Monday, April 01, 2019

Blade

"Algunos cabrones se empeñan en patinar sobre el hielo cuesta arriba."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Blade es un ser mitad hombre mitad vampiro, en una cruzada para acabar con Deacon Frost, un vampiro que planea erradicar a la raza humana gracias a una antigua profecía.

VAMPIROS MODERNOS
Los orígenes del personaje de Blade se remontan a 1973, cuando fue incluido por sus creadores Mark Wolfman y Gene Colan, en el número 10 del cómic "Tomb of Dracula" de Marvel, en el que era un personaje secundario. En años posteriores cobraría mayor importancia, llegando a tener su propia colección.
En 1988, New World Pictures, propietaria por aquel entonces de Marvel Entertainment Group, se planteó desarrollar una película sobre el personaje y para ello contrató a los guionistas de televisión William Rabkin y Lee Goldberg (SeaQuest DSV) para que escribieran el libreto, aunque el proyecto no salió adelante.
El siguiente intento de adaptación data de 1992 con el rapero LL Cool J dando vida al popular cazavampiros, pero tampoco logró materializarse.
En ese mismo año, y en una conversación con el jefe de Marvel Films, el productor Peter Frankfurt, comentó la ausencia de superhéroes negros en los comics. Unos pocos días después recibió una copia de un cómic de Blade y pronto se sintió interesado por llevar el personaje al cine. "Blade me atrajo porque no es el típico héroe. Vive para matar vampiros y vengarse," afirmaba Frankfurt.
Frankfurt se reunió con Stan Lee y Avi Arad para hablar sobre el proyecto, y estos le recomendaron que contactara con Michael De Luca, presidente de producción de New Line Cinema. A De Luca le gustó la idea de Frankfurt de adaptar el cómic al cine, y quiso hacerse con los derechos del personaje. Pero esto no fue tarea fácil porque Marvel acababa de declararse en bancarrota, y se estaba reorganizando. Finalmente New Line se hizo con los derechos por la insignificante cifra de 125.000 dólares.
Cuando David S. Goyer se enteró que New Line planeaba realizar una película sobre Blade, se puso en contacto con la productora a través de su agente, ya que era un fan del cómic. Originalmente New Line tenía previsto hacer una película blaxploitation de bajo presupuesto (menor a los 10 millones de dólares) y de un tono casi paródico, pero Goyer se reunió con De Luca y le presentó su visión del proyecto como una trilogía de películas de más de 40 millones de dólares de presupuesto cada una, y con un tono serio. Sus ideas gustaron a De Luca y fue contratado. Goyer tendría listo el primer borrador del guión en ocho semanas.
El guionista no tuvo ninguna intromisión por parte de la productora, teniendo libertad absoluta para escribir el guión, y así pudo crear unos vampiros diferentes a los que conocíamos hasta entonces. "El origen del vampirismo rompe con la tradición en Blade, siguiendo las coordenadas del "Soy leyenda" de Richard Matheson, es decir, como mal biológico alejado de pactos con el diablo o misticismos pseudo-religiosos," declaraba Goyer.  
El guionista realizó cambios en los personajes, empezando por Blade. "Lo primero que decidí fue convertirlo en un híbrido, como Hercules," declaraba Goyer. "Sería mitad humano y mitad dios, pero rechazado por ambos mundos. En los comics, él no era realmente medio vampiro, pero decidí hacerle medio vampiro, que la sed lo infligiera." Además en el cómic Blade es inglés y no norteamericano. Y su madre es una prostituta llamada Tara Brooks, que es asesinada por Deacon Frost durante su parto, y nunca se convierte en vampiro. Por su parte, Frost se rejuveneció en la película, ya que en el cómic es un vampiro alemán de pelo blanco y mediana edad. Además Goyer creó para la ocasión el personaje de Whistler, que no existía en los comics.
El director asignado al proyecto en aquel momento era Ernest Dickerson (Juego de supervivencia) y Goyer colaboró con él a la hora de escribir el guión.
Con el guión terminado, tenían que buscar al actor que interpretara al cazavampiros y dado el alto presupuesto que alcanzaría la película, necesitaban una estrella para lanzar el proyecto. "Mike De Luca dijo, 'La haré por 40 millones si podéis conseguir a Denzel Washington, 35 si podéis conseguir a Wesley Snipes y 20 si podéis conseguir a Laurence Fishburne'," recordaba Goyer. El deseado era Snipes, quien fuera sugerido por el guionista. El actor por aquel entonces estaba tratando de hacer Black Panther, pero el proyecto se paralizó, por lo que dijo sí a convertirse en otro superhéroe en 1996. El actor también sería productor de la película a través de su compañía Amen-Ra Films.
"Es un superhéroe moderno, ligeramente gracioso y frío, un superhéroe que no está para tonterías," así describía Snipes a su personaje. "Ésta va a ser la primera vez en la que se me va a ver practicando artes marciales de verdad, no sólo una escena breve por aquí o una patadita por allí. Es durante toda la película."
Dickerson finalmente dejó el proyecto y éste pasó por Sam Raimi y David Fincher. Goyer escribió para estos directores versiones diferentes del guión. En el caso del segundo, estuvo involucrado después de rodar Seven (1995), pero antes de su estreno. Frankfurt era amigo de Fincher y tras leer éste el guión se interesó por el proyecto. Según Goyer, el borrador que escribió para Fincher distaba del la película finalmente vista, "nos lo tomamos demasiado en serio. Nos pasamos de la raya. Esa versión no era tan divertida como la versión de Norrington," declaraba Goyer. Después de un año ligado al proyecto, Fincher lo abandonó.
La estimable serie B Máquina letal (1994) había llamado la atención de Frankfurt. El productor localizó a su director Stephen Norrington y lo trajo al proyecto. A Snipes le entusiasmó la ópera prima del director y apostó por él, que fue justo lo que necesitaba el británico para hacerse con las riendas del proyecto. "[Máquina letal] tiene asombrosos efectos especiales, especialmente teniendo en cuenta el modesto presupuesto con el que trabajaron," declaraba Snipes. "Ahora está en mi lista de grandes películas de todos los tiempos."
Tras conseguir al director era hora de juntar al reparto. Para dar al villano Deacon Frost, fue considerado Bruce Payne y se le ofreció a Jet Li, pero prefirió rodar Arma letal 4 (1998). Al final el escogido fue Stephen Dorff y eso que el actor no estaba muy a favor de las películas comerciales. "Norrington fue quien dijo, 'Sabes, puedes hacer esto tuyo'," afirmaba el actor. "Me encantaba Jóvenes ocultos cuando era niño y para mí Frost es eso de una manera diferente, para una nueva generación."
Marc Singer fue la primera elección para interpretar a Whistler, el compañero de Blade. El papel terminaría recayendo en Kris Kristofferson tras una sugerencia de una persona de casting. El protagonista de Pat Garrett y Billy el niño no conocía el cómic, pero se sintió atraído por el papel porque, "Abraham Whistler se ve obligado a matar vampiros porque masacraron a su mujer e hijos. Tengo una familia numerosa y son la parte más importante de mi vida. Así que, fue fácil para mí identificarme con la angustia de Whistler y su impulso de venganza."
N'Bushe Wright dió vida a Karen, una hematóloga aliada de Blade. Y la española Arly Jover se convirtió en la vampira Mercury.
Udo Kier se hizo con el papel del líder vampiro Dragonetti, tras realizar una audición para el papel, en la cual decidió interpretarlo como si se tratase de un corredor de bolsa, algo que gustó a Norrington.
Donal Logue se llevó el papel de Quinn, mano derecha de Frost, tras presentarse a la prueba de casting con trenzas a lo Snoop Dogg y sombrero de vaquero, lo cual también gustó a Norrington. El personaje era más secundario originalmente, pero su dinámica con Frost funcionó tan bien que se terminó expandiendo. El director aconsejó al actor que simplemente se divirtiese interpretando a un vampiro. Logue reconocería después que se lo pasó genial en el rodaje.
Sanaa Lathan encarnó a la madre de Blade. "Era una gran fan de Wesley y entonces fue elegida como su madre, a pesar de que él era cerca de 10 años mayor que yo," declaraba con humor la actriz.
Y la ex-actriz porno Traci Lords dio vida a la vampira Racquel.

