Saturday, March 18, 2023

Hidden

"Mató a doce personas e hirió a veintitrés. Robó seis coches, la mayoría Ferraris. Atracó ocho bancos, seis supermercados, cuatro joyerías y una pastelería. A seis de las víctimas las degolló con un cuchillo, dos eran unos chiquillos. Todo eso en una semana." 

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un policía y un agente del FBI unen fuerzas para atrapar a varios criminales que siembran el caos en Los Angeles, que en realidad están poseídos por un alienígena.

Para escribir sobre este pequeño clásico de la ciencia ficción de los ochenta llamado Hidden (The Hidden, 1987) pude contactar con su guionista Jim Kouf y su director Jack Sholder, quienes fueron tan amables de contestar a las breves preguntas que les formulé sobre lo que oculta Hidden. Les estoy muy agradecido a ambos por su ayuda.

OCULTO
Jim Kouf escribió "Hidden" (originalmente sin el "The" inicial) como un spec script. "Un productor amigo mío consiguió el guión de The Hidden para New Line," me confesó Kouf.
"Quería dirigirla," me contó el guionista. "Pero tuve un conflicto. Procedimiento ilegal entró en producción al mismo tiempo. Y estaba produciéndola. Procedimiento ilegal era una producción más grande, y parte de un trato con Disney." De modo que Kouf se quedó fuera del proyecto como director.
Jack Sholder había rodado para la New Line Pesadilla en Elm Street 2: La venganza de Freddy (1985), que había sido todo un éxito, y se postuló como director para la película. Sara Risher, jefa de producción de New Line le ofreció a Sholder el guión de Hidden, el cual le encantó. Según me contó el director, el puesto se disputaba entre él y James Glickenhaus (El exterminador), pero Sholder consiguió convencer al productor Robert Shaye que le diera el trabajo.
Según Sholder, Kouf quería dirigir la película, pero la productora no le dio el visto bueno, eso explicaría porque el guionista está acreditado bajo el seudónimo de Bob Hunt. Sea como fuere, Kouf no siguió trabajando en el guión y Sholder creyó que eran necesarios algunos cambios. Por ejemplo, le dio al personaje de Beck una hija, y creó un pasado para Gallagher, haciendo que el alienígena malvado fuera el asesino de su mujer e hija. Además reescribió el final con Gallagher traspasándose al cuerpo de Beck y su hija sabiendo que él no es su padre. También cambió que la fábrica en la que Beck y Gallagher entran persiguiendo al villano no fuera de zapatos, tal y como estaba escrito, sino de maniquíes, ya que Sholder creyó que encajaba mejor con el subtexto de la película.

REPARTO
Michael Nouri inicialmente leyó para el papel de Lloyd Gallagher, pero terminaría interpretando el de Tom Beck, el policía humano, ya que básicamente no encontraron a ningún actor mejor.
Aún les quedaba conseguir a quien interpretase al otro personaje principal, Lloyd Gallagher, el alienígena oculto en un cuerpo humano. Hubo dos contendientes finales para el papel, Kyle MacLachlan y Peter Gallagher, aunque New Line prefería al segundo, Sholder apostaba por MacLachlan. "Sentían que tenía una presencia más fuerte que la de Kyle," me contó Sholder. "Dije que el hecho de que Kyle pareciera más débil, pero al final fuera fuerte, lo convertía en una mejor elección, y al final estuvieron de acuerdo." MacLachlan se hizo con el papel sólo cuatro días antes de empezar el rodaje.
Según contaba Nouri a Starpulse, él y MacLachlan eran amigos e hicieron un pacto cuando estaban haciendo las audiciones, de participar en la película si al otro lo escogían. Al final ambos fueron contratados.
Lin Shaye (Insidious) fue contratada para el papel de Carol Miller. Lin era la hermana del productor de la película Robert Shaye. La actriz volvería a trabajar con Sholder en la película para televisión Retrato de un asesino (1995).
El mexicano Danny Trejo realizó aquí uno de sus primeros papeles en el cine, como un preso encerrado en una celda. Cuando Sholder vio una foto suya que le enseñó el director de casting, sabía que encajaría perfectamente en el papel.
El resto del reparto lo forman Claudia Christian (en la piel de la stripper Brenda), Clarence Felder (en el papel del teniente John Masterson), Clu Gulager (como el teniente Ed Flynn), Ed O'Ross (interpretando al policía Cliff Willis), William Boyett (en el papel de Jonathan Miller, uno de los portadores del alien), Richard Brooks (dando vida al policía Sanchez), Katherine Cannon (como Barbara Beck, la mujer de Michael Nouri) y Chris Mulkey (en el papel de Jack DeVries, otro de los huéspedes del alien).

RODAJE
El rodaje tuvo lugar en la ciudad de Los Angeles, utilizando diferentes localizaciones de la misma como MacArthur Park o el Park Plaza Hotel.
Sholder tuvo la idea de ensayar con todos los actores que darían vida al villano juntos. Los reunió el día antes de empezar a rodar con la idea de que todos se comportaran y movieran de una forma similar, ya que interpretarían al mismo personaje. En ese ensayo también estaba presente el perro que aparecería en la película con su entrenador, como querían que en todas sus formas el alien hiciera algo característico, tomaron como referente al perro, quien sacaba la lengua cuando se enfadaba, de modo que todos los actores imitaron ese gesto cuando interpretaron al alien en la película.
Nouri fue un grano en el culo para el director a lo largo de todo el rodaje, negándose a hacer lo que éste le pedía. Por su parte Kyle era todo lo opuesto.
Según cuenta Sholder en el libro Twisted Visions, ya en el primer día del rodaje empezaron los problemas. Rodando la escena fuera de la tienda de discos, Nouri debía alcanzar andando a MacLachlan, pero se negó a hacerlo, y quería que MacLachlan le alcanzará a él. Tuvieron que repetir una y otra vez la escena, hasta que al final el director consiguió que Nouri hiciera lo que estaba previsto.
Algo similar ocurrió cuando rodaron la escena en la que Beck y Gallagher entran en el almacén de los maniquíes, Nouri se negó a realizar lo que estaba escrito en el guión y tuvieron que repetir la escena en varias ocasiones hasta que en el última toma dijo el diálogo tal y como estaba previsto, pero Sholder harto de Nouri, decidió cortar ese momento. Sólo porque New Line echó en falta esa escena, que Sholder la volvió a poner en la película.
Una de las secuencias más memorables de la película es la persecución de coches. Sholder la vio como un reto cuando el productor Robert Shaye le dijo que sólo sería una persecución más. El director estudió las grandes persecuciones del cine para encontrar la clave que le llevara a rodar una gran persecución, y lo cierto es que lo consiguió. Decidió utilizar tres cámaras en el coche, una colocada en el parachoques, otra en el asiento del conductor como si fuera su punto de vista y la tercera sobre el hombro del conductor. La primera parte de la persecución la rodó la segunda unidad siguiendo el storyboard de Sholder, y el director se encargó de rodar la segunda parte y todo lo relacionado con los actores. "Teníamos cuatro Ferraris," me explicó Sholder. "Uno estaba en condiciones nuevas (usado pero repintado, etc.), dos estaban en varias etapas de daño, y uno era sólo la carrocería que volamos al final de la persecución. New Line quería usar Corvettes porque eran más baratos a pesar de que el guión decía Ferrari. Insistí en Ferraris que creo que fue la elección correcta. El departamento de transporte arregló los autos dañados y vendió los tres, así que al final no costó mucho."
La película comenzaba con el alienígena malvado atracando un banco, pero Robert Shaye consideró que sería costoso, Sholder estuvo de acuerdo que no aportaría nada a la película y decidieron eliminar el robo, y mostrar al alienígena saliendo directamente del banco con el dinero. Pero una vez vieron la película montada ese arranque no funcionaba, y a Sholder se le ocurrió rodar un plano desde la perspectiva de una cámara de seguridad mostrando el atraco, que culmina con el villano sonriendo a la cámara. Hidden ya tenía su gran comienzo.
La primera escena que rodó Claudia Christian fue en la que hace un striptease, y según declaró a Starlog fue para ella una experiencia muy aterradora. Aún así quedó muy contenta con la película y con el hecho de trabajar en ella.
Hidden es una película llena de acción y acrobacias, una de las más peligrosas fue el momento en que el alien malvado dentro del cuerpo de Claudia Christian, salta desde un edificio a la calle. Esta acrobacia la realizó realmente un hombre con peluca, quien saltó a una bolsa gigante llena de aire.
Los pases previos de la película tuvieron una gran aceptación, y parecía que tenían un éxito entre manos, pero cuando llegó a las salas de cine el 30 de octubre de 1987 sólo recaudó 9.748.233 de dólares. Como su presupuesto había sido de 5 millones prácticamente se recuperó la inversión. Pero la película sería realmente descubierta gracias al vídeo y con el paso del tiempo se convertiría en una película de culto.

