Saturday, February 02, 2019

Atrapado en el tiempo

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

El cínico meteorólogo Phil Connors se desplaza hasta Punxsutawney para retransmitir el "Día de la marmota", pero sin saber como, se encontrará reviviendo el mismo día una y otra vez.

EL DÍA DE LA MARMOTA
Al guionista Danny Rubin se le ocurrió en 1990 la idea que daría pie a Atrapado en el tiempo (Groundhog Day, 1993), tras leer la novela "Entrevista con el vampiro". Rubin se planteó como sería para una persona vivir eternamente. Por aquel entonces, su agente le había recomendado que escribiese un guión que le sirviera como tarjeta de visita para reunirse con productores en Los Angeles. Pero el guionista estaba estancado ya que no sabía como desarrollar la historia de una persona que debe evolucionar a lo largo de una eternidad. En ese punto recordó una vieja idea para una historia, "un hombre que se despierta cada mañana y es el mismo día, una y otra vez. Fue entonces cuando mi cabeza explotó. Poner esas dos ideas juntas fue el nacimiento de Atrapado en el tiempo." 
Rubin tuvo que escoger que día sería el que se repite una y otra vez, lo cual le llegó con gran facilidad. "Simplemente abrí el calendario y el primer festivo que encontré fue el día de la marmota, el de 2 febrero. Sí, fue así de simple," recordaba el guionista. Aunque en aquel momento dicho día no era muy popular, Rubin lo conocía por un trabajo de escritura que había hecho para la compañía telefónica de Pensilvania. Así decidió situar la historia en el pueblo de Punxsutawney, que cada año celebra dicha festividad. Rubin le puso a su protagonista el nombre de Phil, en honor al nombre de la marmota del pueblo. Y el situar la historia en Punxsutawney le dio la idea que el protagonista fuera un hombre del tiempo que viaja al pueblo y se queda atrapado en él.
El guionista decidió no dar ninguna explicación de porqué Phil se queda atrapado en el mismo día. Con todas esas ideas y notas que reunió durante siete semanas, Rubin se puso a escribir el guión, lo que sólo le llevó una semana.
Una vez terminado, el guión pasó por diferentes productores hasta que en 1991, aterrizó en la mesa de Trevor Albert, socio de Harold Ramis. El agente Richard Lovett se lo envió, después de que Albert le pidiera que le enviara un guión que fuera diferente a todo lo que había hecho con Ramis. Albert le contó a Ramis la premisa, pero no llamó su atención porque, "sonaba predecible," según el director. Pero la insistencia de su socio le hizo leerlo y fue entonces cuando quiso hacer la película. "El argumento de Danny tenía algunas escenas preciosas, que a la vez eran divertidas, espirituales y emotivas, y ésa es una rara combinación para una comedia," explicaba Ramis.
Ramis y Rubin trabajaron juntos en el guión, aunque las últimas revisiones corrieron por cuenta de Ramis en solitario. En el guión de Rubin la historia comenzaba con Phil en medio de las repeticiones (con éste golpeando a Ned Ryerson), pero Ramis y el estudio querían darle un comienzo a la historia antes de las repeticiones, para mostrar a Phil reaccionando ante ellas. "Por supuesto que realmente le dije a Danny Rubin que me encantaba el hecho de empezar justo en el medio, con el recurso ya en marcha, que era una cosa que nunca cambiaría," reconocía Ramis. "Le prometí eso. Por supuesto fue la primera cosa que cambié."
Otro cambio que querían realizar era introducir una escena de una maldición gitana para explicar la situación de Phil, pero Rubin se opuso a ella y no fue incluida. Se eliminó la voz en off de Phil y también se cambió el final original, en el que Rita le confesaba a Phil que ella también revivía el mismo día una y otra vez, lo cual fue eliminado por Ramis.
Aunque pareciese que el papel de Phil estaba escrito para Bill Murray, el actor no estaba en los primeros lugares de la lista de Ramis y eso se debía a la actitud de Murray por aquella época. "Se estaba poniendo cada vez más malhumorado," reconocía el director. "Hacia el final de Cazafantasmas II estaba bastante irritable. Pensé, '¿quiero aguantar esto durante doce semanas?'"
Así que la primera elección de Ramis para el papel fue Tom Hanks, pero lo rechazó, ya que según el actor, "el público habría estado sentado esperando a que me convirtiera en alguien agradable, porque siempre interpreto a gente agradable." El papel se le ofreció a Michael Keaton, pero también lo rechazó porque no entendió el guión, aunque el actor reconoció haberse arrepentido de su decisión. Ramis consideró a Chevy Chase, Steve Martin y John Travolta, hasta que se lo ofreció a su amigo y colaborador habitual, Bill Murray. El actor aceptó participar en la película a cambio de un cheque de 10 millones de dólares.
La cantante Tori Amos fue considerada para el papel de Rita, la productora del programa de Phil. Pero Ramis se fijó en Andie MacDowell tras verla en Objeto de seducción (1991). "En esa película, Andie era sofisticada, graciosa y amable, y yo había imaginado a Rita Hanson como una princesa mítica," explicaba el director. "Ella tenía que ser generosa, misericordiosa y honesta. Andie encarna esas cualidades sin ser vanidosa, lo cual es sorprendente considerando su anterior carrera como modelo." Que MacDowell debía interpretar a Rita se constató tras realizar una lectura de guión con Bill Murray, aunque según reconocía la actriz, poco hubo de lectura, "ni siquiera creo que realmente lo leyéramos. Fue más como conocernos y estar con él [Murray]." Pero fue suficiente para convencer a todos de que era la actriz idónea para el papel.
Stephen Tobolowsky interpretó al agente de seguros Ned Ryerson. El actor se inspiró en su propio agente de seguros para crear el personaje y fue elogiado por éste por su precisión a la hora de dar vida a uno sin caer en la parodia.
El resto del reparto se compuso con los nombres de Chris Elliott (Larry), Brian Doyle-Murray (Buster), Marita Geraghty (Nancy), Angela Paton (Mrs. Lancaster), Rick Ducommun (Gus) y Rick Overton (Ralph).

