Tuesday, May 25, 2021

Regreso al futuro III

"Es un experimento científico."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Marty McFly descubre que su amigo Doc Brown, será asesinado en 1885, por lo que decide viajar en el tiempo hasta el salvaje Oeste para salvarle. Con lo que no contaba, es que Doc se enamoraría de una profesora.

TRES
Como comentaba en la reseña de Regreso al futuro II (1989), la segunda y tercera parte de las aventuras temporales de Marty McFly, se rodaron de forma continua. Aunque inicialmente estaba previsto rodar una única película, el guión escrito por Bob Gale de 230 páginas, resultaba demasiado extenso. De hecho, la película tenía cuatro actos (2015, 1985A, 1955 y 1885). "¿Cuántas obras tienen cuatro actos?," admitía Gale. "Para una película, dividirla en cuatro actos no es una buena idea. Al escribirlo, estaba muy claro para mí, la idea de que íbamos a este otro periodo de tiempo, y la introducción de nuevos personajes... el material de 1885 justificaba su propia película."
Antes de convertir el guión en dos películas, el guionista decidió reducirlo a 157 páginas, pero cuando ese guión se presupuestó aproximadamente en 60 millones de dólares, no le dieron luz verde a la deseada secuela. Fue en ese momento que Gale se planteó recuperar el guión de 230 páginas y hacer dos películas en lugar de una, las cuales se rodarían de forma conjunta. Inicialmente se presupuestó cada una entre los 35 y 40 millones de dólares (depende de las diferentes fuentes), unos costes mucho más manejables. Sid Sheinberg, presidente de la Universal, aprobó el proyecto de rodar ambas películas, la primera se estrenaría a finales de 1989, y la segunda estaría lista para el verano de 1990. Por delante les esperaban 11 meses de duro trabajo.
A diferencia de sus anteriores trabajos, donde Gale y Zemeckis escribieron los guiones a cuatro manos, en esta ocasión Gale escribió ambos libretos en solitario, ya que Zemeckis estaba por aquel entonces ocupado con ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988). La mayor aportación de Zemeckis al guión fue la idea del cuarto acto en el lejano Oeste. La cual estaba en el aire desde el rodaje de la primera parte, cuando a Michael J. Fox le preguntaron a que época la gustaría viajar, en caso de tener una máquina del tiempo, y respondió que al Oeste.
Al final Gale se encontró con un guión para Regreso al futuro II de 165 páginas y uno de tan solo 40 ó 45 páginas para Regreso al futuro III (Back to the Future Part III, 1990), de modo que, tuvo que ampliar toda la parte de 1885. Se desarrolló mucho más la relación entre Doc y Clara, y se invirtieron los roles entre Marty y Doc. "Marty se convierte en el tipo que da buenos consejos y Doc es el que actúa con irresponsabilidad," explicaba Gale. Originalmente Marty llegaba por error al año 1888, en lugar del 1885, por no entender la letra de Doc, pero esto fue cambiado en el guión final. El guión de Regreso al futuro III se completó el 6 de julio de 1989.
Por su parte, Zemeckis estaba entusiasmado de realizar este peculiar western. "Regreso al futuro III era la película que yo quería hacer realmente," explicaba el director. "Era, básicamente, como la primera parte, un forastero en tierra extraña. Una película clásica americana a la antigua usanza." Esa idea de rodar en una época americana con tanto encanto era atractiva, pero el director tenía claro porque escogieron situar la historia en 1885. "Elegir 1885 fue algo natural porque era exactamente 100 años antes de 1985," admitía Zemeckis. "Retrocedimos en el pasado exactamente 100 años."

REPARTO
Como le había sucedido en la segunda parte, Michael J. Fox tuvo que interpretar varios papeles, además de Marty, dio vida a Seamus McFly, un antepasado del primero. Y como se trataba de un western, Fox tenía que montar a caballo en varias escenas, y por esa razón aprendió a hacerlo a marchas forzadas. A diferencia de las anteriores entregas de la saga, el actor estuvo libre de su trabajo en Enredos de familia (1982-89), y pudo dedicarse a tiempo completo a la película.
"Al planificar Regreso al futuro III, decidimos que habíamos hecho todo lo que pudimos con la familia de Marty," explicaba Gale. "Así que decidimos concentrarnos en Doc." De esa forma Emmett Brown cobró un mayor protagonismo, algo que le dio a Christopher Lloyd la oportunidad de lucirse más que en las anteriores entregas de la trilogía, e incluso tener un interés amoroso.
Y ese personaje fue el de Clara Clayton, el cual se escribió con Mary Steenburgen en mente. La actriz era toda una experta en viajes temporales, como demostraba su participación previa en Los pasajeros del tiempo (1979). Inicialmente Steenburgen no estaba muy segura de aceptar el papel, pero sus hijos le insistieron que lo hiciera, y una vez habló con los dos Bobs, fue trato hecho. Lloyd estaba encantado que fuera su partenaire, ya que ambos habían trabajado juntos en Camino del Sur (1978), otro western.
También Thomas F. Wilson tuvo que interpretar dos papeles, el de Biff y sobre todo el de su antepasado Buford "Perro Rabioso" Tannen. Para dar vida a un auténtico forajido, tuvo que aprender a montar a caballo y a tirar el lazo, además se entrenó con Arvo Ojala (un famoso asesor técnico en el manejo del revolver), entrenamiento que comenzó ya durante el rodaje de la segunda parte. Wilson realizó personalmente todas sus escenas a caballo.
Lea Thompson, quien interpretó a Lorraine, la madre de Marty en las dos primeras entregas, interpretaría en esta ocasión además a Maggie McFly, la bisabuela del protagonista. Para dar vida a una emigrante irlandesa de forma convincente, tuvo que tomar clases con un experto en acentos, al igual que Michael J. Fox.
Elisabeth Shue dio de nuevo vida a Jennifer, la novia de Marty.
El papel del alcalde Hubert se le ofreció, aunque cueste creerlo, a Ronald Reagan, ya que era fan de Regreso al futuro (y además sobre él recaía uno de los gags de la película). Zemeckis habló con Lew Wasserman, presidente de la Universal y antiguo agente de Reagan, para que se lo propusiera, pero el ex-actor y ya ex-presidente, rechazó el ofrecimiento. El papel fue a parar a Hugh Gillin.
Para los papeles de los viejos clientes del salón del Hill Valley de 1885, los responsables de la película contrataron a varios actores que eran caras habituales del western, como Harry Carey Jr. (Río Rojo), Dub Taylor (Grupo salvaje) y Pat Buttram (quien participó en multitud de películas de Gene Autry). Y el camarero fue interpretado por Matt Clark, otro clásico del western (El fuera de la leyPat Garrett y Billy el Niño).
Por su parte, James Tolkan repitió en la saga dando vida al Marshal James Strickland, tan estricto como su descendiente el Sr. Strickland.
Y la familia McFly al completo se reunió para una escena final en la que podemos ver además de Fox y Thompson, a Marc McClure (Dave McFly), Wendie Jo Sperber (Linda McFly) y Jeffrey Weissman (George McFly).

