Tuesday, April 07, 2015

Rocketeer

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

El piloto Cliff Secord encuentra por casualidad una mochila-cohete que le permite volar, pero andan tras ella el FBI, la mafia y espías nazis. Haciendo uso de su descubrimiento, Secord se convertirá en Rocketeer, un héroe que deberá detener los planes secretos de los nazis.

ROCKETMAN
Los orígenes de Rocketeer (The Rocketeer, 1991) los encontramos en la novela gráfica creada por Dave Stevens y que comenzaría su publicación en 1982. "Fue mi propio y personal homenaje a Commando Cody (1953) y todos los seriales de esa época," admitía Stevens. "Siempre fui un enorme fan de los seriales. Me encantaban todos esos capítulos, con un final que te hacía quedarte mordiéndote las uñas." Y la historia se situó en los años 30 porque según su creador, "siempre estuve enamorado de ese periodo."
La primera historia de "Rocketeer" fue publicada en el nº 2 del cómic "Starslayer" de la editorial Pacific Comics, como una historia corta dentro del cómic. "[El editor de Pacific Steve] Schanes se me acercó en una convención en 1981. Tenía un título llamado "Starslayer", y necesitaba seis páginas para el final," recordaba Stevens, "dijeron: '¿Puedes hacer dos episodios de seis páginas?'. Yo le dije 'Sí', y me dejaron a mi aire. Dijeron 'Puedes hacer lo que quieras', y así lo hice. Hice un dibujo promocional, la contraportada interior, con Rocketeer. Se la envié. No tenía ni idea de lo que iba a dibujar, tan solo dibujé todo aquello. Ellos dijeron 'Sí, parece genial. Hazlo. Qué ganas de ver la historia'. Y en aquel momento no tenía ninguna idea."
Stevens hasta aquel momento era artista comercial y nunca había dibujado un cómic antes, pero su primer trabajo resultó todo un éxito. "The Rocketeer" gustó y mucho y eso fue principalmente por la calidad de sus dibujos. Tal vez el guión no estaba a la altura de las ilustraciones, pero según reconocía el propio artista "en el fondo no soy un escritor. Toda la experiencia fue muy improvisada, totalmente sin planear. Escribía y dibujaba una página de cada vez, ¡simplemente me sentaba y empezaba la página uno sin tener ni idea de adónde iba!"
Tras la publicación de la segunda entrega en 1982, Pacific Comics convirtió a Rocketeer en un cómic independiente. Como Stevens continuaba trabajando a tiempo completo para agencias de publicidad, fue realizando una nueva entrega cada varios meses. Eso explica el largo proceso para completar el primer cómic del personaje. El capítulo 3 se publicaría también en 1982 y el 4 en 1983, ambos bajo el sello Pacific Comics. Y el capítulo 5 y final, se publicó en Eclipse Comics en 1984, tras la desaparición de la primera editorial. Fue Eclipse quien recogió las 5 entregas en un único volumen de título "The Rocketeer", que sería el cómic en el que se basaría la película.
Rocketeer regresaría al cómic en "The Rocketeer Adventure Magazine", siendo sus dos primeros números publicados por Comico Comics, en 1988 y 1989 y el tercero sería publicado bajo el sello Dark Horse en 1995. Las 3 historias fueron recogidas en un mismo tomo por Dark Horse, con el título de "The Rocketeer: Cliff's New York Adventure".
Tras la muerte de Dave Stevens en 2008, parecía que Rocketeer había terminado sus aventuras, pero en mayo de 2011 se lanzó, bajo la editorial "IDW Publishing", el primero de nueva serie de cómics en formato miniserie (de cuatro tomos cada uno) con el título "Rocketeer Adventures". En 2012 vería la luz la segunda miniserie, "Rocketeer: Cargo of Doom". Y en 2013 se publicarían "Rocketeer: Hollywood Horror" y "Rocketeer and The Spirit: Pulp Friction", tercera y cuarta miniseries correspondientemente. En septiembre de 2014 se publicó "The Rocketeer: Jet-Pack Adventures" también bajo el sello IDW, una antología de diez relatos cortos obra de diferentes artistas. Y éste es hasta la fecha, el final de Rocketeer en el mundo del cómic.

VOLANDO DEL CÓMIC AL CINE
El director Steve Miner (House, una casa alucinante, Warlock, el brujo) fue el primero en mostrar interés por realizar una película sobre el personaje. Miner y Stevens habían colaborado juntos en 1983 en un proyecto de "Godzilla" en 3D (con guión de Fred Dekker) que nunca se llegó a realizar, del cual Miner iba ser su director y en el que Stevens ayudó con dibujos de presentación para tratar de vender la película a los grandes estudios. Miner tuvo opción a los derechos de Rocketeer en 1983, pero su proyecto se alejaba mucho del material original y tras dos años de desarrollo los derechos volvieron de nuevo a Stevens.
En 1984 Marvel Comics interpuso una demanda contra Stevens por los derechos de propiedad del nombre "Rocketeer". Marvel tenía en su haber unos personajes llamados "Rocketeers", que habían aparecido en dos cómics, uno en 1976 (en el nº 131 de "Daredevil") y otro en 1981 (en el nº 21 de "Rom"). Según la casa de las ideas, el nombre "Rocketeer" les pertenecía, aunque nunca habían registrado el nombre de sus personajes. La demanda se prolongó durante años, pero Marvel la terminaría perdiendo.
Los guionistas Paul De Meo y Danny Bilson (serie Flash, el relámpago humano) se fijaron en el cómic en 1985 y se sintieron entusiasmados por su adaptación al cine. "Todos estábamos de acuerdo que lo que era grande de «The Rocketeer» era el arte, la atmósfera y el tono," afirmaba De Meo. Y se esforzaron por mantenerlos intactos en su traslación al cine. Los guionistas se reunieron con Stevens, quien vio en estos guionistas a los apropiados para trasladar su creación al cine porque "sentí que tenían la sensibilidad adecuada para ello," declaró el dibujante. Tanto creyó en ellos que les dio una opción gratuita sobre los derechos del cómic.
La idea original que tenían los tres era hacer una película al modo de los antiguos seriales, en blanco y negro y con un presupuesto muy bajo. Pero la entrada de la cuarta piedra angular del proyecto, el director William Dear, aparcó a un lado esa idea. El director se reunió con Stevens, De Meo y Bilson mientras rodaba Bigfoot y los Henderson (1987) y al compartir la misma visión que ellos, pasó a formar parte del equipo en 1986 como director y co-guionista. Y su entrada en el proyecto hizo que éste fuera más grande y ambicioso. De hecho, fue idea suya el situar el clímax final en el zeppelín en lugar de en un submarino como estaba previsto. Lo mismo que toda la trama que acontece en Hollywood.
Los cuatro intentaron vender el proyecto a todos los grandes estudios de Hollywood y en todos fue rechazado, por aquellos tiempos los estudios no estaban interesados en costosas adaptaciones de cómics (lo que han cambiado los tiempos...). Al final la Disney fue la única que presentó interés en el proyecto y según Stevens fue porque vieron la posibilidad de crear un gran merchandising a su alrededor. Los cuatro firmaron un contrato con Disney en 1988 para realizar una trilogía bajo la productora Touchstone, perteneciente a la casa del ratón, pero centrada en películas más adultas.
Stevens, Bilson, De Meo y Dear comenzaron a darle forma a las siete páginas que tenían de tratamiento de guión para convertirlas en el libreto definitivo. Pero Jeffrey Katzenberg, el presidente de Walt Disney Studios, llevó el proyecto de Touchstone a Walt Disney Pictures (ya que la división de imagen real de Disney necesitaba de un éxito) y eso hizo que toda la temática adulta quedara fuera de la película. Esto afectó principalmente al personaje de Betty, que originalmente era una modelos de desnudos y pasó a convertirse en una actriz aspirante de Hollywood. Además en Disney no querían tener nada que ver con problemas con los derechos de un personaje que se basaba en una persona real (la popular pin-up Bettie Page), de modo que los responsables de la película se vieron obligados a reescribir el personaje por completo. Así Betty se convirtió en Jenny.
Esa fue la primera de las muchas interferencias de la Disney en el proyecto, el cual entró en una interminable espiral de reescrituras del guión durante los siguientes 5 años. Durante ese tiempo la Disney llegó a despedir en tres ocasiones a De Meo y Bilson, para después volver a contratarlos. "Traían a gente para conseguir un punto de vista diferente sobre la película y entonces nos traían de vuelta. Danny y yo estábamos empezando a sentirnos como yo-yos," declaraba De Meo.
Disney tenía problemas con todo, desde la época en la que situar la historia (querían trasladar a Rocketeer a la actualidad, pero De Meo y Bilson lograron convencerles para no hacerlo), hasta que incluir en el guión (escenas que habían sido eliminadas dos años antes, volvían a ser incluidas en el guión).
A causa de los continuos retrasos William Dear dejó la producción y se fue a rodar Agente juvenil (1991).  Aunque Dear mantuvo el crédito como co-autor de la historia.
Fue en ese momento en el que se buscó a un nuevo director para reemplazarle. Y el elegido fue un conocido de la casa, Joe Johnston, director de Cariño, he encogido a los niños (1989), que había sido un enorme éxito comercial para la Disney. Tras rechazar dirigir varias películas como Aracnofobia (1990) o Colmillo blanco (1991), Joe Johnston aceptó dirigir Rocketeer principalmente porque era un fan del cómic. Además el director tenía un contrato por 3 películas con la Disney, siendo ésta la segunda.
Y la entrada de Johnston en el proyecto fue crucial porque pronto la Disney le dio luz verde a la película, eso fue en 1990, tras la tercera gran reescritura del guión por parte de Bilson y De Meo.

