Monday, December 01, 2014

Juego de lágrimas

"Es mi carácter."


Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un soldado británico es secuestrado por el IRA para coaccionar a su gobierno. Uno de los secuestradores entabla amistad con el soldado y éste le pide que si muere, vaya a hablar con su novia y le diga que pensó en ella hasta el final. Tras la muerte del soldado, el terrorista trata de cumplir su promesa, pero nada más conocerla se enamorará de ella, pero por causa de los secretos que ambos guardan sus vidas se complicarán peligrosamente. 


Normalmente suelo comenzar mis reseñas hablando sobre el desarrollo de la película, para después pasar a mi valoración personal sobre ella, pero a causa de la peculiar "naturaleza" de esta película, he preferido empezar primero por mi opinión y después explayarme a gusto sobre como se creó el proyecto. Considero que hay cosas que es necesario explicar de entrada para una mejor comprensión de la película. Dicho esto, comenzamos.

VALORACIÓN
Juego de lágrimas no es una historia de terrorismo, eso es lo primero que deberías saber antes de ver la película, o mejor no sepas nada, lo cual siempre es lo mejor a la hora de ver una película, pero si estás aquí es porque quieres saber algo sobre esta película (o también porque ya la has visto y quieres saber más sobre ella), si eres del primer grupo te aviso que Juego de lágrimas guarda uno de los mayores spoilers de la historia del cine, así que es tu responsabilidad el seguir leyendo, si no quieres perderte esa sorpresa, lo mejor es que dejes de leer ya...
Sigues aquí, entonces hablemos de la película. Como decía antes Juego de lágrimas no es una historia de terrorismo, como uno podría creer inicialmente, en realidad es una historia de amor, una de las mejores que haya visto en una película (incluso podría decir la mejor, pero suena muy arrogante) y la peculiaridad de esta historia de amor es que el protagonista se enamora de la mujer perfecta, hasta que descubre que ella es un hombre. Nuestra sorpresa sólo es superada por la de Fergus. Y ese giro argumental hace que la película cambie, tanto como lo hace el sexo de Dil.
A partir de ese momento, la historia de amor que se fue tejiendo toma otro camino, uno inesperado, uno diferente. Fergus inicialmente siente rechazo hacia ella (siempre será ella, aunque tenga pene), pero Dil ya forma parte de él, se ha metido en su piel. Y su situación se complica cuando el IRA le encuentra y quiere cometer un atentando en el que él jugará parte importarte. Así comienza el juego de lágrimas.
La película comienza con la canción "When a man loves a woman" de Percy Sledge, forma más que irónica de comenzar el film, dándonos a entender que lo que vamos a ver es una historia de amor, entre un hombre y una mujer, algo que es cierto. Esa perversión encaja con la perversión de la historia de amor que veremos a continuación.
La de Juego de lágrimas es una gran historia de amor porque juega a ir a contracorriente, no es la típica historia que hemos visto mil veces en cine, es distinta, extraña, pero al mismo tiempo es más cercana, más dura, más tierna y más auténtica. Vemos como Dil quiere a Fergus sin dudarlo y como éste poco a poco se va acercando más a ella. Al final todo se basa en dos personas que se quieren sin importar su sexo, es sólo amor.
Sufrimos cuando vemos a Dil borracha convertida en un hombre creyendo que Fergus la ha abandonado. Sentimos regocijo cuando unos obreros de la construcción no paran de piropearla delante de Fergus. No podemos dejar de reírnos cada vez que llama a Fergus "cariño", "amor mío", " luz de mi vida", ante las reticencias de éste. Nos encanta ver como Fergus se enfrenta con el capataz de la obra cuando la llama fulana. Y nos sentimos reconfortados cuando al final acaban juntos hablando en la cárcel y la cámara se aleja dejándolos juntos (posiblemente para siempre).
Lo que hace creíble la relación entre Fergus y Dil es que él no la acepta inmediatamente, se siente mal por haberla pegado y no quiere involucrarse con ella porque es un hombre, pero por mucho que quiera negárselo a si mismo, ya siente algo por ella. Por su parte Dil está enamorada de él y no intenta más que acercársele e insinuársele y no será hasta el final que Fergus admita estar enamorado de ella (puede que sea una mentira como le dice Dil, pero no lo es) y esa prueba es el asumir el crimen que cometió Dil como suyo, "No cabe amor más grande" le dice ella y es cierto.
El personaje de Dil es fascinante y el mejor con diferencia de la película (y uno de los mejores de los 90), más allá de su travestismo, lo que resulta genial en ella es su perseverancia con Fergus, desde su conquista inicial, hasta su posterior acercamiento una vez él sabe que es un hombre. Además su forma de amar es kamikaze, sólo quiere amar y que la amen, ella misma lo dice "Se cariñoso y seré tuya para siempre." El amor de Dil es complejo, tanto como lo es ella misma, se enamora de Fergus como una mujer, pero se obsesiona de él como un hombre. La fuerza de sus sentimientos y lo clara que es con Fergus sobre ellos son memorables, como aún sabiendo que es posible que él no llegue a quererla, sigue tratándole como si fuese su novio y al hacerlo en parte consigue que lo sea. Y donde se demuestra esa fuerza es cuando aun sabiendo que Fergus fue responsable del secuestro y en parte de la muerte de Jody, le sigue queriendo.
Y el cruce de su personaje con el de Jude no podría ser más interesante. Dil odia a Jude por haber seducido a Jody con su feminidad, su soldado está muerto por culpa de ella y por eso la mata, en un acto de venganza femenina, por así decirlo. Y además Jude tuvo una relación con Fergus y va a casa de Dil para matarle (lo que hace aumentar su odio hacia ella), de modo que Dil la mata por los dos hombres de su vida.
Y el personaje de Fergus no se queda atrás en cuanto a complejidad. El miembro del IRA primero se siente responsable de la muerte de Jody y necesita cumplir la última voluntad de éste, hacerle saber a Dil que pensó en ella hasta el último momento, pero cuando la conoce se enamora de ella (sólo hace falta que le corte el pelo para eso). Al principio podríamos decir que se obsesiona, pero la culpabilidad le acecha, sigue recordando a su fugaz amigo (esas imágenes oníricas de aquel jugando al críquet) y su obsesión va a más, sabe que no está haciendo lo correcto, pero quiere seguir adelante y quiere saber más sobre la relación que mantenían (no para de preguntar constantemente por él), tal vez teme que el difunto Jody sea un rival incluso después de muerto (ella tiene toda la casa llena de fotos y cosas personales de él) o tal vez la quiere porque Jody la quiso.
En una escena de la película, una de las mejores, Fergus cambia el aspecto de Dil para hacerla pasar por un hombre, momento que recuerda a Vértigo (1958), aunque las intenciones son diferentes. En Vértigo, James Stewart proyecta en Kim Novak su fantasía, convirtiéndola en la mujer muerta que amó. En Juego de lágrimas se sigue el camino inverso, Fergus para salvar a Dil destruye a la mujer que ama eliminando todo rastro de su feminidad (que era lo que le gustaba de ella). Al hacerlo la convierte en lo que ella es presumiblemente para él, un hombre, pero al hacerlo sigue sintiendo algo por ella, si puede quererla como hombre, puede quererla de cualquier forma.
La segunda parte de la película es un reflejo de la primera, todas las situaciones se vuelven a repetir, pero están un tanto deformadas. La relación entre Fergus y Jody puede considerarse como un flirteo, que nos va adelantando el que veremos después, sólo cabe recordar como Jody dice de Fergus que le parece guapo o la escena en la que Fergus tiene que ayudarle a orinar y tiene que sacar y guardar su pene, "Si sólo es un trozo de carne" le dice Jody. En la segunda parte tenemos otro flirteo y de nuevo ese trozo de carne juega un papel importante en él. Si al principio es Jody quien está maniatado y Fergus quien tiene el control, al final será Fergus quien sea atado por Dil a una cama y ella quien asuma el poder. Cuando reaparece Jude, Fergus se ve envuelto en la misma situación del principio de la película, está en sus manos salvar a una persona y evitar que el IRA la mate (incluso Dil viste como Jody haciendo así más énfasis en ese paralelismo), tras perder a Jody, Fergus no puede permitir que le pase nada malo a Dil. Es su carácter.
El guión de Jordan es fabuloso, sólo hay que ver la escena en "The Metro" donde Dil habla con Fergus por primera vez, para darse cuenta de ello, como ella habla con él haciéndolo siempre a través de Col, una escena que roza la perfección (y que de paso es mi preferida). Son brillantes todas las escena que comparten Fergus y Jody, donde se establece su relación en muy poco tiempo y de una forma muy convincente, que además son toda una gozada para el oído.
Las interpretaciones de todo el reparto son impresionantes. Davidson brilla con luz propia y hace posible un papel imposible. Rea se mete en la piel de su personaje posiblemente más complejo y sale realmente airoso de él. Y por su parte Miranda Richardson se convierte en toda una robaescenas.
Como veis me sobran las razones para que me guste esta película extraña, fascinante, diferente, dura, romántica, emocional y emocionante. Es una obra maestra que va más allá de un gran giro argumental, es una película prácticamente que perfecta que adoraran los amantes del cine y como sucede con Dil, sólo tienes que amarla y será tuya para siempre.