RODAJE
Con un presupuesto final de 45 millones de dólares, la producción arrancó el 5 de febrero de 1997 y se prolongó hasta el 6 de junio del mismo año. El rodaje tuvo lugar en diferentes localizaciones de Los Angeles y reinó un buen ambiente durante el mismo, gente como Dorff, Logue y Arly Jover se hicieron amigos.
Kirk M. Petruccelli, diseñador de producción, se encargó de diseñar y construir 46 decorados para la película. Su estilo se centró en, "figuras geométricas de inspiración egipcia para distanciarme del regusto gótico habitual que tiene el vampirismo." Y la espectacular motocicleta de Blade también fue obra suya. "Es una combinación de una Harley con una moto de carreras italiana de alta gama," así la describía el diseñador.
La escena más popular, la del club que abre la película, se rodó en una vieja fábrica de empacado de carne. Allí rodaron durante tres días y los extras padecieron estar durante horas sobre sangre falsa sin poder moverse por causa de la continuidad, además estos sabían que algo se derramaría sobre ellos, pero no que ese algo iba a ser sangre, y cuando los rociadores actuaron algunos se asustaron bastante, tanto que fueron varios los que renunciaron. No fue fácil rodar la escena, Goyer lo recordaba como, "un desastre. Horrible. Todo estaba pegajoso y también la gente del equipo. ¡Y todo el lugar olía! Hacía mucho calor. Ese sirope de maíz era realmente malo."
Uno de los platos fuertes de la película son sus excelentes escenas de acción. Snipes trabajó con Norrington y el coordinador de especialistas Jeff Ward, para crear las coreografías de las escenas de artes marciales. El actor realizó muchas de sus propias escenas de riesgo. "Blade me dio la oportunidad de rendir homenaje a algunos clásicos asiáticos," reconocía Snipes. "Hicimos cosas con espadas, otras armas y cables, cosas que parece que se hacen sólo en Hong Kong." 
Y las escenas de acción siempre conllevan problemas, si no que le pregunten a Kris Kristofferson. "Terminé con moretones desde el culo hasta los tobillos en la escena en la que Whistler se enfrenta a Frost. Stephen pisoteó mi rostro en el suelo hasta que sangré," recordaba el actor.
No fue el único en salir herido, Donal Logue se dañó la mandíbula en la escena en la que lucha con N'Bushe Wright en el hospital. El actor ya se la había roto años antes en un accidente de moto y tuvo que ser llevado a un verdadero hospital, al que llegó con el maquillaje que utilizaba en la escena, que simulaba que su cuerpo estaba totalmente quemado. Al actor le colocaron la mandíbula en su sitio y regresó al set para seguir rodando.
Los efectos de maquillaje corrieron por cuenta de Gregg Cannom, todo un experto en películas de vampiros, como atestiguan sus trabajos en Vamp, Jóvenes ocultos, Noche de miedo II, Subspecies, Drácula de Bram Stoker y Van Helsing. Su mayor reto fue la creación del obeso vampiro Pearl, y necesitó tres meses para completar su diseño. Sus dimensiones eran de cerca de 3 metros de ancho y 1,5 de alto. El no muerto era operado por cinco personas desde su interior. El primero, Eric Edwards, quien le daba vida, necesitaba un maquillaje protésico de cinco piezas, para ser después introducido en el enorme cuerpo esculpido en aproximadamente 700 kilos de arcilla y en el que se invirtieron 7.000 dólares en silicona. Dos personas manejaban los brazos, otras dos las piernas y fuera del monstruo, otras personas se encargaban de un sistema de aire acondicionado y de una enrome cámara de aire.
Diferentes compañías se repartieron la creación de los efectos visuales de la película (Blue Sky, Image Savant, Flat Earth Productions y Wildcat Digital Effects entre otras), siendo Chuck Comisky el supervisor de efectos visuales.
El primer montaje de la película era de 140 minutos, pero tras un pase de prueba, en el que tuvo una pésima recepción del público, se rodaron nuevas escenas y se eliminaron otras, quedándose con una duración final de 120 minutos. Todo esto provocó un retraso en el estreno de la película de febrero de 1998 a agosto del mismo año. Entre otras cosas, se incluyó la pelea final con espadas entre Blade y Frost, inexistente en la versión original de la película.
La producción se promocionó de una forma ingeniosa. Se hicieron fiestas de vampiros por todo Estados Unidos, y además se repartieron en clubs nocturnos clandestinos 750.000 tatuajes temporales, como los que portan los vampiros de la película.
Blade se terminó estrenando el 21 de agosto de 1998 y tuvo una gran carrera comercial. En Estados Unidos hizo una taquilla de 70.087.718 de dólares y la recaudación final a nivel mundial fue de 131.183.530 de dólares. Nada mal para una pequeña película basada en un personaje de cómic apenas conocido.
No todo fue tan positivo para la película, Mark Wolfman, el creador de Blade, interpuso una demanda a Marvel por 35 millones de dólares por daños punitivos. "Mi nombre no aparece en ningún crédito de la película, además de no haber cobrado nada ni en concepto de porcentaje," declaraba amargamente Wolfman. Al final después de mucho tiempo con llamadas y cartas consiguió ser acreditado en la película, aunque no recibió dinero por ello. Wolfman alegaba que cuando creó a Blade y a Deacon Frost era un contratista independiente y no un empleado de Marvel. Al final el guionista terminó perdiendo el juicio contra el gigante de los comics.

ESCENAS ELIMINADAS
Existen tres escenas eliminadas del montaje original de la película, las cuales han sido incluidas en las ediciones de DVD y Blu-ray.
1. La escena en la que Karen y Frost hablan sobre la cura del vampirismo era originalmente más larga, Frost le mostraba a Karen su plan para sobrevivir cuando todos los humanos fueran convertidos en vampiros. El villano guarda en un depósito personas dentro de bolsas de plástico para cosecharlos y extraerles la sangre. Esta idea fue recuperada para Blade: Trinity (2004).


2. Final alternativo. Tras la lucha entre Blade y Frost, el segundo termina convirtiéndose en La Magra, una enorme masa de sangre. El cazavampiros se enfrenta a él y lo elimina al romper sus inyecciones que se mezclan con la sangre del monstruo. Al público le gustó la lucha entre Blade y Frost, pero una vez el villano se convertía en un monstruo perdía el interés. Decidieron cortar esta escena y rodarla de nuevo manteniendo a Frost con forma humana en todo momento.


3. Segundo final alternativo. Una vez Blade y Karen salen del templo se encuentran con un vampiro en la azotea de un edificio. Dicho vampiro es Morbius, el villano previsto para la secuela. Como los derechos del personaje pertenecían al universo de Spider-Man y éste era propiedad de Sony, no pudo utilizarse. Stephen Norrington es quien dio vida al vampiro en la escena.


