Saturday, August 31, 2024

Jeepers Creepers

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Dos hermanos en un viaje por carretera, se encuentran con una criatura que está en plena temporada de caza.

Cada 23 primaveras y durante 23 días, al Creeper le toca comer. Hoy hace justo 23 años que se estrenó Jeepers Creepers (Jeepers Creepers, 2001) y durante los próximos 23 tendréis esta reseña encabezando el blog.

EL TERRITORIO DE LA BESTIA
Los inicios de Jeepers Creepers se remontan al verano del 1999, con los estrenos de El sexto sentido (1999) y El proyecto de la bruja de Blair (1999), que entusiasmaron al director Victor Salva. Sabiendo que el cine de terror estaba de nuevo de moda, y que los estudios estarían habidos de nuevos títulos, Salva decidió escribir un guión sobre un monstruo, lo que le permitiría regresar al tipo de películas que hacía en la escuela secundaria.
"Quería que la acción inicial tuviera lugar a plena luz del día, en un entorno rural," explicaba Salva a Cinefantastique. "Pensé que al bañar la exposición en tonos cálidos y adormilados, aumentaría el horror cuando el Creeper hiciera su aparición."
El director también quería que su monstruo fuera evolucionando constantemente a lo largo de la película. Además tomó una historia real que incluyó en el guión, ese momento en que los dos hermanos observan como el Creeper tira algo en una tubería, y después vuelven al lugar para ver que es, algo que según explicaba Salva, le contaron que le ocurrió a dos ancianos. Hay quien supone que esa anécdota se basa en el caso del asesino Dennis DePue, pero Salva no lo ha confirmado.
Escribió el guión en un tiempo récord de cuatro semanas. Y lo vendió también rápidamente. Interesó a tres estudios, pero el manager de Salva le recomendó que le enviara el guión a Francis Ford Coppola, quien había sido el mentor del director. Coppola le había dado a Salva 200.000 dólares de su propio bolsillo para que realizara su primera película La casa del payaso (1989), tras quedar impresionado por su cortometraje Something in the Basement (1986). A Coppola le gustó el guión y quiso producirlo.
Con un presupuesto de 10 millones de dólares, la película fue producida por American Zoetrope, compañía de Coppola (quien se convirtió en su productor ejecutivo), siendo la primera película de un acuerdo de tres años de co-producción con VCL Communications, y de distribución para Norteamérica con MGM-United Artists. MGM-United Artists adquirió los derechos de distribución a cambio de 2,5 millones de dólares. Las compañías alemanas Cinerenta-Cinebeta y Cinerenta Medienbeteiligungs KG financiaron la película.
Durante el rodaje de La casa del payaso, sucedería algo que marcaría el resto de la vida y carrera de Salva. El director fue condenado a tres años de cárcel por abusar sexualmente del niño actor que protagonizaba la película. Por esa razón no fue fácil levantar Jeepers Creepers. MGM no estaba segura de contratar a Salva por su pasado, hubo una campaña contra el director, parte de la financiación se vino abajo y un actor abandonó el proyecto al descubrir el caso de Salva. Pero gracias a Coppola, quien creía en el talento del director, ayudó a que fuera contratado y así sacar la película adelante.
El estudio quería que se explicara más del pasado del Creeper y que además éste hablara. Para contentar a todos, Salva escribió una versión del guión con esos cambios, pero Coppola le convenció de que se olvidara de ellos y volviera al guión original. 
 
REPARTO
Justin Long confesaba que se presentó a las pruebas de la película por diversión, pero cuando supo por su agente que Francis Ford Coppola estaba viendo la cinta de su audición, se volvió algo muy serio, ya que si le gustaba su interpretación, el papel principal sería suyo. Tras un fin de semana interminable pudo respirar tranquilo cuando supo que había conseguido el papel de Darry. Inicialmente el estudio no quería a Long porque no era un actor conocido, pero para Salva era el actor idóneo para el papel, y Coppola apoyó la elección de Salva, por lo que el papel fue suyo.
Gina Philips, una fan del cine de terror, se llevó el papel de Trish, hermana de Darry. El guión le llegó a través de su agente y la cautivó, ya que el guión tenía dibujos terroríficos, que le otorgaba una idea visual de la película. La actriz hizo dos pruebas para el papel, y una tercera con tres posibles actores para el papel de Darry, uno de ellos Justin Long, y surgió una gran química entre ambos. Estaba claro quien iba a protagonizar la película.
Estaba previsto que Lance Henriksen diera vida al Creeper sin ser acreditado por ello. El actor ya había trabajado con Salva en Sombra en la carretera (1995) y Powder (1995), pero finalmente no sucedió. Jonathan Breck fue quien dio vida a la criatura. Antes de presentarse a la prueba de casting decidió afeitarse la cabeza, porque creía que encajaba mejor con el personaje. Dio en el blanco y se hizo con el papel. El actor se puso en una buena forma física para interpretar al monstruo.
Salva escribió el papel de la mujer de los gatos pensando en Eileen Brennan, y tuvo la suerte de conseguir que la actriz aceptase el papel.
El resto del reparto lo formaron Patricia Belcher (como la vidente Jezelle Gay Hartman), y Brandon Smith (en el papel del sargento de policía Davis Tubbs).

RODAJE
Rodaron la película en el centro de Florida, principalmente cerca de la ciudad de Ocala. La idea de rodar en Florida vino por parte de Salva para crear "una pesadilla a plena luz del día". Primero buscaron localizaciones en Canadá, pero tras ver fotos de diferentes partes de Estados Unidos, Salva se decantó por Florida porque tenía todo lo que buscaba para su película.
Los retrasos en el inicio del rodaje provocaron que comenzara seis meses más tarde de lo que estaba previsto, por lo que la filmación se produjo en pleno verano (más concretamente tuvo lugar entre el 26 de julio de 2000 y el 21 septiembre del mismo año), cuando más apretaba el calor y la humedad.
El clima les puso las cosas difíciles a los actores y al equipo, las temperaturas ascendieron por encima de los 40ºC. El primer día de rodaje, el segundo operador de cámara se deshidrató por causa del calor y se cayó de un camión. Jonathan Breck no lo pasó nada bien metido en el traje del Creeper, para quien el rodaje fue de lo más agotador.
No sólo el clima fue un engorro para el equipo, también lo fueron los insectos, había tantos y hacían tanto ruido, que hacían inaudible los diálogos de los actores, la solución que tomaron fue disparar una pistola al aire antes de rodar, lo que provocaba que los insectos permanecieran en silencio, lo que les daba el tiempo suficiente para rodar una toma donde los diálogos fueran perceptibles.
El restaurante Opper's Diner fue creado para la película, partiendo de un edificio que era un almacén, parecía tan real que mucha gente se paraba en el lugar para repostar sus vehículos.
Para mantener un estado de miedo en torno al Creeper, Victor Salva y Francis Ford Coppola decidieron que los actores principales no se relacionaran con Breck (ni con ningún personaje que no hubieran conocido), por lo que evitaban coincidir con él fuera de las cámaras. De esa forma Long y Philips se mantuvieron apartados del resto de actores, pasaron mucho tiempo los dos juntos, lo que ayudó a crear un vínculo similar al de sus personajes. Sólo conocieron a Breck cuando la película estuvo a punto de completarse.
Una semana antes de comenzar el rodaje, Salva quiso que Long y Philips ensayaran juntos, realizando improvisaciones y ejercicios de actuación, los cuales fueron filmados. Con ese material Salva escribió nuevas escenas, principalmente para el final.
Antes de comenzar el rodaje, la película se enfrentó a su mayor contrariedad, por un problema presupuestario la producción tuvo que recortar su presupuesto cerca de 1 millón de dólares. Esto provocó que tuvieran que eliminarse las escenas más espectaculares de la película. El clímax original, por ejemplo, mostraba como Darry, para acabar con el Creeper, estrellaba el camión de la criatura contra un tren, sacrificándose a si mismo. La secuencia de la mujer de los gatos tuvo que recortarse drásticamente, y se descartó una escena posterior, una persecución que terminaba con el Creeper saltando sobre un tren. Salva tuvo que ingeniárselas para dar con un final más pequeño. Basándose en las improvisaciones que habían hecho previamente Long y Philips, escribió un nuevo final basado en los personajes.
La creación del Creeper fue fruto de un trabajo conjunto. El artista Brad Parker se encargó de diseñar a la criatura (en colaboración con Salva), y su punto de inspiración fue la frase del guión: "Ese no es mi espantapájaros". La empresa de efectos de maquillaje "Makeup and Monsters" creó cinco trajes completos y diez máscaras para dar vida al Creeper. Para convertir a Jonathan Breck en el monstruo necesitaban sesiones de maquillaje que llegaban a las cinco horas. Y las alas en movimiento fueron creadas mediante CGI por la empresa E=mc².
Y para el camión del Creeper, se construyeron tres idénticos, uno con el motor original, uno sin motor (para usarlo en la escena en la que se estrellaba contra el tren) y un tercero con transmisión automática que le permitía alcanzar mayor velocidad. Este camión tenía un sistema de escape pésimo, lo que provocaba que la cabina del camión se llenase de humo. Después de rodar cada toma, el especialista que lo conducía, tenía que parar y tomar aire fresco. También disponían de tres Chevrolets, el coche que conducen los protagonistas. El primer día de rodaje, filmando una escena en la que la furgoneta del Creeper golpeaba el Chevrolet, pese a hacerlo a poca velocidad, abolló completamente el parachoques del coche, que se trataba del Chevrolet principal de la producción, y así permaneció el resto del rodaje. 
Un accidente ocurrió cuando rodaron la escena en la que Trish y Darry atropellan al Creeper con el coche, sin estar previsto, el especialista que hacía del Creeper, atravesó el cristal delantero del vehículo. Éste terminó con tres costillas rotas, y Justin Long quedó con la cara llena de cortes. Gina Philips no iba al volante del vehículo.
Por otro lado, uno de los stunts que suceden durante la misma secuencia salió sin problema alguno, ese instante en el que el Creeper camina por encima del coche cuando tratan de atropellarlo. Dos especialistas se encargaron de rodar la peligrosa escena (Hank Amos y Kevin Ball), quienes utilizaron un sistema de suspensión que les permitía reducir su peso, pero controlar lo que hacían en todo momento cuando caminaban por encima del coche.
En estudio rodaron la toma final de la película, en la que el Creeper mira a través de las cuencas de los ojos de Darry. Para esa escena, como el monstruo tiene los ojos de Darry, Justin Long tuvo que caracterizarse como el Creeper, y "Makeup and Monsters" construyó una réplica de su cuerpo.
El televisivo Bennett Salvay se encargó de componer la música para la película, con una carga muy experimental. Trató de obtener todo tipo de efectos y sonidos de las formas más curiosas, como poner cerillas en las cuerdas de los instrumentos o hacerle todo tipo de perrerías a éstos.
La película se estrenó el 31 de agosto de 2001, y tuvo el récord del mejor estreno del fin de semana del día del trabajo de la historia, con 13.106.108 de dólares de recaudación (récord que batiría Jeepers Creepers 2). La película amasó en Norteamérica 37.904.175 de dólares, y la recaudación final a nivel mundial fue de 59.371.303 de dólares.

