Thursday, November 01, 2018

American graffiti

¿Dónde estabas tú en el 62?

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Cuatro amigos de Modesto pasan su última noche juntos, en la cual vivirán diferentes aventuras que les marcarán para siempre, siendo las chicas, los coches y el rock and roll el centro de su universo particular.

OTRA NOCHE TRANQUILA EN MODESTO
La génesis de American graffiti (American Graffiti, 1973) surgió de un reto de Francis Ford Coppola a su amigo George Lucas durante la producción de THX 1138 (1971). "[Coppola] me dijo, 'Mira, todo el mundo piensa que eres un tipo frío de ciencia ficción, un verdadero antipático. ¿Por qué no haces algo cálido y humano?'," recordaba Lucas.
Con esa motivación, el director escribió un tratamiento de una historia situada en su ciudad natal, Modesto en 1962, con una gran carga semi-biográfica, en la que colaboraron los guionistas Willard Huyck y Gloria Katz (Indiana Jones y el templo maldito), quienes añadieron sus propias vivencias.
Inicialmente tras THX 1138, Lucas esperaba rodar Apocalypse Now (1979), pero Columbia Pictures terminó cancelando el proyecto, así que el director decidió seguir adelante con American graffiti. Gary Kurtz, el productor asignado a Apocalypse Now, se sintió interesado por el proyecto y colaboró con Lucas para hacerlo realidad.
El proyecto fue ofrecido a todos los estudios, pero a ninguno le interesó. Lucas necesitaba dinero para que alguien escribiera el guión y sin eso el proyecto seguía parado. Al final Lucas consiguió llamar la atención de la United Artists, con quien trató de llegar a un acuerdo. En aquel momento fue invitado por el Festival de Cannes a la quincena de directores por THX 1138, y mientras se encontraba en la ciudad francesa habló con el presidente de la United, David Picker, quien le dio 10.000 dólares para escribir el guión. Llegar a ese momento le llevó a Lucas dos años.
Mientras se encontraba en Europa, Lucas contactó con Huyck y Katz para que escribieran el guión, pero estos se encontraban enfrascados en su propia película Messiah of Evil (1973) y no pudieron aceptar. Por esa razón Lucas le encargó a Richard Walter, un amigo suyo de la USC School of Cinematic Arts, que escribiera el guión, a cambio de todo el dinero que tenía el proyecto, los 10.000 dólares entregados por Picker. Pero a su regreso, Lucas comprobó que el guión, "no estaba mal escrito, simplemente no era para nada lo que quería que fuera la película. Era una clase de película totalmente diferente, en lugar de carreras de resistencia, estaban jugando al gallina [cuando dos coches juegan a ver quien se aparta primero] y cosas que no se relacionaban en absoluto con la forma en la que crecí." 
Desconforme con el guión, y como no tenía más dinero, a Lucas no le quedó más remedio que sentarse y escribirlo el mismo, algo que sólo le llevó tres semanas. La música es una pieza fundamental en la película y el director escogió una canción para cada escena, la cual escuchaba mientras la escribía. Así creó una historia que trata sobre, "el desafío y el riesgo de dejar tu ciudad natal, tu nido y salir al mundo," declaraba Lucas. "Creo que en mi vida eso es muy importante. En varios momentos de mi vida, he tomado grandes riesgos. Y no creo que estuviera donde estoy hoy día si no lo hubiera hecho." 
Riesgo como el que corrió para llevar adelante American graffiti, y es que Lucas y su mujer, Marcia Lucas, habían pagado de su propio bolsillo el viaje a Cannes y cuando volvieron no tenían dinero, de modo que tuvieron que, "pedir prestado a mis padres y a mis amigos, finalmente Marcia consiguió un trabajo como asistente de montaje, así que eso nos ayudó a sobrevivir a través de ese periodo. Fue una época muy dura para mí." Y tan claro tenía que American graffiti sería su siguiente película, que rechazó dirigir todo tipo de largometrajes, como Fría como un diamante (1973), Tommy (1975) y Hair (1979).
Cuando completó el guión Lucas se lo entregó a la United Artists y fue rechazado por la productora. El director llevó de nuevo el guión a todos los estudios y fue rechazado por todos durante cerca de siete meses. La película estuvo a punto de ser producida por American International Pictures, productora de películas de serie B, pero no funcionó, según Lucas porque, "era demasiado extraño para ellos en términos de estilo."
Tras realizar Lucas una re-escritura, Universal Pictures finalmente demostró interés en el proyecto, pero le dijeron al director que necesitaban asociar a alguien de renombre a la película para poder lanzarla, así que Lucas llamó a Coppola y éste se convirtió en su productor. Y así American graffiti obtuvo luz verde. La Universal había asignado al proyecto un presupuesto de 600.000 dólares, pero tras la entrada de Coppola añadieron otros 175.000 más. Por su parte, Lucas recibiría un cheque de 20.000 dólares por su trabajo en ella.
Dos meses antes de empezar a rodar, Lucas llamó a Huyck y Katz, quienes ya estaban libres, para reescribir el guión. El director tenía clara la aportación de ambos al libreto, "no cambiaron la estructura, lo que hicieron fue mejorar el diálogo, hacerlo más divertido, más humano y auténtico. Y también escribieron la relación de Steve y Laurie. Tomaron todas esas escenas y las hicieron funcionar. Así que, aunque lo mejoraron en gran parte, básicamente era mi historia. Las escenas son mías, el diálogo suyo."

