Tuesday, July 01, 2014

Hook, el Capitán Garfio

"Vivir, vivir será una fantástica aventura."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Peter Banning, un abogado más preocupado por su trabajo que en sus propios hijos, tendrá que acudir al rescate de éstos, cuando sean secuestrados por el famoso Capitán Garfio. Con la ayuda de Campanilla viajará a Nunca Jamás, donde para poder rescatar a sus hijos tendrá que recordar, que en su pasado fue, ni más ni menos, que Peter Pan.

DE PETER PAN A HOOK
Que Steven Spielberg dirigiría una película sobre Peter Pan estaba escrito, su vida había estado ligada al personaje de J.M. Barrie desde que su madre le leyera "Peter y Wendy" siendo un niño (momento que retomaría para una escena de E.T., el extraterrestre), incluso él mismo declaró padecer el síndrome de Peter Pan y su cine siempre ha estado muy ligado a la infancia. De modo que el director que se negaba a crecer era el más apropiado para llevar al cine la historia del niño que se negaba a crecer. Así fue como Hook, el Capitán Garfio (Hook, 1991) cobró vida.
El primer intento del director de llevar el proyecto a cabo data de comienzos de la década de los 80, cuando  bajo el amparo de Walt Disney Pictures, comenzó a desarrollar la película sobre Peter Pan, que se basaría en lo narrado en el film homónimo, que la Disney había estrenado en 1953.
En 1983, Spielberg consideró convertir la película en un musical con Michael Jackson como protagonista, cuando el rey del pop demostró interés por intervenir como actor en el film y colaborar además en la banda sonora. Pero al final Spielberg se decantó por rodar Indiana Jones y el templo maldito (1984) y dejó aparcado temporalmente su proyecto sobre Peter Pan.
En 1985, y tras rodar la segunda aventura del Dr. Jones, Spielberg tuvo vía libre para ponerse manos a la obra con el film sobre del eterno niño. El proyecto pasó a la productora Paramount Pictures. La película entró en preproducción para comenzar su rodaje en Inglaterra. Se contrató a Elliot Scott (Dentro del laberinto, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?) como diseñador de producción. El compositor John Williams y el letrista Leslie Bricusse habían escrito hasta 10 canciones para la película. Pero tras el nacimiento de su primer hijo en 1985, Spielberg decidió abandonar la película. Como su Peter Banning, Spielberg prefirió ser padre, que estar rodeado de niños perdidos en Nunca Jamás.
El guionista James V. Hart (Drácula de Bram Stoker, Contact) trabajó por su cuenta en su propio guión sobre Peter Pan, al cual ayudó de forma involuntaria su hijo Jake. Cuando éste tenía 3 años le enseñó un dibujo en el que el Capitán Garfio sobrevivía después de ser tragado por el cocodrilo, lo que le dio a Hart el punto de partida para su guión, en el que Garfío habría matado al cocodrilo y siguiría vivo desde entonces. El guión tenía el título de "The return of Captain Hook" y el personaje de Peter Pan todavía era un niño. En 1986, mientras Hart jugaba con su familia al juego de "¿Y si?" su hijo Jake (que tenía 6 años) formuló la pregunta "¿Y si Peter Pan hubiera crecido?", lo que le dio al guionista la idea que necesitaba para completar su guión, Hart se imaginó a un Peter adulto en un mundo de piratas que trabajan en Wall Street.
Este guión pasó por los estudios de Hollywood sin conseguir ver luz verde, hasta que en 1989 la productora TriStar Pictures se decidió a realizar el proyecto (con el título definitivo de Hook), poniendo a Nick Castle (Starfighter: La aventura comienza) en la silla de director. Hart y Castle trabajaron juntos en el guión y se lo presentaron a la productora en abril de 1990, sus ejecutivos se dieron cuenta entonces de que tenían entre manos una película enorme con un gran potencial comercial. Esto provocó que la productora buscase un director más apropiado para una producción de estas características, Hart lo explicó de la siguiente forma "Estaba claro que la producción iba a ser enormemente costosa de producir y eso requería de un cierto tipo de cineasta y reparto. El estudio decididó que para hacerlo como debía hacerse, era necesario alguien como Steven Spielberg. Dustin Hoffman y Robin Williams ya se habían unido al proyecto. Todo el mundo sabía que iba ser caro. Steven fue una elección lógica."
El Presidente de TriStar en aquel momento era Mike Medavoy, antiguo agente de Spielberg. Medavoy vio que el proyecto era perfecto para Spielberg y despidió a Castle (a cambio de un cheque de 500.000 dólares). Según recordaba el director al leer el guión de Hart pensó "Esto no es exactamente lo que quería hacer, pero es una gran idea para una película". Spielberg se metió de lleno en la producción, para ello trabajó con Hart en la reescritura del guión, pero después contrató a Malia Scotch Marmo (cuya principal aportación fueron los diálogos de Garfio). Además Carrie Fisher también puso su grano de arena (no acreditado) trabajando en los diálogos de Campanilla. Al final Hart y Scotch fueron acreditados como firmantes del guión y Hart y Castle como autores de la historia.
Unas informaciones dicen que cuando Spielberg entró en el proyecto Robin Williams ya estaba ligado a la producción (como la declaración anterior de Hart a la revista Starlog) y otras señalan lo contrario, que el papel estaba libre y se le ofreció primero a Michael Jackson y después pasó por Kevin Kline, antes de llegar a Williams. Spielberg declaró a la revista Entertainment Weekly que contactó con Michael Jackson para ofrecerle el papel de Peter Banning, pero el nuevo enfoque del personaje no fue compartido por el cantante, tal y como recordaba el director "Michael siempre había querido interpretar a Peter Pan, pero llamé a Michael y le dijé, 'esto es sobre un abogado que tiene que traer de vuelta a sus hijos para salvarlos y descrubre que una vez fue, cuando era joven, Peter Pan.' Michael comprendió en ese punto que no era el mismo Peter Pan que él quería hacer". En el caso de Kline, al parecer llegó a aceptar el papel, pero finalmente tuvo que rechazarlo por los retrasos en el rodaje de Escándalo en el plató (1991).

PROBLEMAS EN NUNCA JAMÁS
El rodaje se inició el 19 de febrero de 1991 en los Sony Pictures Studios (Culver City, California) y fue uno de los más conflictivos de la carrera de Spielberg. El presupuesto inicial de 48 millones de dólares que se incrementó finalmente hasta los 70 (lo que la convirtió en la segunda película más cara de la historia, empatada con La jungla 2: Alerta roja y ¿Quién engañó a Roger Rabbit? y sólo superada por Terminator 2: el juicio final). Dicho incremento fue producido por los continuos retrasos durante el rodaje, de los 76 días previstos, el rodaje se extendió hasta los 116. El propio director reconoció los problemas durante el rodaje "Por alguna razón esta película fue como un dinosaurio saliendo por la puerta. Me arrastró detrás de él... Cada día me encontraba en el set y pensaba «¿Está volando fuera de control?»" Y tal y como añadió "Fue mi culpa. Comencé a trabajar a un ritmo más lento del habitual."
La principal causa de los retrasos fueron producidas por tener que trabajar con un gran número de actores infantiles "Nunca había trabajado con tantos niños... y nunca volveré a hacerlo", declaró Spielberg. "Soy realmente bueno con los niños de uno en uno y por supuesto adoro a mis propios hijos. Pero cuando ellos están todos juntos en un set, es como si fueras un profesor. Eres el director y te conviertes en una fea figura autoritaria. Temía convertirme en el capitán Garfio para algunos de estos chicos. Lo tenía. Teníamos que hacer una película y la mayoría de los niños no eran actores. No eran más que niños de la calle." 
Julia Roberts tampoco ayudó. Fueron famosas las diferencias entre Spielberg y la actriz. La protagonista de Erin Brockovich tenía reciente su ruptura con Kiefer Sutherland, a quien había dejado unos días antes de su boda, para escaparse a Irlanda con el también actor Jason Patric, mejor amigo de Kiefer. Eran frecuentes los retrasos de Julia en el rodaje, en una ocasión tras hacer esperar a todo el equipo la actriz se presentó diciendo "Ya estoy lista." A lo que Spielberg le replicó "Estamos listos cuando yo digo que estamos listos, Julia." Para complicar más las cosas, durante el rodaje la actriz tuvo que ser ingresada en el Hospital Cedars-Sinai por causa de una severa fiebre, lo que la separó de la producción durante una semana. El director llegó a declarar al programa "60 minutos" que nunca volvería a trabajar con ella. Aun así el director defendió su trabajo como actriz "Su mayor problema fue la sincronización. Su vida personal se vino abajo, y ella se presentó a trabajar en el mismo fin de semana. Fue un mal momento para ella, y bajo esas condiciones emocionales altamente cargadas, fue una profesional." Además la actriz no lo tuvo fácil, ser Campnilla implicó estar durante horas colgada de cables frente a una pantalla azul. Ya que no podía interactuar con el resto de sus compañeros de reparto, para ayudarla, Hoffman y Williams leían sus frases con ella fuera de cámara.
Eso sí, Hoffman y Williams se llevaron a las mil maravillas y eso que inicialmente el protagonista de Good morning, Vietnam estaba nervioso por tener a su lado a un grande de la interpretación como Hoffman, pero pronto se hicieron amigos y en el trailer de maquillaje no paraban de bromear entre ellos.
Ejemplos de esa camadería se reflejaron cuando filmando una escena Hoffman dijo "He perdido mi motivación. Hagámoslo otra vez." Y entonces Williams le replicó un sarcástico "Cuando todo lo demás falla, trata de actuar." Una referencia a la famosa frase que Laurence Olivier le dijera a Hoffman durante el rodaje de Marathon man (1976), por ser éste un actor del método. Hoffman no le dijo nada a Williams, pero parece que el actor trató de devolvérsela a la hora de rodar otra escena, cuando Williams dijo mal sus frases. Entonces Hoffman miró a cámara y dijo "¿Qué puedes esperar de Mork?" (el famoso personaje televisivo al que Williams dio vida durante años). Williams repitó la toma y la hizo a la perfección, entonces miró a cámara y dijo "Ishtar esta noche en televisión."
Spielberg contrató al diseñador John Napier como consultante visual. Napier era famoso por crear los decorados de musicales tan populares como Cats, Los Miserables o Miss Saigón. Y también los de la versión teatral de Peter Pan de la Royal Shakespeare Company de 1982. Napier ayudó a Norman Garwood (Brazil) en la creación de los espectaculares decorados de la película. Los sets de Nunca Jamás costaron 8 millones de dólares. Dante Basco, que interpreta a Rufio en la película, comentaba al respecto "Cada día era como ir a trabajar a Disneyland." Los decorados recibieron la visita de celebridades como Demi Moore, Tom Cruise, Michelle Pfeiffer, Mel Gibson, Prince, Warren Beatty o Annette Bening (estos dos últimos filmaban Bugsy en los mismos estudios) atraídos por la popularidad de los mismos.