VALORACIÓN
Jeepers Creepers fue una entrada refrescante dentro de la ola de terror que surgió tras Scream (1996), de hecho, es uno de los mejores títulos del género que surgieron en aquellos años. Pese a estar protagonizada por dos jóvenes, creo que es una película de terror puro y que no encaja exactamente dentro de aquella corriente de terror para adolescentes, está un peldaño por encima.
Bebe de un cine de terror más clásico, las influencias de Salva son El diablo sobre ruedas (1971) (todo el arranque con el camión del Creeper) o Los pájaros (1963) (el uso de cuervos como de señal de mal agüero y muerte), pero son sólo un punto de partida para crear algo nuevo y original. El director simplemente quiso crear una monster movie como las de antes, y lo cierto es que dio en el blanco, ya que el Creeper es muy memorable.
Creo que el principal acierto de la película es introducir los elementos fantásticos poco a poco. Inicialmente el Creeper parece sacado de El diablo sobre ruedas montado al volante de su camión, después cuando Darry encuentra su guarida creemos que se trata de un asesino en serie similar a La matanza de Texas (1974), pero ya comenzamos a sospechar que este asesino es un poco diferente a lo que estamos acostumbrados, y en la secuencia en la que Trish le atropella con su coche y le salen alas, descubrimos que estamos metidos de pleno en una película de corte fantástico.
Esa constate evolución y descubrimiento del villano, hace que la película siempre resulte interesante, y que no sepamos por donde nos va a salir.
Elementos como el personaje de la vidente, ayudan a crear ese entorno fantástico, y es la excusa que tiene Salva para explicar quién es el Creeper al público. Su mitología es muy atractiva y lo mejor es que nunca sabemos de donde viene esta extraña criatura, eso es lo que hace tan interesante al personaje. Que ha quedado como una de las mejores y más originales creaciones del terror de este siglo.
Salva dirige con pulso maestro la película, sabiendo como crear suspense y terror. Éste es su mejor trabajo como director. Me encanta como introduce el camión del Creeper, con un sencillo plano de los dos hermanos dentro de su coche, y como poco a poco se les acerca el camión por detrás. Y crea suspense con pocos elementos, como esa escena en la que mientras Darry se encuentra en la casa del dolor, Trish está fuera de la iglesia atenta por si regresa el Creeper, y de pronto aparece un camión (siempre desenfocado en tercer plano), y como ella trata de arrancar el coche mientras se acerca el camión, hasta que llega a su altura y comprobamos que no se trata del Creeper (y todo culmina con un estupendo jump scare con la aparición de Darry cuando todo parece haber vuelto a la calma).
Los actores están más que correctos en sus papeles, sobre todo Long, y es agradable que Salva convirtiera a los dos protagonistas en hermanos y no en pareja, para eliminar toda posible carga romántica y centrarse así en la historia. Siempre nos parece estar viendo a dos verdaderos hermanos, mediante sus bromas y peleas, transmiten una gran autenticidad.
No es la típica película de terror, se nota un cariño y esfuerzo especial en ella, así como en sus imágenes, que están dotadas de una excelente fotografía de Don E. FauntLeRoy con planos realmente conseguidos para lo que es una película de terror de bajo presupuesto. Como la muerte del policía en la comisaría, donde el Creeper le arranca el corazón y la luz de las linternas pasa a través del agujero que quedó en su cuerpo. O ese impresionante momento en que se revela la casa del dolor del Creeper con todos los cuerpos pegados a las paredes, mediante un plano que se va abriendo y cada vez se va iluminando más conforme se muestra el lugar.
Y posee acertadas notas de humor negro, como el Creeper dejando un cuerpo en el interior de su camión, y tras cerrar la puerta, vuelve a abrirla para meter dentro la cabeza del cadáver que se le había quedado atrás.
Jeepers Creepers es uno de los mejores títulos que surgieron del cine de terror americano de principios de los 2000. Su secuela también resulta recomendable, aunque no llega a brillar tanto como la primera parte. Merece la pena sentir un poco de miedo con el Creeper. Ya han pasado 23 años desde que nos aterrorizó por primera vez, y seguramente lo hará durante otros 23 años más.

CURIOSIDADES
El editor Ed Marx fue quien se encargó de hacer los silbidos del Creeper.
Victor Salva hizo un cameo como una de las víctimas de Creeper en la casa del dolor.
Salva ideó que el Creeper sólo se alimentase durante 23 días y cada 23 años, para evitar hacer secuelas de la película. Irónicamente Jeepers Creepers conocería dos secuelas dirigidas por Salva Jeepers Creepers 2 (2003) y Jeepers Creepers 3 (2017). Y posteriormente se estrenaría Jeepers Creepers: El renacer (2022), sin la participación del director.
El equipo no paraba de hacer bromas durante el rodaje. Un día Long se encontró en el baño un chupete colgado.
El restaurante Opper's Diner visto en la película recibe su nombre como un homenaje al productor de la película Barry Opper.
El grito del Creeper en la escena en la que los policías le encañonan con sus armas, se consiguió mediante al mezcla de varios sonidos, entre ellos el chillido de un cerdo y el sonido de un puma.
Además de diseñar el Creeper, Brad Parker hizo el storyboard de la película.
El director Tim Sullivan (2001 maníacos) aparece en uno de los carteles de desaparecidos en la comisaría.
Una vez terminó el rodaje, MGM vendió los tres camiones del Creeper como chatarra (que fueron comprados por particulares posteriormente). 
El estudio quiso cambiar el título de la película porque no les gustaba para una película de terror.
La película sucede en el ficticio condado de Poho, en el cual ocurren otras películas de Salva como La casa del payaso (1989), La casa de Rosewood Lane (2011), y Haunted (2014).
Tom Tarantini realiza dos papeles distintos en las dos primeras entregas de la saga. En Jeepers Creepers da vida al delincuente Roach, y en Jeepers Creepers 2 interpreta al asistente del entrenador.
Puede verse a Jonathan Breck sin el traje del Creeper, como uno de los policías de la comisaría.
El título de la película hace mención a la canción "Jeepers Creepers" compuesta por Harry Warren y Johnny Mercer en 1938. También es en jerga una expresión de sorpresa.
Fue nominada a los premios Saturn en la categorías de mejor película de terror y mejor interprete joven (Justin Long).
Hay una breve escena post-créditos en la que la camioneta del Creeper cruza una carretera y suena su horripilante claxon.

BIBLIOGRAFÍA
Cinefantastique - Vol 33 N 5 (oct 2001)
Talking Jeepers Creepers (IGN, 31 ago 2001)
Don't Fear the Creeper: An Interview with Gina Philips (Diabolique Magazine, 18 may 2017)
Fangoria Magazine (Nº 206)
'Jeepers Creepers' No.1 at box office (Kenosha News, 5 sep 2001)
Zoetrope, Myriad plan 3 pics (Variety, 24 feb 2002)
Victor Salva’s horror stories (Los Angeles Times, 11 jun 2006)
The Disturbing Case Of Dennis DePue (All That's Interesting, 16 dic 2022)
Behind the Peepers: The Making of 'Jeepers Creepers' (2002)

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Thursday, August 01, 2024

Breakdown

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

En un viaje por carretera, un matrimonio sufre una avería en su coche, y un camionero se ofrece a llevar a la mujer hasta un teléfono. Esa será la última ocasión en que su marido la vea.

EL DIABLO SOBRE RUEDAS
A mediados de los 90, Jonathan Mostow trataba de hacerse un hueco como director en Hollywood. Tras rodar la correcta película para televisión El vuelo del ángel negro (1991), Mostow trabajó en The Game (1997) que esperaba dirigir, pero sería David Fincher quien finalmente se sentaría en la silla de director. Entre otros proyectos, también escribió el guión de U-571 (2000), que tardaría varios años en lograr rodar. Fue después de esos intentos infructuosos, que comenzó a desarrollar el guión de Breakdown (Breakdown, 1997), película que vio la luz gracias al productor Dino De Laurentiis.
Mostow había conocido a De Laurentiis en 1991, cuando estaba rodando El vuelo del ángel negro, y se quedó sin dinero. Alguien le presentó al famoso productor y a su mujer Martha De Laurentiis, y Mostow acudió a sus oficinas para pedirles 400.000 dólares para poder terminar su película. Dino vio lo que había rodado y accedió, a cambio de tener los derechos de distribución en ciertos territorios extranjeros. De esa forma curiosa, iniciaron una colaboración profesional.
La primera película en la que parecía iban a trabajar juntos fue el thriller Escondido en la memoria (1996). El problema vino cuando Michael Marcus, presidente de la MGM, se negó a que Mostow dirigiese la película, y puso al más conocido John Dahl (La última seducción) en el puesto.
La relación entre Mostow y los De Laurentiis continuó, cuando los productores contrataron al director para que realizase una nueva adaptación del cuento "Trucks" de Stephen King, y que el propio escritor había llevado al cine con La rebelión de las máquinas (1986). Pero el proyecto no salió adelante por razones contractuales. En esa situación de desesperación, Mostow ideó una nueva historia que también implicaba camiones y un paisaje desértico, así nació Breakdown. Escribió el guión en un tiempo récord de tres semanas.
Mostow apareció de nuevo en la oficina de Laurentiis con el guión de Breakdown, y De Laurentiis se entusiasmó con él, sobre todo por la verosimilitud que trasmitía.
"Quería explorar el sentimiento universal de inquietud que las personas sienten cuando están en el medio de la nada," explicaba Mostow, "lejos de su hogar, lejos de la sociedad civilizada, lejos de un lugar donde las reglas y los policías te protegen." La primera versión revisada del guión data de marzo de 1996, el cual Mostow completaría con su colaborador habitual Sam Montgomery.
El director consiguió un acuerdo para dirigir la película, pero en un punto de su desarrollo la producción pareció llegar a un punto muerto, y Mostow pasó a otra cosa. Cuando regresó, el director descubrió que De Laurentiis había contratado a otro guionista, quien escribió un prólogo que establecía un pasado y motivaciones para el personaje del marido. En esas diez páginas se mostraba al protagonista como un periodista en la guerra de Bosnia, y como presenciaba la muerte de una niña, ante la cual permanecía inmóvil. Tras dejar su trabajo, regresa a casa y su mujer lo recoge en el aeropuerto. El protagonista decidía aceptar un nuevo trabajo, para el cual debía atravesar el país en coche. Mostow consideraba que nada de eso era necesario para comprender al personaje, pero accedió a filmarlo.
Parte del presupuesto de la película vino de la productora Spelling Films, creada por Aaron Spelling, pero necesitaban un estudio que pusiera el resto del dinero. Lo que sucedía es que ninguno quería hacerlo, era la historia de siempre, no querían a un director desconocido como Mostow a los mandos. Pero De Laurentiis se negó a reemplazarlo y decidió poner su propio dinero, financiando la película con el dinero de las ventas anticipadas en los mercados extranjeros, y comenzaron la producción sin un distribuidor para Estados Unidos. No sería hasta que llevaban filmadas dos terceras partes de la película que encontraron distribuidor. Sherry Lansing, jefa de producción de Paramount, llamó a Dino porque estaba interesada en la película. El productor le mostró cuarenta minutos de metraje, y rápidamente llegaron a un acuerdo.

REPARTO
La pequeña película de bajo presupuesto prevista (que rondaba los 3 millones de dólares inicialmente), se convirtió en una superproducción en el momento en que se contrató a una gran estrella (pasando a costar 36 millones), lo que fue una idea de Dino De Laurentiis. Mostow había escrito el papel protagonista con Kurt Russell en mente (de hecho, el actor estuvo cerca de hacer The Game con Mostow) y se lo hizo saber a Dino, quien a su vez le hizo una oferta al actor. Russell estaba atravesando un buen momento en su carrera, encadenando éxitos como Llamaradas (1991), Falsa seducción (1992), Tombstone: La leyenda de Wyatt Earp (1993), Stargate (1994), o Decisión crítica (1996). Aceptó participar en la película, dando vida a Jeff Taylor, y cobró su mayor sueldo hasta la fecha, 15 millones de dólares. La única condición que puso Russell fue estar al final de cada día en su casa de Los Angeles, para estar con sus hijos, algo de entrada complicado, teniendo en cuenta que rodarían en algunos momentos a más de 2.000 kilómetros de su hogar, pero como veremos en unos párrafos, De Laurentiis cumplió su parte del trato.
Antes de rodar Breakdown, Russell filmó 2013: Rescate en L.A. (1996), que tuvo un rodaje nocturno, y para mantenerse en el mismo horario durante los fines de semana, el actor se quedaba despierto por las noches, por lo que él y Mostow quedaban en su casa para hablar sobre el guión durante las noches de los sábados y domingos, de modo que cuando se pusieron a rodar, eran una máquina bien engrasada, y apenas rodaban unas pocas tomas de cada plano.
Poco antes de comenzar a rodar aún no tenían a la actriz que daría vida a Amy Taylor, mujer de Jeff, y es que era difícil que alguna se interesara en interpretar un papel, que prácticamente a los 10 minutos de película desaparecía del mapa. Varias actrices lo rechazaron, y se lo ofrecieron a Kathleen Quinlan, en boga por aquel entonces por su nominación al Oscar por Apolo 13 (1995). Mostow sólo tuvo 15 minutos para convencerla en la reunión que mantuvieron en una cafetería, ya que ella estaba liada con todo lo relacionado con la ceremonia de los Oscars, pero el director consiguió que se sumase al proyecto.
A los cuatro villanos de la película les dieron vida J.T. Walsh (Red Barr), M.C. Gainey (Earl), Jack Noseworthy (Billy) y Ritch Brinkley (Al). Noseworthy se hizo amigo de Mostow y se convirtió en un fijo de su cine. Por su parte, Gainey no guarda un buen recuerdo del rodaje. "Tuve que morirme de hambre hasta los 102 kilos," explicaba el actor a The Neon Rewind. "Vestía una larga camisa negra, y ropa oscura, y era un elenco pequeño, así que no había nadie con quien pasar el rato, no fue divertido."
En papeles secundarios podemos encontrar a Rex Linn (como el Sheriff Boyd), Moira Sinise (en la piel de Arleen, mujer de Red), Jack McGee (en el papel del camarero del Belle's) y Kim Robillard (como el policía Len Carver).

