Saturday, June 02, 2018

La mosca

"Ten miedo, mucho miedo."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Seth Brundle está investigando la teletransportación, pero tras probarla consigo mismo, terminas fusionándose con una mosca. A partir de ese momento, su cuerpo experimentará una increíble transformación.

LA METAMORFOSIS
Kurt Neumann dirigió La mosca (1958) basada en un relato corto de George Langelaan (publicado por primera vez en la revista Playboy) y que fue todo un éxito para la Fox. A principios de los ochenta, el productor Kip Ohman tuvo la idea de realizar un remake de aquella y para ello le encargó la escritura del guión a Charles Edward Pogue (Dragonheart).
"Mi manager me dio la historia original para que la leyese," recordaba el guionista. "Nunca había visto la película original. Me gustaron los aspectos de Jekyll/Mr. Hyde. Se me ocurrió esencialmente la estructura de la historia que actualmente se ve en la película. La mutación de los genes en lugar de ese gran cabeza de mosca que ves en la original (¿cómo funciona eso en cuanto a la ciencia?)."
El guión de Pogue no gustó a la Fox, pero el guionista y Ohman llegaron a un acuerdo con la major, ésta se encargaría sólo de distribuirla y ellos conseguirían la financiación a través de otra productora. Así entró Stuart Cornfeld en el proyecto, el auténtico impulsor del mismo, al sentirse muy atraído por la historia. Cornfeld a su vez le llevó el proyecto a su socio Mel Brooks, quien se encargaría de producir la película a través de su productora Brooksfilms. El director de Sillas de montar calientes no quiso ser acreditado en la película, porque consideró que si se sabía que era una producción suya, el público no se la tomaría en serio.
Se consideró que el guión de Pogue necesitaba ser reescrito y se contrató a Walon Green (Grupo salvaje), pero el guión de éste no convenció y volvieron a llamar a Pogue.
El proyecto le fue ofrecido a David Cronenberg, pero lo rechazó por conflictos de calendario con el rodaje de Desafío total, que inicialmente tenía previsto rodar. Los productores le ofrecieron entonces la silla del director a Robert Bierman (Besos de vampiro), pero tras la muerte de su hija en un accidente al inicio de la producción, decidió no rodar La mosca.
Desavenencias con Dino De Laurentiis hicieron que Cronenberg saliese de Desafío total. Cornfeld se enteró de esto a través de Scott Rudin y le volvió a ofrecer el proyecto al director canadiense.
"Mi agente me llamó y me dijo que Mel Brooks estaba interesado en que yo dirigiera un remake de La mosca," recordaba Cronenberg. "Gracias a mi amigo Mark Boyman pude leer el guión, que había sufrido ya diversas reescrituras. Cuando lo leí, me di cuenta de que contenía toda una serie de elementos narrativos y dramáticos que me interesaban. Me reuní con Mel Brooks y Stuart Cornfeld y les dije: 'Para mí, el guión empieza en la página diecinueve y continua unas dieciocho páginas más allá. Luego se acabó'. Se quedaron muy sorprendidos y me dijeron que les contara cuáles eran mis ideas. Y así lo hice. Al terminar, concluí de esta manera: 'He perdido un año de vida tratando de hacer Desafío total con Dino De Laurentiis, y todo el tiempo estuvimos hablando de dos películas distintas. Y no voy a pasar por otra experiencia igual. Esto es lo que yo quiero hacer. Si estáis de acuerdo, debéis dejarlo todo en mis manos, si no, no puedo hacer la película'. Mel me hizo una fantástica oferta que no pude rechazar, y regresé a Toronto con el contrato firmado."
Aunque fue necesario que Mel Brooks escribiese una carta a los jefes de la Fox para que aceptasen la elección del director. Cronenberg cobró un sueldo de 1 millón de dólares por dirigir la película.
En su acuerdo por realizar la película, incluía la libertad de poder reescribir el guión. Así le dio su toque personal o mejor dicho, hizo una metamorfosis con el libreto.
Existen bastantes diferencias entre el guión de Pogue y el finalmente reescrito por Cronenberg. En el primero, los protagonistas eran el científico Geoff Powell y su mujer Barbara, y la historia hacía más hincapié en su relación y como le afectaba la transformación de Geoff. Existían dos personajes más, DeWitt, el villano de la historia, que era quien financiaba el proyecto del científico, y Harry, un amigo del protagonista. DeWitt descubría la máquina de teletransporte y viendo su incalculable valor se hacía con ella. El protagonista mataba a DeWitt en su oficina, tras iniciarse un incendio, vomitándole encima y alimentándose de él. Geoff moría en el incendio y el teletransportador se destruía, todo en presencia de su mujer. La historia terminaba con una pesadilla de ella dando a luz a un gusano gigante, para descubrir, tras despertase en un hospital, que había dado a luz a un bebé normal.
Cronenberg modificó los personajes y sus nombres (para diferenciarlos más del relato original), eliminó otros (como el de DeWitt), cambió el diálogo y parte de la trama. Aunque todo lo que tenía que ver con la fusión de un hombre y una mosca, y su transformación lo mantuvo.
"Recuerdo que reescribí un sesenta por ciento del libreto de Charles," comentaba Cronenberg. "Y, sin embargo, aunque la WGA reconoció este hecho, defendió hábilmente la labor inicial de Charles a la vez que reconocía mi posterior trabajo. Ambos fuimos acreditados en el film."
El papel de Seth Seth Brundle se le ofreció a John Malkovich, Richard Dreyfuss y Michael Keaton, pero los tres lo rechazaron. Mel Gibson fue considerado para el papel, pero prefirió participar en Arma letal (1987). John Lithgow llegó a realizar una prueba. Pero al final el papel recayó en Jeff Goldblum. La elección del actor por Cronenberg no fue bien recibida por la Fox, ya que no lo consideraban una estrella.
La primera opción de Cronenberg para el papel de Veronica era Linda Hamilton, debido a su interpretación en Terminator (1984). Pero la actriz rechazó el papel porque le perturbó demasiado el guión. Jennifer Jason Leigh y Laura Dern fueron también consideradas para el papel, pero los productores querían a una desconocida. Y el papel fue a parar a Geena Davis, quien era la pareja de Goldblum por aquel entonces, aunque consiguió el papel por méritos propios. Rudy De Luca, quien la había dirigido en Transylvania 6-5000 (1985), se la recomendó a su amigo Mel Brooks.
El tercer vértice del triángulo protagonista, fue John Getz en el papel de Stathis Borans.