EL BOTÍN DE HOOK
La película  se estrenó el 8 de diciembre de 1991 y fue un gran éxito comercial, recaudando 119.654.823 de dólares sólo es los EE.UU. y alcanzando una recaudación mundial de 300.854.823 de dólares. Situándose como la cuarta película más taquillera de 1991.
Aparte de sus respectivos sueldos, entre Spielberg, Hoffman y Williams se repartieron el 40% de los recaudado por la película, incluyendo salas cinematográficas, alquileres de video, televisión y el merchandising de la película. Vistas las cifras, salva decir que la película fue un negocio redondo para los tres.
La película fue nominada a 5 Oscars en las categorías de mejor dirección artística (Norman Garwood y Garrett Lewis), mejor diseño de vestuario (Anthony Powell), mejores efectos visuales (Eric Brevig, Harley Jessup, Mark Sullivan y Michael Lantieri), mejor maquillaje (Christina Smith, Monty Westmore y Greg Cannom) y mejor canción original ("When you're alone" de John Williams y Leslie Bricusse), pero no ganó ningún premio.

VALORACIÓN
Hook es una película fallida dentro de la carrera de Spielberg, lejos de otros títulos como El mundo perdido, Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal ó 1941, pero aun así resulta hasta cierto punto decepcionante, por partir de un material tan prometedor y apropiado para su director y como éste no logra llevarlo tan lejos como cabría esperar. Aunque eso no quiere decir que sea un film a olvidar, ni mucho menos.
El principal problema de la película es su tono excesivamente infantil, que termina siendo un lastre para ella, la película confunde cine infantil con infantiloide. Y el estilo de la película tampoco es el adecuado, siempre he creído que su timming se asemeja al de un musical, podría decirse que Hook es un musical sin canciones, tiene el mismo aire de fantasía que envuelve a las películas de ese género, pero es como si los actores no se arrancaran a cantar y bailar. De hecho, es posible que la película hubiera funcionado mejor como un musical.
En perspectiva el director no está demasiado satisfecho con la película, tal y como declararía "Hay partes de Hook que me gustan. Estoy muy orgulloso de mi trabajo hasta que Peter es llevado en un paracaídas por la ventana en dirección a Nunca Jamás. Estoy un poco menos orgulloso de las secuencias en Nunca Jamás porque me siento incómodo con todo ese mundo altamente estilizado, que hoy día, por supuesto, probablemente lo habría hecho con personajes reales en un set digital."
Spielberg dio en el blanco, lo mejor de la película es lo que acontece antes del viaje a Nunca Jamás, la atmósfera, el cuidado en la puesta en escena no es el mismo desde el momento en que Peter pone el pie en Nunca Jamás, a partir de ahí es donde la película comienza a perder puntos y donde hace acto de presencia ese tono demasiado infantil que acompañará al relato hasta el final.
Aun así la película tiene momentos fantásticos, que Spielberg rueda con su buen ojo de siempre. El flashback sobre la infancia de Peter. La cena con los niños perdidos, en la que el protagonista usa la imaginación por primera vez. El momento en el que el niño perdido reconoce a Peter Pan en Banning tras escrutarlo a conciencia (donde John Williams brilla con luz propia). El momento en que Peter marca con su espada una línea en el suelo y todos los niños perdidos la cruzan (otro gran momento de Williams). Y guarda además apuntes interesantes. Cuando Banning llega a Nunca Jamás lo hace disfrazado de pirata, él mismo se ha convertido en uno, como bien le dice Wendy en un momento de la película. Otro detalle genial es cuando Peter pierde el dedal cuando va a besar a Moira, perdiendo al mismo tiempo su niñez, la fantasía y la inocencia. Le añade un punto de interés a la historia que tanto Wendy como Campanilla sientan algo por Peter, lo que le da fuerza al momento en que besa a Moira por primera vez en presencia de las dos. Los intentos suicidas de Garfio, que rozan el humor negro, ayudan a componer la extraña personalidad del pirata. Sin olvidar la sensacional idea de que alguien descubra que en su pasado fue el mítico Peter Pan.
Pero por otro lado guarda algunas incongruencias. Peter decide hacerse mayor porque desea tener hijos, pero luego resulta que los desatiende constantemente. ¿Por qué Peter no recuerda nada de su pasado en Nunca Jamás? En ningún momento se explica porqué carece de esos recuerdos, cuando abandonó Nunca Jamás tenía 12 años y no debería haberlo olvidado (sí se dice que al estar en Nunca Jamás uno puede olvidar su vida fuera de allí, pero no se explica que sucede en el caso contrario). Si Peter Pan no puede crecer ¿por qué cuando nos muestran los flashbacks de su pasado vemos como va creciendo? ¿Cómo es posible que el pensamiento feliz de Peter sean sus hijos y a la siguiente escena de convertirse en Pan ya no les recuerde?
Spielberg siempre fue un niño perdido que se negaba a crecer, en sus primeros viajes a Nunca Jamás los niños podían volar en sus bicicletas sin necesitar polvo de hadas, aguerridos capitanes de barco se enfrentaban a criaturas del mar (tiburones en lugar de cocodrilos), las sombras también tenían vida propia y servían para reconocer a intrépidos aventureros con sombrero y látigo. Pero cuando Spielberg se adentró en Nunca Jamás en 1991 ya era mayor y ya no había lugar para más besos con forma de dedal o para malvados piratas con garfio en lugar de mano. Spielberg ya no era un niño, ni lo volvería a ser más. Spielberg ya no creía en las hadas.
Y es que tras Hook, Spielberg se sumergiría en un cine más adulto, llegarían títulos (lejos de la visión del mundo infantil) como La lista de Schindler, Salvar al soldado Ryan, Munich o Lincoln. Hook marcó el cambio en el cine de Spielberg, atrás quedaba la infancia. Ese niño que se negaba a crecer, creció y su cine lo hizo con él.
El film, como en otras tantas ocasiones en la obra de su director, habla sobre la figura paterna (una ausente o parcialmente ausente como en este caso). Peter Banning es un hombre más preocupado en su trabajo que en sus propios hijos, a quien la aventura que vivirá le hará aprender la valiosa lección de valorar su posición como padre. El pensamiento feliz de Peter terminará siendo sus hijos, es el recordar la razón de su existencia lo que le hace ser Peter Pan de nuevo, es decir, lo que le devuelve la felicidad. En definitiva, la película habla sobre lo que significa ser padre, como bien lo refleja el momento en que Moira le dice a Peter que debe prestar más atención a sus hijos porque sólo hay unos pocos años especiales en que los niños desean estar con sus padres, antes de hacerse mayores. Todo un conocimiento de causa sobre la paternidad.
La película nos habla también sobre ser eternamente joven (de espíritu) y transmite fantásticamente bien ese sentimiento ligado a la niñez, el cual olvidamos al crecer y que la película por un breve instante de tiempo nos hace recordarlo.
Hook es un film mejor de lo que generalmente se opina sobre él, no es un film excelente, pero tampoco uno a menospreciar. Es simplemente una obra menor de un gran director. Parece que ni todas las palmas del mundo podrán hacer revivir a la película de la opinión negativa que hay sobre ella, pero si uno la ve de nuevo, se encontrará una más que correcta película infantil, con algunos momentos para el recuerdo y es posible que uno termine con una sonrisa en la cara y con ganas de gritar "bangarang". Es el efecto que la película causó en mí la primera vez que la vi siendo un crío y cada viaje a esta segunda estrella a la derecha, me ha entretenido, me ha emocionado y me ha divertido, ha sido una gran aventura, lo cual no está nada mal para una película.