RODAJE
El rodaje tuvo lugar entre el 9 de abril de 1996, y el 28 de junio del mismo año. Y se utilizaron diferentes localizaciones de California, Nevada, Utah y Arizona, con un uso masivo de exteriores en el desierto.
El pueblo de Brackett era realmente Victorville (en California). Y el plano de Russell divisándolo desde lo alto de una montaña rodeado por los villanos, se rodó en exteriores, pero con una pantalla verde detrás del actor, ya que el pueblo no existía, y fue insertado posteriormente.
La constante del rodaje fueron las idas y venidas de Russell al inicio y final de cada jornada. Por la mañana recogían al actor en su casa, y lo llevaban al aeropuerto privado de Santa Monica, desde donde volaba al aeropuerto más cercano en el que se encontrase el rodaje en aquel momento, y después un helicóptero que estaba esperando, lo llevaba al set de rodaje. Tras intentar sacar todo el partido a las horas que disponían de él, sobre las 4:30 de la tarde el helicóptero estaba preparado para que el actor volviera de regreso a casa. Sólo en una ocasión el actor tuvo que permanecer más allá de ese horario, y fue para rodar una escena nocturna, para la que sólo lo necesitaban una noche.
El momento en que Amy le da el golpe de gracia a Red, fue una idea que surgió el mismo día de rodar la escena. Originalmente en el guión, era Jeff quien mandaba al villano al otro barrio, pero Kathleen Quinlan se lamentó a Kurt Russell, por como en las películas de acción, las mujeres siempre son damiselas en apuros, y Russell le propuso que fuera ella quien se encargase de protagonizar ese momento. Le preguntaron a Mostow que le parecía, y el director pensó que era perfecto, y cambió la escena.
Mostow programó rodar el prólogo de Bosnia al final del rodaje, con la esperanza de poder convencer a todo el mundo de que no era necesario, pero al final tuvo que rodarlo a regañadientes, algo para lo que necesitó de dos semanas.
Pero la suerte se puso de su parte cuando al estudio le encantó la película, por eso pudo sugerir que en lugar de hacer un pase de prueba, se hicieran dos, el primero con el prólogo y el segundo sin él. Los pases tuvieron lugar en Long Beach, y cuando los ejecutivos asistieron al segundo, no les hizo falta ni ver los resultados del público, se dieron cuenta que esa era la versión que debían estrenar. De esa forma Mostow se salió con la suya.
El rodaje se completó sin mayores incidentes, y sólo hubo un problema fuera del mismo, y tuvo que ver con la música. Basil Poledouris fue el encargado de componer la banda sonora, pero su primera partitura fue rechazada y tuvo que componer una nueva, que fue completada gracias a la colaboración de Richard Marvin, Eric Colvin, Steve Forman y Judd Miller, que aportaron música adicional.
La película se estrenó en Estados Unidos el 2 de mayo de 1997 (tras una premiere el 24 de abril en Los Angeles), y fue uno de los sleepers del año, recaudando 50.159.144 de dólares en territorio norteamericano. Además cosechó críticas favorables.

VALORACIÓN
Breakdown supone uno de los mejores ejemplos de suspense, que podemos encontrar en el cine de los 90. Transmite tensión desde el minuto uno, y atrapa al espectador hasta el final. Pero además es también un ejemplo modélico de cine de acción bien entendido, con un gran sentido del ritmo. La película se convierte así en una acertada mezcla de ambos géneros.
Las persecuciones están dotadas de energía y nervio, y las secuencias de suspense transmiten siempre el miedo del protagonista. Mostow pese a ser un director casi novato, demostró manejar a la perfección los mecanismos de ambos géneros. Pero cuando quiere es capaz de buenos movimientos de cámara, como ese picado que se aleja de Russell cuando sale de la cafetería, que nos hace sentir su soledad.
Y como en toda buena película de acción, el héroe se desarrolla durante las escenas de acción, éstas sirven para llevar adelante la historia y al personaje. Vamos conociendo a Jeff por sus actos, entendemos cuando viaja debajo del camión de Red (posiblemente la mejor escena de la película), que hará lo que sea necesario para recuperar a su mujer, y su angustia y sufrimiento en cada una de las set pieces consiguen que empaticemos con él.
Lo mejor de la película es que consigue que nos pongamos en la piel de Jeff, que sintamos su miedo e impotencia, y que constantemente pensemos que haríamos en su lugar. Y eso es porqué el protagonista es presentado como una persona normal en una situación extraordinaria, la película se esfuerza por transmitir verosimilitud y realismo, aunque lo adorne con escenas de acción. Además está reforzado al estar contada la historia desde su punto de vista, y que la cámara siempre le acompañe en todo momento, eso hace que conectemos con el personaje.
Y gran parte del mérito de esa autenticidad lo tiene Kurt Russell, demostrando una vez más su versatilidad, haciendo creíble en todo momento su papel de tío normal superado por las circunstancias, sin saber que le está ocurriendo, ni en quien creer.
Pero además el resto del reparto está de lo más atinado, donde destaca principalmente ese gran secundario que era J.T. Walsh, componiendo un excelente villano, sin caer en excesos ni en la sobreactuación.
La película trata de ese sentimiento que se produce cuando somos un pez fuera del agua, del miedo que tenemos cuando estamos en un entorno que no conocemos y que nos pase algo malo. Mostow lo pone en imágenes haciendo realidad nuestra peor pesadilla, la desaparición de un ser querido y nos angustia con un (entretenido) ¿y si?
Y de paso nos habla de lo peor de la condición humana, vemos lo horribles que pueden ser los actos de la gente, Jeff y Amy se topan de bruces con el mal, pero lo más terrorífico es que ese mal tiene el rostro de gente normal y corriente. Es la persona que te cruzas en una cafetería o una gasolinera, aquel que ves a través del cristal de tu coche al pasar. Esa cotidianidad pone los pelos de punta.
Además vemos en sus imágenes una lucha de clases, Jeff y Amy son considerados unos yuppies por el coche que tienen y su aspecto (realmente son de clase media), mientras que los villanos son de clase obrera, y se creen con derecho de arrebatarle a los ricos lo que tienen. Eso le añade una capa más a la película, y nos hace preguntarnos si Jeff tendrá lo que es necesario para enfrentarse a ellos.
El tiempo de la película está de lo más ajustado, 93 minutos que parecen la mitad. Nada más comenzar ya tenemos el encuentro entre Jeff y Earl. Toda la parte de la desaparición, con Jeff tratando de encontrar a su mujer, dura lo que tiene que durar, y justo en el momento que podrían comenzar a estirarlo, la película da un giro y descubrimos los planes de los villanos. Y el suspense ya no viene por el qué le habrá sucedido a la mujer, se convierte en que hará Jeff para evitar que la maten, ya que no tiene el dinero que ellos le piden. La película se reinventa cuando tiene que hacerlo, y no pierde un ápice de su interés.
Es un acierto no mostrar a la mujer durante toda la película, hasta el consabido clímax final. Sigue siendo el personaje que articula toda la trama, pero el que Jeff no tenga noticias de ella, nos coloca en su lugar, y si en algún momento nos la hubieran mostrado se perdería la fuerza que produce su desaparición. Es su ausencia y la sensación de no saber si sigue viva lo que mantiene nuestro interés.
Y el cierre de la película está a la altura del resto, no sólo tenemos la mejor persecución de la película, además guarda otros momentos geniales, la mujer de Red gritándole a su hijo que dispare a Jeff (un momento de suspense incómodo e inesperado); el momento en que Jeff cree que su mujer está muerta cuando la sacan del camión (pura angustia); y la escena en que Red arrolla la caravana en la que se encuentran Jeff y Amy (otro gran momento de acción).
Pese a su sencillez, el guión guarda ideas que consiguen que nos quedemos dándole vueltas durante días. ¿Haríamos lo mismo que Jeff y dejaríamos a nuestra pareja irse con un desconocido? De haberlo hecho, ¿cómo nos sentiríamos por cometer ese error? ¿Hasta donde llegaríamos por recuperar a alguien a quien queremos? Además se redondea con pequeños detalles que lo hacen todavía mejor. Como el premio de 90.000 dólares al que se hace mención en un par de momentos, para que resulte creíble cuando Jeff da esa cifra a los villanos. O que simplemente por varias matrículas y objetos que Jeff encuentra en la granja de Red, sabemos que los villanos han secuestrado a varias personas antes que a Amy.
La película tiene un gusto a cine de los 70, una apuesta por lo artesanal y clásico que se agradece. Tenemos el uso de especialistas, la ausencia prácticamente de efectos visuales (sí hace uso de matte paintings, lo que refuerza esa idea de cine a la antigua), e incluso tenemos zooms tan característicos de esa década.
Además vemos la influencia clara de dos películas en Breakdown, la primera y más obvia El diablo sobre ruedas (1971), y también vemos la huella de la holandesa Desaparecida (1988). De la primera tenemos el camionero como enemigo y las persecuciones por carretera; y de la segunda la tensión e impotencia de un hombre en busca de su mujer secuestrada en un viaje por carretera. Pero aún así el film de Mostow tiene su propia personalidad y no es una mera imitación de aquellas.
Pocas pegas se le pueden poner, tal vez ese momento en el que el coche de Billy aparece de la nada en la persecución final. O el porqué Billy no sale al encuentro de Jeff la primera vez que éste visita la cafetería, haciendo que el protagonista tenga tiempo de encontrarse con Red e incluso acudir a la policía. Aunque este punto está claro, Mostow lo hace para aumentar el suspense todo lo posible, e incluye ese impagable encuentro de Jeff con el camionero y como éste actúa como si lo no lo conociese de nada, así que se le perdona.
Breakdown es un pequeño clásico del cine de suspense. No sabe lo que son los tiempos muertos y tiene un ritmo que no da respiro al espectador. Pisa el acelerador nada más empezar y no lo levanta hasta el final. La película supone un viaje inolvidable, que te hará pensarte dos veces irte con un desconocido. Después de verla viajar por carretera nunca será lo mismo. 

CURIOSIDADES
De sus propias películas, Kurt Russell considera Breakdown, una de las que está más orgulloso.
Por su parte, Jonathan Mostow declaró que Breakdown es su película favorita de todas las que dirigió.
Cuarta película en la que coincidieron Kurt Russell y J.T. Walsh, tras Conexión Tequila (1988), Llamaradas (1991) y Decisión crítica (1996).
La película fue nominada a dos premios Saturn en las categorías de mejor película de acción/aventura/thriller y mejor actor secundario (J.T. Walsh)
En la granja de Red se ve en un televisor un videojuego, que no es otro que Doom.
El body count de la película asciende a 4 muertos (sin contar el destino del Sheriff Boyd).
Cuando Earl se acerca por primera vez a Jeff en la gasolinera, se puede ver al fondo el camión de Red.
Cuando Red le dice a Jeff, "49 minutos. Es hora de ponerse en marcha", realmente ese es el tiempo que queda para que termine la película.
El hijo de Mostow nació la misma noche de la premiere de la película.

