producciones. Irónicamente, "Pacific Courier" puede traducirse como "el que trae la paz".

En un momento de la película Hans Gruber le dice a John McClane "Esta vez John Wayne no terminará marchándose con Grace Kelly", a lo que McClane replica "Ese fue Gary Cooper, inculto". Es una referencia a la película Solo ante el peligro (1952).

Series de culto: "Cuentos asombrosos"

Cuentos asombrosos (Amazing stories) fue una de las series más ambiciosas de la década de los 80. Fue creada por el director Steven Spielberg, con la ayuda de Joshua Brand y John Falsey, en un intento por recuperar el estilo de las series con las que había crecido, programas como The twilight zone o The outer limits, donde se narraban historias de género fantástico en episodios autoconclusivos. Cuentos asombrosos fue emitida por la cadena NBC a partir de 1985 y constó de 2 temporadas, con un total de 45 episodios emitidos. Fue nominada a 12 premios Emmy, ganando un total de 5 premios.

Cuentos asombrosos está compuesta por historias de género fantástico enfocadas al público juvenil. Por sus episodios pasaron relatos de ciencia ficción, terror, comedia y fantasía. Si The twilight zone y The outer limits fueron un claro exponente de la ciencia ficción de los 50 y 60, Cuentos asombrosos también fue un claro producto de su época, impregnado sus episodios con historias y estilos claramente ochenteros. Toda la serie tiene ese aire de divertimento juvenil que caracterizó a la década de los 80, así como las producciones de Steven Spielberg. Tal vez por ello, la serie puede considerarse como la serie más representativa de su década.

En ella todo fue a lo grande y se caracterizó por ser una reunión de talentos, tanto consagrados, como emergentes, desde directores (Martin Scorsese, Robert Zemeckis, Clint Eastwood, Joe Dante, Brad Bird o el propio Spielberg), pasando por actores (Kevin Costner, Charlie Sheen, Kiefer Sutherland, John Lightgow, Patrick Swayze), músicos (John Williams, James Horner, Danny Elfman, Jerry Goldsmith) y guionistas (Richard Matheson, Lowell Ganz, Babaloo Mandell, Mick Garris).

La popularidad de Spielberg, sumado su don para el éxito, lograron que tuviera carta blanca a la hora de realizar la serie. La NBC creyó ciegamente en él. Le dieron control total sobre el proyecto, garantizándole la realización de 44 episodios, además Spielberg desarrolló la serie con total secretismo, nunca reveló a la propia cadena ni los argumentos de los episodios, ni detalles sobre los mismos. Además cada episodio costaba entre 750.000 y 1.000.000 de dólares, una cifra desorbitada para la época, sobre todo tratándose de episodios de 22 minutos de duración. El coste final de toda la serie fue de 44 millones de dólares.

La serie se lanzó como el gran acontecimiento el año (incluso de la década) en televisión, no era para menos, una serie desarrollada por completo por Steven Spielberg, incluso dirigiendo dos episodios, crearon grandes expectativas. Todo el mundo esperaba ver algo nuevo y único, ya que el propio Spielberg se encargó de vender la serie como lo nunca visto en televisión. Se esperaba que el genio detrás de Tiburón, En busca del Arca perdida y E.T., el extraterrestre crease la serie más importante de la televisión, pero tras el estreno de su primer episodio, el 29 se septiembre de 1985, todo el mundo se sintió decepcionado, siendo las críticas hacia la serie realmente pésimas. ¿La razón? "El tren fantasma", episodio dirigido por el propio Spielberg. Lo cierto es que presentar la serie con un episodio como éste fue todo un error. "El tren fantasma" es uno de los peores trabajos de la carrera de Spielberg, un relato sensiblero y facilón, que difícilmente podía ganarse el aprecio del público.

La crítica se cebó con el episodio y de paso con la serie, siendo tibiamente recibida también por el público, que de forma inesperada comenzó a darle la espalda a la serie. Lo cierto, es que hubiera sido más acertado arrancar la serie con cualquier otro episodio de la temporada, como el divertido "La mayor atracción", "La misión" (también dirigido por Spielberg y de una mayor calidad) o "El asombroso Falsworth" (una pequeña joya de suspense sobrenatural). Pero en su lugar Spielberg abrió la serie con uno de los peores episodios. La gente esperaba un nuevo E.T. y él les ofreció su segmento de En los límites de la realidad. Posteriores episodios no cambiaron la opinión de la gente, público y crítica consideraron que las historias no eran nada espectaculares y que sus argumentos eran un tanto tópicos.