CASTING
Se realizó un largo proceso de casting para dar con el reparto, algo que requirió cerca de seis meses. A las pruebas se presentaron multitud de jóvenes, entre ellos Mark Hamill (el futuro Luke Skywalker).
Más de cien actores hicieron audiciones para el papel de Curt Henderson, hasta que finalmente Richard Dreyfuss fue escogido. A Lucas le impresionó tanto el análisis que el actor hizo del papel, que le dio la opción de escoger que papel quería interpretar, si el de Curt o el de Terry, y Dreyfuss escogió el primero.
Fred Roos, el director de casting, sugirió el nombre de Ron Howard para el papel de Steve Bolander, ya que conocía al actor de la serie El show de Andy Griffith (1960–68) de la que era co-protagonista. El futuro director de Willow aceptó el papel para dejar atrás su carrera de actor infantil.
Paul Le Mat se llevó el papel del rebelde John. El actor cobró un sueldo de 3.600 dólares por participar en la película.
Y Charles Martin Smith se hizo con el papel de Terry, tras haber sido rechazado por Bob Balaban. "Recuerdo decirle a mi agente, 'Oh, acabo de interpretar a un puñado de adolescentes, y tengo cerca de 25 años. Realmente no debería tratar de ser un adolescente nunca más'," admitió Balaban.
En el lado femenino, la joven Mackenzie Phillips de tan sólo 12 años, consiguió una audición para la película, tras ser descubierta por Fred Roos en una actuación con el grupo que había formado con otros tres compañeros de clase. La actriz se llevó el papel de Carol frente a otras 250 chicas que también optaban al papel. American graffiti significó su debut en el cine.
Jack Nicholson le había recomendado a su amigo Fred Roos que debía conocer a Candy Clark. La actriz se presentó a la audición e hizo una prueba de pantalla con Charles Martin Smith, quien ya había conseguido su papel. La actriz, más alta que su compañero, creyó que no le darían el papel, pero para su sorpresa, al día siguiente la llamaron para decirle que lo había conseguido. "Creo que nuestra diferencia de altura lo hizo más divertido, encantador y bonito," declaraba la actriz.
Cindy Williams fue llamada para una prueba justo el día después de que regresara de España de rodar Viajes con mi tía (1972), por lo que no estaba muy deseosa de hacer ninguna, pero la insistencia de Fred Roos hizo que se presentara a ella. Tras leer el guión expresó su interés por los papeles de Debbie y Carol, pero ya habían sido dados a Candy Clark y Mackenzie Phillips, y querían que interpretara a Laurie, papel que no le interesaba. Tras realizar una prueba de pantalla con Howard le ofrecieron el papel, pero la actriz lo rechazó. Sólo terminaría aceptándolo cuando la llamó Coppola, y es que no pudo decirle que no, ya que era una gran fan de Ya eres un gran chico (1966).
Suzanne Somers sería quien daría vida a la chica rubia del T-Bird, con quien se obsesiona el personaje de Curt. La actriz tuvo una breve participación, "trabajé una noche en la película y me pagaron 136,72 dólares. Dije dos líneas o mejor dicho, dije las palabras, 'Te quiero', cuando pasaba en un coche." 
Lucas escuchaba a DJ Wolfman Jack en la radio cuando se encontraba en la escuela secundaria y lo incluyó en su guión. Coppola animó al director a contratar al auténtico Wolfman para hacer de si mismo, algo que el DJ aceptó.
El ahora popular Harrison Ford realizó uno de sus primeros papeles en el cine dando vida a Bob Falfa. Y este hecho cambió el curso de su carrera, ya que fue el momento en que conoció a Lucas. "No tenía ni idea de quien era George," admitía el actor. "Hice una audición para American graffiti y él estaba sentado en la parte posterior de la habitación, y nunca me lo presentaron." Fue gracias a Fred Roos que consiguió el papel, demostrando de nuevo el gran olfato del director de casting. Ford hacía para trabajos de carpintería para Roos, y éste ayudó a lanzar su carrera en sus inicios, ya que creía en su talento. El actor cobró 500 dólares a la semana por su participación en la película. Lucas quería que se cortara el pelo, pero Ford se negó a hacerlo y le sugirió al director que podría llevar en su lugar un sombrero de vaquero. "George pensó en ello y recordó a un grupo de tipos de Modesto, California, que conducían por ahí, como mi personaje, y llevaban sombreros de vaquero, así que resultó que realmente encajaba en la película," recordaba el actor.
Una joven Kathleen Quinlan de 18 años consiguió el papel de Peg. La actriz recién graduada de la escuela secundaria, regresó a su instituto, el Tamalpais High School, para rodar en su gimnasio escenas de la película. Fue su profesor quien la recomendó a Roos, cuando éste buscaba jóvenes actores en dicho instituto.
Bo Hopkins se hizo con el papel de Joe, uno de los miembros de la banda de los Faraones. El actor compaginó el rodaje de la película con los ensayos de Los traficantes (1973). Rodaba por la semana American graffiti y los fines de semana viaja a Los Angeles para ensayar con Burt Reynolds.