BIBLIOGRAFÍA
Get That Cat Outa Here: Behind the Scenes of My Favorite Films (Ben Ohmart, 2019)
Dino: The Life and the Films of Dino De Laurentiis (Tullio Kezich, 2004)
Mission from Mostow (Salon, 4 may 2000)
M.C. Gainey (The Neon Rewind)
De Laurentiis not foreign to success (Variety, 28 feb 2001)
Jonathan Mostow Interview (Vulture Hound, sep 2017)
Breakdown (Irish Film Institute)
U-571 – Richard Marvin (Movie Music UK, 21 abr 2000)
Breakdown Soundtrack (soundtrackcollector.com)
Mission from Mostow (Salon, 4 may 2000)

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Monday, July 01, 2024

Superdetective en Hollywood 2

"¡No, no, no! ¡Puta!"

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tras el intento de asesinato de su amigo Bogomil, Axel Foley volverá a Beverly Hills para descubrir al responsable, y de paso atrapar a una banda de atracadores, que comenten una serie de crímenes siguiendo el abecedario.

REGRESO A BEVERLY HILLS
Superdetective en Hollywood (1984) fue una de las diez películas más taquilleras de los ochenta, de modo que estaba cantado que tarde o temprano se realizaría una secuela. Los primeros planes de Paramount para la continuación fueron crear un serie de televisión, pero la negativa de Eddie Murphy por volver a la pequeña pantalla, echaron al traste los planes del estudio.
Se barajaron varias ideas sobre cómo continuar las aventuras de Axel Foley, y una de ellas fue enviarlo a Europa, pero la estrella no quería salir de Estados Unidos para rodar, por lo que la secuela se situaría en unas coordenadas similares a las de la primera parte.
Ocho meses después del estreno de Superdetective en Hollywood, los productores Don Simpson y  Jerry Bruckheimer le encargaron a Bud Shrake y Dan Jenkins el guión de la secuela. En su guión, Foley se infiltraba como guarda de seguridad en un almacén de Beverly Hills para investigar unos delitos que allí se cometían. Este guión no convenció a Murphy, y los productores se centraron en Top Gun (1986), por lo que aparcaron el proyecto de la segunda aventura de Alex Foley durante un tiempo.
Al final fue el propio Eddie Murphy, en colaboración con su mánager Robert Wachs, quienes en febrero de 1986, presentaron una idea para la película. Lo que planteaban era básicamente el argumento visto en la película final, Foley regresa a Beverly Hills para descubrir quien trató de asesinar a Bogomil, que está metido en una peligrosa investigación.
Partiendo de la idea de Murphy y Wachs, le encargaron el guión a Larry Ferguson, y eso que el guionista estaba contratado en Paramount para escribir el guión de Más fuerte que el odio (1988) (que terminó escribiendo también). Simpson tenía tanto poder en el estudio, que logró sacarlo de ese proyecto y llevárselo a Superdetective en Hollywood 2 (Beverly Hills Cop II, 1987). Según contaba Ferguson en el libro High Concept, fue contratado por Simpson porque en su primera reunión desmontó la pistola que éste tenía sobre la mesa de su despacho y después volvió a montarla (el productor era un amante de las armas). Ferguson trabajó en el guión desde mayo a septiembre de 1986, escribiendo diferentes borradores.
En septiembre de 1986, los productores contrataron al guionista de televisión Dennis Klein, para que mejorara las partes cómicas del libreto.
Le ofrecieron a Martin Brest dirigir la secuela, pero rechazó la oferta. Tony Scott estaba terminando Top Gun para el dúo Simpson/Bruckheimer, y le ofrecieron hacerse cargo de la nueva aventura de Axel Foley, y aceptó. A Scott le encantaba la película original y era fan de Murphy. Más tarde reconoció estar aterrado por enfrentarse a una comedia, pero decidió llevarla a su terreno. "Traté de llevar mi estilo a este género, la comedia de acción," contaba el director a Empire, "que realmente no tenía mucho estilo." Scott aportó sus propias ideas, como el incremento de la acción y la idea de rodar una escena en la Mansión Playboy.
Los productores contactaron con el guionista Warren Skaaren (Batman) famoso por arreglar guiones problemáticos, cuando sólo faltaba un mes para comenzar el rodaje de la película, esto fue a comienzos de octubre de 1986. Al guionista le pagaron cerca de 300.000 dólares por dos semanas de trabajo y un 2,5% de las ganancias netas de la película.
Klein y Skaaren trabajaron en simultaneo en el guión, pero en partes diferentes. Simpson llegó a declarar que la película contó con once guionistas en total (se conoce sólo la identidad de ocho).
Skaaren escribió el inicio de la película en el que se establecen las relaciones de la amistad entre Foley y Bogomil, y mantuvo la trama ya existente en el guión de Ferguson, de una serie de crímenes basados en el alfabeto. También introdujo el personaje de Jan, la hija de Bogomil, y la pista con el barro de color rojo. Skaaren estuvo escribiendo nuevas escenas durante el rodaje.
Y David Giler (Esta casa es una ruina) también realizó reescrituras en el guión.

REPARTO
Eddie Murphy tenía un contrato de exclusividad con Paramount, y recibió un sueldo de aproximadamente de 8 millones de dólares por su participación en la película.
Judge Reinhold (Billy Rosewood), John Ashton (John Taggart) y Ronny Cox (Andrew Bogomil) repitieron los mismos papeles que en la primera parte.
El alemán Jürgen Prochnow se hizo con el papel del villano Maxwell Dent. El actor vivía por aquel entonces en Munich y le llegó el guión a través de su agente. Tony Scott era fan de la película El submarino (Das Boot) (1981), protagonizada por Prochnow, y eso seguro que ayudó a su contratación.
Brigitte Nielsen dio vida a la villana Karla Fry. Según se revela en el libro Wild and Crazy Guys, Murphy confesó años después de la realización de la película, que contrató a la actriz para hacerle un favor a su amigo Sylvester Stallone, quien por aquel entonces era su marido.
Chris Rock tuvo un pequeño papel como aparcacoches. Murphy y él se conocieron en un club de comedia, y la estrella lo metió en la película. Rock cobró 600 dólares por su trabajo.
El resto del reparto lo formaron Allen Garfield (como el insoportable Harold Lutz), Dean Stockwell (en el papel del villano Chip Cain), Paul Reiser (interpretando al compañero de Axel, Jeffrey Friedman), Gilbert R. Hill (dando de nuevo vida al gritón inspector Todd), Paul Guilfoyle (como el traficante de armas Nikos Thomopolis), Robert Ridgely (como el alcalde Egan), Alice Adair (en la piel de Jan Bogomil) y Gilbert Gottfried (en un cameo como el contable Sidney Bernstein).

RODAJE
La fotografía principal tuvo lugar entre el 10 de noviembre de 1986 y el 25 de marzo de 1987. Se rodó principalmente en diferentes localizaciones de California, como en el Ayuntamiento de Beverly Hills, el Palacio Municipal de Pasadena, el Hipódromo Los Alamitos, el Max Factor Museum (escena del robo de la joyería), Rodeo Drive, y la Mansión Playboy.
Se envió a un director de segunda unidad para realizar tomas de Detroit, pero los actores principales nunca se desplazaron a la ciudad del motor.
La película se presupuestó en 27 millones de dólares, pero terminó costando 31 millones. Según Frank Mancuso, presidente y director ejecutivo de Paramount, ese dinero extra se dedicó para rodar una persecución adicional, para aportar más música y rodar de nuevo dos escenas para tener más tomas de reacción de Murphy.
Scott trabajó duro en la película. Todas las mañanas de 4 a 6 se dedicaba a realizar los storyboards. Y después se los mostraba a los actores, para que tuvieran una idea visual de lo que tenía previsto rodar ese día.
Según contaba el editor Billy Weber el comportamiento de Murphy durante el rodaje no fue el mejor, y demostraba ademanes de estrella, llegando siempre tarde al set. Aunque a Scott le encantó trabajar con él. De entrada, el director estaba intimidado por trabajar con una estrella tan grande como Murphy, pero decidió darle libertad para que pudiera dar rienda suelta a su estilo de comedia improvisada. 
Y es que hubo mucha improvisación durante el rodaje, algo habitual en Eddie Murphy. Incluso Reinhold y Ashton improvisaron más que en la primera parte. Hay escenas totalmente improvisadas como la protagonizada por Gottfried, o aquella en el que Foley, Rosewood y Taggart se ponen a cantar el tema de un programa de televisión (una idea de Murphy); el diálogo entre Foley y Rosewood durante la persecución en el camión de cemento; o el diálogo sobre el chicle cuando tratan de colarse en el club de tiro.
Como suele suceder al rodar una película de acción, ocurren accidentes, y Superdetective en Hollywood 2 no se libró de ellos. Un coche conducido por un especialista perdió el control y atravesó una ventana de vidrio.
Según confesaba Scott, la escena más difícil de la película fue para él, ese momento del clímax, en el que Axel está buscando al villano en un almacén. El director decidió hacer algo que no se hubiera visto antes, primero mantuvo la escena en un completo silencio, para que fuera más sorprendente cuando el coche conducido por el villano atraviesa la pared.
Una de las secuencias de la película se rodó en la famosa Mansión Playboy. En el pasado Hugh Hefner había recibido ofertas para rodar allí, pero siempre se había negado, pero decidió hacer una excepción con esta película. Scott contaba divertido que le costó tener al equipo centrado cuando rodaron en la mansión, ya que aprovechaban la mínima oportunidad para estar con las chicas.
Corrió un rumor de que Murphy se había liado con Brigite Nielsen, y esto llegó a oídos de su entonces marido Sylvester Stallone, quien llamó por teléfono a Murphy y le acusó de haberse acostado con ella, algo que Murphy negó rotundamente. Fue el final de su amistad. Pero Stallone no andaba muy desencaminado, ya que su mujer realmente tenía un lío, pero con Tony Scott. Esta aventura le costó al director su matrimonio con Glynis Sanders. Y Stallone se terminó divorciando de Nielsen.
Durante el proceso de montaje, Scott se dio cuenta de que se había olvidado de mostrar quien disparaba en la escena que tirotean a Bogomil, por lo que tuvieron que regresar a la localización y rodar el plano que faltaba.
Cuando vieron el primer montaje de la película, Billy Weber contaba que no gustó a Bruckheimer y Simpson, ya que no había humor en ella, y era más una película de acción clásica. Scott no era un director de comedia, pero era un gran director de acción, y eso era lo que reflejaba aquel primer montaje. Pero Superdetective en Hollywood 2 tenía que ser una comedia, así que para solucionarlo, reescribieron el guión añadiendo más humor y se hicieron reshoots.
El proceso de post-producción fue increíblemente corto, sólo constó de seis semanas, lo que es una locura para una superproducción de estas características.
Lo más recordado de la producción de la película vino justo después de que terminara su rodaje, y fue la guerra por la autoría del guión. Paramount presentó ante la WGA que los créditos de escritura tendrían a Larry Ferguson y Warren Skaaren como co-autores del guión, pero Ferguson protestó por esta decisión, lo que derivó en un arbitraje por parte de la WGA para decidir la autoría del guión. La WGA decidió que ambos compartirían crédito como co-autores del guión, y Eddie Murphy y Robert Wachs figurarían como co-autores de la historia. Ferguson entonces contactó con la "Junta de Revisión de Políticas" de la WGA para que examinara su decisión, ya que no consideraba que Skaaren hubiera aportado tanto al guión como para ser acreditado (según las nomas de la WGA un guionista debe contribuir como mínimo en un 33% del guión). En abril de 1987, la WGA respondió reafirmando que el crédito quedaba con Ferguson y Skaaren como co-autores del guión (y Eddie Murphy y Robert Wachs como co-autores de la historia). No contento con dicha decisión, Ferguson contraatacó presentando una denuncia ante el tribunal superior de California el 15 de mayo de 1987, para que la WGA revisara el caso y le diera el crédito en solitario. Entre medias los guionistas originales, Bud Shrake y Dan Jenkins, también trataron de impugnar el arbitraje de la WGA. Pero al final nada de esto llegó a puerto, el tribunal dictó sentencia en noviembre de 1987 contra Ferguson, y aunque éste apeló (un proceso que se alargó durante años), los créditos se mantuvieron como había decidido la WGA.
La película se estrenó en Estados Unidos el 20 de mayo de 1987 y fue un gran éxito de taquilla recaudando 153.665.036 de dólares (lo que la colocó como la tercera película más taquillera del año en su país de origen). Y la cifra final a nivel mundial fueron unos increíbles 299.965.036 de dólares (lo que la convirtió en la segunda película más taquillera del año, sólo superada por Atracción fatal).
La película fue nominada al Oscar en la categoría de mejor canción original, por el tema "Shakedown" de Harold Faltermeyer, Keith Forsey y Bob Seger.
La crítica no la trató muy bien en su estreno, Roger Ebert, por ejemplo, dijo sobre ella en una crítica bastante negativa: "la secuela no hace ningún esfuerzo particular por ser divertida y, de hecho, parece tomarse en serio su ridícula trama criminal, como si nos importara." Incluso tiempo después Murphy fue crítico con ella definiéndola como, "probablemente la película mediocre más exitosa de la historia," en la revista Rolling Stone.