LA ESPOSA DEL SOLDADO
Pese a la reputación de Neil Jordan, le fue difícil levantar una película como Juego de lágrimas (The crying game, 1992) y teniendo en cuenta su mezcla de romance a contracorriente y terrorismo, es fácil comprender porqué. El propio Jordan lo reconoció "Era un guión que nadie quería hacer. Si no fuera por la persistencia de Stephen Wooley, el productor, es probable que nunca se hubiera hecho."
Jordan comenzó a escribir el guión en 1983 bajo el título de "La esposa del soldado", pero pronto se encontró con el famoso "bloqueo del escritor", según el director de Entrevista con el vampiro "Estaba interesado en contar la historia de un hombre que quiere a una mujer sólo porque otro hombre la ha tenido, una obsesión homoerótica, pero no pude terminarlo."
El director dejó a un lado el proyecto y se centró en hacer Mona lisa (1986). Y no fue hasta 1991 que Jordan regresó a su guión de "La esposa del soldado", cuando dio con el giro de la historia, que sería la razón de ser de la película.
Jordan escribió el personaje de Fergus con Stephen Rea en mente. El director había trabajado con el actor en Danny Boy (1982) y En compañía de lobos (1984) y le habló sobre el proyecto, Rea se entusiasmó de inmediato con él y desde ese momento Fergus tuvo cara.
Siguiendo el consejo de su amigo Stanley Kubrick, Jordan cambio el título de la película, según el director de La naranja mecánica las películas con títulos religiosos o militares solían disuadir al público y terminaban siendo fracasos de taquilla (al propio Jordan le había ocurrido con Nunca fuimos ángeles y Amar a una extraña, de título original The miracle). Jordan le hizo caso a su amigo y es que su guión había cambiado, ya no era "La esposa del soldado", era Juego de lágrimas. El director sacó el nombre del título de una canción de Dave Berry de los 60.
El productor Stephen Woolley se hizo cargo del proyecto. Jordan y él presupuestaron la película en tan solo 5 millones de dólares. Pero pronto descubrieron el escaso interés que los estudios de Hollywood sentían por el proyecto. Las principales causas que alegaban eran, la imposibilidad de encontrar un actor para el papel de Dil, que su mezcla de sexo y terrorismo no gustaría al público y el miedo a que la prensa publicase el giro sorpresa de la película. Bob Weinstein de Miramax (una de las productoras que rechazaron financiar el film) llegó a decir "No estaba claro como el casting y otros elementos iban a salir adelante. Hay papeles delicados que deben ser gestionados hábilmente."
Los problemas para encontrar financiación hicieron que la película retrasase su rodaje de julio a noviembre de 1991. Rea llegó a decir "Fue una pesadilla. Sabía que quería hacer la película, pero tuve que rechazar un montón de trabajos." La situación era tan crítica que todo el reparto y equipo acordaron no cobrar un 30% de sus salarios hasta que la película diera beneficios para pagarles. Woolley atravesaba una situación muy difícil, tal y como él mismo declaró "Estaba en la ruina. No dejé que nadie de la película supiese eso, por supuesto." Nada más empezar a rodar la productora al cargo del film, Palace Pictures (de la que Woolley era el co-presidente de la junta directiva) cayó en quiebra. Ante esa situación a Woolley sólo le quedó una salida "Tuve que pedir prestado en todas partes" afirmaba el productor. Uno de esos sitios fue el cine "Scala" de Londres, del que Woolley era gerente. Al final Woolley consiguió la financiación necesaria de fuentes británicas, europeas y japonesas.
Algunos de esos inversores exigieron que la película debía terminar con un final positivo. "Escribí un falso final que sabía que iba a hacerles felices." declaraba Jordan. "Y tuve que rodarlo sólo para mostrarles que no funcionaba, así podría conseguir el permiso de volver y rodar mi final original." Ese final feliz incluía como unos personajes (supongo que los de Fergus y Dil) conseguían dinero como caído del cielo y una posterior huida a Barbados. Al final los inversores entraron en razón y dejaron que la película recuperase su final original.

EN BUSCA DE DIL
Si conseguir la financiación había sido todo un reto, el encontrar al intérprete perfecto para encarnar a Dil no lo fue menos.
Stanley Kubrick, amigo de Neil Jordan, llegó a decirle al director de Michael Collins que nunca encontraría al actor adecuado para el papel de Dil. Y parecía estar en lo cierto, ya que se hicieron pruebas a cientos de actores, muchos de ellos travestís, pero ninguno resultaba ser el apropiado. Al final fue un completo desconocido quien se llevó el papel, Jaye Davidson, quien en el momento de ser contratado era asistente de moda y no tenía nada que ver con el mundo del cine y carecía de experiencia como actor.
Que Jaye Davidson llegara a participar en la película fue fruto de la casualidad y poco faltó de no suceder. Jaye fue descubierto por los agentes de casting de la película en la fiesta de despedida de la película Eduardo II (1991) de Derek Jarman, tal y como él relataba "Estaba muy borracho. Alguien dijo: «Oh, ¿es usted un actor?» Le dije que no. Ellos dijeron: «¿Te gustaría salir en una película?» Y yo dije que no y me tambaleé fuera borracho. Estaba tan borracho que no recordaba que esto hubiera sucedido. Pero la persona con la que estaba les dio mi número, y luego recibí una llamada telefónica."
Se le hizo una prueba de cámara y pese a que Jaye no tenía expectativas de futuro dentro del mundo de la interpretación, el hecho de estar a punto de ser despedido de su trabajo, hizo que se lanzase a probar suerte como actor.
Las dudas de Jordan sobre la interpretación de Jaye se disiparon en el momento que realizaron la prueba "Hicimos la escena en la que él consigue su corte de pelo por primera vez y de repente comenzó a actuar con este dolor en su voz. Fue extraordinario. Actuar es una cosa misteriosa, no sabes de donde viene."
Stephen Rea confirmó la impresionante actuación de su compañero "Si Jaye no hubiera sido una mujer completamente convincente, mi personaje habría parecido estúpido." Y vaya si resultó convincente.
Durante los casi dos meses de rodaje, entre actor y director sólo surgió una disputa y tuvo que ver con el pelo de Jaye. En una escena de la película, Fergus le corta el pelo a Dil para hacerla pasar por un hombre. Jordan quería que Jaye se cortase realmente el pelo, pero él insistió en usar una peluca en su lugar, cosa que así se hizo.

PREMIOS Y TAQUILLA
Cuando Miramax, que como comentaba antes, había rechazado el proyecto, vio el film terminado, compró los derechos para su distribución en los Estados Unidos por poco más de 1 millón de dólares e incluyeron una cláusula en el contrato de indicaba que promoverían la película para los Oscars.
Para preservar el gran giro argumental de la película, Miramax pidió a los críticos que mantuviesen en secreto la identidad de Dil, cosa que así hicieron en el estreno de la película en Nueva York y Los Angeles. Y el popular giro fue una de las razones de su éxito, todo el mundo quería ver la película y descubrir ese gran secreto que ocultaba, incluso los espectadores se negaban a revelar dicho secreto.
La película recaudó en Estados Unidos 62.548.947 de dólares, lo que la convirtió en un enorme éxito. Aquella película que nadie quería hacer, era ahora una de las películas del año. 
Y no pasó desapercibida para la crítica, ya que le llovieron premios y nominaciones. Entre los muchos galardones y menciones destacan, las seis nominaciones al Oscar en las categorías de mejor película (Stephen Woolley), mejor director (Neil Jordan), mejor actor protagonista (Stephen Rea), mejor actor secundario (Jaye Davidson), mejor montaje (Kant Pan) y mejor guión original (Neil Jordan), ganando ésta última estatuilla. Además se llevó el premio a la mejor película de la Academia de Cine Europeo. Obtuvo varias nominaciones a los BAFTA, consiguiendo el premio Alexander Korda al mejor film británico entregado por la Academia Británica. También ganó el premio a la mejor película extranjera de los Independent Spirit Awards. Y se llevó el premio al mejor guión original otorgado por la Writers Guild of America. Fue el final perfecto para la película, se había terminado el juego de lágrimas, era la hora de las alegrías.

CURIOSIDADES
Juego de lágrimas es una de las dos películas en las que ha intervenido Jaye Davidson como actor, la otra es Stargate (1994).
Una escena de la película Ace Ventura, un detective diferente (1994) parodia a Juego de lágrimas, cuando se revela la verdadera identidad del personaje que interpreta Sean Young. Y en Agárralo como puedas 33 1/3: El insulto final (1994) sucede lo mismo con el personaje de Anna Nicole Smith.
Además la película fue mencionada en multitud de series y películas como, Los Simpson, Seinfeld, Matrimonio con hijos, Los Soprano o Smallville en el caso de las primeras y Tromeo y Julieta, In the loop, ¿De qué planeta vienes?, Hora punta 3 o Jay y Bob el Silencioso contraatacan en el de las segundas.
Hay un par de guiños en Pulp fiction (1994) hacia la película. Cuando Mia Wallace (Uma Thurman) canta "Girl, you'll be a woman soon" imita los movimientos de Dil cuando canta "The crying game". Además el peinado de Mia es idéntico al de Jude (Miranda Richardson) en la segunda parte de la película.
La voz que escuchamos cuando Dil canta "The crying game" no es la de Jaye Davidson, el actor fue doblado por la actriz inglesa Kate Robbins.
El crítico de la revista "Time", Richard Corliss, sutilmente reveló el giro argumental en su reseña de la película. Cogiendo la primera letra de cada párrafo se formaba la frase "She is a he" (Ella es un él).
A las pocas semanas de comenzar el rodaje, Jaye Davidson pilló la gripe. Un médico fue llamado al plató para atenderle. Después de examinar al actor, habló con Neil Jordan y le preguntó "¿Han considerado la posibilidad de que podría estar embarazada?" Ante la pregunta del médico Jordan y otros miembros del equipo estallaron en carcajadas. El médico no entendía lo que sucedía, cuando minutos después se lo explicaron, se sintió muy estúpido.

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Saturday, November 01, 2014

El chip prodigioso

"¡Jack Putter al rescate!"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

El teniente Tuck Pendelton se somete a un experimento revolucionario, ser miniaturizado dentro de una nave para después ser inyectado en un conejo. Pero durante el experimento unos ladrones irrumpen en el laboratorio donde tiene lugar y Tuck termina dentro del hipocondríaco Jack Putter. Ambos deberán ayudarse mutuamente para sacar a Tuck del cuerpo de Jack, al mismo tiempo que los ladrones tratan de atraparlos, para hacerse con tan asombrosa tecnología.