RODAJE
La fotografía principal de "Three" (título con el que se conoció la producción durante el rodaje), comenzó tres semanas después de la finalización del rodaje de Regreso al futuro II, justo el 29 de agosto de 1989, y terminó el 12 de enero de 1990. Y reinó un buen ambiente a lo largo del mismo.
Sólo una secuencia de Regreso al futuro III se rodó durante el rodaje de la segunda parte, aquella en la que Marty despierta a Jennifer en el porche de su casa. Una vez filmaron la escena en la que Marty y Doc la dejan allí inconsciente, correspondiente a Regreso al futuro II, el equipo esperó a que amaneciese, para rodar la escena perteneciente a la tercera parte.
El Hill Valley de 1885 se edificó en Sonora y Jamestown. Los propietarios de las tierras permitieron que construyeran el pueblo, a cambio de que una vez terminado el rodaje, lo dejaran allí, cosa que así hicieron los responsables de la película, pero cosas del destino, en 1996 cayó un relámpago en el lugar (como en el propio Hill Valley), que inició un incendio que lo destruyó todo. La primera escena que se rodó oficialmente dentro de la fotografía principal, fue aquella en la que se muestra la llegada de Marty al Hill Valley de 1885, con un movimiento de grúa.
En Monument Valley, se rodaron las escenas del cine al aire libre y la posterior huida de los indios hasta llegar a la cueva, y también el momento en que prueban a tirar el DeLorean de unos caballos. Para poder rodar en Monument Valley pidieron permiso a la tribu navajo local, y algunos de sus miembros participaron como extras, y aunque habían declarado ser buenos jinetes, una vez comenzaron a rodar sus escenas, se comprobó que muchos no lo eran. Las temperaturas en el lugar llegaron a ser bajo cero, algo que hizo las cosas difíciles a Fox y Lloyd, quienes iban con ropas de verano. El cine al aire libre desde el que Marty viaja a 1885, fue desmantelado una vez terminaron de rodar.
Mientras rodaban Regreso al futuro III, iban montando la segunda parte. Por eso, para Zemeckis el rodaje fue una experiencia agotadora. Cuando terminaba de rodar por el día en Sonora, tomaba un avión a Los Angeles, para durante la noche editar Regreso al futuro II, dormía un poco en el Sheraton Universal, y después se levantaba temprano (sobre las 4:30 ó 5:00 de la mañana) para coger de nuevo un avión de vuelta a Sonora. Algo que hizo durante tres semanas.
Esas tareas las compartió con Gale, mientras el director rodaba las escenas del tren, el primero estaba en Los Angeles supervisando la inserción del sonido en la segunda parte.
Tampoco fue un rodaje fácil para el resto del equipo, una pequeña epidemia de gripe se cebo con él, e hizo que muchos tuvieran que estar de baja. La muerte del padre de Michael J. Fox provocó que se suspendiese el rodaje durante una semana. Y mientras Lloyd y Steenburgen ensayaban su escena de baile, la actriz sufrió una caída que le produjo una rotura en un ligamiento del pie.
Fox fue quien experimentó la mayor y más peligrosa anécdota del rodaje, cuando accidentalmente se quedó inconsciente. Esto sucedió rodando la escena en la que Buford Tannen y sus hombres tratan de ahorcarle. El actor llevaba un arnés que le permitía estar colgado, pero cuando trató de darle más realismo a la escena agarrándose a la soga, sin querer se presionó con las manos la arteria del cuello, tan fuerte, que se cortó la circulación, perdiendo de esa forma el conocimiento. Por suerte el susto quedó en nada.
Cuando rodaron la escena de la fiesta del pueblo, el grupo ZZ Top, que había sido contratado para componer el tema principal de la película, visitó el set. Los dos Bobs les habían pedido al trío que se dieran un salto hasta el lugar, para así impregnarse del ambiente a la hora de componer la canción. Cuando Zemeckis los vio con sus largas barbas, se le encendió la bombilla y se dio cuenta que encajarían perfectamente en un western, por lo que les pidió que participaran en la película, como miembros de la banda que toca en la fiesta de Hill Valley, algo que el grupo aceptó sin rechistar. Al final los ZZ Top se pasaron dos días rodando, y amenizaron el tiempo entre tomas tocando para el equipo y reparto. De hecho, cuando tuvieron que rodar su escena, una cámara se averió, y mientras esperaban, el grupo se puso tocar para pasar el rato, la fiesta se fue animando y la gente comenzó a hacerles peticiones (incluido Michael J. Fox), después de dos horas alguien preguntó si la cámara ya estaba arreglada, y según contaba Billy Gibbons, líder de ZZ Top, Zemeckis respondió: "Ya lo estaba, pero pensé: ¡Deja que todos disfruten de una fiesta del viejo Oeste por un rato!"
Max Kleven, director de segunda unidad, se encargó de rodar las escenas más peligrosas del tren, y después llegó Zemeckis con los actores principales, para rodar los planos restantes. Para conseguir el efecto del DeLorean haciendo un caballito empujado por el tren, se consiguió filmando la escena al contrario, es decir, con el tren arrastrando el coche, y mediante un mecanismo se levantó su morro. Mediante efectos visuales se añadió posteriormente el humo del tren, para que fuera en la dirección correcta.
A diferencia de la segunda parte, Regreso al futuro III no estaba tan repleta de efectos visuales, principalmente se hizo uso de ellos para las escenas en las que Michael J. Fox comparte pantalla consigo mismo (mediante el uso del sistema de control de movimiento VistaGlide, también utilizado en Regreso al futuro II), y para la secuencia del tren (con el empleo de miniaturas). Los efectos visuales fueron obra de la ILM, con Ken Ralston y Scott Farrar como supervisores. Por su parte, Michael Lantieri, supervisor de efectos mecánicos, considera su trabajo en esta película uno de los cinco preferidos de su carrera.
Tras completar las escenas de Monument Valley, el rodaje llegó a su fin en el desierto, y se trasladó a los Universal Studios el 4 de diciembre, para rodar interiores. Las primeras escenas tuvieron lugar en el Plató 12, y correspondieron a la escena de la mina con la recuperación del DeLorean. En el mismo plató, se recreó la cueva en la que Marty esconde el coche y se da de bruces con un oso (quien por cierto no estaba por la labor de actuar y se echó a dormir, por lo que un doble con un disfraz de oso tuvo que completar la escena). Sin salir del Plató 12, allí se rodaron las escenas de la biblioteca a la que acuden Marty y Doc en 1955, y también las escenas de la cabaña de los McFly en 1885.
Fuera del estudio, pero sin salirse de California, rodaron en Oxnard la escena de la destrucción del DeLorean. Para conseguir que el coche quedará totalmente destrozado, fue necesario colocar explosivos en su interior, y en el momento en el que el tren impactó con él, Lantieri los hizo estallar. Esto tuvo que sincronizarse con la huida del especialista Charlie Croughwell (doble de Michael J. Fox), quien tuvo que salir del coche y ponerse a salvo antes de que le alcanzara el tren.
En Agoura (también en California) se rodó la escena en la que Marty se cae por una colina y choca contra la valla de Seamus. En la misma localidad, rodaron la escena del cementerio en el que los protagonistas encuentran la tumba de Doc en 1955, y también el momento en que éste vuela la entrada de la mina.
La última escena que se rodó de la película fue curiosamente la inicial, en la que Marty y Doc hablan en casa del segundo sobre la carta que le escribió en 1885. El decorado de la casa de Doc se construyó también en el Plató 12 de los Universal Studios.
Una vez filmaron esa escena, el rodaje llegó a su fin, el cual había sido un viaje de 11 largos meses. El DeLorean ya no viajaría más por el tiempo.
Para promocionar la película, se incluyó un pequeño trailer al final de Regreso al futuro II, de esa forma, el público supo que la tercera aventura estaba por llegar. Según contaba Gale, la idea de incluir el trailer vino de Los tres mosqueteros: Los diamantes de la reina (1973), que al finalizar la película tenía un avance de la siguiente entrega, que se había rodado de forma conjunta con aquella, Los cuatro mosqueteros: La venganza de Milady (1974).
Los ZZ Top compusieron dos canciones para la película, siendo "Doubleback" la escogida para acompañar los créditos finales, la cual estuvo a punto de titularse "Doubleback Again".
Regreso al futuro III se estrenó en Estados Unidos el 25 de mayo de 1990 y fue un éxito, aunque uno menor que el de las anteriores película de la saga. Según admitía su productor ejecutivo, Steven Spielberg, "el único error que cometimos fue estrenar la tercera película demasiado pronto, con la segunda coleando todavía. Estoy seguro de que hubiera hecho mucho más dinero de haber esperado ocho meses más para estrenarla." En su país de origen recaudó 87.727.583 de dólares (undécima película más taquillera de 1990) y la taquilla final a nivel mundial fue de 244.527.583 de dólares (sexta película más taquillera del año). El 21 de octubre de 2015, día oficial de Regreso al futuro, volvería a salas de cine junto con las dos primeras entregas, y juntas recaudarían a nivel mundial 4.850.000 de dólares.Aunque se habló en muchas ocasiones de una posible cuarta parte, sus responsables tenían claro que eso no era una posibilidad. "Nunca debería haber un Regreso al futuro IV," declaraba Zemeckis. "Tres es un número dramático, porque se trata de una estructura en tres actos. El cuatro es plano. El cuatro es aburrido."