RODAJE
Lucas quería rodar en Modesto, su ciudad natal, y en la que tenía lugar la historia, pero al final el director decidió no filmar allí, ya que sintió que había cambiado demasiado en los últimos diez años. En su lugar empezaron a rodar en San Rafael (California), pero tras la primera noche de rodaje la ciudad revocó el permiso por las quejas de los propietarios de diferentes locales, a quienes el bloqueo de la calle principal estaba afectando a sus negocios. La producción se movió a la cercana ciudad de Petaluma (California), aún así Lucas se las arregló para conseguir que le permitieran rodar un día más en San Rafael, en el que aprovechó para rodar planos de conducción. La producción no perdió ni un día de rodaje.
Se emplearon otras localizaciones además de Petaluma, como el restaurante "Mel's" que se encontraba en San Francisco, la estación de radio de Wolfman Jack estaba situada en Berkeley, en Concord se encontraba el aeropuerto visto en la escena final y se rodó también en el gimnasio del Tamalpais High School de Mill Valley. La película se filmó desde el 26 de junio de 1972 hasta el 4 de agosto del mismo año. Rodaban desde que se ponía el sol hasta las 6 de la mañana, y toda la película se filmó prácticamente en orden cronológico.
Todo el reparto se alojaba en un Holiday Inn local y dado el bajo presupuesto de la película no había vestuarios o salas de maquillaje, lo único que había era una única caravana para todos los actores, donde podían cambiarse.
El rodaje no tuvo interferencia alguna de la Universal, ya que la consideraban una película de bajo presupuesto. Aún así, el rodaje estuvo lleno de problemas. "American graffiti fue una experiencia bastante horrenda para mí," admitía el director. "Fueron 28 días de rodaje de noche, en condiciones muy, muy difíciles, y no soy una "persona nocturna", y hacer una película en tan corto espacio de tiempo con todo tipo de coches, fue algo muy complicado."
No ayudaron los múltiples contratiempos con los que se enfrentó el director, y fueron muchos. El día antes que empezara el rodaje, un miembro del equipo fue arrestado por cultivar maría. El primer día tardaron tanto en poder montar las cámaras en los coches que provocó un retraso de medio día en el rodaje, y sólo estaban empezando. El segundo día tuvieron problemas de enfoque con la cámara, y un asistente de cámara fue atropellado por un coche, quien acabó en un hospital, y si eso no fuera suficiente, un incendio en un restaurante cercano trajo a los bomberos y sus sirenas lo que hizo imposible filmar nada. En los sucesivos días las cosas no mejoraron. Paul Le Mat tuvo que ser llevado al hospital por una reacción alérgica a las nueces, tras comer una ensalada waldorf. Harrison Ford, Le Mat y Bo Hopkins a menudo se emborrachaban entre tomas y llevaban a cabo competiciones de escalada a lo alto de la señal del Holiday Inn. No contento con eso, Ford fue arrestado una noche por una pelea en un bar y también lo echaron de su habitación del hotel. Le Mat tiró a la piscina del hotel a Dreyfuss, con la mala suerte que el actor se golpeó la cabeza, y para colmo de males fue justo antes de rodar la escena en la que Curt se une a los Faraones, y tuvieron que disimular su ojo morado con maquillaje. Rodando la carrera del final de la película, a uno de los coches se le rompió un eje, después de cambiarlo se le rompió el eje de repuesto y si eso no fuera suficiente, dos de los cámaras casi son atropellados por el mismo coche. Y además un actor prendió fuego a la habitación de hotel de George Lucas.
Lucas consideró originalmente encargarse de las labores de fotografía él mismo, pero terminó descartando la idea y contó con dos cámaras, Jan D'Alquen y Ron Eveslage y sin la figura de un auténtico director de fotografía. Pero tuvieron que recurrir a Haskell Wexler, acreditado como consultor visual, cuando D'Alquen y Eveslage se vieron incapaces de iluminar correctamente las escenas nocturnas. Wexler fue acreditado como consultor visual y fue el verdadero director de fotografía de la película. Le dio a American graffiti su estilo visual único, que navega entre lo documental y lo nostálgico, con colores saturados, que le da un look parecido al de un tocadiscos, tal y como quería Lucas. Wexler voló cada noche al set de rodaje desde Los Angeles, para regresar de nuevo durante el día para rodar anuncios en su propia compañía, así durante cinco semanas. Parte del look documental también se debió a la elección de Lucas de utilizar cámaras Techniscope para crear ese efecto, tras descartar las CinemaScope que resultaban muy costosas.
La película tenía un bajo presupuesto, pero necesitaban juntar una gran cantidad de coches clásicos para recrear el Modesto de los 60, para ello se publicitaron durante tres semanas por radios de rock and roll para reunir coches para la película, así como a gente que tuviera un look de finales de los 50. Se presentaron cerca de 1.000 personas con sus respectivos coches, de los cuales quedaron aproximadamente 300 para participar en la película. Tomaron una foto del coche y del conductor, además de sus datos, y así construyeron una base de datos. Cada noche cuando iban a rodar y necesitaba coches, llamaban a las personas que necesitaban, entre unas 40 y 50 personas, aunque solían aparecer bastantes menos. El acuerdo era que lo harían gratis y sólo tenían que darles de comer, así pudieron llevarlo a cabo sin tener apenas dinero.
A la hora de rodar la escena final en la que el coche que conduce Falfa se sale de la carretera y da una vuelta de campana, ésta no salió como estaba previsto y el especialista no consiguió que el coche volcara. Como no tenían tiempo, le dieron la vuelta al coche y rodaron las escenas con los actores. Tenían un segundo coche que era el que explotaría y lo utilizaron para rodar el momento del coche volcando, pero no fue fácil de rodar. Lucas volvió a las dos semanas con otro especialista para filmar el accidente, pero tampoco consiguieron que diera la vuelta de campana. El director tuvo que volver de nuevo, "creo que cuatro o cinco veces antes que finalmente conseguimos hacer volcar ese coche," recordaba Lucas.
Toda la problemática con el especialista rodando el accidente de coche, provocó un cambio en el planning de rodaje y decidieron que debían rodar de inmediato la escena en la que Steve le dice a Laurie que no se irá con Curt, y que estaba prevista rodarla otro día. Aquella noche Howard y Williams ya habían rodado sus escenas y se disponían a irse del set, cuando fueron llamados de urgencia para rodar la escena, ya que Lucas quería filmarla antes que saliera el sol. Ambos actores tuvieron que cambiarse de ropa y disponerse a rodar una escena que no habían ensayado. Lucas les dijo que simplemente improvisaran, cosa que hicieron y la escena salió en una única toma.
Muchas otras escenas surgieron de la improvisación o de forma imprevista. Por ejemplo, la escena posterior a la carrera final, en la que John admite a Terry que estaba perdiendo la carrera cuando el coche de Falfa perdió el control, fue improvisada por Paul Le Mat y Charles Martin Smith ya que no tuvieron tiempo para prepararla, y al igual que la escena de Steve y Laurie, también estaba prevista de ser filmada en otro momento.
Tampoco estaba previsto que Terry chocase con su moto al principio de la película, el actor realmente perdió el control de la moto, ya que no sabía conducir una.
El momento en el que un coche se detiene al lado del de John y Carol y una chica lanza un globo de agua que impacta en Carol, no estaba previsto que el globo le diera a la actriz, debía simplemente chocar contra la ventana y mojar a la joven, la cual se enfadaría por el suceso. Cuando el globo golpeó a Mackenzie Phillips, no pudo contener la risa y la actriz siguió igualmente con la escena improvisando sobre la marcha. Lucas decidió mantener así la escena en la película.
Y la escena de la licorería, en la que Terry le pide dinero a Debbie, Candy Clark dijo mal una frase en la primera toma y quiso hacer una segunda, pero Lucas le dijo que no era necesario y mantuvo esa toma en el montaje final.
La banda sonora de la película es uno de sus puntos fuertes y una de las razones por la que la película es recordada. Originalmente estaba previsto que estuviera formada por unas 80 canciones de los 50 y 60, pero el presupuesto de la película redujo esa lista a 44 (se eliminaron, por ejemplo, todos los temas de Elvis Presley). Para incluirlas en la película pagaron aproximadamente 80.000 dólares, una cifra irrisoria si se compara con lo que se pagaría a día de hoy.
Lucas quería que su mujer Marcia Lucas editara la película, pero Ned Tanen (ejecutivo de la Universal) insistió en que contrataran a Verna Fields (Tiburón). Fields hizo el primer montaje de la película, pero tuvo que marcharse para reanudar su trabajo en el montaje de ¿Qué me pasa, doctor? (1972) y Marcia terminó de editar la película. El primer montaje de la película era de tres horas, para que tuviera una duración más accesible, se hicieron diferentes cortes hasta dejarla con sus 110 minutos definitivos, lo que requirió de seis meses de trabajo. La película estuvo montada en diciembre de 1972.
A Coppola y Tanen no les gustaba el título de American graffiti y le sugirieron a Lucas que titulara a la película "Another Slow Night in Modesto" o "Rock Around the Block". Pero Lucas se opuso y se mantuvo el título original.
Se hizo un pase de prueba de la película con público joven en San Francisco, y al que asistió Tanen. La respuesta del público fue muy positiva, pero aún así al jefe de la Universal no le convenció, diciendo que no se podía estrenar. Eso enfureció a Coppola quien allí mismo se ofreció a comprar la película a la Universal, ante la mirada de un Lucas en estado de shock. Finalmente Coppola no tuvo que comprar la película y la Universal decidió estrenarla después de seis meses con la condición de que pudiesen sugerir algunos cambios, algo que no gustó a Lucas. Esos cambios se tradujeron en reducir el metraje cinco minutos para hacer la película más corta. Se eliminaron tres escenas, aquella en la que un profesor regaña a Steve en el baile del gimnasio, el momento en que Terry aparca el coche de Steve al lado de un vendedor de coches sentado una silla gigante, quien trata de venderle uno y el momento en que Falfa canta "Some Enchanted Evening" a Laurie. Cuando unos años después La guerra de las galaxias se convirtió en un enorme éxito, Lucas obligó a la Universal a incluir de nuevo esas tres escenas para la edición en vídeo de la película.
La película se estrenó finalmente el 11 de agosto de 1973 (tras una premiere el 1 de agosto) y resultó ser un éxito apoteósico con el que nadie contaba. En los Estados Unidos amasó la sorprendente cifra de 115.000.000 de dólares.
Y no pasó desapercibida a la hora de los premios, siendo nominada a cinco Oscars, en las categorías de mejor película (Francis Ford Coppola y Gary Kurtz), mejor director (George Lucas), mejor actriz secundaria (Candy Clark), mejor guión original (George Lucas, Gloria Katz y Willard Huyck) y mejor montaje (Verna Fields y Marcia Lucas), aunque no logró hacerse con ninguna estatuilla.
La película fue lucrativa para todos, ya que Lucas cedió uno de sus puntos porcentuales de los beneficios de la película dividiéndolo a partes iguales entre los actores (incluido Wolfman Jack), quienes recibieron un sencillo 1%, que con el paso de las décadas se convirtió en más de un millón de dólares para cada uno.