VIAJE ALUCINANTE
El proyecto de El chip prodigioso (Innerspace, 1987) fue una idea del productor Peter Guber (Las brujas de Eastwick), quien se reunió con el director Joe Dante y el productor Mike Finnell (Gremlins) para exponerles lo que había ideado, la historia de un explorador miniaturizado que queda atrapado dentro del cuerpo de otro humano. Cuando escucharon el planteamiento, Dante y Finnell se dieron cuenta de que era muy similar al de la película Viaje alucinante (1966). Guber les garantizó que sería diferente y contrató al guionista Chip Proser (El hombre del hielo) para que se hiciese cargo del guión. Cuando Dante lo leyó se encontró con que se trataba con una historia de espías tradicional, sin humor y al director no le interesó el proyecto.
Pero obviamente ese no fue el fin de El chip prodigioso. En 1984, Bruce Berman, vicepresidente de producción de la Universal Pictures y compañero de Guber, fichó por la Warner Bros. como vicepresidente de producción. Berman y Guber se llevaron el proyecto a su nueva casa y contrataron a Jeffrey Boam (Indiana Jones y al última cruzada, Jóvenes ocultos) para que rescribiese el guión.
Viendo que el proyecto era de lo más apropiado para ser una producción "presentada por Spielberg", la Warner le envió el guión al director de Parque Jurásico, a quien le gustó y decidió producirla a través de su compañía Amblin Entertainment.
Con el nuevo guión y la involucración de Spielberg, el proyecto pasó a manos de Robert Zemeckis (Regreso al futuro) por interés del propio Spielberg, pero finalmente Zemeckis terminó pasando del proyecto y la película le fue ofrecida de nuevo a Dante. Cuando el director leyó el nuevo libreto, quedó encantado, la historia se había convertido en una comedia, según Dante era como "¿Qué pasaría si introdujeras a Dean Martin dentro de Jerry Lewis?". Aunque Proser mantuvo el crédito como guionista, según Dante fue Boam quien realmente escribió el guión.
Dante añadió que se involucró en el proyecto también porque "Mi última película Exploradores fue un fracaso y quería hacer una película comercial sin incluir ninguna de mis habituales rarezas. Pero cuando la terminé, era tan chiflada como las otras."
Martin Short fue el primer actor al que entrevistaron para el personaje de Jack Putter, cuando Dante lo conoció se dio cuenta que era perfecto para el papel "Era parecido al personaje. Sólo un tipo normal, un poco cobarde, un hipocondríaco." Declaró el director. Durante el rodaje Short hizo gala de una gran improvisación, realizando por costumbre muchas tomas, aunque Dante considerase que ya eran suficientes.
Encontrar el actor idóneo para interpretar a Tuck Pendleton fue un poco más difícil. Inicialmente el papel fue escrito para alguien mayor, incluso se planteó contratar a Clint Eastwood, quien por aquel entonces había hecho un paréntesis en su carrera en el cine, para ser el alcalde de su ciudad, Carmel-by-the-Sea. Al final la idea de que el personaje de Tuck fuera interpretado por alguien mayor fue descartada por Dante, porque no quería que la relación entre Tuck y Jack fuera del tipo padre/hijo. Fue Spielberg quien pensó en Dennis Quaid para el papel. El director de Tiburón llevó al actor al rodaje de "The Greibble", episodio de la serie Cuentos asombrosos que estaba dirigiendo Dante en aquel momento. Aunque Quaid había interpretado a un astronauta en Elegidos para la gloria (1983) y ambos personaje podrían parecerse, Dante se dio cuenta que Quaid sería un gran Tuck.
Cuando Amy Irving, mujer de Spielberg por aquel entonces, leyó el guión de la película le insistió en conseguir el papel de Lydia, pero aunque estaba en una posición privilegiada, éste fue a parar a Meg Ryan, en pleno camino a convertirse en una estrella.
El reparto se completó con caras habituales del cine de Dante como Kevin McCarthy, Robert Picardo, Wendy Schaal, Henry Gibson, William Schallert y Dick Miller. Para éste último Dante no encontró ningún papel de peso, por lo que para incluirlo en la película le dio un cameo como taxista. Y en el caso de William Schallert, que interpreta al médico de Martin Short, se produce la curiosa (y posiblemente nada casual) coincidencia de que interpretó también a un doctor en El increíble hombre menguante (1957). Y para redondear las curiosidades Henry Gibson trabajó en La increíble mujer menguante (1981).
El papel de Ozzie, el científico que inyecta a Tuck en Jack está interpretado por John Hora, habitual director de fotografía de Dante. Fue idea de Spielberg que Hora interpretase al científico despistado. Dante y Finnell eran reticentes en darle el papel, pero Spielberg insistió en que le hicieran una prueba de cámara, después de verla y quedar impresionados, le dieron el papel.
Otros rostros no habituales del cine de Dante completaron el resto de roles como Fiona Lewis, Harold Sylvester y Vernon Wells. Éste último da vida al villano Mr. Igoe, pero inicialmente fue el actor Luca Bercovici el contratado para el papel, pero tras filmar sus escenas, los productores sintieron que el actor no era lo suficientemente intimidante para dar vida al villano, de modo que contrataron a Wells, quien sí daba el pego como el inmutable Igoe.
El rodaje fue de lo más placentero para sus responsables y carente de problemas a resaltar. El cual tuvo lugar principalmente en estudios de sonido, los 12 y 18 de la Warner Bros Burbank Studios para ser más exactos, exceptuando algunos exteriores en San Francisco y Los Angeles.
Para ayudar a Martin Short en su interpretación y en su interacción con Dennis Quaid, los responsables de la película buscaron la forma de que, aunque ambos no estuviesen juntos en pantalla, si lo estuviesen a la hora de rodar sus escenas, Short explicaba así como fue su trabajo con Dennis Quaid "Durante cerca de 3 meses, Dennis estuvo allí todos los días en una cabina con un micrófono al lado del escenario. Me pusieron un pequeño auricular en mi oreja, así Dennis podía darme las frases y podíamos hacer realmente las escenas juntos. Lo probamos sin el auricular, pero hay un aspecto especial que afecta a tu rostro cuando alguien te está hablando. Estaba realmente respondiendo a la voz de Tuck Pendelton dentro de mí."
Cuando se presupuestó la película, se analizó que se debía mostrar y que no en pantalla para no encarecer demasiado la producción y se decidió eliminar ciertos planos que necesitarían efectos visuales. Pero después de que Spielberg viese la película, decidió incluir más planos con efectos, prácticamente aquellos que inicialmente se habían eliminado.
Los efectos visuales fueron supervisados por el mago Dennis Muren, quien bajo la ILM creó efectos tan increíbles que a día de hoy siguen siendo excelentes. Las naves que aparecen en la película eran más que nunca miniaturas, movidas mediante varillas como si se tratase de títeres, las cuales eran animadas mediante técnicas go motion o por control de movimiento, en función de las necesidades de cada plano. Además para recrear el ambiente del interior del cuerpo humano se usaban diferentes sets, estos podían ser "secos" (para los cuales se filmaba en escenarios llenos de humo), "lluviosos" (sumergido en el tanque nube de la ILM) o "húmedos" (cubierto de polímero methocel).
Dennis Muren, Bill George, Harley Jessup y Kenneth Smith recibieron en 1987 el Oscar a los mejores efectos visuales, ratificando así su excelso trabajo.
Hubo varias secuencias en las que se recurrieron a ingeniosos trucos en lugar de a costosos efectos especiales. Por ejemplo, para mostrar a Scrimshaw y Canker como dos seres diminutos que viajan en el asiento trasero de un coche, simplemente se construyó un coche el doble de largo de lo normal y la perspectiva dio la sensación de que éstos tenían la mitad de su tamaño. Y para rodar la escena final en la que ambos están dentro de una maleta, ésta era el doble de grande, pero la mano que la cierra era auténtica y se creo la ilusión de que la cerraba, acercándola mucho a la cámara y haciendo que su movimiento se sincronizase con el momento en el que se cierra la maleta, para lo cual se requirieron 20 tomas.
Otra secuencia que tampoco requirió de efectos visuales, aunque a simple vista no lo parezca, es aquella en la que después de que Jack Putter se haya convertido en el Cowboy, ante la sorpresa de Lydia, ésta camina hasta el cuarto de baño donde se encuentra al Cowboy inconsciente dentro de la bañera. La secuencia se filmó en un único plano sin cortes y Picardo hizo los dos papeles, primero el de Jack convertido en el Cowboy y en el momento en el que sale de plano y la cámara recorre la habitación del hotel hasta el cuarto de baño, el actor se quitó la ropa, pasó a través de una falsa pared al cuarto de baño, donde un asistente de maquillaje le cambió la peluca y después se metió dentro de la bañera haciendo el papel del Cowboy, quedando la escena perfecta.
La película se estrenó el 1 de julio de 1987 y contra todo pronóstico fue un fracaso de taquilla, recaudando en territorio norteamericano 25.893.810 de dólares. Según Dante la razón del fracaso fue que los ejecutivos de la Warner no supieron como vender la película. Pese a ese fracaso con el tiempo la película ha terminado encontrando su lugar, convirtiéndose en una película de culto, reindivicada por muchos.

VALORACIÓN
La mejor idea de El chip prodigioso radica en su planteamiento, el introducir un hombre dentro de otro y que ambos no puedan ser más opuestos. Conforme avanza la película Putter (inicialmente un ser gris y temeroso de todo) comienza a parecerse más al hombre que lleva literalmente dentro, comienza a ser valiente, aventurero y a tener éxito con las mujeres. En el fondo Putter siempre tuvo a ese hombre dentro de él, pero hasta que no le inyectaron a uno, no supo que existía.
Podemos ver a Tuck como el Pepito Grillo de Jack, una voz interior que le dice que decisiones tomar, que le empuja hacia delante, que le da valor, esa que todos tenemos dentro, la que muchas veces por miedo o por falta de confianza en nosotros mismos nos negamos a escuchar. Tal vez todos llevamos a un pequeño Tuck Pendleton dentro.
Se producen continuos paralelismos entre Jack y Tuck (hasta sus nombres suenan parecidos), como cuando el televisor de Jack comienza a arder y tiene que apagar el fuego con un extintor, lo mismo que le sucede a Tuck dentro de su nave. Jack llega a vestirse con la ropa de Tuck (en un paso más cerca de convertirse en ese hombre que llegará a ser). Ambos se sienten atraídos por Lydia e incluso Lydia comienza a sentirse atraída por Jack, porque ve a Tuck en él. Cuando al final de la película Tuck sale de la nave y se encuentra con Jack, éste ya no es el hombre que era cuando empezó la película, ambos son lo mismo, dos hombres decididos y valientes, dos héroes.
Cuando Jack cree falsamente que Tuck sigue dentro de él, se vuelve un ser aguerrido sacando valentía de donde parecía no haber nada y así la película aprovecha para hablarnos de que cuando creemos en nosotros mismos, somos capaces de cualquier cosa, como le sucede a Jack Putter.
Aunque Dennis Quaid se pase prácticamente toda la película en el mismo emplazamiento, ésta nunca se hace aburrida y eso se debe por un lado a la gran labor de los actores y por otra al genial ritmo que Dante imprime a la película. Además la química entre Quaid y Short es absoluta y eso que sólo comparten un par de escenas juntos en toda la película.
El potencial cómico de la singular situación que plantea la película está realmente bien aprovechado, el hilarante momento en que Jack cree estar poseído es uno de mis preferidos. Y además la película no olvida otro tipo de escenas más íntimas, como ese mágico instante en el que Tuck descubre que es padre, al estar en el interior de Lydia, quien está embarazada (uno de los mejores momentos de la carrera de Dante), dotado de una belleza y emoción difíciles de explicar, claro ejemplo de ciencia ficción bien entendida.
Dante y Boam consiguen distanciarse de Viaje alucinante, incluso la superan, al tomar un camino diferente, el de la comedia, lo que hace que no se tomen tan en serio la imposible historia que están contando. Además la aventura no está sólo en el dentro del cuerpo humano, también acontece fuera de él, lo cual potencia las posibilidades de la historia al máximo.
Puede considerarse a El chip prodigioso como la película menos Dante de su carrera, ahí están presentes su sentido del humor, sus cameos característicos, sus homenajes, pero Dante más que nunca se puso al servicio de la historia y actuó como un artesano, no era propio del director verle en una película de acción y aventuras (donde demuestra desenvolverse como pez en el agua), pero tal vez es su film menos personal. Lo cual no es ningún problema, ni afecta al resultado final del mismo, el director acerca la película a su estilo, pero al mismo tiempo mantiene una distancia con el material, haciendo posiblemente el film más entretenido de su carrera.
Martin Short hace uno de sus mejores papeles en cine (si no el mejor), demostrando realmente su vis cómica y estando más que correcto cuando las circunstancias requieren que muestre una cara más seria. Short es el corazón de la película y la hace funcionar. Por su parte Quaid y Ryan están más que correctos en sus papeles. Y Robert Picardo se conviete en todo un robaescenas.
No quería olvidarme de resaltar la banda sonora de Jerry Goldsmith, genial como en cada colaboración con Dante y la inclusión de la canción "Twistin' the night away" de Rod Stewart, una excelente cover de un tema de Sam Cooke.
Esta aventura de microscópicas dimensiones, pero enorme en diversión, lleva entreteniéndome desde los 80, las aventuras de Jack y Tuck, literalmente juntos y revueltos, recuerda a una época en la que el cine de evasión era diferente, más divertido, mejor filmado, hecho con más cariño y pasión, tomando al público como gente inteligente e intentando hacérselo pasar como nunca. Ese cine ya no volverá, pero siempre nos quedará El chip prodigioso, que a la gente de mi generación nos caló tan hondo como Tuck lo hizo en Jack.