Curiosidades:
Maggie Smith quien interpreta a una mujer de 80 años, sólo tenía 57 cuando hizo la película.
Rebecca De Mornay y Samantha Mathis fueron consideradas para el papel de Campanilla.
Joseph Mazzello (Parque jurásico) fue considerado para el papel de Jack.
Después de que los hijos de Peter sean secuestrados, éste habla con un inspector de policía, que no es otro que Phil Collins. Éste es el primero de los muchos cameos de la película. Glenn Close realiza el más sorprendente, es el pirata que es encerrado en un cofre con escorpiones. George Lucas y Carrie Fisher son la pareja que se besa en un puente y comienza a volar por causa del polvo de hadas de Campanilla. Puede verse brevemente a Gwyneth Paltrow como Wendy cuando es una adolescente (ésta fue su segunda película). Jimmy Buffett es uno de los piratas que intentan robar los zapatos a Peter cuando éste llega a Nunca Jamás. El también cantante, David Crosby realiza otro cameo como el pirata Tickles.
Dustin Hoffman ha trabajado en dos películas sobre Peter Pan, Hook, el Capitán Garfio (1991) y Descubriendo nunca jamás (2004).La palabra "bangarang" pertenece al lenguaje jamaicano y significa alboroto o desorden.
Steven Spielberg quería a Richard Attenborough para interpretar a Tootles, pero el actor declinó la oferta porque estaba trabajando en la película Chaplin (1992), de la que era su director.
Julia Roberts tenía un ayudante cuyo trabajo era limpiarle los pies, ya que Campinilla se pasa la mayor parte de la película volando y no sería muy normal que tuviera los pies sucios.
Los nombres de los niños perdidos originales aparecen en el puerta de la casa de Wendy.
Originalmente iba a ser la película que inaugurase el sistema de sonido SDDS (Sony Dynamic Digital Sound), pero su desarrollo se retrasó y El último gran héroe fue finalmente la primera película en usarlo en cines.
En la versión original, cuando Peter y su familia vuelan a Londres, el piloto del avión dice "This is your captain speaking...", es Dustin Hoffman quien pone voz al piloto.
Los tres hijos de Dustin Hoffman tienen pequeños papeles en la película. Max interpreta a Peter Pan con 5 años (cuando éste observa desde una ventana como sus padres han seguido adelante tras su desaparición). Rebecca interpreta a Jane en la obra de teatro al comienzo de la película. Y Jake es uno de los niños que juegan al béisbol en la liga con Jack. El hijo mayor de Robin Williams también tenía un papel en la película, pero su participación se quedó en la sala de montaje.
Bob Hoskins compró cerveza para más de 300 extras después de rodar una larga y complicada escena.
Cuando Wendy se marcha de la habitación de los niños recita la plegaria "Queridas lamparillas proteged a ms niños dormidos, lucid claras y firmes esta noche", la cual pertenece a la obra "Peter y Wendy".
El disfraz de Capitán Garfio pesaba tanto y daba tanto calor bajo los focos a Dustin Hoffman, que se tuvo que poner debajo del disfraz una chaqueta de aire condicionado similar al que usan los astronautas.
En un momento de la película Peter Banning dice "¿Pregúntale si alguien hecha de menos al Tyrannosaurus Rex?". La siguiente película de Spielberg fue Parque Jurásico, donde el T-Rex campaba a sus anchas.
El propio J.M. Barrie consideró escribir una historia en la que Peter Pan crecía.
El garfio del Capitán Garfio fue diseñado por Spielberg, Norman Garwood (diseñador de producción) y Mark Wade (atrecista de la Amblin). El herrero Tony Swatton fue el encargado de fabricar físicamente varias versiones. También se fabricaron garfios de goma para las escenas de lucha de Dustin Hoffman.
Para rodar la película Robin Williams tuvo que afeitarse toda la parte superior del cuerpo.
Bob Hoskins volvería a intepretar a Smee en la mini serie Neverland (2011).
De las diez canciones compuestas por John Williams y Leslie Bricusse en 1985, cuando el proyecto estaba ideado como un musical, sólo una fue incluida en la película, se trata de "When you're alone". Eso sí, otros temas fueron usados como música incidental.
Para el rodaje se ocuparon 9 estudios de sonido de los Sony Pictures Studios.
Spielberg le dio por error a Julia Roberts el oso de peluche que tenía que aparecer en la cabaña de los niños perdidos, cuando la actriz fue ingresada en el hospital. El director se dio cuenta de su error la noche anterior a rodar una escena en la cabaña. Al final todo se solucinó cuando el departamento de utilería creo un nuevo oso de peluche parecido al anterior en cuestión de horas. 

Labels: ,

Sunday, June 01, 2014

Un día de furia

   
"Así estoy yo, estoy en la otra cara de la Luna, incomunicado y todo el mundo tendrá que esperar hasta que aparezca."
Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.
Bill Foster, un ciudadano de Los Ángeles angustiado por su situación personal, abandona su coche en un atasco de la autopista y se va caminando hasta la casa de su ex-mujer, para celebrar el cumpleaños de su hija. Por el camino se topara con diferentes situaciones a las que responderá siempre con violencia, sembrando así el caos a lo largo de la ciudad. El detective Prendergast, en su último día en el cuerpo, intentará atraparle.