VALORACIÓN
Aunque no es muy popular, Hidden es una de las películas de ciencia ficción más atractivas de los ochenta. Tiene un planteamiento harto original, con ese alien que va pasando de un cuerpo a otro,  mientras comete todo tipo de fechorías, básicamente por diversión; pero es que además es una  estupenda buddy movie con mucha acción, que hacen del conjunto algo único.
El villano representa lo peor de la raza humana, es violento, mezquino, grosero y malvado, pero es un ser totalmente libre, que hace lo que quiere y cuando quiere. Y Gallagher representa lo mejor, es bondadoso, sincero y fiel. A lo largo de la película ambos van descubriendo lo que significa ser humano.
El planteamiento de la película tiene un punto dramático que funciona muy bien, que de pronto cualquiera persona inocente se puede convertir en la más malvada, y un amigo o un compañero puede ser tu mayor enemigo.
La película tiene un sentido del humor retorcido y juguetón. Como que los aliens tengan predilección por los coches deportivos (y el que Gallagher conduzca un Porsche sea una pista de que en realidad es un alienígena). Ese momento en el que el extraterrestre malvado se mete dentro del cuerpo de Claudia Christian y se sorprende por tener pechos. Que Gallagher queme con un lanzallamas a un político que porta al alien, el cual sale de éste demostrando el mal que llevaba en su interior. El coitus interruptus que sufre el hombre que trata de acostarse con la stripper. Y resultan hilarantes esos momentos en que conocidos de las personas poseídas por el villano dicen de ellos que son gente honrada y de conducta intachable, y a continuación los vemos cometiendo todo tipo de delitos.
Sin explicarnos demasiado vemos que hay diferencias entre el alien bueno y el malo. Hay una historia detrás que sólo nos revelan tangencialmente, lo que es un acierto, somos nosotros los que rellenamos los huecos. Por ejemplo, ambos tienen formas diferentes de traspasarse a otro cuerpo, aunque los dos lo hacen a través de la boca, el villano se introduce literalmente dentro del cuerpo anfitrión, mientras que Gallagher lo hace mediante un traspaso de energía. Tras sufrir varias heridas mortales al final de la película, vemos como Gallagher está recuperado en el hospital, lo que nos dice que es capaz de sanar el cuerpo que porta, mientras que su némesis mata siempre a su huésped.
La película se sumó a la moda de los buddy movies imperante en la década de los ochenta, y es una de la más originales, ya que forman pareja un policía humano y un alien, algo que la sitúa en las mismas coordenadas cinematográficas de Alien nación (1988), aunque Hidden es superior.
Y podemos ver influencias de Hidden en la película Fallen (1998), que repite básicamente la misma premisa con un demonio en lugar de con un alien. También en Viernes 13: El final. Jason se va al infierno (1993), que copia el mismo punto de partida, con Jason convertido en un ser que pasa de un cuerpo a otro. Y Mutación asesina (1991), que coge la idea de un alien que llega a la Tierra y va cambiando de cuerpo humano como quien cambia de traje, mientras una policía trata de atraparlo.
Sholder realizó aquí la mejor película de su carrera, se le nota inspirado en todo momento. Rueda con energía las persecuciones (algo que volvió a demostrar en Dos renegados), la primera con el villano a bordo de un Ferrari, resulta divertida porque éste no siente ningún respeto por la vida de aquellos a los que se cruza, y parece estar jugando al Carmageddon. Utiliza hábilmente la cámara lenta en el clímax con Gallagher y el lanzallamas. Y se nota su experiencia en el terror, ya que se mueve bien en ese tipo de escenas, como la del traspaso de cuerpo en el hospital, con la posterior reanimación a Miller.
Todo el arranque le da a la película un gran ritmo y nos mete en la acción en cuestión de segundos. Y es que Hidden no afloja el ritmo en ningún momento, no hay tiempos muertos ni rellenos innecesarios. Desde el minuto uno pisa el acelerador, y ya estamos metidos en plena acción, en medio de la búsqueda de la policía al villano, quien lleva en ese momento cometidos una larga serie de crímenes. Se agradece que no sepamos de entrada que se trata de un alien, y vayamos descubriendo los giros de la trama poco a poco, resulta así más interesante. 
Todo lo que muestra el guión está ahí por una razón, como la cena de Gallagher en casa de Beck, que sirve para descubrir el pasado de Gallagher y saber que perdió a su familia; el ver a la de Beck, le recuerda a la suya. Es en esa escena donde ambos personajes se unen.
Aunque no se la recuerde como tal, Hidden es una gran película de acción. Además tiene un villano memorable, que por momentos parece un Terminator, incluso hay una escena en la que mata a varios policías en una comisaria, como sucedía en el film de James Cameron.
Pese a que Nouri se llevó en el momento del estreno los premios y el reconocimiento, creo que Kyle MacLachlan es el que destaca de los dos, como ese extraño agente del FBI (años antes de Twin Peaks) que oculta a un alien en su interior, en un plan de venganza, y que está perdido sin saber como comportarse como un humano (es divertido ese momento en que trata de tomarse una pastilla como si fuera una aspirina efervescente).
Para ser una producción de serie B tiene unos efectos realmente conseguidos, el momento del hospital con el alien pasando del cuerpo de DeVries a Miller sigue funcionando de maravilla y resulta muy realista (y asqueroso).
Esta escena demuestra además que la película va muy rápido, ya que han pasado poco más de 10 minutos y ya se nos desvela uno de los giros de guión.
Hidden es una de los joyas ocultas de la ciencia ficción de los 80. Un film entretenidísimo, con un gran ritmo y tremendamente original. Si no la conocéis podéis darle una oportunidad, puede que os llegue muy dentro.

CURIOSIDADES
Jack Sholder considera esta película la mejor de su carrera.
Ganó el Gran Premio del "Festival Internacional de Cine Fantástico de Avoriaz" de 1988.
Fue nominada a los premios Saturn en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor director (Jack Sholder), mejor actor (Michael Nouri) y mejor guión (Jim Kouf).
En el Festival de Cine de Sitges de 1987, Jack Sholder recibió el premio del jurado y Michael Nouri ganó el premio al mejor actor.
Ganó el premio al mejor director (Jack Sholder) en el Festival de Fantasporto de 1988.
Debut en el cine de Claudia Christian.
En 1993 se estrenó Hidden 2: El regreso, secuela de esta película, aunque no repiten ninguno de sus responsables.
Jack Sholder le pidió a Danny Trejo que improvisara una frase en la escena de la comisaria, y éste soltó: "Tú, matón, ¿a quién vas a sacar?" ("Yo, hippie, what kinda dude are you?" en la versión original).
Danny Trejo volvió a trabajar con Jack Sholder en 12:01, testigo del tiempo (1993) en la que también interpretó a un convicto.

BIBLIOGRAFÍA
Entrevista a Jim Kouf (oct 2022)
Entrevista a Jack Sholder (dic 2022)
Where Fate Has Taken Me (The Flashback Files, sep 2020)
Interview: Director Jack Sholder for THE HIDDEN (Nightmarish Conjurings, 12 jun 2018)
Starlog Magazine (Nº 204)
Interview With Jack Sholder (Filmmonthly, 13 abr 2015)
Twisted Visions: Interviews with Cult Horror Filmmakers (Matthew Edwards, 2017)

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Friday, February 17, 2023

El bueno, el feo y el malo

"El mundo se divide en dos categorías, los que tienen revolver cargado y los que cavan. Tú cavas."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tres forajidos buscan durante la guerra de Secesión, un botín de 200.000 dólares en oro.