RODAJE
Con un presupuesto de 15 millones de dólares, el rodaje comenzó el 1 de diciembre de 1985 y se extendió hasta el 28 de febrero del siguiente año. Tuvo lugar en diferentes localizaciones de Toronto y principalmente en los Kleinburg Studios, donde se rodaron las escenas de interior. Aunque la post-producción y mezclas de sonido se realizaron en los Twickenham Studios en Reino Unido.
Cronenberg contó con sus colaboradores habituales, como el editor Ronald Sander, el compositor Howard Shore, la diseñadora de producción Carol Spier y el director de fotografía Mark Irwin. Shore por su parte, hizo una banda sonora que es, "como una ópera trágica," según el compositor.
Fue un rodaje que transcurrió sin mayores incidentes, y donde las dificultades vinieron principalmente del apartado técnico.
La excepción fue el babuino, con el que fue problemático trabajar ya que no son animales que puedan ser entrenados. Y además se sentía atraído por la supervisora de guiones, Gillian Richardson. Cronenberg confesó que Typhoon (ese era el nombre del primate utilizado en la película) lo aterrorizaba, ya que era un animal salvaje, fuerte e impredecible. De hecho, en una ocasión las luces intermitentes de la cámara de teletransportación lo asustaron tanto, que llegó a romper la puerta para poder salir. Por el contrario, con Jeff Goldblum se comportaba de forma cariñosa y respetuosa, según Cronenberg se debía a que el actor era más alto y musculoso que el primate, y aceptó al actor como macho alfa.
Goldblum no lo tuvo fácil durante el rodaje, aunque se tomó muy en serio su papel y no le importó estar bajo kilos de maquillaje. El actor llegó a atrapar a una mosca y a meterla en una bolsa de plástico. "Encontramos una forma de alimentarla a través de un agujero, así que la tuve como una mascota durante una semana más o menos y la vi moverse, comer y esas cosas," declaraba el actor. Tuvo que aprender a hablar con varios tipos de prótesis dentales, y por ello tuvo que trabajar con un terapeuta del habla durante todo el rodaje. Y para la escena en la que Seth le habla a Veronica sin parar mientras toman un café, el actor añadió ideas propias la noche antes de rodarla, ya que creía que podía aportarle más cosas a su personaje.
Y rodar con Goldblum y Davis, una auténtica pareja, no fue un problema para Cronenberg. "No tenían ningún reparo en desnudarse y siempre iban más allá de lo que yo realmente les pedía," recordaba el director. "De hecho, filmé algún material bastante erótico hacia el final del rodaje. Stuart me recomendó que no me pasara con el sexo, así que logré un notable erotismo sin mostrar tetas o vello púbico."
Para crear los complejos efectos visuales, Cronenberg contó con Chris Walas (fututo director de La mosca II) con quien había trabajado en Scanners (1981). Aunque Walas inicialmente rechazó participar en la película porque no quería hacer un remake. Cornfeld le dijo que leyera el guión y cuando lo hizo, cambio de opinión.
Walas trabajó estrechamente con Cronenberg para diseñar las diferentes fases de mutación de Brundle, para lo que tuvo que crear más de un centenar de bosquejos. Los diseñadores de Chris Walas, Inc. estudiaron libros sobre enfermedades como punto de partida para el diseño de Brundlefly. Una vez establecidos los diseños, tomaron moldes del cuerpo de Goldblum para construir los trajes de látex, además de crear una veintena de piezas sueltas para su rostro y manos. "Debíamos utilizar materiales muy ligeros y finos, que no entorpecieran el trabajo del actor, además de dar una alta sensación de carnalidad," explicaba Walas. Y para ello utilizó todo tipo de materiales, "látex, espuma de polieuretano, siliconas, claras de huevo (para las babas y secreciones), leche condensada disuelta en agua (para los vómitos de Brundle), pinturas al agua, incluso sangre real y algo de vísceras de vaca parra la escena del mandril dentro del teletransportador."
Walas tuvo que emplear diferentes técnicas para cada uno de los estados de transformación de Brundlefly. Para la etapa I y II, usó colores como el rojo, borgoña, amarillo y azul en el maquillaje para decolorar la cara del personaje, creó llagas y heridas, y además le añadió pequeños pelos de mosca al personaje. Para los estados III y IV utilizó prótesis parciales como, verrugas de plástico, pelucas con calvas, dientes, partes del cuerpo desintegradas y "pringue" de mosca. Para el estado V se empleó un traje de cuerpo completo (se utilizó otro traje en la escena eliminada del mono-gato). Y para los estados VI y VII se utilizaron marionetas animatrónicas creadas por John Berg.
Se construyeron en total tres animatronics, los cuales dieron varios quebraderos de cabeza al equipo ya, "que se colapsaban en el instante menos esperado," según Walas.
Eran necesarias sesiones de maquillaje de cinco horas, para convertir a Goldblum en Brundlefly en las últimas etapas de su transformación. Para ayudar al actor, Geena Davis le cantaba o le leía durante las sesiones (entre otras cosas a P. G. Wodehouse y Kafka).
La mayoría de los efectos de la película fueron prácticos y algunas situaciones se resolvieron de una forma muy ingeniosa. Por ejemplo, para crear la ilusión de Brundle trepando por las paredes, Carol Spier (diseñadora de producción) y Kirk Cheney (jefe de construcción) crearon decorados inclinados y giratorios. El director de fotografía Mark Irwin, tuvo que idear un sistema que utilizara espejos para poder iluminar la escena.
Para conseguir el efecto del babuino desapareciendo en el teletransportador, se utilizó una cámara de control de movimiento, y para ello la escena tuvo que ser filmada dos veces, una con el mono dentro de la máquina y otra sin él.
El diseño original de la cabinas de teletransportación eran similares a duchas de cristal, muy parecidas a las de la película original, lo que a Cronenberg le parecía aburrido. El diseño final vino de la forma de los cilindros de la moto Ducati 450 de Cronenberg, que le dieron a la diseñadora de producción Carol Spier, la base para crear las icónicas cabinas.
Se rodó una escena en la que Brundlefly fusiona un gato y un babuino y después lo golpea hasta la muerte, pero tuvo que ser cortada tras una proyección en Toronto, ya que según Cornfeld, provocó el rechazo del público hacia el personaje de Seth y el resto de la película ya no funcionaba tan bien.
Se barajaron muchos epílogos para cerrar la película, la mayoría trataban sobre el embarazo de Veronica y si daba a luz o no, o si era un bebé sano o un monstruo, de hecho se rodó un final en el que da a luz a un bebé mariposa, aunque resulta ser un sueño."Trabajé mucho sobre el niño-mariposa," recordaba Cronenberg. "Así que probé este final con un público seleccionado. Aunque, en realidad, cuando Brundle moría los espectadores estaban tan desolados que no reaccionaban bien ante un final semi-optimista. También probé con uno en el que Veronica se levantaba de la cama junto a Stathis Borans, ambos tenían un niño, estaban casados, y todo era un sueño. Los espectadores odiaban ese final, así que opté por darle ese tono trágico, duro."
La película se estrenó el 15 de agosto de 1986 en Estados Unidos y resultó ser un éxito crítico y comercial. En territorio norteamericano recaudó 40.456.565 de dólares y en el resto del mundo otros 20.172.594 de dólares más.
Y los premios y nominaciones no se hicieron esperar. El más importante, fue el Oscar que ganó al mejor maquillaje (Chris Walas y Stephan Dupuis). Además recibió dos nominaciones a los BAFTA al mejor maquillaje y peluquería (Chris Walas y Stephan Dupuis) y mejor efectos especiales (Chris Walas, Jon Berg, Louis Craig y Hoyt Yeatman). Se hizo con los premios Saturn a la mejor película de horror, mejor actor (Jeff Goldblum) y mejor maquillaje (Chris Walas), sin olvidar las nominaciones en las categorías al mejor director (David Cronenberg), la mejor actriz (Geena Davis) y mejor música original (Howard Shore). Fue nominada a los premios Hugo en la categoría de mejor presentación dramática (David Cronenberg, Charles Edward Pogue y George Langelaan). Y se hizo con el premio especial del jurado en el Festival de Avoriaz.

ESCENAS ELIMINADAS
Se cortaron varias escenas del montaje final, que han sido recogidas en las ediciones de vídeo doméstico. Las escenas son las siguientes:
1. Brundle hace un experimento intentando fusionar el babuino con un gato y el resultado es una criatura que es mitad cada animal. El científico es atacado por ella y termina matándola a golpes.

2. Justo después de la escena del babuino-gato, Brundle sube al techo de su edificio y comienza a experimentar un gran dolor. Se cae del edificio y aterriza sobre un tejado, entonces una garra de insecto surge de su costado, la cual Brundle se termina arrancando.

3. Final alternativo en el que Veronica termina con Stathis y ella sueña con su hijo, el cual está por nacer y tiene alas de mariposa.