ESCENA ELIMINADA
Tony Scott decidió cortar una escena que acontecía cuando Foley, Rosewood y Taggart entran en el club de tiro. El primero se da cuenta de que hay un sistema de seguridad mediante láseres, y le pide a Taggart que fume para hacer visibles los rayos. Una vez el humo permite verlos, los tres policías los sortean. La escena se eliminó porque parecía salirse de la realidad.

VALORACIÓN
Superdectective en Hollywood se basaba en la idea de un pez fuera del agua, el choque que se producía al meter a un poli de una ciudad pobre en una rica, y como sus métodos y actitud de Detroit chocaban con los de Beverly Hills. A la hora de enfrentarse a una secuela, debían volver a colocar a Foley en una situación similar, y de entrada sólo tenían dos posibilidades, o recuperar al reparto original y colocarlo en otra aventura en Beverly Hills (y así aprovechar el título), o llevar a Axel a otro país o ciudad donde hubiera un choque cultural y social. Creo que ninguna de las dos opciones encajan realmente a la hora de hacer una secuela, porque Superdetective en Hollywood es una película que no necesita secuelas. Pero a la hora de llevarla a cabo, y por la reticencia de Murphy de salir de Estados Unidos, se decantaron por la opción más sencilla y menos arriesgada. Y ese el principal punto débil de la película, que es más de lo mismo, pero eso sí luce de maravilla.
Porque lo mejor de la película, además de su sentido del humor, es tener a Tony Scott sentado en la silla del director, quien aporta mucho estilo y eleva la secuela en el apartado visual. Nunca he considerado a la primera parte una obra maestra, pero sí una comedia de acción que funcionaba bastante bien, pero que estaba rodada de una forma un tanto impersonal, lo que favorecía a la comedia, pero no a la acción. Si la primera aventura de Axel Foley era una comedia de acción, la segunda es más una película de acción con comedia.
Puede que Scott no sea un director de comedia, pero realmente le salió una película muy divertida, con un Murphy pletórico, donde el actor campa a sus anchas, y destila su carisma y capacidad para la improvisación.
Ya desde las primeras tomas de Los Angeles, con los característicos filtros naranja "marca Tony Scott", sabemos que esta película no será igual que la primera. Entramos en territorio de Tony Scott, exudando testosterona y un gran poder visual.
Supongo que en el momento de su estreno, el hype por la película tuvo que ser tremendo, la secuela de Superdetective en Hollywood, una de las películas más taquilleras de la historia, estaba en manos del director del exitazo de Top Gun (1986). La película olía a éxito (y vaya si lo fue).
El punto de partida repite más o menos el de la primera parte, un amigo cercano a Axel es tiroteado y para resolver el caso, el policía tiene que viajar a Beverly Hills. De entrada no resulta muy original, pero funciona como arranque potente al ser Bogomil a quien tratan de asesinar. Pero después a la película no le interesa demasiado la propia trama que plantea, me refiero a la del asesino del abecedario, que de entrada suena prometedora, pero que termina teniendo muchas lagunas. Está bien traído que la letra "B" sea el intento de asesinato a Bogomil, pero no sé como entraba eso en los planes de los villanos, ya que no sabían que él sería el encargado del caso (a esa altura de película sólo han realizado un golpe, el de la joyería Adriano's), de no tratar de asesinarle, ¿su segundo objetivo sería un lugar que comenzase por la letra "B"? Axel descifra el último código del abecedario, pero nunca se nos muestra cuál es el mensaje que dejan los villanos. Axel dice que el primer código era muy difícil, pero nunca sabemos cuál fue su resolución. A la película nunca le interesa demasiado esa trama del asesino del abecedario.
Y le encuentro a la película otras pegas. Por ejemplo, en el montaje inicial, que va continuamente entre Los Angeles y Detroit, vemos en un momento a Bogomil corriendo por los campos petrolíferos de Dent, para a continuación encontrarse en su casa vestido y aseado. Sabemos que Axel tiene que reunirse en 3 horas con un criminal, por lo que no es posible que Bogomil ya se encuentre en su casa.
Y hay cosas inverosímiles que no cuadran. Bogomil tras el primer robo tiene como pistas el club "385 North", y la empresa petrolífera de Dent (llena de tierra roja), cómo llegó a esas pistas nunca lo sabremos, y no parece que los responsables de la película lo sepan tampoco, sólo están ahí para que Axel las tenga para su investigación y hacer avanzar la trama. Axel, Billy y Taggart llegan al club de tiro (casualidades de la vida, justo el lugar donde se encuentra el villano), sólo porque Taggart dice que allí hay un armero muy bueno que igual les puede ayudar con la pista de la bala que roba Axel. Después los tres encuentran en el club de tiro un papel con unas coordenadas, que resultan ser las del siguiente golpe de los villanos. No tiene sentido que Cain deje anotadas las coordenadas del lugar del golpe, ¿quién haría eso? Pero gracias a ello vamos directos a la siguiente set piece.
Lo bueno de la historia, es que está condensada en tan solo tres días, lo que le da un gran ritmo a la película, a lo que se suma que Axel tenga un tiempo límite para resolver el caso antes de tener que regresar a Detroit. Además la película tiene unos ajustadísimos 100 minutos de duración que no deja lugar para tiempos muertos. La película resulta entretenidísima, no hay un segundo en que no haya un chiste, un tiroteo, una explosión, una persecución, una frase cachonda o un tema pegadizo. La película sabe exactamente lo que quiere el público y se lo da de la forma más amena posible.
Se nota que desde la primera parte, Murphy se había convertido en una superestrella, porque la película trata de mostrarlo siempre como lo más guay (y Eddie Murphy era muy guay), pero Axel es un poli que pese a no tener los medios de la policía de Beverly Hills, tiene ingenio y eso la permite resolver los casos en los que se ve envuelto. Pero cuando en el comienzo de la película lo vemos conduciendo un Ferrari y vestido con un traje elegante (hay que recordar el coche destartalado que conducía en la primera parte), nos damos cuenta que éste no es el Axel Foley de la primera parte, claramente tratan de hacer que la estrella de la película luzca lo más genial posible, y eso entronca con la película original y con el personaje de Axel. Vale que después vemos que en realidad está de incógnito, pero sabemos que en el fondo sólo están mimando a su estrella (¿en que policía del mundo le darían a un poli un Ferrari para aparentar y mucho menos en Detroit?).
La improvisación durante el rodaje le da una gran frescura a la película, que siempre resulta divertida. Tiene momentos que hacen que me parta de risa. Por ejemplo, cuando Axel se hace pasar por un mensajero que lleva unos proyectiles que se activan por sonido. O cuando se las apaña para conseguir un casoplón engañando a los obreros. Es igualmente divertida la escena en la que se cuela en la Mansión Playboy haciéndose pasar por un limpiapiscinas. Y la escena con Gilbert Gottfried (como el contable Sidney Bernstein) es un descojone. Y las películas de la saga siempre tienen ese momento genial, en el que Axel deja en ridículo al villano delante de todo el mundo, en este caso a Maxwell Dent en la Mansión Playboy, que se disfruta enormemente.
La película está llena de guiños a Sylvester Stallone (que recordemos iba a ser el protagonista de la primera parte hasta que abandonó el proyecto). No sólo su mujer de aquel entonces tiene uno de los roles principales. En un momento de la película vemos como Billy tiene en su apartamento un póster de Cobra, el brazo fuerte de la ley (1986) y Rambo: Acorralado - Parte II (1985). Y en otro momento de la película Taggart exclama "¡Joder con Rambo!", cuando Billy vuela un camión por los aires.
Murphy estaba en el mejor momento de su carrera, pasando de un éxito a otro y ganándose siempre las simpatías del público. Aquí se encuentra en su salsa, volviendo a su personaje más recordado, y es un gustazo verle de nuevo como Axel Foley. Judge Reinhold y John Ashton tienen una gran química con él, y la película le da a estos unas divertidas subtramas, el primero como un sorprendente loco por las armas, y el segundo dolido porque su mujer se ha marchado de casa (aunque tiene un final feliz, ya que ella regresa al finalizar la película). Y tiene un ecléctico elenco de villanos (Jürgen Prochnow, Brigitte Nielsen, Dean Stockwell) que funcionan bien juntos.
Siempre ha sido mi película favorita de la saga y le tengo un aprecio especial. Y es que Superdetective en Hollywood 2 daba a los fans de la primera parte una nueva aventura del policía número uno de Detroit, más grande, con más acción y más molona.

CURIOSIDADES
Gilbert R. Hill (inspector Todd) sólo trabajó como actor en tres películas, las tres primeras entregas de Superdetective en Hollywood.
Billy Rosewood tiene en su apartamento un póster de Cobra, el brazo fuerte de la ley (1986), y Brigitte Nielsen era una de sus protagonistas.
Ganó el Razzie a la peor canción original por el tema "I Want Your Sex" de George Michael.
Como ya había hecho en Top Gun, Scott vuelve a introducir una escena de voleibol, en esta ocasión en la escena de la Mansión Playboy.
Primer crédito de Eddie Murphy como guionista.
El tema que Axel, Taggart y Billy cantan en el apartamento del último, pertenece al programa de televisión The Dating Game (1965).
Brigitte Nielsen participa en la escena de la Mansión Playboy, y la actriz apareció en la páginas de la revista en el número de diciembre de 1987.
El deportivo que conduce Axel es un 1986 Ferrari 328 GTS.
Consiguió 26 millones de dólares de recaudación en su primer fin de semana, y fue en su momento la mayor recaudación de la historia para una película en su estreno.
Única película de la saga en la que no trabaja Bronson Pinchot (Serge).
Con sus 100 minutos de duración, es la película más corta de la saga.

BIBLIOGRAFÍA
Eddie Murphy: Call Him Money (Rolling Stone, 24 ago 1989)
The Billy Weber Interview: Part Two (We Are Cult, 3 jun 2020)
Exclusive Producer: Top Gun? (Los Angeles Times, 11 sep 1986)
Rewrite Man: The Life and Career of Screenwriter Warren Skaaren (Alison Macor, 2017)
What Makes Hollywood Bid Big for A Hot Novel (The New York Times, 8 feb 1987)
High Concept: Don Simpson and the Hollywood Culture of Excess (Charles Fleming, 1999)
Beverly Hills Cop 2: The Phenomenon Continues (Extra DVD)
Escena eliminada (Extra DVD)
Wild and Crazy Guys (Nick De Semlyen, 2019)
Tony Scott: A Filmmaker on Fire (Larry Taylor, 2018)
The Duke of Doubt (The New Yorker, 3 nov 2014)
A conversation with Gilbert Gottfried (Journal Star, 17 ene 2019)
Beverly Hills Cop II movie review (Roger Ebert, 20 may 1987)
The Directors: Take Four (Robert J. Emery, 2003)

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Saturday, June 01, 2024

La máscara del Zorro

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un joven sediento de venganza, se topa con un hombre que antiguamente fue el famoso héroe el Zorro, quien le enseñará todo lo que sabe.