POR UN TERCER PUÑADO DE DÓLARES
Durante una reunión en Roma, en la que vendieron a la United Artists los derechos de distribución de La muerte tenía un precio (1965), varios miembros del estudio, entre los que se encontraba Arnold Picker, presidente de operaciones internacionales, le preguntaron a Sergio Leone (director), Alberto Grimaldi (productor) y Luciano Vincenzoni (guionista), cual sería su siguiente película, ya que querían prolongar su colaboración. Los tres se quedaron en blanco, ya que no tenían ningún proyecto entre manos, y fue Vincenzoni quien improvisó una respuesta, explicando que se trataría de la historia de tres bandidos que buscan un tesoro durante la Guerra Civil Americana. Cuando le preguntaron cuanto costaría, Vincenzoni les respondió que 1 millón de dólares, y a la gente de la United le pareció correcto. Así llegaron al acuerdo, por el cual Vincenzoni se llevó un jugoso porcentaje y la United Artists por su parte, a cambio de su inversión percibiría el 50% de la recaudación fuera de Italia. El bueno, el feo y el malo (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), que terminaría costando 1.300.000 millones de dólares, comenzaba a cabalgar.
Aunque tiempo después, Leone dio una versión diferente de la autoría del proyecto, anotándose el tanto de su origen. "Ya no me sentía presionado para ofrecer al público una película diferente," explicaba el director en el libro Sergio Leone: Something To Do With Death de Christopher Frayling. "Ahora podía hacer exactamente el tipo de película que quería. Fue mientras reflexionaba sobre la historia de La muerte tenía un precio, y lo que la hizo funcionar, sobre los diferentes motivos de Van Cleef y Eastwood, cuando encontré el centro de la tercera película. Siempre había pensado que lo 'bueno', lo 'malo' y lo 'violento' no existían en un sentido absoluto, esencial. Me pareció interesante desmitificar estos adjetivos en el marco de un western." Y además declaró que lo que le interesaba en la película también era, "mostrar lo absurdo de la guerra. La Guerra Civil con la que se encuentran los personajes, en mi marco de referencia, es inútil y estúpida, no implica una 'buena causa'."
Gracias al acuerdo con los americanos, la Produzioni Europee Associate (PEA) de Grimaldi, pudo producir la película en solitario, a diferencia de con Por un puñado de dólares (1964) y La muerte tenía un precio (1965), que habían sido co-producidas con España y Alemania.
Vincenzoni y Leone escribieron en tan solo 11 días el guión de "I due magnifici straccioni" (como se conoció inicialmente a la película, cuya traducción sería "Los dos magníficos harapientos"), con la ayuda del dúo Age y Scarpelli (ápodos de Agenore Incrocci y Furio Scarpelli). Pero Leone quedó muy descontento con el trabajo de estos dos últimos. Para completar el guión tuvo que recurrir a escritores fantasma, siendo el principal de ellos Sergio Donati, algo que ya había hecho en La muerte tenía un precio (1965). Donati estuvo muy involucrado en la película, y trabajó codo con codo con Leone aproximadamente durante 8 meses, aunque no fue acreditado como guionista.

REPARTO
Tras haber trabajado juntos en Por un puñado de dólares y La muerte tenía un precio, Leone quiso contar de nuevo con Clint Eastwood para dar vida a Rubio, el "bueno" de los tres personajes principales. La serie Cuero crudo (1959-65) protagonizada por el actor acababa de terminar, y tenía la agenda libre, pero inicialmente fue reticente de aceptar la oferta de Leone (y según Vincenzoni en caso de no aceptar, el director tenía en mente a Charles Bronson como sustituto). El director viajó a California para tratar de convencerle, algo que consiguió gracias a un acuerdo de lo más lucrativo, el actor pasó a cobrar un sueldo de 250.000 dólares y un 10% de los beneficios netos en los países occidentales, lejos estaban los 15.000 dólares que había cobrado dos años antes en Por un puñado de dólares (1964), y eso que los dos primeros spaghetti westerns que había rodado con Leone, aún no se habían estrenado en Estados Unidos.
Para interpretar a Tuco, el "feo" del trío protagonista, Leone consideró a Gian Maria Volontè, con el que había trabajado en Por un puñado de dólares (1964) y La muerte tenía un precio (1965). Pero el director consideró que necesitaba a un interprete con un talento cómico innato. Y se fijó en Eli Wallach en La conquista del Oeste (1962). El actor recibió una llamada de su agente con la propuesta de participar en un spaghetti western, y se reunió con el director en los estudios de la Paramount, quien para convencerle de que trabajase en la película, le mostró La muerte tenía un precio (1965). Según contaba el actor, a los cinco minutos de película, aceptó trabajar con Leone. Para componer a Tuco, el actor tomó prestada la forma de vestir de Leone, quien utilizaba tirantes y cinturón. Por su parte Leone, no quería que Tuco llevara el revolver en una funda, prefería que lo llevara colgado de una cuerda alrededor del cuello. Quiso demostrarle como debía hacer para atrapar el arma con un giro de sus hombros, pero al hacerlo no cogió la pistola al vuelo, y ésta le golpeó en la ingle. Después de lo sucedido, Leone le dijo que mejor la llevara metida en el bolsillo.
Y para el papel del tercero en discordia, el "malo" Sentencia (que el guión original era llamado "el hombre de negro"), originalmente Leone quiso a Charles Bronson, pero el actor había firmado para rodar Doce del patíbulo (1967), así que quedó descartado. Después le ofreció el papel a Lee Van Cleef, con quien había trabajado en La muerte tenía un precio (1965). El actor cobró un cheque de 40.000 dólares, una mejora respecto a los 17.000 dólares que había ganado por su anterior película con Leone.
El resto del internacional reparto fue compuesto por Aldo Giuffrè (como el alcohólico capitán de la Unión), Luigi Pistilli (en la piel del Pablo Ramirez, hermano de Tuco), y Rada Rassimov (en el papel de Maria). Y al rodarse en España, la película contó con actores originarios del país como Antonio Casas (Stevens), Sergio Mendizábal (cazarrecompensas), Antonio Molino Rojo (capitán Harper), Lorenzo Robledo (Clem), o Frank Braña (cazarrecompensas).