VALORACIÓN
Lo interesante de la película es que Seth es al mismo tiempo el bueno y el villano de la historia. Es alguien que quiere cambiar al mundo, pero termina siendo él quien termina cambiando. Es la clásica historia de un creador que es superado por su creación.
La película trata principalmente sobre la enfermedad y el deterioro físico, casi podríamos decir que la mutación de Brundle es un personaje más de la película. El protagonista la siente y habla por ella, detallando cada una de las etapas de su transformación.
La mosca además nos muestra lo que es para una persona convivir con otra que sufre una enfermedad degenerativa, y lo lleva hasta las últimas consecuencias. Veronica sufre al ver como Brundle es vencido por la enfermedad, por su impotencia al no poder hacer nada por él y por ver como éste es cambiado por la enfermedad físicamente y mentalmente. Cronenberg proyecta en la película sus propias vivencias con su padre, quien murió de cáncer.
El director hizo suyo el material y nos habla una vez más de la "nueva carne", convirtiendo a la película en un tratado sobre la unión entre lo tecnológico y la carne. El punto álgido es el final, cuando Brundle trata de fusionarse con Veronica y su hijo nonato para crear un ser que los aúne a los tres, algo que jamás ha existido antes.
La mosca hace gala de una fatalista historia de amor, que reforzada por la banda sonora de Howard Shore, le da a la película un tono muy trágico y operístico. La relación entre Brundle y Veronica se compone por pequeños detalles (ella sigue llevando el colgante que él le regaló después que éste la engañe con otra, mostrando sutilmente que ella le sigue queriendo) y otros más grandilocuentes (el brutal momento en que Brundlefly pone el cañón de la escopeta que empuña Veronica en su cabeza, para que ella lo mate). Es una historia que no puede acabar bien, y no lo hace, la cual es una de las mayores virtudes de la película.
Toda la película tiene un aire teatral, prácticamente toda la historia acontece en un único escenario en el que entran y salen tres personajes. La película consigue ser muy grande con muy pocos elementos.
La mosca es de esos pocos casos en los que un remake supera a la película original. Lo interesante respecto a la película de Neumann, es que aquí sí es coherente la transformación del personaje principal, el cual da resultado no a un humano con una cabeza o brazo de mosca, si no a la fusión de una mosca con un humano, creándose un ser diferente. Cronenberg filma con precisión milimétrica el proceso de transformación de Brundle, el cual resulta fascinante, empezando con detalles sutiles que la premonizan (el protagonista echándole mucho azúcar al café o el incremento de su apetito sexual), pasando por los primeros síntomas (con Brundle perdiendo un diente o las uñas), para llegar a las fases de trasformación más agresivas donde se muestran escenas sensacionales (Brundle licuando con vómito una rosquilla para poder comerla o a éste caminando por las paredes de su piso cual mosca).
Y los efectos especiales están más que nunca al servicio de la historia, la ayudan avanzar y la enriquecen. Chris Walas hizo un trabajo titánico y sin él la película no habría funcionando de la misma forma.
La mosca es uno de los mejores trabajos de Cronenberg, si no el mejor, donde pocas cosas chirrían. Tal vez se le podría poner alguna pega, como ese ordenador que da todas las respuestas que el protagonista necesita o sobre todo el personaje de Stathis, que está ahí para ser el personaje a odiar de la película (y cuya aparición en una tienda siguiendo a Veronica es ridícula), pero aún así cumple su función, hacer que los celos de Brundle le hagan probar la teletransportación consigo mismo. Esos mínimos detalles son ensombrecidos por los momentos increíbles que nos regala el director (la aparición de Brundle en la clínica para llevarse a Veronica e impedir que aborte es uno de mis preferidos), e incluso la clásica escena del falso sueño funciona (ese inolvidable y terrorífico momento en el que Veronica da a luz a una larva).
Y si Cronenberg está inspirado, Goldblum no se queda atrás, el actor realiza la que es posiblemente la mejor interpretación de su carrera. Brundle es todo un caramelo, y Goldblum se lanza en cuerpo y alma al papel, consiguiendo no sólo que percibamos su interpretación bajo kilos de maquillaje, y que presenciemos como se mimetiza a la perfección con una mosca (Goldblum llena su caracterización de pequeños gestos y detalles que imitan el comportamiento de esos insectos), es que además borda el papel de científico brillante (sólo hay que ver esas escenas en las que habla sin parar exponiendo sus ideas).
La mosca vuela muy alto en todo momento, yendo de una escena cumbre a otra y terminado con un clímax apoteósico y fatalista que ha quedado para el recuerdo. Trágica, espectacular, emocionante, terrorífica, teatral, en definitiva, toda una obra maestra, a la que el paso de los años no ha hecho mutar ni un ápice de su grandeza. Si la veis, recordad tener miedo, mucho miedo.

CURIOSIDADES
David Cronenberg tiene un cameo como el ginecólogo que saca al bebé gusano en la escena del parto. Geena Davis le pidió que hiciera ese papel, ya que se sentiría más cómoda con él, dada la posición en la que se encuentra en la escena.
Jeff Goldblum llevó más de 2 kilos de maquillaje protésico en sus escenas donde refleja una mayor trasformación.
Está incluida en el libro "1001 películas que hay que ver antes de morir" de Steven Schneider.
David Cronenberg llamo al protagonista Seth Brundle por el piloto de carreras Martin Brundle.
Según Cronenberg, la famosa frase, "Ten miedo, mucho miedo," fue creada por Mel Brooks, mientras discutían como como los personajes debían reaccionar ante la transformación de Brundle.
Bryan Ferry compuso la canción "Help Me" para la película, como un encargo de Mel Brooks y Stuart Cornfield, y estaba previsto que sonara en los títulos de crédito de la película. A Cronenberg, pese a gustarle la canción, consideró que no encajaba con la película y después de proyectársela a ambos, estuvieron de acuerdo con el director. Al final "Help Me" suena sólo en la escena del bar y no está incluida en el álbum de la banda sonora de la película.
Se desarrolló una secuela escrita por Tim Lucas en la que Veronica se enfrentaba a la compañía Bartok y en la que la conciencia de Brundle había sobrevivido dentro del Telepod y era esclavizado por la compañía con el objetivo de clonar. Brundle podía comunicarse con Veronica a través del ordenador y al final tomaba el control del sistema de seguridad de Bartok y atacaba a los villanos. Brundle se reintegraba en una versión de su cuerpo original sin contaminar. Cronenberg estuvo ligado al proyecto, con la posibilidad de la participación de Geena Davis y un cameo de Jeff Goldblum. Un guión posterior de Jim y Ken Wheat fue el utilizado en la secuela con la participación de Frank Darabont y Mick Garris en el guión. La secuela no contó con Cronenberg, Davis ni Goldblum.
Por su parte, Cronenberg llegó a escribir un guión para una secuela de la película.
En los 90, se desarrollo una secuela de la película titulada "Flies" y que no tendría en cuenta los acontecimientos de La mosca II (1990), Veronica habría sobrevivido al parto y tendría gemelos. Estaba previsto que película estuviera producida y protagonizada por Geena Davis y dirigida por su aquel entonces marido Renny Harlin.
Cuando se supo que Mel Brooks era el productor de la película, el cómico se puso a repartir deely boppers en el estreno de la película.
Rob Bottin presentó su propia idea para el diseño de Brundlefly, pero terminó siendo descartada.
Tras ver sus primeras películas, Martin Scorsese quiso conocer a David Cronenberg. Al hacerlo le dijo que tenía aspecto de cirujano plástico de Beverly Hills, eso fue lo que inspiró al director para hacer un cameo en La mosca en el papel de doctor.
Cuando John Getz hizo su audición para el papel, sufrió una terrible migraña durante todo el rato. Cuando rodaron la primera escena de Sthathis, donde él y Veronica discuten la sobre la grabación a Brundle, Cronenberg le preguntó al actor si podía tener otro dolor de cabeza. Esa es la razón por la que Getz tiene sus dedos en la cabeza durante la mayor parte de la escena.
Los diseñadores de Chris Walas, Inc. estudiaron libros sobre enfermedades como punto de partida para el diseño de Brundlefly. La idea de Cronenberg es que el protagonista no debía ser una mosca gigante, si no la fusión entre un hombre y un insecto, que tiene elementos de ambos.
El efecto de la mano de Stathis derritiéndose se consiguió esculpiendo primero la mano mutilada y después se puso encima una mano hecha de gelatina. Dicha gelatina se fundió utilizando luces de escenario y un secador de pelo, filmando todo a baja velocidad. Es el mismo efecto que Walas había creado para derretir la cara de Toht en En busca del arca perdida (1981).
Es una de las tres películas que co-protagonizaron  Jeff Goldblum y Geena Davis, siendo las otras Transylvania 6-5000 (1985) y Las chicas de la Tierra son fáciles (1988).
En una de las versiones del guión, Brundle perdía su habilidad de hablar conforme se iba convirtiendo en Brundlefly, tal y como sucedía en La mosca (1958).
En 2008, se estrenó en Los Angeles una ópera en dos actos basada en la película. Cronenberg fue su director y contó con música de Howard Shore y libreto de David Henry Hwang.
En el guión había una escena que nunca se llegó a filmar, que seguiría a la escena eliminada del mono-gato, en ella una vagabunda sorprende a Brundlefly alimentándose de un contenedor, entonces éste agarra la bolsa de la mujer y desintegra su cara con vomito. Comienza a alimentarse del cadáver de la vagabunda y antes de terminar, aparece lo que queda de su humanidad, para observar el horror de su existencia.
Geena Davis declaró que la única escena en la que se sintió asqueada por el gore fue en la escena en la que a Seth se le cae una oreja y ella le abraza. Según la actriz, su reacción es natural y no estaba actuando.
La transformación de Seth en Brundlefly ocurre en 4 semanas y 6 días.
En toda la película Seth no mata a nadie, sólo hiere o daña gravemente.
En Transylvania 6-5000 Goldblum interpreta a un periodista y Davis a un monstruo (una vampiresa) y en La mosca ella interpreta a una periodista y él al monstruo.
George Chuvalo interpreta al hombre contra el que Brundle hecha un pulso en el bar, y es un campeón canadiense de los pesos pesados de boxeo, que ostenta el récord de no haber sido nunca noqueado en los 93 combates de su carrera profesional.
El nombre de la película en los títulos de crédito iniciales con las letras revoloteando, fue hecho para el trailer, pero le gustó tanto a Cronenberg que decidió incorporarlo a la película.

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Tuesday, May 01, 2018

La historia interminable

"¡Hija de la Luna!"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Bastian comienza a leer un libro titulado "La historia interminable", el cual tiene lugar en Fantasía y narra las aventuras de Atreyu, quien debe encontrar la cura de la Emperatriz Infantil. Aunque Bastian no lo sabe, las aventuras de Atreyu serán las suyas propias.