CURIOSIDADES
Joe Dante tiene un cameo, es el segundo empleado de Vectorscope Lab que es atacado por los ladrones.
Dennis Quaid y Meg Ryan se conocieron en esta película y se casaron en 1991.
Es la única película dirigida por Joe Dante en ganar un Oscar.
Joe Dante vuelve a introducir varios guiños a los Looney Tunes. El conejo en el que tiene que inyectar a Tuck se llama Bugs. El sonido que hace el Demonio de Tasmania al girar es usado en la escena en el que la nave gira en la centrifugadora. Tuck tiene en su casa un muñeco de peluche de Bugs Bunny y también una cabeza parlante de Bugs que usa Lydia. Además en el laboratorio hay otro muñeco del famoso Looney. Y Chuck Jones tiene un cameo, puede vérsele comiendo zanahorias en la escena del supermercado al principio de la película.
Todas las células del interior del cuerpo humano fueron creadas con gelatina.
Vernon Wells compuso su interpretación de Mr. Igoe basándose en el Terminator de Schwarzenegger.
En la escena en la Putter convertido en el Cowboy se reune con Scrimshaw, Robert Picardo uso su propia voz con cierto toque a lo Martin Short. Los responsables de la película no creyeron que la escena funcionase con Short doblando a Picardo.
Los actores que están en la sala de espera con Jack son Andrea Martin y Joe Flaherty, compañeros de Martin Short en las series SCTV Network 90 (1981-83) y SCTV Channel (1983-84).
Fue la primera película en estrenarse en Dolby Stereo SR (siglas de "Spectral Recording"). La mejora con respecto a sistemas anteriores venía del paso de cuatro pistas de audio a dos canales Dolby Stereo y el uso de un sistema de reducción de ruido.
Para rodar la escena del centro comercial se usaron en realidad dos centros comerciales distintos. Se filmó en el Northridge Mall (en el Valle de San Fernando de Los Angeles) el momento en el que el científico corre y se introduce en un ascensor. Y cuando sale de éste y pincha a Jack con la jeringuilla, se rodó en el Sherman Oaks Galleria (en Sherman Oaks también de Los Angeles).
Cuando Tuck intenta dar fuerzas a Jack, cuando éste se encuentra en el camión, repite varias veces "Nam myoho renge kyo", el cual es un cántico del Budismo Nichiren.
El asalto a Vectorscope en el guión original era más violento incluyendo varias muertes, los ladrones iban armados con ametralladoras y disparaban a los científicos. Esto fue cambiado finalmente por unos sprays con los que duermen a los empleados de Vectorscope.
Para la escena del camión en la que Scrimshaw relata una historia a Jack, Dante se dio cuenta el día que tenían que rodar la escena, que las líneas del villano no estaban escritas en el guión, éste sólo incluía las frases de Tuck. Rápidamente escribieron el discurso en un trozo de papel y rodaron la escena. En la película la voz de Tuck tapa el discurso del villano haciéndolo casi inaudible. Dante declaró que el discurso era muy divertido, pero el trozo de papel se perdió antes de que se pudiera copiar y se perdió para siempre.
El personal de laboratorio que se ve durante la escena en la que Tuck es miniaturizado, estaba compuesto por auténticos trabajadores de laboratorio, de esa forma sabían como comportarse en uno mejor que cualquier actor.
La matrícula del coche de Mr. Igoe es SNAPON, lo cual es una referencia a herramientas de cambio rápido (snap-on) que permiten intercambiar unos accesorios por otros, lo mismo que la mano del villano.
Arthur Kane, bajista del grupo New York Dolls, realiza un cameo en la película, al músico puede vérsele como uno de los pasajeros del avión en el que viaja el Cowboy.
Cuando Jack, después de bailar en casa de Tuck se dirige al espejo para que éste vea como es, le entra el hipo, el efecto de sonido usado fue creado por Mel Blanc para los cortos de los Looney Tunes.

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Wednesday, October 01, 2014

El club de la lucha

"La gente suele preguntarme si conozco a Tyler Durden."

La primera regla de El club de la lucha es que no se habla de El club de la lucha, básicamente porque está lleno de spoilers, si aún así decides leer este artículo, ya estás avisado.

Un hombre sin nombre (al que conoceremos como el Narrador) vive una vida vacía y carente de sentido, hasta que un día conoce a Tyler Durden y todo cambia. Juntos fundan "El club de la lucha", un club clandestino donde la gente va a pelear. El club crece día a día, hasta que el Narrador descubre que Tyler esconde planes más grandes que los que él podría imaginar.


Este mes se cumplen 15 años del estreno de El club de la lucha (Fight club, 1999), película de culto entre las películas de culto, encabezada por Edward Norton y Brad Pitt. No se me ocurre ningún momento mejor para hablar sobre el club del que no se debe hablar.

LA MIERDA CANTANTE Y DANZANTE DEL MUNDO
El club de la lucha (Fight club, 1999) es la adaptación de la primera novela de Chuck Palahniuk publicada en 1996. Al escritor, que en el momento de escribirla trabajaba como mecánico en un garaje de Portland, se le ocurrió la idea que dio pie a la novela, cuando después de ser agredido en un viaje de campamento, regresó al trabajo y nadie le preguntó por sus heridas, todos se comportaron como si todo fuera normal. Palahniuk se dio cuenta de que nadie le preguntaba nada porque eso requeriría de un cierto grado de preocupación y acercamiento por parte de sus compañeros de trabajo, la idea de esa forma de sociedad fue la base de su novela (que le llevó 3 meses escribirla).
El escritor llenó la novela de muchos detalles personales y de las vidas de sus amigos "Algunas partes de El club de la lucha son verdad. Es más una antología de las vidas de mis amigos que una novela. Yo padezco de insomnio y no duermo durante semanas. Sé que hay camareros que "juegan" con la comida que sirven. Siempre están rapados al cero. Mi amiga Alice hace jabón. Mike inserta fotogramas de películas pornográficas en films infantiles. Y todo el mundo que conozco ha sido rechazado por su padre. Incluso mi padre lo fue por el suyo. En fin, que ahora, más que nunca, lo que era ficción se está convirtiendo en realidad."
De ese modo hasta seis de sus amigos se convirtieron en personajes del libro, para crear a Tyler se basó en un amigo suyo carpintero con gusto por las entradas ilegales y según palabras del propio escritor "Una de esas personas neorrománticas que piensan que si el efecto 2000 sucede, todos estaremos mejor." Su "Marla" tuvo una petición, si algún día él se hacía famoso, quería conocer a Brad Pitt. Algo que terminó ocurriendo, Palahniuk se presentó en el rodaje de la película con sus amigos y fue presentando a cada actor con la persona que había dado pie a cada personaje, "Todos estaban realmente fascinados los unos con los otros" comentaba del escritor.
Antes de que fuese publicada, la novela fue descubierta (cuando sólo era un manuscrito) por Raymond Bongiovanni, ejecutivo de la productora Fox 2000 Pictures (división de la 20th Century Fox), quien se la hizo llegar a Laura Ziskin, presidenta de producción de Fox 2000. Aunque la novela estaba considerada como imposible de adaptar, Ziskin decidió llevar adelante el proyecto y éste acabó en las manos de los productores Ross Bell y Joshua Donen (éste último no terminaría finalizando el proyecto). Tras comprobar la viabilidad de la empresa (mediante una lectura del libro con actores), compraron los derechos para la película por 10.000 dólares.
El proyecto se ofreció a varios directores. La primera elección de Donen y Bell fue Peter Jackson, ya que les encantaba Criaturas celestiales (1994) y Agárrame esos fantasmas (1996), pero como estaba ocupado con el proyecto de El señor de los anillos tuvo que rechazar la oferta. Bryan Singer fue el siguiente en ser tenido en cuenta, se le envió el libro, pero ni siquiera llegó a leerlo. De ahí, el proyecto pasó a manos de Danny Boyle, quien llegó reunirse con los productores y pese a encantarle el material, se terminó decantando por rodar La playa (2000). Y el cuarto director implicado fue David Fincher, quien tras leer el libro había intentado hacerse con los derechos y contactó personalmente con Ziskin para dirigir la película y en uno de los mayores aciertos de la historia del cine, lo contrataron como director.