RODAJE
Con un presupuesto de 30 millones de dólares, el rodaje se inició el 16 de marzo de 1992 y terminó el 10 de junio del mismo año. Y aunque la película popularizó el pueblo de Punxsutawney, lo cierto es que se rodó realmente en Woodstock (Illinois). La razón del cambio fue según Ramis porque, "las posibilidades de producción no eran buenas, tanto en el alojamiento del reparto y el equipo, como en las posibilidades de rodaje." Ramis, oriundo de Chicago, sabía que el lugar idóneo donde rodar la película era en el norte de Illinois, y así se decantaron por Woodstock. Por su parte, los decorados se construyeron en los Universal Studios.
El cambio de emplazamiento no sentó bien a los oficiales de Punxsutawney, que se negaron a que la auténtica marmota Phil apareciese en la película. Se recreó Gobbler's Knob en Woodstock, el lugar donde la marmota Phil sale de un tronco para dar su pronóstico del invierno ante los medios. Miembros del "Groundhog Club" de Punxsutawney visitaron el rodaje durante dicha escena para asegurarse que la ceremonia se retrataba con precisión. Según el productor Trevor Albert, "estaban realmente contentos."
El pueblo de Woodstock fue muy acogedor con la producción, salvo la tienda Lloyd's (que aparece al fondo en las escenas de Phil y Ned Ryerson), que trató de demandar a la producción por cientos de miles de dólares por negocios perdidos, pero no tuvo éxito.
El primer día de rodaje el equipo de producción tuvo que crear la tormenta de nieve que deja aislados a Phil y sus compañeros, y para ello tuvieron que cubrir cerca de un kilómetro de autopista con espuma. Irónicamente sólo unos días después hizo acto de presencia una auténtica tormenta que cubrió todo de nieve.
Y es que fue un rodaje frío, en el que tuvieron que rodar a bajas temperaturas, según Murray, "nunca hizo más de -7 ºC donde estábamos. No fue el invierno más frío. No fue el que más nevó. Pero nunca paró. Estuvo nevando hasta prácticamente finales de mayo."
Cuando rodaron escenas de multitudes (que rondaban entre las 400 y 500 personas), el equipo de producción hizo sorteos de dinero en efectivo cada hora, para así alentar a los extras que siguieran enfrentándose al frío.
Una familia de marmotas fue criada para la película y se les llamó de forma colectiva Scooter. Y no eran del todo amistosas, de hecho, cuando rodaron la escena en la que Phil secuestra a la marmota y la lleva en una furgoneta, el animal mordió a Murray dos veces en el nudillo en el momento que éste intenta enseñarle a conducir. El actor tuvo que ponerse inyecciones antirrábicas, ya que las mordeduras eran graves.
Una de las escenas que trajeron mayores problemas fue el final, en el que Phil se despierta en la cama al lado de Rita y las repeticiones han llegado a su fin. Llegaron a realizar veinticinco tomas ya que no estaban seguros del tono de la misma, y si debían estar vestidos o desnudos. Al final Ramis hizo que el reparto y el equipo votaran para decidir como Phil y Rita debían aparecer en la última escena. Y votaron que la pareja no se había acostado, así que debían llevar la ropa puesta.
La relación entre Ramis y Murray se fue degradando durante el rodaje, los hasta aquel entonces amigos, dejaron de hablarse una vez éste finalizó. Murray estaba en proceso de separación de su mujer y su comportamiento era errático. "En ocasiones, Bill era irracionalmente mezquino y no estaba disponible. Constantemente llegaba tarde al set," admitía Ramis. Ya antes de empezar el rodaje, Murray comenzó a dar problemas. "Cinco o seis semanas antes de que empezáramos a rodar, Bill nos envió un mensaje de que quería que se hiciera un trabajo en el guión. [...]. Fue poco específico e inquietante porque estábamos a punto de empezar la producción," recordaba Albert. Cansado de recibir sus llamadas a la dos de la madrugada, el director envió a Rubin a Nueva York para trabajar con Murray en el guión y resolver sus ansiedades. Incluso su punto de vista sobre la película era distinto del de Ramis. "Bill quería que fuera más filosófica y Harold no dejaba de recordarle que era una comedia," declaraba Rubin.
Mientras editaban la película se dieron cuenta que necesitaban una escena con Phil dando el tiempo en la cadena de noticias y además introducir a Rita, de modo que tuvieron que coger de nuevo las cámaras y rodar esas escenas.
La película se estrenó en Estados Unidos el 12 de febrero de 1993 (tras una premiere el día 4 del mismo mes en Westwood) y resultó ser todo un éxito crítico y comercial. En territorio Norteamericano recaudó unos excelentes 70.906.973 de dólares.
Tras el estreno fueron varios los que acusaron a la producción de haber plagiado su idea. Uno de ellos fue Richard A. Lupoff, quien consideró que se habían apropiado de su historia corta "12:01 p.m." publicada en 1973. Lupoff quiso denunciar a los realizadores de la película, pero tras seis meses tratando con abogados decidió abandonar el caso. Leon Arden demandó a la Columbia, a Danny Rubin, Harold Ramis y Trevor Albert, acusándolos de haber plagiado su novela "One Fine Day" de 1981, pero el juez terminó desestimando el caso. Otros vieron similitudes con la novela "Replay" de Ken Grimwood, publicada en 1986. Rubin declaró que la única historia que tomó como inspiración fue el relato corto "Christmas Every Day", que William Dean Howells escribió en 1892.

ESCENAS ELIMINADAS
En las ediciones de vídeo domestico de la película se incluyen seis escenas que quedaron en la mesa de montaje. Son las siguientes:
1. Rita se encuentra en su habitación y Phil la saluda desde la calle, pero ella corre la cortina al verle.


2. Phil muestra sus habilidades al billar a dos desconocidos.


3. El meteorólogo juega una partida de bolos perfecta.


4. Usando una motosierra, Phil corta la cabeza de varias esculturas de hielo con forma de marmota.


5. Phil salva a una niña que lleva a su perro en brazos de ser atropellada por una furgoneta y después le dice que debe tener cuidado al cruzar la calle.


6. Phil estudia en la biblioteca como ayudar al mendigo. Cuando muere lo tapa con una manta y justo después llega una ambulancia. Dos hombres bajan de ella y cuando tratan de examinar al mendigo, encuentran en su abrigo un poema que Phil le dejó.


VALORACIÓN
Atrapado en el tiempo es una de las mejores comedias que jamás se hayan filmado. Parte de un planteamiento harto original, del cual sus responsables explotan todas sus posibilidades, llevando la historia hasta el límite.
Muestra la evolución de su miserable protagonista, una suerte de Scrooge, hasta convertirse a base de repeticiones, en una gentil persona. Y es que lo mejor de la película, aparte de su gran vis cómica, es su lado humano. Momentos como el de Phil impotente sin poder salvarle la vida al anciano o cuando le dice a Rita lo que siente mientras ella duerme, demuestran que estamos ante algo más que una película muy divertida, es una comedia con un gran corazón.
Al final el mensaje de la película es que debemos ser buenas personas y hacer lo correcto para poder avanzar en la vida, algo que por simple no pierde un ápice de su fuerza. Phil vive en un circulo de infelicidad por ser mezquino, y no consigue salir de él hasta que deja de pensar en si mismo y comienza a hacerlo en los demás. Seguro que en muchos momentos de nuestra vida nos hemos sentido así. La película lleva esa idea hasta sus ultimas consecuencias.
Phil primero decide sacar provecho de su situación divirtiéndose, se liga a una chica, roba el dinero de un furgón y conduce un coche a alta velocidad mientras lo persigue la policía. Pero una vez se cansa de eso, decide conquistar a Rita, lo cual no está forzado, ya nos damos cuenta de que algo se enciende en su interior la primera vez que la ve, y además dice su nombre (varias veces) mientras está con Nancy. Pero su plan se va al garete porque el amor no puede planificarse, ni forzarse, por eso ella lo rechaza una y otra vez. Phil descubre que cuando es sincero con Rita, es cuando más cerca ha estado de ella realmente. Ese momento de clarividencia es lo que hace que decida cambiar y ser mejor persona. Al final consigue conquistarla cuando es la mejor versión de si mismo, y lo hace sin intentar nada con ella, es Rita la que se siente atraída por él, al ver el hombre en el que se ha convertido. La evolución de la historia es fantástica y siempre coherente consigo misma.
Pero el punto fuerte de la película son sus grandes momentos de comedia, como Phil acertando las preguntas de un programa de televisión ante el asombro de todos, como asusta a Ned al ser excesivamente cariñoso con él, o verle conducir con la marmota al volante, todos hacen que me parta de risa, son pura comedia.
Además la película no rehuye el humor negro, así lo demuestran los continuos suicidios de Phil, pero Ramis sabe como hacer que la película no se le vaya de las manos y con un sólo cambio de plano (con Rita hablando de nuevo con Phil vivo) devuelve a la película a su dinámica habitual.
El guión de Rubin y Ramis es formidable, todo un mecanismo de relojería que funciona a la perfección, donde nada sobra ni falta.
Guarda ideas que van más allá de lo escrito y la película hace que nos replanteemos muchas cosas, desde como las diferentes acciones de Phil (a veces insignificantes) producen cambios en el mundo que le rodea, nos hace pensar hasta que punto podríamos aprovechar un día si pusiéramos todo nuestro empeño en ello o nos preguntamos cuanto tiempo lleva Phil viviendo en Punxsutawney.
Ramis consigue introducirnos en ese microcosmos que es Punxsutawney, con todos esos entrañables personajes y sus pequeñas historias, de tal forma que cuando termina la película tenemos la sensación de conocer a todo el mundo como lo hace Phil y sentimos que somos parte de ese pueblo.
Uno de los mayores aciertos de la película es no explicar nunca el porqué de las repeticiones, simplemente suponemos que se trata del karma. Esa sencillez de exposición se agradece.
Y su uso del montaje es fantástico, Ramis y su editor Pembroke J. Herring juegan hábilmente con él para potenciar el humor de la historia, como mostrar como a base de repeticiones Phil va aprendiendo que decir y hacer en cada escena. Los resultados son hilarantes.
Cuesta imaginar a otro actor que Bill Murray para dar vida a Phil, y es que el papel le sienta como anillo al dedo. El protagonista de Los fantasmas atacan al jefe pocas veces ha estado mejor, es el culmen de ese personaje odioso, pero carismático que fue dando forma durante toda su carrera y que explotó aquí. Y Andie McDowell nunca ha brillado de tal forma como en esta película (sin contar Matrimonio de conveniencia), ni nunca ha estado más adorable.
La película ha sido realmente influyente y ha sido mil veces imitada, pero nunca igualada, ahí están Al filo del mañana (2014), Feliz día de tu muerte (2017), Un día sin fin (2004), Alf Mabrouk (2009), la serie Muñeca rusa o el capítulo "Monday" de Expediente X.
La única pega que le podría poner a la película es la banda sonora de George Fenton, que nunca llega a funcionar, pero que tampoco molesta demasiado.
Atrapado en el tiempo es una gozada, una película que podría ver en bucle una y otra vez, y vivir mi propio día de la marmota con ella. Pocas comedias son tan originales y divertidas, y han quedado grabadas en el recuerdo de la gente de la misma forma que ésta. Tiene algo especial y al igual que pasa con Phil, el tiempo no pasa por ella. Es una obra maestra.