RODAJE
El rodaje tuvo lugar entre abril y julio de 1966, trece duras semanas que exigió lo máximo de todos los responsables. Se rodó en diferentes localizaciones de España, más concretamente en Tabernas (donde se volvió a utilizar el pueblo construido para Por un puñado de dólares, y que ha sido utilizado en multitud de spaghetti westerns), el desierto de Almería, Covarrubias (la batalla del puente y su posterior explosión), cerca de Guadix (escena de la estación de tren), Colmenar Viejo (pueblo en el que tiene lugar el tiroteo entre Rubio y Tuco contra los hombres de Sentencia), en Carazo, a las afueras de Burgos (donde se erigió el campo de concentración Betterville), y en el Valle de Mirandilla, cerca de Santo Domingo de Silos, también a las afueras de Burgos (se construyó el cementerio de Sad Hill). También se filmaron algunas escenas en los estudios Elios Film de Roma.
El rodaje fue un caos de idiomas, donde se mezclaban italiano, español e inglés. Los actores provenientes de diferentes nacionalidades hablaban en su lengua materna, para después ser doblados al idioma de cada país donde se estrenase la película. Eastwood, Wallach y Van Cleef también tuvieron que doblarse a si mismos, algo que no sucedía en el cine americano.
Leone no hablaba inglés, algo que dificultaba la comunicación con sus estrellas norteamericanas, de modo que utilizaba un interprete para darles las indicaciones. Con Wallach no necesitaba un intérprete, ambos se comunicaban normalmente en francés.
Ennio Morricone compuso los temas principales para la película antes de comenzar el rodaje, por lo que Leone pudo rodar las escenas en función de la música. El compositor creó una partitura increíble, que ha quedado ligada a la película para siempre. Como el característico tema con el que abre la película (el homónimo "The Good, The Bad And The Ugly"), cuyos aullidos trataban de simular los de un coyote.
Entre tomas, Eastwood se dedicaba a jugar al golf. Pero su relación con el director no fue tan buena como en las dos películas anteriores. El actor estaba cansado del perfeccionismo de Leone y de la cantidad de tomas que realizaba, además no estaba contento de ver su participación en pantalla reducida con respecto a Por un puñado de dólares La muerte tenía un precio.
Y para colmo de males, Eastwood tuvo que ausentarse del rodaje y volar a Roma, para iniciar una demanda contra Jolly Film, una productora italiana responsable de Por un puñado de dólares, que había licenciado un par de episodios de Cuero crudo y quería unirlos para estrenarlos como una única película con el título de "The Magnificent Stranger", sobra decir, que eso nunca llegó a suceder.
El rodaje comenzó en las afueras de Roma, donde en un set del Oeste ubicado en Elios Film, rodaron la escena en la que Rubio entrega a Tuco para cobrar la recompensa, y éste le grita de todo.
Dos días después, el rodaje se desplazó a España. Eastwood y Wallach volaron juntos desde Roma a Madrid. Pasaron la noche en la casa de un amigo y tuvieron que compartir cama, para después emprender rumbo a Almería al día siguiente, donde continuaría el rodaje. Como Eastwood no se sentía seguro con las aerolíneas locales, decidió alquilar un coche y un chófer para viajar a Almería, y Wallach le acompañó.
El segundo día de rodaje en Almería, continuaron rodando la escena que habían empezado a rodar en Roma, la del ahorcamiento de Tuco. Wallach se tuvo que subir a un caballo con una soga al cuello y las manos atadas a la espalda, un técnico de efectos especiales había colocado una pequeña carga de dinamita en la cuerda, que simularía el disparo que realizaba Eastwood desde el granero. Wallach instó a Leone para que colocaran algodones en los oídos del caballo, para así amortiguar la detonación, por miedo a que se asustara, pero Leone afirmó que no era necesario, ya que la escena no era peligrosa. Cuando llegó la hora del disparo, la explosión de la dinamita asustó tanto al caballo que salió corriendo como alma que lleva el diablo con Wallach sobre él, quien al tener las manos atadas sólo podía tratar de detenerlo gritándole y usando sus rodillas, mientras trataba de no caerse. Al final el caballo se detuvo después de correr durante más de un kilómetro. Y para colmo de males, Wallach se quedó medio sordo durante ese día. Ésta fue una de las varias ocasiones en las que a Wallach el rodaje casi le cuesta vida.
De Almería el rodaje se trasladó a Covarrubias, donde rodarían la escena de la batalla y la explosión del puente. El general Franco cedió mil soldados para la escena de la batalla y para realizar labores de mano de obra. Además permitió que la película usara cañones y armas auténticas de la Guerra de Secesión del "Museo del Ejército" de Madrid. El equipo técnico de la película con ayuda del ejército español, levantaron durante un mes el puente, y además se construyó una presa para aumentar el caudal del arroyo que corría por debajo.
Y fue aquí donde tuvo lugar la anécdota más recordada del rodaje, ya la que la voladura del puente tuvo que realizarse dos veces. Hay diferentes versiones de lo que sucedió, pero según Wallach (tal y como recogía la revista Imágenes de actualidad) básicamente lo que ocurrió fue que, "el hombre que había preparado los explosivos para esta escena era un capitán del ejército español. El hombre de efectos especiales le había dicho que era un honor tenerlo ayudando en el plató, y en consecuencia, el honor de apretar el botón para volar el puente le correspondía a él. El capitán no deseaba hacerlo, pero el hombre de efectos especiales dijo: 'Claro que sí, simplemente escuche, y cuando yo diga '¡Vaya!', pulse el botón. Y mientras le decía esto, uno de los ayudantes preguntó: '¿Quiere que ponga una de las cámaras pequeñas ahí?', y él respondió: 'Sí, vaya a hacerlo.' El capitán oyó la palabra 'vaya', apretó el botón y el puente voló por accidente. Leone se puso furioso. '¡Lo mataré!', decía, '¡Le dispararé apenas lo vea! ¡Está despedido!'." Y el hombre de los efectos se marchó, pero el capitán se acercó a Leone y le prometió reconstruir el puente en tres días con sus hombres, con la condición que no despidiese al hombre de los efectos. El director aceptó a regañadientes. A los tres días el puente estaba reconstruido y pudieron volarlo por los aires. Leone quería que Eastwood y Wallach estuvieran en el plano de la explosión a unos diez metros de la misma, pero Eastwood se negó, así que a Leone no le quedó más remedio que utilizar unos dobles para ambos actores.
Según contaba el ayudante de dirección Fabio Fava, Van Cleef, quien era famoso por sus problemas con el alcohol, comenzó el rodaje bebiendo más de la cuenta, lo que provocó que cuando rodó una pelea en la cantina del pueblo de Socorro (después eliminada del montaje final), el actor atizó auténticos puñetazos a los especialistas. Tuvieron que suspender el rodaje. La solución para mantener bajo control al actor, fue invitar a su mujer e hija al rodaje, lo que hizo que el actor redujese considerablemente su ingesta de alcohol.
Leone y Wallach se llevaron de maravilla, y ambos se retaban en las escenas a modo juego, por ejemplo, en la escena de la armería, Leone le dijo que desmontara varias pistolas y que montara una con diferentes piezas. El actor, a quien no le gustaban las armas, improvisó toda la escena mientras Leone rodaba y rodaba. Cuando iba a salir de la tienda, Wallach cogió el letrero de "Abierto", que colgaba de la puerta, y se lo puso en la boca al dependiente con el lado de "Cerrado" a la vista. Leone entre risas dio por buena la escena y la mantuvo en el montaje final.
En la escena del cementerio, cuando Tuco llega y camina hacia el centro del mismo, Leone le dijo que caminara con seriedad y tensión, y justo cuando empezaron a rodar, soltó sin avisar un perro entrenado para que corriera hacia Wallach, quien al verlo se asustó. Según contaba Wallach, el director quería romper la tensión dramática y filmar una respuesta natural de sorpresa por su parte.
Pero ese juego se terminó, cuando tocó rodar la escena en la que Tuco trata de romper las esposas que le unen a un soldado de la Unión, usa para ello una vía de tren. El equipo de efectos especiales había creado unas esposas que se romperían con facilidad cuando el tren pasara por encima. El actor rodó personalmente el plano pegado a las vías, mientras el tren pasaba justo a su lado, ya que Leone quería que el público viera que era él quien estaba allí y no un doble, cuando Tuco girara la cabeza. Lo que no había previsto la producción, eran las escaleras metálicas que sobresalían del tren. La suerte estuvo de parte de Wallach, quien permaneció con la cabeza agachada toda la escena, pero si la hubiera levantado seguramente había sido decapitado. Pero Leone no quedó convencido con el plano y le pidió al actor repetirlo para que se le viera mejor la cara, Wallach puso como condición que la zanja donde estaba metido fuera más profunda. Así se hizo, el tren dio marcha atrás y rodaron de nuevo el plano, pero ahora la cara de Wallach no se veía correctamente porque estaba demasiado metido en la zanja. Leone quería volver a rodarlo, pero Wallach se negó. Al director no le quedó más remedio que quedarse con el primer plano que habían filmado.
Y hubo una tercera ocasión en la que a Wallach el rodaje casi le cuesta la vida. Rodando la escena del cementerio, debía romper con una pala una de las bolsas con el oro, pero como el cuero era muy duro, el encargado de utilería usó ácido para debilitarla y que así fuera más fácil romperla. Pero dejó el ácido en una botella similar a la de una limonada española que Wallach solía tomar, por eso el actor cuando vio la botella le hecho un trago, pero de inmediato notó el ácido en la boca, y lo escupió sin haberlo tragado. Su rapidez le salvó la vida.
Y el popular cementerio de Sad Hill fue construido para la ocasión por cientos de soldados españoles. Leone quería que recordara a un antiguo circo romano, y el diseñador de producción Carlo Simi y su director de arte, Carlo Leva, lo diseñaron con forma circular. El cementerio estaba compuesto por 10.000 tumbas. 
En la escena final, después de que Rubio dispare a la cuerda de la soga de Tuco, estaba previsto que éste lo persiguiera corriendo mientras una toma desde un helicóptero se alejaba de él, quedando como un pequeño punto en el cementerio. Pero no consiguieron que funcionase, ya que la cámara temblaba mucho en el helicóptero. Así que la escena quedó como se ve en la película.
La duración de la película fue un problema. El primer montaje se iba a las cuatro horas, que no era admisible por parte de la United Artists. Vincenzoni trató que Leone cortara la película, lo cual agrió mucho su relación con el director. Para intentar llegar a una duración de tres horas, Donati tuvo que encontrar la forma de acortar la película sin afectar al resultado final. Se eliminó una parte completa de la película, y después se aprovechó la escena entre Lee Van Cleef y el soldado sin piernas, para la que Donati escribió nuevos diálogos, haciendo que explicaran lo que había sucedido en el metraje que se había cortado. Con trucos así llegaron a un montaje de tres horas, pero no era suficiente para la UA, así que al final la película conoció dos montajes, uno de tres horas para la versión original italiana, y uno de 148 minutos para la versión internacional.
Cuando la película estaba en el proceso de doblaje para la versión americana, Donati descubrió que no se estaban haciendo las cosas como era debido. Para conseguir que las palabras dobladas encajasen con el movimiento de los labios cambiaron drásticamente los diálogos. Para evitar que destrozaran la película, Donati se pasó tres meses supervisando el doblaje.
Durante el rodaje, Leone le habló a Eastwood de realizar juntos un cuarto western, que se conocería como Hasta que llegó su hora (1968), pero el actor no estaba interesado y quería abordar otros proyectos. De esa forma El bueno, el feo y el malo significó la última película del tándem Leone-Eastwood.
La película se estrenó en Italia el 23 de diciembre de 1966 y fue un éxito enorme, recaudando 4.300.000 millones de dólares, reuniendo a 11.364.221 de espectadores (sólo fue superada por Doctor Zhivago). Llegó a Estados Unidos un año después, el 29 diciembre de 1967, y fue un gran éxito, recaudando la sorprendente cifra de 25.100.000 de dólares.