Con la perspectiva del tiempo es obvio ver que la crítica se cebó demasiado en ella. El principal problema fue venderla como "La mayor serie de todos tiempos" y no como una serie de puro y eficaz divertimiento, que es lo que realmente era. Cuentos asombrosos no hacia más que ofrecer al público (juvenil) historias con el mismo estilo que las películas que iban a ver al cine, pero todo contado en 22 minutos y emitido por televisión, si esto tiene algo de malo es que el público simplemente no sabe divertirse. Porque la primera temporada guarda geniales momentos televisivos, los ya mencionados "La mayor atracción", "Mamá, papá" y "El asombroso Falsworth", como "La última ronda" y "Cámara, ¡acción!". Siendo la media de la temporada bastante alta. Su segunda temporada siguió los mismos pasos, ofreciendo episodios magistrales ("No pierdas la cabeza", "Tiene que creerme") y otros mediocres ("La mente eterna", "Bellezas planetarias"), pero siendo el conjunto siempre entretenido y disfrutable.

Tras la emisión de la primera temporada y pese a las críticas y a las audiencias no del todo halagüeñas, a la NBC no le quedó más remedio que emitir la segunda temporada para cumplir su contrato con Spielberg.

Una vez emitidos todos los episodios pactados, la NBC decidió cancelar la serie, su alto coste y sus no muy altas audiencias, no hacían posible su continuación en la parrilla televisiva.

Por todos los acontecimientos en los que se vio envuelta propiciaron que con el paso del tiempo se convirtiese en una serie de culto, reindivicada por muchos. En los 90 se editó en vhs varios volúmenes que recogían 3 episodios cada uno. El primer volumen, que incluía los episodios "La misión", "Mamá, papá" y "No pierdas la cabeza", fue estrenado en cines en España.


CRÉDITOS

Todos los episodios comienzan de la misma forma. Una intro en 3D acompañada por la música de John Williams donde vemos al jefe de una tribu contado una historia, el templo de una antigua civilización, libros volando, una calavera, un cuadro que muestra una casa encantada, un fantasma, la chistera de un mago de la que sale una baraja, un caballero de armadura esgrimiendo una espada, una nave espacial, el planeta Tierra, un microchip y una familia viendo la televisión.

Todos los episodios terminan del mismo modo, una bella vista de un atardecer en uno de esos típicos barrios residenciales americanos.

EPISODIOS DESTACADOS:

1x02 - La mayor atracción (The main attraction)

Episodio dirigido por Matthew Robbins (El dragón del lago de fuego, Nuestros maravillosos aliados) y escrito por Brad Bird y Mick Garris, basado en una historia de Steven Spielberg. Protagonizado por John Scott Clough y Lisa Jane Persky.

Un joven, cuyo máximo interés en la vida es ser el más popular del instituto, sufre un extraño cambio tras estrellarse un meteorito en su casa, a partir de ese momento se convertirá en un imán humano.

Divertidísimo episodio contado mediante gags visuales, que muestran las consecuencias de ser en un imán andante. Son memorables las escenas del protagonista pegado a todo tipo de objetos metálicos (papeleras, extintores, bicicletas, etc.). Los mismos talentos tras este episodio nos ofrecieron 2 años después la simpática producción Nuestros maravillosos aliados (1987).


1x04 - Mamá, papá (Mummy daddy)

Episodio dirigido por William Dear (Harry y los Henderson, Agente juvenil) y escrito por Earl Pomerantz, basado en una historia de Steven Spielberg. Protagonizado por Tom Harrison, Bronson Pinchot y Brion James.

Un actor que interpreta a una momia en una película de terror, se entera de que su mujer se ha puesto de parto, sin darse cuenta de que está caracterizado como una momia, se dirige al hospital. Los lugareños de la zona lo confunden con una momia auténtica e intentan darle caza.

Simpático episodio con un planteamiento de lo más divertido. Y es que, es muy difícil resistirse a esa momia montada en sidecar y perseguida por un grupo de paletos. De hecho, es una de las imágenes más icónicas de las serie.