CURIOSIDADES
Primera película de Michael Shannon.
Todos los relojes del comedor están parados, reflejando la situación de Phil.
La canción con la que se despierta todas las mañanas Phil, "I've Got You Babe" de Sonny y Cher siempre estuvo en el guión de Danny Rubin desde el inicio.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
Rita abofetea a Phil 10 veces durante la película.
En la escena de la fiesta al final de la película, donde todos le dan las gracias a Phil, originalmente estaba previsto que tuviera lugar en la boda de Fred y Debbie, pero fue cambiado por limitaciones de tiempo.
Se representan 38 días a lo largo de la película.
A la hora de rodar la escena de la batalla de bolas de nieve, Harold Ramis le dijo a los niños que golpearan a Bill Murray tan fuerte como pudieran. Y Murray respondió lanzado las bolas tan fuerte como pudo.
La idea de que Phil leyese a Rita mientras ella duerme fue de Bill Murray. Su mujer bebió mucho champán en su noche de bodas y se durmió pronto, así que Murray le leyó en voz alta hasta que él también se durmió.
Estaba previsto que Phil matase a la marmota en su madriguera, pero fue cambiado para eliminar similitudes con El club de los chalados (1980).
La escena en la que Phil tira el reloj contra el suelo, no salió como estaba previsto. Murray golpeó el reloj, pero apenas lo rompió, por lo que un miembro del equipo tuvo que golpearlo con un martillo para que tuviera la apariencia de haber sido aplastado. El reloj realmente siguió tocando la canción tal y como lo hace en la película.
El poema que Phil le espeta al hombre con el que se cruza delante de su habitación todos los días es "Trabajo sin esperanza" de Samuel Taylor Coleridge. Y el poema francés que recita a Rita es realmente la canción de Jacques Brel "La bourrée du célibataire" y dice, "La fille que j'aimera / Sera comme bon vin / Qui se bonifiera / Un peu chaque matin" ("La chica con la que me casaré / Será como un buen vino / Que será mejor / Un poco cada mañana"). Por su parte, el que Rita recita en la cafetería es "Lay of the Last Minstrel" de Sir Walter Scott.
Harold Ramis hace un cameo en la película como el neurólogo que le dice a Phil que está bien.
En el audicomentario del DVD de la película, Ramis declara que Phil pasa en Punxsutawney diez años, aunque en el guión original la idea era que viviera allí diez mil años. Tiempo más tarde declaró en "Heeb magazine" que creía que posiblemente Phil había revivido el mismo día entre 30 y 40 años.
Según contaba Ramis, en la mayoría de las ocasiones en las que trataba de explicarle a Murray una escena, éste solía interrumpirle y le preguntaba, "sólo dime, ¿Phil bueno o Phil malo?"
Los dos locutores de radio que se oyen cada mañana son Harold Ramis y Brian Doyle Murray.
A raíz del estreno de la película, la ciudad de Punxsutawney se convirtió en una importante atracción turística.
En la ciudad de Woodstock hay una placa que pone "Bill Murray pisó aquí" en el bordillo donde el actor repetidamente cae en un charco. Y hay otra placa que pone "Esquina de Ned", donde Phil constantemente es asaltado por Ned Ryerson.
Cuando Phil lleva al anciano al hospital y habla con la enfermera, se puede ver a un niño con la pierna rota al fondo. Es el mismo niño que se cae del árbol más tarde, sólo que Phil no está allí para salvarle.
Brian Doyle-Murray que interpreta a Buster Green es el hermano mayor de Bill Murray.
En el plano final, Phil pasa a Rita por encima de la puerta de la cerca y después la salta, esto se debió a que la puerta estaba realmente congelada.
La canción que Phil toca al piano en la fiesta al final de la película es "Cleaning Up the Town", la cual sonaba en Los Cazafantasmas (1984) cuando los protagonistas escapaban de la biblioteca.
Ganó el BAFTA al mejor guión original (Danny Rubin y Harold Ramis).
Bill Murray aprendió a tocar de oído el tema "Rhapsody on a Theme by Paginini" para la escena de la lección de piano.
En 2008, la AFI la situó en el puesto nº 8 en su lista de "Las 10 mejores películas en el género de fantasía".
Y la revista Premiere incluyó a la película en su lista de "Las 50 mejores comedias de todos los tiempos" en 2006.
En el guión original, Phil marcaba el paso del tiempo leyendo una página de cada libro de la librería de la casa de huéspedes cada día. Lo hacía a través de todos los libros más de una vez.
Originalmente estaba previsto que en la escena de la pronosticación de Phil, la marmota huyera corriendo. El equipo de la producción sintió que no era necesaria y la descartaron.
En 2007, fue elegida por la "National Film Registry" para ser preservada.
La bebida favorita de Rita es el vermouth dulce. Esto fue una idea de Harold Ramis, ya que era la bebida favorita de su mujer.
Cuando rodaron la escena que Phil secuestra a la marmota, Murray improvisó la frase, "No conduzcas cabreado", ya que el animal estaba nervioso y trataba de escaparse. El actor también improvisó la frase que le suelta a Ned, "No sé hacia donde vas, pero ¿por qué no avisas que estás enfermo?"
El oficial que lleva el sombrero de copa y que saca a la marmota de Gobbler’s Knob, está interpretado por el criador que crió a la familia de marmotas para la película.
A Bill Murray le ofrecieron un cubo para escupir para la escena del restaurante donde engulle pasteles sin parar, pero el actor rechazó el ofrecimiento. El pastel de ángel le hizo sentirse enfermo.
Al filo del mañana (2014) guarda dos coincidencias con Atrapado en el tiempo, la más obvia la historia de un hombre que vive en un bucle constante, reviviendo el mismo día, pero además el nombre de las protagonistas de ambas películas es Rita.
Danny Rubin y Harold Ramis evitaron explorar el lado oscuro del tiempo transcurrido por Phil, en el cual podría haber hecho cosas horribles sin consecuencias, como asesinar o torturar.
Bill Murray y Harold Ramis han sido Grand Marshals honorarios en las celebraciones del día de la marmota en Punxsutawney.
Andie MacDowell le preguntó a Harold Ramis si podía hablar con su acento normal y bastante fuerte de Carolina del Sur.
La película atrajo la atención de diferentes grupos religiosos, gurús meditativos y gente interesada en la metafísica. Ramis se sorprendió de este hecho, ya que esperaba una reacción opuesta.
Harold Ramis le pidió a Steve Dahl, una leyenda de la radio en Chicago, que hiciera el papel del locutor de radio que Phil escucha cada mañana, pero su compañero de la radio no entendió la película y no quiso hacerla.
Ramis y Rubin quisieron hacer una escena adicional de Ned Ryerson en el último minuto, así que Stephen Tobolowsky escribió personalmente la escena donde enumera de un tirón varias pólizas de seguros que vendió a Phil.
La casa de huéspedes donde Phil se hospeda era realmente una casa privada y los interiores se construyeron en estudio.
Ramis lloró cuando leyó la secuencia en la que todas las personas agradecen a Phil lo que ha hecho por ellos.
La escena en la que Phil parte un lápiz para comprobar que está reviviendo el mismo día, originalmente era más grande, Phil destruía la habitación, cortaba las almohadas, pintaba con spray las paredes, etc., pero no resultó como esperaban y decidieron dejarla como se ve en la película.
En la versión entrenada en cines había una escena adicional que posteriormente fue cortada, en ellaRita le dice a Phil en la cafetería que su bebida favorita es el vermut dulce porque le recuerda como el sol golpea los edificios en Roma por la tarde y también le comenta que le gustaría vivir en las montañas.