EL REGRESO DEL ZORRO
En 1919, el escritor y periodista Johnston McCulley creó al Zorro, quien vivió su primera aventura ("The Curse of Capistrano") en la revista pulp "All-Story Weekly" en agosto de ese año. El personaje fue llevado al cine y a la televisión en innumerables ocasiones, con actores como Douglas Fairbanks, Tyrone Power, Alain Delon o Guy Williams, ocultos detrás de su máscara.
A finales de los 70, John Gertz se hizo con los derechos del personaje y fundó Zorro Productions. Tras realizar varios proyectos con el Zorro como protagonista en compañía de su hermana Nancy Larson, decidió entre finales de los 80 y principios de los 90, realizar una gran producción para el personaje. Nancy escribió el guión y lo ofrecieron a todos los estudios de Hollywood para que pujasen por él. TriStar Studios fue el que hizo la mejor oferta y además tenía un as bajo la manga, a Steven Spielberg interesado en dirigir la película. Llegaron a un acuerdo con TriStar a principios de 1991, aunque La máscara del Zorro (The Mask of Zorro, 1998) tardaría siete años en estrenarse, ya que se vio envuelta en un infierno de desarrollo.
Nancy se reunió con Spielberg para escribir un segundo borrador, pero no estuvo de acuerdo con las ideas del director y dejó el proyecto.
En 1991, el guionista Randall Jahnson, quien acababa de escribir The Doors (1991) con Oliver Stone, entró en el proyecto.
Fue idea de Spielberg situar la historia durante la fiebre del oro de California, y quería que estuviera presente también "La rebelión de la bandera del oso", y que el nuevo Zorro fuera interpretado por un actor latino. A Jahnson no se le ocurrió la trama de la película hasta la noche anterior de su reunión con el rey Midas de Hollywood. Su idea fue que como la fiebre del oro y "La rebelión de la bandera del oso" ocurrieron en tiempos diferentes, tener a dos Zorros y que uno le entregara su espada al otro, y de esa forma abarcar ambas épocas, tal y como deseaba Spielberg. Jahnson llegó a escribir hasta cuatro borradores partiendo de esa premisa. Pero sería sólo el primero de los muchos guionistas que tuvo la película, y según contaba Jahnson, se llegaron a escribir más de treinta borradores.
Tras escribir a principios de los noventa para TriStar Pictures un guión para una versión nunca realizada de "Los tres mosqueteros" (y que se desarrolló en paralelo a la versión de Disney Los tres mosqueteros (1993)), a finales de 1992, el guionista Joel Gross consiguió un contrato con TriStar por dos proyectos y un tercero opcional, siendo uno de ellos el guión del Zorro. TriStar deseaba tener listo el guión de Gross para marzo de 1993. Se desconoce cuanto llegó a trabajar en el guión, y pronto entrarían otros nombres en el proyecto.
La pareja de guionistas Terry Rossio y Ted Elliott (La ruta hacia El Dorado) presentaron su idea para una película sobre el Zorro, que se centraba en las aventuras de Don Diego de la Vega en España, y como el villano de la función trataba de comprar California a los Estados Unidos con oro. Ambos fueron contratados y adaptaron sus ideas al guión de Jahnson.
Finalmente Spielberg decidió no hacerse cargo de la película, y en 1993, buscó un reemplazo para sentarse en la silla de director, y recurrió a Mikael Salomon, quien acababa de rodar para Amblin Un lugar muy lejano (1993). El director quería a Andy Garcia para dar vida al Zorro, con quien llegó a reunirse en varias ocasiones, y Sean Connery estaba previsto que diera vida a Diego de la Vega. El productor asignado al proyecto era Branko Lustig (Gladiator). Salomon elaboró un presupuesto para la película de 45 millones de dólares, pero TriStar se negó a darle luz verde aludiendo que era demasiado cara. Volvió a intentarlo, pero las cifras seguían siendo las mismas y la respuesta de la productora también, Salomon llegó a un punto muerto, y salió del proyecto.
El siguiente director que contrató Spielberg fue Robert Rodriguez, algo que ocurrió a finales de 1995, cuando éste se encontraba inmerso con la post-producción de Abierto hasta el amanecer (1996). Elizabeth Avellán, mujer del director, sería la productora de la película. La fecha prevista para el inicio del rodaje era el 1 de julio de 1996. El director llevaba bien avanzada la pre-producción, cuando volvieron a surgir problemas con el presupuesto, Rodriguez quería más dinero (similar al deseado por Salomon), pero TriStar no estaba dispuesta a ceder, así que finalmente el mexicano dejó el proyecto.
Tras la salida de Rodriguez, se necesitaba rápidamente un reemplazo, ya que la maquinaria ya estaba en marcha. Aunque resulte curioso, uno de los directores que consideraron fue el español Julio Medem. Su película La ardilla roja (1993) había llamado la atención de Stanley Kubrick, quien le habló de ella a Spielberg, y éste le ofreció el proyecto a Medem. Banderas estaba ligado al proyecto y Emma Suarez, protagonista de La ardilla roja, era una de las contendientes para el papel de Elena. El donostiarra se lo pensó durante unos diez días y después lo rechazó, considerando que no era el director apropiado para el proyecto, y además estaba trabajando en el guión de Los amantes del círculo polar (1998).
También le ofrecieron el proyecto a otro director español, al vasco Alex de la Iglesia, recién salido del éxito de El día de la bestia (1995), pero al igual que Medem, también declinó la oferta.
Después le ofrecieron la silla del director a Martin Campbell, quien acababa de triunfar con GoldenEye (1995). El neozelandés llegó a rechazar la oferta hasta en tres ocasiones, hasta que le llamó Spielberg y le convenció de que lo hiciera. El guión no le gustaba del todo y Campbell se trajo consigo al guionista John Eskow (Air America), con quien estaba trabajando en un western. Eskow se encargó de realizar una reescritura que contentase a Banderas y Anthony Hopkins. El guionista aportó algunas ideas propias al guión, como la escena en la que Jack Tres Dedos obliga a cantar a Alejandro y a su hermano, o el momento en que los niños recortan unos ojos en una lona y miran a través de ella. Terminó realizando dos o tres borradores. Spielberg quería que los diálogos fueran muy de la época en la que ocurre la historia (siglo XIX), pero Eskow quería hacerlos más modernos. Ésta fue una de las razones por las que buscaron un reemplazo para el guionista, el cual debía viajar a México.
Y ese guionista fue Zak Penn (Ready Player One), quien trabajó en el guión unas pocas semanas durante el rodaje, hasta que te tuvo que marcharse, y ser a su vez reemplazado.
David S. Ward (El golpe) ocupó su lugar, e hizo la reescritura final de guión. Según contaba Campbell a Vulture, lo que aportó Ward al guión fue, "la caracterización y el humor." Además según confesaba el director al Los Angeles Times: "Creo que casi reescribió cada línea de diálogo en el guión."
Durante la pre-producción, en octubre de 1996, Alan J. Levine, presidente de Sony Pictures Entertainment (dueña de TriStar) dimitió de su puesto, y John Calley ocupó su lugar. Calley no quería seguir adelante con el proyecto, pero se habían gastado tanto dinero que no podía cancelarlo, así que no le quedó más remedio que darle luz verde y gastarse más dinero, mucho más (algunas fuentes sitúan el presupuesto final en 95 millones y otras en 65 millones).

REPARTO
Cuando Salomon era el director al mando, deseaba que Andy Garcia diera vida al Zorro/Alejandro Murrieta, pero Spielberg quería ofrecerle el papel a Tom Cruise, la oferta le llegó al actor, pero éste se desentendió del proyecto por no ser latino. Se hicieron pruebas a muchos candidatos, como por ejemplo al cantante Chayanne. 
Con la entrada de Robert Rodriguez en el proyecto, Antonio Banderas fue escogido para interpretar al Zorro, en aquel momento el español era un actor en alza en Hollywood. El malagueño cobró un sueldo de 5 millones de dólares por dar vida al héroe de la máscara. Y para ser convincente en el uso de la espada, el actor se pasó cuatro meses entrenando con el equipo olímpico español de esgrima, y después pasó a entrenarse con el maestro de esgrima Bob Anderson (La princesa prometida), quien llegó a declarar que Banderas era el mejor espadachín con el que había trabajado. El actor le sugirió a Campbell agregar más sentido del humor a su personaje, para diferenciar su Zorro de los anteriores.
En los tiempos de Mikael Salomon, Sean Connery estuvo ligado por un tiempo al papel de Don Diego de la Vega. Con la entrada de Campbell, el deseado para el papel fue Anthony Hopkins. El director viajó hasta Calgary (Canadá) donde el británico se encontraba rodando El desafío (1997), para tratar de convencerle. Aunque el actor quería hacer la película, tenía un problema en la espalda y le impedía hacer un papel tan físico. Campbell le envió el guión a Alain Delon (quien ya había dado vida al personaje en El Zorro (1975)) y le ofreció el papel, pero nunca obtuvo respuesta. Pero el director recibió buenas noticias de Hopkins, se había sometido a una operación de espalda con láser y ya podía hacer la película.
Para el papel de Elena consideraron a Cameron Diaz. Y a la cantante Shakira, quien realizó su prueba de casting en Miami, cuando Robert Rodriguez estaba al mando.
La española Emma Suarez estuvo pujando para el papel, esto también sucedió cuando Rodriguez aún ocupaba la silla de director. Como comentaba antes, a Stanley Kubrick le había gustado la película La ardilla roja (1993) y le habló a Spielberg de Emma Suarez, que era la protagonista. Mientras se encontraba realizando los ensayos de Tu nombre envenena mis sueños (1996), recibió una llamada de Amblin para comunicarle que Spielberg quería verla. De esa forma la actriz terminó los ensayos un viernes, tomó un vuelo a Los Angeles un sábado, hizo una prueba con Rodriguez y Spielberg, y el lunes estaba de vuelta en España para continuar con los ensayos. Lamentablemente no se llevó el papel que habría supuesto su salto internacional.
Otra actriz española que hizo una audición para el papel fue Aitana Sánchez-Gijón, quien tras el éxito de Un paseo por las nubes (1995), era una actriz en boga en Hollywood. Cuando salió de su prueba, se cruzó con Catherine Zeta-Jones, lo que sin ella saberlo fue un momento premonitorio.
En noviembre de 1996, por pura casualidad, Spielberg se encontraba viendo en la televisión la miniserie Titanic (1996), y descubrió en ella a Catherine Zeta-Jones, y creyó que era perfecta para el papel de Elena. Llamó a la Columbia y a Martin Campbell para que la tuvieran en cuenta. La actriz se reunió primero con Spielberg en los Universal Studios donde se encontraba rodando El mundo perdido (1997), y le habló de la película. Pocos días después se reunió con Campbell en los estudios de Sony, y finalmente viajó a México para hacer una prueba. 
En el proceso final de casting para el papel de Elena quedaron tres actrices finalistas, Catherine Zeta-Jones, y aunque nunca se ha confirmado la identidad de las otras dos actrices, algunas fuentes dicen que se trataba de la francesa Judith Godrèche (El hombre de la máscara de hierro) y la polaca Izabella Scorupco (GoldenEye), ésta última una apuesta personal de Campbell. Las tres actrices hicieron la misma escena, en la que cepillaban a un caballo y después decían una frase, las dos primeras actrices lo hicieron bien, pero cuando lo hizo Zeta Jones, se dieron cuenta que era la actriz idónea para el papel, y la escogieron. Para prepararse para el papel tuvo que entrenar en baile, equitación, esgrima y aprender a tener un correcto acento español.
Armand Assante fue contratado para el papel del villano Don Rafael Montero, pero los conflictos de agenda con la miniserie La odisea (1997), le dejaron fuera del proyecto. Assante fue reemplazado por Stuart Wilson, con quien Campbell había trabajado en Escape de Absolom (1994).
Viggo Mortensen hizo una prueba para el papel del capitán Harrison Love, pero el papel recayó finalmente en Matt Letscher.
El portugués Joaquim de Almeida interpretó al general Santa Anna, pero sus escenas fueron eliminadas del montaje final.
El resto del reparto lo formaron Tony Amendola (en el papel de Don Luiz), Victor Rivers (como Joaquín Murrieta, el hermano de Alejandro), L.Q. Jones (en la piel de Jack Tres Dedos), Maury Chaykin (como un guardia de la prisión en la que encierran a Don Diego de la Vega), y Pedro Armendáriz Jr. (en el papel homónimo de Don Pedro).