1x05 - La misión (The mission)

Episodio dirigido por Steven Spielberg y escrito por Menno Meyjes (El color púrpura, El imperio del Sol), basado en una historia del primero. Protagonizado por Kevin Costner, Casey Siemaszko y Kiefer Sutherland.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un joven soldado queda atrapado en la panza de un avión a manos de una muerte segura. Sólo su imaginación podrá salvarle.

Uno de los episodios más populares de la serie, principalmente por ser Spielberg su director. El resultado es muy superior a "El tren fantasma", aunque tampoco faltan los momentos lacrimógenos. La historia se enmarca casi en su totalidad en el género bélico/dramático y no será hasta su final cuando irrumpa in extremis, el toque fantástico.


1x06 - El asombroso Falsworth (The amazing Falsworth)

Episodio dirigido por Peter Hyams (Atmósfera cero, Testigo accidental) y escrito por Mick Garris, basado en una historia de Steven Spielberg. Protagonizado por Gregory Hines.

Falsworth, es un famoso vidente, que realiza sus espectáculos con los ojos vendados. Durante uno de sus números, toca a uno de los asistentes, sintiendo que se trata de un asesino en serie al que busca la policía. Ese será el comienzo de una noche interminable...

Para mí, el segundo mejor episodio de la serie. Un relato de suspense con un acertado toque sobrenatural, donde no sobra nada y todas las piezas encajan perfectamente. Hyams le imprime a la historia la fuerza suficiente para que ésta no decaiga ni un segundo, siendo el resultado un episodio perfecto.


1x15 - La última ronda (One for the road)

Episodio dirigido por Thomas Carter (El Negociador, Espera al último baile) y escrito por James D. Bissell. Protagonizado por James Cromwell, Geoffrey Lewis y Joe Pantoliano.

Cuatro regentes de un bar durante los tiempos de la depresión americana, deciden eliminar a un viejo borrachín para así cobrar el seguro de vida a su nombre. Con lo que no contaban es que cada vez que creen haber matado al viejo éste regresa sin un rasguño.

Uno de los mejores episodios de la serie, dotado de un excelente humor negro. Sorprende lo bien que se lo pasa uno viendo una historia que, en definitiva, trata de como unos indeseables quieren matar a un pobre viejo por dinero, pero es la vuelta de tuerca, de que éste sea un ser indestructible, lo que le confiere al episodio un toque deliciosamente perverso.


1x19 - Cámara, ¡acción! (Mirror, mirror)

Episodio dirigido por Martin Scorsese y escrito por Joseph Minion (Jo, ¡qué noche!), basado en una historia de Steven Spielberg. Protagonizado por Sam Waterston, Helen Shaver y Tim Robbins.

Un popular escritor de novelas de terror vive una pesadilla más terrorífica que sus propias obras. Cada vez que se ve reflejado en un espejo, ve tras él a un hombre deforme que intenta matarle.

Un episodio antológico, a manos de un Martin Scorsese en plena forma, que filma para disfrute de todos, una historia de terror. Lo más sobresaliente del episodio es que da realmente miedo. La imagen de Sam Waterston acosado por ese monstruo oculto en los espejos es uno de los momentos más escalofriantes que ha dado la televisión.


2x04 - Sueños obsesionantes (Welcome to my nightmare)

Episodio escrito y dirigido por Todd Holland (El campeón del videojuego). Protagonizado por Steve Antin, Robyn Lively y Christina Applegate.

Un joven aficionado a las películas de terror, pide el deseo de que su vida sea como una película. Su deseo se cumple, pero no de la forma que él esperaba.

Entretenido episodio en el que protagonista acaba literalmente dentro de la película Psicosis, escapando cual Janet Leigh de Norman Bates. Tal planteamiento lo convierten en uno de los episodios más ochenteros y disfrutables de la serie. Lo único que se le puede recriminar es su insoportable y sobreactuado protagonista, pero por suerte tenemos a Robyn Lively y Christina Applegate para compensar.


2x05 - Tienen que creerme (You gotta believe me)

Episodio dirigido por Kevin Reynolds (Robin Hood, príncipe de los ladrones, Waterworld) y escrito por Stu Krieger (En busca del valle encantado) basado en una historia de Steven Spielberg. Protagonizado por Charles Durning.