LAS DIFERENTES VERSIONES
En 2003, se realizó la restauración de la película, y se incluyeron las escenas incluidas en la versión italiana (de 3 horas), y que faltaban en la versión internacional (de 148 minutos). Eastwood y Wallach se doblaron a si mismos para esas escenas, y debido a que Van Cleef  había fallecido, fue doblado por Simon Prescott. De esa forma se pudieron recuperar las siguiente secuencias:
1. Sentencia llega a un fuerte de los confederados que ha sido destruido. Habla con un capitán, al que le pregunta por Bill Carson, y tras darle una botella de vino, éste le cuenta que probablemente lo encontrará en el campo de prisioneros de Betterville.

2. Tuco se sienta en medio del desierto para refrescar sus pies en remojo, mientras Rubio se muere de sed. Rubio trata de beber el agua donde Tuco se lava los pies, pero éste la termina volcando mientras se ríe.

3. Tuco llega en el carromato a un fuerte confederado con Rubio en la parte de atrás. Le pregunta a un sargento donde puede encontrar una enfermería, y éste le explica que están cerca de Apache Canyon, que a su vez está cerca de la misión de San Antonio, donde se encuentra el hermano de Tuco.

4. Tras salir de la misión de San Antonio, Tuco busca en un mapa hacia donde deben dirigirse, y Rubio trata de averiguar el destino, pero el primero no se deja engañar.

5. Después de que Tuco se suba al tren, hay una escena nocturna, en la que mientras Sentencia y Rubio duermen, hacen acto de presencia los hombres del primero, y Rubio mata a uno de ellos que se acerca en la oscuridad.

6. El capitán lleva a Rubio y Tuco por el campamento, y les dice que el bando que tenga más alcohol para emborrachar a sus soldados y enviarlos a la muerte, será el ganador. Les pregunta sus nombres, pero ellos no le responden.

7. La escena del capitán agonizando es un poco más larga, así como el momento posterior en el que Rubio y Tuco colocan los explosivos en el puente.

Existe una escena que no fue incluida en ninguna de las versiones. En ella, Tuco entra en una cueva con un pollo, se sienta junto a una olla hirviendo y comienza a lamentarse por los tres amigos que solía tener. Mientras está hablando solo, estos bajan del techo por unas cuerdas y hablan con Tuco. Estos son los tres mexicanos que tratan de matar a Rubio en el hotel.

VALORACIÓN
El bueno, el feo y el malo siempre ha sido mi western favorito. Lo más genial de ella es que es una película de aventuras, con una búsqueda del tesoro incluida y con unos buscavidas sorteando toda una serie de peligros por el camino.
Los spaguetti westerns hacían lo que los westerns americanos no se atrevían, eran sucios, llenos de personajes amorales y pícaros, cargados de un cínico sentido del humor, y repletos de acción. Y El bueno, el feo y el malo es el máximo exponente de eso. Y sirvió para dignificar el género, al que Leone aportó algunas de sus mejores obras.
El italiano es un narrador increíble y llena la película de detalles puramente cinematográficos, que son un prodigio de la narrativa, con detalles tan sencillos, por ejemplo, como muestra que Tuco cada vez está más cerca de encontrar a Rubio, gracias a los cigarrillos que se va encontrando siguiendo su rastro y como el último se enciende al darle una calada. O ese impagable momento en que Rubio y Tuco se encuentran con unos soldados que creen ser de la Confederación, pero que el polvo oculta que en realidad son de la Unión.
Cuida los personajes, incluso los pequeños, como ese capitán de la Unión que se muere de gangrena y no quiere que los enemigos capturados sean maltratados. O ese otro capitán también de la Unión que ahoga en vino su pena por ver como debe mandar a sus hombres a una muerte segura, algo ilógico, como la propia guerra.
Y es que la película nos habla del sinsentido de la guerra. El bueno, el feo y el malo acontece durante la Guerra de Secesión, pero ésta suele estar en segundo plano, los personajes tienen sus propias aventuras y detrás hay una guerra con la que de forma intermitente se van topando, y de esa forma sutil Leone nos hace patente los horrores de la misma (de hecho, no se corta a la hora de mostrar a personas con extremidades amputadas). Algo que resume toda la película, es la frase de Rubio, "Nunca he visto morir tan estúpidamente." Y para remate, el oro se encuentra en un cementerio (en una tumba sin nombre), donde yacen miles de muertos sin rostro de esa terrible guerra. Pero Leone no sólo habla de la Guerra Civil Americana, también hay referencias a otros conflictos armados, lo que hace más universal a la película, como esas trincheras de la batalla del puente que recuerdan a las de la primera guerra mundial o el campo de concentración que nos retrotrae a la segunda gran guerra.
La película tiene un par de elipsis que me vuelven loco. Esa que pasa del soldado de la Unión limpiándose el polvo, a los pasos de los hombres capturados, y que coincide en el mismo ritmo de golpes y pasos. Y otra, cuando Tuco unido a un soldado por las esposas, alza la vista y encuentra la solución de como librarse de ellas, para en el siguiente plano ya ver al soldado en medio de la vías, y a Tuco a su lado esperando que pase el tren, un ejemplo de pura concisión narrativa.
El uso de la música es fabuloso. Morricone, en uno de sus mejores trabajos, crea momentos de pura épica (el tema "The Trio" sonando durante el duelo final), a otros íntimos (el uso de la canción "The Story Of A Soldier" en el campo de concentración para tapar la paliza que le dan a Tuco), pero el momento que se lleva la palma es el "The Ecstasy Of Gold" sonando a todo trapo mientras Tuco corre por el cementerio (una de las mejores escenas musicales de la historia del cine).
Ya desde el minuto uno, Leone rompe con todo, con ese primer plano que encuadra la cara de un cazarrecompensas, pero sin verse por completo, recortándola por encima y por debajo, algo innovador por aquel entonces. Da la sensación de que Leone va varios años por delante de su tiempo. Sólo hay que fijarse en su uso de las sombras para introducir a un personaje (muchos años antes de Spielberg en En busca del arca perdida (1981)). Leone reduce al mínimo los diálogos, para que sean las imágenes las que hablen por si solas, algo que ayuda la música de Morricone. El director convierte la película en un cómic viviente, con encuadres y planos que hoy día son habituales, pero sorprendentes en aquel momento. Como también es muy cómic la presentación de los tres personajes con sus apodos sobreimpresos mientras suena el "wah wah wah" de la banda sonora. Y la que se lleva la palma es la introducción de Tuco, con el tiempo estirado al máximo, con esos tres cazarrecompensas caminando hasta el salón donde se encuentra el forajido, y que Leone resuelve con Tuco saltando por la ventana, para después en un movimiento de cámara, mostrarnos que disparó a los tres hombres. Y para remate final, y donde se nos confirma que la película es un cómic viviente, es cuando en el clímax, Eastwood aparece con el mítico poncho que ya había utilizado en Por un puñado de dólares (1964) y La muerte tenía un precio (1965), confirmando su indumentaria de héroe y que es posible que el actor interprete al mismo personaje en las tres películas, siendo ésta la primera en orden cronológico de la trilogía del "Hombre sin nombre".
El trío protagonista se sale, Eastwood perfeccionó su papel de pistolero silencioso, Van Cleef demostró ser un gran villano, pero el que roba las escenas, y es el corazón de la película, es Eli Wallach, dotado de un carisma y una vis cómica que capta toda nuestra atención (memorable su forma de atestiguarse o ese momento en que suelta, "Cuando se dispara no se dice nada"). Cada uno tiene su personalidad, Rubio es un inteligente buscavidas, Tuco un superviviente nato, y Sentencia es un hombre despiadado sediento de dinero, pero con un código moral. Wallach consigue que simpaticemos con su personaje, ayuda su carisma, pero también hay detalles en el guión que contribuyen a ello, como esa escena en la que miente a Rubio contándole que tiene una buena relación con su hermano, cuando acabamos de ver que no es cierto (y Rubio también sabe que no lo es).
Todo el tramo final es un tour de force, desde la explosión del puente, a Tuco escapando de Rubio mientras éste le dispara con un cañón, pasando por la escena de "El éxtasis del oro", y terminando con el duelo a tres, es como una montaña rusa que no puede ser más emocionante.
El duelo entre los tres protagonistas, es de esas escenas que hacen que se te ponga la carne de gallina, y es una obra maestra en si misma. Y como le sucede a la de "El éxtasis de oro", es puramente cinematográfica porque no hay diálogos, sólo imágenes y música. Es como una sinfonía visual, un ballet de muerte, bellamente coreografiado. El trabajo de Morricone la eleva a otro nivel, y el montaje es increíble, como Leone empieza con un largo plano general de los tres personajes colocándose en sus posiciones, y como poco a poco los planos son cada vez más cortos y cada vez la cámara está más cerca de los protagonistas, terminando con planos de sus ojos. Y el disparo final nos devuelve al plano general con el que empezó la escena. Lo dicho, magistral.
Merece la pena ver la película en su versión extendida, ya que se explica mejor la historia y se resuelven algunos agujeros que en la versión internacional no quedaban bien cerrados.
El legado de la película es enorme, sólo hace falta ver el cine de Quentin Tarantino, John Carpenter, Robert Rodriguez, Jee-woon Kim o Álex de la Iglesia para darse cuenta de ello. Por otro lado, es muy recomendable ver Desenterrando Sad Hill (2017), sobre le proceso de recuperación del cementerio de Sad Hill, por parte de unos entregados fans.
El bueno, el feo y el malo son tres horas de puro entretenimiento, que se pasan volando. Esto sucede porque, por un lado sigue siendo moderna, y por otro, el tempo con que Leone rueda las escenas hace que cada una de ellas resulten fascinantes, es la suma de una sucesión de set pieces a cada cual mejor. Además consigue que nos interesen los tres protagonistas y lo que les sucede. Es posiblemente el mejor western de la historia, y el más influyente. Una obra maestra buena, bella y nunca mala.