DEFENSA
Una película sobre la realidad de nuestro mundo tuvo su origen en el mundo real, cuando el actor y ocasional guionista Ebbe Roe Smith leyó una noticia en el periódico, que contaba como un conductor enloquecido había embestido con su camión a varios vehículos en una autopista, con esa premisa escribió las desventuras D-FENS que dieron cuerpo a Un día de furia (Falling down, 1993).
El guión de Ebbe Roe Smith estuvo circulando por todos los estudios de Hollywood, pero ninguno se atrevió a producirlo. Éste llamó la atención de Arnold Kopelson (El fugitivo, Seven), quien creyó que podría convertirlo en una película para la HBO, pero cuando el guión llegó a manos de Michael Douglas todo cambió, el actor lo consideró uno de los mejores que hubiera leído y se decidió a protagonizarlo bajo la producción de Kopelson para el cine.
Según declaraba el protagonista de Instinto básico, le interesó del guión porque "En primer lugar, vi la historia en relación con la perdida moral que ha sufrido la clase media de nuestro país. Hay personas que creen en los resultados obtenidos a través de un trabajo duro y constante, como D-FENS. Nunca había interpretado un personaje de estas características, y fue una de las primeras cosas que me atrajeron del proyecto. La gente, en general, está intentando encontrar nuevas vías de superación personal, caminos que cambien las cosas. No son caminos tan extremos como los que desarrolla D-FENS, claro, pero todos quieren lo mismo, primero sobrevivir y después prosperar."
El director escogido para hacerse cargo de la película fue un conocido por Michael Douglas, Joel Schumacher, a quien el actor le había producido Línea mortal (1990). Los ejecutivos de la Warner lo consideraron "demasiado agradable" para hacerse cargo del proyecto, pero Schumacher estaba convencido en que quería dirigirlo, de modo que tuvo que venderse ante los ejecutivos para poder llevarse el gato al agua. Una vez a bordo, el director modificó algunos elementos del guión, inicialmente D-FENS salía de su coche y comenzaba su caos violento en plena autopista, pero Schumacher prefirió que eso sucediese al entrar en la tienda del dependiente coreano.
Michael Douglas explicaba de la siguiente forma como desarrolló el personaje de D-FENS "estaba en un supermercado al que había ido durante años y el gerente salió para firmar un cheque. El tenía sobre 40 años, tenía ese pelo, una camisa blanca y lápices. Lo estaba mirando por primera vez y le pregunté cuanto tiempo llevaba trabajando allí. Él dijo 12 años y me di cuenta de que lo había visto muchas, muchas veces y nunca me había fijado en él. Y así es como conseguí el personaje porqué me di cuenta de que él es una de esas personas invisibles a las que no prestamos mucha atención porque no son interesantes para nosotros y por lo tanto les ponemos etiquetas como nerds".
El resto de compañeros de Douglas en su periplo por Los Ángeles fueron Robert Duvall en el papel de Prendergast, el policía decidido a dar caza a D-FENS, Barbara Hershey como la ex-mujer de D-FENS, Rachel Ticotin y Tuesday Weld como la compañera y mujer de Prendergast respectivamente, Frederic Forrest en el papel de un neonazi que se cruza en el camino del protagonista y Raymond J. Barry como el jefe de Duvall.
La película se rodó íntegramente en Los Ángeles, usando famosas localizaciones de la ciudad para emplazar la historia, como el MacArthur Park, Venice Beach o Lincoln Heights. Las escenas de interiores se filmaron en los Warner Brothers Burbank Studios en la misma ciudad.
En medio del rodaje estallaron los famosos disturbios que asolaron Los Ángeles en 1992, que fueron provocados principalmente por el resultado del juicio contra los cuatro policías que agredieron a Rodney King, quienes fueron absueltos por un jurado prácticamente compuesto por gente blanca. La situación llegó a ser tan grave (incendios provocados, la muerte de hasta 54 personas y la intervención de la Guardia Nacional para ponerle fin), que el rodaje tuvo que suspenderse hasta que cesaron los disturbios. Varias de las localizaciones por las que el personaje de D-FENS había pasado, fueron arrasadas por los disturbios. Fue la confirmación de que la película estaba capturando la verdad del momento.
La polémica persiguió a la película en el momento de su estreno. Se formaron piquetes por parte del sector coreano en las entradas de los cines donde se proyectaba la película, éstos creían que Un día de furia daba una imagen negativa de ellos. Una de las causas que dieron pie a los disturbios de Los Ángeles, fue el asesinato de la joven afroamericana Latasha Harlins, a manos de Soon Ja Du, una tendera coreana, quien la disparó en la nuca y recibió una leve sentencia por su crimen. La película, sin pretenderlo, había metido el dedo en la yaga. Schumacher decidió reunirse con los manifestantes, tal y como declaraba el director "hubo un profundo malentendido, del cual no me di cuenta hasta que me reuní con ellos, porque la gente no es consciente sobre el marco de tiempo de la película. Ellos sintieron que la había hecho después de los disturbios, en los cuales se asesinó y abusó de varios coreanos. Les expliqué que yo no lo había hecho y sentí que lo entendieron." De todas formas la Warner canceló el estreno de la película en Corea tras las amenazas de boicot recibidas.
También se sumaron a los piquetes trabajadores de Defensa en paro, según explicaba Schumacher "Porque ellos estaban todos sin trabajo y tenían miedo que la gente viese la película y pensase que todos los trabajadores de Defensa estaban locos y así nadie los contrataría. Pero personas con comportamiento detestable aparecen en películas de todos los ámbitos de la vida. La gente no paró de cometer adulterio después de Atracción fatal. La gente no dejó de subirse a taxis después de Taxi driver. Siento que [las protestas] fueron una buena forma para ellos de conseguir publicidad, porque éstas son las personas que estaban trabajando para defender el país y entonces simplemente fueron arrojados a la calle... Empatizo con ellos. He estado desempleado muchas veces en mi vida y en Hollywood nunca sabes."
Esa polémica ayudó a la película en su carrera comercial, ya que en los EE.UU. llegó a recaudar unos estimables 40.903.593 de dólares. Su presupuesto fue de 25 millones. Aun siendo una de las mejores producciones del año, la Academia se olvidó de ella a la hora de los premios y nominaciones.

VALORACIÓN
Teniendo en cuenta los tiempos que corren, crisis, paro, criminalidad, parece que Un día de furia está más de actualidad que nunca. La película sigue tan vigente como el momento de su estreno y creo que siempre lo estará, porque trata temas universales que se repetirán una y otra vez. Un día de furia es una mirada nada complaciente a la realidad del mundo en el que vivimos, a las entrañas de la sociedad moderna, una desmitificación del american way of life, pero también equivalente fuera de las fronteras de los EE.UU., es un estudio de la psicología del individuo que vive en los países del primer mundo y su descontento por el lugar que ocupa en él. Todos deseamos obtener lo que nos merecemos por nuestro trabajo duro y esfuerzo, pero la sociedad no siempre funciona así y da igual los sacrificios que haya asumido una persona, la recompensa es posible que nunca llegue, eso le pasa a D-FENS, quien tras toda una vida creyendo haber seguido el camino correcto, termina perdiendo a su familia y su trabajo, eso lo saca de sus casillas y se convierte en la (violenta) voz del pueblo.
La película nos coloca una y otra vez en situaciones comunes, en las que alguna vez nos hemos visto envueltos, pero D-FENS sirve como vehículo catalizador y actúa como nosotros no hemos hecho. Es como si el personaje usurpara nuestro lugar, que tomara el control en diferentes momentos de nuestra vida y realizase aquello que nosotros (por civismo) no nos hemos atrevido a hacer. Por eso nos vemos reflejados cuando el protagonista se ofende cuando se siente estafado por el dependiente de una tienda. O más tarde salta por el trato en una hamburguesería y no para de soltar verdades por la boca. Puede que alguna vez nos hayamos encontrado con un homófogo o un racista y nos hubiera gustado hacerle frente. Nosotros nunca hemos explotado y sacado un arma para ponerlos en su sitio, pero en el fondo nos gusta que lo haga D-FENS.
Lo que me encanta del personaje, aparte de que en ocasiones no podemos quitarle la razón, es como en apariencia parece un ser débil, hasta patético, pero como en su interior guarda la mayor de las rabias y resulta de lo más impredecible, como lo demuestra la escena con los hispanos, cuando éstos intentan atracarle, pero nosotros ya hemos visto a D-FENS en la escena anterior con el tendero y sabemos que el peligroso ahí es él, por eso es genial ver como cambia las tornas convirtiendo a los delincuentes en las víctimas y dándoles su merecido.
Según avanza la historia, la escalada de violencia del protagonista es cada vez mayor y del mismo modo éste va progresivamente cambiando de armas, siendo cada una es más peligrosa y letal que la anterior (bate, navaja, ametralladora, bazooka), que reflejan el aumento de su locura y furia.
Lo brillante del film es que todo está contado como un viaje (uno que dura menos de un día, otro gran acierto de la película, que al condensar el tiempo, hace que el ritmo nunca decaiga), el protagonista inicia una odisea para regresar a su hogar, a su antigua vida, el último atismo de felicidad que le queda y para ello debe atravesar la ciudad de Los Ángeles (que se convierte en un personaje más de la película), mientras se va encontrando los retazos de lo que queda de la cultura americana (y casi universal). D-FENS (el hombre sin identidad, que puede ser cualquiera, podemos ser nosotros) despierta del sueño americano y lo que se topa es una sociedad repleta de gente en paro, con los bancos dueños de sus casas, con un aumento de la criminalidad, gastos injustificados del gobierno y con brotes de racismo y homofobia. La película parece tocar todos los temas posibles y es que su espectro es tan amplio, que le permite hablar de todo lo que quiera y seguir funcionando a la perfección, de hecho, creo que eso es lo que la hace funcionar, cuando peor y más oscuro es el retrato que da de la sociedad, mejor es la película.
Todo lo que D-FENS se va encontrando en su viaje es una prolongación de si mismo, un reflejo de su propia personalidad. Desde esa ciudad, que está tan condenada y es tan violenta como él. A esa familia que está haciendo una barbacoa, lo mismo que él desea hacer con la suya, sólo que él ya ha perdido la posibilidad de abrazar esa felicidad. Hasta el hombre que no es económicamente viable (al igual que el propio D-FENS, tal y como relata posteriormente) que va vestido exactamente igual que él y que además es detenido por la policía.
Otro punto que hace grande a esta película es el choque entre los dos personajes principales, D-FENS tiene su reflejo opuesto en el juicioso, amable y bonachón policía que interpreta Robert Duvall. Otro hombre que vive en un falso sueño, pero que no se ha venido a bajo como D-FENS, aun después de haber perdido a su hija, ha sabido hacer frente a la vida y sacar lo mejor que ha podido de ella, una mujer, que aunque inestable, quiere y un trabajo en el que es admirado.
Michael Douglas ofrece una de sus mejores interpretaciones, el actor demostró una vez más que los personajes que mejor le van son aquellos con un lado oscuro y perturbador, su D-FENS es un personaje al margen de todo, un ser inestable, que aun sabiendo que al final lo detendrán, se muestra como una fuerza imparable decidida a poner las cosas en su sitio basándose en su particular código moral. Su excelente caracterización transforman, con muy pocos elementos, a Douglas en un ser diferente (sólo le hace falta un corte de pelo militar, unas gafas, una camisa y una corbata) y el actor brilla en el papel a cada instante. Pese a lo turbio del personaje, consigue que simpaticemos con él, siendo al mismo tiempo el malo y el bueno de la historia. D-FENS ha terminado convirtiéndose en todo un icono. Por su parte Duvall está fantástico en su papel, en contrapartida del personaje de Douglas es lo opuesto de aquel en todo y muestra una gentileza y amabilidad, que hacen de él un personaje de lo más entrañable.
Sorprendentemente Schumacher está a la altura de las circunstancias y realiza una de las mejores películas de su carrera, si no la mejor, manteniendo bien la tensión y dándole un buen ritmo a la historia. Donde además no falta el humor (un niño explicándole a D-FENS como usar un bazooka), los momentos angustiosos (la escena con el neonazi), la violencia (el intento de la banda de hispanos de matar a D-FENS desde un coche), el drama (el protagonista viendo sus videos caseros y dándose cuenta de como destrozó su matrimonio) y la acción (D-FENS volando una obra por los aires).
Un día de furia es una película imprescindible del cine de los 90, de ese cine incómodo que nos habla cara a cara de la realidad. Una molesta voz que nos suelta más de una verdad y cual D-FENS, lo hace por la fuerza. La película claramente habla de una situación determinada de un época determinada, pero el eco de la película nos llega hasta hoy día, su discurso es igual de válido que entonces y eso dice mucho de ella. Guarda en su metraje momentos brillantes y memorables (mi preferido, aquel en el que D-FENS llama a su mujer desde la tienda del neonazi y dice sentirse como los astronautas del Apolo 13, en la otra cara de la Luna) que hacen su visionado, algo casi necesario, no sólo para apreciar una gran obra, si no para entender como funciona nuestro mundo, sobre todo porque puede que algún día no seamos económicamente viables.