VALORACIÓN
Si Cuenta conmigo es la película que mejor habla de la infancia, American graffiti es la que mejor lo hace sobre la adolescencia, justo el momento antes (incluso diría la noche antes) en el que cuatro jóvenes se convierten en adultos. Y ambas curiosamente están protagonizadas por Richard Dreyfuss.
Lucas le imprime un estilo casi documental a la película, y le pone mucho corazón, se nota que es una historia cercana para él, que ésta es su adolescencia, pero consigue que sintamos que también es la nuestra. Perfectamente podríamos haber vivido cualquiera de las desventuras de sus cuatro protagonistas, en algún momento de nuestras vidas hemos sido como Curt, Steve, John o Terry, seguro que podemos identificarnos con uno o varios de ellos. Terry es un joven patoso al que todo sale mal, John es el mejor en algo que le apasiona, Steve alguien metido en una relación de pareja que vive un momento crucial y Curt un joven maduro que puede tener un gran futuro por delante. ¿quien no ha sido así en algún momento de su vida?
Al mismo tiempo la película habla de una generación anterior a Vietnam, al Watergate o a la muerte de Kennedy (en un momento de la película se dice que Curt sueña con estrechar su mano), una generación sencilla, inocente y despreocupada, previa a todo lo malo que estaba por venir en los Estados Unidos. Lucas parece decirnos que cualquier pasado fue mejor. Y el cartel final mostrando el destino que cada uno de los protagonistas, lo confirma con la desaparición de Terry en Vietnam. Su muerte y la de John por causa de un conductor borracho nos dejan con el corazón en un puño. Un final amargo, pero necesario para el discurso de Lucas.
Y hablando de los personajes, Terry sólo sueña con conseguir a una chica y pasar una gran noche, y pese a su patosidad y mentiras logra gustar a Debbie, aunque aprende que lo mejor habría sido ser él mismo desde el principio. Es el personaje más divertido y se gana nuestras simpatías desde el momento en que estrella su moto.
La relación de Steve y Laurie es muy interesante y es algo más compleja que el típico amor de instituto. Ella se muestra siempre como la más madura y decidida de ambos, de hecho, salen juntos porque ella dio el primer paso y él es un inmaduro que tiene dudas sobre su relación. Ambos atraviesan un momento en que las decisiones que tomen les marcaran para siempre. Steve le propone verse con otra gente, lo que ella no se toma a bien, y provoca que tome la mala decisión de subirse al coche de Falfa, pero cuando tienen el accidente ambos se dan cuenta que quieren estar juntos, tanto que él decide no irse con Curt a la universidad. Su relación se ha puesto ha prueba y ahora es más fuerte.
John es el arquetipo del chico popular y rebelde, un rey al que todos quieren arrebatarle su corona y en el fondo sabe que sus días están contados, en parte porque se está haciendo mayor. Su noche de "niñera" con Carol, la trama más divertida de la película, muestra de forma más que obvia que ha madurado. Su relación con Carol consigue además sacarle de su rol de tío duro y de mostrarlo como alguien más humano durante una noche inolvidable.
Curt es el mejor personaje de película y Dreyfuss está sensacional en el papel, destacando sobre sus compañeros de reparto. Sus dudas sobre que decisión tomar para su futuro, todos las hemos tenido. Todo lo vivido durante esa última noche, sus conversaciones con el profesor que por miedo volvió a casa, el ser aceptado por los Faraones (jóvenes sin verdadero futuro), el estar con su ex que le recuerda sus sueños, hacen que termine tomando la decisión de ir a al universidad. Atrás se quedan sus amigos y sus fantasías en forma de una rubia en un T-Bird. Ese ángel rubio al volante de un coche blanco es una ensoñación de Curt de lo que sería permanecer en casa, es muy revelador que cuando ella le llama por teléfono al final de la película, él sepa que no la verá al día siguiente como ella le propone, ya no le importa porque ha decidido salir del nido y como sus demás amigos, también ha madurado. Es mágico ese momento en que Curt ve el T-Bird desde el avión cuando se marcha de su hogar.
Wolfman es, además de un original hilo de unión y narrador de la película, una figura mítica, una especie de mago de Oz, por eso es tan fascinante su encuentro con Curt al final de la película, mostrando a ese misterioso ser de las ondas como alguien de carne y hueso, quien termina ayudando de forma desinteresada al joven. Esa escena hace más grande y mítico al personaje.
Lucas tuvo una idea revolucionaria al no utilizar música instrumental y usar sólo canciones, las cuales te sitúan perfectamente en la época en la que acontece la historia, mucho mejor de lo que lo haría una partitura clásica. Pero es que además escogió una brillante selección de temas, que han quedado para el recuerdo como una de las mejores bandas sonoras que hayan existido.
El casting fue todo un acierto y vemos como cada actor encaja a la perfección en su personaje, como si se interpretaran a si mismos. Y descubrió algunos talentos que darían mucho que hablar en años posteriores.
Entre su recreación de los 60, su selección musical y el gusto por los coches, se ha convertido en una película de culto con una legión de fans detrás. Son muchos los que acuden con su propio coche clásico a la "Graffiti Classic Car Parade", que se organiza en Modesto todos los años desde 2002, para recordar la película y vivir su espíritu.
Película memorable donde las haya y que se encuentra dentro de lo mejor del cine de los 70. Lucas nos habla sobre el proceso de madurar mediante una película única y atemporal, ya que por mucho que se situé en los 60, yo no viví esa década y me siento identificado por ella y entiendo lo que el director quiere contar. Para mí la verdadera obra maestra de George Lucas no está en un galaxia muy lejana, si no en un universo muy cercano, uno llamado American graffiti.