HOLLYWOODLAND
No se ponían de acuerdo en nada con el estudio y con la elección del actor protagonista no fue diferente. Johnston quería a un desconocido para el papel de Cliff Secord, pero la Disney quería a una estrella. La primera elección del estudio fue Tom Cruise. Pero la búsqueda del actor idóneo se convirtió en un desfile de las estrellas de Hollywood del momento, se consideró a Kevin Costner, Bill Paxton (que según él estuvo muy cerca de conseguirlo), Kurt Russell, Matthew Modine (que era el preferido de De Meo y Bilson), Emilio Estevez, Dennis Quaid (con quien se contactó en junio de 1990), Richard Marx (el cantante declaró que rechazó el papel), Vincent D'Onofrio (quien rechazó el papel porqué pensó que se vería ridículo con el traje de Rocketeer) y Johnny Depp (quien tuvo el papel hasta el final y al rechazarlo le dio su gran oportunidad al actor que se llevaría el finalmente el papel). Incluso hicieron una prueba para el papel el cantante Richard Marx (que declaró que rechazó el papel) y el guionista Karey Kirkpatrick (que hizo la prueba por mediación de Katzenberg (presidente de Walt Disney Studios por aquel entonces).
Al final la idea de darle el papel a un desconocido como quería Johnston prevaleció y éste fue a parar a manos de Bill Campbell, cuya carrera hasta aquel momento se había centrando principalmente en la televisión. Campbell se presentó a su primera audición con el pelo largo y barba, ya que estaba representando a Shakespeare por aquel entonces. Tras su audición con Joe Johnston, se hizo con el cómic y tras ver su gran parecido con Cliff, hizo lo posible para parecerse todavía más a él, de modo que se cortó el pelo y se afeitó la barba, para tener el mismo look que el personaje. Tuvo una nueva audición con Johnston y puede decirse que el resto fue historia.
Sherilyn Fenn, Kelly Preston, Diane Lane, Elizabeth McGovern, Penelope Ann Miller y Annabeth Gish, todas excelentes opciones, fueron consideradas para el papel de Jenny, pero al final fue a parar a la mejor opción posible, Jennifer Connelly. La actriz desconocía por completo el mundo del cómic antes de su participación en Rocketeer, "esto va a sonar terrible, pero realmente no sabía que los cómics existían hasta que hice una audición para el papel. Finalmente me hice echarles un vistazo, pero tendía a mirar más los dibujos que la historia," declaró la actriz.
El papel del villano Neville Sinclair fue ofrecido a Jeremy Irons y Charles Dance antes que a Timothy Dalton, quien se encontraba a la esperaba de realizar su tercera película como James Bond.
A su vez el papel de Peevy fue ofrecido a Lloyd Bridges y se barajó a Randy Quaid, antes de que se lo llevase Alan Arkin. El actor declaró que aceptó participar en la película porque nunca había hecho una película de acción/aventuras y quería saber como era participar en una.
Y el papel del mafioso Eddie Valentine fue escrito con Joe Pesci en mente, pero el actor declinó la oferta y éste fue a parar a Paul Sorvino.
El resto del reparto se completó con los actores Terry O'Quinn (en el papel del multimillonario Howard Hughes), Ed Lauter (como el agente del FBI Fitch), Jon Polito (interpretando a Bigelow, el jefe de Cliff), Eddie Jones (como el borrachín y entrañable Malcolm), Margo Martindale (en el papel de Millie, la dueña del Bulldog Café) y Tiny Ron (en la piel de Lothar, el deforme secuaz de Sinclair).

ROCKETEER DESPEGA
El rodaje comenzó el 10 de septiembre de 1990 y se prolongó hasta el 22 de enero del año siguiente.Y tuvo lugar en diferentes localizaciones de California, principalmente en Los Angeles y Santa Maria.
Disney esperaba que el presupuesto de la película fuese de 17,5 millones de dólares, aunque pronto aumentó hasta los 25 y que el rodaje tuviera una duración de 76 días. Como su director reconoció, "sabía que nunca podríamos filmar la película en 76 días y sabía que nunca la filmaríamos por 25 millones." Dicho y hecho, el presupuesto se disparó hasta los 40 millones y los días de rodaje crecieron hasta los 96. Johnston ya preveía todo esto y lo que hizo fue dejar para el final del rodaje las secuencias más costosas en tiempo y dinero, de esta forma haría más difícil que le despidieran. Pero según el director, "acordamos 25 millones, pero una vez Disney comenzó a ver el metraje, se dieron cuenta que ésta era una película más grande que la que ellos estaban esperando y aprobaron los sobrecostes. El presupuesto seguía escalando, pero nunca quedó completamente fuera de control."
Aún así, eso no hizo más llevadero el rodaje para Johnston, que recibía continuas visitas de gente del estudio para saber que estaba pasando. Cuando el rodaje finalizó Johnston fue muy claro en su opinión sobre su futuro con Disney, "si fuera una gran relación y ellos me gustasen y yo les gustase a ellos, entonces no sería necesario un contrato por tres películas. Desearía volver para hacer cuatro, cinco o nueve películas. Pero, ahora mismo, lo que siento es que tan pronto como esa tercera película esté hecha, ellos nunca me volverán a ver jamás."
El casco de Rocketeer fue un problema, Michael Eisner (CEO de la Disney) quería cambiarlo por uno parecido al de un astronauta de la NASA. Pero Johnston se negó a ello y afirmó que si cambiaban el diseño del casco él dejaría el proyecto. Tras conseguir mantener el diseño original, seguían sin tener el casco perfecto, fue entonces cuando Stevens le pidió a Johnston la oportunidad de crearlo con la ayuda del escultor Kent Melton, a lo que el director aceptó. El rodaje comenzaba en unos días y no había lugar para errores, pero en el plazo de una semana tuvieron el casco listo, el cual se basaba en los diseños de Stevens, cuando Johnston lo vio exclamó, "¡eso es definitivamente el cómic!"
El diseño de la mochila propulsora también cambió respecto al cómic, pero según Stevens éste mejoró considerablemente, "estaba realmente feliz cuando el equipo de Jim [Bissell] rediseñó mi mochila propulsora. No estaba contento con mi concepción de la misma y ahora el propulsor ha sido cambiado de algo parecido a una bomba de juguete a una replica de un motor funcional. ¡Ahora realmente se enciende como un reactor!"
Stevens estuvo presente durante todo el rodaje y está claro que su presencia fue importante para llevar el proyecto a buen puerto, además de para mantener el espíritu de su obra vivo hasta el final. "Dave nos mantuvo a todos fieles al mundo visual de Rocketeer," declaró Joe Johnston, "hubo numerosas ocasiones en que Dave corregía sutiles errores en los trajes, la mochila cohete, el casco, etc. El departamento artístico era de primera, pero nadie estaba tan íntimamente familiarizado con el original, por supuesto. Era una fuente genial."
El diseñador de producción James D. Bissell (E.T., el extraterrestre, Misión imposible: Protocolo fantasma) hizo un trabajo sensacional, creo decorados tan increíbles como el "Club mares del sur" (que Bissel definió como la decadencia de Hollywood), el "Bulldog Cafe", las oficinas de Howard Hughes o el "Aeródromo de Chaplin" (el cual creo desde cero en un suburbio de Los Angeles). Fue gracias a él que los años 30 volvieron de nuevo a la vida.
Irónicamente el héroe volador de la película tenía miedo a volar, Bill Campbell tenía pánico a montar en avión, por lo que el actor tuvo que hacer de tripas corazón para rodar las escenas en las que Cliff aparece realmente pilotando una avioneta."Mi miedo a volar es extraño. No me gusta volar en aviones que tengan motores, especialmente vuelos comerciales, pero también soy dueño de un ala delta y vuelo en él, lo cual me encanta. [...] Sólo no me gusta estar en el aire atado a un motor," admitía el actor.
Johnston quiso que el actor apareciera realmente dentro de la avioneta en la secuencia inicial de la película y le pidió a Campbell si le importaría hacer él mismo la escena. Claro está, esto es Hollywood y se toman todas las precauciones, de modo que contrataron a Craig Hoskings, uno de los mejores pilotos especialistas del mundo, para que ayudase al actor a rodar la secuencia y a afrontar sus miedos.
"Había cosas que yo tenía que controlar desde la segunda cabina de la avioneta, como el bloqueo de la rueda de cola o el aceite y algunas otras cosas," recordaba el actor, "cuando ensayamos la escena en el suelo, Craig tenía un micrófono por el que él daba las instrucciones y yo podía oírle (por los auriculares) bajo mi gorro. Pero cuando fuimos a rodar, el motor estaba ahogando el sonido por completo, así que lo arregle fingiendo que hacía las cosas que se suponía que debía hacer cuando se suponía que debía hacerlas, pero todo fue bien."
La mayoría de las escenas de vuelo de Rocketeer fueron fruto de los efectos visuales (como veremos en unos párrafos), pero hubo determinados momentos en los que fue necesario el uso de dobles. Por ejemplo, en la escena en la que Rocketeer intenta salvar a Malcolm y cae al vacío desde la avioneta que pilota éste, fue un doble es que saltó desde la avioneta en una caída libre de 100 metros (llevaba el paracaídas oculto en una falsa mochila propulsora). La escena tuvo que filmarse tres veces.
La buena química entre Campbell y Arkin (quienes se hicieron amigos a raíz de su colaboración en esta película) puede ser debida a como ambos prepararon la relación entre sus personajes, para ello se inventaron un pasado para los mismos. "Peevy era amigo del padre de Cliff en la Primera Guerra Mundial," explicaba Arkin, "cuando eran pilotos. Nos imaginamos que el padre de Cliff fue asesinado y yo me hice cargo de él. Nos unimos después de unos años, cuando Cliff se metió en algunos problemas (de los que no vamos a hablar, ya que no aparecen en la película). Me hice cargo de él y lo puse en forma, y nos convertimos en socios en un avión."