VALORACIÓN
Blade es una de las piedras angulares del género de las adaptaciones de comics y también del cine de acción del 2000. Después de ella vendrían X-Men, Spider-Man y todo lo demás, pero Blade fue la primera película basada en un cómic con éxito en mucho tiempo. Y fue además el primer bombazo de Marvel, que descubrió que tenía en su poder una fuente inagotable de personajes con éxito potencial.
La película posee ciertos tics del cine de acción moderno, como el estilo adrenatilítico de la puesta en escena con un uso del montaje de planos muy cortos, sin olvidar que se adelantó a Matrix en la ropa de cuero, el uso de música electrónica, la inclusión de artes marciales, el bullet time y los saltos entre edificios.
Norrington le imprime a la película un ritmo vertiginoso, que es todo un chute de adrenalina. Su estilo visual bebe mucho del videoclip y del mundo de la publicidad, que en su momento resultó novedoso y que el paso del tiempo no ha tratado nada mal. Se aprecia un estilo propio y personal que va más allá de la acción, como el uso de imágenes a alta velocidad (durante los créditos iniciales) o unos movimientos de cámara o encuadres muy conseguidos, que portan a la película de una cierta elegancia y dinamismo. Lástima que el tropiezo con La liga de los hombres extraordinarios (2003) hiciera naufragar la carrera de Norrington.
La introducción de Blade en la discoteca, escena inspirada en Abierto hasta el amanecer, es sensacional, todo un ejemplo de como presentar a un personaje. Choca la imagen de todos bañados en sangre y Blade impoluto con su ropa negra. Ese contraste demuestra la diferencia entre Blade y los demás vampiros.
Y si Blade empieza a lo grande, termina mejor, y es que su batalla final es uno de los mejores clímax que nos haya dado el cine de acción. Una experiencia cinética de ritmo imparable, con un sinfín de peleas, que culmina con una memorable lucha a espadas entre el héroe y el villano.
Goyer sabe como hacer atractiva esta historia de vampiros modernos y cine de superheroes. Con ideas tan acertadas como que Frost sea el padre vampiro de Blade o que éste tenga su kryptonita (la sed), una debilidad que no lo hace tan indestructible. Además muestra a los vampiros como una sociedad superior a la de los humanos, convierte el vampirismo en un virus, y elimina algunas de sus bases y da justificación a otras (por ejemplo, los crucifijos no causan efecto alguno a los vampiros, pero son alérgicos al ajo, por eso les daña), consiguiendo hacer creíble la traslación del mundo del cómic a la gran pantalla. Se nota que el guionista entiende el noveno arte, aportando a la historia detalles como el intento de Frost de convencer a Blade para que se una a él, la cura médica que Karen trata de buscar contra el vampirismo o el plan de Frost de erradicar a la raza humana convirtiendo a todos en chupasangres (que es lo que esperamos de un gran villano). Por todas esas razones Blade es la gran adaptación de cómic que es.
Wesley Snipes nació para dar vida a Blade, el personaje le sienta como anillo al dedo, y es que el actor nunca ha estado más carismático. Aunque Dorf con su Deacon Frost demuestra ser un villano a la altura del héroe y le roba parte del protagonismo.
La película no trata ser más que una espectacular historia que aúna acción y terror a partes iguales, con la clásica lucha entre el bien y el mal, pero está contada de una forma tan endiabladamente entretenida que se gana nuestras simpatías y se coloca por encima de la media de este tipo de productos. Blade es a su vez, la suma de diferentes influencias (el cine de artes marciales de Hong Kong, Jóvenes ocultos, los comics, la blaxploitation) y al mismo tiempo algo novedoso.
Lo peor de la película, además de algunos diálogos sonrojantes, son sus pésimos efectos visuales, impropios de una superproducción.
Blade es una de las mejores películas basadas en un cómic, y aún no se le han reconocido todos sus méritos. La ola de adaptaciones del noveno arte que vino después no habría sido la misma sin ella. Además puso a los vampiros otra vez de moda y les insufló vida haciéndolos de nuevo atractivos para las nuevas generaciones. La película son dos horas de acción sin límites donde es imposible aburrirse. Es en definitiva, toda una gozada con la que podemos saciar nuestra sed de sangre y acción.

CURIOSIDADES
En la escena de la fiesta del ático de Frost, algunos personajes están viendo en televisión la película Mortal Kombat (1995).
El body count de la película asciende a 88 muertos.
El verdadero nombre de Blade es Eric Brooke. Su madre le llama Eric al final de la película y el permiso de conducir de ella dice que se llama Vanessa Brooke.
Contactaron con The Prodigy para que compusiera la banda sonora de la película, pero el grupo rechazó la oferta debido a otros compromiso laborales.
La biblia vampira se conoce como "El libro de Erebus". Erebus (Érebo) es un dios de la mitología griega que personifica la oscuridad y la sombra.
Como en toda película de Marvel, originalmente Stan Lee tenía un cameo, pero fue finalmente cortado. Interpretaba a uno de los policías que llegaban al club del comienzo de la película y descubría el cuerpo quemado de Quinn.
Frost dice en un momento de la película que Blade tiene la fuerza de los vampiros y ninguna debilidad, pero realmente tiene una, la sed de sangre.
Aunque el personaje de Whistler fue creado para la película por David S. Goyer, su primera aparición fue en la serie de dibujos animados de Spiderman (1994-98). El personaje gustó tanto a Marvel que fue incorporado a su universo.
Estaba previsto que en la escena en la que Karen se despierta en la guarida de Blade tras ser rescatada por él, encontrase una jarra con un bebé vampiro dentro. El bebé estaría vivo y sería utilizado por Blade y Whistler como conejillo de indias para probar sus armas. El estudio encontró la idea perturbadora y se negó a permitirla.
En la película, Whistler sabe leer el antiguo lenguaje vampiro, pero en el guión estaba previsto que el personaje no pudiera hacerlo y Blade terminaba recurriendo a una sacerdotisa vudú para traducirlo.
Stephen Norrington tiene un cameo en la película, es el vampiro que muerde a una chica en el cuello durante la persecución en coche de Blade al policía Krieger.
Es una película de un personaje de Marvel, producida por New Line Cinema, la cual es una propiedad de Warner Bros., dueña a su vez de DC Comics.
En la escena en la que Karen conoce a Whistler, Blade porta un mapa de Nueva Orleans. Es un homenaje a los comics, ya que muchas de las historias de Blade ocurren en esa ciudad.
En la escena en la que Blade es perseguido por un túnel y pasa un metro, todos los pasajeros son recortes de cartón con el nombre de los encargados de efectos especiales escritos en ellos.
En la escena en la que Frost mata a Krieger, se puede ver un vampiro de juguete. Este muñeco era parte de una línea de la serie de animación Spiderman (1994-98) llamada "guerra de vampiros", la cual incluía una figura de Blade. El juguete es un Spider-Man transformado en un vampiro.
Wesley Snipes sacó los tatuajes de Blade del luchador Kimo de la UFC.
Antes del estreno de la película, uno de los extras de la escena del club de sangre demandó a New Line porque afirmaba que tenía una enfermedad en el piel tras rodar la escena.
La frase que suelta Blade a unos policías cuando le disparan en el hospital, "¡Seréis capullos! ¿Habéis perdido el juicio?" (en la versión original "Motherfuckers, are y’all out of your minds?") fue improvisada por Snipes. Stephen Norrington no la entendía y quería eliminarla, pero el actor le convenció para mantenerla.
Requirió cerca de seis horas maquillar a Donal Logue para la escena en la que está totalmente quemado.
Se desarrolló una precuela (con idea de convertirse en una trilogía) centrada en el personaje de Deacon Frost, con un presupuesto situado en torno a los 20-30 millones de dólares y con Stephen Norrington tras las cámaras. La idea era situarla en Nueva York y que fuera una película de gangsters vampiros. Problemas por los derechos del personaje entre New Line y Marvel hizo naufragar el proyecto.
Stephen Norrington realizó personalmente los storyboards de la película.

Labels: ,

Friday, March 01, 2019

¿Quién engañó a Roger Rabbit?

"No soy mala, es que me han dibujado así."

Este artículo contiene spoilers, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.

Roger Rabbit, un dibujo animado que trabaja en Hollywood, es acusado de un asesinato y el detective Eddie Valiant se verá inmerso en una investigación para demostrar su inocencia.