EL GUIÓN INTERMINABLE
El alemán Michael Ende publicó en 1979 su popular y genial novela de fantasía "La historia interminable", la cual se convirtió en todo un best-seller, siendo traducida a más de 36 idiomas y con más de 17 millones de ejemplares vendidos. En mayo de 1980, el productor Dieter Geissler (Jaque al asesino) se hizo con los derechos cinematográficos, pagándole a Ende 150.000 marcos alemanes (aproximadamente 50.000 dólares). En el acuerdo se establecía que Ende sería un asesor de la producción.
El primer director asignado al proyecto fue Hans W. Geissendörfer, quien terminó dejándolo tras trabajar un tiempo en el guión. Geissler se lo ofreció entonces a su ayudante Christian Schneider, quien al igual que Geissendörfer, pronto abandonó la producción.
Tras esos intentos frustrados de adaptación y dándose cuenta de su magnitud y coste, Geissler revendió los derechos al productor Bernd Eichinger (El nombre de la rosa), quien bajo su productora Neue Constantin Film, llevó adelante el proyecto, convirtiéndolo en toda una superproducción. Aún así, Geissler mantuvo su crédito como productor de la película.
El proyecto pasó al director Helmut Dietl (Schtonk), quien escribió el guión con Ende y que juntos terminaron en la primavera de 1982. El libreto era del gusto del escritor, pero no fue suficiente para sacar el proyecto adelante, ya que Dietl terminó apeándose del mismo.
Tras la salida de Dietl, tuvieron que buscar un reemplazo y la película cayó en las manos de Wolfgang Petersen (Enemigo mío), quien por fin conseguiría sacarla adelante. "Estaba buscando algo ligero, cálido y positivo después de tres años de trabajo en Das boot," recordaba Petersen. "Me puse muy contento cuando me dieron esa novela. Me gustó mucho. Era exactamente el material adecuado para mí en aquel momento." Además el director quería hacer algo que pudiera gustar a su hijo de 12 años.
Petersen intentó escribir el guión con Ende, pero pronto empezaron los problemas. Petersen viajó varias veces a Roma, donde vivía el escritor, para trabajar con él en diferentes ideas para el libreto, pero después de un tiempo, el director se dio cuenta de que no podían trabajar juntos. Convertir el libro en película no era una tarea sencilla, ya que según Petersen, "tienes que hacerlo más internacional, para una audiencia mundial. Es algo grande y caro de hacer. Tienes que simplificar cosas y cortar personajes. Además el estilo no podía ser demasiado oscuro. Necesitas un gran público. No era una película de Disney, pero quisimos ir en esa dirección de un gran entretenimiento familiar. A Michael Ende no le gustó la idea."
Al final Petersen dejó a un lado el guión escrito con Ende y elaboró uno nuevo con la ayuda de Herman Weigel, sin el conocimiento de Ende. Se tomó la decisión más importante a la hora de adaptar el libro, rodar sólo su primera mitad. "Si hubiera hecho todo el libro, no habría tenido una película porque es demasiado," admitía Petersen. "El gran error de Dune fue que trataron de hacer todo en una única película y es tan confuso que ya no es una auténtica historia. Es tan complejo que no entiendes lo que está pasando. Ese habría sido exactamente error con "La historia interminable" porque suceden muchas cosas en ese libro. Hay una ruptura natural. Ese momento cuando Bastian vuela hacia su propia Fantasía es exactamente la mitad del libro. En la segunda parte, seguimos las aventuras de Bastian en su creación de Fantasía."
Para hacer los últimos retoques en el guión contrataron al script doctor John Hill (Un vaquero sin rumbo).
Los desacuerdos entre Ende y los productores, llegaron a su fin en marzo de 1983, cuando el escritor leyó una copia del nuevo guión, que le decepcionó absolutamente, según él lo habían convertido en un "cómic de fantasía", en una historia comercial de estilo americano. Ende se desentendió definitivamente del proyecto e incluso quiso evitar que rodasen la película mediante una demanda, algo imposible a esas alturas de la producción, y los productores amenazaron con hacerle pagar una gran suma por las posibles perdidas ocasionadas, por lo que el escritor finalmente se echó atrás.
Y fueron muchos los cambios respecto al libro. En la película Bastian no es el chico gordito del libro. Todo lo que sucede en la película antes de la entrada de Bastian en la librería del señor Coreander, no existe en el libro. En la película, se eliminaron los personajes de Blubb el fuego fatuo y el de Ygrámul el múltiple (un enjambre que adopta la forma de una araña). En el libro, Carion es un centauro negro, mientras que en la película tiene forma humana. Este personaje en el libro, va en busca de Atreyu para encomendarle la misión de encontrar la cura para la Emperatriz Infantil, en la película es Atreyu quien viaja hasta a "Torre de Marfil" para ello. Ártax puede hablar en el libro. En la película, se omitió la escena de los troles de la corteza. En el libro, es Morla quien le dice a Atreyu que su misión es darle un nuevo nombre a la Emperatriz Infantil. En la película, Fújur aparece por primera vez para salvar a Atreyu en el "Pantano de la tristeza", en el libro es Atreyu quien encuentra la dragón atrapado en una telaraña de Ygrámul el múltiple. El "Oráculo del sur" es una voz que se comunica mediante rimas en el libro, y en la película son dos esfinges de color azul. En la película, no se muestra la batalla entre los cuatro gigantes de los vientos. En la película, se omitió toda la trama de la búsqueda del Viejo de la Montaña Errante por parte de la Emperatriz Infantil. La escena de Bastian montado en Fujúr en el mundo real y dando un susto de muerte a los matones, no aparece en el libro. Y el reencuentro y reconciliación entre Bastian y su padre del libro, es descartado en la película.
Viendo la magnitud de la película y pese a ser una producción alemana, decidieron rodarla en inglés para poder llegar a un mayor número de mercados. Y eso que la novela no había sido un éxito en Estados Unidos.
El presupuesto de la película ascendió a 60 millones de marcos alemanes (al cambio, 27 millones de dólares de la época) y se convirtió, por aquel entonces, en la película más cara de la historia de Alemania (y en la más cara jamás producida fuera de Estados Unidos y de la Unión Soviética). La película fue financiada por varias productoras alemanas (entre ellas Dieter Geissler Filmproduktion, Neue Constantin Film y Bavaria Studios) y por la Warner Bros., que puso un tercio de su presupuesto.
Para el papel de Bastian contrataron al por aquel entonces ascendente Barret Oliver (Cocoon), quien consiguió el papel frente a otros 200 aspirantes. Y eso que en otoño de 1982, en su primera audición, fue inicialmente rechazado por parecer demasiado joven. En marzo de 1983, lo llamaron para hacer una nueva prueba con Petersen, y a la segunda fue la vencida.
Noah Hathaway, de tan solo 12 años, consiguió el papel de Atreyu gracias a su madre, quien vio el anuncio para el casting de la película en un periódico, aunque no se mencionaba el título de la misma. Sus padres hablaron con el agente del joven actor e hicieron una cinta de vídeo con su prueba, la cual enviaron a Alemania. Y surgió efecto, Hathaway fue llamado para que volará a Munich para realizar una prueba de pantalla, un paso previo a conseguir el papel.
El tercer personaje principal de la película, el de la Emperatriz Infantil, recayó en la iraní Tami Stronach, en su debut como actriz. Stronach llegó a la producción por casualidad, mientras tomaba clases de actuación en San Francisco, una de las agentes de casting de la película era amiga de su profesora y tras verla en una de las clases, le ofreció que se presentara al casting. Sólo tenía 10 años cuando hizo la prueba para el papel y 11 cuando rodó la película.
El resto del reparto se compuso por Gerald McRaney (como el padre de Bastian), Deep Roy (en el papel de Teeny Weeny), Moses Gunn (quien interpretó a Cairon), Thomas Hill (como Carl Conrad Coreander, el dueño de la librería), Sydney Bromley y Patricia Hayes (dando vida a los gnomos Engywook y Urgl) y Alan Oppenheimer (quien puso voz a Fujur, Comepiedras, Gmork y al narrador).