EFECTOS VISUALES
Los efectos visuales de la película corrieron a cargo de la Industrial Light and Magic, antiguo hogar de Joe Johnston, donde trabajó principalmente como director artístico en películas como El imperio contraataca o En busca del arca perdida (por esta última recibiría un Oscar).
Del presupuesto de la película, 7 millones se destinaron a efectos especiales, para poder así crear sus más de 150 planos de efectos. Bajo el liderazgo del gran Ken Ralston (El retorno del jedi, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?), trabajaron cerca de 100 empleados de la ILM, para hacer posible los vuelos y el universo de Rocketeer.
Para hacer volar a Rocketeer se usaron diferentes técnicas, desde acción en vivo, pasando por el uso de cables, pero sobre todo se debió al inmenso trabajo de la ILM en el campo de los efectos visuales.
Para rodar algunas escenas de Rocketeer volando se utilizaron técnicas Stop-Motion y Go-Motion. El animador Tom St. Amand utilizaba una marioneta de Rocketeer a la que filmaba fotograma a fotograma mediante Stop-Motion y después con la técnica Go-Motion se añadía una distorsión en la imagen asociada al movimiento, que la hacía más realista. Ese Rocketeer animado se insertaba posteriormente en imágenes reales en movimiento y así podemos ver a Rocketeer surcando los cielos.
"Usualmente lo que quieres hacer es primero filmar la acción de fondo, que nosotros llamamos platós de fondo, porque si tú filmas al actor o a la marioneta primero, no tienes idea de donde estará realmente el sol o si va a ser un día nublado o lo que sea cuando lo hagas," explicaba Patricia Blau, una de las responsables de los efectos visuales de la película, "filmamos los platós de fondo por todas partes, desde Santa Maria, que luce como el Los Angeles de 1938, a Marin County." 
Por ejemplo para rodar el momento en el que Rocketeer aterriza más mal que bien en un lago, no había ningún hombre dentro del traje. "Era realmente una marioneta de 18 pulgadas de alto [unos 45 centímetros aproximadamente] con un esqueleto miniatura en el interior, uno cuyas manos estaban articuladas hasta el último dedo. Cuando el piloto aterriza en el estanque, es realmente la marioneta siendo arrastrada por un cable," declaró Blau.
"Ponemos la marioneta delante de las cámaras, montándola en una barra en varias posiciones y la filmamos contra una pantalla azul," explicaba Blau, "usamos nuestro de control de movimiento estándar, el cual es una cámara operada por ordenador que puede repetirse una y otra vez. Tenemos un animador de Stop-Motion quien entre las exposiciones entra y sólo mueve la marioneta muy ligeramente, cuando la ves en la película ves un brazo moviéndose o lo que sea. Es realmente un proceso increíble."
También se usó pantalla azul con actores de carne y hueso. El propio Bill Campbell llegó a rodar algunos planos de vuelo delante de la pantalla azul mientras colgaba de cables, pero la mayoría de las veces se terminaba recurriendo a un bailarín de ballet, porque tenía un mejor control muscular.
Pero los mencionados cables eran otro problema, estos no podían aparecer en pantalla o toda la magia del vuelo se desvanecería. "Borramos los cables en nuestro departamento de gráficos de ordenador," explicaba Blau, "escaneamos el fondo original fondo de la película y entonces a través de la tecnología informática pintamos con mucho cuidado el cable. Y frecuentemente, después de deshacernos de los cables, tuvimos que llevarlo al proceso óptico para añadir llamas o la estela que deja Rocketeer."
Posiblemente la escena más compleja de rodar fue la de la explosión del zeppelín, que costó por si sola 400.000 dólares. La ILM construyó un zeppelín a escala 1:24 que tenía 35 pies de longitud (10,67 metros), para lo cual necesitaron de 63 horas de trabajo. Pero la primera vez que lo volaron por los aires las cosas no salieron como estaban previsto, los explosivos no se activaron en el orden preciso por un fallo en los dispositivos de radio control, por lo que la explosión resultante no fue la esperada. Se necesitó rodar de nuevo la escena, por lo que la ILM tuvo que construir un nuevo zeppelín y después de 6 semanas estaban listos de nuevo para rodar. Esta vez todo salió como estaba previsto y el resultado sencillamente perfecto, tal y como puede verse en la película.

TAQUILLA
Rocketeer se estrenó en EE.UU. el 21 de junio de 1991, siendo su recaudación final unos correctos 46.704.056 de dólares. Cifra insuficiente para proseguir con la saga inicialmente prevista, lo que provocó que la productora anulase las secuelas planificadas. Tal vez el que se estrenase dos semanas antes que Terminator 2: El juicio final (1991), el gran taquillazo del aquel año, afectase a su carrera comercial.
Pese a no ser un gran éxito comercial, con el paso de los años se ha generado a su alrededor un cierto seguimiento, convirtiéndose en una película a reivindicar por muchos. Incluso en 2012 se habló de un remake por parte de Disney.

VALORACIÓN
Creo que Rocketeer es una película que ha ganado con los años, ya que durante mucho tiempo ha sido infravalorada e injustamente olvidada. Su relativo fracaso en la taquilla la condenó al ostracismo y es una lástima porque estamos ante una buena película de aventuras, una inofensiva sí, pero no por ello menos entretenida. Y entretenimiento en Rocketeer hay un montón. La película contiene algunas secuencias y momentos memorables, y un sentido de la maravilla con un ojo puesto en el pasado, pero con la tecnología más puntera del momento.
Puede que a muchos su tono juvenil, marca de la Disney, les tire para atrás, pero sólo se estarán perdiendo una película cuyo objetivo es hacérnoslo pasar bien y transportarnos a una época más sencilla y elegante. No se puede negar que todo está rodeado de una cierta inocencia, pero es parte del encanto de la película.
Tal vez Cliff no pase de ser el típico chico bueno metido en un gran lío y que está definido simplemente con un par de pinceladas (inocente, impulsivo y temerario), pero funciona perfectamente como el héroe de la función. Y eso es en gran medida al corazón que Campbell aporta al personaje, consigue así que creamos en él.
Llama la atención la participación de Timothy Dalton como el villano Neville Sinclair, haciendo de nuevo de espía, pero siendo esta vez la antítesis de su famoso 007. Dalton disfruta como un enano en su papel de supervillano y se convierte con facilidad en el mejor miembro del reparto.
Y destaca la siempre gratificante presencia de Jennifer Connelly, aquí en uno de sus primeros papeles adultos. La actriz está más que correcta en su papel y hace gala de un físico espectacular que la convierten en la perfecta traslación en carne y hueso de la Betty del cómic.
La película consigue un equilibrio directo con su productora máter, en la secuencia en la que a Cliff le proyectan una película en la que se detallan los planes de los nazis. La película es un pequeño corto de dibujos animados, filmado en blanco y negro, con una animación excelente, que crea una curiosa simbiosis entre la productora y la propia película.
Durante el visionado de Rocketeer es imposible no pensar en Superman e Indiana Jones, tenemos a un héroe volador que se dedica a salvar a gente por un lado y por otro una aventura con nazis con ganas de apoderarse del mundo. Nunca llega a la altura de esas películas, pero tampoco lo pretende.
La película captura esa fascinación que tenía el cómic original por los años 30 y también lo hace con su sentido del pulp y de la aventura. Tenemos estrellas de cine, conspiraciones nazis, mochilas propulsoras, gángsters, acrobacias aereas y a un héroe volador, ¿qué más podemos pedir?
La película mejora el material original, sin perder un ápice del espíritu que transmitía el cómic. En las viñetas, para mí Cliff no destaca como un verdadero héroe, en muchos momentos es un ser caótico, inseguro y celoso. Su novia no es más que un cliché en las viñetas, mientras que en la película sí tiene personalidad y aporta algo a la trama. El cómic carece de un gran villano, allí simplemente son los nazis y punto, la inclusión de Neville Sinclair y su memorable sidekick, hacen ganar muchos puntos a la historia. En la película la historia es más grande y está mejor desarrollada. Es cierto que se pierde el tono más adulto que tiene el cómic, lógico siendo una producción de la Disney, pero en contrapartida se aportan muchas cosas nuevas que la mejoran (toda la trama en Hollywood con sus entresijos de estrellas y rodajes, los gángsters, Howard Hughes, más acción, los villanos antes mencionados, un verdadero héroe en el que creer y un clímax final de lo más potente).
Rocketeer es uno de los mejores exponentes del cine de imagen real de la Disney, productora que normalmente tiende a infantilizar en exceso sus producciones, pero que en este caso en particular, supo aunar espectáculo, humor, emoción y romance, en dosis admisibles para todo tipo de público y eso es en gran medida gracias a Johnston, quien realizó (junto con Cielo de octubre) el mejor trabajo de su carrera.
Rocketeer salió triunfante de esta aventura, luchando contra productoras entrometidas, reescrituras de guión interminables, presupuestos incontrolables y efectos visuales aparatosos. El cine tenía un nuevo héroe y su nombre era Rocketeer. 