Curiosidades:
La canción del grupo Iron Maiden "Man on the edge" está basada en esta película.
Un día de furia ganó el Premio Edgar Allan Poe en la categoría de mejor película.
Robert Duvall, Frederic Forrest y James Keane trabajaron juntos en Apocalypse now (1979).
En la escena en la que los hispanos que intentan matar a D-FENS se estrellan con su coche, puede verse un mural de Cristo en una pared. El mismo mural aparecía también en la película Colores de guerra (1988), protagonizada por Rober Duvall, en la que el actor interpretaba igualmente a un policía.
La dependienta de la hamburguesería es interpretada por Dedee Pfeiffer, hermana de la popular Michelle Pfeiffer.
La canción "London Bridge is falling down" suena en dos ocasiones. Primero cuando Prendergast se la canta a su mujer por teléfono para calmarla y después es la melodía de la bola de nieve que D-FENS compra para su hija. Además Prendergast planea mudarse con su mujer a Lake Havasu donde el Puente de Londres fue trasladado piedra a piedra tras su compra por el millonario Robert P. McCulloch en 1968.
Graeme Revell compuso inicialmente la banda sonora de la película, pero ésta fue rechazada. James Newton Howard lo sustituyó.
En una escena, el detective Brian (Steve Park) dice que no puede traducir al tendero Sr. Lee (Michael Paul Chan) porqué él es japonés y Sr. Lee es coreano. En realidad Park es coreano y Chan es chino.
Sin contar el bate de béisbol, D-FENS nunca usa el mismo arma dos veces.
En la película se dice que D-FENS ronda los treinta y tantos, cuando Michael Douglas hizo la película tenía 47 años.
Michael Douglas considera su interpretación en esta película como su favorita de todas las que ha hecho. Su padre, Kirk Douglas, opina igual.
El guionista Ebbe Roe Smith realiza un pequeño papel en la película, es el hombre que ayuda a Robert Duvall a mover el coche de D-FENS en la autopista.
El videoclip "Walk" de los Foo Fighters está inspirado en esta película.

Labels: ,

Wednesday, May 21, 2014

8º aniversario de "Películas de culto"

Aunque este aniversario llega con dos días de retraso y pese a que no soy muy fan de este tipo de entradas, no quería dejar pasar la ocasión olvidar por un momento las reseñas y decir que el blog cumple 8 años. No todos los días un blog llega a su 8º aniversario (de constante actividad) y bien se merece un pequeño comentario. 
Por una vez seré escueto, sólo quiero decir dos cosas. Primero, daros las gracias por estar ahí leyendo (estas interminables reseñas que suelo escribir) y comentando (siempre se agradece que alguien pierda unos segundos de su tiempo en decir que le ha parecido, para bien o para mal). Y segundo, que espero estar dentro de un año celebrando el noveno aniversario y que vosotros estéis todo este tiempo aquí.
Gracias de nuevo por hacer posible que este blog llegue a su 8º aniversario, sin vosotros, tengo claro, que no habría sido posible.

Labels:

Thursday, May 01, 2014

Bitelchús

"Bitelchús, Bitelchús, Bitelchús."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Los Maitland son un feliz matrimonio que fallece en un accidente de coche. Tras convertirse en fantasmas deberán vagar en su casa durante 125 años. Y si no tuvieran problemas suficientes, una excéntrica familia se muda a su hogar. Los Maitland intentarán echarlos por todos los medios, pero cuando ven que les resulta imposible, recurren a un demonio de nombre Bitelchús.

Ahora que parece que su secuela está más cerca que nunca de realizarse, es un buen momento para hablar sobre esa pequeña maravilla que es Bitelchús (Beetle Juice, 1988).