CREANDO FANTASÍA
La fotografía principal comenzó el 14 de marzo de 1983, terminando en noviembre del mismo año. Se rodó principalmente en los Bavaria Studios de Munich (Alemania), donde se construyeron todos los decorados de la película. Las escenas correspondientes a Bastian se rodaron en Vancouver (Canadá), salvo las del ático del colegio que tuvieron lugar en estudio. Y en Almería (España) se rodaron dos secuencias, la de Atreyu siendo arrastrado hasta una playa, que se filmó en la Playa de Mónsul y la de Atreyu montando a su caballo se rodó en el Desierto de Tabernas.
Fue un rodaje largo y muy complejo. Sólo la escena de "Los pantanos de la tristeza" requirió de un mes para rodarse, el mismo tiempo que la del encuentro de Atreyu y la tortuga Morla. Que el rodaje tuviera lugar durante el verano más caluroso en Alemania en 25 años, no ayudó a la producción, de hecho, una de las estatuas de la Torre de Marfil se llegó a derretir. Y en el lado opuesto, el frío causó otros contratiempos, por ejemplo, las puertas del estudio debían permanecer cerradas para que las bajas temperaturas no causaran daños a los fondos azules usados para los matte paintings, en una ocasión, antes que hubiera empezado el rodaje, dejaron las puertas abiertas y se formó un enorme agujero en uno de los fondos.
Primero se rodaron la escenas con Noah Hathaway y después las de Barret Oliver, quienes prácticamente no coincidieron en el rodaje.
Para rodar la escena de "Los pantanos de la tristeza" tuvieron que entrenar a los dos caballos que utilizaron para la escena durante siete semanas, para evitar que tuvieran miedo a la hora de hundirlos en el barro. Cuando completaron la escena después de un mes de rodaje, todo el equipo lo celebró enzarzándose en una enorme lucha en el barro.
El personaje de Atreyu es de color verde en el libro y ese era el diseño original del personaje en la película. Antes de empezar a rodar hicieron una prueba con Noah Hathaway y lo pintaron de verde, pero tal y como el actor recordaba se descartó porque, "no funcionó. No era creíble. ¡Parecía un hongo!" 
Antes de empezar el rodaje, Hathaway entrenó para montar a caballo y dar el pego como un experto jinete. En una de esas sesiones, el caballo cayó encima del actor provocándole la rotura de un par de vertebras. Hathaway se pasó 2 meses en un hospital y terminó con varios tornillos de titanio en su espalda. Tal vez, para compensarle le regalaron a Artax al acabar el rodaje, pero dado los costes de su transporte, la consabida cuarentena y la esterilización del animal, tuvo que dejarlo en Alemania.
No fue el único momento en el que Hathaway lo pasó mal durante la producción. Rodando la escena del "Los pantanos de la tristeza" su pierna se quedó atrapada en un elevador y fue arrastrado bajo el agua, el actor estaba sin conocimiento cuando lo sacaron a la superficie. Además, durante su pelea con Gmork, una de las garras de la bestia le golpeó en la cara con tanta fuerza que lo tiró al suelo. Al final decidieron rodar sólo una toma, por miedo a que se hiciera daño.
Y si no hubiera tenido percances suficientes, Hathaway también tuvo problemas con los productores. "No terminaron de pagarme mi sueldo," recordaba amargamente el actor. "Estaba en un país extranjero, así que estaba bastante jodido sin la SAG vigilando mi espalda. Me negué a hacer la segunda parte. Querían que renunciara a mis derechos y a todo lo que me debían, pero no quería hacerlo."
Para Hathaway el rodaje no fue de lo más placentero, pero tampoco se lo puso fácil al director. Según Petersen el actor tenía un problema de actitud, el cual venía por parte de sus padres, "hacían muchas demandas y estaban tratando esencialmente de chantajear a la producción," declaró el director. Incluso Brian Johnson dijo que el actor, "era un grano en el culo". Por el contrario Petersen se llevó de maravilla con Oliver (todo el mundo lo cubrió de alabanzas) y Stronach.
Trabajar con niños no es fácil. Por ejemplo, a Stronach se le cayeron dos dientes de leche durante el rodaje, por lo que tuvieron que crearle unas prótesis dentales. Pero después comenzaron a salirle los nuevos dientes, por eso su dentadura es diferente en la primera escena en la que aparece que en la segunda.
Brian Johnson (El Imperio contraataca) fue contratado como director de efectos especiales porque en Alemania tenían poca experiencia con efectos especiales prácticos y necesitaban a una persona con su veteranía. Johnson estuvo dos años trabajando en la película y tuvo a su cargo a un equipo de 30 técnicos, todos británicos. Además dirigió todo el material aéreo y las secuencias de vuelo.
La ILM se encargó de los compuestos ópticos y de parte de los matte painting. Y el resto del mattes fueron subcontratados al gran Jim Danforth de "Effects Associates".
Para dar cabida a una producción con efectos especiales tan complejos se tuvieron que gastar 6 millones de marcos en modernizar los Bavaria Studios. Johnson mandó construir una enorme pantalla azul, una de las más grandes del mundo, para algunas tomas de efectos visuales.
El mayor reto para Johnson fue representar la nada, ya que no era más que una fuerza invisible. Para mostrar su poder construyeron decorados que podía girar 90º, tanto a tamaño real como en miniaturas y a los cuales estaban ancladas las cámaras. De esa forma cuando Atreyu está agarrado a un árbol y parece estar arrastrado por el aire, en realidad estaba colgado boca abajo. Y para aumentar la ilusión, el equipo dejaba caer cosas delante de la cámara. Los cámaras por su parte, estaban sujetos con cinturones de seguridad.
Y el otro gran reto fue dar vida a Fújur, el famoso dragón de la película. Se usaron dos modelos del dragón diferentes. Uno medía sólo 40 centímetros de longitud y necesitaron de 6 meses para crearlo. Este modelo se utilizó sólo para las escenas de vuelo. El segundo modelo, construido por Guiseppe Tortura, medía más de 15 metros de largo, contaba con una cabeza que pesaba 100 kilos y su piel contenía sobre 10.000 escamas y 100 kilos de lana de angora. "Tenía que hablar, así que manipulamos la boca para conseguir gran variedad de expresiones de él," explicaba Johnson. "El movimiento de los ojos y de ciertas partes de ella????? fueron controladas por radio y el resto fue hecho con cables. El dragón podría hacer de todo desde sonreír, gruñir, jadear y soplar, a llorar." Ocultos bajo el suelo estaban los cerca de 20 titiriteros que movían al dragón, "uno era el responsable de la nariz, otro de los ojos y otro de la boca," recordaba Petersen. La cara del dragón fue creada por Colin Arthur, quien tuvo, "libertad absoluta para interpretar las ilustraciones e ideas del libro de Michael Ende como creí conveniente," declaró el artista.
Por limitaciones presupuestarias, dos grandes escenas escritas en el guión y pertenecientes al libro, no llegaron a filmarse. La primera era la introducción original de Fújur, el cual era rescatado por Atreyu de Ygrámul el múltiple. Y era originalmente en esta escena, donde los personajes de Fantasía oían el grito de Bastian. Se cambió, siendo el dragón quien rescata a Atreyu en el "Pantano de la tristeza" y el grito de Bastian pasó a la escena de Morla.
La segunda escena eliminada fue el encuentro de Atreyu y Fújur con los cuatro gigantes de los vientos. En la película se cambió, para dar paso a la escena en la que la nada hace que Atreyu se caiga de Fújur y acabe en la playa.
Petersen se acercó a su amigo Steven Spielberg y le consultó si podía mostrarle la película antes de su estreno en los Estados Unidos, para que le diera su opinión sobre si ésta necesitaba un ritmo diferente para el público americano. "Así que él la vio y dijo que tenía algunas sugerencias realmente interesantes para algunos recortes," recordaba Petersen. "Para darle un poco más de ritmo y de rapidez."
Siguiendo las indicaciones de Spielberg, se hizo un nuevo montaje para la que sería la versión internacional, la cual resultó ser 7 minutos más corta que la alemana. "Eran pequeños fragmentos, partes y piezas aquí y allá," explicaba Petersen. "Nada mayor. Nada como 'cortar toda la secuencia'. Era simplemente un clase de pulido. Un tema de ritmo, unos pocos segundos aquí, unas pocas cosas allá."
Los principales cambios se encuentran durante los título de crédito iniciales (sobre un fondo negro en la alemana y con imágenes de Fantasía en la internacional), el desayuno de Bastian con su padre (unos 50 segundos más largo en la versión alemana) y la escena en la que Bastian sube al desván del colegio (en la versión alemana el niño primero revisa de forma más concienzuda el lugar y después hace acto de presencia el jardinero del colegio, quien carga con un montón de madera y cae al suelo al tropezar con una colchoneta, una vez se marcha, el niño se sienta en la colchoneta para leer el libro).
Como agradecimiento a Spielberg, Petersen le regaló el auryn original utilizado en la película. El cual Spielberg aún conserva a día de hoy en su oficina.
El montaje no fue el único cambio de la película para su versión internacional, la música también sufrió modificaciones. La versión alemana sólo contó con la (excelente) partitura orquestal compuesta por Klaus Doldinger, mientras que para la internacional se contrató a Giorgio Moroder para darle un toque más pop a la misma, siendo el resultado final, una banda sonora instrumental con arreglos electrónicos. Además en la versión internacional se incluyó la mítica canción "The Neverending Story" compuesta por Moroder (música) y Keith Forsey (letras), la cual fue cantada por Limahl y que ha quedado unida para siempre a la película. La canción fue todo un éxito, siendo número 1 en países como España, Noruega y Suecia.
Ende vio la película unos días antes de su estreno y sólo gracias a un veredicto judicial. "Estaba horrorizado," recordaba el escritor. "Habían cambiado todo el sentido de la historia. Fantasía reaparece sin la fuerza creativa de Bastian. Para mi esa era la esencia del libro." 
En abril de 1984, coincidiendo con el estreno de la película, Ende realizó una rueda de prensa para distanciarse de lo que llamó, "esa repugnante película" y pidió que retiraran su nombre de los créditos iniciales (sólo se le nombra al final de la película). El escritor también trató que el estudio cambiara el título de la película, algo a lo que se negaron.
Esa guerra abierta no le puso las cosas fáciles a la película, ni a sus responsables, pero aun así cuando se estrenó fue todo un éxito. La película debutó en las salas de cine el 6 de abril de 1984 en Alemania Occidental y fue un éxito apoteósico (5 millones de alemanes vieron la película y recaudó cerca de 20 millones de dólares en su país de origen). En los Estados Unidos debutó el 20 de julio de 1984 y recaudó unos correctos 20.158.808 de dólares. En España fue un éxito atronador. La recaudación final a nivel mundial ascendió a unos impresionantes 100 millones de dólares.
Warner Bros. tenía previsto que Supergirl (1984) fuera su blockbuster del verano, pero finalmente decidió no estrenarla (lo haría Tri-Star Pictures), y de pronto, La historia interminable se convirtió en su superproducción del verano. Pero la estrenaron una semana antes de que comenzaran los Juegos Olímpicos, que aquel año se celebraban en Los Ángeles, y esa fue una de las principales razones por las que no recaudó más dinero en América. "Las Olimpiadas mataron todo el negocio de la película," recordaba Petersen. Aunque el director también admitía que, "tal vez La historia interminable era demasiado dulce, demasiado europea para ellos. Igual también era un poco sofisticada. ¿Una película sobre un niño leyendo un libro? Tal vez no fuera tan perfecto para el temperamento americano."
Dado el éxito de la película se pensó en hacer una secuela. Pero Petersen nunca quiso formar parte de ella. Y pronto Dieter Geissler se vio en vuelto en una batalla legal con Michael Ende, quien presentó una demanda por incumplimiento de contrato, pero esa es otra historia...