CURIOSIDADES
La cara del personaje de Lothar está inspirada en la del actor Rondo Hatton, actor que trabajó como secundario en varias películas de serie B en los años 30 y 40.
Supuestamente estaba previsto que en su estreno en cines, la película estuviese precedida de un corto de Roger Rabbit, títulado "Hare in my soup", pero el corto nunca fue realizado.
Antes de rodar Rocketeer, Danny Bilson y Paul De Meo quisieron contar con la ayuda de Dave Stevens para una de sus películas, Zone troopers (1986), pero el dibujante tuvo que rechazar la oferta por tener otros compromisos. La película era también una historia de ciencia ficción ambientada en la segunda guerra  mundial con nazis de por medio.
Bill Campbell y Jennifer Connelly firmaron un contrato para realizar varias secuelas, Campbell para realizar dos más y Connelly una.
En el cómic el inventor de la mochila propulsora era el famoso personaje pulp Doc Savage. Los derechos del personaje pertenecían a Conde Nast, quien no los cedió a Disney para la película, lo que provocó que en el guión final la identidad del inventor del ingenio fuese cambiada por la del millonario Howard Hughes.
Dave Stevens, creador de Rocketeer tiene un cameo en la película, se le puede ver brevemente en la película en blanco y negro que Howard Hughes proyecta a Cliff, es el hombre que lleva un cohete a su espalda en las pruebas que hacen los alemanes, la cual acaba en tragedia. En la imagen inferior es el hombre de la izquierda.
 
Se rodó una escena en la que Neville Sinclair enviaba un mensaje a Berlín codificado en una verdadera máquina Enigma (conseguida expresamente para la película), pero al final la escena fue cortada por limitaciones de tiempo en la duración de la película.
La "Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror Films" premió a la película en la categoría de mejor vestuario (Marilyn Vance) y la nominó en las de mejor película de ciencia ficción, efectos especiales (Ken Ralston) y actriz secundaria (Jennifer Connelly). A su vez en los premios Hugo fue nominada en la categoría de mejor presentación dramática.
Frank Darabont escribió un primer borrador del guión para la película. 
"Beemans" la marca de chicle que usa Howars Hughes en la película, es el chicle de la suerte de los pilotos.
El nombre de Neville Sinclair fue tomada de una historia de Sherlock Holmes escrita por Arthur Conan Doyle de título "El hombre del labio torcido", aunque el nombre del personaje era realmente Neville St. Clair.
Para rodar la película se creo un ingenio denominado "shaky-cam", utilizado con el fin de introducir vibraciones en la película. Fue usado en las escenas que acontecen dentro del zeppelín para dar la impresión del poder de los motores. Cuando la película se paso a video, el efecto se perdió en su mayoría, volviéndose la imagen mucho más estática.
Cliff usa la maqueta de un avión para huir del hangar de Howard Hughes. La maqueta corresponde al avión Hughes H-4 Hercules (también conocido como "Spruce Goose"), el hidroavión más grande jamás construido. En su momento se creía que el avión, por sus enormes dimensiones, no podría volar, de ahí que en la película Howard Hughes exclame "Estaba seguro de que volaría". Algo que Hughes demostró en 1947. La Disney compró el "Spruce Goose" en 1988 con idea de que formara parte de un nunca realizado parque temático (en el que también estaría el Queen Mary que Disney compró al mismo tiempo que el hidroavión, pero prescindirían de ambos en 1992). Muchos han visto la inclusión del avión de Hughes en la película, como una autopromoción por parte de la Disney, para publicitar su adquisición.
El doble Jimmy Medearis sufrió graves daños en su cabeza durante el rodaje de una escena. Él y su compañero Michael J. Sarna se golpearon contra un árbol cuando el camión que tiraba de sus arneses los arrastró demasiado lejos.
La historia de la película acontece en octubre de 1938.
De todas las estrellas del cine de los años 30 que se mencionan en la película, la única que estaba viva en el momento del estreno de la película era Myrna Loy.
Danny Bilson y Paul De Meo fueron co-guionistas del segundo y tercer capítulo de "The Rocketeer: Cliff's New York Adventure", segundo cómic de Rocketeer.
El guionista Danny Bilson es el padre de la actriz Rachel Bilson (Jumper).
El zeppelín que aparece al final de la película se llama "Luxemborg" en una clara referencia al popular Hindenburg.
En el "Club mares del sur", Neville Sinclair saluda a Clark Gable. Esto es una referencia a la anécdota de que Gable era el actor preferido de Adolf Hitler. El protagonista de Mogambo se alistó en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial y el líder del Tercer Reich ofreció una recompensa a quien pudiera capturar al famoso actor y llevarlo a Alemania sano y salvo.
El "Bulldog Café" (ese restaurante con forma de perro donde se reúnen los pilotos de la película) era una réplica de un restaurante real conocido como "The Dog Café", construido en 1928 en el West Washington Boulevard de Los Angeles, que tristemente fue derribado en 1955.
En el guión final había una escena prevista que no se llegó a rodar y que tenía como protagonista el famoso Teatro Chino Grauman de Los Angeles. La escena se iba a filmar en los anteriormente conocidos como "Disney-MGM Studios Theme Park" (hoy día los "Disney's Hollywood Studios") donde existe una replica del popular cine. En dicha secuencia, Cliff antes de salvar a Jenny en el "Club mares del sur", vuela cerca del Teatro Chino. Allí tiene lugar una ceremonia para que la actriz Bette Davis deje sus huellas en el cemento. Uno de los hombres que se encargan de los focos que iluminan el lugar, se queda mirando a Rocketeer, pierde el equilibrio y se cae desde lo alto del cine. Rocketeer lo ve y vuela para salvarle, consigue agarrarle en el último momento, pero al poner los pies en el suelo lo hace sobre el cemento fresco, que estaba listo para Bette Davis y sin pretenderlo deja sus huellas en él. Pone al hombre a salvo y sale volando rumbo al "Club mares del sur". El dueño del Teatro Chino coge el palo que tenía la actriz para escribir en el cemento y escribe "Rocketeer" al lado de las huellas. Se desconoce porqué la secuencia no se llegó a filmar.
Durante la batalla final en el zeppelín, Cliff le pregunta a Sinclair "¿Dónde están sus dobles de acción Sinclair?" a lo que el actor le replica "No necesito un dobles." Esta frase era una referencia a la etapa de Dalton como 007, donde se dio a conocer como el Bond que más escenas de acción realizaba por si mismo. 
Aunque la película se basa en el primer cómic de Rocketeer, el villano Lothar, se extrajo del segundo cómic, "The Rocketeer: Cliff's New York Adventure".
La escena en que Valentine se niega a seguir trabajando para Sinclair cuando descubre que éste es un espía nazi y como después ayuda al FBI en el tiroteo contra los nazis, se explica por el odio que los mafiosos italianos sentían ante el fascismo, alentada por la lucha por parte de Mussolini contra la mafia.
La Betty del cómic se inspiró en la pin-up por excelencia Bettie Page, quien con el tiempo se convirtió en amiga personal de Dave Stevens.

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Sunday, March 15, 2015

Regreso al futuro II

"Nadie me llama gallina."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Doc Brown recoge a Marty y Jennifer para llevarlos al año 2015, con el objetivo de salvar a sus hijos. Pero ese será sólo el comienzo de su aventura, ya que Biff se apoderará de la máquina del tiempo y cambiará el curso de la historia. Ahora estará en manos de Marty y Doc corregir la línea temporal y devolver las cosas a su estado original.

Bienvenidos al año 2015. Bienvenidos al futuro. Bienvenidos a Regreso al futuro II.