Un hombre tiene un sueño premonitorio sobre el accidente de un avión, temiendo que pueda suceder, intentará por todos los medios evitar la catástrofe.

La historia parte de un planteamiento bastante manido, pero consigue resultar emocionante gracias a la excelente puesta en escena de Reynolds, quien nos engancha desde el primer segundo y ya no nos suelta hasta el final. Todo empieza con un accidente de avión y lo que viene después son 22 minutos de fascinante tensión.


2x08 - No pierdas la cabeza (Go to the head of the class)

Episodio dirigido por Robert Zemeckis (Regreso al futuro) y escrito por Mick Garris, Tom McLoughlin y Bob Gale, basado en una historia de Garris. Protagonizado por Scott Coffey, Mary Stuart Masterson y Christopher Lloyd.

Dos jóvenes deciden vengarse de su odioso profesor mediante un maleficio, pero algo sale mal y éste termina muerto. Para corregir su error intentarán devolverlo a la vida, lo que traerá inesperadas consecuencias.

Sin lugar a dudas, el mejor episodio de la serie y de paso, uno de los mejores de la década. Un Zemeckis en racha filma esta entretenidísima historia sobre dos jóvenes que juegan a ser aprendices de brujo. Como es habitual en Zemeckis, no faltan el humor negro, buenos efectos visuales y diversión por un tubo.


2x09 - Acción de gracias (Thanksgiving)

Episodio dirigido por Todd Holland (El campeón del videojuego) y escrito por Pierre R. Debs y Robert C. Fox. Protagonizado por David Carradine y Kyra Sedgwick.

Una pareja de granjeros descubre que un pozo de su rancho comunica con un mundo subterráneo. A través del pozo comienzan a realizar trueques con los seres que allí habitan, quienes sienten predilección por la carne de pavo.

Un excelente episodio, muy bien construido, que parte de un planteamnento curioso y termina con un final antológico.


2x16 - Perro de familia (Family dog)

Episodio escrito y dirigido por Brad Bird (El gigante de hierro, Ratatouille).

La vida de una peculiar familia vista desde el punto de vista del perro de la casa, que tiene que lidiar con la incomprensión de sus dueños, con niños insoportables y con ladrones de casas.

Es el único episodio de animación de la serie. Inicialmente fue parte de un proyecto que Brad Bird y Tim Burton crearon mientras trabajaban en la Disney, de hecho, Burton participó en el episodio dibujando storyboards y diseñando personajes. Lo más recordado del capítulo es el perro protagonista, dotado de un carisma pocas veces igualado.


Curiosidades:

El título original de la serie, Amazing stories, está sacado de una revista de ciencia ficción muy popular en las décadas de los 40 y 50.

El episodio "Perro de familia" se convirtió en 1993 en una serie de televisión producida por Tim Burton y Steven Spielberg. La serie duró sólo 1 temporada.

El episodio "Peluquín mortal" fue parodiado en Los Simpson, en el episodio "La casa árbol del terror IX" (temporada 10, episodio 4).

Mick Garris ganó el premio Edgar al mejor episodio de televisión, por su guión para "El asombroso Falsworth".

El episodio "Álamo Jobe" utilizó escenas de la película El Álamo (1960) para los momentos que muestran una batalla.

El capítulo "Mamá, papá" está inspirado en un suceso real que le sucedió a Boris Karloff, quien caracterizado como el monstruo de Frankenstein se desplazó hasta el hospital donde su mujer estaba dando a luz.

Los excelentes efectos visuales que hizo gala la serie fueron creados por la compañía Dream Quest Images (Abyss, Desafío total, La máscara).

Los episodios "La misión" y "No pierdas la cabeza" tiene el doble de duración que el resto de episodios de la serie.

Top 80 de películas de los 80 (51-60)

Los cromos de La pandilla basura nos traen la tercera entrega del top 80 de películas de los 80. Este mes mis películas preferidas del puesto 51 al 60. Un top lleno de brujas, guerreros, fantasmas, experimentos imposibles, milagros, monstruos y maldiciones, como veis no falta de nada. No me extiendo más y comenzamos.