EL FANTASMA DE LOS FANTASMAS
Tras el éxito de su anterior película, La gran aventura de Pee Wee (1985), Tim Burton estuvo un largo tiempo buscando un nuevo proyecto en el que embarcarse. Le ofrecieron muchos guiones, pero ninguno que le llamara la atención. Por aquel entonces, Burton ya estaba trabajando en el guión de Batman (1989), pero la Warner no estaba convencida en cederle las riendas del proyecto.
Un buen día el productor David Geffen le entregó un guión escrito por Michael McDowell, de extraño título, Bitelchús. Burton ya conocía a McDowell porque habían trabajado juntos en un episodio de la serie Alfred Hitchcock presenta (1985-89). El proyecto había pasado por las manos de Wes Craven, pero el director eventualmente quedó fuera de la película. Tras leer el guión, Burton quedó encantado con la idea de convertirlo en película, el libreto contenía muchos elementos comunes de su universo particular y le daba la posibilidad de explotar muchas ideas, según palabras del propio director el guión "No tenía historia real, no tenía ningún sentido, era más como pura intuición. Aquél debía ser el guión más amorfo de la historia."
Este guión se diferenciaba del finalmente rodado en que era una historia de horror. Originalmente Bitelchús era un demonio reptiliano con alas que se transformaba en un pequeño hombre de Oriente Medio para poder interactuar con los Maitland y los Deetz. El personaje de Lydia era más secundario y tenía una encantadora hermana pequeña llamada Cathy, que era quien realmente podía ver a los Maitland. La muerte de éstos en el puente era más violenta y gráfica. Bitelchús era mostrado de una forma más oscura, siendo su objetivo matar a los Deetz, incluso llegaba a matar a Cathy al final de la película (adoptando la forma de una ardilla) e intentaba violar a Lydia. El limbo al que los Maitland iban a parar cada vez que salían de su casa estaba compuesto por enormes engranajes de reloj que destruían el tejido del tiempo y del espacio a su avance. La historia terminaba con los Maitland, los Deetz y Otho realizando un exorcismo para destruir a Bitelchús y con los Maitland encogiendo su tamaño y yendo a vivir a una replica de su casa en la maqueta de Adam. Al reescribir el guión éste se convirtió en una comedia, el personaje de Bitelchús fue suavizado y los personajes de Lydia y Cathy se unificaron en uno solo.
Michael McDowell y el productor Larry Wilson trabajaron codo con codo para mejorar el guión, pero tras mucho tiempo trabajando en él Burton se dio cuenta de que aquello no progresaba, de modo que contrató a Warren Skaaren (Batman), un guionista conocido por "arreglar" guiones, quien hizo que las cosas realmente funcionasen.
Burton quería que Sammy Davis Jr. interpretase a Bitelchús, pero los ejecutivos del estudio no se lo permitieron. Fue David Geffen quien pensó en Michael Keaton para interpretar al bioexorcista. Keaton inicialmente rechazó el papel, pero fue tras su encuentro con Burton cuando se interesó por el personaje. Y a su vez Burton se interesó por el actor. Tras reunirse con él, el director se dio cuenta que era el actor perfecto "Cuando conocí a Michael empecé a ver el personaje de Bitelchús" declaró Burton. "No le conocía bien, no conocía su trabajo, pero está loco. Michael es enloquecido y vitalista y tiene un par de ojos geniales. Me fascinan los ojos de la gente y desde luego, él los tiene salvajes." Gran parte de las ideas relacionadas con el personaje de Bitelchús, fueron fruto de la improvisación con Keaton. Director y actor se reunían en casa del segundo y ambos le fueron dando forma al personaje, así poco a poco Bitelchús cobró vida. Para el actor la actitud de Bitelchús era "Escribo mi propia realidad. (...). No hay barreras. Puedo hacer lo que quiera y bajo cualquier racionalidad que quiera." Y sobre el diseño del personaje Burton afirmaba que "Queríamos que pareciera que Michael había salido de debajo de una roca, por eso tiene musgo y moho en la cara."
Los compañeros de Bitelchús, muertos y no muertos, fueron interpretados por Geena Davis (la única miembro del reparto que abiertamente siempre quiso hacer la película), Alec Baldwin (que expresó su descontento porque su personaje parecía demasiado aburrido), Winona Ryder (que había llamado la atención del director tras verla en Lucas), Catherine O'Hara (que sustituyó a la inicialmente prevista Anjelica Huston), Jeffrey Jones (a quien no le convencieron las primeras versiones del guión, pero aceptó participar en la película tras reunirse con Burton) y Sylvia Sidney (a quien Burton llamó personalmente para covencerla de que participase en la película, tras varias negativas, aceptó cuando Micheal Keaton entró en el proyecto).
El rodaje comenzó el 11 de marzo de 1987 y el pueblo de East Corinth (Vermont) fue el escogido para acoger el hogar de los Maitland, allí se edificó su casa y una vez concluyó el rodaje fue destruida. Por su parte, las escenas de interior se filmaron en los Culver Studios (California).
Una de las cosas que más llaman la atención de la película son sus efectos visuales (que sólo supusieron 1 de los 15 millones de su presupuesto), según palabras del propio Burton "Queríamos que los efectos fueron algo antiguos". La película está llena de entrañables efectos stop-motion, miniaturas, efectos de maquillaje, uso de pantalla azul y animatronics, que le dan un punto de encanto añadido a la película.
Danny Elfman realizó la banda sonora de película, como en la mayoría de films de Burton. Su composición para Bitelchús es una de sus mejores y más representativas obras y la que marcaría su estilo de ahí en adelante.
El famoso gag final en el que un brujo reduce la cabeza de Bitelchús surgió porque según Burton "Nunca tuvimos un verdadero final, así que rodamos diferentes cosas y les enseñamos un par al público de los pases previos; ellos eligieron ésa. Pero la película es tan aleatoria, en cierto sentido, que no tenía un verdadero final. Aún no lo tiene, pero era lo mejor que podíamos hacer."
La película fue un gran éxito de taquilla, recaudando en los EE.UU. 73.707.461 de dólares. Además ganó un merecido Oscar en la categoría de mejor maquillaje (Ve Neill, Steve LaPorte y Robert Short). Ese éxito no sólo demostró que lo extraño y diferente podía triunfar en taquilla, además mostró a Burton como un director comercial y permitió que la Warner diera luz verde a Batman.

ESCENAS ELIMINADAS
Inicialmente estaba previso que cada vez que los Maitland salieran de su hogar se encontraran un limbo diferente. Uno de ellos, era el que comentaba anteriormente, con los engranajes gigantes destruyendo el tejido del tiempo y del espacio. Se llegó a filmar, pero se terminó descartando y haciendo que el único limbo fuera el de Saturno.

La escena en la que Bitelchús convertido en serpiente ataca a los Deetz se filmó originalmente con un diseño diferente del monstruo, que carecía de cualquier rasgo de Michael Keaton, siendo prácticamente una serpiente gigante.

Otra coda que se filmó para cerrar la película mostraba a Old Bill, el barbero del pueblo que aparecía al comienzo de la película, en la sala de espera volviendo loco a Bitelchús.

VALORACIÓN
Bitelchús fue la primera gran película de Burton y la primera con el sello del director. En ella están prácticamente todas sus señas de identidad, gusto por lo macabro, uso de efectos tradicionales, inclusión de cementerios y esqueletos, humor negro, personajes inadaptados, extraños o excéntricos, grandes maquillajes o la inconfundible música de Danny Elfman.
La puesta en escena de Burton se basa en la regla de un plano, una idea. Cada plano de la película tiene algo especial que lo hace único y que lo diferencia de los demás. Bitelchús se convierte en una experiencia irrepetible, todo en ella es nuevo y original, nunca se había visto nada igual antes.
Burton imprime a la película su peculiar sentido del humor, negro y extraño, consiguiendo momentos tan brillantes como la muerte de los Maitland provocada por un inofensivo perro, la sala de espera del más allá donde hay todo tipo de muertos a cada cual más original (desde una ayudante de mago cortada por la mitad, hasta un surfista que ha sido mordido por un tiburón) o el mostrar la muerte como parte de una burocracia. Además de llenar la película de detalles de genio como que el color del puente en el que mueren los Maitland sea rojo (premonizando simbólicamente su trágico final) o como introduce al perro que provocara su muerte de forma casi subliminal cuando el matrimonio viaja al pueblo.
Aunque todo el reparto está fantástico, la gran estrella de la función es Michael Keaton, en el mejor papel de su carrera, donde pudo dar rienda suelta a todo su potencial histriónico. Cada una de las apariciones de Bitelchús (que sólo sale en pantalla durante 17 minutos) son antológicas.
Bitelchús le da la vuelta a la clásica historia de fantasmas mostrándola desde la perspectiva de los muertos y haciendo que éstos nunca den miedo a los nuevos habitantes de su casa, lo cierto es que son los fantasmas quienes lo pasan mal. La película se ríe de todo, hasta de la muerte. Y es más perversa e irreverente de lo que pueda parecer a primera vista, los dos personajes más positivos de la película mueren nada más comenzar la historia y Bitelchús quiere casarse con Lydia, que es sólo una niña. Lo que no es exactamente lo que uno espera encontrarse en una comedia de Hollywood.
La película es como un corto de Tex Avery, con un personaje loco con el que todo es posible y que pone el mundo patas arriba, Bitelchús es de lo más cartoon que uno pueda encontrarse en imagen real. Y esa locura se adueña de la pantalla y nos hace partícipe de ella.
Lo mejor de Bitelchús es que es terriblemente original e impredecible, nunca sabes lo que va a suceder, que va a pasar después de cada escena, la película siempre sorprende con giros que jamás hubiéramos imaginado. No hay estructura como tal, son los gags y dichos giros los que van construyendo la historia, de pronto los Maitland salen de su casa y van a parar a un limbo en Saturno lleno de monstruos gigantes, como Bitelchús se "muda" a su maqueta, de forma inesperada todos los personajes se ponen a cantar "Day-O" o los Maitland viajan al más allá a través de una puerta que pintada en una pared. Esa capacidad de infinita imaginación y sorpresa hace que su visionado sea como golosinas para los ojos.
No hay ningún tema del que trate el film, éste es pura comedia, pura inventiva, no hay segundas lecturas, ni temas profundos, pero consigue a base de tener una personalidad propia, ser una experiencia irrepetible. Y es increíble que una película que no trata de nada consiga funcionar, que desarrolle a sus personajes (todos evolucionan en mayor o menor medida salvo Bitelchús, lo que es otro acierto) y que la historia avance igualmente, pero lo hace. Funciona de una forma difícil de explicar, pero que parece muy sencilla. Por todo ello Bitelchús es una auténtica genialidad, tan buena, que merece repetirse tres veces.

Curiosidades:
Juliette Lewis fue considerada para el papel de Lydia.
Ésta es la película favorita de Michael Keaton de todas en las que ha trabajado como actor.
El nombre de Bitelchús es dicho 15 veces en la película. 8 veces por Barbara, 5 por Lydia y 2 por Juno.
Los ejecutivos de la Warner no estaban convencidos del título de película tras los pases de prueba y llegaron a planterase cambiarle el título por "House ghosts" (Fantasmas caseros), de forma irónica Burton les sugirió cambiarlo por "Scared sheetless" (Cagados de miedo) y quedó horrorizado cuando los ejecutivos consideraron hacerlo.
La participación de Michael Keaton en el rodaje se limitó a 2 semanas.
El nombre de Bitelchús (Betelgeuse en la versión original) fue tomado de una estrella de la constelación de Orión.
La película generó una serie de animación de título homónimo que se mantuvo en antena durante 4 temporadas.
Después del estreno de la película Jonathan Gems (Mars attacks!) trabajó en el guión de la secuela, de título "Beetlejuice goes hawaiian", con Burton involucrado en el proyecto, pese a completarse el guión nunca llegó a realizarse.
Cuando al comienzo de la película aparece el logo de la Geffen Company y suena la canción "Day-O (Banana Boat Song)", la voz que escuchamos es la del compositor Danny Elfman.
En el gorro que Bitelchús lleva al final de la película, puede verse en lo alto del mismo la cabeza de un esqueleto, que parece una versión primigenia del Jack Skellington de Pesadilla antes de Navidad (1993).