PARADOJA
Tras el enorme éxito de Regreso al futuro (1985), pronto se habló de realizar una secuela. Y aunque el final abierto de la primera entrega pudiera hacer creer que ya tenían pensada la segunda parte, no fue así, aquel final con Doc llegando del futuro y llevándose a Marty y Jennifer en el DeLorean volador fue sólo un chiste con el que cerrar la película, tal y como lo explicaba Bob Gale "Usamos ese final porque sentimos que era divertido. En ese momento, no teníamos intención de hacer una secuela. Pero cuando Universal dijo que querían una secuela y que querían que Bob y yo la hiciéramos, ambos sentimos que sería una trampa como mínimo, el no empezar la película donde la otra lo dejó. A nuestro modo de ver, el final nos dijo donde esta película debía comenzar."
Según afirmó Zemeckis, de haber sabido que haría una secuela, se hubiera encargado de que Jennifer no estuviera en el coche al final de la primera parte, ya que no había mucho material para ella al centrar la secuela en Marty, es por eso que Doc la deja inconsciente al principio de la película.
Antes incluso de iniciarse la escritura del guión, fue necesario garantizar el regreso de todo el reparto. Todos los actores accedieron a repetir sus roles en la secuela, todos salvo dos, Crispin Glover y Claudia Wells.
Con el primero no llegaron a un acuerdo. Glover se quejó de que su sueldo iba a ser la mitad del que Lea Thompson y Thomas F. Wilson iban a cobrar. Durante las negociaciones el agente de Glover expresó a los productores que el actor quería una compensación justa (al parecer de 1 millón de dólares), además de una cláusula en su contrato bajo la cual debía aprobar el guión. Gale se negó a ceder a esas condiciones y su contraoferta fue ofrecerle al actor un sueldo más bajo que el inicialmente planteado, de tan sólo 125.000 dólares. Después de que Glover lo rechazase, significando esto su salida del proyecto, Gale reescribió el guión para reducir la presencia de George en la segunda parte, la cual se centró en la muerte del personaje y como todo acontece en una versión alternativa de 1985. Con Glover fuera del proyecto, se contrató al actor Jeffrey Weissman para el papel de George. Para hacerlo pasar por Glover se maquilló al actor partiendo de moldes creados en la primera entrega y gracias a prótesis faciales se dio el pego, a lo que también ayudó al mostrarlo boca abajo, de espaldas, desde lejos o con gafas de sol. Además se usó metraje de la primera parte donde aparecía Glover (lo que traería más de un problema a los productores tal y como veremos en unos párrafos).
Por su parte la actriz Claudia Wells, que interpretó a Jennifer en la primera parte, no pudo aceptar participar en las secuelas porque se había retirado temporalmente de la actuación, al ser su madre diagnosticada con cáncer (no volvería a actuar hasta el 2008). Claudia fue sustituida por la siempre estupenda Elisabeth Shue, quien tuvo que volver a rodar la secuencia final de Regreso al futuro, que es repetida al comienzo de la segunda parte.
El inicio de la producción se fue retrasando por la implicación de Zemeckis en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, fue Bob Gale quien se ocupó de escribir la primera versión del guión por su cuenta, mientras su amigo se ocupaba de filmar las aventuras del conejo animado. Inicialmente sólo estaba previsto rodar una única secuela, en la cual Biff se entregaba a si mismo el almanaque en los 60, no en los 50 y cuando Marty viajaba atrás en el tiempo se encontraba con sus padres, que estaban en la universidad y eran unos hippies y Marty a punto estaba de evitar su propia concepción.
Pero Zemeckis consideró que las paradojas temporales brindaban la oportunidad de volver a situar la acción en 1955 y dar una vuelta de tuerca a la historia de lo más original "Hemos sido capaces de hacer algo que nunca se había hecho en una secuela antes, regresamos a la primera película y vemos escenas de esa película desde una perspectiva completamente diferente." Reconocía Zemeckis "Deliberadamente diseñamos escenas para refrescar la memoria de la audiencia de la primera película, que es lo que creo que es divertido al ir a ver en una secuela."
Esta nueva versión del guión recibía el título de "Paradox" y vendría a ser una versión comprimida de los acontecimientos mostrados posteriormente en la segunda y tercera parte. Pero tal y como explica Bob Gale, pronto se dieron cuenta que esta segunda parte se convertiría en trilogía "Aparecimos con grandes ideas. El problema es que teníamos muchas grandes cosas que podríamos poner en una película y sería realmente larga y muy cara. La Universal no estaba muy contenta con eso. Pero si pudiéramos hacer dos películas, entonces podrían justificar los gastos. Ha sido emocionante saber que podíamos empezar algo en la segunda parte y poder terminarlo en la tercera. Todos sentimos que nos dio un lienzo mucho más grande para trabajar. Hacer dos películas al mismo tiempo es una idea bastante loca, pero es la clase de locura que atrae a todo el mundo."
El presupuesto para rodar ambas películas fue de 80 millones de dólares, dividido a partes iguales para ambas películas, lo que convirtió al proyecto en uno de los más caros de la historia.
Sus responsables idearon un futuro diferente al de las películas distópicas "Nuestro futuro definitivamente no es del tipo de Blade Runner. Nuestro futuro es un lugar agradable para vivir" Declaró Bob Gale. El guionista añadiría que "Sabíamos que no podíamos predecir el futuro. Nos fijamos en un montón de películas, recuerdos de las Ferias Mundiales, así como libros y otros materiales que predijeron el futuro. Nada de esto aconteció como lo predijeron, así que supimos que íbamos a fallar de alguna manera si intentábamos ofrecer predicciones reales del futuro. Aceptando esto, decidimos que la única forma de tratar con él era hacerlo optimista y pasar un buen rato con él."
Y ya por aquel entonces cerraban toda duda sobre la realización de más secuelas "Hemos tratado de poner un cierre definitivo en la tercera película porque si alguna vez va a haber una cuarta y la hacemos, no querría estar cargando con una vieja idea." Declaró Gale a la revista "Starlog". "Pero para ser perfectamente honesto, no creo que vaya haber un Regreso al futuro IV ya que, de alguna manera, el hecho de que estemos haciendo estos films conjuntamente es muy oportunista. En cuatro años, Michael será demasiado viejo para interpretar a un chico y él y todo el mundo se habrá movido a otras cosas. Si no hiciéramos la tercera parte ahora, probablemente no se haría nunca."

REGRESO A HILL VALLEY
El rodaje comenzó el 24 de febrero de 1989 y se prolongó hasta el 2 de agosto del mismo año, primero filmaron la segunda parte y después de 3 semanas de descanso, comenzaron el rodaje de la tercera, cuyo rodaje finalizó el 22 de enero de 1990. Y mientras rodaban la tercera parte iban editando la segunda, no había tiempo que perder.
La película se filmó en parte en los Universal Studios, el estudio de sonido 12 se convirtió de nuevo en la plaza de Hill Valley y el 27 sirvió para rodar escenas con el DeLorean volando. Diferentes localizaciones de California dieron vida a Hill Valley como Pasadena (la casa de Doc), Wilmington (la escena del cementerio), Whittier High School (que se convirtió en el instituto de Hill Valley), Griffith Park (la escena del túnel), Arleta (la casa de los McFly) y El Monte (donde está situada la casa de Marty en el futuro).
Michael J. Fox revivió lo acontecido en el rodaje de la primera parte, tener que casarlo con el rodaje de la serie Enredos de familia, que también protagonizaba, sólo que en esta ocasión esa coincidencia de rodajes se produjo durante las primeras semanas de filmación de la segunda parte. Y para hacerlas más llevaderas Fox habló con los guionistas de la serie para que redujeran la presencia de su personaje en la serie (que se encontraba en su séptima y última temporada), cosa que hicieron durante un par de semanas, lo que ayudó al actor a sobrellevar ambos rodajes.
Según el calendario de producción las primeras escenas de Hill Valley que se rodarían serían las del 1985 alternativo. Fue trabajo del diseñador de producción Rick Carter, el primero afear la plaza del pueblo y convertirla en un sitio decadente, para después eliminar todo rastro de destrucción y convertirla en una utopía futurista.
Como es obvio, para mostrar el Hill Valley de 1955 tuvieron que volver a construir los decorados tal y como lucían en la primera parte y además trajeron de vuelta a la misma gente para rodar de nuevo escenas, como, por ejemplo, aquellos que participan en el "Baile del encantamiento bajo el mar", ahí están los mismos bailarines después de cuatro años.

EFECTOS VISUALES DEL FUTURO
Rodar previamente ¿Quién engañó a Roger Rabbit? le fue de gran ayuda a Zemeckis para enfrentarse a las secuelas de Regreso al futuro en el campo de los efectos visuales. Según el director, para película se usó "Cada truco del libro". Todas las técnicas imaginables fueron empleadas para dar vida a las nuevas aventuras de Marty McFly, desde CGI (cuando apenas existía el CGI), pasando por efectos físicos y ópticos e incluso se inventaron nuevas técnicas como veremos a continuación. No es de extrañar que la película fuera nominada al Oscar en la categoría de mejores efectos visuales (Ken Ralston, Michael Lantieri, John Bell y Steve Gawley).
Michael Lantieri fue nombrado supervisor de los efectos especiales. Lantieri inició una relación profesional con Zemeckis en ¿Quién engañó a Roger Rabbit? que dura hasta nuestros días. El genio de los efectos visuales dividió al equipo en dos categorías, una se ocupaba de la utilería como los monopatines voladores, las chaquetas o las deportivas Nike y la otra se ocupaba de los efectos reales, como la lluvia, el fuego y los efectos de vuelo.
Los efectos para hacer volar a los monopatines trajeron varios quebraderos de cabeza al equipo (aún no existían los efectos CGI actuales para poder darles vida) y fueron la mezcla de varios tipos diferentes de técnicas. Como usar cuerda de piano (para lo que se construyeron los sets con líneas para disimular los cables). Arneses ocultos bajo la ropa de los actores, que eran movidos por una grúa (en las tomas que Michael J. Fox llevaba uno, sus deportivas tenían que estar unidas al monopatín, por lo que el actor tenía que ser transportado entre tomas). Pantalla azul. Ken Ralston, el supervisor de efectos visuales de la película, se encargó de hacer "borrados" de los cables. E incluso se usaron espejos para hacer flotar el monopatín sobre el agua (colocándolos debajo del mismo reflejaban el agua).
Para hacer "volar" más fácilmente al DeLorean se construyeron varios modelos en fibra de vidrio. Uno de los modelos construidos fue destruido accidentalmente. Para hacerlo "flotar" o despegar verticalmente usaban cuerdas de piano. Rodando la escena del callejón en el futuro, Michael J. Fox se acercó al coche y tocó una de las cuatro cuerdas que sujetaban el coche y en ese momento las otras tres se rompieron provocando que el coche cayera al suelo y se hiciera pedazos.
Durante el rodaje de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? Zemeckis utilizó una cámara controlada por ordenador que le permitió hacer interactuar a los actores reales con los animados. El único problema que tenía esta cámara era que apenas podía moverse. Cuando Zemeckis se embarcó en Regreso al futuro II le pidió a la ILM que modificaran el sistema para poder usar la cámara como una convencional y así surgió el sistema "VistaGlide". Esta cámara controlaba el movimiento horizontal, vertical, el enfoque, el zoom y la línea de división durante cada paso. Gracias a esta cámara el director pudo hacer que en las escenas en las que un actor interpretaba a varios personajes, estos pudiesen interactuar entre si e incluso pasarse objetos, siendo la primer película de la historia en conseguirlo. Se rodaron tres escenas usando esta técnica, la cena de los McFly en el 2015, el Biff anciano hablando con el Biff joven en el garaje en 1955 y Doc hablando consigo mismo en la calle en 1955. Cuando rodaban este tipo de escenas, el actor llevaba un pequeño receptor en el oído para escuchar las frases de los otros personajes (que también interpretaba) y poder así reaccionar a ellas.
La mayoría de actores principales tuvieron que utilizar maquilles para envejecer su aspecto. Para convertir a Michael J. Fox en el Marty de 47 años hacían falta 4 horas de trabajo. Pero quien padeció más sesiones de maquillaje fue Thomas F. Wilson, para quien muchos días de rodaje se traducían en comenzar las sesiones de maquillaje a las 3 de la mañana para caracterizarlo como el viejo Biff, para después de filmar las escenas, eliminar el maquillaje (lo que requería de una hora y media) y filmar la escena con el Biff joven o Griff que aparecería en pantalla al mismo tiempo que el viejo Biff.