CURIOSIDADES
Para la revista británica "Sight and Sound", tanto Quentin Tarantino como Matthew Vaughn incluyeron a El bueno, el feo y el malo en su lista de las 10 películas preferidas de la historia.
En las escenas de introducción de Rubio, Tuco y Sentencia, al principio de la película, cada uno dispara a tres personas.
En la escena en la que ahorcan a Tuco en el pueblo, Wallach improvisó el gruñido a la señora mayor.
A Lee Van Cleef le faltaba parte de su dedo índice derecho, esto se puede apreciar en el duelo final.
Clint Eastwood lleva el mismo poncho en las tres películas de trilogía del dólar.
La idea de congelar la imagen para presentar a cada uno de los tres protagonistas, fue del diseñador de los títulos durante las post-producción.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
Pese a que se supone que Tuco es el hermano menor del Padre Ramirez, Wallach era realmente catorce años mayor que Luigi Pistilli.
Clint Eastwood, Benito Stefanelli, Aldo Sambrell, Lorenzo Robledo, Antonio Molino Rojo, Mario Brega y Frank Braña, son los únicos actores que aparecen en las tres películas de la "Trilogía del dólar".
Luciano Vincenzoni trató de realizar una segunda parte de la película, y llegó a reunirse con Eli Wallach y Lee Van Cleef, pero Leone nunca estuvo de acuerdo con el proyecto, y éste no salió adelante.

BIBLIOGRAFÍA
Interview with Sergio Donati (Colville-Andersen, 14 mar 2016)
Sergio Leone: Something To Do With Death (Christopher Frayling, 2000)
Bill Shaffer’s Eli Wallach interview (Current Thinking on the Western)
The good, the bad, and me: In my anecdotage (Eli Wallach, 2005)
Clint: The Life and Legend (Patrick McGilligan, 1999)
Imágenes de actualidad (Nº 238)
Clint Eastwood: A Biography (Richard Schickel, 1996)
European Trash Cinema Magazine (Nº 21)
Desenterrando Sad Hill (2017)
La fierecilla domada (Fabio Fava Blog, 8 dic 2011)

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Saturday, January 21, 2023

El único

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un hombre salta de un universo a otro matando a otras versiones de si mismo para asumir sus poderes. Sólo la última versión de si mismo puede detenerle.

El multiverso se ha puesto moda gracias a Spider-Man: Un nuevo universo (2018), Spider-Man: No Way Home (2021), Doctor Strange en el multiverso de la locura (2022) y Todo a la vez en todas partes (2022), pero años antes de todas estas películas, hubo una que ya trató el tema de los universos paralelos, y esa fue El único (The One, 2001). Como la propia película esta reseña formará parte de un multiverso, ya que el mismo día que se publica también lo hará otra reseña de El único en el universo de Cinema Dreamer, de esa forma tendréis la oportunidad de tener dos reseñas distintas sobre la misma película, pudiendo comparar opiniones y diferentes puntos de vista. Un multiverso a la medida de la película. Espero que lo disfrutéis.

EL MULTIVERSO DE LA LOCURA
En abril de 2000, James Wong y Glen Morgan (artífices de Destino final) asistieron a un partido de béisbol en compañía de su agente, quien durante el juego les propuso que hicieran una película con Dwayne Johnson, el cual era también cliente suyo. Inicialmente ambos se negaron, pero tras la insistencia de su agente aceptaron darle una oportunidad. En aquel momento Johnson aún no había estrenado el que fue su debut como actor The Mummy Returns (2001), y era principalmente conocido por ser un luchador de la WWF.
Wong y Morgan tuvieron la idea de enfrentar a la estrella contra si misma gracias a la existencia de los universos paralelos. Morgan había estado leyendo sobre el tema, y durante un viaje en coche a Las Vegas, él y Wong comenzaron a darle vueltas sobre realizar una película partiendo de ese punto de partida. Le presentaron la idea a Joe Roth de Revolution Studios, a quien le gustó de inmediato e hizo una oferta para producir la película. Escribieron el guión de El único en tan solo cinco o seis semanas, y lo presentaron un viernes, el martes ya tenían luz verde. La película sería distribuida por Columbia Pictures. El problema surgió cuando Dwayne Johnson salió del proyecto, en unas declaraciones Morgan dijo que Vince McMahon, jefe de la WWF no permitió que Johnson hiciera la película, y en otras que la razón de que la estrella dejara el proyecto fue que decidió hacer El rey escorpión (2002). Sea como fuere, esto podría haber sido el final de la película, pero Revolution Studios creía en el proyecto y Todd Garner, jefe de producción del estudio, creyó que podía ser el vehículo perfecto para Jet Li, así que voló a París para reunirse con el actor, quien se encontraba rodando allí El beso del dragón (2001). Por suerte a Li le gustó el guión, y en tan solo unos días aceptó protagonizar la película.
"Me interesé de inmediato," explicaba Li a Starlog. "Me gustaron los aspectos de ciencia ficción y el hecho de que interpretaría a un personaje real. También percibí la espiritualidad y la filosofía de la historia."
Dadas las diferencias entre Li y Johnson, las escenas de acción y peleas cambiaron para adaptarlas al actor asiático. "Cuando vi el guión por primera vez, era una típica película de acción-ciencia ficción estadounidense," contaba Li a Cinefantastique. "Pero después de que me contrataran, dije: 'Espera un momento. Me gusta la idea, pero tenemos que hacer algo con las artes marciales'."
Li se trajo al guionista Robert Mark Kamen, amigo suyo y con quien había trabajado en El beso del dragón (2001), para realizar una reescritura. Kamen se preocupó en desarrollar a los personajes y sus motivaciones. Se le atribuyó a los dos personajes interpretados por Li, un arte marcial especifico, que encajaba con la filosofía y forma de ser de cada uno. El villano utiliza el 'Hsing Yi', de movimientos agresivos y de rango corto, ya que es alguien que va directo para conseguir su objetivo; y el bueno usa el 'Ba Gua', que se basa en realizar trayectorias circulares y en mantener el equilibrio como el yin y el yang, ya que el personaje trata de estar centrado y en calma a lo largo de la película.
Así se incluyeron las creencias budistas del actor en la película, y además se redujeron los diálogos de sus personajes, dadas sus dificultades con el inglés. "Con The Rock, no tenías que escribir muchos diálogos," explicaba Morgan a Entertainment Weekly. "Con Jet, son incluso menos."