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Tuesday, January 01, 2019

Repaso al 2018

Otro año desaparece y es momento de hacer análisis de que nos deparó en cine y televisión. Empieza el repaso al 2018.


TOP CINE
El 2018 fue un año lleno de sonadas decepciones, Predator, Los Increíbles 2The Cloverfield Paradox, VenomManhuntProyecto RampageJurassic World: El reino caído, Ocean's 8 o Megalodón, no cumplieron las expectativas, y eso por citar sólo algunos ejemplos. Aún así, hubo lugar para buen cine y cuatro películas se colocaron para mí por encima del resto de producciones del año y esas fueron, RomaCampeonesReady Player One y Un lugar tranquilo.
Estas películas y otras que considero fueron lo mejor del 2018 a continuación:

Aquaman (Aquaman)
James Wan crea un espectáculo monumental, tan absurdo como increíblemente entretenido. Sus cerca de dos horas y media se pasan en un suspiro. Y destaca por encima de todo, la brutal creación del mundo submarino, toda una golosina para los ojos. Así sí DC, así sí.

Bohemian Rhapsody (Bohemian Rhapsody)
Un buen biopic, tal vez demasiado complaciente, pero que gustará tanto a los que son fans de Queen como los que no. Realmente es el viaje de un hombre hasta aceptarse a si mismo, pero acompañado de grandes canciones.

Brawl in Cell Block 99 (Brawl in Cell Block 99)
Brutal drama carcelario de claro espíritu de serie B, con un gran Vince Vaughn y con un in crescendo de violencia que no conoce límites.

Call me by your name (Call Me by Your Name)
Guadagnino nos habla con delicadeza y elegancia de lo que vivir un primer gran amor, y nos deja dos momentos que ya son historia del cine, la confesión del Sr. Perlman a su hijo y el magistral plano final de Elio pasando por todos los estados de ánimo posibles tras el final de su amor de verano.

Campeones (Campeones)
Una de las películas que más me han emocionado de los últimos años. La trama del entrenador y su mujer está llena de tópicos, pero toda la historia del equipo de baloncesto te llega al corazón y allí se queda por mucho tiempo.

Deadpool 2 (Deadpool 2)
Tan cachonda, violenta, meta, paródica, con tanta acción y cameos como se esperaba, y más.

Girl (Girl)
Trata un tema complejo de una forma natural y sin caer en efectismos. Decir que Victor Polster nació para protagonizar la película es quedarse corto.

Ha nacido una estrella (A Star Is Born)
Una estrella surge mientras otra se apaga, esta es la historia de lo que sucede en medio, llena de amor, dolor y música. Bradley Cooper sorprende en su debut como actor, tan seguro detrás de las cámaras como delante de ellas. Y Lady Gaga es más estrella de lo que ya era.

Hereditary (Hereditary)
Una de las experiencias más incómodas y perturbadoras del año. Cine de terror diferente y estimulante, de ese que se queda contigo durante varios días. Fabulosa Toni Collette.

Isla de perros (Isle of Dogs)
Una pequeña maravilla con deliciosa animación stop-motion que es toda una parábola sobre perros repudiados (que perfectamente podrían ser refugiados) y el amor de un niño por uno de ellos. Puro Wes Anderson.

La forma del agua (The Shape of Water)
La versión de La mujer y el monstruo de Del Toro. Un cuento bello y romántico que se coloca fácilmente entre lo mejor de su autor, aunque ese Oscar a la mejor película le queda grande.

Los archivos del Pentágono (The Post)
Le cuesta arrancar, pero una vez lo hace, se convierte en una fabulosa apología sobre la libertad de expresión y de la prensa escrita. Muy necesaria para los tiempos que corren.

Misión Imposible: Fallout (Mission: Impossible - Fallout)
La película de acción del año, con una brutal apuesta por no utilizar dobles y reducir al mínimo el CGI. Algunas de sus set pieces son una burrada, sobre todo porque vemos que son reales. Tom Cruise se consagra como un mito en el género.

One cut of the dead (Kamera o tomeru na!)
Hilarante película, cuyo su tercer acto es posiblemente lo más divertido que he visto en cines en muchos años.

Ready Player One (Ready Player One)
El regreso de Spielberg al cine de evasión con una entretenidísima película, que más allá de hablar sobre la cultura pop, realmente lo hace sobre conectar con otra persona en un mundo de aislamiento tecnológico.

Roma (Roma)
Cuarón lo cuenta todo sin apenas mostrar nada. Una historia sobre la familia, lo que es ser un sirviente (un extraño) en tu propio país y una crónica sobre un pedazo de la historia de México. Una maravilla llena de nostalgia, belleza y poéticas imágenes. Obra maestra.

Sicario: El día del soldado (Sicario: Day of the Soldado)
Sollima filma una película casi a la altura de la de Villeneuve, vigorosa y tensa, sin escatimar un ápice de violencia y mostrando otra cara de los carteles mexicanos.

The Florida project (The Florida Project)
Sean Baker consigue en un mismo plano ser desolador y positivo, mostrando con un cierto realismo mágico una infancia terrible, siempre a un paso del paraíso, pero con los pies puestos en la cruda realidad.

The guilty (Den skyldige)
Gustav Möller hace suya la máxima del menos es más, y crea un excelente film de suspense rodado en una única localización, que consigue atraparte con su sencilla, pero eficaz premisa.

The night comes for us (The Night Comes for Us)
La mayor ensalada de hostias desde The raid 2. Una locura de película de acción, con unas coreografías brutales, y litros y litros de sangre.

Tres anuncios en las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)
El film de Martin McDonagh es todo un tratado sobre la ira y sus consecuencias. Cocinada a fuego lento, la película se apoya en unos actores a cada cual más sobresaliente y en unos excelentes diálogos.

Un lugar tranquilo (A Quiet Place)
Nunca el silencio ha dado tanto miedo. Sin hacer mucho ruido la película se coloca entre lo mejor del terror de los últimos años.