ESTRENO
La película se llegó a las pantallas el 22 de noviembre de 1989 en medio de un gran hype, la taquilla en los EE.UU. respondió favorablemente y la recaudación ascendió a 118.450.002 de dólares (siendo la 6ª película más taquillera del año en territorio norteamericano) y la recaudación final a nivel mundial fue de 331.950.002 de dólares (situándose como la 3ª producción más taquillera del año, sólo superada por Indiana Jones y la última cruzada y Batman). La tercera parte llegaría sólo 6 meses después, el 25 de mayo de 1990, pero esa es otra historia.
Pero hubo algo que empañó el éxito de la película, la demanda que Crispin Glover interpuso a los responsables de la película por usar sin permiso su imagen. Como comentaba antes, varios planos de Regreso al futuro donde aparecía el actor fueron usados en la segunda parte. No se llegó a juicio, ya que la Universal llegó a un acuerdo con el actor por 765.000 dólares si éste retiraba la demanda. Después de lo acontecido, el "Gremio de Actores del Cine" introdujo nuevas reglas sobre el uso ilícito de los actores.

ESCENAS ELIMINADAS
Varias escenas inicialmente filmadas fueron eliminadas del montaje final de la película, pero gracias a la edición en dvd éstas fueron recuperadas:
1. El viejo Terry y el viejo Biff (24"): Terry le echa en cara a Biff que en 1955 no quiso pagarle la reparación de su coche tras el accidente con el camión de estiércol. 

2. El padre de la casa (versión extendida) (1' 15"): La escena en la que el Marty adulto llega a su casa en el 2015 era más larga originalmente. Se cortaron momentos como el de Marty hablando con sus padres, quienes le dicen que George fue atropellado en un campo de golf por un coche volador que cayó del cielo y también se cortó otro momento en el que Marty le entrega a su hijo unas gafas-televisión.

3. Pizza (versión extendida) (1' 06"): La cena de la familia McFly en el futuro era más larga originalmente. Había más interacciones entre los personajes y nos enteramos que al tío Joey le han vuelto a denegar la condicional.

4. Jennifer se desmaya (versión extendida) (20"): Escena posterior al desmayó de Jennifer al encontrarse consigo misma, en la que Marty y sus dos hijos acuden junto a ella. Al recogerla del suelo Marty dice "Está drogada otra vez."

5. El viejo Biff desaparece al lado de un coche (39"): Marty y Doc se suben al DeLorean tras recuperar a Jennifer. El viejo Biff, que acaba de regresar del pasado, se encuentra escondido detrás de un coche. Cuando Marty y Doc salen volando rumbo a 1985, Biff se desmaya y desaparece del tiempo.

6. Escuela quemada (19"): En el 1985 alternativo Marty se encuentra con su instituto destruido.

7. Marty se encuentra con Dave (1' 12"): En el 1985 alternativo, los matones de Biff echan al hermano de Marty del casino a patadas, quien es ahora un borracho. Marty le pregunta que ha pasado y donde puede encontrar a sus padres. Antes de marcharse Dave le dice que puede encontrar a su madre en el casino de Biff. Según Bob Gale y Neil Canton esta escena fue eliminada porque la actriz que diera vida a la hermana de Marty en la primera parte, Wendie Jo Sperber, no pudo participar en la película por estar embarazada y creyeron que si el hermano aparecía en la película, el público se preguntaría que le sucedió a su hermana también. 

Existen dos escenas eliminadas adicionales que no fueron incluidas en las ediciones de dvd de la película, de las cuales sólo hay vestigios de su existencia gracias a unas pocas fotografías.
8. Jennifer observa al Marty adulto ajustándose su doble corbata antes de su videoconferencia con Needles.

9. Doc descubre a Pa Peabody (el granjero que aparecía en la primera parte y al que Marty daba un susto de muerte a su llegada a 1955) y un oficial de policía al lado del anuncio detrás del cual está escondido el DeLorean. El granjero, escopeta en mano, le dice al policía que ha visto un platillo volante aterrizar (el DeLorean volador) y que está buscando al alien para matarlo. Doc escucha la conversación y le dice a Peabody que ha avistado un platillo al otro lado del pueblo. Peabody y el policía ponen rumbo al lugar que les indicó Doc.

VALORACIÓN
De entrada tengo que decir que me encanta esta película, siempre la he considerado una de las mejores secuelas jamás filmadas y eso que tiene el duro reto de ser comparada con la original, que es sencillamente perfecta. Pero esta segunda parte logra ir más lejos de lo que jamás hubiéramos podido imaginar y podemos afirmar que puede tratar de tú a tú al film original. Y aquel "¿Carretera? A donde vamos no necesitamos carreteras" es sólo el inicio de una aventura más grande que la vida.
Creo que la mejor idea que guarda la película es la de viajar a la primera parte y volver revivirla de una forma diferente. Como decía Zemeckis hace unos párrafos, es algo que nunca se había hecho antes en el cine y son de esas ideas que te hacen explotar la cabeza. Y si eso no fuera suficiente, tenemos de regalo un divertido y espectacular viaje al futuro (que siempre será el FUTURO) y un 1985 alternativo totalmente distópico. ¿Qué más se puede pedir? Si hasta tenemos a dos Martys y Docs por el precio de uno, lo que se traduce en el doble de diversión.
Por su propia naturaleza la película deja de ser la típica secuela hecha para aprovecharse del éxito de la primera entrega, para convertirse en una película con personalidad propia, que al mismo tiempo es coherente con la propia saga. Y al repetir los acontecimientos vistos en la primera parte, dándoles una nueva vuelta de tuerca, eleva la película a otro nivel y al mismo tiempo parece reírse de esas secuelas que son similares a la primera entrega, pero aquí consigue que eso sea su punto fuerte y resultar totalmente novedosa.
La película guarda ideas geniales como Marty viéndose a si mismo en el futuro y descubriendo que es un fracasado. ¿Qué haríamos si descubriéramos que no seremos quienes esperábamos ser? ¿Aprenderíamos de nuestros errores y los evitaríamos? Al final de la tercera parte descubriremos si Marty lo logra o no.
El Marty del futuro se convierte en el George McFly de esta segunda parte, un perdedor, ninguneado por otra persona (Needles en lugar de Biff) e incluso se repite el hecho de que Jennifer se casó con él por lastima, tal y como Lorraine había hecho con George.
Y hablando de repeticiones, la película parece decirnos que ciertos acontecimientos se repiten una y otra vez en la vida. Vemos a Marty de nuevo escapándose de unos matones en un monopatín, a Marty encontrándose con Biff en una cafetería con el consiguiente "¡Ey McFly!", Biff vuelve a ser sepultado por un camión de estiércol y Marty vuelve a quedarse inconsciente y a despertarse al lado de su madre.
Me encanta su visión de un futuro optimista, que curiosamente es una rareza dentro del cine, ¿cuántas películas recordáis que muestren un futuro positivo? Esto dota de una mayor comicidad a la película. Y para la gente de mi generación el futuro siempre fue el 2015 de Regreso al futuro II. Más allá de lo espectacular que lucía con sus coches y monopatines voladores, este 2015 parecía un lugar afable en el que vivir, de alguna forma la película nos daba la esperanza de que algo bueno estaba por llegar y por una vez el futuro no parecía algo a lo que tener miedo. Me gusta ese positivismo y lo encuentro al mismo tiempo muy irreverente.
El personaje de Marty McFly no es el mismo que vimos en la primera parte, aquí es un ser más pagado de si mismo y fanfarrón (recordemos el "Nadie me llama gallina"), de los que no hay ni rastro en la primera aventura. Cambiaron cosas del personaje para profundizar más en él y que tuviera su propia historia a desarrollar, su evolución a través de un arco argumental más grande y ambicioso. Algo que se resolvería en la tercera parte con un Rolls Royce de por medio. También se revela como un ser mezquino y codicioso cuando se quiere aprovecharse del almanaque deportivo en su propio beneficio, algo que no haría el Marty de la primera parte. Este acercamiento de Marty al lado oscuro altera el curso de la historia (a través de Biff), Marty debe pagar por sus pecados y arreglar el desastre que él mismo ha ayudado a crear.
Biff evoluciona en un supervillano, aquel macarra estúpido de la primera parte se convierte en la némesis más perversa de Marty McFly (incluso mata a su padre en el 1985 alternativo). Y el personaje sigue siendo tan cretino como siempre, su gran plan se lo roba a Marty, incluso para eso es mezquino y patético. El poder lo corrompe y es la muestra de lo que le habría podido ocurrir a Marty, si éste no tuviese a su lado a su brújula moral (Doc).
¿Soy al único a quien el plan de Doc de cambiar el futuro no le parece correcto? Vale que lo hace por una buena razón, pero nadie mejor que él debería saber que no se debería jugar con el futuro, que las consecuencias podrían ser terribles, las acciones de Biff con el almanaque son el mejor ejemplo. Los responsables de la película a la hora de justificar al gag final de la primera parte tienen que pagar cierto peaje, no pueden hacer olvidar que Doc llega a 1985 con la intención de salvar a los hijos de Marty e intentan hacer lo mejor que pueden dadas las circunstancias y aunque no esté bien justificado, hay que admitir que toda la parte del futuro es memorable.
Y hablemos del DeLorean, si en la primera parte el coche se convirtió por derecho propio en la mejor máquina del tiempo de la historia, el DeLorean volador de la segunda está fabricado con el material con el que se hacen los sueños. La imagen del coche volador es ya todo un icono. Lo mismo que los monopatines voladores, que se convirtieron al instante en el sueño de todo niño.
De la película me encantan hasta esos maquillajes exagerados e imperfectos a propósito. Hacen que toda la película tenga un aire extraño de comedia enloquecida que le sienta genial. Siendo todavía más enloquecida que la original.
La película se adelantó al futuro al pronosticar cosas como las Google Glass, las videoconferencias, los drones, videojuegos en los que no hay que usar las manos, televisiones con múltiples canales o el uso de huellas dactilares. Puede que no acertara en otras cosas, pero ahí dio en el blanco.
No me puedo imaginar una película más entretenida que Regreso al futuro II ni con mayor ritmo, no hay segundo que de tregua al espectador, la película se convierte en 100 minutos de puro entretenimiento. Y ese final con Marty recibiendo la carta que Doc le escribió 70 años en el pasado es sólo la guinda que redondea esta gran película. Como ver a Marty partir en el DeLorean hacia 1985 y al momento verle llegar corriendo para que Doc le ayude a viajar a 1885, es demasiado fuerte para Doc, pero también para nosotros. Se suele decir que segundas partes nunca son buenas, esta película reescribe la historia para ser la excepción a la regla.