ESCENAS ELIMINADAS
En las ediciones de DVD y Blu-Ray se incluye una única escena eliminada.
En su regreso al pueblo para el duelo con Marty, Tannen y su banda se topan con el sheriff Strickland y su hijo, quien les hace frente. Cuando parece que todo va a terminar bien, Perro Rabioso dispara al sheriff por la espalda, y lo mata. Según Gale la escena, "le confería un tono muy oscuro a la película." Razón por la que terminaron descartándola.

Se sabe que se rodó una escena que no está incluida en ninguna de las ediciones de la película. En ella, tras el duelo entre Marty y Buford, un niño le preguntaba al protagonista, como se le había ocurrido utilizar la puerta de la estufa a modo de chaleco antibalas, a lo que Marty le respondía, que lo había visto en una película de Clint Eastwood. El niño le preguntaba que era una película y Marty le respondía que ya lo averiguaría. Un hombre llamaba al niño D.W. y otro mencionaba que era el pequeño de los Griffith. De lo que se deducía, que aquel joven era el futuro director D.W. Griffith (El nacimiento de una nación).

VALORACIÓN
Regreso al futuro III es el colofón de una de las mejores trilogías que ha dado el cine. Siempre ha sido considerada el punto débil de la saga, pero sólo porque las dos anteriores entregas rozan la perfección, y esta tercera lo tenía difícil para repetir tal hazaña. Pero esa la mayor pega que se le puede poner, ya que estamos ante una película de aventuras de lo más disfrutable.
Porque no podemos negar que Regreso al futuro III es un entretenimiento de primera, tan divertida como las demás entregas, pero con un cambio de ambiente que le sienta de maravilla. La idea de situar la historia en pleno apogeo del Oeste americano, es lo mejor de la película. Estamos ante un western de ciencia ficción y eso no lo vemos todos los días. Después de viajar al futuro de los futuros en la segunda parte, nos tocaba viajar al pasado, más allá de 1955, ¿y que mejor que hacerlo al lejano Oeste? Además no nos salimos de las coordenadas de Hill Valley, y descubrimos como se originó la ciudad.
Donde no resulta tan original la película es en su desarrollo, ya que en el fondo estamos viendo la misma historia que en la primera entrega, con Marty perdido en una época que le es extraña, con la máquina del tiempo averiada, con un Tannen complicándole la vida, otra vez una foto que marca lo que sucederá en el futuro, y hay un lío amoroso de por medio, en este caso el de Doc y Clara. Simplemente se produce un intercambio de roles entre Marty y Doc, el primero es el sensato y el segundo es el que necesita recibir consejos. El ver a Doc enamorado por chocante, resulta divertido, es de esas pocas veces en las que un romance no ralentiza la película, aunque los mejores momentos siguen siendo los relacionados con Marty.
La película no pierde el tiempo, y hace imposible que caigamos en el aburrimiento. Cuando Marty y Doc se reencuentran en 1885, ya ha pasado media hora de película, y parece que haya sido un suspiro, y es que Regreso al futuro III es un no parar. Y eso que aún nos aguarda el gran tercer acto del tren, donde Zemeckis da el do de pecho y cierra la trilogía por todo lo alto.
Resulta interesante en la saga, que los mismos acontecimientos se repitan una y otra vez en la época que sea, como si los dos Bobs trataran de decirnos que hay cosas que siempre son iguales sin importar el tiempo que pase. Ahí está el momento de Marty llegando al café (en este caso un salón), y su huida posterior perseguido por un un Tannen y su banda, Marty quedándose inconsciente y despertando ante Lea Thompson, o el momento en que el Tannen de turno acaba cubierto de estiércol. Aún así, el tema principal de la saga es que aunque parezca que hay cosas que están destinas a ocurrir, tú decides lo que quieres hacer con tu vida.
La trilogía siempre ha sido el ejemplo de un gran uso del planting, es decir, colocar una serie de elementos los cuales serán parte importante de la trama más adelante. Como por ejemplo, que en la segunda parte se incluya una escena de Por un puñado de dólares (1964), en la que Eastwood utiliza un arcaico chaleco antibalas, algo que Marty pondrá en práctica en 1885. El mostrar a Marty jugando a un videojuego de vaqueros en 2015, que nos demuestra que puede ser un buen pistolero, algo que se confirma en la fiesta de 1885. O que Doc diga en la segunda parte que le gustaría investigar el otro gran misterio del universo, las mujeres, y en la tercera entrega sea justo lo que le sucede.
Pero lo que sí es digno de aplaudir es que los dos Bobs decidieran destruir el DeLorean, porque además de ser un momento de lo más espectacular, transmite una sensación de auténtico final, que de otra forma no habría tenido la película.
Lo que nunca me ha gustado tanto, y que me saca un poco de la película, es el epílogo final con la aparición de Doc en su locomotora, y el momento de ésta volando, es simplemente una coda, un gag con el que terminar la saga, pero si mientras el de la primera parte era sorprendente, aquí queda un poco fuera de lugar. Aún así agradezco ese último encuentro entre los dos amigos y la promesa de más aventuras (que por suerte nunca llegaron).
Otra cosa que no funciona del todo bien es que Michael J. Fox interprete el papel de Seamus, era algo que debería haber hecho Crispin Glover (lo que hubiera beneficiado a la película, y además le habría dado la oportunidad al actor de hacer un rol diferente del interpretado en la primera parte). Pero tras los consabidos problemas que tuvieron con Glover, es la mejor forma que tenían de resolverlo. Tampoco tiene sentido que Lea Thompson interprete a Maggie McFly, sólo está ahí para la escena en la que Marty, una vez más, se despierta al lado de ella, tras quedarse inconsciente. Aún así resulta divertido ver a los actores interpretando a tantos personajes distintos, algo que se convirtió en una marca distintiva de la saga.
Lo de Zemeckis y Gale fue digno de casi ver el futuro, ya que se adelantaron al resurgir del western que experimentaría el cine americano a principios de los 90. Inmediatamente después del estreno de su película, irrumpirían títulos como Bailando con lobos (1990), Sin perdón (1992) o Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp (1993).
Zemeckis se lo pasa en grande rodando su peculiar western y se nota, es tan hábil con la cámara como siempre, y narra la historia que da gusto. La película se regocija en el espíritu del western, ya que no faltan los duelos, los asaltos a locomotoras, los salones, los indios, o el séptimo de caballería. Y no faltan los guiños a los clásicos del género, como ese movimiento de grúa de Marty llegando a Hill Valley, que es un homenaje a Hasta que llegó su hora (1968). Lo que hace si cabe más atractiva a la película, es ver el choque cultural que se produce con la era moderna, desde el introducir un coche futurista en el siglo XIX, o lo divertido que resulta ver a Marty haciendo un moonwalk, viéndolo lanzar un frisbee o diciéndole a Buford para su asombro, "¡Vamos, no juegues a Rambo!" ("Hey, lighten up, jerk!" en la versión original).
En esta tercera entrega se completa el arco de Marty, todo su viaje por el tiempo le ha servido para madurar, ya no le importa que le llamen gallina, ha ido hacia delante para ser una persona mejor. Lloyd por su parte recibe más protagonismo y demuestra que puede ser todo un galán, y nos enseñan una cara diferente de Doc. Y destaca Thomas F. Wilson en una interpretación diferente a las que le habíamos visto en las anteriores entregas, demostrando su gran versatilidad.
Y Alan Silvestri vuelve a darlo todo con su banda sonora, y como gran nueva aportación, me quedo con la versión instrumental creada por el compositor de "Doubleback", que no podría ser más pegadiza.
Regreso al futuro III es un gran cierre para la saga. Un último rodeo para despedir por la puerta grande a algunos de nuestros personajes favoritos. Aunque no llegue al nivel de las dos primeras entregas, es un disfrute acompañar a Marty McFly al lejano Oeste a los mandos del DeLorean. Hay pocos westerns tan originales, y pocas películas de ciencia ficción tan entretenidas como Regreso al futuro III. Sólo por eso ya merece la pena el viaje.