"Lo que posees acabará poseyéndote"

"No sé si es en el budismo, pero hay una idea de que en el camino hacia la iluminación uno debe matar a sus padres, a su dios y a su maestro" explicaba el director sobre los principales temas que trata El club de la lucha. "Así que la historia comienza en el momento en el que el personaje de Edward Norton tiene 29 años. Él ha tratado de hacer todo lo que le han enseñado a hacer, intentó encajar en el mundo convirtiéndose en lo que no es. Se le ha dicho 'Si haces esto, obtienes una educación, consigues un buen trabajo, eres responsable, te presentas de una manera determinada, tus muebles y tu coche y tu ropa, encontrarás la felicidad'. Y él no lo ha hecho. Y así la película lo presenta en el punto en el que acaba de matar a sus padres y se da cuenta de que ellos están equivocados. Pero él todavía está atrapado, atrapado en este mundo que ha creado para si mismo. Y entonces conoce a Tyler Durden y ellos vuelan en la cara de Dios, hacen todas las cosas que supuestamente no deberían hacer, todas las cosas que haces a los 20, cuando ya no eres vigilado por tus padres y llega a ser, en retrospectiva, muy peligroso. Y finalmente tiene que matar a su profesor, Tyler Durden. Así que la película es sobre ese proceso de maduración."
La productora Laura Ziskin inicialmente quería que Buck Henry escribiese el guión dadas las similitudes temáticas entre El club de la lucha y El graduado (que él había adaptado). Pero finalmente se le encargó al desconocido guionista Jim Uhls que adaptase la novela. Uhls inicialmente excluyó la idea de la voz en off del Narrador, por considerarlo un recurso demasiado manido, fue Fincher quien creyó que la película funcionaría mejor con ella "No es divertido si no hay voz en off, es triste y patético" opinaba el director. La escritura del guión llevó cerca de un año hasta dar con el libreto definitivo. Uno de sus mayores problemas lo tuvieron con el personaje de Tyler Durden, Fincher habló con Cameron Crowe (Casi famosos) quien le dijo "¡Es fácil! El verdadero problema con Tyler es que Tyler sabe la respuesta." El personaje era un sabelotodo, demasiado unidimensional, de modo que cambiaron al personaje para que fuera menos perfecto y más ambiguo. Fincher contactó con un viejo conocido suyo, el guionista Andrew Kevin Walker (Seven) para que le ayudase a pulir el guión, según Fincher, Walker llegó a escribir un 20% del guión final (a modo de guiño el director llamó a los tres detectives que intentan castrar al protagonista Andrew, Kevin y Walker). Incluso Pitt y Norton pusieron su granito de arena en el guión. Al final sólo Uhls fue acreditado como guionista.
Una de las cosas que cambiaron con respecto a la novela fue su final. En la obra de Palahniuk, el protagonista acaba en una institución mental hablando con Dios y ninguna de las bombas llega a explotar. Fue idea de Ulhs y Fincher en cambiar el final, originalmente el Narrador y Marla se alejaban de la zona de destrucción en una furgoneta con los hombres de Tyler (los "monos espaciales"), pero como quedaba muy largo, se cambió por la escena mostrada en la película en la que ambos contemplan la destrucción desde uno de los edificios.
Matt Damon y Sean Penn fueron considerados para interpretar al Narrador por parte de los productores, pero Fincher ya tenía a su Narrador, que no era otro que Edward Norton, en quien se había fijado tras verlo en El escándalo de Larry Flynt (1996). El director le envió la novela y Norton se la leyó de un tirón. Aunque el actor estaba siendo barajado para otros proyectos, por diversas razones se terminó decantando por El club de la lucha. Para meterse en su papel, el actor tuvo que perder gran parte de la masa muscular que había ganado para American history X, para ello se dedicó a correr, a tomar vitaminas y sobre todo a ignorar el catering del set.
Tyler Durden estaba escrito para que Brad Pitt se pusiera en su piel, pero antes de que se le metiera en la cabeza de los productores cual Narrador, la primera elección para el personaje por parte de Ross Bell fue Russell Crowe, pero otro productor, Art Linson, consideró que Pitt era la elección perfecta para el personaje y como se suele decir, el resto fue historia. El actor consideró que Tyler no tendría una dentadura perfecta (algo lógico de alguien que participa en peleas ilegales), de modo que fue a un dentista para que le astillara varios dientes, los cuales fueron restaurados al terminar el rodaje.
Para el papel de Marla se consideró a Courtney Love y a Winona Ryder. Se le ofreció a Sarah Michelle Gellar, pero su contrato con la serie Buffy, cazavampiros (1997-2003) no le permitió aceptarlo. Janeane Garofalo lo rechazó porque no se sentía cómoda con las escenas de sexo. Fincher quería a Helena Bonham Carter y el estudio a Reese Witherspoon, tras la negativa de esta última de participar en la película por parecerle el personaje demasiado oscuro, Bonham Carter fue contratada. Según la actriz para componer el personaje se inspiró en Judy Garland, en sus últimos y más tristes días.
El resto de los miembros de El club de la lucha se completó con los nombres de Meat Loaf, Zach Grenier, Jared Leto, Eion Bailey y Holt McCallany.

SANGRE, SUDOR Y JABÓN
El rodaje comenzó el 1 de junio de 1998 y se extendió hasta el 11 de diciembre del mismo año. Éste tuvo lugar en la ciudad de Los Angeles, en nada menos que 200 localizaciones diferentes y en un total de 72 sets construidos para la ocasión en los "20th Century Fox Studios" y en "Los Angeles Center Studios".
El rodaje se desarrolló en un buen ambiente y primó la camaradería, sobre todo entre sus dos protagonistas masculinos, quienes se entendieron de maravilla. Ambos recibieron clases de boxeo, taekwondo y lucha, dedicaron horas viendo combates de la UFC (artes marciales mixtas) e incluso aprendieron a fabricar jabón. En la escena en la que ambos aparecen borrachos lanzando pelotas de golf, estaban realmente borrachos y las pelotas iban dirigidas contra el camión del catering. Norton a través de una sugerencia de Fincher, alquiló el mismo vehículo que conducía Pitt, pero el protagonista de Malditos bastardos nunca se dio cuenta de ello.
Aunque no todo fue perfecto, el presupuesto inicial de la película de 50 millones de dólares, se disparó hasta los 67 antes de comenzar el rodaje. A cuatro semanas de su comienzo, Arnon Milchan, productor del film, se reunió con Fincher para convencerle de que redujese el presupuesto en 5 millones, porque Rupert Murdoch (dueño de la Fox) no estaría de acuerdo con dicho incremento. Fincher no dio su brazo a torcer aludiendo que eso dañaría la integridad de la película. Milchan tomó la decisión de abandonar el proyecto. Pero como su productora, Regency Enterprises, ponía 25 millones de su presupuesto, la película no podía hacerse sin él, de modo que el jefe de la Fox, Bill Mechanic, le envió cada día lo que iban filmando para mostrarle la calidad de la película. Tras 3 semanas de rodaje, Milchan volvió al proyecto y aprobó la subida de presupuesto, poniendo su productora 9 de los 17 millones adicionales. Irónicamente el presupuesto final fue de 63 millones.
Fincher demostró una vez más su perfeccionismo al modo Stanley Kubrick. El director llegó a filmar 1.500 rollos de película, más del triple del usado normalmente para una película de la duración de El club de la lucha. Hizo 12 tomas del doble de Edward Norton cayendo por las escaleras en la secuencia final, para al final usar la primera. Otro ejemplo de su peculiar forma de rodar fue la escena en la que Tyler y el Narrador hablan en un bar tras la explosión del apartamento del segundo, de la que se hicieron 38 tomas, cada una de las tomas fue filmada por dos cámaras simultáneamente y en cada toma Fincher les daba a los actores una idea aproximada de lo que tenían que hacer y ellos improvisaban la mayoría del diálogo, la escena final se compuso de la combinación de trozos de las 38 tomas diferentes.

"¿Cómo vas a conocerte si nunca te has peleado?"

Fincher quería que el primer acto funcionase como la mente del Narrador, saltando adelante y atrás en el tiempo y que la cámara reflejase eso "Tenía que moverse tan rápido como tú te lo puedas imaginar. Teníamos que encontrar una manera de que la cámara pudiera ilustrar las cosas a la velocidad del pensamiento." De modo que la película "Es tan errática en su presentación como el Narrador lo es en su pensamiento." Un ejemplo claro de como la cámara refleja el pensamiento del Narrador, es la escena en la que Tyler le provoca una quemadura química en la mano y él trata de no pensar en las palabras "punzante" y "carne", pero justo piensa en esas palabras, siendo visualizadas de forma subliminal como las definiciones de un diccionario.
A la hora de filmar a Tyler, Fincher creó una serie de reglas cual club de la lucha, así lo explicaba el director "Tyler no es visto en dos planos consecutivos cuando está con un grupo de personas. No lo representamos sobre el hombro cuando Tyler le da una idea [al Narrador] sobre algo muy específico, que va a conducirlo. Nunca es un plano sobre el hombro, es Tyler por si mismo. Hay cinco o seis planos en los dos primeros rollos de Tyler, donde él aparece en un fotograma, esperando por el personaje de Edward Norton. Cuando el médico le dice «¿Quiere ver sufrimiento? Vaya a una iglesia metodista los martes por la noche y visite a los chicos con cáncer de testículo. Eso sí es sufrir» y bup, Brad aparece sobre el hombro del tío en un fotograma. (...) Cuando Edward está en el hotel y emiten un pequeño anuncio de Marriott, cuando muestran todas sus recepciones, hay un plano de todos estos camareros diciendo «¡Bienvenidos!» y Brad está en medio de los camareros." Fincher también quiso incluir a Tyler durante el logo de la 20th Century Fox, pero el departamento legal del estudio no se lo permitió. Y Arnon Milchan tampoco se lo permitió hacer con el logo de Regency Enterprises.
Según Fincher "No queríamos tener miedo al color. Queríamos controlar la paleta de colores." Eso explica el increíble aspecto visual de la película. Fincher y Jeff Cronenweth, el director de fotografía, se inspiraron en la fotografía de American Graffiti (1973) para crear la de El club de la lucha, se fijaron en el aspecto mundano de los exteriores nocturnos de aquella y de como al mismo tiempo mostraba una gran variedad de colores, pareciendo todo muy realista.
"Hablamos de hacer una película de aspecto sucio, de tipo granuloso" comentaba Fincher. "Cuando la procesamos, estiramos el contraste para hacerlo más feo, un poco de subexposición, un poco de replateado, usamos un nuevo material de impresión de alto contraste y caminamos sobre ella y por eso tiene una pátina sucia."
Además usaron lentes esféricas en lugar de las anamórficas usadas habitualmente. Fincher y Cronenweth tomaron esta decisión, primero porque la película se rodaría en espacios con poca luz (a lo que ayuda el uso de lentes esféricas por encima de las anamórficas). Al usar este tipo de lentes provoca que el negativo quede con más grano, hay procesos para conseguir una imagen tan limpia como con las lentes anamórficas, pero Fincher y Cronenweth consideraron dejarlo tal cual estaba, porque en su opinión quedaba perfecto para el estilo visual de la película.
El famoso plano que muestra las posesiones del Narrador como si éste viviese en un catálogo de Ikea, según Fincher quería reflejar "La idea de vivir en esta fraudulenta idea de felicidad." Para conseguir tan increíble plano usaron una cámara con control de movimiento y filmaron a Edward Norton caminando por el decorado, después filmaron el giro de cámara por el decorado sin el actor, tras eso filmaron cada elemento del decorado de forma independiente y después lo pusieron todo junto en un único plano mediante un programa informático. Es resultado fue espectacular.
Y el primer plano de la película y que muestra un viaje desde el cerebro del Narrador hasta una pistola que le apunta en la boca, es otro prodigio de la técnica. La idea era mostrar los procesos del pensamiento desencadenados por el centro del miedo del cerebro. La escena fue presupuestada de forma independiente del resto de la película. El estudio acordó que financiarían la secuencia sólo si consideraban que la película era buena, tras ver un primer corte de la película, dieron su aprobación para rodarla. Fincher planificó la escena y Kevin Scott Mack, de la Digital Domain, se encargó de diseñarla. Para realizar el mapeo del cerebro generado por ordenador se usó el "Sistema L" (o Sistema de Lindenmayer, que es una estructura matemática usada principalmente para modelar el proceso del crecimiento de plantas). Y para detallar el diseño se usaron las representaciones de la ilustradora médica Kathryn Jones.
El plano en el que el Narrador se dispara en la boca, fue otro reto para los responsables de la película. Inicialmente Rob Bottin había construido un animatronic de la cabeza de Edward Norton y estaba previsto rodar la escena usando cámaras de alta velocidad sincronizadas y metraje real del actor. Pero nunca consiguieron el efecto deseado, de modo que al final se decantaron par rodar la escena usando animación digital.
Para filmar un accidente de tráfico de una forma nunca vista, el que sufren Tyler y el Narrador, Fincher colocó la cámara en el capó del coche y el coche a su vez en un dispositivo giratorio, al rodar la escena Pitt y Norton estaban dentro del vehículo que giraba una y otra vez, según Pitt "Una locura, pero no tan locura, en la medida de como hemos visto muchos coches volcar. Pero ¿cuántas veces se ha mostrado lo que se siente desde el interior del coche?" Y eso es lo que transmite la escena, las consecuencias de un accidente de coche desde la perspectiva de quien lo conduce de una forma original y novedosa.
Y el director justificaba así el famosísimo plano subliminal final de un pene, tal y como hacía Tyler en su trabajo como proyeccionista "Fue nuestra forma de decir que... no es que no haya terminado, es sólo que el espíritu de Tyler Durden está todavía por ahí. Sí, Tyler está vivo y bien y está en el cine mientras realmente ves esta película."
Con la escena de sexo entre Tyler y Marla soñada por el Narrador, Fincher quiso "Transmitir la fantástica cualidad que se encuentra en los sueños y capturar esa clase de estilización sugirió tratar la escena de sexo como un plano de efectos visuales." Para filmarla se usaron técnicas revolucionarias, nada menos que el famoso "tiempo-bala" popularizado por Matrix. Las cámaras se colocaron alrededor de la cama formando un círculo y Pitt y Bonham Carter nunca estuvieron desnudos, ya que estaban vestidos con trajes de captura de movimiento. Dando así pie a lo que el director de The game Fincher definió como "Una de las estatuas del Monte Rushmore follando a la Estatua de la Libertad." Y añadió "Era como si tuvieras a esos dos monumentos gigantes follando entre ellos y pudieras volar a su alrededor con un helicóptero, esa era un poco la idea. Fue inspirado por Francis Bacon. Esta idea de la perversión retorcida de la carne."
Y al final el momento más polémico de la película fue en dicha escena de sexo, pero no por los desnudos, si no por una frase, la que originalmente Marla decía a Tyler después de tener sexo, "Quiero tener tu aborto", frase que pertenecía al libro. Fincher intentó por todos los medios mantenerla, pero Ziskin se opuso a que la incluyera, incluso Brad Pitt le pidió que la cambiase diciendo "¡Mi madre va a ver esto!". Al final Fincher cambio la frase por "Oh señor, nadie me había follado así desde la escuela primaria."