ALMANAQUE DE CURIOSIDADES
El papel de Marlene McFly (la hija de Marty) fue escrito originalmente para Crispin Glover.
La frase promocional de Tiburón 19 es "Esta vez es REALMENTE REALMENTE personal".
Tras los 4 años que transcurrieron entre el rodaje de la primera parte y las secuelas, Michael J. Fox olvidó como montar en monopatín.
Entre las series de televisión que se pueden ver en los televisores del "Cafe 80's", se incluyen Enredos de familia (1982-89) y Taxi (1978-83), protagonizadas por Michael J. Fox y Christopher Lloyd respectivamente.
Gracias a la tumba de George McFly sabemos que su segundo nombre es Douglas y además que nació el 1 de abril de 1938.
La secuencia final de la primera parte se filmó de nuevo para esta película y contiene pequeños cambios (por ejemplo Doc se queda pensando cuando Marty le pregunta "¿Qué nos ocurre en el futuro? ¿Nos volvemos gilipollas o algo parecido?"). 
Cuando Marty intenta tocar la guitarra en el futuro interpreta de forma desafortunada "The power of love" de Huey Lewis and The News, tema principal de la primera parte.
Sin contar la escena inicial repetida de la primera parte, ésta es la única entrega en la que Marty no conduce el DeLorean ni una sola vez.
Ésta es la única película de la saga que no termina con una máquina del tiempo volando directamente a cámara.
La película significó el debut de Elijah Wood. Es uno de los niños que hablan con Marty en la máquina recreativa del "Cafe 80's".
La película se adelantó en el tiempo, en el "Cafe 80's" se muestran cuatro tipos distintos de Pepsi (Original, Diet, Max y Perfect). Pepsi Max se hizo realidad en 1993 en Europa y llegó a los EE.UU. en 2007.
La cornisa de la torre del reloj que Doc rompió en 1955 todavía sigue rota en 2015.
La versión estrenada en cines terminaba con un "Concluirá" y después se mostraba un teaser de Regreso al futuro III. Sólo Russ Meyer y Richard Lester habían hecho lo mismo antes. 
Según la noticia del periódico, que muestra como Griff y su banda son detenidos por la policía y que leen Marty y Doc tras cambiar el futuro, los nombre reales de la banda de Griff son Rafe Unger (Data), Leslie O'Malley (Spike) y Chester Nogura (Whitey).
Al estreno en Londres acudió la familia real y Christopher Lloyd se sentó muy cerca de Ladi Di, el actor recordaba que el momento en el que ella se rió más fuerte fue cuando el camión con estiércol vierte su contenido sobre Biff.
La camisa que Doc lleva en la mayor parte de la película muestra a unos vaqueros a caballo y un tren, como presagio del final de la tercera parte.
Charles Fleischer, quien puso voz a Roger Rabbit, realiza un cameo en la película, es Terry el mecánico que arregla el coche de Biff en 1955 y aparece como su versión anciana en 2015 diciéndole a Marty que hubiera querido apostar por los Cubs. Además puso voz a la abuela de Biff.
En el escaparate de las tienda de antigüedades donde Marty se hace con el almanaque deportivo, puede verse entre otras cosas, un muñeco de Roger Rabbit, la chaqueta que Marty llevó en 1985 o el videojuego de Tiburón para la NES.
En la primera versión del guión el segundo nombre de Marty era Hopkins.
Cuando llegan al futuro Doc menciona que visitó una clínica de rejuvenecimiento, esto fue incluido en el guión para que Christopher Lloyd no tuviera que constantemente llevar maquillaje para avejentarlo en las dos secuelas.
La fecha del periódico que Doc le muestra a Marty sobre el futuro es la del 22 de octubre, que es el cumpleaños de Christopher Lloyd.
En el 1985 alternativo, el presidente de los Estados Unidos es Richard Nixon, quien ha sido elegido para su quinto mandato. Esto lo descubrimos gracias al periódico que Doc muestra a Marty, con la noticia de que el científico fue encerrado en una institución mental.
El monopatín volador de Griff originalmente se llamaba "Mad Dog", a modo de presagio del personaje que aparecería en la tercera parte, al final al monopatín se le puso el nombre de "Pit Bull".
Los coches que vemos en 2015 son principalmente Ford Probes y Mustangs modificados y también varios prototipos. Pero además podemos ver entre ellos un Spinner de Blade Runner (1982) y el StarCar de Starfighter: La aventura comienza (1984).
Carl Sagan consideró a Regreso al futuro II la mejor película sobre viajes en el tiempo jamás hecha. Alabó la precisión a la hora de hablar sobre múltiples líneas temporales y lo que sucedería con ellas si realmente se pudiese viajar en el tiempo.
En esta segunda parte vemos como Biff "alegra" el ponche con alcohol y en la primera parte vemos a George beber de ese mimo ponche antes de enfrentarse a Biff en el parking. Por lo que podemos suponer que George encontró el valor para enfrentarse a Biff en el alcohol vertido por éste.
Muy pocos de los trajes originales del "Baile del encantamiento bajo el mar" fueron usados para la secuela. Lea Thompson fue la única actriz en llevar el vestido de la película original.
La torre del hotel del "Casino de Biff" era realmente la del "Plaza Hotel y Casino" de Las Vegas.