¿QUIÉN CENSURÓ A ROGER RABBIT?
Gary K. Wolf publicó en 1981 la novela, "¿Quién censuró a Roger Rabbit?", pero un poco antes, en 1979, y después que el libro fuera comprado por la editorial St. Martin’s Press, Disney se hizo con los derechos para realizar una película cuando era sólo un manuscrito, por tan solo 25.000 dólares. Al parecer, su adaptación fue una idea de Ron W. Miller, CEO de la compañía. El guión se le encargó a Jeffrey Price y Peter S. Seaman, quienes escribieron dos versiones del mismo. El estudio trató durante varios años y sin éxito adaptar la novela.
El proyecto se le ofreció a Terry Gilliam, el director y animador parecía apropiado para el proyecto, pero lo rechazó, tal y como reconocía porque, "leí el libro y dije, 'Esto es demasiado trabajo.' Pura pereza de mi parte."
Entre 1981 y 1983, el director Darrell Van Citters desarrolló una versión de la película, creando el diseño de los personajes y haciendo pruebas de pantalla aunando personajes animados con actores de carne y hueso. Paul Reubens (el luego popular Pee-wee Herman) era la voz del conejo, tras ser escogido por Citters. Pero el proyecto no llegó a buen puerto.
Ya en 1982, el guión le llegó a Robert Zemeckis a través de su agente. "Cuando leí Roger Rabbit supe que tenía un gran potencial. No conseguía sacarlo de mi cabeza," reconocía el director. Zemeckis se ofreció a hacerse cargo del proyecto, pero éste se prolongó en el tiempo sine die y el director se fue a rodar Tras el corazón verde (1984). Cuando Zemeckis terminó de rodar su película de aventuras, recordaba que, "Disney todavía no lo tenía claro." Así que el director pasó a otros proyectos y se olvidó de Roger Rabbit, pero no sería por mucho tiempo.
La entrada de Michael Eisner como nuevo CEO de Disney revitalizó el proyecto en 1985 y para ello se puso en contacto con Steven Spielberg, quien se convertiría en su productor ejecutivo bajo su productora Amblin, dándole Eisner el control creativo absoluto. Además el director de Encuentros en la tercera fase acordó un porcentaje de los beneficios en taquilla, y por su parte Disney se aseguró los derechos del merchandising en exclusiva. Además los derechos de los personajes se repartieron al 50% entre Amblin y Disney.
Spielberg inicialmente le ofreció el proyecto a Joe Dante, pero no funcionó y después se lo ofreció a Zemeckis con quien acababa de tener un gran éxito con Regreso al futuro (1985). "Le dije a Steven que ya había leído aquel guión años atrás, y entonces me contestó, 'Hagámoslo'," recordaba Zemeckis. "La gente nueva que acababa de llegar a Disney estaba estusiasmada con la idea de sacar el proyecto adelante."
Zemeckis demostró ser el director perfecto para el proyecto y eso que como él mismo reconocía, "no era un fanático de los dibujos animados y ciertamente no era un entusiasta del cine negro. Roger Rabbit fue sólo algo que funcionó para mí."
Para la parte animada Zemeckis tenía una visión muy clara de lo que debía ofrecer la película. "Siempre dije que la película iba a ser una compilación de todo lo que se había hecho, así que básicamente se dividió en tres estilos," declaraba Zemeckis. "Íbamos a utilizar la técnica de animación de Disney, realmente perfeccionaron este arte, la caracterización de Warner Bros., porque los cartoons de Warner siempre tenían los mejores personajes, y el humor de Tex Avery, sus cartoons siempre eran los más divertidos. Así que hemos combinado las tres técnicas que se habían mantenido separadas durante los 40 y 50, debido a que pertenecían a diferentes campos."
Zemeckis necesitaba de un director que se encargase de toda la parte animada, de modo que iniciaron la búsqueda en Estados Unidos, pero no lograron encontrarlo. El productor Robert Watts llevó a la Amblin una cinta con el trabajo de Richard Williams, que mostraba algunos de sus anuncios y parte de la película en la que estaba trabajando The thief and the cobbler. Tras verlo, Zemeckis supo que había encontrado a su director. Su elección se debió a una serie de razones, "fue la combinación de su técnica de animación y la fabulosa belleza de su trabajo," admitía Zemeckis. "Es como las maravillosas cosas que Disney solía hacer. Y puede hacer muchos estilos diferentes. Cuando hacía cosas de comedia era genial, y ya no hay nadie vivo que pueda hacer eso." 
Y para lanzarse a la piscina definitivamente, y demostrar a la Disney y a Amblin que el proyecto era viable, Zemeckis decidió realizar una prueba de pantalla de 40 segundos de duración, la cual fue animada por Williams, para saber si lo que deseaba plasmar en pantalla era posible. "Hicimos un plano con una dolly, un plano desde una grúa, pusimos al conejo detrás de los cristales de una ventana," recordaba Zemeckis. "Le hicimos interactuar con humanos, caminar entre las sombras y hacia la luz. Caminó delante de un letrero de neón. Se reflejó en el pavimento mojado. Todas esas cosas que la tradición dice que no deberías hacer. Y todo funcionó perfectamente." En ese corto Joe Pantoliano hizo el papel de Eddie Valiant y su coste fue de 100.000 dólares. El resultado fue tan espectacular que ya no había marcha atrás.
La película se presupuestó originalmente en 50 millones de dólares, lo que Disney consideró que era demasiado elevado. Al final se logró la luz verde para el proyecto cuando el presupuesto se rebajó hasta los 30 millones (aunque como veremos más adelante terminaría costando mucho más).
La película sólo sería posible si conseguían reunir a todos los grandes personajes de dibujos animados. La participación de Spielberg fue crucial para conseguir los acuerdos con las diferentes productoras. "Los únicos personajes que queríamos y que no pudimos conseguir fueron Popeye y Felix el gato. Sentían que no estábamos ofreciendo dinero suficiente," declaraba el productor Frank Marshall. Cuando Disney se acercó a la Warner a principios de los 80 para conseguir un cameo de Bugs Bunny en la película, recibieron un no por respuesta, Spielberg consiguió la participación de los principales personajes animados de la Warner, lo que demuestra lo importante de su participación en la película. Además Spielberg negoció que el pago por cada personaje sería de 5.000 dólares.
"Los dueños de todas esas licencias supervisaron las voces de los personajes, así como los dibujos," afirmaba Marshall. "Tuvimos a alguien de su estudio con nuestra gente, y con razón. Queríamos que Bugs Bunny se viera como Bugs Bunny."
En el caso de Warner, la compañía cedió a sus personajes bajo la condición que sus mayores estrellas (Bugs Bunny y el Pato Lucas) debían aparecer en pantalla tanto tiempo como las grandes estrellas de Disney (Mickey Mouse y el Pato Donald). Para solucionarlo se tomó la decisión de que estos personajes siempre aparecieran juntos en pantalla.
Por su parte, Richard Williams se hizo cargo de la creación de Roger Rabbit, el canadiense diseñó al conejo dándole una cara Warner, un cuerpo Disney y una actitud Tex Avery. Roger tiene guantes de Mickey Mouse, el mono de Goofy y una corbata como la de Porky. Williams le dio al personaje animado los mismos colores de la bandera americana (mono rojo, cuerpo blanco y corbata azul) para que a todo el mundo le gustase subliminalmente.
Para la Jessica Rabbit de la novela, Wolf se inspiró en la bailarina del corto de Tex Avery Red Hot Riding Hood (1943). Pero en la película fue la combinación de varias mujeres. "Traté de hacerla como Rita Hayworth," afirmaba Williams. "Tomamos su pelo de Veronica Lake, y Zemeckis seguía diciendo, '¿Que hay del look que tenía Lauren Bacall?'" Y de la suma de esas tres actrices surgió Jessica Rabbit.
Zemeckis estuvo trabajando estrechamente con Jeffrey Price y Peter S. Seaman cerca de un año puliendo el guión. Existen bastantes cambios con respecto a la novela de Wolf. En aquella Roger y los demás personajes se dedican a posar para las tiras cómicas de los periódicos y no son actores como en la película y Roger ni mucho menos es una gran estrella. Valiant se encarga de resolver el asesinato de Roger, mientras que en la película tratan de resolver un misterio juntos. La historia se situó en la película en los años 40, en lugar de acontecer en la actualidad. Se añadió al personaje del Juez Doom para la película y la idea de poder matar a los personajes de dibujos animados. Se eliminó la idea del libro en que los personajes animados hablaran mediante bocadillos que aparecían sobre sus cabezas.

REPARTO
Harrison Ford fue la primera elección de Spielberg para dar vida a Eddie Valiant, pero su sueldo era demasiado alto, por lo que quedó descartado. Spielberg y Zemeckis optaron por Bill Murray, pero no consiguieron contactar con el actor y se quedó fuera de la carrera por el papel (algo que Murray lamentó ya que según declaró, lo habría aceptado). Se le ofreció a Eddie Murphy, pero lo rechazó (algo de lo que el actor se arrepintió). Sylvester Stallone, Charles Grodin, Robert Redford, Jack Nicholson, Peter Renaday (que hizo una audición para el papel), Ed Harris, Paul Newman, Robin Williams, Don Lane (que llegó a hacer una prueba) y Wallace Shawn fueron considerados para el papel.
Pero al final el escogido fue Bob Hoskins. "Necesitaba a alguien que pudiese actuar por dos," admitía Zemeckis. "Y Bob me hizo creer que Roger estaba realmente allí."
Para tener la sensación de actuar con dibus, Hoskins estudió a su hija de tres años jugando con sus amigos imaginarios. De tanto hablar con seres imaginarios durante el rodaje, el actor comenzó a perder el control y llegó a experimentar alucinaciones. "En un momento dado, fue bastante aterrador, aparecieron comadrejas y todo tipo de cosas," recordaba Hoskins. Además como otros actores del reparto, tomó clases de mímica para la película. Hoskins se implicó totalmente, llegando a realizar muchas de sus escenas de riesgo.
Tim Curry hizo una prueba para el papel del Juez Doom, pero resultó ser demasiado terrorífica para Zemeckis, Spielberg, Eisner y Jeffrey Katzenberg. Christopher Lee rechazó el papel. John Cleese tuvo interés en interpretar el personaje, pero Zemeckis y Spielberg se negaron ya que consideraron que nadie se tomaría en serio que un miembro de los Monty Python pudiera ser un asesino sádico. También se consideró a Robin Williams, Sting y a Roddy McDowall para el papel. Y el escogido fue Christopher Lloyd. "Habiendo trabajado con él antes, sabía que realmente se metería en el papel," declaraba Zemeckis.
Joanna Cassidy luchó por conseguir el papel de Dolores y se salió con la suya. Para dar vida al personaje la actriz se inspiró en el look de Joan Crawford.
Stubby Kaye interpretó a Marvin Acme, siendo ésta su última película como actor. También fue la última de Alan Tilvern, quien dio vida a R.K. Maroon.
Y para dar voz a Roger Rabbit se tanteó a Eddie Deezen, pero Zemeckis se decantó por Charles Fleischer, a quien había considerado para el papel que Alfonso Arau interpretó en Tras el corazón verde (1984). Inicialmente Fleischer fue contratado para dar la replica a los actores que hacían las pruebas de pantalla para el papel de Eddie Valiant, a Zemeckis le gustó tanto su trabajo que le ofreció el papel del conejo. Fleischer terminaría poniendo voz también a Benny el taxi, Greasy y Psycho.
La voz de la sensual Jessica Rabbit era en realidad la de Kathleen Turner, aunque en aquellas escenas en las que el personaje canta, es la voz de Amy Irving la que podemos escuchar. Ambas participaron de forma no acreditada en la película.
Y por su parte, Lou Hirsch puso voz a Baby Herman.
Para algunos de los personajes animados se contó con sus voces originales, como en el caso de Mel Blanc (Bugs Bunny, Pato Lucas, Piolín, Silvestre, Porky) o Mae Questel (Betty Boop). Y para otros se contó con los actores que habían tomado el relevo como, Wayne Allwine (Mickey Mouse) o Tony Anselmo (Pato Donald).