Catherine O'Hara conoció durante el rodaje a su futuro marido, el diseñador de producción Bo Welch.
Originalmente para la escena de la cena en la que todos los personajes mágicamente se ponen a cantar, estaba previsto que la canción fuera un tema de la Motown, pero Burton prefirió un tema de música calipso, eligiendo "Day-O (Banana Boat Song)" de Harry Belafonte.
La película fue nominada a los premios BAFTA en las categorias de mejor maquillaje (Ve Neill, Steve LaPorte y Robert Short) y mejores efectos visuales (Peter Kuran, Alan Munro, Robert Short y Ted Rae).
También fue nominada a los premios Saturn en las categorías de mejor director (Tim Burton), mejor actor secundario (Michael Keaton), mejor guión (Michael McDowell y Warren Skaaren), mejor música (Danny Elfman) y mejores efectos visuales (Peter Kuran, Alan Munro, Robert Short y Ted Rae). Ganando en las categorías de mejor película de horror, mejor actriz secundaria (Sylvia Sidney) y mejor maquillaje (Ve Neill, Steve LaPorte y Robert Short).

Labels: ,

Tuesday, April 01, 2014

Lazos ardientes

"Conservo una imagen de ti dentro de mí, formando parte de mí."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Violet es la novia de un miembro de la mafia y Corky es una ex-convicta que comienza a trabajar en el apartamento de al lado del de Violet. Pronto siente una atracción mutua y una vez comienzan una relación, planean robar 2 millones de dólares a la mafia, pero no saldrá todo como habían planeado.

DOS MUJERES CONTRA LA MAFIA
La primera experiencia en el cine de los Wachowski fue de lo más decepcionante para ellos, su guión para Asesinos (1995) fue totalmente reescrito por Brian Helgeland, apartando a la producción de lo que ellos habían ideado (tal fue su frustración con el proyecto que lo denominan "su aborto"). No quisieron que eso les volviera a suceder, de modo que mientras Richard Donner rodaba esa película, ellos se pusieron manos a la obra con el guión de Lazos ardientes (Bound, 1996), que significaría su debut como directores.
El objetivo del proyecto, según Lana Wachowski era "hacer una película que fuera entretenida, que tuviera sexo y violencia porque nos gusta el sexo y la violencia. Y que tuviera una gran cantidad de conceptos intelectuales más profundos." Y la razón que les llevó a inclinarse por ubicar su historia en el noir fue que les "pareció que el cine negro era un género en el que se podía crear una historia muy contenida. Sabíamos que queríamos estar totalmente en un decorado todo lo que pudiésemos para conseguir la clase de nivel de estilo que buscábamos. Teníamos esta idea sobre una mujer que ves en la calle y haces una serie de suposiciones sexuales y como todas son erróneas."
Los hermanos llevaron el proyecto por diferentes estudios y tras no conseguir convencer a ninguno (siempre querían eliminar el componente lésbico del relato convirtiendo a Corky en un hombre), sería Dino De Laurentiis, productor ejecutivo de Asesinos, quien aceptó producir la película dándoles vía libre y sin exigir cambios en el guión. Para ello puso los 4,5 millones de su presupuesto.
Inicialmente estaba previsto que Linda Hamilton interpretase a Violet y que Jennifer Tilly hiciese lo propio con Corky, pero la protagonista de La novia de Chucky abandonó el proyecto poco antes de que comenzase el rodaje. En ese punto Gina Gershon fue contratada para interpretar a Corky y el papel de Violet quedó libre. Los Wachowski querían que Tilly interpretase a Violet y como la producción pendía de un hilo, los hermanos volaron expresamente para encontrarse con la actriz para convencerla de que interpretase a Violet, papel que inicialmente no quería interpretar, pero que al final aceptó. La actriz encontró el atractivo del personaje tal y como declaraba porque "ella es más misteriosa. Tuve que ir a través de todo el guión para saber cuando ella estaba mintiendo y cuando estaba diciendo la verdad y quién era en realidad. Empecé a darme cuenta de que la forma en que se presenta a sí misma es sólo una fachada. Es un disfraz que se pone para que poder moverse libremente por el mundo de los hombres, pero eso no es lo que ella es en realidad." La actriz llegó a decir sobre el personaje que "Violet es el mejor papel que haya tenido."
Por su parte Gina Gershon, que aceptó el papel de Corky mientras rodaba Showgirls, hizo un estudio exhaustivo para meterse en su personaje, para ello visitó locales de lesbianas en San Francisco con la idea de investigar el mundo gay (locales recomendados por Susie Bright, de la que hablaré más adelante), leyó libros de dicha temática, habló con personas que habían estado en la cárcel, vio un montón de películas de Marlon Brando y Clint Eastwood para captar la masculinidad que buscaba para Corky y con la misma idea comenzó a practicar boxeo, además de hacerlo para conseguir musculatura (como anécdota, su compañero de boxeo era el gran Bob Dylan).
Joe Pantoliano completó el triángulo protagonista. El actor era amigo íntimo de Marcia Gay Harden, que había hecho una prueba para el papel de Corky y fue ella quien le habló de la película. Pantoliano se interesó por el proyecto y contactó con Gina Gershon que ya formaba parte del film. La actriz lo recomendó a los Wachowski, quienes siguiendo su consejo le hicieron una audición para el papel de Caesar, que le terminarían ofreciendo. Los directores le indicaron al actor que se fijase en Humphrey Bogart en El tesoro de Sierra Madre para componer su personaje.
Teniendo en cuenta el bajo presupuesto de la película, todos los actores cobraron sueldos realmente bajos para poder participar en ella.
La película desarrolló a lo largo de 38 días, en diferentes localizaciones de Los Angeles y el edificio donde acontece el grueso de la película, es el Talmadge Apartments en la misma ciudad.
El bajo presupuesto de la película fue lo que hizo que el primer director de fotografía contratado abandonase el proyecto antes de empezar el rodaje, ya que consideró que era imposible realizar el film con el poco dinero del que disponían, ahí fue donde entró Bill Pope (que volvería a trabajar con los Wachowski en la saga Matrix) y demostró que sí era posible, haciendo de paso un trabajo excelente.
Los directores decidieron enviarle el guión a Susie Bright, una escritora feminista y educadora sexual, de la que eran fans, para que participase en la película haciendo un pequeño papel (es la mujer a la que Corky intenta ligarse en un bar), a Susie le gustó tanto el guión por la imagen que daba de las lesbianas, que no sólo aceptó la invitación de los hermanos, si no que se ofreció como consultora sexual. Los directores dieron su aprobación y Susie se encargó de coreografiar las escenas de sexo entre Jennifer Tilly y Gina Gershon.
Es obvio que el sexo es parte fundamental de la película y éste tuvo su peso específico durante el rodaje. Con respecto a las escenas de sexo, los directores comentaban "antes de rodar la escena más fuerte, Jennifer y Gina estaban nerviosas. Querían saber cómo íbamos a rodarla, así que hicimos una toma rápida y se la mostramos en vídeo. Ellas la encontraron muy fría, de modo que empezaron a exigir planos suplementarios." Antes de rodar la primera escena íntima entre Violet y Corky, Gina se presentó en el camerino de Jennifer con una botella de tequila y ambas estuvieron bebiendo hasta que tuvieron que rodar la escena. Jennifer comentaba sobre su rechazo a usar dobles de cuerpo "no me gustan los dobles. El lenguaje corporal es completamente diferente y eso es algo que se aprecia en la pantalla."
La película recaudó en los EE.UU. unos reducidos 3.802.260 de dólares. Pero tuvo una gran acogida crítica y no pasó desapercibida a la hora de los premios y nominaciones, en el Festival de Fantasporto se llevó el galardón a la mejor película (Andy y Lana Wachowski) y mejor actriz (Jennifer Tilly). En los premios Saturn fue nominada en las categorías de mejor película de acción/aventura/thriller, mejor actriz (Gina Gershon), mejor actor secundario (Joe Pantoliano), mejor actriz secundaria (Jennifer Tilly) y mejor guión (Lana y Andy Wachowski). Además fue nominada a la mejor fotografía (Bill Pope) en los Independent Spirit Awards. Y ganó el gran premio del jurado en el L.A. Outfest.