60. Único testigo (Witness, 1985)

La interpretación de Harrison Ford (la mejor de su carrera) y su relación con el personaje de Kelly McGillis, son dos grandes alicientes para viajar hasta este pueblo amish, un lugar atípico para un thriller policial, pero donde podemos encontrar, entre su paisaje de graneros, campos de maíz y carretas, a precoces testigos de asesinatos, policías corruptos, choques culturales y una de las historias de amor más pasionales/contenidas del cine de los 80.
Impacto ochentero: El suficiente como para poner a los amish de moda.
Momento para el recuerdo: Book y Rachel bailando en el granero al son de "Wonderful world".
Frase: Esa que Book le dice a Samuel al oído y que nosotros nunca sabremos cual es.
Canción: "Wonderful world" de Sam Cooke.

59. Las brujas de Eastwick (The witches of Eastwick, 1987)

Una de las mejores comedias de los 80 y de la que nadie parece acordarse. Este ménage à quatre entre tres brujas modernas y un diablillo, es la excusa perfecta para hablar sobre las relaciones entre hombres y mujeres, poligamia, el bien y el mal, el sexo y la (falsa) moralidad. George Miller rueda con su habitual maestría el inteligente guión de Michael Cristofer, completado por un reparto insuperable y una excelente banda sonora de John Williams.
Impacto ochentero: Una película de éxito en su momento, pero injustamente olvidada hoy día.
Momento para el recuerdo 1: Daryl seduciendo a Alexandra.
Momento para el recuerdo 2: El partido de tenis.
Momento para el recuerdo 3: Felicia vomitando pepitas de cereza.
Diálogo: -"Mira, yo creo... no, estoy completamente segura de que eres el hombre menos atractivo que he conocido en todos los días de mi vida. En el poco tiempo que hemos pasado juntos has demostrado poseer todas las características más odiosas de la personalidad masculina, incluso algunas que desconocía. Físicamente eres repulsivo e intelectualmente pobre. Moralmente despreciable, vulgar, insensible, egoísta, careces de gusto, tienes un detestable sentido del humor y hueles mal. No eres ni interesante para darme asco." (Alexandra) -"¿Prefieres estar encima o debajo?" (Daryl)


58. Los Cazafantasmas (Ghostbusters, 1984)

Los Cazafantasmas es la comedia de mayor éxito de los 80, y la verdad ¿quién se iba a resistir a una película que reúne a varios talentos del Saturday night live, llena de ectoplasmas, mochilas de protones, neveras que comunican con otros mundos, un marshmallow de 50 metros, increíbles efectos visuales, canciones pegadizas y con el Apocalipsis a la vuelta de la esquina? Yo me lo paso genial con ella y lo mismo me sucede con su segunda parte.
Impacto ochentero: Altísimo. Es la comedia más popular de la década.
Momento para el recuerdo: La aparición del marshmallow gigante.
Frase: "¿A quién llamarás?"
Canción: "Ghostbusters" de Ray Parker Jr.


57. La niebla (The fog, 1980)

John Carpenter nos sienta a todos alrededor de una hoguera para contarnos una historia de terror. Mientras nos acomodamos en nuestros sacos de dormir y comemos malvaviscos, el maestro nos relata un cuento de venganzas de ultratumba, extraños fenómenos meteorológicos que ocultan algo en su interior y pueblos erigidos en la muerte y el engaño. En la historia no faltan muertes antológicas, fantasmas vengativos, fenómenos paranormales y sustos sobrecogedores. Y como en toda buena historia de terror, Carpenter nos reserva una última sorpresa para el final.
Impacto ochentero: La película confirmó a Carpenter como un maestro del terror.
Momento para el recuerdo: El prólogo con el marinero contando historias de fantasmas a los niños (el mejor comienzo que ha dado el cine de terror).
Frase: "Son las 12 menos 5, casi medianoche. Hora para contar una historia, una de esas historias que sirven para quitar el frío."