LA PELÍCULA MÁS CARA DE LA HISTORIA
El rodaje arrancó a comienzos de diciembre de 1986 y se prolongó hasta el 27 de agosto de 1987. Aunque en diciembre de 1987 se rodaron durante dos semanas escenas en pantalla azul con la ILM y varias tomas adicionales. Los interiores se rodaron en los Elstree Studios en Inglaterra, además de algunas localizaciones exteriores en Essex y Londres. Aunque el grueso de los exteriores tuvieron lugar en Los Angeles.
Richard Williams odiaba el mundillo de Hollywood y puso como condición para participar en la película, no trabajar en Los Angeles, esa fue la razón por la que la producción se trasladó a Londres. Disney decidió mantener una segunda unidad de animación supervisada por Dale Bear en Los Angeles, lo que hizo aumentar el presupuesto en 10 millones de dólares.
El equipo de animación de Londres estaba compuesto por unas 220 personas y el de Los Angeles por 70. Este último se encargó de las escenas de Dibullywood y de Benny el taxi. Para entregar la película tiempo, dentro del ajustadísimo calendario, cada animador debía dibujar 8 segundos de película a la semana. Cada 10 segundos de animación requerían más de 1.400 dibujos. Y llegaron a crear 55 minutos de animación aproximadamente. Lo que hace ver lo enorme de la empresa. 
Puede que a alguno le chirríe que algunos de los personajes animados no luzcan tal y como los conocemos en la actualidad, eso se debe a que Zemeckis y Spielberg se empeñaron en que los dibus debían lucir como eran dibujados en los años 40, década en la que se sitúa la historia.
Fue un rodaje sumamente complejo, "complicado hasta el punto que para finalizar la post-producción de esta película, tuvimos que realmente editar un manual," admitía Zemeckis.
Y es que ¿Quién engañó a Roger Rabbit? fue un hito en el campo de los efectos visuales, considerándose tal vez el mayor reto en este campo desde La guerra de las galaxias (1977). Por ejemplo, la escena en la que Eddie Valiant camina por los Maroon Studios está compuesta por cerca de 80 elementos separados que tuvieron que ser compuestos en un solo plano, hasta aquel momento el récord lo ostentaba una escena de El imperio contraataca (1980) que tenía 74.
Los complejos efectos visuales fueron obra de la ILM, quien creó más de 900 planos con trucajes bajo la supervisión de Ken Ralston. Para ello usaron cámaras de control de movimiento, pantalla azul y cientos de efectos mecánicos. Además aportaron a los dibujos sombreados, brillos y sombras que les dio un aspecto de tres dimensiones. La ILM no subcontrató el trabajo a otras compañías de efectos, encargándose de todos los planos de la película, lo requirió de ocho meses de duro trabajo. Mediante efectos ópticos consiguieron integrar los dibujos del equipo de Richard Wiliams con las escenas con actores reales con tal perfección, que nos hicieron creer que humanos y dibus podían coexistir.
Michael Lantieri (responsable de efectos especiales) y George Gibbs (responsable de efectos mecánicos) fueron los encargados de hacer creíble la interacción entre humanos y dibus mediante efectos físicos. Estos iban desde pianos que tocaban solos, a mover objetos en el aire que después serían manipulados por dibus, pasando por una bicicleta autoguiada y más cosas imposibles. "Cada día se nos requería que proporcionáramos algún efecto," decía Lantieri. "En cada plano, sin descanso."
Simular el movimiento de los objetos transportados por los personajes animados fue responsabilidad de David Barclay, quien contó con un equipo de 15 titiriteros para ello. Conseguían mover los objetos mediante el uso de cables, varillas o utilizando sus propias manos. Y se las ingeniaban de todas las formas para hacer creer al público que los personajes animados estaban realmente ahí, como lo demuestra la escena del Terminal Bar en la que Roger canta y baila, debajo de la barra había controles para hacer que la superficie vibrase simulando los saltos del conejo. "Este movimiento hace que las copas y las bebidas se muevan," explicaba Barclay.
Otra forma de simular el movimiento de objetos (como el cigarro de Baby Herman) fue mediante máquinas de control de movimiento, que eran manipuladas por un operario, y que permitían mover objetos como fuera necesario para la escena. Ya en post-producción, se dibujaba al personaje animado sobre la máquina creándose la ilusión.
Fabricaron muñecos de goma de los diferentes personaje animados, que colocaban en los lugares donde debían estar, para así saber su posición y altura. Primero se ensayaba la escena con el muñeco y luego rodaban sin él. Esto ayudaba a los cámaras a encuadrar el plano y a los actores les daba algo con lo que ensayar. Una vez tenían las tomas que querían, volvían a colocar al muñeco de goma y lo fotografiaban. Así posteriormente los animadores tenían una referencia de su tamaño, proporciones y de la posición de la luz.
Por su parte, Charles Fleischer pidió que hicieran un traje de Roger Rabbit para él, el cual utilizó en el set de rodaje. "Dije, estoy interpretando el papel de Roger Rabbit. Debería parecerme a Roger Rabbit," afirmaba el actor. A Hoskins le pareció inicialmente una locura, pero al final se lo agradeció porque le ayudó en el rodaje, Fleischer se colocaba fuera de cámara e interpretaba las escenas que Hoskins tenía con el conejo imaginario. Otros dobladores también acompañaron a Fleischer durante el rodaje de las escenas reales.
Todos los decorados fueron construidos a cerca de dos metros de altura para permitir a los titiriteros manipular los objetos por debajo. Mediante auriculares recibían las indicaciones de Zemeckis y a través de un monitor veían lo que ocurría sobre sus cabezas. Una de las escenas más complejas de la película fue la del club "La tinta y la pintura" con un montón de personajes paseándose por el lugar y con los pingüinos camareros transportando bandejas entre las mesas, algo que se consiguió mediante unas ranuras en el suelo para los aparejos mecánicos que manipulados por los titiriteros transportaban las bandejas.
El clímax de la película en Dibullywood fue una combinación de los talentos de los animadores de la unidad de Los Angeles y la fotografía de pantalla azul de la ILM. Durante dos semanas de diciembre de 1987, se rodaron 150 planos de pantalla azul con Hoskins, de los cuales 130 se utilizaron en la película. "Fue una pesadilla," según declaraba Ken Ralston, supervisor de efectos visuales de la película, ya que sólo disponían de Hoskins durante esas dos semanas. Dibullywood está repleta de personajes animados anteriores a 1947 y para poblar la ciudad se hizo un estudio concienzudo en los archivos de Disney en busca de dibus que introducir en la secuencia.
Una vez finalizó el rodaje con los actores reales, la película tuvo que ser editada antes que la animación fuera dibujada. "El proceso de montaje fue probablemente lo más difícil para mí," recordaba Zemeckis. "Porque sólo tenía un elemento, un actor, y el otro actor debía ser imaginado por mi editor y por mí. Todo en animación es hecho al fotograma, porque cada fotograma de animación es muy caro. Por lo tanto, la acción real tuvo que ser cortada de forma exacta también." El proceso de post-producción se alargó durante 14 meses.
Zemeckis se puso en contacto con Alan Silvestri en octubre de 1986 (dos años antes del estreno de la película) para componer una banda sonora inicial, que necesitaba ser creada de antemano. Silvestri estuvo trabajando en el proyecto de forma intermitente, hasta que en diciembre de 1987 pasó a trabajar a tiempo completo. En ese momento ya había un montaje lo suficientemente desarrollado para que el compositor se pusiera manos a la obra con la partitura completa, la cual terminó sólo dos semanas antes del estreno de la película. "La mecánica de orquestar una película que no está completada y donde en algunas escenas aún no hay personajes, fue algo nuevo," comentaba Silvestri.
Y es que no fue tarea fácil crear una banda sonora para una película en la que co-existen personajes animados con personas reales. "La intención de los cineastas era que la animación estuviera tan bellamente integrada en la película que nunca tuvieras la sensación de que era una película de la vida real con la intromisión de personajes animados," explicaba Silvestri. Así que el compositor creó la música (interpretada por la London Symphony Orchestra) como si todos los personajes reales y animados pertenecieran al mundo real.
Los primeros pases de prueba fueron un desastre, uno realizado en Pasadena con público mayoritariamente joven y con la película todavía sin terminar, acabó con la gente marchándose a los pocos minutos de empezar. Pero Zemeckis se mantuvo fiel a su instinto y como tenía derecho al final cut, decidió no cambiar nada, estrenando la película como tenía previsto. Además posteriores pases con la película más completa funcionaron mejor. Así se demostraría que el director estaba en lo cierto.
La película estaba completa para su estreno y el presupuesto, según se publicó, había ascendido a 70 millones de dólares. Aunque posteriormente se supo que fue realmente de 58.166.000 de dólares, lo que la convirtió en su momento en la película más cara de la historia (Rambo III del mismo año tuvo un presupuesto estimado de 58-63 millones).
La película se estrenó el 22 de junio de 1988 en los Estados Unidos (tras una premiere el día anterior en Nueva York) y fue todo un éxito. En los Estados unidos recaudó 156.452.370 de dólares y la taquilla final a nivel mundial ascendió a 329.803.958 de dólares, siendo la segunda película más taquillera del año en su país de origen y también a nivel mundial (sólo fue superada por Rain man).
Y los Oscars no se quedaron atrás, la película ganó las estatuillas correspondientes a las categorías de mejor montaje (Arthur Schmidt), mejor edición de efectos de sonido (Charles L. Campbell y Louis L. Edemann), mejores efectos visuales (Ken Ralston, Richard Williams, Ed Jones y George Gibbs), además de un Oscar especial para Richard Williams por su dirección de animación y creación de personajes animados. Y fue nominada en las categorías de mejor fotografía (Dean Cundey), mejor dirección artística (Elliot Scott y Peter Howitt) y mejor sonido (Robert Knudson, John Boyd, Don Digirolamo y Tony Dawe).
Sin olvidar las dos nominaciones a los Globos de oro a la mejor película comedia o musical y mejor actor de comedia o musical (Bob Hoskins), el premio BAFTA a los efectos visuales (George Gibbs, Richard Williams, Ken Ralston y Ed Jones ), la nominación en los Cesar a la mejor película extranjera (Robert Zemeckis), la nominación a los Writers Guild of America al mejor guión adaptado (Jeffrey Price y Peter S. Seaman), el premio Hugo a la mejor presentación dramática (Robert Zemeckis, Jeffrey Price, Peter S. Seaman y Gary K. Wolf), la nominación en la Directors Guild of America (Robert Zemeckis) y los premios Saturn a mejor película de fantasía, mejor director (Robert Zemeckis) y mejores efectos especiales (George Gibbs, Ken Ralston, Richard Williams e ILM).
El personaje fue un habitual en los parques de la compañía del ratón, teniendo su propia atracción, la "Roger Rabbit's Car Toon Spin", en Disneyland Park (Anaheim) y Tokyo Disneyland. Y además se llegaron a producir varios cortos del personaje, primero llegó Dolor de barriga (1989), en su momento supuestamente fue el corto más caro jamás realizado, y acompañó a Cariño, he encogido a los niños (1989) en su estreno en cines. Después llegaría Roger en la montaña rusa (1990), que provocó tensiones entre Spielberg y Eisner, el primero quería que el corto acompañase a Aracnofobia (1990), primera co-producción entre Amblin y Hollywood Pictures (subsidiaria de Disney), y Eisner por su parte quería que lo hiciera con Dick Tracy (1990). Al final el CEO de Disney se salió con la suya, pero provocó que Spielberg cancelara el corto "Hare In My Soup" que ya estaba en producción y otros tres que estaban planeados, "Clean and Oppressed", "Beach Blanket Bay" y "Bronco Bustin' Bunny". Años después llegaría el último corto, Roger Rabbit en lío en el bosque (1993) que precedió en cines a Un lugar muy lejano (1993), una co-producción de Amblin y Disney.