Upgrade (Upgrade)
Fue una sorpresa inesperada. La clásica historia de venganza mejorada por un toque scifi y unas geniales escenas de acción que parecen creadas por un ordenador.

Vengadores: Infinity War (Avengers: Infinity War)
La épica por la épica, la historia va de un momento cumbre a otro sin dar respiro al espectador. Peca de no tener una entidad propia, por ser la primera mitad de una historia mayor, pero el cliffhanger final te lo hace olvidar todo.

Yo, Tonya (I, Tonya)
Cuesta saber que es verdad y que ficción en esta historia, pero la película hace una desmitificación brutal del sueño americano y como los medios pueden deformar la imagen de una persona. Todo el reparto está de 10.


TOP SERIES

Este año ha habido series realmente buenas (Bodyguard, The terrorThe Haunting of Hill House, Killing Eve, Patrick Melrose, Counterpart, GLOW, Manhunt: Unabomber, DaredevilKidding, Westworld, LoveNarcos: MexicoThe Marvelous Mrs. MaiselHomecoming), otras simplemente entretenidas o correctas (Altered Carbon, Jack Ryan, Star Trek: Discovery, Castle Rock, Ozark, Disenchantment, The Alienist, The End of the F***ing World, Fariña) y otras decepcionantes (Jessica Jones, The X-Files), pero las que más me han gustado han sido ManiacCobra KaiAmerican Crime Story: The Assassination of Gianni Versace y Sharp Objects.
Además Maniac posee el que considero fue el mejor episodio del año, "Utangatta". La lista de los mejores episodios del año la completan los siguientes:

Altered Carbon - 1x01 - "Out of the Past"
A medio camino entre Blade runner y Matrix, la serie empieza con mucha fuerza. Y deja sentada la base de su punto fuerte, las escenas de acción.

Bodyguard - Toda la temporada
Tensísima temporada que no da respiro al espectador, con seis episodios superasjutados sin tiempos muertos. Un thriller ejemplar que sabe como jugar hábilmente con ciertos temas de actualidad mezclados con unas buenas dosis de suspense y acción.

Castle Rock - 1x07 - "The Queen"
Un viaje por el tiempo y a través de la mente rota de Ruth nos deparó el mejor episodio de la temporada.

Cobra Kai - Toda la temporada
La secuela que Karate Kid merecía.

Counterpart - 1x07 - "The Sincerest Form of Flattery"
Como convertir a un personaje secundario y sin importancia en el más interesante de la serie.

Daredevil - 3x04 - "Blindsided"
La serie da lo mejor de si misma en los momentos de acción, y el motín de la prisión con ese plano secuencia impresionante, es uno de los grandes momentos que nos ha brindado.

Daredevil - 3x09 - "Revelations"
Fisk se convierte finalmente en Kingpin.

GLOW - 2x08 - "The Good Twin"
Debería estar en todas las listas de los mejores episodios del año. Las chicas de GLOW (y los guionistas) dan rienda suelta a su imaginación para hacer lo que quieren con el show, siendo el resultado un episodio muy especial y divertido.

Homecoming - 1x01 - "Mandatory"
Un capítulo muy Brian De Palma, lleno de de misterio, planos espectacularmente filmados y detalles que no se aprecian en un primer visionado.

Homecoming - 1x07 - "Test"
La verdad de lo que se esconde tras Homecoming se destapa y te hace explotar la cabeza.

Jack Ryan - 1x01 - "Pilot"
John Krasinski convence como el analista de la CIA, como lo hace este excelente primer episodio, llevando el mundo de Tom Clancy al mundo actual. El clímax final es de lo más potente que se pudo ver en cualquier serie de 2018.

Kidding - 1x07 - "Kintsugi"
El episodio guarda mis dos momentos preferidos de la temporada, uno divertido (toda la familia de Jeff mandando a tomar por culo a Vivian) y otro triste (Jeff explotando finalmente de rabia).

Killing Eve - 1x05 - "I Have a Thing About Bathrooms" 
El mejor momento de la temporada es el encuentro/cita entre Eve y Villanelle en casa de la primera. Saltan chispas.

Killing Eve - 1x08 - "God, I'm Tired"
El episodio sólo podría ser más redondo si al final Eve matase a Villanelle.

Love - 3x11 - "Anniversary Party"
Cuando todo parece que se va a la mierda, triunfa el amor. La serie tenía que dejarnos con un buen sabor de boca y lo hace.

Manhunt: Unabomber - 1x03 - "Fruit of the Poisonous Tree"
Fitz se acerca cada vez más a Kaczynski, pero se aleja cada vez más de sus compañeros. Para mí fue el culmen de la temporada, demostrando el poder de la palabra y la importancia que tuvo para atrapar al Unabomber.

Maniac - Toda la temporada
Un fascinante relato que utiliza un sinfín de géneros cinematográficos para hablar sobre como superar nuestros miedos y problemas, y como tratar de conectar con otras personas en un mundo lleno de caos. Extraordinaria Emma Stone. El episodio 9 es una maravilla.

Narcos: Mexico - 1x08 - "Just Say No"
La primera victoria de la DEA se salda con el secuestro de Kiki. Sólo por la escena pre-créditos ya merece la pena ver el episodio.

Narcos: Mexico - 1x10 - "Leyenda"
No me esperaba un final feliz, pero nada me había preparado para la crueldad de esta season finale. Totalmente amoral y lejos del clásico happy end. Fue el cierre perfecto para la temporada.

Patrick Melrose - 1x02 - "Never Mind"
No muestra nada, pero te deja marcado para siempre. Un capítulo demoledor, que nos hace entender por que Patrick es como es.

Sharp Objects - Toda la temporada
En ocasiones, más terrorífica que una película de terror y otras veces, más intensa que cualquier drama. Sharp Objects habla sobre como los horrores del pasado se quedan grabados en nuestra piel y como los pecados pasan de padres a hijos. Ese, "No se lo digas a mamá" es el culmen de una serie fantástica.

South Park - 22x02 - "A Boy and a Priest"
Sólo South Park podría ser capaz de hacer humor sobre abusos sexuales por parte de curas y que funcione.

Star Trek: Discovery - 1x02 - "Battle at the Binary Stars"
Posiblemente el episodio de Star Trek más espectacular jamás realizado.

The Haunting of Hill House - 1x01 - "Steven Sees a Ghost"
El episodio sienta las bases de lo que será el resto de la temporada, la historia de una familia desustructurada y el terror más puro siempre de la mano.

The Haunting of Hill House - 1x06 - "Two Storms"
Todo un prodigio de puesta en escena que se marca Flanagan con cinco planos secuencias para enmarcar y sin descuidar en ningún momento el drama ni el terror.

The Marvelous Mrs. Maisel - 2x02 - "Mid-way to Mid-town"
Es todo un gustazo ver como Midge pone en su lugar a un grupo de cómicos machistas. El episodio más divertido de la serie.

The terror - Toda la temporada
Una historia de horror que comienza cuando los supuestemente civilizados resultan ser unos salvajes. Una interesantísima lucha entre hombre y naturaleza con unas dosis acertadas de paranoia, donde no sobra ni falta ni un episodio.

The Toys That Made Us - 1x03 - "He-Man"
Este episodio tiene el poder... de la nostalgia de los 80, al hablar de uno de los iconos más míticos de aquella década y contar la estrafalaria historia que hay detrás de él.

The X-Files - 11x04 - "The Lost Art of Forehead Sweat"
Creo que The X-Files sólo debería hacer chorrisodios como éste, en ellos sale lo mejor de la serie original. El resto de la temporada fue sólo ruido, pero este episodio es brillante.

Unbreakable Kimmy Schmidt - 4x03 - "Party Monster: Scratching the Surface"
La serie se ríe con lucidez y mucho cachondeo de esos documentales que proliferan en Netfilx.