VALORACIÓN
La historia interminable es una de las mejores películas infantiles del cine de los ochenta, y de paso una de las mejores películas de fantasía que jamás se hayan filmado. La desbordante imaginación que desprende hace que la nuestra se dispare con ella.
Como dice el librero, cuando lees una novela puedes convertirte en el Capitán Nemo, y ese mismo efecto causa esta película, ya que nos convertimos en Bastian y vivimos sus aventuras, y cuando acaba la película somos nosotros quienes gritamos a los cielos, "Hija de la Luna".
El juego entre la realidad y la fantasía está realmente bien conseguido, sobre todo por el paralelismo que se crea entre Bastian y Atreyu gracias a sencillos detalles, como la imagen de un indio grabado en la mochila de Bastian, a ambos personajes parando a comer al mismo tiempo, el grito del joven lector que se oye en Fantasía, y todo culmina en ese momento en que Atreyu ve a Bastian reflejado en el espejo, demostrando que en el fondo son el mismo personaje. Y es que es Bastian quien puede salvar a la Emperatriz y a toda Fantasía y no Atreyu, él es el joven guerrero, sólo que no lo sabe.
La película mantiene el espíritu de la novela de Ende, hablando sobre la fuerza infinita de la imaginación y la pasión por la lectura. Es cierto que es más comercial y realiza ciertos cambios respecto a la novela, pero la hace atractiva y cercana para el público más joven transmitiendo una serie de mensajes y valores que no deberían ser olvidados.
Nunca he visto la versión alemana, crecí con la internacional y está hecha con el material con el que se fabrican los sueños. Ya desde los títulos de crédito con las imágenes de la nada y con la canción de Limahl sonando, estoy dentro de la película.
Y después se suceden escenas que ya son parte de mi infancia, Atreyu enfrentándose a las esfinges del "Oráculo del sur", a Bastian escapando de los matones que le persiguen, la muerte de Artax en "Los pantanos de la tristeza", la introducción del Comepiedras en su bicicleta, Fújur al rescate de Atreyu, y la aparición de la tortuga Morla.
Lo genial de la película es que trata al publico juvenil como personas inteligentes, sin escatimarle momentos dramáticos (la muerte de Artax) o terroríficos (la aparición final de Gmork), estamos ante una producción infantil diferente, como las que ya no se hacen.
Vale que igual los tonos pop de la banda sonora hayan quedado un poco desfasados, pero para alguien crecido en los ochenta son como un viaje en el tiempo a aquella década. Y los efectos especiales (excelentes para la época) y el diseño de producción tienen un encanto especial, se nota el mimo puesto en ellos.
Petersen filma con su buena mano de siempre y poca pega se le puede poner, ya que creó una película inolvidable, consiguiendo que sea entretenido ver a un niño leer un libro, y eso no lo hace cualquiera. Y crea con la cámara momentos fantásticos, seguramente mi preferido es cuando la Emperatriz Infantil rompe la cuarta pared para decirle a Bastian (y a todos nosotros) que crea en la fantasía.
La película nos dice que no dejemos de creer y de soñar, que por mucho que crezcamos impidamos que "La nada" (la falta de imaginación) haga acto de presencia en nuestras vidas. Y para que viva la fantasía no debemos pedir miles de deseos, solamente es necesario ver esta maravilla que es La historia interminable.

CURIOSIDADES
Patricia Hayes, Sidney Bromley y Deep Roy fueron contratados por una sugerencia de Brian Johnson.
La película conoció dos secuelas, La historia interminable 2: El siguiente capítulo (1990) y La historia interminable III: Las aventuras de Bastian (1994). En la primera Jonathan Brandis dio vida a Bastian y en la segunda fue Jason James Richter
En los Deutscher Filmpreis (los Oscars de Alemania) ganó el premio al mejor diseño de producción (Rolf Zehetbauer). Fue su única nominación.
Ganó el premio Saturn a la mejor interpretación por un joven actor (Noah Hathaway). Y fue nominada en las categorías de mejor película de fantasía y mejor música (Klaus Doldinger y Giorgio Moroder).
Noah Hathaway sólo leyó el libro una vez había rodado la película, ya que por aquel entonces no estaba disponible en inglés.
Las imágenes de la nada se crearon vertiendo emulsiones de pintura en un tanque acrílico de agua.
El mundo de La historia interminable llamado en la novela original Phantásien, fue traducido al inglés en su versión literaria como Fantastica, mientras que en la película recibió el nombre de Fantasia.
Noah Hathaway fue uno de los protagonistas de la serie Galáctica, estrella de combate (1978-79). Barret Oliver participó en el episodio "Spaceball" de la serie Galáctica 1980 (1980), continuación de la anterior.
La voz del actor Deep Roy (Teeny Weeny) fue doblada.
Al igual que con Ende, Petersen también tuvo problemas con el escritor de la novela en la que se basaba Das boot a la hora de adaptarla.
Aunque no se llega a apreciar, el Duende Nocturno suelta un taco en la escena inicial cuando el Comerrocas aparece en su bicicleta.
En Bavaria Filmplatz, el parque temático de los Bavaria Studios en Munich, se puede montar al auténtico Fújur utilizado en la película.
Según los responsables de la película, las nubes de tormenta no son realmente "La nada", sólo indican su presencia, ya que "La nada" es una fuerza invisible.
Dos grupos tomaron su nombre de personajes creados por Michael Ende, el español Vestusta Morla (de la tortuga gigante) y la estadounidense Atreyu (del pequeño guerrero).

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Tuesday, April 03, 2018

Snatch

-"¿Algo que declarar?"
-"Sí, no vayas a Inglaterra."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un grupo de delincuentes de Londres tratan de conseguir un diamante, mientras sus caminos se van entrecruzando entre combates de boxeo, robos, asesinatos, apuestas ilegales y cerdos.