REPARTO
Jet Li se encargó de dar vida a tres personajes distintos, Gabe, el bueno de la historia; Yulaw, su doble malvado de otro universo; y Lawless, otro de sus dobles en el universo visto al comienzo de la película. El actor cobró un sueldo de 7,5 millones de dólares por su participación en la película.
Delroy Lindo se hizo con el papel de Roedecker, un agente de la policía del multiverso con la misión de atrapar a Yulaw. A Wong le había gustado su interpretación en Las normas de la casa de la sidra (1999), y por suerte para él, el actor aceptó participar en la película. Lindo y Li habían trabajado juntos previamente en Romeo debe morir (2000).
Jason Statham se encargó de interpretar a Funsch, compañero de Roedecker. Wong quiso que el británico cambiase su acento, lo que fue un reto para el actor.
Carla Gugino fue escogida para trabajar en la película sin hacer ningún tipo de audición, y se unió a la producción en el último minuto. Como Li, la protagonista de Snake Eyes interpreta a tres personajes distintos a lo largo de la película; a T.K., la mujer de Gabe; en otro universo interpreta a una veterinaria; y por último a la femme fatale Massie, socia de Yulaw, y que la actriz definía como, "una versión humana de Jessica Rabbit."
El resto del reparto lo formaron James Morrison (Aldrich), Dylan Bruno (Yates), Richard Steinmetz (D'Antoni), Steve Rankin (supervisor de la MVA), Tucker Smallwood (como un guardia de prisión), Harriet Sansom Harris (enfermera Besson), Dean Norris (sargento Siegel).

RODAJE
La fotografía principal comenzó el 29 de enero de 2001, y se extendió durante más de 70 días. La película se rodó en California, utilizando localizaciones como por ejemplo, la planta de energía de Redondo Beach (para la pelea final entre Gabe y Yulaw), el "Sybil Brand Institute" de Monterrey (la cárcel vista al comienzo de la película), y el "North Hollywood Medical Center" (escenas del hospital), además de utilizar localizaciones de Glendale, Torrance, Valley Village y del centro de Los Angeles. También se filmó en el "Los Angeles Center Studios". Y en el estudio 27 de los Universal Studios, se construyó la "Penitenciaria Stygian" del Universo Hades.
Rob McLachlan fue el director de fotografía, quien ya había trabajado con Wong en Destino final. Para crear diferencias entre los distintos universos, jugó con los colores que utilizaban. En el universo con el que empieza la película (Universo A o Universo Anubis), usó geles lavanda que reforzaban la imagen de un mundo futurista. En el universo al que pertenecen Yulaw y Roedecker (simplemente conocido como Multiverso), McLachlan modificó en post-producción los colores para que tuviera un aspecto monocromático. Y en el que denominaron como Universo Feliz decidió usar colores saturados.
Para mostrar a Yulaw como un ser superpoderoso que se mueve a gran velocidad, McLachlan tuvo la idea de utilizar luces estroboscópicas combinadas con luz normal, y lo puso en práctica en la escena en la que el villano adelanta corriendo a un coche. Para ello colocó en línea treinta luces estroboscópicas, que crearon el efecto de ver a Yulaw moviéndose a toda velocidad.
El diseñador de producción fue David L. Snyder (Blade Runner, Demolition Man), y se encargó de crear los cinco universos vistos en la película. Para los universos A (que durante la producción llamaron "tiempo presente") y C (denominado "futuro cercano"), que son muy similares, Snyder hizo pequeños cambios apenas perceptibles en cada uno. Hay una escena que se repite en ambos universos, que fue rodada en el mismo lugar, pero en la que se cambiaron los vehículos, las señales, las armas, y los uniformes, además de la textura de la imagen mediante la iluminación, para crear pequeñas diferencias.
Lo más importante de la película son sus espectaculares escenas de lucha. El encargado de coreografiarlas fue el gran Corey Yuen (Transporter, Lord Dragón). Como Yuen se encontraba trabajando en El beso del dragón en Francia, sólo comenzó a trabajar en las escenas de El único tres semanas antes de que empezara el rodaje. El equipo de Yuen era totalmente chino, así que el asistente del director de peleas Jonathan Ke Quan (el recordado Data de Los Goonies), y el asistente del coordinador de peleas, David Lai, hicieron de traductores entre los actores de habla inglés y el equipo de Yuen.
Incluso aquellos actores que no estaban familiarizados con la artes marciales quisieron realizar por si mismos las escenas de lucha. Para eso fueron sometidos a entrenamiento. Lindo no quiso que un doble le sustituyera en la pelea que tiene con Li. Por su parte Statham quiso aprender kung fu, y Yuen le enseñó algunos movimientos. El británico llegó a realizar la mayoría de sus escenas de riesgo, como aquella en la que tiene que caminar sobre una tubería a 5 metros de altura, que hizo sin utilizar ningún tipo de protección.
La escena más compleja de la película fue la pelea final entre los dos Jet Li, que requirió de cuatro semanas de rodaje. La dificultad no sólo erradicaba en tener al mismo actor peleándose consigo mismo, además debía producirse contacto entre ambos personajes y para rizar más el rizo, ambos estarían moviéndose a diferentes velocidades. Normalmente rodaban durante un día las tomas de Li interpretando a uno de los personajes, para el día siguiente rodar las del otro. Para hacer realidad esta escena y los otros enfrentamientos entre el bueno y el villano, entró el equipo de efectos visuales, supervisado por Eric Durst. Utilizaron una técnica mediante la cual podían colocar digitalmente la cara del actor sobre la de un doble, el cual llevaba una máscara de color verde. También gracias a los efectos visuales consiguieron en un mismo plano tener a diferentes personajes moviéndose a distintas velocidades, y pudiendo tocarse entre ellos. Para la secuencia inicial en la que Yulaw pega a cuatro policías que se mueven más despacio que él, decidieron después de realizar varias pruebas, que la mejor solución era crear a los policías mediante CGI. A la hora de rodar esta escena, Li tenía como referencia unas pelotas de tenis. Utilizaron otro método para el momento en que Gabe lucha contra Yulaw en la fábrica, y hay una lluvia de chispas a su alrededor, que se produce a una velocidad más lenta, para ello filmaron a Li y a un doble a 24 fotogramas por segundo, y el fondo con las chispas lo filmaron a 120 fotogramas por segundo.
Yuen trabajó mano a mano con Gary Hymes, el director de segunda unidad y coordinador de especialistas, quien para ayudar en las escenas de lucha utilizó todo tipo de técnicas, como el uso de cables, morteros de propano para crear bolas de fuego o trinquetes.
Para la escena en la que Yulaw huye de la policía y salta de un puente de la autopista a otro, se hizo mediante el uso de una grúa y un trinquete neumático, que sumado a un dispositivo desacelerador permitió a un doble de Li realizar tan imposible salto.
El presupuesto fue siempre un problema, ya antes de empezar a rodar tuvieron que recortarlo en 10 millones de dólares. Para conseguirlo se eliminó una persecución automovilística que sucedía tras el asesinato de T.K., cuando Funsch recoge en su coche a Gabe. Y durante el rodaje siguieron los problemas con el dinero, estaba previsto una gran pelea entre Funsch y Gabe en la estación de tren, pero como la película se estaba yendo de presupuesto, tuvieron que reducirla a una simple patada.
Tras los primeros pases de prueba, se realizaron varios cambios en la película. Se añadió la escena del prólogo con la explicación de como funcionan los multiversos, ya que los ejecutivos de Revolution Studios creyeron que así el público se perdería menos con la película. Y se rodó la escena en la que Yulaw se enfrenta a unos policías y utiliza sus motos como arma, ya que Todd Garner creyó que la película necesitaba más acción en la parte central de la película.
La producción se terminó a marchas forzadas para tenerla lista para la fecha del estreno. Los efectos visuales de la escena en la que Yulaw, Roedecker y Funsch viajan a través de la puerta estelar se terminaron sólo dos semanas y media antes del estreno de la película.
El único se estrenó en territorio norteamericano el 2 de noviembre de 2001, y resultó ser un fracaso de taquilla recaudando 43.905.746 de dólares. La recaudación final a nivel mundial fue de 79.838.352 de dólares. Su presupuesto fue según unas fuentes de 49 millones de dólares y según otras llegó a alcanzar los 70 millones.