CURIOSIDADES
Como un homenaje a la anterior película de George Lucas THX 1138 (1971), la matrícula del coche de John Milner es "THX 138".
La frase, "Me encantan los polos, ¿sabes?" ("Sticky little mothers, ain't they" en la versión original) que Wolfman Jack dice a Curt (Richard Dreyfuss) fue improvisada.
Toda la escena del baile fue filmada en un único día.
El avión visto al final de la película había sido propiedad del grupo de rock Grand Funk Railroad.
La MGM, Paramount Pictures, 20th Century Fox y Columbia Pictures rechazaron co-financiar y distribuir la película.
George Lucas se perdió su reunión de la escuela secundaria porque estaba ocupado rodando la película.
Razones presupuestarias llevaron a Lucas a eliminar la escena de apertura de la película, en la cual Blonde Angel conduce su Ford Thunderbird por un cine al aire libre vacío y se revela que ella realmente no existe.
En la escena en la que al coche de policía le arrancan el eje trasero, se puede ver un cine al fondo que anuncia la película Dementia 13 (1963) de Francis Ford Coppola.
George Lucas se inspiró en la película Los inútiles (1953) de Federico Fellini.
John y Steve nunca se hablan directamente el uno al otro y lo único que Steve le dice a John es "¡Milner, eres un hijo de zorra!" después del accidente de coche.
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
Aunque supuestamente Steve es un año mayor que Laurie, en realidad Ron Howard era siete años más joven que Cindy Williams.
La voz que se oye al otro lado del teléfono cuando Wolfman Jack hace una broma a Pinky's Pizza es la de George Lucas.
El Chevy del 55 que conduce Bob Falfa es el mismo coche que se utilizó en Carretera asfaltada en dos direcciones (1971).
Willard Huyck y Gloria Katz querían incluir al final de la película un cartel adicional donde se explicara el destino de las chicas, pero Lucas rechazó hacerlo alegando que alargaría demasiado el final de la película.
El dueño del Thunderbird conducido por Suzanne Somers no se separó de su preciada posesión ni un segundo durante el rodaje y además siempre estaba limpiándolo .
El número 327 es recurrente en las películas de George Lucas. En American graffiti puede verse grabado en el costado de un motor. Dicho número también aparece en La guerra de las galaxias (1977), El imperio contraataca (1980) y en La amenaza fantasma (1999).
Para las escenas de conversaciones entre conductores en coches diferentes, se utilizaron dos cámaras rodando simultáneamente, lo que provocó una reducción de los tiempos de producción.
El póster de la película fue dibujado por Mort Drucker artista de Mad Magazine, que terminaría haciendo en 1974 una parodia de la película para dicha revista titulada "American Confetti".
En 2007, el American Film Institute situó American graffiti en el puesto 62 de su lista de las mejoras películas de todos los tiempos.
Originalmente en los créditos finales se indicaba que John Milner era asesinado en junio de 1964, pero en versiones posteriores a 1979 de la película se modificó a diciembre de 1964. Esto se hizo seguramente para dar sentido a la secuela de la película, Más American Graffiti (1979), que narraba la historia de Milner en diciembre de 1964.
Debido al bajo presupuesto, Lucas no pudo pagar a todos los miembros del equipo, para compensarlo acordó darles un crédito en pantalla en lugar de darles dinero. Esto era algo inusual, ya que sólo eran acreditados los jefes de departamento.
Fue Walter Murch, el editor de sonido de la película, quien le sugirió a Lucas que convirtiera el programa de radio de Wolfman Jack en la columna vertebral de la película.
Varios personajes de la película corresponden a diferentes etapas de la vida de George Lucas. Curt Henderson es de su época universitaria, John Milner se basa en su adolescencia con su interés en las carreras callejeras y Terry Fields corresponde a sus años de nerd a comienzos de la escuela secundaria.
Ron Howard era uno de los protagonistas de la serie Días felices (1974-84), la cual generó el spin-off Laverne y Shirley (1976-83) protagonizado por Cindy Williams.
El personaje John (Paul Le Mat) recibió su nombre del director John Milius.
Candy Clark consiguió su nominación al Oscar como mejor actriz secundaria porque hizo una campaña para promocionarla, la cual pagó de su propio bolsillo.

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Monday, October 01, 2018

Agárrame esos fantasmas

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Frank Bannister es un cazafantamas que utiliza a tres fantasmas para aterrorizar a la gente, a la que después estafa. Varias muertes extrañas asolan el pueblo en el que vive y Frank tendrá que poner en práctica sus conocimientos en lo paranormal para resolver los crímenes, que parecen ser obra de la propia parca.

LOS ASUSTADORES
El origen de Agárrame esos fantasmas (The Frighteners, 1996) es bastante curioso. Robert Zemeckis estaba buscando una historia que pudiese dirigir como traslación al cine de su serie Historias de la cripta (1989-96), de la que era productor y ocasional director. Sabiendo eso, Peter Jackson y Frank Walsh (mujer de Jackson y habitual co-guionista y productora de sus películas) escribieron un tratamiento de dos páginas sobre un cazafantasmas que usa a fantasmas para estafar a la gente y que todos creen que es un fraude. Y lo hicieron en los tiempos en los que trabajaban en el guión de Criaturas celestiales (1994). Enviaron ese tratamiento a Zemeckis, quien tras leerlo le gustó tanto, que les apoyó para que escribiesen el guión completo.
Y cuando le enviaron el guión terminado a Zemeckis, según contaba Jackson, éste les dijo, "'Olvida lo de Historias de la cripta'. Sabes, ya no quería hacerlo, había tomado otra dirección con el proyecto. Pero le gustó el guión y quería hacer la película. Y entonces dijo, 'Bueno, ¿quieres hacerla?'" Y así nació la película.
Agárrame esos fantasmas sería producida por la compañía neozelandesa WingNut Films, con Zemeckis como productor ejecutivo y tendría a Universal Pictures como distribuidora.
Michael J. Fox fue la única opción para interpretar a Frank Bannister, Zemeckis lo sugirió en una reunión entre Jackson y Walsh, y a Jackson le gustó la idea. El director de Mal gusto le ofreció el papel a Fox mientras se encontraba en el Toronto International Film Festival de 1994 presentando Criaturas celestiales. Tras leer el guión, el actor aceptó ir a Toronto para hablar con Jackson y vio su película. "Después de ver Criaturas celestiales, le dije a Peter, 'Sí, sí, haré lo que tu quieras'," reconocía Fox. "Realmente me atrajo la rareza del guión de Agárrame esos fantasmas y me pareció demasiado tentador para dejarlo pasar. Presentaba muchos desafíos porque estoy interactuando con elementos que no están allí." Y así Fox se convirtió en un cazafantasmas.
Para el papel de la Dr. Lucy Lynskey pasaron por el casting más de treinta actrices, hasta que vieron una prueba en vídeo de Trini Alvarado y todos creyeron que era la actriz idónea para el papel. Tras volar a Nueva Zelanda, se hizo con él.
Jackson era fan del trabajo de Jeffrey Combs en las películas de Re-Animator y quería trabajar con él, así que le pidió al director de casting que contactara con el actor. Combs sería quien interpretase al agente Milton Dammers. De su propia cosecha fue el corte de pelo estilo Hitler (para mostrar su profundo nacionalismo), los aparatos para los oídos (que hacían sobresalir cómicamente sus orejas) y algunos de los tatuajes de su pecho. Además se colocó lentes de contacto negras. Combs describió su trabajo en la película como, "una de las mejores experiencias de mi carrera."
Dee Wallace, una gran fan de Criaturas celestiales, consiguió el papel de Patricia Ann Bradley tras hacer una audición en la Universal. Jackson quería que Wallace interpretara a Patricia creía que el público no sospecharía que era una asesina, ya que su papel de madre en E.T., el extraterrestre (1982) era el más dulce que uno se pudiera encontrar.
Cuando Peter Jackson y Fran Walsh escribieron el papel del Sargento Drill, lo hicieron como una parodia del personaje de R. Lee Ermey en La chaqueta metálica (1987), con la intención de contratar a un actor de Nueva Zelanda para interpretarlo. Ambos sintieron que los actores que hicieron la audición para el papel no eran los adecuados, así que decidieron contratar al propio Ermey. El actor que en aquel momento se encontraba en Australia rodando el piloto de la serie Space: Guerra estelar (1995-96), fue invitado a viajar a Weta Digital donde le ofrecieron el papel.
El resto del reparto, de vivos y muertos, se compuso con Peter Dobson (Ray Lynskey), John Astin (el juez), Jake Busey (Johnny Bartlett), Chi McBride (Cyrus), Jim Fyfe (Stuart), Troy Evans (Sheriff Walt Perry) y Julianna McCarthy (madre de Patricia).