Westworld - 2x07 - "Les Écorchés"
El capítulo avanza a un ritmo trepidante, a base de giros y sorpresas. Y seguramente la mayor de ellas sea el regreso de Anthony Hopkins.

Westworld - 2x10 - "The Passenger"
Nolan y Joy dejan lo mejor para el final, y cierran la temporada con un episodio épico, sorprendente y que responde algunos enigmas, pero deja muchas preguntas.

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Saturday, December 01, 2018

El rey pescador

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un DJ de la radio se siente responsable de la muerte de la mujer de un vagabundo y tratará de ayudarlo, así ambos se verán envueltos en la búsqueda del Santo Grial en pleno Nueva York moderno.


LA ÚLTIMA CRUZADA
El guión de El rey pescador (The fisher king, 1991) surgió como una reacción del guionista Richard LaGravenese hacia los ochenta, a la que consideraba, "una década muy fea, así que quise hacer algo sobre el narcisismo y el sacrificio." Y con esa idea escribió su primer guión.
Escribió dos primeros borradores de la historia sin el personaje de Jack y creó cuatro versiones del guión con los personajes de Parry y Jack. En la primera de esas versiones del guión, Jack era un taxista muy inteligente y en la segunda era el heredero de una fortuna que para recibirla debía encontrar un marido a Lydia (éste personaje no aparecía en el primer guión). Tras completar la primera versión descubrió que tenía muchas similitudes con Rain man (1988) y tuvo que empezar de nuevo, manteniendo a los dos protagonistas. Tras escuchar el programa de Howard Stern decidió convertir al personaje de Jack en un polémico locutor de radio. LaGravenese vendió el guión a la Disney en 1988.
Las productoras Lynda Obst y Debra Hill tenían un acuerdo de producción con Disney y se propusieron llevar adelante el proyecto. Pero Disney comenzó a exigir cambios en el guión para acercar la película más a su estilo. Por ejemplo, querían hacer más amable el personaje de Jack y el hallazgo del Santo Grial sería convertido en una, "set piece de un thriller al estilo Topkapi," declaraba Obst. "El estudio quería eliminar las peculiaridades y luchamos por cada una de ellas como si fueran las joyas de la familia."
La película se le ofreció a Steven Spielberg y a James L. Brooks. Pero tras seis meses Jeffrey Katzenberg, presidente de la Disney, decidió no llevar adelante la película y se lo devolvió a Obst y Hill, de esta forma las productoras pudieron seguir ligadas a él cuando Disney vendió el proyecto a TriStar Pictures en 1989.
El rey pescador se ofreció a otros directores y el más interesado fue James Cameron, pero como estaba ocupado con Terminator 2: El juicio final (1991) tuvo que pasar del proyecto. De modo que Obst y Hill siguieron buscando quien se sentase en la silla de director, se barajaron los nombres de Ron Howard, Rob Reiner y Sydney Pollack, pero ellas consideraron a Terry Gilliam. "¡El estudio pensó que estábamos locas!," reconocía Hill. "Pero pensamos que si conseguíamos que alguien como él se interesara en el material, automáticamente lo mejoraría."
Tras el fracaso de Las aventuras del barón Munchausen (1988), película distribuida en Estados Unidos por la Columbia, Gilliam se encontraba trabajando en un nuevo proyecto llamado "The Minotaur", pero tenía problemas con el guión y en ese momento recibió de su agente Jack Rapke los guiones de La familia Addams y El rey pescador. Tras descartar el primero porque no le gustaba, Gilliam se sintió atraído por el segundo. "Me alucinó desde la primera página," declaraba el director. "Sencillamente lo entendía a la perfección: El diálogo era magnífico, podía identificarme con los personajes y hasta me gustaba que no estuviera plagado de efectos visuales." Tras hacer varias películas grandes, a Gilliam le apetecía hacer algo más pequeño y acababa de encontrar el proyecto perfecto.
El director le pidió a LaGravenese las versiones anteriores de su guión y según Gilliam, "eran aún mejores que la versión que el estudio había elegido." El director recuperó escenas que habían sido eliminadas por presiones de Disney y sólo añadió una idea propia al guión, la escena del baile en el estación de tren. "Originariamente, la escena consistía en que una vagabunda canta en Grand Central Station y el personaje de Jeff Bridges deja de hacer lo que está haciendo y la mira embelesado. Contemplando la muchedumbre de la estación, pensé: 'Es hora punta y toda esta gente corre de un lado a otro ensimismada en sus cosas. ¿No sería maravilloso si miraran a la persona que pasa a su lado, se enamoraran y empezaran a bailar?'." Al guionista le gustó la idea y la incluyó en el guión.
"La dolorosa verdad es que la razón de que me enviaran el guión de Richard LaGravenese era que querían que Robin Williams hiciera la película," reconocía el director. "Como Robin había participado en Munchausen y éramos colegas, me utilizaron de cebo." Y así fue, Williams aceptó participar en la película, interpretando a Parry.
Antes de entrar Gilliam en el proyecto, estaba previsto que el co-protagonista de la película fuera Billy Crystal en el papel de Jack. "Se habló de un paquete de Robin y él, pero yo no quería dos comediantes." El director prefería a un actor totalmente opuesto a Williams y así se lo explicó al actor, diciéndole que el papel de Jack tenía que interpretarlo, "un actor que no trabaje al mismo nivel que tú, no puede ser un hombre divertido, no puede ser ingenioso." 
Se consideró a Bruce Willis para el papel, pero al final se lo llevó Jeff Bridges. A Gilliam le convenció que era el actor idóneo su interpretación en Los fabulosos Baker Boys (1989). Bridges recibió un sueldo de 3 millones de dólares. Para meterse en el papel, el actor entrenó para ser un DJ, llegando a hacer apariciones en la radio bajo el nombre de Jack Lucas.
Se consideró a Ellen Barkin para el papel de Anne, pero sería Mercedes Ruehl la elegida.
Para escoger a la actriz que diera vida a Lydia hubo diferencias de opinión entre el director y las productoras. Gilliam había ideado al interés amoroso de Parry como una princesa medieval etérea, mientras que Hill y Obst creían que debía ser una mujer más sencilla. "Sentimos que ella debería representar a todas las chicas comunes que no son vistas como objetos de belleza," declaraba Obst. Al final la voluntad de las productoras prevaleció y Amanda Plummer fue contratada.
El resto del reparto se compuso con David Hyde Pierce (en el papel de Lou Rosen, el agente de Jack), Tom Waits (como un mendigo en silla de ruedas), Kathy Najimy (como una de las clientas del videoclub de Anne), Michael Jeter (interpretando a un vagabundo) y Harry Shearer y Melinda Culea (como los protagonistas de la sitcom que ven Jack y Anne).