RODAJE
La fotografía principal comenzó el 27 de enero de 1997, y terminó el 5 de junio del mismo año. El calendario original era de 78 días, pero terminó yéndose a los 99 días. Y se rodó en diferentes localizaciones de México como Durango, Tetlapayac, Zotoluca, Guaymas, Tlaxcala y Pachuca. Los interiores se filmaron en los Churubusco Studios de Ciudad de México.
Cuando Campbell se sumó como director del proyecto, se quedó prácticamente con todo el equipo que había contratado Rodriguez, y aprobó la mayoría de las localizaciones que previamente se habían escogido.
Cecilia Montiel, la diseñadora de producción, se encargó de construir 60 sets. Buscó localizaciones por todo México para la película, y uno de los trabajos más arduos fue restaurar dos viejas haciendas que estaban en ruinas, y que la producción pudo utilizar gracias a un acuerdo, según el cual, a cambio debían restaurarlas tal y como como eran originalmente. Y la construcción más espectacular de Montiel fue el set de la mina, el cual medía 27x54 metros.
La diseñadora de vestuario fue Graciela Mazón, habitual de Robert Rodriguez, quien a la hora de crear el traje del Zorro, decidió que entre el de Hopkins y Banderas hubiera ciertas diferencias, el primero tenía influencias españolas y el del segundo eran más mexicanas.
Campbell contó con su director de fotografía habitual Phil Meheux, quien enfocó el look de la película como si se tratase de una antigua película en Technicolor. El camarógrafo tuvo problemas los primeros días de rodaje. Inicialmente la película era procesada en Churubusco y allí mismo hacían la impresión. Tras dos días de rodaje, previsualizaron lo que habían rodado y el aspecto era terrible. Lo que había sucedido era que los trabajadores del laboratorio querían más dinero que el que habían acordado con el estudio, y éste se negaba a dárselo, por lo que se declararon en huelga y la película fue procesada por personas que no eran expertas, y eso provocó que saliera mal. Al final tomaron la decisión de enviar la película a CFI, un laboratorio de Los Angeles. Pero los problemas no terminaron ahí, CFI perdió alguna de las tomas de los primeros días de rodaje por el error de un operador. Estas tomas tuvieron que volver a filmarse unos días después.
Los miembros del equipo se pusieron enfermos, principalmente por virus estomacales debido al agua de México. Campbell llegó a ponerse realmente enfermo, y acabo ingresado en el hospital durante tres días por neumonía.
Cuando no era un virus, era el clima el que le hacía la puñeta a la producción. El 5 de marzo un fuerte viento dañó el set y varios vehículos, lo que hizo imposible la filmación ese día.
Y es que para la producción no fue nada fácil rodar en México, un lugar donde los sobornos estaban a la orden del día. Durante dos semanas tuvieron en la frontera retenidos camiones con equipo indispensable para el rodaje, y el día antes de comenzar a rodar, allí seguían, pero fue soltar dinero y les dejaron pasar. No sería el último soborno al que tendría que hacer frente la producción. Incluso poniendo dinero muchas cosas no lograban pasar la frontera. Por causa de esto, la película comenzó con un retraso de dos semanas. 
Y esto no terminó cuando estaban rodando. Unos asistentes volaban a México para recoger los dailies y llevarlos a Los Angeles, los agentes fronterizos sabiendo que trabajaban para una producción de Hollywood, los apuntaban con pistolas y los amenazaban con abrir las latas de película y exponerlas (lo que las hubiera dañado) si nos les daban dinero. Claro está, fue eso mismo lo que hicieron. Y esto se repitió los siete meses que se pasaron cruzando la frontera, aunque aprendieron a llevar dinero en metálico encima.
Pero también tuvieron enfrentamientos con los sindicatos mexicanos, que implicaban a los electricistas, carpinteros y demás miembros de equipo. Los sindicatos pedían más dinero y los productores se negaban a ello. Así que al final despidieron a todo el equipo, esto les hizo reaccionar y terminaron llegando a un entendimiento, como por ejemplo, tener que contratar a un trabajador mexicano por cada extranjero que trajeran al equipo.
La popular persecución a caballo, en la que el Zorro realiza todo tipo de acrobacias, fue diseñada por Glenn Randall Jr., coordinador de especialistas y director de segunda unidad de la película. En el guión no se detallaba lo ocurría en ella, así que Randall hizo un storyboard de la secuencia y tras la aprobación de Campbell, la filmó.
Para la escena en que vuelan la mina por los aires, necesitaron de tres explosiones para conseguirlo. La primera vez que trataron de volarla, la estructura permaneció intacta tras la explosión. Cuando rodaron la segunda toma, usaron más explosivos, pero sólo explotó la mitad de la mina, ya que por un error, alguien rompió un cable de los explosivos de la otra mitad. Fue a la tercera toma que consiguieron volarla completamente por los aires. Cuando esto sucedió, determinaron que aún así alguno de los explosivos no había detonado, y como después debían rodar algunas escenas con los actores principales, tuvieron que filmarlo en otra localización, debido al riesgo que implicaba que esos explosivos pudieran estallar sin previo aviso. Y no fue el único revés durante el rodaje de la escena, vecinos que vivían cerca del set de la mina, impidieron a la producción el acceso a su entrada como queja a las explosiones, lo que detuvo temporalmente el rodaje.
No fue la única escena de acción que no salió bien, necesitaron rodar tres veces la escena en que la carreta cargada de oro golpea el elevador de madera, y eso que en cada toma quedaba totalmente destruida.
Otras escenas de acción sí salieron como estaba previsto, como la explosión del cuartel de soldados, que se consiguió a la primera toma.
El uso de espadas siempre conlleva peligros durante un rodaje, para evitar cortes o heridas se utilizaban para las escenas de lucha espadas con hojas de aluminio. Aún así ocurrieron accidentes, como el que sufrió el especialista Tony Angelotti, quien ensayando una escena con el también especialista George Marshall Ruge, éste le clavó la espada en la cara. Enviaron a Angelotti con toda urgencia a un cirujano plástico de Ciudad de México.
Y Angelotti no fue el único especialista en salir herido. Cuando Casey O'Neill en la piel del Zorro, hizo la escena en la que salta de un balcón, hizo su aterrizaje sobre una plataforma, pero al hacerlo se torció los tobillos.
Lo que no fue peligroso de rodar, fue el momento del duelo entre el Zorro y Elena, en el que el primero le corta trozos del vestido a la segunda. La actriz nunca corrió ningún riesgo, ya que mediante el uso de alambres unos técnicos fuera de cámara, le iban retirando partes de su ropa simulando que eran cortadas por el protagonista. Necesitaron dos días para rodar la escena.
Trabajar con animales siempre es difícil, si no que se lo digan a Stuart Wilson, quien rodando la escena del calabozo, uno de los murciélagos que soltaron se le enganchó en el pelo.
No fue el único animal problemático. Para dar vida a Tornado, el caballo del Zorro, la producción contó con varios caballos, cada uno con una habilidad diferente. El único contratiempo con ellos surgió cuando uno debía derribar las literas en la escena del cuartel, momento que Campbell llegó a rodar hasta veinte veces, pero el caballo en cada toma se negó a realizar la acción, de modo que al director no le quedó más remedio que solucionarlo en montaje (si uno se fija bien nunca se ve como el caballo derribar las literas).
Campbell sólo tenía previsto que el Zorro utilizara su látigo (un arma clásica del personaje), en la escena inicial. Pero el doble de Hopkins era un experto en el uso del látigo, por lo que el actor comenzó a entrenar con él por su cuenta. Hopkins le demostró lo hábil que se había vuelto con este arma y le pidió al director que creara una escena donde pudiera usarla, y éste creo a propósito una escena en la cueva en la que el viejo Zorro lo utiliza. 
Fue idea de Hopkins incluir una escena en la que su personaje y el de Catherine Zeta Jones tuvieran una conversación. Así Rossio y Elliott escribieron la escena del establo, en la que el viejo Zorro, haciéndose pasar por el sirviente de Alejandro, prepara un caballo, y se reencuentra con su hija. Zeta Jones estaba nerviosa por rodar la escena con Hopkins, y le preguntó al actor como debía interpretarla, y éste le respondió: "No olvides respirar." Campbell admite que es su escena preferida de la película.
Hopkins no fue el único actor en aportar ideas a la película, Banderas le propuso a Campbell incluir el momento en que el Zorro desenvaina su espada, y la luz del sol se refleja a lo largo de su filo. Al director le gustó y lo incluyó en la película. Necesitaron tres tomas para conseguirlo y lo hicieron sin recurrir a efectos visuales, todo se hizo frente a la cámara.
La película cuenta con grandes efectos de sonido, por ejemplo, utilizaron en las luchas de espadas sonidos de animales (de leopardo y puma) principalmente para el personaje de Montero, para que resultara más despiadado y bestial. También utilizaron el grito de un puma en los créditos iniciales cuando aparece el título de la película. Esto fue idea de del diseñador de sonido Dave McMoyler.
Este trabajo en dicho campo le aportó a la película sus dos nominaciones al Oscar, en las categorías de mejor sonido (Kevin O'Connell, Greg P. Russell y Pud Cusack) y mejor edición de efectos de sonido (Dave McMoyler). Premios que perdería frente a Salvar al soldado Ryan (1998).
James Horner se encargó de componer la música para la película, y quería un cambio después de componer Titanic (1997) y La máscara del Zorro era muy distinta. Cuando fue contratado el compositor realizó una partitura con inspiración flamenca, con el uso de guitarra, castañuelas, flauta, zapateados y palmas, aunque también utilizó un instrumento japonés, la flauta shakuhachi. Una de las cosas más interesantes que hizo con su música, fue utilizar taconeos flamencos para acompañar a los duelos de espadas.
Le pidieron a Horner que compusiera una canción para la película, tras el éxito que había cosechado con "My Heart Will Go On" compuesta para Titanic (1997), y de esa forma surgió "I Want To Spend My Lifetime Loving You", de nuevo con música de Horner y letra de Will Jennings. La canción fue interpretada por Marc Anthony y Tina Arena. Se crearon dos versiones de la canción, una más orquestal para los créditos de la película, y otra más pop producida por Jim Steinman para comercializarse como single.
Se hizo un pase de prueba de la película y la recepción fue tan buena que no se llegó a realizar un segundo. Lo único que no gustó fue el final, originalmente la película terminaba con Alejandro y Elena caminando con todos los prisioneros de la mina a través del desierto, hasta encontrarse con el general Santa Anna, y después los protagonistas se daban un apasionado beso. Pero Spielberg tuvo la idea de añadir una escena final con ambos teniendo un bebé, repitiendo así la escena inicial de Hopkins. Esta escena se rodó en un solo día en estudio.
Hubo un momento en que querían que Hopkins no muriese a final de la película (algo con lo que Campbell no estaba de acuerdo), pero tras ver el final con el bebé, descartaron lo de Hopkins.
Debido a la cantidad de guionistas que tuvo la película y de los diferentes borradores que se escribieron, fue necesario que la WGA (Writers Guild of America) hiciese un arbitraje, y determinó acreditar a Ted Elliott, Terry Rossio y Randall Jahnson como autores de la historia, y John Eskow, Ted Elliott y Terry Rossio como autores del guión. Campbell no estuvo de acuerdo con que a David S. Ward no lo acreditasen, y el guionista también se sorprendió por la decisión de la WGA.
La película llegó a las salas de cine norteamericanas el 17 de julio de 1998, y resultó ser un éxito de taquilla. En su país de origen recaudó 94.095.523 de dólares, y la suma final a nivel mundial fue de 250.288.523 de dólares.