56. Conan, el bárbaro (Conan the barbarian, 1982)

Conan, el bárbaro es de esa clase de películas en las que las escenas memorables se suceden con asombrosa facilidad; desde la fabricación de la espada durante los créditos, pasando por la muerte de la madre de Conan, el entrenamiento del bárbaro hasta convertirse en un guerrero, la escena con la serpiente gigante, Conan atado a un árbol y matando a un buitre de un mordisco, la batalla final contra los hombres de Thulsa o ese antológico último cara a cara entre Conan y Thulsa. Son todos momentos irrepetibles, que han convertido a la película en todo un clásico.
Impacto ochentero: Lanzó la carrera de Schwarzenegger y dignificó el género de espada y brujería.
Momento para el recuerdo: La muerte de la madre de Conan.
Frase: "Krong, jamás te había rezado antes, no sirvo para ello. Nadie, ni siquiera tú recordarás si fuimos hombres buenos o malos. Por qué luchamos o por qué morimos. No, lo único que importa en que 2 se enfrentan a muchos, eso es lo que importa, el valor te agrada Krong, concédeme pues una petición, concédeme la venganza y si no me escuchas, vete al infierno."
Diálogo: -"¿Por qué lloras?" (Hechicero) -"Él es Conan, el bárbaro, no llorará. Yo yoro por él." (Subotai)


55. El chip prodigioso (Innerspace, 1987)

Revisión de Viaje alucinante de la mano de Joe Dante. Un experimento del gobierno sobre miniaturización sale mal y el teniente Tuck Pendleton y su nave acaban en el interior de un tímido cajero de supermercado. Lo que viene después es una doble aventura, una dentro del cuerpo humano, entre órganos, glóbulos rojos y peligrosos ácidos gástricos, y otra en el exterior, con villanos de cómic (o de cartoon), atractivas reporteras, acrobáticas persecuciones en camiones y dolorosas transformaciones faciales. El conjunto no podría ser más entretenido y disfrutable. Además tiene el mérito de convertir a Martin Short en un héroe de acción.
Impacto ochentero: Injustamente no fue el éxito esperado.
Momento para el recuerdo: Tuck descubriendo que es padre.
Frase 1: "Jack, ha funcionado, acabas de digerir al malo."
Frase 2: "¡Ay Dios mío, que alguien me ayude!... ¡estoy poseido!"
Canción: ”Twistin’ the night away” de Rod Stewart (una cover cojonuda).


54. Big (Big, 1988)

Si a cualquiera de nosotros, con 13 años nos hubieran concedido el deseo de ser mayor, lo más probable es que habríamos hecho lo mismo que Tom Hanks en la película; pasarnos el día saltando en una cama elástica, ponernos ciegos de oreos, comprarnos un loft, tocar un teclado gigante con los pies y claro, perder la virginidad. Por eso la película nos mete en el bolsillo desde el primer momento, además Hanks tiene en la película el mejor trabajo de la historia... probador de juguetes.
Impacto ochentero: Fue un gran éxito y le dio a Hanks su primera nominación al Oscar.
Momento para el recuerdo: Tom Hanks y Robert Loggia tocando un teclado con los pies.
Frase: "Deseo ser mayor."

53. Lady Halcón (Ladyhawke, 1985)

Una pequeña maravilla de Richard Donner, con un trio protagonista de lujo (Rutger Hauer, Michelle Pfeiffer y Matthew Broderick), que tiene uno de los mejores argumentos del fantástico de los 80, la historia de amor entre un caballero y una mujer, condenados a estar eternamente separados por una maldición, que provoca que por el día ella sea un halcón y por la noche él un lobo. La intervención de un bribón, un cura y un eclipse cambiaran el curso de la historia. Una película entretenida, mágica y emocionante.
Impacto ochentero: Es una de las películas más infravaloradas de los 80.
Momento para el recuerdo: Navarre e Isabeau viéndose por un breve instante al amanecer.
Frase: "Siempre juntos y eternamente separados."


52. El terror no tiene forma (The blob, 1988)

Homenaje a la serie b de los años 50 con el estilo de las películas de los 80. La peli tiene lo mejor del cine de ambas épocas. De los 50, meteoritos, un monstruo viscoso venido del espacio, un pequeño pueblo en peligro, la intervención del ejército, un sheriff con una corta esperanza de vida y un cine donde se proyectan películas de serie b. Y de los 80, un delincuente con espíritu de antihéroe, una cheerleader reformulada en aguerrida heroína, locura propia de la guerra fría, acción y gotas de gore. El resultado es una joyita del terror.
Impacto ochentero: Un inmerecido fracaso de taquilla, que merece ser reindivicado.
Momento para el recuerdo: La destrucción final del pueblo por parte de la masa devoradora.
Frase: "Te dije que nevaría."