RODAJE
El rodaje tuvo lugar entre el 21 de mayo de 1990 y el 16 de agosto del mismo año, en las ciudades de Nueva York y Los Angeles. Primero se rodaron todas las escenas de exteriores en la Gran Manzana, utilizando localizaciones tan emblemáticas de la ciudad como Grand Central Station, Manhattan Bridge o Central Park. Y una vez rodadas todas las escenas en Nueva York, la producción se movió a los estudios de la Columbia en Culver City (Los Angeles) para continuar el rodaje.
El edificio de la "Squadron A Armory" (que posteriormente formaría parte del Hunter College High School) en la 94 y Madison de Nueva York, se convirtió en el castillo del Grial, gracias al trabajo del diseñador de producción Mel Bourne, quien construyó vidrieras, una entrada y escaleras góticas.
El reparto se juntó dos semanas antes de empezar el rodaje para los ensayos, para ser así una máquina bien engrasada cuando éste se iniciase.
En Nueva York ocurrieron todo tipo de incidentes, desde interrupciones por el mal tiempo, hasta un vecino que llamó a la policía al ver el humo que utilizaban para iluminar una escena en la calle y otros llamaban a los bomberos con llamadas falsas (cuando se cansaban de las luces y ruidos del rodaje durante la noche) lo que provocaba retrasos en el rodaje. Uno de los mayores problemas durante la filmación lo provocó la irrupción del Departamento de Saneamiento que retiró todos los coches averiados de un muelle, que el equipo tenía previsto utilizar. Así que para poder rodar, el equipo tuvo que traer, "un montón de basura, coches y neveras, cosas que habían estado allí al principio," recordaba Bourne. Y una película llena de locos, fue interrumpida por uno cuando rodaron la escena de Williams y Bridges desnudos en Central Park, éste apareció montando en bicicleta y gritando por Williams. La producción tuvo que detenerse por horas esperando a que llegara la policía.
Mercedes Ruehl tuvo problemas para rodar la escena en la que Robin Williams canta una canción subido a una mesa. Originalmente la canción incluía partes más subidas de tono, las cuales incomodaron a la actriz. Conforme pasaba el día, Williams iba cambiando la canción, la cual se volvía cada vez más obscena. "Hicimos esto unas ocho veces y no me gustaba... Nunca en mi vida había sido el blanco de humor sexual. Estaba realmente rota," recordaba Ruehl. La actriz empezó a llorar y le dijo a Gilliam y Williams que sentía que se burlaban de ella. Al final redujeron el tono de la canción, con Williams encima de la mesa intentando desabrocharse el pantalón.
Por su logística, la escena más compleja de rodar fue la del vals en Grand Central Station en la que participaron 1.000 extras. Recurrieron a escuelas de baile para conseguir a la gente, pero cuando se dispusieron a rodar, descubrieron que la mayoría no sabía bailar. Tenían un espacio muy limitado de tiempo parar rodar la escena, así que el coreógrafo trató de enseñarles a bailar. "La cámara finalmente comenzó a rodar alrededor de las 4:30 de la mañana, ¡y teníamos que estar fuera a las 6:00!," recordaba Gilliam. La gente estaba bajando de los trenes cuando todavía estaban rodando, aún así la escena quedó fantástica.
Una escena igual de difícil de rodar, aunque por su carga emocional, fue aquella en la que Parry recuerda la muerte de su mujer y es perseguido por el Caballero Rojo por las calles de Nueva York. "Robin estaba desgarrando sus entrañas emocionalmente," recordaba el director. "Lo interesante sobre Robin en todas esas escenas es que siempre quería hacer otra toma. Sentía que tenía aún más angustia y dolor para verter en el personaje." Rodaron toda la secuencia de noche y cuando quedaba poco para que amaneciese, rodaron la última toma que de Parry corriendo completamente fuera de si. Al terminar de filmarla el actor se enfadó por no tener más oportunidades de rodar esa toma, ya que era un momento crucial. "Tuve que ir junto a él y decirle: 'Robin, lo que tenemos aquí es muy bueno. Y si al ver el metraje no lo es, te prometo que lo volveré a filmar'. Y tuve que abrazarlo básicamente y contenerlo," confesaba Gilliam.
Williams hizo una de las mejores interpretaciones de su carrera en esta película, si no la mejor y es que según Gilliam el personaje de Parry era, "en muchos aspectos, el más cercano a Robin, sólo en ese rango de locura, daño, miedo, dulzura y extravagancia. Creo que ese fue el papel que lo llevó al límite." El actor dio lo mejor de si mismo y aunque acostumbraba a improvisar en la mayoría de sus películas, apenas lo hizo en ésta, respetando el guión. Aún así cuando el actor quería improvisar en una escena, Gilliam primero la rodaba un par de veces como estaba escrita y después le daba a Williams una o dos tomas para que probara diferentes cosas.
La única escena que se improvisó por completo fue la del restaurante chino, debido a que se puso a llover y tuvieron que rodar en su interior de forma rápida.
Aunque no fuera una película con efectos visuales como los anteriores trabajos de Gilliam, tuvo sus dificultades crear al Caballero Rojo. La diseñadora de vestuario Beatrix Aruna Pasztor trajo a la película al artista Keith Greco y el escultor y diseñador Vincent Jefferds de "R and R Design", quienes construyeron la armadura del caballero, según las ideas de Gilliam, Bourne y Pasztor. "El concepto era el de un caballero como una encarnación del mal, desintegrándose, ardiendo, corroyéndose, con cenizas y brasas, y el caballo resoplando como una locomotora," declaraba Jefferds. La armadura, que pesaba más de 55 kilos, estaba hecha de espuma de látex sobre cuero y uretano, y llevaba un lanzallamas en el casco de aluminio, el cual era disparado por el coordinador de especialistas Chris Howell, quien interpretaba al Caballero Rojo.
Para el caballo del Caballero Rojo se utilizaron dos percherones de circo (Lightning y Goliath), uno para galopar y otro para encabritarse. Fueron entrenados por su dueño James Zoppe al sur de California. Los caballos debían ser pintados todos los días por Douglas J. White, ya que eran blancos y debían lucir un aspecto infernal.
Gilliam terminó la película dentro del presupuesto (que era de 24 millones de dólares), todo un cambio tras los grandes problemas presupuestarios de Las aventuras del barón Munchausen (1988).
Y fue una buena señal de lo que estaba por venir. La película fue un éxito crítico y comercial. Se estrenó en los Estados Unidos el 27 de septiembre de 1991 (tras una premiére en Beverly Hills once días antes) y recaudó unos excelentes 41.895.491 de dólares.
En el apartado de los premios, los más importantes que recibió fueron las cinco nominaciones al Oscar en las categorías de mejor actor principal (Robin Williams), mejor actriz secundaria (Mercedes Ruehl), mejor guión original (Richard LaGravenese), mejor dirección artística (Mel Bourne y Cindy Carr) y mejor banda sonora original (George Fenton). Siendo Mercedes Ruehl le única que alzó la estatuilla la noche de los Oscar.
La película se llevó además dos Globos de oro, al mejor actor de comedia (Robin Williams) y a la mejor actriz secundaria (Mercedes Ruehl). Ruehl se hizo prácticamente todos los premios aquel año como secundaria, ganando el premio Saturn, el de la Sociedad de críticos de Boston, la Asociación de críticos de Chicago o la Asociación de críticos de Los Angeles.