ESCENAS ELIMINADAS
En las ediciones de vídeo doméstico se incluyeron varias escenas eliminadas del montaje final. Son las siguientes:
1. Una escena de Montero llegando a la prisión donde está encerrado Don Diego de la Vega.
2. Una conversación entre Montero y Don Luiz, que se ve interrumpida cuando el primero observa como Elena y Love compiten para ver quién es el primero, que montado a caballo corta varias sandias con una espada. Al final gana Love, pero Elena la confiesa a su padre que le dejó ganar.
3. Una breve escena de Don Diego De la Vega recogiendo objetos de su guarida secreta para intercambiarlos por comida. 
4. Alejandro le salva la vida a la mujer de Don Pedro, pero de paso le roba la cartera y algunas joyas. De la Vega le llama ladrón.
5. Durante la fiesta de Montero, Alejandro se hace el borracho y De la Vega le da algunos consejos de cómo ser un caballero.
6. Más momentos de Alejandro y Elena bailando.
7. Después de la reunión en la que Montero expone su plan maestro, Don Luiz se enfrenta a él por no haberle revelado antes de sus planes.
8. Alejandro trata de robar el mapa de la mina en la hacienda de Montero, pero se esconde antes de ser descubierto.
9. Después de la huida del Zorro de la hacienda, Love ordena a sus hombres que lo encuentren y lo maten.
10. Elena se enfrenta a Montero, tras saber que De la Vega es su verdadero padre. La escena termina con Montero dándole una bofetada a Love.
11. Toma alternativa en la que Love casi le dispara a Elena cuando De la Vega y Montero se ven las caras en la hacienda.
12. El final original, como después de liberar a los esclavos de la mina, Alejandro y Elena caminan por el desierto y se topan con Santa Anna y sus hombres, quienes acompañan a los esclavos hasta al pueblo. Alejandro y Elena se quedan besándose.

VALORACIÓN
No sabemos como habría sido la versión de Robert Rodriguez de la película, pero creo que salimos ganando con la contratación de Martin Campbell, es un director dotado para la acción, que se preocupa que esté lo mejor filmada posible, y también por dar entidad a los personajes (consiguió una de las mejores interpretaciones de Jackie Chan en El extranjero, y sacó oro de Daniel Craig en Casino Royale). Y estaba claro el porqué escogieron al neozelandés, con GoldenEye había actualizado un viejo héroe de acción a los tiempos modernos, y el objetivo de La máscara del Zorro era hacer lo mismo con el Zorro, y Campbell lo volvió a conseguir de nuevo (incluso se permite hacer una escena de presentación a lo gun barrell con el Zorro entrando en pantalla, y haciendo una zeta con su espada).
El recurso de pasar la antorcha del viejo Zorro a uno nuevo sirve precisamente para actualizar el personaje, y de crear un nuevo Zorro para los tiempos mordernos, más de acorde a los gustos actuales y en mayor consonancia con el público actual. Además se despide del Zorro original de una forma emotiva y heroica, dando su vida por su hija y ayudando a los desfavorecidos.
Contaba Banderas a Yahoo.com que durante el rodaje Spielberg le dijo: "Esta será probablemente una de las últimas películas rodadas como se rodaban en los viejos tiempos, con escenas reales con caballos reales, donde todo es real, con lucha con espadas [reales], sin CGI." Y además añadió: "Pero las cosas van a cambiar, y van a cambiar rápidamente." Y tenía razón porque La máscara del Zorro es la última película de su especie, la última gran película de aventuras clásica, algo que se respira en cada fotograma. Después vendrían otras película de aventuras, pero con una gran carga de lo digital como La momia (1999), El señor de los anillos: La comunidad del anillo (2001) o Piratas del Caribe: La maldición de la Perla Negra (2003). Pero en el film de Campbell se aprecia que las cosas de hicieron de verdad, como las acrobacias a caballo o las luchas de espadas.
La película presenta dos personajes arrastrados por la tragedia, De la Vega perdió a su mujer y su hija le fue arrebatada, y el hermano de Alejandro fue asesinado. Les une el dolor de la perdida, y uno encuentra apoyo en el otro, Alejandro en un maestro que le enseña a ser la mejor versión de sí mismo, y De la Vega en un joven a quien enseñar todo lo que sabe, que ocupa el lugar que debió ser para su hija. Dos hombres rotos que son más fuertes juntos que por separado. Y devuelven a la vida a un mito que lleva años desaparecido, pero que regresa en el momento necesario, cuando la gente más lo necesita.
Banderas está perfecto como el Zorro, el papel lo pilló en el momento perfecto de su carrera, y el malagueño le presta todo su carisma y encanto, a un personaje que pide eso a gritos. Vemos una clara evolución en el personaje, desde ser un torpe ladrón a un héroe diestro y encantador. El verle pasar por todo ese arco es lo que hace que nos guste el personaje, vemos que es un hombre normal y de buen corazón, que con esfuerzo y las enseñanzas del viejo Zorro logra ser la mejor versión de sí mismo. 
De entrada uno no creería a Anthony Hopkins en el papel del Zorro, pero el británico está estupendo como Diego de la Vega, en una interpretación más ligera de lo que nos tiene acostumbrado. Y parece pasárselo en grande dando vida al legendario héroe.
El gran descubrimiento de la película fue Catherine Zeta Jones, que exuda belleza y encanto en cada aparición en pantalla. Pocas veces una actriz ha tenido una irrupción por la puerta grande como la galesa. Creo que el suyo es el personaje menos trabajado del trío principal, pero la actriz le aporta tal simpatía y magnetismo que consigue elevarlo por encima del guión, pero aún así parece que sólo esté ahí para enamorarse del Zorro/Alejandro, sin saber que son el mismo hombre, algo que sucede con suma rapidez. Por lo menos en la escena de la mina salva a la gente, y la escena previa del duelo con el Zorro, sirve para hacernos saber que es de armas tomar. Además el guión trata de crear un juego a lo Clark Kent/Superman con Murrieta (haciéndose pasar por Don Alejandro del Castillo y García) y el Zorro, con Elena atraída por ambos, que nunca se desarrolla lo suficiente como para que funcione. 
Los villanos no resultan memorables, si bien Stuart Wilson con Don Rafael Montero funciona bastante bien como genio criminal, el Capitán Love de Matt Letscher, aunque resulta ser un auténtico psicópata, cae un poco en el ridículo, eso sí, es un gustazo ver como el Zorro acaba con él.
El principal problema que le veo que la película es su larga duración (136 minutos), si bien es cierto que la película abarca mucho, creo que el segundo acto decae un poco y no tiene el gran ritmo del primero y del tercero, sobre todo de este último, donde la película mete la directa y las escenas de acción se suceden una tras otra.
La película se toma su tiempo en presentar a los personajes y sus motivaciones. Como el drama de De la Vega a quien le arrebatan todo, y tras veinte años en la cárcel, descubre que el villano ha criado a su hija como si fuera propia. La escena que comparten juntos en el establo está llena de una emoción contenida. 
La escena del duelo de espadas entre el Zorro y Elena, sirve para desarrollar a ambos personajes, ya que nos demuestra que ella está a la altura del héroe, y además toda la escena es de seducción, a raíz de ella ambos se ven atraídos el uno por el otro. Igual en los tiempos actuales, el momento en que él le corta el vestido y la deja desnuda (sin mostrar cuidadosamente nada) es innecesaria, pero en el momento en que se hizo la película fue creado como un momento inocente.
Las notas de humor funcionan muy bien, como ese momento de Banderas gritando con la espada en su entrenamiento con Hopkins, y como éste se la quita de la mano con un simple golpe; o esos momentos de Tornado ignorando siempre a Alejandro.
Y lo que sobre todo funciona son sus escenas de acción, tienen ese tono de diversión que se espera de las aventuraras del Zorro y de una producción de Spielberg. Todo el arranque con Hopkins como el Zorro salvando a los hombres que van a fusilar, es muy difrutable. Pero mis dos momentos preferidos son el duelo doble de espadas del Zorro luchando contra Montero y Love, y la divertida persecución a caballo, llena de todo tipo de acrobacias; y su genialidad es que lo que vemos es real, hay un especialista haciendo todas esas locuras.
Hay cosas que no se explican y que la película da por sentadas, pero que no tienen sentido. Como por ejemplo, De la Vega sale de la cárcel tras 20 años, pero cuando comienza a entrenar a Alejandro, de pronto aparece vestido con su atuendo clásico, que no sabemos de donde lo saca, mágicamente ha recuperado su látigo y bebe vino. Entrena a Alejandro durante un breve espacio de tiempo, quien no tiene conocimientos de esgrima previos, pero éste se convierte en un experto espadachín de la noche a la mañana, y cuando tiene que explicarle lo que son los buenos modales para la fiesta de Montero, de un día para otro Alejandro es todo un gentleman. Sería necesario dar más información y desarrollar estas cosas mediante más escenas, pero la película no le interesa, ya que para darle ritmo a la historia no se para en estos detalles, parte del cliché de que al ser entrenado por el Zorro original, Alejandro aprende a toda velocidad, como le sucedía a Luke Skywalker con Yoda en El imperio contraataca (1980), sin importar el tiempo que transcurra. Tampoco resulta creíble que la antigua niñera de Elena, la reconozca después de 20 años, cuando la última vez que la vio era un bebé, o que ella recuerde el olor de una flor que se da sólo en California, pese a pasarse toda su vida en España (sé que ambos momentos están ahí por una razón, que ella crea a De la Vega al final de la película, pero están cogidos con pinzas).
Pese al recuerdo que se tiene de ella como una producción simpática, la verdad es que está llena de drama y de momentos oscuros. El hermano de Alejandro se pega un tiro antes de que Love le mate. De la Vega ve como Montero le arrebata a su hija. Love guarda la cabeza del hermano de Alejandro dentro de una urna de cristal. O la emotiva muerte final del Zorro de Hopkins. Pese a esos momentos duros, la película sabe no perder nunca el tono.
Hay escenas que sacan partido a los personajes y situaciones, como por ejemplo, Elena presenciando como De la Vega y Montero, sus dos padres, luchan a muerte entre ellos, y no sabiendo por quien inclinarse. O De la Vega sonriendo de felicidad al ver a Alejandro y Elena bailando, sus dos seres más queridos juntos. 
La máscara del Zorro es una de las mejores películas de aventuras del cine de los 90, y la última de su clase, la última gran superproducción de aventuras rodada de forma clásica y tradicional. Renovó el personaje del Zorro y lo actualizó para una nueva generación. Lanzó la carrera de Banderas en Hollywood. Y consolidó a Campbell como un gran director del cine de acción. El Zorro regresó mejor que nunca, y dejó su marca en el cine de aventuras.

CURIOSIDADES
Tras el rodaje, Catherine Zeta Jones se quedó con la espada que utilizó en la película.
Originalmente la puerta de acceso a la guarida secreta del Zorro era en un reloj de pie, pero para evitar similitudes con Batman, decidieron cambiarlo por una chimenea.
En post-producción añadieron una lágrima digital a Catherine Zeta Jones, en la escena en la que Diego de la Vega muere en sus brazos.
Anthony Hopkins compaginó el rodaje de esta película con el de Amistad (1997).
Aunque se supone que Antonio Banderas fue el primer actor español en dar vida al Zorro, hay precedentes como José Suárez en La montaña sin ley (1953), y Carlos Quiney que dio vida al personaje en La última aventura del Zorro (1969), El Zorro de Monterrey (1971), y El Zorro, caballero de la justicia (1971).

BIBLIOGRAFÍA
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Revista Imágenes de actualidad (Nº 143, 149, 175)
Spotlight on Antonio Banderas hunky actor set to make his mark as Zorro (The Morning Call, 11 jul 1998)
Interview: Ted Elliott and Terry Rossio (Cult films and the people who make them, abr 2000)
Antonio Banderas: Becoming Zorro (goldenglobes.com, 21 feb 2022)
The words of James Horner (jameshorner-filmmusic.com)
Unmasking Zorro (2001, DVD extra)
Production E-Mails (Doug Claybourne)
Giving Credit Where It’s Due (Los Angeles Times, 11 may 1998)

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