MAYHEM
A principios de 1999, tras 10 semanas de edición, Fincher realizó un montaje de la película para un pase de prueba con los principales ejecutivos del estudio. Estos no se sintieron muy entusiasmados con la película y creyeron que no sabrían como venderla. Según declaraba Bill Mechanic, muchos ejecutivos se le acercaron y le dijeron sobre ella "La odio". Tom Sherak, ejecutivo del estudio, le dijo a Art Linson, productor de la película, que debería acompañarle a ver a su psiquiatra porque le resultaba imposible entender que a éste la película le pareciese divertida. Y el propio Rupert Murdoch llegó a decirle a Mechanic "Debes estar enfermo para hacer una película como esa".
Estaba claro que El club de la lucha era una película difícil de vender, Fincher había ideado dos trailers que mantenían el espíritu de la película, pero que fueron rechazados por el estudio. Estos trailers eran como anuncios de servicio público, uno estaba protagonizado por Norton y el otro por Pitt. En el primero, Norton hablaba directamente a cámara diciéndole al público que apagasen sus teléfonos móviles y que no hablasen durante el espectáculo y terminaba con la frase "Y recuerda no dejes que desconocidos te toquen en el zona del traje de baño." En el trailer de Pitt éste habla sobre las salidas de emergencia y espetaba al final un "¿Sabías que la orina es estéril? Se puede beber." No se explicaba que se trataba de una película, sólo la indicación de una web fightclub.com. Los trailers de la Fox vendieron El club de la lucha casi como una película de acción, una imagen muy alejada de los verdaderos intereses de la película.
Inicialmente la película tenía su estreno previsto para el 6 de agosto, pero los ejecutivos de la Fox decidieron retrasarlo un par de meses, Tom Sherak lo aludió un verano atestado de películas y a un acelerado proceso de post-producción. Al final la premiere de la película tuvo lugar el 6 de octubre de 1999 y su estreno masivo en salas el día 15 del mismo mes. El club de la lucha fue un sonado fracaso comercial, recaudando en territorio norteamericano sólo 37.030.102 de dólares y en el resto del mundo 63.823.651 de dólares más.
La película fue recibida por la crítica de forma irregular. Aunque hubo quienes elogiaron la labor de Fincher tras las cámaras y de Pitt y Norton delante, gran parte de la crítica le echó en cara su violencia, su falsa trascendencia y el peligro que encerraba el que muchos imitaran lo que vieran en la película.
El club de la lucha pasó casi desapercibida en los Oscars de 1999, recibiendo una única nominación al mejor montaje de efectos sonoros (Ren Klyce y Richard Hymns), premio que perdería frente a Matrix.
Y así comenzó a fraguarse su aura de película de culto, siendo realmente descubierta mediante su distribución en video e internet. El club de la lucha tuvo un descubrimiento tan clandestino como el propio club que le dio título.
La popularidad de la película fue tal, que hubo quien la imitó, después de su estreno se crearon varios clubs de la lucha en Estados Unidos, como el "Fight Club S.F." de San Francisco, fundado por un hombre que se hace llamar Bloody Knuckles (Nudillos Sangrientos) o el "Gentlemen's Fight Club" de Silicon Valley, iniciado por el ingeniero informático Gints Klimanis y cuyos participantes son principalmente empresarios y empleados de empresas de tecnología e informática.

ESCENAS ELIMINADAS
Cual Tyler en la mesa de montaje, los responsables de El club de la lucha también metieron mano al metraje del film, dejando atrás varias escenas que fueron recuperadas en su edición en dvd, donde se incluyeron las siguientes 7 escenas eliminadas o alternativas:
1. "Chloe y Rupert" (53"): Después de que Chloe dé su discurso en el que dice que espera tener sexo antes de morir, todos abandonan la iglesia. El Narrador camina hacia Chloe y ella comienza a hablar con él. El Narrador ve a Marla sentada en un banco. Intenta decirle un cumplido a Chloe, pero termina diciéndole que parece un pirata, se disculpa y sigue a Marla fuera.
2. "La charla de almohada de Marla" (35"): La escena alternativa en la que Marla suelta el famoso "Quiero tener tu aborto" después de acostarse con Tyler.
3. "Abuso de la fotocopiadora" (3' 15"): Es la versión original de la escena en la que el jefe del Narrador descubre las normas del club de la lucha en la fotocopiadora. El diálogo entre ambos es un poco distinto, pero la escena es bastante similar a la vista en la película.
4. "Tyler deja de fumar / Jack deja de trabajar" (1' 28"): Son dos escenas cortas, que ocurren antes y después de la escena en la que el Narrador se golpea a si mismo delante de su jefe. En la primera, antes de ir a trabajar, el Narrador habla con Tyler en la cocina, le ofrece un cigarrillo, pero Tyler le dice que ha dejado de fumar. Después de eso el Narrador se marcha. La segunda escena ocurre después de que el Narrador haya conseguido llegar a un acuerdo para dejar su trabajo. Llega a casa empujando un carrito de supermercado con todo el equipo informático que consiguió en el trato y se encuentra con Tyler, que le dice que necesitan llevar "El club de la lucha" a un nivel superior o que lo cerrarán. Tyler se va subiendo por las escaleras. Además, se muestra como originalmente toda esta parte de la película ocurría antes, yendo a continuación de la pelea entre el Narrador y Bob en "El club de la lucha".
5. "Golpeando a Angel Face" (3' 14"): Muestra dos versiones diferentes de la escena en la que el Narrador le da una paliza a Angel Face (Jared Leto), la escena original sin editar y la versión editada para Reino Unido que dura unos 3 segundos menos (resultando un poco menos violenta).
6. "Walter" (1' 39"): Es una versión alternativa de la escena en la que el Narrador asiste a una reunión y enseña su dentadura llena de sangre a un vendedor. La escena es similar, cambia la voz en off, se incluye una queja por parte del vendedor (que ahora sabemos se llama Walter) y el plano en el que el Narrador muestra su dentadura es diferente.
7. "El adiós de Tyler" (1' 55"): Versión alternativa de la escena en la que Tyler habla con el Narrador, mientras éste se recupera en la cama del accidente de coche. La escena es prácticamente igual a la versión de la película, sólo cambia en que carece de los efectos de sonido de aquella y los fundidos a negro aquí son cortes normales.

VALORACIÓN
Cuando hablamos de El club de la lucha lo hacemos de un clásico del séptimo arte, aquella película que a pocos gustó en 1999, ha llegado a convertirse en una de las películas más influyentes y alabadas del cine reciente. Y lo cierto es que no es para menos, podría estar horas alabando cada aspecto de la película, cada plano, cada detalle oculto, cada interpretación de sus actores o cada tema musical que aparece en ella y que hacen que El club de la lucha sea un film único.
En primer lugar, la película sirvió para confirmar y consolidar el talento de David Fincher, uno de los mejores directores del mundo de las últimas 3 décadas. El trabajo de Fincher es soberbio, de esos que marcan un antes y un después. Se puede coger cualquier escena al azar y es imposible haberla rodado mejor.