51. Diner (Diner, 1982)

El debut de Barry Levinson como director, fue esta película melancólica y entrañable, sobre un grupo de amigos en la década de los 50, en los días previos a la boda de uno de ellos, con el restaurante Diner como centro de su pequeño universo. Una nostálgica película, plagada de pequeñas historias; detalles aparentemente intrascendentes, pero de gran valor; personajes memorables (sobre todo el de Mickey Rourke); diálogos geniales y mucha camaradería entre colegas. Para redondear la película, encontramos una banda sonora de lujo (Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Bobby Darin, Elvis Presley, ...) y un reparto de jóvenes promesas (Kevin Bacon, Mickey Rourke, Steve Guttenberg, Tim Daly, Ellen Barkin, Paul Reiser y Daniel Stern).
Impacto ochentero: Fue la plataforma de lanzamiento de una nueva generación de actores.
Momento para el recuerdo 1: Mickey Rourke ganando una apuesta en un cine.
Momento para el recuerdo 2: La conversación entre Daniel Stern y Ellen Barkin sobre sus discos.
Frase: "¿No tienes nunca la sensación de que no sabes nada de nada?"
Canción: "Whole lotta shakin' going on" de Jerry Lee Lewis.


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La productora Cannon

“Si realizas películas americanas con un comienzo, un nudo y un desenlace, con un presupuesto menor de 5 millones, deberías ser un idiota para perder dinero.”

Menahem Golan

La productora Cannon es, tal vez, la factoría de cine más mítica de los 80, donde se forjaron estrellas como Charles Bronson, Chuck Norris o Jean-Claude Van Damme. La productora sólo puede entenderse como producto de su época, los 80, de la que fue cogida de la mano, surgió a principios de la década y desapareció a finales de la misma.

La productora Cannon fue fundada en 1967 por Dennis Friedland & Chris Dewey, se especializaron en películas de bajo presupuesto a lo largo de de la década de lo 70, pero a causa de una serie de problemas económicos tuvieron que venderla en 1979 a la pareja de primos israelíes Menahem Golan y Yoran Goblus, por tan sólo 500.000 dólares. Así comenzó la leyenda.

Desde el momento en que Golan-Goblus tomaron el control de la productora, la llevaron por un nuevo camino. Se especializaron en películas de acción de bajo presupuesto que llenaron los cines y sobre todo los videoclubs de los 80. Las ideas de estos productores eran claras, si había una película o género que tenía éxito, ellos veían allí una oportunidad de explotarlo con su "peculiar estilo". Qué decir, los 80 no habrían sido lo mismo sin la Cannon.

Empezaron estrenando títulos como El mago de Lublin (1979), La manzana (1980) (sólo distribuida), La justicia del ninja (1981), Yo soy la justicia (1982), El último americano virgen (1982) (sólo distribuida), Al filo de la medianoche (1983) y Hercules (1983).

Su apogeo se produjo entre 1984 y 1986, cuando tuvieron sus mayores éxitos y distribuyeron su mayor número de películas. La Cannon se convirtió en una de las productoras independientes de mayor éxito de los 80, que tanto distribuía, como producía sus propias películas. La Cannon tenía éxito y lo demostraba adquiriendo la compañía británica Thorn EMI y contratando a la mayor estrella del momento, Sylvester Stallone, por la cifra record de 13 millones de dólares para protagonizar Yo, el halcón.

El sueño de Golan-Goblus de convertir su productora en una de las grandes majors, se frustró a partir de 1987, cuando la productora pasó por una difícil situación económica. A lo que se sumó en 1988 una investigación por parte de la Comisión Americana de Bolsas y Valores, por una serie de irregularidades en sus informes financieros. Fue el principio del fin de la Cannon. En un intento desesperado por sobrevivir, se asociaron con Pathé Communications, una compañía holding liderada por Giancarlo Parretti. Éste pareció sanear las cuentas de la productora, pero no era así, la Cannon seguía en números rojos. Golan decidió dimitir por diferencias con Goblus y Parretti y se marchó a la productora 21st Century Film Corporation. Finalmente Cannon fue comprada por la MGM.

La productora siguió estrenando películas como El guerrero americano 3 (1989), Lambada (1990) o Delta force 2 (1990), pero ya no estaban en ellas la pareja Golan-Goblus. La Cannon dejo de existir en 1993. Goblus fundó la productora Global Pictures, junto con Christopher Pearce, que sólo tuvo 3 años de vida.