ESCENA ELIMINADA
Existe una escena eliminada del montaje final que puede encontrarse en las ediciones de vídeo doméstico de la película. Vemos como Eddie Valiant se cuela en el camerino de Jessica Rabbit para busca el testamento de Acme y es pillado in fraganti por el gorila del club, quien le deja inconsciente de un puñetazo. Cuando se despierta, en la habitación está el Juez Doom y Jessica. Para que deje de husmear, Doom hace que las comadrejas se lleven a Valiant a Dibullywood y le dibujan al detective una cabeza de cerdo. Éste corre hasta su casa donde logra borrarla dándose una ducha.
Esta secuencia fue una de las primeras que completaron los animadores (el plano de la cabeza yéndose por el desagüe fue justo el primero en realizarse), pero aunque intentaron mantenerla, finalmente quedó fuera en la mesa de montaje. A Zemeckis le gustaba la escena en la que Valiant se lava la cabeza de cerdo. "El problema es que la escenas previas a esto ralentizaban la película," afirmaba el director. Fue cortada por una sugerencia de Bob Gale, colaborador habitual de Zemeckis y guionista de Regreso al futuro (1985).

VALORACIÓN
¿Quien engañó a Roger Rabbit? es una auténtica maravilla, un joya de la animación y una de las películas más originales de los ochenta. La unión perfecta de imagen real y dibujos animados, de noir y comedia, es una mezcla en la que todo funciona.
La película toma los clichés del noir, pero los trata con respecto (toda la trama de la construcción de la autopista y la compra de la línea de tranvías es puro cine negro) y como película animada es un amalgama y homenaje a todo lo que se había hecho antes. Y además su sentido del humor funciona como un tiro (que Jessica esté realmente enamorada de Roger me mata).
Lo interesante de la película es que es algo más que la mayor reunión de personajes animados jamás realizada, la historia funciona por si misma y esos cameos hacen creíble el universo en el que ésta se desarrolla, además consigue hacernos sentir como niños otra vez y que veamos embobados la pantalla mientras pasan por ella algunos de los dibujos animados más queridos que se recuerdan.
Situar la historia en los años 40 es todo un acierto, primero por ser la década por antonomasia del noir, y después por ser el punto álgido de la era dorada de la animación americana, con Disney, Warner y Metro-Goldwyn-Mayer a la cabeza. Es la época perfecta para unir ambos géneros.
La ruptura del mundo cartoon al mundo real en el corto de Roger con el que empieza la película, te deja fuera de juego por el realismo de las imágenes. Nunca antes actores reales y animados habían compartido pantalla con tanta precisión. Y si bien es mérito de los animadores (Richard Williams realizó una labor titánica) y de los técnicos de la ILM, también hay que reconocer el gran trabajo de los actores, enfrentados a actuar frente a la nada y que hacen que nos creamos sus interacciones con personajes animados. Hoskins está fantástico como ese detective privado venido a menos. Y es increíble como llega a haber química entre Valiant y Roger, algo que sobre el papel parecería imposible. Es uno de los muchos logros de la película.
Y es que ¿Quién engañó a Roger Rabbit? es todo un hito del cine y una de las películas más complejas de la historia (merece la pena ver su making of para comprender lo titánico que fue rodaje). Sólo pensar como lograron juntar tantos personajes de diferentes productoras te hace explotar la cabeza por la dificultad de la misión. Y el perfeccionamiento de la técnica de mezclar personajes animados con reales supuso un salto de gigante en el cine de animación y en el campo de los efectos visuales.
El tercio final es un desafío para los sentidos, no sólo tenemos el tramo de Dibullywood, además descubrimos el genial plan de Doom y la revelación que éste es en realidad un dibu malvado (el único), y todo concluye con la reunión de los personajes animados más populares compartiendo pantalla. ¿Qué más se pude pedir?
Hablando del Juez Doom, es uno de los grandes villanos de los ochenta, un misterioso dibu del que nunca conoceremos su identidad (un acierto del guión). Hay varias pistas que nos hacen prever que es un dibu, su ropa siempre se mueve como empujada por el viento (mientras que no sucede con el resto de personajes), nunca parpadea, y en la escena del bar se aparta de "el baño" cuando Valiant lo derrama.
Y Roger por su parte, tal vez nunca alcance el carisma de Bugs Bunny o del Coyote, pero consigue nuestras simpatías con una mezcla de corazón y excentricidad, que le convierten en un gran dibu.
La película consagró a Zemeckis como uno de los grandes directores del siglo XX, algo que ya había demostrado con Regreso al futuro. Su puesta en escena es elegante, ingeniosa y de precisión milimétrica. Denota lo buen director que es en el simple (y clásico) plano que la cámara recorre el despacho de Valiant y nos cuenta sólo con imágenes y sin palabras, su pasado.
La película revitalizó la animación Disney en clara decadencia en los ochenta, devolviéndola al éxito de primer orden. Después vendrían La sirenita (1989), La bella y la bestia (1991) o Aladdín (1992), pero antes llegó esta película.
¿Quién engañó a Roger Rabbit? es, y siempre será, el referente de película que aúna imagen real y animación. Zemeckis nos brindó una de las joyas del entretenimiento de los ochenta, muchas veces imitada, pero nunca igualada. Tiene de todo, comedia, cine negro, notas de terror, es una original buddy movie y es puro cine de animación. Tan loca como Tex Avery y tan divertida como los Looney Tunes. No es sólo una buena película, es que le han dibujado así. Y básicamente, eso es todo amigos.