CURIOSIDADES
Dean Cundey, director de fotografía de la película, tiene un cameo como el fotógrafo en la fiesta de Hill Valley.
Aunque siempre se dice que Christopher Lloyd dio su primer beso en pantalla en esta película, realmente tuvo una escena de beso en El juego de la sospecha (1985) con Lesley Ann Warren.
Primera película en utilizar el logotipo de la Universal por su 75º aniversario.
Originalmente estaba escrito que Doc se emborrachase en el salón del pueblo, pero después Zemeckis consideró que encajaba mejor con el personaje, que se mantuviera sobrio.
Ganó el premio Saturn a mejor actor secundario (Thomas F. Wilson) y mejor música (Alan Silvestri). Siendo además nominada en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor director (Robert Zemeckis), mejor actriz secundaria (Mary Steenburgen) y mejor vestuario (Joanna Johnston).
Además fue nominada a los premios Hugo a la mejor presentación dramática (Robert Zemeckis y Bob Gale).
La escena de Tannen y sus hombres en el campamento, antes de ir al pueblo, la rodó el director de segunda unidad, Max Kleven.
La máquina creada por Doc que prepara el desayuno en 1885, fue diseñada por el futuro director Simon Wells (La máquina del tiempo, El príncipe de Egipto), bisnieto de H.G. Wells, autor de "La máquina del tiempo". Wells también diseño la mirilla telescópica del rifle de Doc, y fue uno de los co-diseñadores del tren de Doc para la escena final.
La banda de Needles está compuesta por miembros de las diferentes bandas de la familia Tannen, de cada una de las tres películas. Vemos a J.J. Cohen (que fue Skinhead de la pandilla de Biff en Regreso al futuro y Regreso al futuro II), Ricky Dean Logan (Data de la cuadrilla de Griff en Regreso al futuro II) y Christopher Wynne (miembro de la banda de Buford en Regreso al futuro III).
El refrigerador que Doc construye en 1885, era realmente operado por varios técnicos, que lo hacían funcionar desde su interior.
Christopher Lloyd hizo un cameo como Doc Brown en la comedia situada en el Oeste, Mil maneras de morder el polvo (2014).
Como Marty se hace llamar en 1885 Clint Eastwood, los responsables de la película le pidieron permiso al actor para usar su nombre, algo que hizo de buen agrado.
La película se estrenó el 25 de mayo de 1990, el día del 39 cumpleaños de Bob Gale.
La escena correspondiente a la primera parte, con Marty regresando a su tiempo tras la caída del rayo en el Hill Valley de 1955, puede verse en las todas las películas de la trilogía.
Michael J. Fox, Christopher Lloyd, Lea Thompson, Thomas F. Wilson, James Tolkan, J.J. Cohen y Marc McClure (quien apareció en una escena eliminada de Regreso al futuro II), son los únicos actores que han participado en las tres entregas de la trilogía.
Antes de partir a 1885 desde el autocine, Marty menciona a Clint Eastwood, y Doc no sabe de quien le está hablando. Se puede ver en el cine los posters de La venganza del hombre monstruo (1955) y Tarántula (1955), en las que un desconocido Eastwood tuvo alguno de sus primeros papeles.
Doc dice que el apellido de sus antepasados alemanes es von Braun, el cual es una referencia al ingeniero alemán Wernher von Braun, que en 1955 se nacionalizó estadounidense para entrar a formar parte de la NASA, donde ayudó al programa espacial norteamericano.
Cuando Marty regresa a 1985 y atraviesa el puente en el DeLorean, puede verse un cartel que indica "Barranco Eastwood", lo que quiere decir, que todos creyeron que Marty murió en el accidente de tren.
Bob Gale tiene en su propiedad dos trozos del DeLorean destruido, una lámpara hecha con el Mr. Fusion (por el supervisor de efectos especiales Michael Lantieri), y la pantalla del circuito de tiempo.
En la primera parte, Doc le cuenta a Marty que la idea del condensador de fluzo, le vino cuando se golpeó la cabeza mientras trataba de colorar un reloj sobre su inodoro. Al comienzo de la película, cuando Doc se esconde en el baño tras asustarse al ver a Marty, se puede ver el reloj sobre el inodoro.
En la carreta que lleva el estiércol pone "A. Jones", y en Regreso al futuro (1985) el nombre de la empresa del camión del estiércol lleva escrito "D. Jones".
El pañuelo que porta Doc está hecho con la camisa que llevaba en Regreso al futuro II (1989).
Cuando rodaron la escena en la que Seamus McFly aparece con la cena en la cabaña, a modo de broma, Michael J. Fox lo hizo agarrando un muñeco de Roger Rabbit gigante.
En el cameo de ZZ Top, se puede ver como hacen su famoso giro de guitarra.
El estiércol estaba hecho de gránulos de pienso para caballo.
Un cartel de un vendedor de caballos en 1885, indica que se llama Joe Statler. En el 1985 de Regreso al futuro, hay un concesionario "Statler Toyota", y en 1955 un "Statler Motors Studebaker".
Cuando Marty y Doc están viendo el mapa en la estación, podemos ver al fondo el reloj de la torre que marca las 10:04, que será justo la hora a la que se parará cuando le caiga el rayo en 1955. También podemos ver a Clara detrás de ellos.
En la versión original, cuando Doc hace sonar el silbato del tren grita: "I've wanted to do that all my life!" ("¡He querido hacer esto toda mi vida!"). En Polar Express (2004), también dirigida por Robert Zemeckis, el protagonista suelta un muy similar: "I've wanted to do that my whole life!", cuando hace sonar el silbato del tren.
Matt Clark, que interpreta al barman del salón, le sirve una copa a Marty, cuando éste se hace llamar Clint Eastwood. Clark también interpretó a un barman en El fuera de la ley (1976), y le sirvió una copa al auténtico Clint Eastwood.
La decisión de incluir a Clara en el póster de Drew Struzan, se tomó en el último minuto.
Al final de la película Buford Tannen es arrestado por un diputado del Marshal Strickland, y no por el propio Strickland. Como explicaba en el apartado de escenas eliminadas, Tannen asesinaba a Strickland, pero como esa escena se cortó, el cargo por el que es detenido el villano se cambió por el del robo a la diligencia de Pine City.
Y por último recordar el extraño momento en el que Verne, el hijo de Doc y Clara, hace unos "peculiares" gestos en segundo plano.

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Thursday, May 20, 2021

Coming Soon

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Wednesday, May 12, 2021

15º aniversario

Este mes "Películas de culto" cumple 15 años, y ese el tiempo que ha tardado en tener una cabecera, nunca es tarde...
Me gusta imaginarme "Películas de culto" como una revista mensual, con algo nuevo que ofrecer en cada entrega, así han sido estos 15 años, en los que el blog nunca ha faltado a su cita, publicando mínimo un post cada mes. Y espero poder hacerlo durante mucho más tiempo.
Y todos estos años han servido para conocer a mucha gente de la blogosfera, ya sea porque leía sus blogs o porque se pasaban por el mío. Algunos lo seguís haciendo después de muchos años (algo que me parece increíble), a otros os he perdido la pista (pero guardo buenos recuerdos), y con alguno sigo en contacto a través de Twitter (lo que no está nada mal). Creo que es la ocasión propicia, para agradeceros a todos el tiempo que habéis dedicado a este blog, ya sea leyéndolo, enlazándolo desde vuestros blogs o webs, o dejando un comentario, sólo así este blog ha podido llegar a su 15º aniversario.
De modo que, muchas gracias Ramón, Marco, Douglas, Fernando Siles, Francisco Javier, David Ribet, León, Edu Wallace, Octopusmagnificens, Mamen, Doctora, Giacomo, Tarquin Winot, Agustín Lara, murinus2009, Daniel Romero, Doc Gonzo, Bad Boy, ricard, Lucas, Dani, Rodentcrist, Charly Hell, Azid Phreak, Josef Méndez, Cinemagnific, Santy, Luis, Germán Fernández, Einer, Rogue Leader, Trepamuros, El Demiurgo de Hurlingham, Miguel Calero, JLO, Darkerr, General Gato, Diegueeee, M.A., Cruella Van Doom, Gaby FonsecaPaco FoxEl Tipo de la Brocha, Gelen, Peter Parker, Kharn, Hernán, Alejandro the Kitsune san, Tarambana, Nippurdelagash, Insanus, CapitanTomate, Nanu, Uruloki, Crowley, Daniel, nonasushi, David González, marguis, Guardian, Igor Von Slaughterstein, Enlil, TORK, dante cantabria, Entrambosmares, BUDOKAN, Nicolás, natalia_paperblog, marioangel70, Rodrigo Moral, Dr Jones, Milgrom, Dani Lebowski, Sam_Loomis, Maese Threepwood, Estrellita Mutante, Pau, Cinéfilo7, miguelangel, Álvaro, Cesare, cinexin8, Damián de Haedo, Jefe Dreyfus, Il Venturetto, Vicente Pela, FERNANDO SANCHEZ POSTIGO, Jorge - cinenovedades, Sesión discontinua, Alfredo, Miguel Crespo, Daniel, Hechizos de Amor, Carlos Giacomelli, Francisco, Ivan, posesodegerasa, Rubén Anta, Xixa, y Churi, por formar parte del este pequeño blog.
"Películas de culto" continuará.