"Únicamente cuando se pierde todo, somos libres para actuar"

Ya el primer plano de la película nos pone en situación, todo comienza en el cerebro del Narrador y todo seguirá en el mismo lugar el resto de la película, ya que toda ella es un viaje por la mente del Narrador, un enorme flashback que nos narra nuestro protagonista sin nombre. De modo que ese primer plano cumple su doble cometido de una forma genial, darnos una idea del carácter visceral que tendrá la película y mostrarnos (físicamente) donde acontecerá la historia.
Me parece fascinante la introducción de Tyler a través de planos subliminales (como los que el propio Tyler inserta en su trabajo de proyeccionista), que provoca que éste se vaya colando en nuestra mente como lo hace en la del Narrador. Además Tyler sólo aparece de forma subliminal cuando el Narrador padece insomnio, cuando vuelve a dormir gracias a sus visitas a las reuniones de grupos de apoyo, Tyler desaparece y no es hasta que el Narrador vuelve a padecer de insomnio por causa de Marla, que volvemos a ver Tyler (de forma subliminal).
El giro final de la película (ese cambio de rollo) parece en un primer momento cogido por los pelos, pero es a raíz de los continuos visionados de la película (en la que ésta siempre mejora) cuando nos damos cuenta del impresionante trabajo de Fincher. Como el guión está perfectamente calibrado y nada falta ni sobra. Como cada interacción entre Tyler y el Narrador están medidas al milímetro y cada aparición de Tyler está realmente estudiada. Y eso que hay pistas que nos indican su verdadera identidad, como el "Lo sé porque lo sabe Tyler", como éste le sopla al Narrador las frases que debe decirle a Marla desde el sótano, El Narrador acordándose de su primer pelea con Tyler mientras se golpea a si mismo delante de su jefe o como Tyler y el Narrador nunca interactúan con la gente al mismo tiempo (o lo hace uno o el otro). Fincher nos lleva por donde quiere hasta el final y nos deja KO cuando nos revela la verdad.
Fincher siempre intenta hacernos sentir incómodos, a propósito mete un cierto contenido homosexual en la relación entre el Narrador y Durden. La pistola que éste mete en su boca al principio de la película. La escena en la que Tyler se baña mientras el Narrador se encuentra a su lado. Tyler besando la mano del Narrador antes de quemarla con lejía. Los celos que el Narrador siente cuando Tyler está con Marla. La paliza que le propina a Angel Face tras el interés de Durden por él. Fincher juega con nosotros con la relación entre ambos, como lo hace con el resto de la película.
Está claro que la película se adelantó a su tiempo y nadie la apreció en su momento, las críticas no fueron demasiado entusiastas con ella (yo mismo recuerdo verla en el cine y no saber como tomarme lo que acababa de ver, pero tras un segundo visionado en casa me pareció un film fascinante) y no fue hasta que pasó un tiempo que la película se convirtió en la obra de culto que es hoy día.
Realmente olvidaos de que El club de la lucha trata de la generación del baby boom, de la fascinación por la violencia, del proceso de maduración, de la superficialidad de muestra sociedad, de la masculinidad, El club de la lucha trata realmente sobre el cine. Es una obra marcadamente cinematográfica, donde su director demuestra hasta donde se puede llegar en el séptimo arte, un lugar en el que no hay límites, para ello usa todos los recursos narrativos habidos y por haber (voz en off, rotura de la cuarta pared, cámara lenta, flahsbacks) e incluso se inventa algunos nuevos (la introducción de un personaje mediante planos subliminales, el "plano Ikea", el plano inverso de los créditos iniciales) y hace un uso increíble de todos los apartados técnicos (fotografía, montaje, música, efectos visuales), convirtiendo a El club de lucha en una experiencia extremadamente cinematográfica, un ejemplo de cine llevado hasta sus últimas consecuencias.
Es cierto que a veces la película cae en la superficialidad que critica, poco nos importa al principio el devenir de las vidas del Narrador y de Durden, llenas de una falsa trascendencia (aunque habla de una generación intrascendente por lo que en cierto sentido está justificado), pero el poder de sus imágenes y el hecho de que la historia crezca y crezca, yendo siempre a más, hacen que esa sensación poco a poco vaya quedando en el olvido, siendo el tercer acto un tour de force para el espectador, donde descubrimos no sólo la verdadera identidad de Tyler Durden, si no sus auténticos planes ¡y qué planes!

"Tenemos empleos que odiamos para comprar mierda que no necesitamos"

El Narrador es Tyler Durden, todos podemos ser Tyler Durden, eso nos dice la película. Somos la mierda cantante y danzante del mundo, podemos cambiar las cosas. Al igual que Tyler hace con el dependiente de la tienda al que amenaza, la película también nos pone una pistola en la cabeza y nos dice que sigamos nuestros sueños, que nos convirtamos en quienes queramos ser, no tenemos porque aceptar el papel que ocupamos en el mundo, ni tampoco al propio mundo, podemos ser mejores, podemos ser el mejor, nada nos lo impide, no hay límites. Podemos ser Tyler Durden. Somos Tyler Durden.
El club de la lucha habla sobre una generación perdida, que no sabe encontrar su lugar en el mundo y que tampoco sabe que hacer para poder encontrarlo. La película plantea destruirlo todo para empezar de cero, da una visión del mundo fatalista y triste, donde esta gente sólo encuentra la anarquía como camino para seguir adelante. Y viendo lo mal que han ido las cosas en el mundo desde 1999, parece que la ideología de la película tiene más fuerza ahora que en el momento de su estreno. ¿No sería mejor acabar con el sistema actual, con la forma actual de sociedad y comenzar de cero? Es un camino extremista y una propuesta bastante incómoda para el espectador, pero no está carente de interés.
La única salida que tiene la gente de esa generación es "El club de la lucha", un lugar donde dar rienda suelta a sus instintos más primarios, a la rabia y la violencia que llevan dentro. O tal vez no tienen nada mejor que hacer, nada más divertido que golpearse unos a otros o puede que lo único que les hace sentir vivos es sentir dolor.
Al final el anónimo protagonista (cualquiera de nosotros) encuentra su lugar en el mundo, ha madurado, tal vez a una edad más tardía de lo que debería, pero lo ha hecho. Marla lo ha conocido en un momento extraño de su vida, en pleno proceso de maduración y a partir de ahora comenzara su etapa como adulto, atrás quedarán los errores que ha cometido y las locuras que ha realizado, todas aquellas cosas que lo han hecho madurar y que ahora serán sólo parte de su pasado.
Y asistimos al final de la civilización tal y como la conocemos al son de Pixies. Reina la anarquía. Volvemos al punto cero. Fundido a negro.