RODAJE
La fotografía principal tuvo lugar entre el 14 de mayo de 1995 y el 16 de noviembre del mismo año, y la película se rodó completamente en Nueva Zelanda. Los exteriores se filmaron principalmente en la ciudad de Wellington, aunque el equipo pasó tres semanas en Lyttelton. Por su parte, los interiores se rodaron en los Camperdown Studios en Miramar.
La noche antes de empezar a rodar, Jackson decidió reescribir el guión, para lo que necesitó de dos semanas y razón por la que la producción sufrió un pequeño parón.
Después de seis semanas de rodaje, el director de fotografía Alun Bollinger sufrió un grave accidente de coche y tuvo que ser sustituido por John Blick, quien compartió las tareas con Bollinger cuando éste regresó al rodaje.
No fue el único accidente que ocurrió durante el rodaje, Michael J. Fox, quien hizo la mayoría de sus escenas de riesgo, se rompió un pie en una simple caída rodando en un bosque de noche. Jackson aprovechó este inconveniente en su beneficio y mientras el actor se recuperaba durante una semana, pudo trabajar más en el guión y editar algunas escenas.
Fox no fue el único que se implicó de lleno en la película, su compañera Trini Alvarado también realizó personalmente varias de sus escenas de riesgo. "Trini estuvo envuelta en algunas secuencias muy intensas y físicas, y estaba muy orgullosa de mostrarme los moretones del día anterior," explicaba Jackson. La actriz recibió tantos moretones, que el departamento de maquillaje le tomaba fotos para referencias futuras.
Pero quien peor lo pasó durante el rodaje fue Dee Wallace, ya que su marido, el también actor Christopher Stone (Aullidos), murió de un ataque al corazón. La actriz tuvo que ausentarse del rodaje, volando de Nueva Zelanda a los Estados Unidos hasta en cuatro ocasiones (Jackson decidió que la producción se hiciera cargo de todos los gastos). Esto influyó en su actuación, la idea original era envejecerla para las escenas en las que Johnny Bartlett vuelve a la vida de Patricia, pero la actriz creyó que era mejor rejuvenecerla, ya que el personaje estaba volviendo a hacer aquello que la excitaba, algo que gustó a Fran Walsh y se cambió en la película. "Realmente, de una forma muy extraña, funcionó físicamente, porque cuando Chris murió, sufrí mucho dolor y perdí cerca de 7 kilos, y existió esa clase de coordinación con el tiempo en que estaba regresando a la demoníaca Patricia," explicaba la actriz.
La película contiene más de 500 planos de efectos visuales, tal cantidad de trucajes provocó una revolución en la compañía de efectos especiales de Peter Jackson, la ahora famosísima Weta Digital. Para crear muchos de los efectos visuales, Weta desarrolló su propia tecnología y software específicamente para la película. Y se utilizaron todo tipo de técnicas, como CGI, warping 2D o pantalla azul combinada con rotoscoping. Por ejemplo, los fantasmas se filmaron de forma separada usando pantalla azul y después se utilizó una cámara de control de movimiento para encajar sus movimientos con los de la escena. Por su parte, la parca fue creada enteramente por CGI.
Andrew Adamson fue el supervisor de efectos visuales original de la película, pero tras un tiempo trabajando en ella decidió marcharse para participar en Batman y Robin (1997). Fue entonces cuando Zemeckis llamó al técnico de la ILM, Wes Takahashi, con quien había trabajado en varias de sus películas, para que ocupara el puesto vacante dejado por Adamson. Tras aceptar, Takahashi viajó a Nueva Zelanda y se encontró un panorama sorprendente, la película, "había estado cerca de un año en producción y fui informado que había sólo un puñado de planos de efectos, sobre cinco según recuerdo, que habían sido finalizados." Con prácticamente todo el trabajo por delante Takahashi se dispuso a renovar por completo Weta. Trajo a personas de todo el mundo, tarea nada fácil teniendo en cuenta que tenían que desplazarse a Nueva Zelanda, y así juntos crearon toda la infraestructura del estudio. "Contaba con amigos personales que dirigían importantes estudios alrededor del mundo y así que llamé a la puerta de cada uno y les dije cual era mi situación, y les pregunté si podía pedir prestado a alguien por el período de nuestra producción y se lo devolvería tan pronto terminara," recordaba Takahashi. "Conseguí gente de ILM y Sony, los cuales me había asegurado no estaban comprometidos con ninguna producción en ese momento. También hubo gente seleccionada de Australia y de lugares tan lejanos como Francia."
Así Weta Digital amplió su capacidad, pasando de 1 ordenador a 40. Y las 7 personas que formaban el equipo cuando comenzó la producción, se convirtieron en más de 50 al finalizar. Fue el primer paso para convertirse en una de las grandes compañías de efectos, y Agárrame esos fantasmas es una buena muestra de su talento.
Por su parte, el gran Rick Baker se encargó de crear el maquillaje del juez. Se necesitaban cinco horas cada día, para convertir a John Astin en el fantasma.
La banda sonora recayó sobre Danny Elfman. Al compositor le había gustado tanto Criaturas celestiales que se ofreció a componer la música de una de las siguientes películas del director y aceptó hacerlo en Agárraeme esos fantasmas sin saber de que trataba la película.
La película se había concebido para estrenarse en la semana de Halloween, momento perfecto para una película de sus características, pero la película Daylight (1996) protagonizada por Sylvester Stallone, otra producción de la Universal, tenía previsto estrenarse en julio, pero sus retrasos provocaron que el estudio decidiera estrenarla en diciembre, de modo que tenían un hueco en verano para una película y tomaron la decisión de que Agárrame esos fantasmas fuera esa película. Jackson y Zemeckis intentaron sin éxito que mantuvieran la fecha prevista inicialmente. Jackson siempre creyó que esa decisión afectó al resultado en taquilla de la película. "Fue nuestra mayor frustración porque nunca fue y nunca debió ser una película de verano," declaraba Jackson. Tampoco ayudó que su estreno coincidiese con la inauguración de los Juegos Olímpicos de Atlanta.
Agárrame esos fantasmas se estrenó en Estados Unidos el 19 de julio de 1996 (tras una premiere dos días antes) y sólo recaudó 16.759.216 de dólares. Siendo su recaudación a nivel mundial de 29.359.216 de dólares. Insuficientes para recuperar sus 30 millones de dólares de presupuesto.