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Tuesday, April 13, 2021

Reservoir Dogs

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tras un atraco fallido, que acaba en una masacre, un grupo de atracadores se reúnen en un almacén, con la sospecha de que uno de ellos es un policía encubierto.

ATRACO IMPERFECTO
Para descubrir los orígenes de Reservoir Dogs (Reservoir Dogs, 1992), hay que retroceder a los tiempos del videoclub de su director, Quentin Tarantino, cuando trabajaba en el "Video Archives" de Manhattan Beach. Allí conoció a su compañero y amigo Roger Avary, y juntos comenzaron a trabajar en el guión de una película en 1990, la cual estaría dividida en tres partes. Avary escribió Pandemonium Reigns (historia que terminaría formando parte de Pulp Fiction), Tarantino hizo lo propio con una versión primigenia de Reservoir Dogs, y un tercer director (que nunca existió) se encargaría de la tercera parte. Lo que tampoco existió fue esa película, y al final Tarantino alargó su guión hasta convertirlo en un largometraje.
"Me encantan las películas de atracos," admitía Tarantino. "Así que decidí escribir una. Tenía la idea de una película que no tiene lugar durante el atraco, si no en la reunión posterior. Cuando trabajaba en el videoclub, teníamos un estante que era como un festival de cine giratorio y cada semana lo cambiaba. La semana David Carradine, o Nicholas Ray, o películas de espadachines. Y en una ocasión tuve películas de atracos, como RififiTopkapi y El caso Thomas Crown. Empecé a llevármelas a casa y fue en el contexto de ver una película de atraco cada noche, cuando empecé a pensar que era buen género para darle una vuelta." Así fue dando forma a un guión que renovaría la normas del género. Usando una libreta y un juego de rotuladores fue orquestando durante tres semanas el libreto. Por su parte, Avary se encargó de escribir con Tarantino las frases del programa de radio "K. Billy y sus supersonidos de los 70". El director le dedicó el guión a Timothy Carey, Roger Corman, André De Toth, Chow Yun Fat, Jean-Luc Godard, Jean-Pierre Melville, Lawrence Tierney y Lionel White.
Para producirla, Tarantino se asoció con Lawrence Bender, quien se convertiría en el productor de muchas de sus películas.
El director estuvo muy justo de dinero durante toda la pre-producción de Reservoir Dogs, pero pudo mantenerse a flote, gracias al dinero que recibió por actuar en la serie Las chicas de oro (1985-92), donde interpretó a un imitador de Elvis, en un episodio doble (aunque Tarantino sólo trabajó en la primera parte). "Así que me pagaron los derechos residuales por ambas partes," explicaba Tarantino. "Y fue tan popular que lo pusieron en lo mejor de Las chicas de oro y obtuve residuales cada vez que lo emitían. Así que me pagaron tal vez, 650 dólares por ese episodio, pero cuando los residuales terminaron tres años después, gané sobre 3.000 dólares."
El guión de Reservoir Dogs (lleno de faltas de ortografía) llegó hasta el director Monte Hellman (Carretera asfaltada en dos direcciones), a través de una amiga suya, que conocía al compañero de cuarto de Bender. Hellman se entusiasmó tanto con el guión, que quiso dirigirlo, y se reunió con Tarantino. Pero el director de Jackie Brown le dijo a Hellman que su idea era dirigir personalmente la película, y se disculpó por hacerle perder el tiempo, pero la reunión fue tan bien, que Tarantino terminó pidiéndole ayuda para llevar a cabo la película. Tarantino, Bender y Hellman llegaron a un acuerdo para ser socios a partes iguales.
Se reunieron con diferentes estudios, y ninguno quiso hacerse cargo del proyecto, el principal problema era que no querían dejar la película en manos de un director primerizo. En caso de no conseguir quien la financiase, Tarantino tenía pensado hacerlo él mismo, ya le había vendido el guión de Amor a quemarropa (1993) a Tony Scott por 50.000 dólares, y además había conseguido 25.000 dólares por reescribir de forma no acreditada la película Sombras del pasado (1991). Así juntó 30.000 dólares, y su idea era rodar la película con una cámara de 16 mm, y con la ayuda de unos amigos (en esa versión alternativa de Reservoir Dogs, Bender interpretaría a Eddie el amable).
Pero no fue necesario llegar a esos extremos, ya que todo cambió cuando Hellman le envió el guión a Richard Gladstein de Live Entertainment, una compañía especializada en directos a vídeo. "Empecé a leerlo y no paré hasta llegar al final," recordaba Gladstein. "Quedé totalmente anonadado." Gladstein, que también conocería en años posteriores una exitosa carrera como productor (El caso BourneLas normas de la casa de la sidra), aceptó producirla a cambio de una condición; que Hellman apoyase a Tarantino, y garantizase que terminaría la película dentro del calendario previsto. Además Gladstein les propuso una lista de 10 actores, y si conseguían a uno solo de la lista, les daría 1,3 millones de dólares, pero si conseguían a dos, aumentaría el presupuesto hasta los 2 millones. En esa lista estaba el nombre de Harvey Keitel, que sería crucial para el devenir del proyecto.
Bender tenía un profesor de interpretación, cuya mujer era amiga del Keitel del Actors Studio. Ella le entregó el guión y la respuesta del actor fue inmediata, le encantó y estaba interesado incluso en co-producir la película. "Después de leer el guión me sentí profundamente conmovido por su contenido," explicaba Keitel. "Es un brillante trabajo sobre la traición, la confianza, y la lealtad que me pareció importante hacer." Gladstein cumplió su palabra y financió la película, poniendo los 1,3 millones para su presupuesto.
Pocos días después de firmar, el Sundance Film Institute se puso en contacto con Tarantino, el guión de Reservoir Dogs que había enviado meses antes, llamó la atención del instituto, e invitaron al director a participar en sus conocidos talleres. Steve Buscemi, quien ya formaba parte del reparto en aquel momento, viajó con Tarantino a Utah, en junio de 1991. Durante dos semanas, el director pudo poner a prueba su guión ensayando con actores y rodando diferentes escenas. Pero la experiencia no comenzó siendo muy positiva, ya que el primer grupo de profesionales que coordinaban el taller, no estaba de acuerdo con la forma de rodar de Tarantino. Por ejemplo, el director de fotografía Stephen Goldblatt (Atmósfera ceroEl secreto de la pirámide) le recriminó a Tarantino que rodase las escenas con tomas largas. Por suerte, en el segundo grupo participó Terry Gilliam, y todo dio un giro de 180º, ya que el ex Monty Phyton apoyó al joven director, y le dio buenos consejos. Tal vez el mejor, como recordaba Tarantino fue, "Él me dijo: 'Quentin, no debes conjurar tu visión. Lo que tienes que hacer es saber cuál es tu visión, y después contratar a personas realmente talentosas. Y es su trabajo crear tu visión'." Tan contento quedó Tarantino con él, que incluyó a Gilliam en los agradecimientos de la película.