TYLER ESTABA REPLETO DE INFORMACIÓN ÚTIL
Según declaró David Fincher hay una taza de café Starbucks en cada escena de la película (el director había hecho lo mismo en The game, pero con latas de la marca Haggis).
Eso sí, "Starbucks" pidió que retiraran su nombre en la escena de la destrucción de la cafetería, a la cadena si bien no le importaba que usarán sus productos en la película, no quería que su nombre fuera destruido en esa escena. De modo que se cambió el nombre de la cafetería por "Gratifico Coffee".
Además en la primera versión de la película también había referencias directas a "Blockbuster" y al "Reader's Digest", pero cuando estas compañías no quisieron verse relacionadas con la película, tuvieron que ser cambiadas por otras ficticias.
Edward Norton se negó a fumar en la película Rounders (1998), pero accedió a hacerlo en esta película.
En el guión de la película el Narrador se llamaba Jack.
Los nombres del e-mail que el Narrador manda en su trabajo con poemas haiku, corresponden a miembros del equipo de la película.
La escena en la que el Narrador se encuentra un pingüino en una cueva está inspirada por la película La vida secreta de Walter Mitty (1947) y con ella Fincher quería mostrarle al público lo surrealista que iba a ser la película.
En la escena en la que Tyler y el Narrador se conocen en el avión, ellos mencionan que tienen el mismo maletín. Vemos el contenido del maletín de Tyler, pero nunca el del Narrador.
La película ocupó el 4º puesto en la lista de "Las 100 películas mayores de todos los tiempos" de la revista Total Film.
Para rodar el plano de la pastilla de jabón que golpea un plato, usado sólo en el trailer, fueron necesarias 41 tomas. Fincher se dio cuenta después de la toma 40 que el jabón se deslizaba fuera de cámara, de modo que al final rodaron el plano usando una pastilla de jabón falsa.
La película ocupó el 10º puesto de su lista "Las 500 mayores películas de todos los tiempos" por la revista Empire en 2008.
Brad Pitt y Helena Bonham Carter pasaron tres días grabando sonidos de orgasmos para sus escenas de sexo (que sólo son escuchadas por el Narrador).
Cuando uno de los miembros de "El club de la lucha" moja a un cura con una manguera, se puede observar como la cámara vibra brevemente. Esto sucedió porque el operador de cámara no pudo contener la risa a la hora de rodar la escena.
Brad Pitt y Helena Bonham Carter llegaron a representar durante el rodaje de sus escenas de sexo 10 posiciones diferentes del Kama Sutra.
El escritor Chuck Palahniuk declaró que cuando escribió el libro ni él mismo sabía que Tyler Durden y el Narrador eran la misma persona, llegó a esa idea cuando tras escribir dos tercios de la novela se dio cuenta que ambos personajes habían actuado como uno solo y decidió terminar la historia así.
El experto en maquillaje Rob Bottin, creo dos trajes para convertir a Meat Loaf en Bob, uno con pezones y otro sin ellos, porque los cineastas no sabían si la Fox aprobaría un traje con pezones prominentes.
Cuando el Narrador viaja en una cinta transportadora del aeropuerto y piensa "¿Si te despertaras a otra hora en otro lugar te despertarías siendo otra persona?" justo en ese momento aparece Tyler detrás de él y la cámara lo sigue.
En la casa de Tyler hay un número de la revista Movieline con Drew Barrymore en su portada, la actriz es amiga íntima de Edward Norton.
El apartamento del Narrador está inspirado en el que David Fincher vivió cuando se mudó a Los Angeles. El director decidió basarse en él porque mientras vivía allí siempre deseó volarlo por los aires.
En la escena en la que en Narrador intenta que Marla abandone la ciudad en autobús, en la marquesina del cine del fondo se anuncian películas protagonizadas por Brad Pitt (Siete años en el Tibet), Edward Norton (El escándalo Larry Flynt) y Helena Bonham Carter (Las alas de la paloma). Sólo la de Pitt es visible, porque las otras las tapa el autobús. Y en realidad pone "Seven year in Tibe" porque según David Fincher "Los cines nunca tienen letras suficientes".
Rodando una escena de exteriores en una zona residencial, un hombre que vivía en los apartamentos se enfureció tanto por el ruido que hacia el equipo de rodaje que les arrojó una botella de cerveza desde su piso. La botella golpeó al director de fotografía Jeff Cronenweth, quien sufrió un corte, pero no fue gravemente herido. El hombre fue arrestado poco después.
Chuck Palahniuk considera a la película mejor que su novela.
El efecto especial del aliento de Edward Norton en la escena de la cueva es el mismo que se usó para Leonardo DiCaprio en Titanic (1997).
Fue idea de Brad Pitt, que Tyler llevara puesto un guante de goma cuando pilla al Narrador al otro lado de la puerta mientras tiene sexo con Marla. Ese momento escandalizó a Laura Ziskin, quien pidió que se quitara la escena. Pero tras un pase de prueba, en el que el momento del guante se llevó las mayores carcajadas de toda la película, la presidente de Fox 2000 Pictures cambió de idea.
Helena Bonham Carter llevaba zapatos de plataforma para compensar la diferencia de altura entre ella y Brad Pitt y Edward Norton.
Helena Bonham Carter insistió durante el rodaje que su maquillador usase la mano izquierda a la hora de aplicar el maquillaje de ojos porque según la actriz, sentía que Marla no era una persona especialmente hábil haciéndolo o que no le importaba ir bien maquillada.
El coche quemado que examina el Narrador es un Lincoln Town Car de 1990, que es el mismo coche con el que él y Tyler se estrellan más tarde en la película.
Edward Norton golpeó realmente en la oreja a Brad Pitt en la primera escena en la que pelean juntos al salir del bar. Fue David Fincher quien le dijo a Norton que le golpease de verdad y no fingiese sólo darle el golpe.
Cuando el Narrador camina por la casa mientras Tyler y Marla tienen sexo en el piso de arriba y un policía le llama por teléfono, cuando el Narrador descuelga el auricular, al instante los ruidos sexuales de Tyler y Marla cesan.
La frase "La primera regla del club de la lucha es que no se habla del club de la lucha" ocupó el puesto 27 de la lista de "Las 100 mayores frases de películas" de la revista Premiere en 2007.
El plano final con todos los edificios derrumbándose, fue diseñado por Richard 'Dr.' Baily, quien trabajó en el plano durante la friolera de 14 meses. Según Fincher, en el plano hay cerca de 4 millones de elementos digitales animados de forma independiente.
Cuando Tyler llama al Narrador a una cabina telefónica, la cámara hace un travelling hacia el teléfono y sobre el hay aviso que pone: "Llamadas entrantes no permitidas".
Brad Pitt no quería que sus padres vieran la película pero no pudo convencerlos de hacerlo. Ambos cambiaron de idea tras ver la escena de la quemadura química.
A la hora de rodar la escena en la que el Narrador se encuentra en la casa a Steph abofeteando a un "mono espacial" y gritándole que es un inútil, el actor que era abofeteado, harto de recibir tantas bofetadas se marchó del rodaje y tuvo que ser sustituido por otro actor.
Al sufrir el accidente de coche, podemos ver como el Narrador se hizo una herida en la cabeza, pero cuando se despierta, esa herida ha desaparecido. No se trata de un error de continuidad, lo que sucede es que ha pasado un gran espacio de tiempo desde el accidente, durante el cual Tyler ha tomado el control y ha creado clubs de la lucha por todo el país.
En la escena de la Tyler apunta con una pistola al dependiente de la tienda, el Narrador no sabe que la pistola va en la mochila, a pesar de que la mochila es suya.
Algunos de los nombres falsos usados por el Narrador en los grupos de autoayuda están sacados de películas como, El planeta de los simios (Cornelius), El rey de la comedia (Rupert) y Taxi driver (Travis). El rey de la comedia es una de las películas preferidas de Norton.
Todos los edificios que son derribados en la escena final, se basan en copias digitales de edificios propiedad de la Fox. De esa forma se evitaron problemas legales por la "destrucción" de edificios de verdaderas compañías de tarjetas de crédito.
En la novela se detallan como Tyler fabrica sus bombas, pero por temas de seguridad, los responsables de la película decidieron cambiar las recetas reales por unas falsas, en la escena en la que Tyler habla sobre como fabricar explosivos.
Según David Fincher, la ranchera marrón contra la que el Narrador choca en su primera pelea con Tyler, es la misma ranchera que aparece en The game (1997), en la escena en la que Michael Douglas se infiltra escondido en la sede del CRS.
Edward Norton y Helena Bonham Carter inicialmente consideraron asistir a verdaderos grupos de apoyo de enfermos terminales, pero teniendo en cuenta el espíritu satírico de la película, sintieron que no era apropiado hacerlo.
Cuando se rodó la escena en la que durante la primera reunión con los grupos de ayuda, el actor David Andrews cuenta como su mujer se quedó embarazada de otro hombre, un extra se sintió tan ofendido que se marchó enfurecido en pleno rodaje.
La famosa frase "Sois la mierda cantante y danzante del mundo" está inspirada por el libro "Así habló Zarathustra" de Friedrich Nietzsche.
En la escena en la que Tyler está dando un discurso a los demás miembros del club dice "Crecimos con la televisión que nos hizo creer que algún día seríamos millonarios, dioses del cine o estrellas del rock". Cuando dice "estrellas del rock" mira a Angel Face, que está interpretado por Jared Leto, miembro de la banda 30 seconds to Mars desde 1998.
Para garantizar que el traje que convertía a Meat Loaf en Bob estaba perfectamente colocado y diera la sensación de carne flácida, se llenó de alpiste. El traje y su relleno hacían que este pesara aproximadamente 50 kilos.
El supervisor de efectos visuales Kevin Scott Mack realiza un cameo en la película, es el hombre aterrorizado con gafas en el accidente aéreo que se imagina el Narrador.
Tyler aparece hasta cinco veces antes de mostrársele perfectamente en pantalla en la cinta transportadora del aeropuerto. Cuatro de esas apariciones son de forma subliminal en un sólo fotograma. Son las siguientes:
1ª. Lo vemos en la sala de fotocopias del trabajo del Narrador. 
2ª. Detrás del doctor que atiende al Narrador de su insomnio.
3ª. Dentro de una reunión del grupo de ayuda para hombres con cáncer de testículo.
4ª. Cuando el Narrador ve a Marla saliendo de una de las reuniones de grupo, pero decide no seguirla.
5ª. Sin ser ya de forma subliminal, Tyler aparece en el anuncio de Bridgeworth Suites que el Narrador ve en un hotel, es el camarero de la derecha.
El plano que recorre el interior de una papelera, fue creado íntegramente por ordenador y fue el último plano en ser añadido a la película. Requirió tantas horas para procesarla que tuvo que ser añadido recién salido del laboratorio. Se necesitaron 8 horas para procesar cada fotograma y toda la secuencia requirió de 3 semanas para completarse.
El número de teléfono de Marla, 555-0134, es el mismo que el de Teddy (Joe Pantoliano) en Memento (2000).
Cuando el Narrador se imagina como Tyler conoció a Marla, en toda la secuencia Tyler jamás habla, sólo lo hace Marla.
Rosie O'Donnell dio pie a uno de los incidentes más desagradables en los que se vio envuelta la película en su estreno. El mismo viernes en que se estrenó la película, la actriz habló sobre ella en su programa de televisión diciendo que la había visto a principios de semana y que desde entonces no había podido dormir y aparte de revelar la sorpresa final de la película, insto a la gente a que no fuera a verla al cine.
La escena en la que el jefe del Narrador encuentra las reglas de "El club de la lucha" en la fotocopiadora y el Narrador le dice que fueron escritas por una persona peligrosa que cualquier podría entrar en la oficina disparando a todo el mundo, trajo consigo cierta polémica. En los primeros pases de prueba la escena gustó al público y le pareció divertida. Pero tras los asesinatos de Columbine, a nadie le pareció ya divertida y fue considerada de mal gusto. Por esa razón los ejecutivos del estudio le pidieron a Fincher que la eliminara completamente, el director estuvo a punto de hacerlo, pero como era necesaria para la secuencia posterior en la que Marla cree tener cáncer de mama, la mantuvo, después de hacer pequeños cambios en ella.
La versión original de la película, comúnmente conocida como workprint, tenía una duración de 153 minutos. La versión final es de 139 minutos.
Durante los ensayos de la película, Pitt y Norton descubrieron que ambos odiaban el nuevo Volkswagen Beetle, de modo que para la escena en la que ambos golpean coches con un bate de béisbol, insistieron que uno de esos coches fuera un Beetle.
Después de que el Narrador deje el apartamento de Marla y justo antes de que se encuentre con Bob, puede verse un graffiti detrás de él que dice varias veces "I LIKE MYSELF" (Me gusto a mí mismo).
Cuando un mozo de aeropuerto le entrega a Tyler un coche dice "No se preocupe Sr. Durden puede utilizarlo el tiempo que quiera", pero es al Narrador a quien mira directamente. Además Tyler y el Narrador entran por la misma puerta y cuando sufren el accidente Tyler saca al Narrador por la puerta del conductor.
El director de fotografía, Jeff Cronenweth, es hijo del también director de fotografía Jordan Cronenweth (Blade Runner, Peggy Sue se casó), quien trabajó con Fincher en Alien 3, pero por causa de sus problemas con el Parkinson tuvo que ser sustituido por Alex Thomson.
Según Palahniuk, Tyler Durden recibe su nombre del personaje de Toby Tyler de la película Toby Tyler, or ten weeks with a circus (1960) y su apellido de un compañero de trabajo que fue despedido por acoso sexual. Marla a su vez era una niña que solía pegar a su hermana en el colegio.
Cuando Lou descubre "El club de la lucha" bajo su taberna, golpea a Tyler en el estómago. Si uno se fija en el Narrador, puede ver que cuando Tyler recibe el golpe, él se inclina sobre si mismo como si también lo hubiesen golpeado. Poco después Lou le da una patada en la cara a Tyler y el Narrador levanta su cabeza en el momento del golpe.
El sacerdote que es mojado por uno de los miembros del club, es quien gana el combate que acontece después de la escena en la que el Narrador se golpea a si mismo delante de su jefe.
La escena en la que una bola gigante destruye una cafetería estuvo llena de problemas. Para no dañar el suelo donde tenía lugar el rodaje, fabricaron una bola muy ligera, lo que hacía que ésta fuera botando y flotase en el agua, algo que una bola pesada jamás haría. Para hacerla parecer más pesada fue necesario que dos personas corrieran al lado de la bola tirando de unos cables y tratando de mantenerla oprimida para que no flotase en el agua. Y cuando la bola arrasa la cafetería, por limitaciones de espacio, no conseguían que cogiese velocidad suficiente. Al final la empresa de efectos visuales Toybox se hizo cargo de la escena, para ello eliminaron los rebotes de la bola, agregaron los muebles que ésta se lleva por delante, así como las grietas en el pavimento por donde pasa y una estela en el agua a su paso, además añadieron una vibración digital a la cámara.
En el dvd, tras la advertencia del copyright, aparece un nuevo aviso, éste de Tyler y se muestra sólo durante un segundo. Dice lo siguiente: "Si estás leyendo esto entonces esta advertencia es para ti. Cada palabra que lees de esta letra pequeña es un otro segundo de tu vida desperdiciado. ¿No tienes otras cosas que hacer? ¿Está tu vida tan vacía que honestamente no puedes pensar en una forma mejor de pasar estos momentos? ¿O tu estás tan impresionado con la autoridad que le das respeto y credibilidad a todos aquellos que lo reclaman? ¿Lees todo lo que se supone que debes leer? ¿Piensas en todo lo que se supone que debes pensar? ¿Compras lo que te dicen que debes comprar? Sal de tu apartamento. Conoce a un miembro del sexo opuesto. Para con las excesivas compras y masturbación. Deja tu trabajo. Comienza una pelea. Demuestra que estás vivo. Si no reclamas tu humanidad te convertirás en una estadística. Has sido avisado... Tyler."

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