En el futuro, cuando Doc y Marty ven como el periódico del "USA Today" cambia ante sus ojos, estos son los titulares que se pueden encontrar en él:
1. Banda encarcelada: Monopatín volador desbocado destruye Palacio de justicia.
2.Comienzan los playoffs de Slamball (este deporte comenzó a televisarse en 2002).
3. Cubs barren series en 5 (en las series mundiales del béisbol son necesarias 4 victorias para ganar los playoffs y no 5).
4. Marshall corre una milla en 3 minutos.
5. Washington se prepara para la visita de la Reina Diana (Lady Di nunca fue reina y murió 8 años después del estreno de la película).
6. Banda del pulgar ataca (es una idea no usada por Bob Gale en la que en el futuro nadie usa dinero en metálico, en su lugar se usa la huella dactilar para pagar, por lo que los criminales se dedican a cortar dedos).
7. Hombre muerto por caída de basura.
8. La bolsa de Tokio sube.
9. Amenaza de terrorista suizo.
10. Trituración para caridad.
11. Presidente dice que está cansada.
12. Reina Diana (repetido).
13. Precios de las algas aumentan.
14. Pitcher suspendido por uso de brazo biónico.
15. Slamball playoffs (repetido).
16. Tiburón sin dentellada (reseña de "Tiburón 19" de estreno en 2015)

Las agentes de policía que encuentran a Jennifer inconsciente en el futuro se llaman Reese y Foley, que son los nombres que Zemeckis y Gale usan recurrentemente para los policías o agentes del gobierno en todas las películas que han escrito.
Y la policía rubia que encuentra a Jennifer inconsciente y la lleva a su casa está interpretada por Mary Ellen Trainor, mujer de Robert Zemeckis por aquel entonces.
Sólo una escena de Regreso al futuro III se filmó durante el rodaje de la segunda parte, fue aquella en la que Jennifer se despierta en el porche de su casa. Después de rodar la escena en la que Marty y Doc la dejan inconsciente en el porche en el 1985 alternativo, todo el equipo esperó a que amaneciese para rodar la escena perteneciente a la tercera parte.
Todos los resultados de fútbol americano que Biff escucha en la radio son auténticos resultados del 12 de noviembre de 1955.
En el futuro Doc menciona que dejó a su perro Einstein en una perrera tiempoestática. Esto fue incluido en el guión para explicar porqué el perro no estaba con Doc cuando éste viajó a 1985 para recoger a Marty y Jennifer.
En la versión española a Marty le llaman "Levi's Strauss" en 1955, después de que Lorraine vea ese nombre escrito en su ropa interior, pero en la versión original el nombre era "Calvin Klein".
Cuando Doc llega al 2015 dice "Lástima que Correos no sea tan eficaz como el servicio meteorológico", al final de la película esto se vuelve cierto, cuando la carta que le escribió a Marty en 1885 es entregada por el servicio postal en 1955 a la hora exacta.
Doc expresa su deseo de visitar su época preferida de la historia, el antiguo oeste y sugiere que se dedicará al estudio de las mujeres, a modo de presagio en Regreso al futuro III hará ambas cosas.
El videojuego Wild Gunman al que Marty enseña a jugar a unos niños en 2015, fue creado expresamente para película y tiene gráficos diferentes (incluso peores que los del juego original). El videojuego existía para la consola NES, pero nunca se comercializó en arcades como tal. Aunque las PlayChoice-10 (máquinas de arcade que permitían jugar a 10 juegos de la NES durante 3 minutos) de Nintendo lo incluían.
La película tiene lugar el 26 de octubre de 1985, el 21 de octubre de 2015, el 26 y 27 de octubre del 1985 alternativo y el 12 de noviembre de 1955 en este orden exacto.
Cuando Marty habla con Needles por videollamada, es mucha la información que aparece en la pantalla sobre él. Su nombre es Douglas J. Needles. Ocupación: Operaciones Sys. Edad: 47. Fecha de nacimiento: 6 de agosto de 1968. Dirección: 88 Oriole Rs, A6t. Esposa: Lauren Anne. Hijos: Roberta, 23 y Amy, 20. Comida preferida: Filete de ternera, comida mexicana. Comida que no le gusta: Pescado, atún. Bebidas: Whisky escocés, cerveza. Hobbies: Ávido fan del baloncesto. Deportes: Jogging, Slamball, Tenis. Intereses políticos: Ninguno.
El Biff del 1985 alternativo está vagamente inspirado en el multimillonario Donald Trump. Y Lorraine en la televangelista y cantante Tammy Faye.
Para recrear el Hill Valley de 1955 en esta segunda parte tuvieron que limpiar todo el set y dejarlo tal y como estaba en la primera parte, esto fue más costoso que construir todo el pueblo en la primera parte.
Aunque Marty y su hijo parecen exactamente iguales hay una pequeña diferencia entre ellos, Marty tiene los ojos azules y su hijo marrones.
En el 1985 alternativo cuando Marty ve un documental sobre la vida de Biff se muestra una imagen de Buford "Mad Dog" Tannen, que aparecería en la tercera parte. Según Bob Gale la foto pertenece a una prueba inicial de maquillaje del personaje y el aspecto del villano cambiaría al comenzar el rodaje de Regreso al futuro III.
Cheryl Wheeler Duncan, doble de Darlene Vogel, sufrió una lesión al rodar la escena del monopatín volador, por un percance técnico, se golpeó contra un pilar de hormigón.
El "Cafe 80's" del 2015 es la suma de las dos negocios anteriores del lugar, el "Lou's Cafe" de 1955 y el gimnasio de 1985, ya que el "Cafe 80's" es una cafetería donde la gente hace ejercicio.
Cuando rodaron la secuencia en la que los McFly se sientan alrededor de la mesa en 2015 tuvo lugar un terremoto entre tomas. El equipo tuvo miedo que partes del decorado se hubiesen movido por el temblor, sobre todo por la complejidad de las tomas que tenían que encajar con las que había hecho Michael J. Fox interpretando 3 personajes distintos. Para sorpresa del equipo nada se había movida y todo estaba exactamente en el mismo lugar.
Sin contar todos los viajes que Doc hizo en el futuro hasta regresar a 1985 a por Marty, el tiempo que el DeLorean ha viajado en el tiempo a lo largo de la trilogía es de 130 años, 9 meses, 20 días, 16 horas y 29 minutos.
Michael J. Fox cobró 5 millones por protagonizar la película. El mismo sueldo que cobró por la tercera entrega. 
Parte del metraje de los títulos de crédito en la que la cámara vuela a través de las nubes, fue creado por la ILM para la película Firefox (1982).

Varias escenas escritas originalmente en el guión fueron eliminadas tras pasar éste por sucesivas reescrituras:
1. Durante la persecución con el monopatín en 2015, Marty se agarraba a un coche volador que lo impulsaba a una gran altura, cuando se soltaba, Doc lo salvaba en una furgoneta voladora.
2. Tras descubrir que Biff se entregó el almanaque en el pasado, Marty y Doc huían en el DeLorean durante un tiroteo policial. Los circuitos de vuelo del coche eran dañados por los disparos, entonces Doc lanzaba el DeLorean contra el suelo para alcanzar las 88mph.
3. Tras los acontecimientos de la primera parte, Pa Peabody, el granjero al que Marty daba un susto de muerte al llegar a 1955, fuera internado en una institución mental por afirmar haber visto una nave espacial. Una vez sale de dicha institución, Peabody ve al DeLorean volando y le dispara con su escopeta, dañando el generador de fusión (en posteriores versiones serían los circuitos temporales). Ésta era la razón original por la cual la pantalla de destino temporal parpadeaba e indicaba 01/01/1885.
4. Con el generador de fusión y los circuitos de vuelo dañados, Marty y Doc vuelan el DeLorean sobre unas líneas de alta tensión sobre el Gran Cañón para generar la energía suficiente para regresar a 1985.  

Cuando Biff regresa al 2015 después de entregarse el almanaque, vemos como sufre una agonía, según Zemeckis el dolor de Biff no se debe al golpe recibido al salir del coche, si no que le sucede lo mismo que a Marty en la primera parte, se está desvaneciendo de la historia. Biff alteró de tal forma el pasado que cambió el curso de su vida y por lo tanto no estará vivo en 2015. Según borradores del guión, Lorraine lo mataba de un disparo en 1996. La desaparición de Biff fue eliminada del montaje final y puede verse en la sección de escenas eliminadas.
El 12 diciembre de 2008 el monopatín volador de Marty McFly fue vendido en una subasta por un precio que rondaba los 30.000/50.000 dólares.
Lea Thompson y Thomas F. Wilson son los únicos actores que interpretan a los mismos personajes y sus antepasados en los cinco periodos de tiempo en los que transcurre la saga (1985, 1955, 2015, 1985 alternativo y 1885).  
Cuando en el 2015 la joven Jennifer entra en su futura casa, su hija Marlene (Michael J. Fox) baja las escaleras y pregunta "¿Mamá?, ¿mamá, eres tú?", que es la misma frase que Marty dice en cada película al despertarse tras quedarse inconsciente.
En 1997 existió la leyenda urbana de que la película predijo que los Florida Marlins ganarían las Series Mundiales de béisbol. Pero dicha leyenda urbana no es cierta, en ningún momento se habla sobre este equipo. Lo que sucede es que cuando Marty llega al futuro ve en un noticiero holográfico que los Chicago Cubs han vencido a Miami en las Series Mundiales de 2015. Nunca se hace referencia a los Marlins, sólo a un equipo que tiene también sede en Florida, como el ficticio equipo de Miami. Lo único que realmente predijo la película es que Miami tendría un equipo de béisbol en las grandes ligas (lo conseguiría 2 años después del estreno de la película).
La película tiene otra leyenda urbana en su poder, ésta centrada en el famoso monopatín volador y como tras el estreno de la película mucha gente creyó que era auténtico. Posiblemente fue a causa de la ilusión del público por querer que fuera real que la leyenda cobró vida. Y el logo de Mattel en el monopatín sólo le daba mayor autenticidad al mismo. Además, a modo de broma, Robert Zemeckis comenzó a responder que sí eran auténticos a la gente que le preguntaba como podían hacer que volasen. Esto no hizo más que incrementar la leyenda. Fueron muchas las personas que llamaban a Mattel para preguntar como podían conseguir uno.


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