REPARTO
Keitel se encargó de interpretar al personaje del Sr. Blanco. Y el resto de actores que dieron vida a los demás colores, formaron un reparto de lo más ecléctico.
Inicialmente Tarantino escribió el papel de Sr. Rosa para interpretarlo él mismo, pero hizo igualmente pruebas con otros actores. Al final las opciones para dar vida al personaje fueron Steve Buscemi y Tom Sizemore, tras ser rechazado por Vincent Gallo. Buscemi hizo dos pruebas, que según confesaba el actor, no fueron demasiado bien, pero Tarantino lo vio en un vídeo de una prueba para Ella siempre dice sí (1991), que le mostró su directora de casting Ronnie Yeskel, le gustó su pinta de criminal y lo contrató para su película. Tarantino por su parte, se quedó con el papel de Sr. Marrón.
Christopher Walken también estaba en la lista de Gladstein, y Keitel habló con él para tratar que diera vida al Sr. Rubio, pero el protagonista de El cazador no aceptó participar en la película. A Tarantino le había gustado mucho un desconocido George Clooney en Surf Connection (1989), y le pidió a Yeskel, también responsable del casting de ese film, que lo llamase para las pruebas, pero hizo una audición tan mala del Sr. Rubio, que quedó excluido. El papel terminaría recayendo en Michael Madsen, que había trabajado a las órdenes de Hellman en La iguana (1988).
Samuel L. Jackson se presentó a una audición para el papel del Sr. Naranja, pero no lo consiguió, aunque causó una buena impresión en Tarantino, quien escribió para él un papel en Pulp Fiction (1994), y digamos que el resto es historia. Tim Roth leyó el guión y quiso participar en la película. "Recibes un montón de guiones y ésta fue la primera cosa refrescante que leí que tenía auténtica energía y algo nuevo," recordaba Roth. "Mi agente me dejó una nota en la portada que decía: 'Mira a Naranja.' Ni siquiera sabía lo que eso significaba." Roth no quiso hacer una prueba, ya que consideraba que no se le daban bien y le dijo a Tarantino que su mejor carta de presentación eran sus anteriores trabajos (venía de varias reputadas películas como Van Gogh o Rosencrantz y Guildenstern han muerto). Ambos se fueron a tomar unas copas y se cogieron una buena borracheara, y a altas horas de la mañana, Tarantino le dio el papel del Sr. Naranja. Lo irónico es que cuando finalmente lo vio en Van Gogh (1990), pensó que Roth estaba horrible en esa película.
Tarantino le ofreció a Chris Penn, hermano de Sean, el papel de Eddie el amable. El actor no estaba atravesando el mejor momento de su carrera, y no se lo pensó dos veces para formar parte de la película. "Estaba en la mierda, necesitaba Reservoir Dogs," admitía el actor. "Esto es lo que necesitaba. Lo descubrí leyendo el guión." El actor perdió peso para dar vida al criminal.
Robert Forster hizo una prueba para el papel de Joe Cabot, el jefe de la banda, y según el actor, hizo una gran audición, pero el papel ya estaba asignado a Lawrence Tierney, a quien Tarantino le había dedicado el guión cuando lo escribió (el director prometió que no se olvidaría de Forster y años después cumplió su promesa, dándole un papel en Jackie Brown). Timothy Carey también hizo una prueba para el papel (y al igual que sucedía con Tierney, el guión estaba dedicado a él). Tarantino era un fan de Tierney, quien había trabajado en películas como Dillinger, el enemigo público nº 1 (1945) y Nacido para matar (1947). Antes de contratarle, Tarantino se encontró con Norman Mailer, quien le había dirigido en Los hombres duros no bailan (1987), y le preguntó por el actor, Mailer le advirtió que tendría problemas con él, pero no preparó a Tarantino para lo que se le venía encima.
El director buscaba a alguien para interpretar al Sr. Azul, y Chris Penn le recomendó al novelista y actor Edward Bunker, a quien conocía desde hacía tiempo, casualmente el director era fan de Bunker, y de esa forma entró en la película.
Kirk Baltz se convirtió en el sufrido policía, que cae en las garras de la banda de criminales.
Ving Rhames hizo una prueba para el papel del policía Holdaway, pero sería Randy Brooks quien lo interpretase.
Entre otros actores que hicieron pruebas y no fueron escogidos estaban David Duchovny (según contaba el actor, Tarantino le dijo: "Me gusta lo que haces, pero no sé si quiero que lo hagas en mi película"), Viggo Mortensen, Seymour Cassel y Jon Cryer (a quien llamaron para que hiciera una prueba para el Sr. Rosa en Nueva York, pero el actor se las apañó para no acudir, ya que tras leer el guión en un vuelo el día anterior, le pareció muy complicado, además no tuvo tiempo para leerlo en su totalidad, y consideró que no iría preparado a la audición).
Otro caso distinto es el de James Woods, Tarantino quería que participase en la película (nunca se ha confirmado en que el papel), y le hizo varias ofertas a su agente, quien nunca se lo llegó a comunicar al actor, y cuando años más tarde Tarantino y él se conocieron, Woods se enteró de toda la historia, y según dice la leyenda, despidió a su agente (aunque esto nunca ha sido realmente confirmado).
Dado el bajo presupuesto de la película, todos los actores trabajaron por el salario mínimo más un diez por ciento para sus agentes (aproximadamente unos 1.800 dólares a la semana). Sólo Keitel cobró un poco más (aún así, un reducido sueldo total de 70.000 dólares), pero su aportación fue crucial para la realización de la película. Tarantino también se apretó el cinturón y sólo cobró 25.000 dólares por su trabajo.