VALORACIÓN
Los Wachowski entraron pisando fuerte en el cine, su debut, por un lado sentó las bases/constantes de su cine posterior (uso de la cámara lenta, estilización visual, violencia, uso de la música con fines dramáticos) y por otro, es toda una rareza dentro de su carrera (una película de cine independiente, con escenarios y personajes mínimos, lejos de sus aparatosas obras posteriores). Y por eso mismo es una obra de lo más interesante, tanto como oasis dentro de la carrera de unos autores, como por los méritos propios de la producción.
Los directores de El atlas de las nubes componen algunos planos y secuencias visualmente fabulosas. Como la elipsis que pasa del inodoro del apartamento de Corky al de Caesar, donde están torturando a Shelly. El montaje en paralelo de Corky explicando el plan del robo y como al mismo tiempo nos muestran como las chicas lo llevan a cabo. El momento en el que Caesar llama por teléfono al último número al que marcó Violet y suena el teléfono al otro lado de la pared, descubriendo así la implicación de Corky en el robo (visualizado con un plano giratorio que termina a Caesar frente a la pared, el pequeño y la pared inmensa). O ese genial momento en el que Caesar "tiende" el dinero robado por Shelly por todo su piso.
El guión de la película es un mecanismo de relojería perfectamente engrasado, repleto de giros argumentales que hacen de este noir un excelente entretenimiento, donde no escasean los momentos geniales, como la escena en la que Violet le dice a Corky que lleva 5 años con Caesar, que es el mismo tiempo que ella estuvo en prisión, produciéndose un paralelismo y unión instantánea entre ambas. El momento en el que Violet llama por teléfono a Caesar desde el baño haciéndose pasar por Gino para que los demás crean que éste sigue vivo. Como sutilmente nos indican que Micky no necesita de la llave del maletín para abrirlo porque sabe como forzar una cerradura (en la escena anterior los Wachowski nos muestran como éste se cuela en el piso de Caesar forzando la puerta). O la que para mí es la mejor escena de la película, ese instante en el que las dos protagonistas hablan por teléfono, cada una en su apartamento y tocan al mismo tiempo la pared que las separa, sin saber que la otra está haciendo lo mismo y el papel de la pared del apartamento de Corky es de flores y ésta acaricia una (como si tocase a otra flor, a Violet).
Para crear esa tensión y ritmo, la película se sustenta en dos bases, por un lado en la reducción de espacio (prácticamente toda la película ocurre entre dos apartamentos) y la reducción de tiempo (gran parte del film sucede durante una noche), ambos recursos son empleados por los Wachowski hábilmente.
Además se produce un constante in crescendo que es proporcional a la paranoia que sufre Caesar, es genial ver como progresivamente va perdiendo el norte por causa de como las chicas complican su vida, el personaje va desde la ira, cuando descubre que el dinero ha desaparecido, pasando por el fatalismo, cuando mata a Gino (algo que ni las chicas ni nosotros esperábamos) o la desesperación, cuando sabiéndose muerto si no aparece el dinero, engaña a los demás miembros de la "familia" diciéndoles que su padrino nunca se presentó a la reunión.
Me gusta como los tres personajes principales llevan adelante la historia, Violet y Corky con sus manipulaciones y ardides y Caesar con su ira y psicosis.
El plano actoral está a la altura. Gina y Jennifer bordan sus personajes, la primera interpreta una mujer fuerte y ruda, que en el fondo es más sensible de lo que parece y la segunda tiene la oportunidad de realizar un personaje a su medida, una voluptuosa mujer que parece ingenua, una simple mujer florero, pero en el fondo es un personaje mucho más complejo, una mujer inteligente y decidida, que tiene muy claro lo que quiere y como es (como demuestra su diálogo final con Caesar), me parece el mejor personaje de la película. Ambas interpretan a dos lesbianas lejos de los típicos clichés con los que son reflejadas normalmente en el cine. Y Joe Pantoniano también está fantástico, su excesivo Caesar es uno de los mejores papeles de su carrera (si no el mejor). Y nunca se han aprovechado mejor las facciones de malvado de Christopher Meloni que en esta película (actor visto en El hombre de acero o la serie Ley y ordén).
La película se sumó a esa vertiente del cine de los 90 en la que una nueva generación de directores insufló nuevos aires al cine policiaco o negro, films como Reservoir dogs, Sospechosos habitualesPayback, Un plan sencillo o Seven, fueron claros ejemplos.
Lazos ardientes bebe directamente del cine negro, pero pervirtiendo sus clichés, ahí están presentes sus señas de identidad (los gángsters, la femme fatale, el robo a la mafia, la violencia, las manipulaciones), pero la película da una vuelta de tuerca al género, por un lado eleva la carga sexual de estos films hasta hacerla explícita y por otro pone en los dos roles principales (la femme fatale y el amante) a dos lesbianas, quienes llevan la voz cantante en este mundo de hombres (lo que le da un ángulo más original a la película). El film juega con las convenciones del género negro como lo hace sobre las convenciones sexuales, como lo demuestra esa escena en la que Caesar casi pilla in fraganti a Violet con Corky y reacciona de forma violenta, pero al ver que Violet está con una mujer deja de sospechar de ellas. Lazos ardientes trata sobre las apariencias. Salvo Corky, nadie más sabe que Violet es lesbiana (hasta el propio Caesar lo desconoce). Todos los miembros de la mafia confían ciegamente en Violet sin saber las intenciones que oculta. Caesar parece inicialmente la víctima, pero se convierte en una fuerza impredecible. La dualidad de Corky y Violet hace que nunca sepan si realmente pueden confiar la una en la otra (lo que añade un punto extra de tensión a su relación). Caesar cree que Johnnie le ha robado cuando en realidad lo ha hecho Violet. Cuando los policías visitan el piso de Caesar, éste se encarga de ocultar las pruebas del crimen. El primer plano de la película nos muestra una cadena, en apariencia gigante, para conforme avanza la cámara, darnos cuenta de que estamos dentro de un armario. La película parece una clásica obra de cine negro, pero no lo es.
En el primer plano antes mencionado, Corky aparece maniatada en un armario, de entrada mostrar a una lesbiana dentro de un armario puede ser subrayar lo obvio, pero según los Wachowski ese plano tenía un doble significado, primero la temática gay y el segundo el mostrar como todas las personas viven en cajas, en armarios, en trampas. Corky y Violet viven en jaulas (en forma de cárcel o de relación) y robar el dinero de la mafia les permitirá escapar de ellas. Es la historia de dos personas que quieren ser libres y harán lo que sea para conseguirlo (robando un dinero literalmente manchado de sangre). Hasta que se conocen (en otra caja, ésta con forma de ascensor) no comienzan a ser realmente libres.
Por todo lo comentado (sólo otra idea más, no hay ni un solo personaje positivo en toda la película, todos son criminales, psicópatas, ladrones o asesinos), Lazos ardientes es un film harto interesante que vino a demostrar el talento de unos directores que darían mucho que hablar en el futuro. La película es sólo pequeña en apariencia (otra vez las apariencias), pero dentro se esconde una gran obra de género que nos ata desde el primer plano y no nos suelta hasta el final. Imprescindible.

Curiosidades:
Lazos ardientes es la película favorita de Gina Gershon, junto con El juego de Hollywood (1992), de todas en las que ha trabajado.
Joe Pantoliano declaró que Caesar era su papel preferido de todos los que había interpretado.
Fue la última película de John Ryan.
Fue idea de Dane Davis, diseñador de sonido de la película, darle al Corky un efecto de sonido similar al un silbido, para darle la cualidad de un gato al personaje, cada vez que pasa por delante de la cámara en la escena en la que ella y Violet planean el robo.
Para su distribución en EE.UU. la película conoció una versión censurada, en la cual se eliminaron 6 segundos del primer acercamiento sexual entre Violet y Corky en el piso de Caesar, se recortaron 4 segundos de la escena de sexo entre las protagonistas y en la escena en la que torturan a Shelly se eliminó un breve momento en el que golpean su cabeza contra el inodoro.
La película que emiten en la televisión cuando los policías visitan el apartamento de Caesar es La noche de los muertos vivientes (1968).
Durante el rodaje dos de los actores sufrieron daños o heridas de algún tipo. Mientras filmaba su pelea final con Joe Pantoliano, Gina Gershon golpeó con tanta fuerza la pistola de éste, que necesitó puntos de sutura en su mano. Y Barry Kivel (Shelly) no salió mejor parado rodando la escena en la que es torturado, ya que sufrió una herida en su cabeza cuando se la golpearon contra el inodoro con demasiada fuerza.

Labels: ,