DIRECTOR'S CUT
La película conoció un montaje del director que se diferencia de la versión estrenada en cines en que tiene una duración de 11 minutos más. Las escenas adicionales son las siguientes:
1. Antes del poltergeist en su casa, Ray le dice a Lucy que por su aniversario ha hecho una reserva en el restaurante Excalibur (al que después irá con Frank).


2. Durante el poltergeist, se añade una breve escena en la que ven la sombra de un supuesto monstruo acercándose a ellos, que no es otra cosa que un pollo iluminado por una lámpara movida por los fantasmas.


3. El plano de Ray en la cocina mientras Lucy llama por teléfono a Frank es más largo, Ray dice, "simplemente no quiero que un maldito doblador de cucharas me diga lo que tengo que hacer."


4. Cyrus ayuda a Stuart a cruzar la puerta de la casa de Frank y éste termina estrellándose contra las escaleras. Ambos hablan de la vida que llevan, Cyrus le dice a Stuart que es demasiado blando y que deben darle una patada en culo a Frank si éste no cumple sus demandas, en ese momento mete su cabeza en una bombilla y su cara se ilumina.


5. Mientras Frank se toma una ducha la cabeza de Cyrus aparece en el suelo y le mete prisa porque quiere convocar una reunión, cuando mira a Frank desde abajo le dice que las mujeres no lo deben de echar de menos. Frank le da varias patadas y Cyrus desaparece por el desagüe.


6. Mientras Stuart habla de sus condiciones laborables, Frank agarra a través del fantasma un insecticida y Stuart le dice que no le atraviese cuando le está hablando.


7. Frank corta unas maderas del techo de su casa para hacer fuego en la chimenea.


8. Después de hablar con el juez, Frank se encuentra a la parca en las escaleras de su casa, pero resultan ser Cyrus y Stuart haciendo una prueba para asustar a la gente. Frank les dice que no lo vuelvan a hacer.


9. Justo después de la escena anterior, pasamos a la mañana siguiente, Frank recoge una carta del banco que le ha dejado el cartero y en la que le dicen que puede perder la casa si no paga 15.000 dólares. Frank habla con los tres fantasmas y les explica su situación, y decide que debe conseguir el dinero.


10. La escena en la que Cyrus y Stuart están delante de la casa de la mujer con los bebes discutiendo su estrategia es más larga. En el director's cut Cyrus lleva gafas y cuando una mujer pasa por delante de ellos tratan de disimular.


11. La escena en la que la madre de los bebes llama a Frank es seguida de una en la que el cazafantasmas conduce su coche hasta la casa de ella, con el juez a su lado. Por el camino se encuentran un coche fúnebre camino de un funeral. Frank conduce entre los coches que siguen al coche fúnebre y casi tiene un accidente. El juez comenta las pésimas habilidades de Frank al volante. Al llegar a la casa Frank se baja del coche, y le dice al juez que va a entrar y que éste debería juntar de nuevo sus huesos.


12. Cuando Frank choca con el punk (Peter Jackson) en el director's cut éste le saca un dedo y lo llama capullo, mientras que en la versión estrenada en cines Frank simplemente se aleja.


13. Frank y Ray llegan al cementerio y Frank le dice al fantasma que no es seguro para él, pero éste no le hace caso y trata de bajar el coche, como no consigue abrir la puerta con la manilla, Frank lo empuja fuera del coche a través de la puerta.


14. Tras entregarse Frank, Lucy sale de la comisaria y entre en su coche, donde se encuentra Ray esperándola, éste la acusa de no haberle hecho nunca caso cuando estaba vivo, como en ese momento.


15. Cyrus y Stuart entran en la comisaria buscando a Frank, tras atravesar varias celdas lo encuentran, pero éste finge no verlos. Milton estaba todo el tiempo observándole y después de dar su diagnóstico se marcha.


16. La escena de Lucy en casa de Frank es más larga. Se incluye un momento en que Ray encuentra un esquema que contiene instrucciones para los fantasmas para asustarle a él y a Lucy en su casa. Ray trata de decírselo a Lucy mostrándole un post-it, pero se le cae al intentar despegárselo y Lucy ignora lo sucedido.


17. La escena en la que Lucy y Milton llegan en coche al cementerio es más larga que de la versión estrenada en cines. Lucy ve una esvástica en la palma de la mano de Milton y éste se justifica hablando de las misiones en las que ha participado. Él trata de salir del coche mientras le da un ataque de ansiedad, sólo después de varios intentos consigue hacerlo. En la versión estrenada en cines él simplemente sale del coche después de que ella le grite.


18. El momento en el que Milton le enseña a Lucy las cicatrices de su cuerpo y habla de sus misiones es más larga. En la versión estrenada en cines se borró la esvástica de la palma de Milton.


19. Patricia apuñala varias veces a Johnny para demostrarle que puede matar a Lucy, quien pasa por detrás de ellos y sube por las escaleras, sin haber visto la escena.


20. Frank y Lucy se esconden de Patricia en la cocina del hospital y consiguen darle esquinazo.


21. En la escena de la masacre del hospital, hay dos breves planos en los que Johnny dice que ha encontrado a un voluntario antes de disparar al doctor.


22. Después de soltar las cenizas de Johnny, Frank se dirige hacia la capilla y Milton justifica sus actos aludiendo que Frank no sabe diferenciar entre el bien y el mal y todo el caso de Johnny Bartlett es una invención suya.


23. Tras caerse a través de varios pisos, Frank tiene otra visión de Johnny y Patricia besándose entre los muertos de la morgue después de la matanza que provocaron.


24. La escena de la conversación final entre Frank y el sheriff Perry era más larga. El segundo le cuenta a Frank algunos aspectos más del caso.