RODAJE
La fotografía principal fue exprés, ya que la película se rodó en tan sólo en 35 días, más exactamente, desde el 29 de julio de 1991, al 31 de agosto del mismo año. El plan de trabajo fue de 5 semanas, rodando 6 días a la semana, y en jornadas de 12 a 13 horas al día.
La película se rodó en diferentes localizaciones de Los Angeles, aunque el epicentro de la misma ocurre en un viejo almacén, que había sido una funeraria. En un ejemplo de buena localización y ahorro de costes, el apartamento del Sr. Naranja estaba situado en la segunda planta del mismo edificio.
Hellman le recomendó a Tarantino, el director de fotografía Andrzej Sekula, que sería contratado, y Reservoir Dogs se convirtió en su primer trabajo para cine.
El presupuesto era tan bajo que los actores tenían que utilizar su propia ropa. Incluso el cadillac amarillo que conduce el Sr. Rubio, era el auténtico coche de Michael Madsen.
Hablando del cadillac, Kirk Baltz le pidió a Madsen que le encerrara en su maletero, para así saber lo que sentiría su personaje, que viaja metido en uno. Madsen accedió y se dio una vuelta por el barrio con Baltz encerrado en el maletero, y al hacerlo se dio cuenta que eso también le ayudaba a meterse en su sádico personaje.
En la secuencia más recordada de la película, la del corte de la oreja, hubo lugar para la improvisación. Fue idea de Madsen, que el Sr. Rubio le hablase a la oreja amputada, y el actor no hizo el famoso baile, hasta el mismo momento de rodar la escena. Y Baltz improvisó la frase: "No lo hagas. Por favor, tengo un niño pequeño", ya que Tarantino le dijo que tratara que Madsen se detuviera por un momento, así que Baltz sabiendo que Madsen acababa de ser padre, soltó esa frase y consiguió el efecto deseado. Ese momento quedó en el montaje final.
Baltz no sufrió daño alguno rodando la escena de la tortura, pero no le sucedió lo mismo cuando rodó la escena previa, en la que el Sr. Blanco y el Sr. Rosa le dan una paliza, ya que en el calor de la escena, Buscemi le dio un auténtico puñetazo en la mejilla. "Me golpeó de lleno," recordaba Baltz. "Inmediatamente se disculpó y no pudo haber sido más amable. En realidad, mi adrenalina era tal, que incluso no llegué a sentirlo."
Tim Roth no lo pasó mucho mejor que Baltz, ya que permaneció dos semanas sobre un charco de sangre. Un paramédico estaba presente, para asegurar que la cantidad de sangre que perdía el Sr. Naranja fuera constante y realista, para alguien que hubiera recibido un disparo. Y si estar sobre un charco de sangre falsa no fuera lo suficiente desagradable, ésta se volvía muy pegajosa cuando se secaba, y sumado con el calor que había dentro del almacén, provocaba que el actor se quedaba pegado al suelo, y literalmente tenían que despegarlo al terminar de rodar. En una ocasión, él y Madsen se dieron un abrazo mientras estaban cubiertos de sangre, y después no consiguieron despegarse uno del otro.
El único actor que dio problemas durante el rodaje, fue el más veterano de todos, Lawrence Tierney. En la primera semana de filmación, trajo de cabeza a todo el mundo. "Está loco. No debería estar caminando por las calles," afirmaba el director.
"Una noche después de rodar, Larry se fue a casa," contaba Tarantino. "Se emborrachó y descargó un Magnum calibre 357 en su apartamento, que estaba al lado de otro donde una familia estaba durmiendo, así que lo metieron en la cárcel. Fue sacado bajo fianza y llevado directamente al set." El actor ya había sido arrestado varias veces en el pasado.
El último día de la primera semana de rodaje, Tarantino y él tuvieron una discusión a gritos, cuando el actor no quiso seguir los consejos de Tarantino para ensayar una escena, ya que tenía problemas para recordar sus frases, y culpaba al resto de actores de ello. Todo acabó en una pelea a puñetazos entre ambos. Y Tarantino terminó despidiendo al actor, algo que fue recibido por aplausos por los demás miembros del equipo.
Para tratar de tranquilizarlo, Madsen se llevó a Tierney a tomar unas copas, el veterano actor se ausentó para ir al baño, pero no volvió, Madsen salió del local y se lo encontró en medio de Hollywood Boulevard con los pantalones bajados, y haciéndole la peineta a los coches que pasaban.
Uno de lo momentos más comentados de la película, es aquel en el que un globo naranja pasa por la pantalla cuando Eddie va conduciendo su coche. Aunque se cree que simboliza que el Sr. Naranja es el policía infiltrado, realmente no fue algo premeditado. Lo que sucedió es que el globo se escapó de una fiesta infantil que se estaba celebrando cerca de donde estaban rodando, y cuando Jamie Beardsley, primera asistenta del director, vio que había entrado en el plano, le propuso a Tarantino dejarlo. La reacción de éste fue: "Sí. Mantenlo en el plano. Los fans del cine como yo analizarán esta escena durante años." Razón no le faltaba.
Los efectos de maquillaje fueron obra de KNB Effects Group, con Robert Kurtzman a la cabeza. Kurtzman llegó a un acuerdo con Tarantino, si éste le escribía un guión basado en una idea suya, a cambio le pagaría 1.500 dólares y realizaría gratis los maquillajes para Reservoir Dogs, algo que Tarantino aceptó. Esa película era Abierto hasta el amanecer (1996).
La canción “Stuck in the Middle With You” ya estaba incluida en el guión para utilizarse en la escena de la tortura, por esa razón, a sabiendas que Tarantino quería usarla, le salieron más caros los derechos que las del resto de temas que no estaban indicados en el guión. Aún así, el director reconocía que le salió barato hacerse con la canción de los Stealers Wheel.
Unos meses después de asistir a los talleres, Tarantino regresó a Sundance para presentar su película (más concretamente en enero de 1992), y causó sensación, lo cierto es que recibió tantos abucheos como aplausos. El tipo de película que es Reservoir Dogs no encajaba con las que solían proyectar en el festival (allí no había lugar para el cine de género). "Asistir a la proyección con esa gente fue espantoso," reconocía Gladstein. "Se oían gritos ahogados." En la primera proyección la gente se salió de la sala cuando vieron la escena de la amputación de la oreja. Vamos, que fue la película del año en el festival, y tenía todas las papeletas para arrasar en los premios, pero al igual que sucede en la película, ese fue un golpe fallido, ya que la película se volvió a casa sin ningún premio en su botín.
Pero no todo fue en vano, ya que durante el festival, Miramax se interesó en comprar la película para su distribución en salas de cine, pero inicialmente Harvey Weinstein tenía dudas, sobre todo por la escena de la oreja. Le sugirió al director eliminarla, pero Tarantino se negó a hacerlo. Tras muchos dimes y diretes, Weinstein decidió dejar la película como estaba, e inició así una larga relación profesional con el director.
Lo malo, es que Miramax no puso toda la carne en el asador cuando estrenó la película, y eso explica su corta carrera comercial. Reservoir Dogs llegó a las salas de cine de Estados Unidos el 23 de octubre de 1992, y sólo recaudó 2.832.029 de dólares. "Creo que podrían haberlo hecho mucho mejor," reconocía Bender. "Ojalá se hubieran esforzado más." Eso sí, la película fue un gran éxito en Inglaterra, y en poco tiempo ya era considerada un clásico.

ESCENAS ELIMINADAS
Existen varias escenas cortadas del montaje final, y que han sido incluidas en las ediciones de vídeo doméstico. Son las siguientes:
1. El Sr. Naranja busca la identidad del Sr. Blanco y descubre que su nombre el Lawrence Dimick. Se reúne con Holdaway y una mujer policía (interpretada por Nina Siemaszko), para hablar sobre el Sr. Blanco y su pasado criminal.

2. El Sr. Naranja y Holdaway repasan el plan de como actuará la policía el día del atraco, y el primero ve que toda la operación es muy arriesgada.

3. Eddie, el Sr. Blanco y el Sr. Rosa van hablando en un coche, después de haber dejado al Sr. Rubio con el policía. Eddie llamó a una enfermera para que ayudase al Sr. Naranja, y el Sr. Blanco cree que no es suficiente para salvarle la vida.