VALORACIÓN
Pese a no ser una historia propia de Gilliam, siempre he considerado a El rey pescador la mejor película del ex-Monty Python, o por lo menos es la que más me gusta a mí. Brazil es muy grande, pero en El rey pescador hay más corazón.
La película nos habla de como pesan los errores del pasado y de la carga del dolor. Jack sufre por sentirse culpable de la muerte de la mujer de Parry y busca la redención. Parry por su parte, está roto por dentro y es perseguido por sus demonios, el dolor y la ira (que tienen la forma de un caballero rojo). Su camino y búsqueda de algo sagrado, llámalo Santo Grial, llámalo amor, es la cura para ambos para dejar de ser los hombres en los que se han convertido.
Y es que El rey pescador trata también de lo difíciles que son las relaciones de pareja, Parry y Lydia son dos inadaptados que no encajan con nadie, pero que curiosamente han nacido para estar juntos. La de Jack y Anne es la relación más complicada, ella es una mujer pasional que le quiere sin miramientos, pero él tiene dudas de si la quiere o no, el hacerlo implicaría que ha cambiado, que ya no es ese engreído y malnacido de antes. Jack sólo está seguro de que la quiere cuando por fin a terminado su proceso de transformación, cuando es un buen hombre.
Y otro tema de la película es como nuestros actos afectan a la vida de otras personas, y lo peligroso que es actuar sin pensar en las consecuencias, en El rey pescador unas palabras inapropiadas a la persona inadecuada provocan una tragedia.
La película gana enteros cuando Jack decide ayudar a Parry, desde el momento que juntos espían a Lydia la película es otra, y se llena de vida. Ambos personajes funcionan muy bien por ser tan opuestos, uno complementa al otro. Creo que Parry sabe desde el primer momento que Jack es el DJ que incitó al asesino de su mujer, pero trata de darle la oportunidad de redimirse, eso hace que el personaje resulte todavía más bondadoso y positivo.
La película es poseedora de un apropiadísimo realismo mágico, que nos hace creer que estamos en un mundo a un paso de la fantasía, como esos maravillosos momentos en que Parry hace una silla con el morrión de una botella o cuando todo el mundo se pone a bailar en la estación de tren.
Tiene momentos que en su momento me impactaron, pero que al revisionarlos han perdido fuerza, tal vez porque de alguna forma los hemos visto en películas posteriores, como cuando Parry se declara a Lydia delante de su piso y demuestra saberlo todo sobre ella o cuando Anne habla sobre que Dios creó a la mujer y no al hombre a su imagen y semejanza. Otros me siguen entusiasmando como cuando Tom Waits habla sobre ser una brújula moral para el resto al ser un vagabundo en silla de ruedas, o el simbolismo de ese Pinocho que un niño le regala a Jack, quien también es un ser sin vida que debe recobrarla y Parry se convierte en su Pepito Grillo, su conciencia, y como en el cuento de Pinocho, la película trata también del viaje del alma humana y sobre el renacimiento.
El rey pescador posee una escena de esas que se quedan grabadas a fuego en tu memoria para siempre, la de la muerte de la mujer de Parry. Uno de los mejores momentos del cine de Gilliam. El instante en que ella recibe el disparo y su sangre y sesos le salpican la cara a Parry, es de los más demoledores que haya visto en una película y también de los más violentos, porque no es sólo una violencia física, si no una que te desgarra el alma. Ver en paralelo a Parry corriendo como un loco por la ciudad y terminar recibiendo una paliza de muerte, nos dejan en estado de shock. Cuando éste parecía haber encarrilado su vida, todo es un espejismo, el dolor que lleva con él es demasiado fuerte y necesita de un proceso para pasar página y empezar de nuevo, algo que casi le cuesta la vida.
Y que durante esa escena Parry vaya vestido de blanco no es casual, representa la pureza y la bondad, y que el traje no sea de su talla, nos hace ver que no encaja en ese mundo normal. Y la escena tiene un plano que me fascina, aquel en el que la imagen de Parry se duplica y deforma al verlo a través del cristal de la puerta del piso de Lydia, el cual muestra su lucha interior entre dejar atrás su vieja vida y abrazar la nueva, y presagia lo que sucederá a continuación. Además todo está coronado con la maravillosa partitura de George Fenton.
El reparto está fantástico, pero el que toca el cielo es Robin Williams, puede que Mercedes Ruelh se llevara el Oscar (la actriz está excelente), pero el protagonista de Jumanji roba cada escena en la que aparece y eso que en la mayoría de ellas tiene a su lado a un gigante como Jeff Bridges. Williams nos hace sentir la locura de Parry, pero también lo presenta como un ser divertido y bondadoso, el cual se gana nuestras simpatías desde el primer momento.
Se nota que a LaGravenese le asqueaba lo superficial y lo narcisista, porque trata de dar voz a aquellos que no la tienen y escupe directamente en la cara a la gente sin alma, ni escrúpulos. Los yuppies y ricos son gente fría e infelices, y los vagabundos, los pobres y los menos agraciados son los que realmente viven y terminan siendo felices.
La película es todo un canto a la vida, llena de dolor, locura y alegría. Es comedia, drama, aventura, un musical, y sobre todo una historia romántica. Lo tiene todo y todo funciona. Es una de las mejores películas de los 90. Si no la habéis visto, buscad el Santo Grial de Terry Gilliam y recibiréis la mejor de las recompensas.

CURIOSIDADES
Primera película de Terry Gilliam en la que no trabaja ningún miembro de los Monty Python.
Jeff Bridges utiliza la misma camiseta de béisbol en esta película que en El gran Lebowski (1998).
Uno de los hombres que ataca al principio de la película a Jeff Bridges está interpretado por Dan Futterman, el hijo de Robin Williams en Una jaula de grillos (1996).
Tras el estreno de la película y gracias a la escena del baile en Grand Central Station, todos los días de año nuevo la gente va la estación a bailar el vals con una orquesta.
Parry busca el Santo Grial. Terry Gilliam fue el director de Monty Python and the Holy Grail (1975).
Robin Williams era la primera elección para protagonizar ¿Qué pasa con Bob? (1991), pero como se encontraba rodando El rey pescador tuvo que rechazar el papel, que terminó recayendo en Bill Murray.
Antes de la entrada en el proyecto de Gilliam se consideró a Richard Pryor como uno de los protagonistas del film.
Se rodaron muchas más tomas del Caballero Rojo que las aparecidas en la película, pero Gilliam descubrió que cuanto menos mostraba al personaje, más poderosas eran sus escenas, así que decidió reducirlas al mínimo.
En el videoclub se pueden ver los posters de Brazil (1985) y Las aventuras del barón Munchausen (1988).
A Howard Stern le pidieron cintas de su programa, pero el locutor radiofónico les dijo que quería ser consultor de la película, ya que lo estaban tomando como modelo para el personaje de Jack. El estudio no quería pagarle a Stern y lo rechazaron, y a su vez Stern se negó a darles sus cintas.
El papel de Mercedes Ruehl se basa en una propietaria de videoclub italo-americana que conocía Richard LaGravenese.
El concepto original de Beatrix Aruna Pasztor para el Caballero Rojo era un traje hecho con cosas encontradas, como restos de piezas de metal, partes de automóviles o desechos industriales de todo tipo, pero Terry Gilliam quería que fuera algo más puramente medieval y se cambió por la imagen infernal vista en la película.
Originalmente Gilliam había escogido la canción "Groovin'" de The Young Rascals para que fuera la que los vagabundos le cantan a Jack al comienzo de la película, pero al final se decantó por "How About You?" por sugerencia de Harry Nilsson, quien canta la canción de los créditos finales.
Mercedes Ruehl escribió una tesis sobre "La tierra baldía" de T. S. Eliot y la leyenda del rey pescador mientras estaba en la universidad.
Inicialmente Stephen Sondheim no permitió que reescribieran las letras de sus canciones para la película, pero como Michael Jeter, quien tenía un papel como vagabundo, era amigo del compositor, al final permitió que reescribieran "Everything's Coming Up Roses".
Richard LaGravenese tiene un cameo como un hombre con una camisa de fuerza.
La película tiene varios paralelismos con la historia del Grial. Parry es el diminutivo de Parsifal o Perceval, uno de los caballeros de la mesa redonda del rey Arturo, que busca el Santo Grial. Parsifal es el elegido para curar al rey pescador, que en la película sería Jack. Además Parsifal también lucha contra un caballero rojo.
En las estanterías del videoclub de Anne se pueden ver entre otras las siguientes películas en VHS: Head (1968), Roxanne (1987), Ahora me toca a mí (1980), Un beso para Birdie (1963), Mira quien habla (1989), Ifigenia (1977), A sangre fría (1967), California Suite (1978), Black Ghost (1990), Dracula padre e hijo (1976), Materia caliente (1979), Funny Girl (1968), Mis siete hijos (1955), Loving You (1957), Un espía super guay (1987), Escuela de genios (1985), Un beso para Birdie (1963) y Ciclón (1987). Todas son películas distribuidas por la Columbia.

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