CURIOSIDADES
Kathleen Turner estaba embarazada de nueve meses cuando grabó la voz de Jessica Rabbit.
El túnel que conduce a Toon Town es el mismo túnel visto en Regreso al futuro II (1989), también dirigida por Robert Zemeckis. Se encuentra en el Parque Griffith (Los Angeles).
Está incluida en el libro "1001 películas que debes ver antes de morir" de Steven Jay Schneider.
La mayoría de frases del Pato Donald fueron grabadas por Tony Anselmo, quien le puso voz desde 1985, pero se utilizó una grabación de Clarence Nash (la voz original de Donald) para el comienzo de su escena con el Pato Lucas. Sólo se acreditó a Anselmo en la película.
Es al supervisor de efectos visuales Ken Ralston a quien vemos como el Juez Doom corriendo en Dibullywood, cuando Eddie Valiant le dispara balas animadas.
Los tres ingredientes de "el baño" que mata a los dibus, son trementina, acetona y benceno, que son disolventes de pintura.
Se llegaron a escribir más de cuarenta versiones del guión, en algunos Jessica Rabbit y Baby Herman llegaron a ser los villanos.
En una de las versiones del guión, Eddie debía convertirse en un dibu en la secuencia de Dibullywood. La escena fue producida, lo que requirió siete semanas de trabajo para los animadores, pero no fue usada.
Una de las fotos de la billetera de Roger Rabbit de él cenando con Jessica, muestra varias caricaturas en las paredes del restaurante de diversos cineastas, entre ellas se pueden encontrar la de Robert Zemeckis, Steven Spielberg, Richard Williams y Mickey Mouse.
Una precuela con el título de "Toon Platoon" se planteó, pero nunca paso de la fase de desarrollo.
Robert Zemeckis mantiene el modelo stop-motion del Juez Doom aplastado en su oficina.
La canción "The Lazarus Heart" de Sting fue escrita originalmente para la película y se utilizaría en el final que mostraba la muerte de Roger, tal y como sucede en la novela. El final se cambió por uno positivo y se suprimió la canción de Sting que acabó en su álbum "...Nothing Like the Sun".
El storyboard del dueto a piano entre el Pato Donald y el Pato Lucas fue realizado por Richard Williams y Chuck Jones, que trabajaba como consultante. Williams dibujó a Donald y Jones a Lucas.
Es la única película que ha reunido a los personajes animados de Disney y Warner Bros.
El cameo de Joel Silver, como el director del corto de Roger y Baby Herman, fue una broma de Zemeckis y Spielberg al jefe de Disney, Michael Eisner. Silver y Eisner se odiaban desde principios de los 80 por los problemas que habían surgido al realizar Límite: 48 horas (1982). Silver se afeitó la barba, pagó sus propios gastos y mantuvo su nombre fuera de todas las hojas de reparto iniciales. Cuando se terminó la película y le dijeron a Eisner quien interpretaba al director, éste dijo, "era bastante bueno."
Bob Hoskins (Eddie Valiant) y Charles Fleischer (Roger Rabbit) pusieron voz al personaje de Boris en la trilogía de Balto. Hoskins lo hizo en la primera parte y Fleischer en las dos siguientes entregas.
El Correcaminos y el Coyote, que aparecen al final de la película, no habían sido creados en el momento en el que se sitúa la película (1947). Los personajes fueron incluidos por insistencia de Spielberg. También se les puede ver, aunque sea sólo su silueta, en la puerta del ascensor cuando Valiant sube en él.
El hijo pequeño de Bob Hoskins dejo de hablarle durante dos semanas tras ver la película, cuando finalmente le contó porqué, le dijo que no podía creer que su padre trabajara con personajes de dibujos animados y que no le permitiera conocerlos.
Aunque el título original de la película es una pregunta no se incluye ningún interrogante, ya que se considera mala suerte en el cine.
Algunos planos de Benny el taxi contienen un Eddie Valiant animado, en lugar de a Bob Hoskins.
En la versión original de la película, cuando Eddie y Jessica chocan con el taxi y salen volando, se puede apreciar en unos pocos fotogramas que Jessica no lleva ropa interior. Fue así editada en VHS y Laserdisc, pero tras descubrirse, dicho momento sería retocado en las posteriores ediciones de la película.
Chuck Jones recibió un crédito como "asesor de animación", pero repudió la película porque consideró algo erróneo que en una película su actor de carne y hueso obtuviera más simpatías que la estrella de dibujos animados. Según el animador, la película hacía gala de una incomprensión desagradable y estúpida de los viejos dibujos animados y que Zemeckis robó a Richard Williams cualquier aporte creativo. Además declaró que el director había arruinado la secuencia del piano que él y Williams habían planeado juntos. Al parecer, Zemeckis quería utilizar para el Pato Lucas la versión dibujada por Robert Clampett, pero por su parte, Jones quería utilizar la suya, ya que le desagradaba la de Clampett. Al final Zemeckis se salió con la suya y esa fue una de las razones por las que Jones declaró su enfado hacía la película.
Lou Rawls iba a ser la voz de Benny el taxi hasta que Charles Fleischer fue contratado.
Trabajaron en la película 326 animadores a tiempo completo y se dibujaron a mano 82.080 láminas de animación. Richard Williams estima que se hicieron más de un millón de dibujos para la película en total.
Jessica Rabbit no había sido dibujada por los animadores cuando la fotografía principal terminó, por lo que Bob Hoskins no sabía durante el rodaje como sería el personaje. Zemeckis le dijo a Hoskins que se imaginara su fantasía sexual ideal. Más tarde Hoskins declaró que su imagen mental era menos atrevida que la definitiva Jessica Rabbit.
La canción final, "Smile, Darn Ya, Smile" fue grabada por la mayoría de los animadores haciendo las voces de sus personajes.
En la novela Baby Herman tiene treinta años, y en la película tiene cincuenta.
La autopista que desea crear el Juez Doom es la misma Interestatal 10 actual de Los Angeles.
Richard Williams le gustó tanto el personaje de Baby Herman, que insistió en animar prácticamente cada fotograma del personaje personalmente.
Spielberg declaró que de todas las películas en la que ha participado como productor y no como director, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? es su favorita.
Simon Wells, director de Balto (1995) y El príncipe de Egipto (1998), participó en la película como supervisor de animación.
El gag del pelícano cayéndose con su bicicleta no estaba previsto. Originalmente, sólo debía pasar por delante de la cámara, pero los técnicos de efectos no consiguieron mantener la bicicleta real en posición vertical, así que se decidió que se dejara caer y después animarían al pelicano perdiendo el equilibrio.
Originalmente había una secuencia en la que participarían Popeye y Pluto, pero finalmente fue descartada.
Richard Williams le puso voz a Droopy.
Se llegó a filmar una escena en la que Marvin Acme habla con Jessica Rabbit en su camerino, con tres minutos de animación completa que no se llegó a usar en el montaje final. Según Frank Marshall se cortó por cuestiones de tiempo y ritmo.
Para el diseño de la cocina del cartoon con el que comienza la película, se tomaron como referencia los cortos de Tom y Jerry de los años 40.