4. Dos tomas alternativas de la escena de la oreja cortada, más explicitas que la incluida en la película.

VALORACIÓN
En 1992, Tarantino dejó a todos con la boca abierta, cuando irrumpió en el panorama cinematográfico con esta película. Nadie estaba preparado para lo que Reservoir Dogs nos iba a deparar. Era la suma de varias influencias, pero al mismo tiempo, algo totalmente nuevo.
Reservoir Dogs comienza con la voz de Tarantino, lo cual es un detalle es muy apropiado, ya que es él quien metafóricamente nos narra la película.
Aquí están ya presentes todas sus señas de identidad; los grandes diálogos, la puesta en escena milimétrica, el uso exquisito de canciones, la violencia y el estilo narrativo desestructurado.
Sorprende su seguridad tras la cámara, sobre todo por ser ésta su primera película, como utiliza tomas largas para permitir que los actores puedan actuar sin cortes, la naturalidad con la que rueda las reuniones de los ladrones, pero como después le imprime ritmo a los tiroteos. Se muestra siempre de lo más versátil.
Tarantino innovó con su uso de los diálogos, como por ejemplo, el de la memorable interpretación del significado de "Like a Virgin", o la divertida historia del hombre al que su novia le pega el pene, no aportan nada, pero es una maravilla oír a los actores recitándolos.
El director de Kill Bill demostró ser más moderno que nadie, el guión está lleno de referencias a la cultura pop, cuando nadie las hacía, ahí tenemos menciones a Los cuatro fantásticos, a la música de Madonna, vemos un póster de Silver Surfer (que nos recuerda inevitablemente a Vivir sin aliento), y hay un montón de referencias al cine y la televisión (menciones a Charles Bronson en La gran evasión, Jóvenes ocultos, Pam Grier, la serie Busquen a Christie Love o a Lee Marvin). Todos son reflejos de los gustos del director, la película vive en un universo tarantaniano, nadie habla como los hacen los personajes de esta película, ni nadie suelta esas referencias, pero es su mundo y es genial que nos haga participes de él.
Y tan buen gusto tiene para los diálogos, como para la música, el uso de temas clásicos como "Hooked on a Feeling" o "Little Green Bag" han quedado ligados para siempre a la película (la segunda sonando con los trajeados protagonistas caminando a cámara lenta, es ya historia del cine). Y utilizar la canción "Stuck in the Middle with You" para la escena de la tortura es genial en su perversidad.
La violencia llena la pantalla, vemos sangre casi en cada fotograma, pero los momentos realmente fuertes están colocados en lugares estratégicos de la historia. Y es una genialidad que el momento más impactante (la popular escena en la que el Sr. Rubio le corta la oreja al policía), sea en off mediante un movimiento de cámara que aparta literalmente nuestra mirada, un detalle de genio, que hace si cabe, que la escena sea aún más angustiosa. Pero no es el único acto de violencia que ocurre off camera, nunca vemos la muerte del Sr. Azul (sólo sabemos de ella por lo que cuentan el resto de personajes) y no presenciamos el destino del Sr. Rosa (quien parece ser detenido por la policía en su huida, gracias a un gran uso del sonido por parte del director).
Reservoir Dogs es una película de forma sobre contenido, es poco lo que nos cuenta Tarantino, un ejercicio de cine negro sobre un atraco fallido, pero poco más, lo interesante está en como nos lo cuenta. Narrativamente la película es una maravilla, con un uso del montaje magistral (que fue de lo más rompedor en su momento, y algo que la emparenta espiritualmente con el Atraco perfecto de Kubrick), que nos lleva adelante y atrás en la historia, conociendo poco a poco a los personajes que la pueblan. Y al hacerlo de forma no lineal, el director puede guardarse los ases en la manga, para sacarlos cuando mejor le convenga. Y lo más brillante es que es una historia de un atraco, donde nunca llegamos a ver el atraco (algo que no necesitamos, los personajes nos cuentan todo lo que precisamos saber). Pero sabemos tanto de ese golpe, que casi creemos haberlo visto, pero sólo existe en nuestra mente, en una especia de limbo cinematográfico. Y eso es lo que hace tan grande a esta película.
Lo genial de la propuesta, es su sencillez, su tono casi teatral (aunque no cae en la teatralidad). En el fondo presenciamos a unos actores, en un escenario interpretando a sus grandes personajes (incluso tenemos al Sr. Naranja ensayando sus frases). Es encomiable el partido que logra sacarle el director a este material. Se agradece esa sencillez en comparación de otros trabajos más ambiciosos como Malditos bastardos (2009) o Érase una vez en... Hollywood (2019). Personalmente me quedó con Reservoir Dogs, a veces menos es más.
Con unos pocos trazos, Tarantino crea personajes interesantes y memorables (todos negativos), para los que el honor lo es todo (algo típico en el cine negro) y no les importa morir por él. Por ejemplo, el policía que es torturado, no destapa al Sr. Naranja ni cuando está a punto de morir quemado, para descubrir después que sí conocía la identidad del policía encubierto. Pero el caso más claro de personaje guiado por el honor, es el Sr. Blanco. Cree ciegamente en el Sr. Naranja, tanto que mata a dos amigos y recibe un tiro por él, pero su código de honor hace que tenga que matarle, cuando éste le revela que realmente es un policía, aunque eso implique morir tiroteado.
Todos los actores están muy creíbles en sus roles. Michael Madsen nunca ha estado mejor que en esta película. Keitel demuestra su buen hacer de siempre. Chris Penn sorprende en las pocas escenas que aparece. Y Tim Roth fue la gran revelación de Reservoir Dogs.
La película roza la perfección a cada momento, tal vez como pega considero que la escena de la reunión del Sr. Rubio con Joe y Eddie es demasiado larga (es de esas escenas en las que Tarantino se recrea dejando que sus personajes hablen y hablen). Y toda la presentación de Sr. Naranja se alarga también en exceso, con esa trama de la historia falsa que tiene que contar, que a su vez está montada y rodada de lujo (como demuestra ese magistral plano giratorio de Tim Roth contando la falsa historia dentro de su propia narración).
Pero el elefante en la habitación de la película son las (sangrantes) semejanzas con City on Fire (1987) de Ringo Lam. La influencia de esa película es tan evidente que el honkonés se merecía un crédito en Reservoir Dogs. Y es que hay un sinfín de similitudes entre ambas, desde el atraco fallido que acaba en masacre; pasando por el policía encubierto dentro de una banda de criminales, el cual recibe un tiro en el estómago y que mata a un inocente en medio del atraco; también tenemos la reunión posterior en un almacén, donde algunos de los ladrones se matan entre ellos; no falta el momento en que estos se apuntan entre sí con una pistola; y en ambas, un ladrón dispara con dos pistolas a un coche de la policía. Esto le resta originalidad a la película. "Me encanta City on Fire," declaraba Tarantino. "Es una gran película. En realidad, yo robo de todas las películas que veo. Si a la gente eso no le gusta, me importa un bledo. Los artistas roban, no homenajean." Pero no es la única película de la que toma ideas prestadas, el uso de colores para designar a los miembros de una banda de atracadores viene de Pelham 1.2.3. (1974), como en Taxi Driver (1976) tenemos al Sr. Naranja hablándose a si mismo en un espejo, y al igual que en Django (1966) hay una escena en la que a un personaje le cortan una oreja. Estas influencias, plagios u homenajes siempre han sido confirmados por Tarantino, así son sus películas, beben directamente de otras. Pero hay que reconocer que pese al saqueo, Reservoir Dogs tiene su propio estilo y personalidad.
Reservoir Dogs fue la mejor carta de presentación posible, de un director que tenía una personalidad propia y diferente a todo lo que se había visto hasta entonces. La película es una experiencia 100% cinematográfica, que hace uso de todos los elementos en los que se sustenta el cine (montaje, guión, puesta en escena, fotografía y música) para crear una obra única. No sólo es una de las mejores óperas primas de la historia, es también la mejor película de Tarantino. Un clásico instantáneo.

CURIOSIDADES
A Madonna le gustó la película y quiso conocer a Tarantino, quien le preguntó si había acertado en el subtexto de su canción "Like a Virgin". Ella le firmó una copia de su álbum "Erotica", donde escribió: "A Quentin. No es sobre una polla, se trata de amor. Madonna."
El nombre de la actriz que no recuerdan Eddie, el Sr. Blanco, el Sr. Rosa y el Sr. Naranja, cuando hablan de la serie Busquen a Christie Love (1974), es Teresa Graves.
La palabra "fuck" es utilizada 272 veces en la película.
Tarantino reveló que el Sr. Rubio de Reservoir Dogs y Vincent Vega de Pulp Fiction (1994) son hermanos, y llegó a plantearse realizar unas precuela de ambas películas titulada "Double V Vega", que nunca llegó a realizarse.
La cantante Pink adoptó su nombre artístico del personaje del Sr. Rosa de esta película.
Hay diferentes versiones del origen del título de la película, la más extendida viene de los tiempos en que Tarantino trabajaba en "Video Archives", y le recomendó a un cliente Adiós, muchachos (1987) de Louis Malle (cuyo título original es Au revoir les enfants), y éste el replicó que no quería ver ningún "Reservoir Dogs". Y de ahí el título.
Se puede oír el famoso grito Wilhelm, en la escena en la que el Sr. Rosa empuja a un peatón mientras corre perseguido por la policía.
Tony Scott leyó los guiones de Reservoir Dogs y Amor a quemarropa, y quiso dirigir el primero, pero Tarantino le dijo que ese guión quería dirigirlo él personalmente, de modo que, Scott se decantó entonces por el segundo.
Como en la mayoría de películas de Tarantino, hay un plano desde el interior del maletero de un coche.
La mujer a la que el Sr. Naranja dispara en su huida del atraco, es la profesora de dialecto de Tim Roth. El actor insistió en que la contrataran, ya que era muy dura con él.
Cuando Joe explica que el Sr. Azul falleció dice: "Muerto como Dillinger". Tierney interpretó al famoso gangster en Dillinger, el enemigo público nº 1 (1945).
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
La película no tiene banda sonora instrumental, toda la música de la película está compuesta por canciones.
Siempre ha habido dudas sobre quien dispara a Eddie el amable en el tiroteo final, porque si uno se fija detenidamente el Sr. Blanco no lo hace. La explicación es que por un error, el detonante que llevaba Chris Penn se disparó antes de tiempo, y el actor siguió con la escena. Así que realmente nadie llega a dispararle.
La película comienza con una conversación sobre Madonna, Chris Penn fue durante un tiempo su cuñado, ya que su hermano Sean Penn estuvo casado con ella.
Durante una proyección de la película en el Festival de Sitges de 1992, cinco personas se salieron de la sala por causa de la violencia de la película, una de esas personas era Wes Craven. "El tío que hizo La última casa a la izquierda," recordaba Tarantino. "Mi película es demasiado dura para él."
En un momento de la película, el Sr. Blanco menciona que trabajó con una chica llamada Alabama, que es una referencia al personaje de Patricia Arquette en Amor a quemarropa (1993).
Inicialmente estaba previsto, que la canción que acompañase a los títulos de crédito fuera "Money" de Pink Floyd, en lugar de "Little Green Bag".
Según Tarantino, La cosa (1982), "fue el título que más me inspiró a la hora de realizar Reservoir Dogs."

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