DIAMANTES
Tras el éxito de Lock and stock (1998), Guy Ritchie se lanzó a la dirección de su segunda película, la cual se encontraría en las mismas coordenadas cinematográficas que su ópera prima. "Hice la segunda película porque tenía tantas historias mientras hice la primera, que pensé que habría sido un crimen no aprovecharse de eso," declaraba Ritchie. Y es que el director tenía un gran interés en realizar, "una película en la misma línea. Por esa razón, y para un director que quiere consolidarse y hacer su siguiente película con estrellas más grandes, era el siguiente paso a dar."  
Con un guión propio de Ritchie, el cual le llevó sólo 3 meses escribirlo, nació Snatch (Snatch, 2000), conocida originalmente como "Diamonds".
La película contó con un presupuesto mayor que Lock and Stock (6 millones de libras frente a las 960.000 de aquella). Y SKA Films (productora de Guy Ritchie y Matthew Vaughn) y Columbia Pictures serían las encargadas de financiar la película. Siendo Vaughn el productor asignado a la misma.
Tiene tanto en común con su primera película que el director admitió que, "en un punto, estuve cerca de usar el reparto completo de Lock and stock otra vez." Aunque al final dio cabida a nuevos (e internacionales) actores, pese a que no fue fácil reunirlos. "Nos llevó mucho tiempo encontrar las caras correctas, tuvimos que ver a cientos," declaraba Vaughn. Y el tiempo mereció la pena porque reunieron un reparto fantástico.
Para el papel del Turco, Ritchie volvió a contar con su amigo Jason Statham, tras trabajar juntos en Lock and stock. El actor cobró un cheque de 15.000 libras por su participación en la película. Inicialmente era un pequeño papel, pero durante el proceso de producción fue teniendo más protagonismo y durante la post-producción se convirtió en el narrador de la película.
El papel de Mickey O'Neil estaba previsto que lo interpretase Vinnie Jones, pero terminaría recayendo en Brad Pitt. El protagonista de Doce monos contactó con Ritchie después de ver Lock and Stock, y le dijo que quería participar en su siguiente película, así se hizo con el papel de Mickey. El actor era muy diferente al personaje grande, gordo y de aspecto griego que Ritchie había escrito, pero según éste, "funcionó mágicamente porque era realmente lo opuesto." Fue idea del actor el lenguaje incomprensible de Mickey, el cual tomó del personaje de Benicio Del Toro en Sospechosos habituales. "Estaba a 3 días de empezar con esto y entré en pánico. No podía imaginar lo que suponía debía hacer y lo saqué de Benicio. [...] Fue el primero que hizo bien el ser incomprensible y así, pidiéndoselo prestado, sí que salió adelante y funcionó para nosotros," recordaba Pitt. Y según contaba Statham, para prepararse para el papel el actor fue a campamentos de gitanos y pasó tiempo con ellos para saber como vivían.
Y hablando de Benicio Del Toro, el puertorriqueño sería quien daría vida a Franky Cuatro-Dedos. El actor sólo trabajó en la película durante dos semanas.
El papel de Brick Top se le ofreció originalmente a Sean Connery. Al actor escocés le gustó el guión y tuvo interés en ver Lock and stock, por lo que Vaughn arregló una proyección para el actor. Tras ver la película, Connery dijo que le gustaba, pero soltó un, "no vais a poder pagarme," y así rechazó participar en Snatch. Dave Courtney también rechazó el papel y terminaron contratando a Alan Ford.
El papel de Avi le fue ofrecido a Dennis Farina, cuando el actor recibió el guión vio de nuevo Lock and stock y de inmediato aceptó el papel.
Ade, quien iba a ser uno de los guardas de seguridad de la producción, fue convencido por Ritchie para que asumiera el papel de Tyrone, siendo su debut en el cine.
El resto de actores de extenso reparto lo componen, Vinnie Jones (Tony), Rade Serbedzija (Boris el navaja), Mike Reid (Doug el cerebro), Robbie Gee (Vinny), Lennie James (Sol), Ewen Bremner (Mullet), Jason Flemyng (Darren), William Beck (Neil) y Andy Beckwith (Errol).

RODAJE
El rodaje comenzó el 18 de octubre de 1999 y terminó el 12 de diciembre del mismo año, teniendo lugar en diferentes localizaciones de Londres. Sólo se alejaron un poco para rodar las escenas de la casa de Boris, las cuales tuvieron lugar en Perivale, a las afueras de Londres. Por su parte, las escenas de interior se rodaron los Pinewood Studios.
Las diferencias entre americanos e ingleses produjo problemas de entendimiento durante el rodaje, ya que aunque compartan un mismo idioma, existen diferencias entre ambos. "No tenía ni idea de lo que estaban diciendo," admitía Farina. Aun así, reinó un gran ambiente durante la filmación entre todos los implicados.
Tanto es así, que Ritchie impuso una serie de multas de broma en el set para que reinase el buen ambiente y el orden. Había multas desde por llegar tarde, por ser aburrido, por tomar una siesta en el set y hasta por quejarse. "Me multaron con 50 libras porque mi móvil sonó, aunque no estaba trabajando en ese momento," comentaba Statham.
El único que realmente causó problemas fue el  perro. "Estaba loco," declaraba Dennis Farina. En la escena en la que Avi y Tony van a por el diamante a la tienda de Vincent y Sol, el perro atacó realmente a los actores, pero Ritchie decidió seguir rodando. En otra escena, aquella en la que el perro se vuelve loco dentro del coche con Vincent, Sol y Tyrone, mordió en la entrepierna a Lennie James, aunque no le causó ninguna lesión grave. Después de esa escena fue reemplazado por otro perro.
Y no fue el único percance que sufrió Lennie James, el actor se golpeó a si mismo en la entrepierna con una escopeta en la escena del atraco a la casa de apuestas, cuando trata de hacer un agujero en la pared, pero el actor continuó la escena como si nada. Ese momento se mantuvo en el montaje final de la película.
Originalmente Snatch no tenía un verdadero final. "Lo estaba forzando y forzando, y entonces decidí dejarlo pasar y remediarlo cuando estuviera editando," contaba el director. Ritchie necesito dos días para rodar nuevas tomas y así darle un final adecuado a la historia.
Ritchie dejó el montaje de la película en manos de su editor y éste creo una primera versión de tres horas, el cual no gustó al director. "No me pareció entretenido en lo más mínimo," declaraba Ritchie. El director despidió al montador y dos semanas después contrató a Jon Harris (Kingsman: Servicio secreto) que fue recortando la película. "Seguía tratando de mantener [todas las historias] allí, pero la película me obligaba a deshacerme de ellas," admitía el director, así la película terminó con una duración de una hora y cuarenta y cuatro minutos. Según Ritchie, "cuanto más rápida se convirtía, mejor era."
La banda sonora es uno de los puntos fuertes de la película y está llena de grandes temas como, "Golden Brown" de The Stranglers, "Angel" de Massive Attack o "Fuckin' in the Bushe" de Oasis. Y uno de ellos es "Lucky Star" de Madonna, pareja de Ritchie por aquel entonces. Inicialmente el director quería usar "Rivers of Babylon" de Boney M., pero le pidieron una gran cantidad de dinero por ella, y al final escogió ese tema de Madonna. Ritchie admitió que terminó pagando el doble por "Lucky Star" de lo que hubiera pagado por "Rivers of Babylon", nada menos que 1 millón de dólares.
La Columbia tuvo problemas con el título de la película, que puede traducirse como coño. El co-vicepresidente de la 'Columbia TriStar Motion Picture Group' declaró que, "tuvimos un debate muy serio sobre si cambiarlo por "Snatched" por miedo a la vulgaridad." Al final prevaleció el título original ante la negativa de Ritchie a cambiarlo.
Antes de su estreno, la película fue investigada por la "Sociedad Real para la Prevención de la Crueldad contra los Animales" (RSPCA), ya que sospechaban que varios perros y liebres habían sido maltratados durante el rodaje. Y en el caso de las liebres, creían que varias habían muerto atacadas por perros al rodar la escena de la cacería. Sin la aprobación de la RSPCA la película no podía ser estrenada, por lo que los productores tuvieron que demostrar ante una comisión de censura que ningún animal fuera maltratado durante el rodaje, pero al no haber pruebas de dicho maltrato todo el asunto quedó cerrado y la película pudo estrenarse en cines.
Pero no fue el único problema legal en el que se vio envuelta Snatch, sólo unas semanas después, los escritores Cass Pennant y Neil Bowers demandaron a Ritchie, Vaughn y su productora SKA Films, porque según ellos aportaron la inspiración para el personaje de Mickey y habían utilizado una historia sobre peleas ilegales ideado por ellos. Consideraban insuficientes las 2.000 libras que recibieron como asesores de la película (cuyo trabajo al parecer, no había sido tenido en cuenta por la producción) y reclamaron un pago de 50.000 libras. 
La première de la película tuvo lugar en Reino Unido el 23 de agosto del 2000, para pasar a la distribución en salas el 1 de septiembre del mismo año. Recaudó en tierras británicas 12.137.698 de libras. Por su parte, el estreno en los Estados Unidos fue el 6 de diciembre del 2000 de forma limitada, para conocer una distribución masiva en salas el 19 de enero de 2001. En Norteamérica recaudó 30.328.156 de dólares. Siendo la recaudación final a nivel mundial de 83.557.872 de dólares. En resumidas cuentas, todo un éxito.