Los exteriores de los Maroon Cartoon Studios fueron filmados en los Ren-Mar Studios en Hollywood.
El guión toma el argumento de una secuela de Chinatown (1974) ideada por Robert Towne y nunca rodada, de titulo previsto "Cloverleaf", y en la que también se hablaba sobre la corrupción alrededor de la construcción de las autopistas en Los Angeles y como el sistema de tranvías fue socavado. Esta historia se basa en la supuesta conspiración real de General Motors que tuvo lugar entre los años 30 y 50, por la cual la compañía junto con otras corporaciones privadas, compraron las redes de tranvías para sustituirla por autobuses e impulsar la industria del automóvil.
En su momento fue la película con los títulos de crédito más largos de la historia.
En la escena en la que Eddie Valiant y Roger llegan a los Maroon Studios para interrogar a Maroon, cuando Bob Hoskins dijo sus frases miró hacia delante y no hacia el suelo a la hora de hablarle al conejo. Para corregirlo los animadores pusieron a Roger de puntillas contra la pared.
El camión contra en que Eddie Valiant choca en Dibullywood lleva un rótulo que dice "Gags de ACME sobreutilizados".
Cuando el tren animado choca contra la máquina de Doom, cada ventana del tren muestra una muerte o un asesinato.
Robert Zemeckis utilizó el kart de Benny el taxi en el rodaje de Regreso al futuro III (1990). En algunos planos en los que Marty McFly es arrastrado por un caballo en realidad era arrastrado por el kart de Benny.
La lista completa de los personajes animados que aparecen en la película según cada estudio es la siguiente. De Disney [Mickey Mouse, Minnie Mouse, el Pato Lucas, Pluto, Goofy, Bambi, Campanilla, Elmer el elefante, Jose Carioca, Peter Pig, Caperucita Roja, Pete el malo, Horace, Clarabelle, los tres cerditos y el lobo feroz, Pinocho, Pepito Grillo, Dumbo, la Señora Dumbo, Casey, Jr. y los cuervos de Dumbo (1941), Blancanieves, los siete enanitos y la bruja de Blancanieves y los siete enanitos (1937), los merry dwarfs del corto The Merry Dwarfs (1929), el Señor Sapo y su caballo Cyril de Sleepy Hollow y el Señor Sapo (1949), los pingüinos de Mary Poppins (1964), las escobas, los cupidos, el bebé Pegaso, una avestruz, y un hipopótamo de Fantasía (1940), Br'er Bear, las marmotas y Tar Baby de Canción del sur (1946), Peter de Música, maestro (1946), Ferdinand del corto Ferdinand el toro (1938), los esbirros de Maléfica de La bella durmiente (1959), el dragón y Sir Giles de El dragón chiflado (1941), el arpa cantora de Las aventuras de Bongo, Mickey y las judías mágicas (1947), Chicken Little del corto Chicken Little (1943), Monte el Pelícano del corto The Pelican and the Snipe (1944), Wynken, Blynken y Nod del corto Wynken, Blynken y Nod (1938), los huérfanos de Mickey del corto La gala benéfica para los huérfanos (1934), Jenny Wren del corto Who Killed Cock Robin? (1935), las flores y árboles del corto Flores y árboles (1932), los animales del corto Johnny Appleseed (1948), Danny el cordero de Danny (1948), y Toby Tortoise, Max Hare, y las conejas del corto La liebre y la tortuga (1935)]. De Warner Bros. (Bugs Bunny, el Pato Lucas, Porky, Piolín, Silvestre, Yosemite Sam, el Gallo Claudio, Marvin el marciano, el Correcaminos, el Coyote, Marc Anthony el bulldog del corto Feed the Kitty (1952), Sam Perro Pastor del corto Don't Give Up the Sheep (1953) y Speedy Gonzales). De Max Fleischer y Paramount (Betty Boop y Koko el payaso). De Walter Lantz (el Pájaro Loco). Y de MGM (Droopy).
Cuando Roger canta en el bar y dice, "¿Quién es tu sastre Quasimodo?", originalmente imitaba a un jorobado, pero los editores cortaron ese momento.
El supervisor de animación Russell Hall le dio a los pechos de Jessica Rabbit un bote inusual, para ello invirtió los movimientos naturales de sus pechos cuando camina. Cuando deben botar hacia arriba lo hacen hacia abajo y viceversa.
Los nombres de las comadrejas, los cuales no son mencionados en la película son, Smart Ass (el líder con el sombrero), Psycho (el que lleva una camisa de fuerza), Stupid (el de la camisa a rayas), Greasy (el que viste de verde) y Wheezy (el fumador).
El corto de Goofy que Eddie y Roger ven en el cine es Goofy Gymnastics (1949), el cual vio la luz dos años después del año en que transcurre la película. Los miembros del equipo justificaban el anacronismo porque el corto era lo más loco que pudieron encontrar en los archivos de Disney.
Cuatro frases se repiten en esta película y en Regreso al futuro (1985), son, "No te escuché entrar", "Eres un espectáculo para unos ojos cansados", "Voy a embestirlo" y "Hasta donde alcanza la vista".
Inicialmente el Juez Doom tenía un buitre animado en su hombro y era acompañado por siete comadrejas (como si de los Siete Enanitos se tratase, eran Greasy, Sleazy, Wheezy, Smartass, Psycho, Stupid y Slimy.). Además tendría un jurado formado por canguros. Todas estas ideas fueron descartadas, aunque se redujo el número de comadrejas a cinco, porque la animación de estos personajes adicionales sería muy costosa. Además en las primeras versiones del guión se revelaba que Doom era quien asesinó a la madre de Bambi.
La cara de Felix el Gato aparece como las máscaras de la tragedia y la comedia en la entrada del túnel a Dibullywood. Además se puede ver una foto de R. K. Maroon con el personaje animado en su despacho.
El guión contenía una escena del funeral de Marvin Acme, que fue cortada en pre-producción. Tenía lugar en el Forest Lawn Memorial Park y se incluirían multitud de cameos de personajes animados, entre otros los de Popeye, Olivia, Brutus, Superman, Lois Lane, Casper, la Ardilla Loca, Super Ratón, la pequeña Lulú, Felix el Gato, Tom y Jerry, Chip y Chop, Winnie the Pooh, Tiger, Alicia, el Sombrerero Loco, Peter Pan y Wendy. En algunos casos no se pudieron conseguir los derechos de los personajes.
La fotografía que Valiant toma de Jessica Rabbit y Marvin Acme haciendo palmitas fue realizada durante la pre-producción y muestra a un diseño de Jessica anterior al finalmente visto en la película.
En la primera escena con R.K. Maroon hay en su oficina un póster de un cartoon titulado "Pistol Packin' Possum" en la que un personaje empuña un arma que apunta en dirección de Maroon, presagiando su muerte por un disparo. Además el personaje tiene unos ojos rojos como los del Juez Doom.
El cine de Los Angeles en el que se ocultan Valiant y Roger realmente es el State Cinema de Grays (Inglaterra).
Entre la selección de canciones que Valiant canta para hacer reír a las comadrejas hasta la muerte están los temas, "Jolson Medley", "Merry-Go-Round Broke Down", "Broadway Selection" y "Mickey's Melody".
La popular frase, "No soy mala. Es que me han dibujado así", fue elegida como la nº 83 entre "Las 100 grandes frases de película" por la revista Premiere en 2007.
Debido a que Mel Blanc tenía más de 70 durante la producción no podía ponerle voz a Yosemite Sam de forma adecuada, por lo que fue sustituido por Joe Alaskey.
Los tranvías de línea roja, eran realmente replicas de un tranvía eléctrico del Orange Empire Railway Museum y las vías eran tiras de metal puestas sobre el pavimento.

Labels: ,