PELÍCULAS DESTACADAS:

Un repaso a las películas más emblemáticas de la productora.

Yo soy la justicia (Death wish II, 1982)

El primer gran éxito de la productora fue la segunda parte de El justiciero de la ciudad (1974). Paul Kersey ese convirtió en uno de los iconos de la Cannon, el eterno justiciero urbano interpretado siempre por el gran Charles Bronson. En esta ocasión un grupo de delincuentes violan y matan a la hija y a la criada de Kersey, quien volverá a impartir justicia pistola en mano. La película aumentó en violencia respecto a la primera entrega, pero no sería nada comparándola con la tercera.

Breakin’ (Breakin', 1984)

El breakdance era el baile de moda en aquel momento y la pareja Golan-Goblus vio la oportunidad perfecta para realizar una película de éxito. La película no es más que una revisión improbable de Flashdance a ritmo de breakdance, que pareció gustar al público (es la segunda producción más taquillera de la Cannon). Para qué un guión o una buena historia, si se puede tener en su lugar a tíos haciendo el robot, duelos entre breakdancers, una estética de lo más hortera, mientras no dejan de sonar infinidad de temas break, ¿qué más se puede pedir?

Desaparecido en combate (Missing in action, 1984)

La primera película que unió a Chuck Norris y la Cannon. Es una de las películas más populares (y entretenidas) de la productora. El rescate por parte de un soldado norteamericano de prisioneros de guerra en suelo vietnamita. En un principio, ésta era la segunda parte de la saga (las dos primeras entregas se rodaron conjuntamente), pero los productores se dieron cuenta de que la segunda era mejor, así que decidieron estrenarla primero y convertir a la primera en su precuela. Estas cosas sólo podían pasar en la Cannon.

Fuerza vital (Lifeforce, 1985)

Una estimable película de ciencia ficción, que fue la mayor superproducción de la Cannon (25 millones de presupuesto) y de paso uno de los mejores títulos de su director (Tobe Hooper) y de la productora. Una invasión extraterrestre por parte de vampiros del espacio, que se alimentan de la energía vital de los humanos. Para el recuerdo quedan esas imágenes apocalípticas de Londres y Mathilda May desnuda media película.

El guerrero americano (American ninja, 1985)

La Cannon produjo un buen número de películas de ninjas, que formaron parte de lo que se conoció como ninjaexploitation. De todas las películas realizadas, El guerrero americano fue la mejor, y eso que no es especialmente buena. Un ninja americano y amnésico debe enfrentarse a un traficante de armas que tiene un ejército personal de ninjas. Creó toda una saga compuesta por 5 películas, a cada cual peor.

Invasión USA (Invasion U.S.A., 1985)

Otra película legendaria del tándem Norris-Cannon. Siguiendo los pasos de Amanecer rojo (1984), la película narra la invasión de EE.UU. por parte de los comunistas, que se infiltran por la noche en el país (¡?). Un hombre (Chuck Norris, por supuesto) hace frente al ataque él solo, con un par de ametralladoras y un par de cojones. Imposible, facha, ridícula y sí, divertida.

El justiciero de la noche (Death wish 3, 1985)

Si hay una película por encima de las demás que define el estilo Cannon, esa es El justiciero de la noche. Su estilo violento, casi paródico, la convierten en una comedia involuntaria, que llega a ser disfrutable si uno la ve sin prejuicios. En esta ocasión Paul Kersey visita aun amigo en Nueva York, que vive en una barrio aterrorizado por una banda de delicuentes, cuando el amigo de Kersey es asesinado, éste no tardará en limpiar las calles a base de tiro limpio. Los 30 minutos finales de batalla campal son los más delirantes y violentos que ha dado el cine de acción.

El tren del infierno (Runaway train, 1986)

Posiblemente la mejor película salida de la productora (incluso fue nominada a 3 Oscars). Inicialmente la película iba a dirigirla Akira Kurosawa, pero finalmente Andrei Konchalovsky se hizo cargo de ella. Un enorme John Voight, secundado por Eric Roberts y Rebecca De Mornay la protagonizan. La trepidante historia de unos presos fugados de una cárcel de máxima seguridad en Alaska, que huyen en un tren desbocado que nada puede parar.

Delta force (The Delta Force, 1986)