VALORACIÓN
Agárrame esos fantasmas es una pequeña maravilla, posee la locura de los primeros trabajos de Peter Jackson, aunque sin el gore de aquellos. Puede decirse que Agárrame esos fantasmas fue la última película dentro de una etapa de su director, la más desprejuiciada e irreverente, una época en la que Jackson nos daba películas salvajes una tras otra. Muestras de esa incorrección es el sargento sacado de La chaqueta metálica, el sheriff fantasma que no duda en hacérselo con una momia o el personaje de Milton Dammers, que es la locura personalizada. La verdad, es que se hecha de menos este tipo de cine que tan bien se le daba a Jackson.
Uno de los puntos fuertes de la película es su sentido del humor deliciosamente siniestro, Agárrame esos fantasmas está llena de pequeños detalles excéntricos que le otorgan una personalidad propia y muy original, desde el momento en el que Ray cae dentro de su propia tumba, pasando por ese otro en el que Patricia le vuela la cabeza a Dammers y aparece al instante su cabeza fantasma, o cuando Frank es atropellado por el coche fúnebre que porta a Ray. En el universo de la película la muerte está a la vuelta de la esquina. Vivos y muertos coexisten y los actos de unos afectan a los otros. Sólo que Jackson ve la muerte con ironía y decide sacar humor de ella.
Pero donde brilla la película es en su excelente narrativa, Jackson utiliza todos los recursos narrativos que tiene en su mano para contarnos una historia de la forma más atractiva y entretenida posible. Nos introduce en la película a través de la voz en off de la directora del periódico (que está leyendo lo que escribe uno de sus reporteros), conocemos el pasado de Frank gracias a la historia que narra Dammers (de una tensión irresistible) y descubrimos como aconteció la masacre del hospital gracias a los saltos de Frank entre el pasado y el presente (gracias a unos fundidos sencillos y muy sutiles). Todos son momentos que demuestran el talento de un gran narrador con un excelente gusto por el fantástico.
Todos los actores están estupendos, con Michael J. Fox a la cabeza. Pero Jeffrey Combs destaca como todo un robaescenas, con su excesivo y paranoico Milton Dammers, quien se apodera de la pantalla en cada aparición. Su personaje es un catalizador que lleva adelante a la película a base de pura locura, es gracias a él que sabemos el pasado de Frank o es él quien libera a Johnny Bartlett al final de la película.
Siempre he sentido una predilección especial por la genial fotografía de John Blick y Alun Bollinger, con un uso de los colores fantástico, donde destaca principalmente su sorprendente juego de luces en la escena del hospital. Y los efectos visuales son increíbles teniendo en cuenta que se trata de una pequeña producción.
El guión es sólido y funciona como un tiro, además de guardar ideas geniales, como que Frank use fantasmas para estafar a la gente, que el médium muera a propósito para tener una experiencia extracorporal y así poder enfrentarse a la parca, que los fantasmas también envejezcan, o la aparición de esa cancha de baloncesto reconvertida en un jardín que dice mucho sobre Frank. Sólo
le achaco un pequeño problema, la aparición de Dammers en el hospital al final de la película, ¿cómo sabe que Frank y Lucy se encuentran allí? Me resulta forzada, pero es peccata minuta.
La película trata de decirnos que vivamos la vida y no esperemos a estar muertos para decidir hacerlo. De hecho, el personaje que más "vivo" está es Bartlett, y eso que es un fantasma. Frank por su parte es un muerto en vida, Lucy vivió un matrimonio infeliz, Ray es un cretino que no cae bien a nadie y Dammers es un lunático atormentado.
Con respecto a la versión del director, creo que explica mejor la historia (el hecho que Frank pueda perder su casa no debería haberse cortado) y desarrolla un poco más los personajes que la versión estrenada en cines, pero realmente no aporta nada más a la misma, siendo la versión estrenada en cines la mejor de ambas, y es que sus 110 minutos están muy bien ajustados y se pasan como un suspiro.
Agárrame esos fantasmas siempre ha sido una de mis películas favoritas de Jackson. Posee un ritmo endiablado que no decae ni un segundo y tiene un sentido del humor a prueba de bombas. Y esa parca es la mejor que haya dado el cine (la escena en la que aparece a través de un espejo para matar a un hombre o cuando Frank la persigue en su coche, son dos de los momentos más memorables de la película). Es una de esas joyas ocultas y olvidadas del cine de los 90, que debería recibir un mayor reconocimiento (en esta vida). Y es que si no te diviertes con ella es porque estás muerto.

CURIOSIDADES
Billy Jackson, hijo del director, es uno de los bebes que levitan en una de las escenas más populares de la película.
Mientras rodaba la película en Nueva Zelanda, Michael J. Fox decidió que ya estaba cansado de rodar lejos de su familia y que prefería hacer televisión para estar más cerca de ellos. Su regreso a la pequeña pantalla fue con la sitcom Spin City: Loca alcaldía (1996).
Peter Jackson y Frank Walsh decidieron realizar la trilogía de El señor de los anillos mientras trabajaban en esta película.
Durante el rodaje, Michael J. Fox llamó varias veces "Doc" a John Astin en lugar de Juez, tal y como hacía Marty McFly en Regreso al futuro al referirse al Dr. Emmett Brown.
Chi McBride aceptó participar en la película, tras ver Criaturas celestiales (1994).
Muchos de los miembros del equipo aparecen como extras en el vídeo en blanco y negro sobre el caso de Johnny Bartlett.
La actriz Melanie Lynskey, protagonista de Criaturas celestiales (1994), tiene un cameo como la policía que le toma declaración a Lucy en la comisaría. El apellido de Lucy es Lynskey, en un homenaje a la actriz.
A partir de la segunda mitad de la película Lucy siempre lleva la misma ropa, donde destaca un abrigo rosa. Esto se convirtió en una broma interna durante la producción, de modo que su último día de rodaje le regalaron a Trini Alvarado una muñeca Barbie vestida como Lucy.
Grant Major, el diseñador de producción de la película, tiene un cameo como Chuck Hughes en la foto del obituario al principio de la película.
Melanie Lynskey y Kate Winslet aparecen en la portada del vídeo sobre asesinos en serie que ve Lucy, recreando una famosa foto de sus personajes en la vida real, y que interpretaron en Criaturas celestiales (1994).
La película no se estrenó en Tasmania (Australia), debido a la masacre de Port Arthur que aconteció poco antes de que la película llegara a los cines, y en la que un hombre asesinó a tiros a 35 personas, algo que se repetía en la película. Sólo se distribuyó posteriormente en vídeo y televisión.
El asesino ruso al que se refiere Bartlett es Andrei Chikatilo, el cual era realmente ucraniano.
Peter Jackson tiene un cameo, es el hombre de los piercings con el que Frank choca al salir del periódico. El día que rodó la escena tuvo que estar caracterizado como el personaje en todo momento, y se dio la causalidad que fue el mismo día escogido por el estudio para invitar a los medios al set de rodaje para publicidad.
El apellido de Johnny Bartlett viene de la segunda y tercera víctimas del asesino en serie Charles Starkweather, el cual es mencionado por Bartlett en la película.
La muerte de Dammers (Jeffrey Combs) era originalmente menos sangrienta que la mostrada en la película (moría de un tiro en el tórax), pero cuando quedó claro que la MPAA iba a calificar a la película con una "R" en lugar de con la calificación PG-13 deseada, decidieron no cortarse con la violencia y se cambió en post-producción por un tiro en la cabeza que la hace explotar.
Wes Takahashi, supervisor de efectos visuales, tiene un cameo en la escena del cementerio, como un fantasma con la cabeza vendada.
Cuando Jackson decidió reescribir el guión la noche antes de empezar a rodar, envío a Dee Wallace con su hija y su niñera de viaje por Queensland.

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