VALORACIÓN
El gran acierto de El único es que supo ver antes que nadie las posibilidades que existían de utilizar la idea de los universos paralelos. Por una parte, le saca bastante partido a su interesante planteamiento (más que por ejemplo Doctor Strange en el multiverso de la locura), y por otra, muestra algo nuevo, ya nunca se había visto antes a un actor luchando contra sí mismo de una forma tan realista y espectacular. 
Su principal problema es que más allá de ese gran punto de partida, la película no resulta demasiado original. Vemos influencias de Matrix (con su historia que mezcla artes marciales y ciencia ficción, personajes moviéndose a diferentes velocidades, el tiempo bala, el uso de canciones nu metal) y de Los inmortales (con esos enfrentamientos entre seres poderosos hasta que sólo quede uno). Esa falta de originalidad juega un poco en su contra.
El guión tiene demasiados agujeros, que no se molesta en explicar. Primero dicen que Yulaw mató a uno de sus dobles en otro universo y el poder de éste se transfirió a él (y por ende al resto de dobles de los demás universos), y de esa forma se dio cuenta de que si los mataba a todos su poder aumentaría. Pero en todos los universos que existen, en algún momento alguien morirá, por lo que según las leyes de la película, su poder se transmitirá a los otros, así que debería ser normal que la gente experimentara un aumento de su fuerza y velocidad, y Yulaw es poderoso porque ha matado a 123 dobles, por lo que cuando mató al primero apenas tuvo que adquirir poderes, ya que tampoco es tan fuerte. Pero básicamente es una excusa sin la que no habría película, así que la damos por buena.
Cuando Yulaw mata a Lawless al comienzo de la película simplemente sabe que adquirió su poder cuando ve que éste está muerto, no antes, por lo que no queda claro como funciona la transferencia de poderes, deberían reflejarlo de alguna forma, por ejemplo como sucedía en Los inmortales, en la que tras cada muerte el vencedor recibía una descarga de energía, quedando perfectamente claro para el espectador.
Otro momento que me chirría es en la escena del hospital, cuando Statham y Lindo dudan sobre si se han encontrado con el Jet Li bueno o el malo, pero en ningún momento han visto que Gabe se haya cambiado de ropa. Intentan jugar con la confusión de sus identidades al ser iguales, pero no está bien llevado. Mejor resuelto está la escena en la casa de Gabe, con Yulaw haciéndose pasar por Gabe ante T.K.
Yulaw se justifica diciendo que no es un asesino porque básicamente se mata a si mismo en los diferentes universos, pero a lo largo de la película vemos como no tiene problemas en matar a cualquiera que se ponga en su camino, incluso a veces por pura maldad, como el asesinato de T.K. Lo que hace que el personaje quede más desdibujado y se convierta en un villano más unidimensional.
Al final todo se reduce a la lucha entre el bien y el mal. Gabe y Yulaw son opuestos como el yin y el yang, y están destinados a enfrentarse, Yulaw quiere ser un dios y Gabe sólo quiere vivir tranquilo con su mujer, uno no existe sin el otro, y tal vez por eso al final ninguno de los dos muere.
La coda final funciona para darle a Gabe un final feliz, con éste siendo enviado a un universo donde se encuentra con una doble de su mujer, pero está cogido con pinzas, ya que no tiene mucho sentido.
Lo que sí funciona de maravilla es la secuencia final, con ese excelente travelling de Yulaw peleando contra todos los presos de la cárcel futurista, mientras suena "Last Resort" de Papa Roach (la mejor canción de la película).
Hablando de la música, el uso de canciones nu metal y hardrock llega a resultar cansino y molestan considerablemente. La película habría ganado eliminando la mayoría de las mismas. Es una película muy de comienzos del 2000, con ese espíritu de tratar de molar constantemente, además de su banda sonora, tiene ciertos tics de la época, como algunos recursos visuales que imperaban en el momento (la sombra de Matrix es alargada), y por esa razón la película no ha envejecido bien.
El único tiene a su favor un gran ritmo, la película es un no parar, sus 87 minutos de duración lo atestiguan, va directa al grano y no pierde ni un segundo en tiempos muertos.
El gimmick de ver a Li luchando contra Li sigue funcionando de maravilla, las coreografías son espectaculares y resultan vistosas sacando provecho de los superpoderes del bueno y del villano.
El mejor momento de la película sucede durante la pelea final, cuando parece que Gabe ha muerto y de repente abre los ojos y ve la marca del anillo en su dedo, que le recuerda a su mujer asesinada. Es un detalle sutil que lo dice todo sobre las motivaciones del personaje sin utilizar palabras. Me gusta que la película desarrolle a los personajes durante las escenas de acción, incluso su forma de luchar les define, y me parece todo un acierto.
El único supuso para Wong y Morgan bajar un escalón tras la excelente Destino final, aquí sólo trataban de realizar una película de acción entretenida y lo consiguieron. Wong sabe darle vistosidad a algunas escenas, como por ejemplo, la pelea final con el uso de chispas para reflejar la velocidad a la que se mueven ambos personajes, y que visualmente luce espectacular.
Jet Li me convence como villano (aunque me sobre alguna pose) y también como héroe (se le ve algún momento dramático donde está a la altura). Carla Gugino siempre eleva cualquier película en la que trabaja, y es un placer verla en pantalla interpretando a tres personajes distintos. Y Lindo y Statham son unos excelentes secundarios, que siempre animan la función.
El único es una correcta película de acción y ciencia ficción, tal vez el planteamiento podría haber dado para más, pero la película no toma un camino ambicioso, si no uno de pura evasión. Sólo el tener a Jet Li luchando contra si mismo ya merecía el precio de la entrada. Fue la primera en tratar el tema de los multiversos, adelantándose muchos años a la moda actual. Hay que reconocerle que eso sí la hace única.

CURIOSIDADES
En la escena de la morgue, tiene un pequeño papel Darin Morgan, uno de los guionistas de Expediente X, y hermano de Glen Morgan. Los tres trabajaron juntos en la popular serie. 
Doug Savant (Melrose Place) tiene un pequeño papel como uno de los policías que tratan de atrapar a Yulaw sin éxito.
En una versión del guión, se mostraba como en unos de los universos el equipo de los Clippers había ganado el campeonato, pero la NBA no se lo permitió.
En la escena de la casa de Gabe y T.K., mientras hablan después de que él llegue tras ser disparado, se oye de fondo una película, que no es otra que Destino final, el anterior trabajo de Wong y Morgan.
Algunos personajes llevan el apellido de directores de cine como (John) Woo, (Robert) Aldrich, (Peter) Yates, (Luc) Besson, o (Don) Siegel.
En la planta de energía de Redondo Beach se pasaron rodando durante nueve semanas.
La primera escena que se rodó de la película fue la de Gabe y T.K. en la habitación del hospital.
Fue nominada a los premios Saturn en la categoría de mejor película de ciencia ficción.
Jonathan Ke Quan asistente del director de peleas de El único, protagonizaría su propia película de multiversos con Todo a la vez en todas partes (2022).

BIBLIOGRAFÍA
Starlog Magazine (Nº 292, 293)
Cinefantastique Magazine (Vol 33 Nº 6)
Notas de producción
John Hamann's Weekend Wrap-Up (Box Office Prophets, 4 nov 2001)
Comentarios del director (DVD extra)
Jet Li Is 'The One' (2002)
About Face (2002)
Multiverses Create 'The One' (2002)
The One (Entertainment Weekly, 24 oct 2001)
The Big Jet Li Interview (Kung Fu Magazine)

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