ESCENAS ELIMINADAS
En la versión en DVD se incluyen seis escenas cortadas del montaje final. Son las siguientes:
1. Turco y Tommy van a un pub para hablar con "El ladrillo". Aunque la escena le gustaba a Ritchie, decidió finalmente cortarla.


2. Sol, Vinny y Tyrone tratan que Franky Cuatro-Dedos abra su maletín, antes que Boris venga a recogerlo. Franky consigue abrirlo y coge de su interior el revolver que Boris le dio. Torpemente se cae de la silla en la que está sentado y cuando va a disparar a Tyrone, el revolver resulta no tener balas. Ritchie la eliminó porque según él no aportaba nada a la historia.


3. Errol y John hablan con Mullet para tratar de descubrir quien trató de robar en la casa de apuestas. Ritchie decidió eliminarla porque ralentizaba la película y fue sustituida por la escena del vídeo de seguridad que descubre a los responsables del atraco.


4. Tony y Avi van al pub de "El ladrillo" para reunirse con él. Errol les causa problemas y Tony tiene que desenvainar una espada para poner a los secuaces de "El ladrillo" a raya. Fue la primera escena que rodó Dennis Farina.


5. "El ladrillo" trata de venderle a Avi el diamante que le dieron Sol y Vinny. Después de examinarlo Avi se da cuanta que es falso y lo rompe tirándolo contra una pared. Por su parte, Sol y Vinny están atrapados en la oficina de "El ladrillo" y tratan de escapar. Y Tony y Errol tienen otro confrontamiento, que termina con el primero meando sobre el segundo.


6. Sol y Vinny van al campamento de gitanos para tratar de encontrar al perro, pero Mickey les dice que el perro no está allí.

VALORACIÓN
A finales de los 90, Guy Ritchie se inventó un género nuevo, al que sólo pertenecen tres películas, Lock and stock (1998), Snatch (2000) y RocknRolla (2008), y que podríamos denominar como "comedia coral criminal londinense". Y dentro de este universo particular es cuando mejor ha funcionado su cine, fuera de esas tres películas, el director nunca ha brillado de igual forma.
Ritchie es un director muy dotado visualmente, sólo hay que ver la pelea final de Mickey para darse cuenta de su gran dominio con la cámara. La película es un recital continuo de lo que es dirección, la cual bebe mucho del mundo del videoclip y de la publicidad. Sólo en los seis primeros minutos de película tenemos tres momentos que nos dejan con la boca abierta. La introducción de los atracadores disfrazados de judíos seguidos mediante cámaras de seguridad, el propio atraco en si (todo un chute de adrenalina) y la presentación de todos los personajes mediante encadenados mientras suena "Diamond" de Klint. Y es sólo el comienzo, porque después la película no decae ni un segundo. Y es que aquí Ritchie firmó su mejor trabajo como director.
Ritchie creó una película con las mismas coordenadas cinematográficas que Lock and stock, pero perfeccionando lo puesto en práctica en aquella (excelente) película.
Todas las escenas están siempre apoyadas por un gran uso del montaje, una seña de identidad del cine de Ritchie. Es toda una gozada ver como se construyen algunas escenas. Como ese genial momento en que se cuenta un accidente de coche desde tres puntos de vistas diferentes y entremezclados. O la explicación del Turco sobre las carreras de liebres contada en diferentes localizaciones, pero creando una narración continua.
Y no sólo la puesta es escena de Ritchie está llena de ideas originales e inventivas, es que además su guión no se queda atrás comparado con su trabajo detrás de las cámaras. El libreto está lleno de grandes frases y diálogos (como el monólogo de "El ladrillo" sobre como deshacerse de un cadáver). El director crea además personajes carismáticos, que están interpretados por actores carismáticos. Statham ya empezaba a entrever la estrella que llegaría a ser. Nadie como Farina podría soltar un, "Tengo acidez Tony, haz algo gordo," como él lo hace. Vinnie Jones nunca ha estado mejor como actor. Benicio del Toro sólo necesita unos minutos de pantalla para hacer memorable a su personaje. Alan Ford resulta odioso en cada una de sus odiosas apariciones. Y Brad Pitt se convierte en todo un robaescenas.
Por su parte, el apartado musical está la altura del resto de la película, con temas muy bien escogidos, que encajan como un guante con las imágenes a las que acompañan.
La película se sumaba a una nueva ola del cine que trataba de buscar caminos visuales y narrativos para contar una historia, del mismo modo que hicieron Reservoir dogs (1992) y Memento (2000).
Pero es la combinación de humor y violencia lo que hace especial a la película, pocas veces ambos elementos han encajado mejor en una pantalla de cine. Los momentos cómicos se suceden uno tras otro, haciendo que nos partamos de risa sin importar la brutalidad impregna a la película, ya sea a base de ese gag recurrente del perro haciendo los sonidos del muñeco que se tragó, el atraco frustrado de Vinny y Sol a la casa de apuestas, ver a Tyrone tratando de aparcar un coche o a Tony intentando matar repetidamente a Boris sin conseguirlo.
Una de las cosas que más me gustan de la película es que no tiene un verdadero final, siendo éste abierto y circular al mismo tiempo. Y otra es que es de lo más impredecible,  nadie ve venir que Mickey vaya a dejar ko al primer boxeador de "El ladrillo" con su primer puñetazo o que Avi mate sin querer a Tony. Además guarda otra gran idea, que todos los personajes de la película son negativos (hasta el perro), todos son delincuentes, no hay cabida en el mundo de Snatch para la gente buena.
Snatch ametralla al espectador con imágenes e ideas, haciendo que sus 104 minutos de duración pasen tan rápido como un combate de Mickey. Su mayor pretensión es hacer pasar al público un rato divertido mostrando los bajos fondos londinenses, algo que consigue con creces. Ritchie consolidó las bases de su cine y su universo cinematográfico con su segunda película. Aquí creó una obra salvajemente divertida e hilarantemente violenta, toda una genialidad, y es que Snatch es un diamante en bruto.

CURIOSIDADES
La palabra "fuck" es dicha 163 veces.
Prácticamente todas las muertes de la película tienen lugar fuera de cámara.
El body count de la película asciende a 26 muertos.
"Snatch" significa robo, pero también puede traducirse como coño, de modo que cuando la película se estrenó en Gran Bretaña los carteles indicaban: "Snatch opening wide this fall", lo que podría traducirse por "Coño abriéndose por todas partes este otoño".
Se puede ver un póster de The Warriors (1979) en una pared en la escena de la muerte de Tony.
La banda de hardcore "Cold War from Orange County, California" utiliza varias frases de la película en varias canciones de su disco "From Russia With Love".
El pub donde Tony es abordado por Sol, Vinny y Tyrone es el pub "The Winchester" de la película Shaun of the Dead (2004). 
Boris saca un cuchillo de carnicero de su cinturón, al igual que Soap en Lock and stock.
Guy Ritchie tiene un cameo, se le puede ver en la escena en la que se introduce a Doug el cerebro, es el hombre que está leyendo el periódico al fondo del bar.

Dado que el personaje de Mickey no es demasiado limpio, Brad Pitt decidió lavarse poco durante el rodaje.
El hombre al que Vinnie Jones golpea en la cabeza con la puerta de un coche es Tom Delmar, el coordinador de especialistas y director de las peleas de la película, quien se ofreció voluntario para la escena.
Franky Cuatro-Dedos cambia cuatro veces de vestuario mientras habla con Avi por teléfono.
Durante los títulos de crédito, los ladrones discuten sobre la Virgen María, esto es una referencia a la famosa conversación de Reservoir Dogs (1992) sobre el "Like a Virgin" de Madonna.
El director de fotografía de la película, Tim Maurice-Jones, tiene un cameo en la película, es el hombre que es golpeado varias veces en la cabeza por Franky Cuatro-Dedos en el atraco. En Lock and stock tuvo otro cameo, donde corría una suerte similar, era el hombre al que Barry ahoga al principio de la película.
Vinnie Jones trata de abrir al perro con un cuchillo para conseguir el diamante que se ha tragado y en 60 segundos (2000) trata de hacer lo mismo con un perro que se ha tragado la llaves de un coche.
La pelea entre Mickey y Bomber Harris, en la que el segundo golpea al primero antes que suene la campana, entonces Mickey observa la sangre en su guante y después deja K.O. a Harris de un puñetazo, es idéntica a otra que tuvo lugar entre los boxeadores Lenny "The Guv'nor" McClean y "Mad Gypsy" Bradshaw. McClean tuvo un papel en Lock and stock y murió en 1998.

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