tag:blogger.com,1999:blog-284032222024-03-27T17:09:18.282-07:00Películas de cultoRodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.comBlogger327125tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-5542307629289791162024-03-02T03:02:00.000-08:002024-03-02T15:25:11.636-08:00Fuga de Alcatraz<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbGKDCK3fI423pSpF15wNwIP0-lFLobQpACS_kGm6chNTWcz6zSQyW8FHU1tS6kWiM_1XrcRMipe9Kz2gEj6YFiDnjGGXoWMBEJ8llEbQc85-P9-bB1tyHNI8IWP0Xgze_JS9skDq00_mzDVvlacDkFf4_eNXI0bSkD7A2giRCmwcKLr9SdlE/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%201.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="501" data-original-width="700" height="286" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgbGKDCK3fI423pSpF15wNwIP0-lFLobQpACS_kGm6chNTWcz6zSQyW8FHU1tS6kWiM_1XrcRMipe9Kz2gEj6YFiDnjGGXoWMBEJ8llEbQc85-P9-bB1tyHNI8IWP0Xgze_JS9skDq00_mzDVvlacDkFf4_eNXI0bSkD7A2giRCmwcKLr9SdlE/w400-h286/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%201.jpg" width="400" /></a></div></div><i><div style="text-align: justify;"><i>"Bienvenido a Alcatraz."</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Frank Morris es enviado a la prisión de Alcatraz, pronto comenzará a planear su fuga.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>LA GRAN EVASIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">La prisión de Alcatraz, situada en la bahía de San Francisco, fue abierta en el año en 1934 y clausurada en 1963. En ella cumplieron condena criminales tan populares como Al Capone, James 'Whitey' Bulger, Alvin Karpis o Robert Franklin Stroud (también conocido como “El hombre pájaro").</div><div style="text-align: justify;">El cine ha contado muchas historias teniendo a la prisión como epicentro de las mismas (algunas basadas en hechos reales), dando pie a películas que han aumentado su fama y misticismo, como <b>El hombre de Alcatraz</b>, <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/04/la-roca.html" target="_blank">La Roca</a></b>, <b>Homicidio en primer grado</b>, siendo <b>Fuga de Alcatraz</b> (Escape from Alcatraz, 1979) la mejor de todas ellas.</div><div style="text-align: justify;">La prisión vivió catorce intentos de fuga, y se supone que la única que terminó en éxito fue la llevada a cabo por Frank Morris y los hermanos Anglin en 1962, y digo se supone, porque la versión oficial dictaminó que se ahogaron, aunque nunca se encontraron los cuerpos. </div><div style="text-align: justify;">Al año siguiente, J. Campbell Bruce publicó el libro <b>"Escape from Alcatraz" </b>sobre la historia de la prisión, donde se relataban los distintos intentos de fuga, incluida la realizada por Morris y compañía. En 1964, Campbell le envío el libro al director Don Siegel con idea de convertirlo en película. Éste le contestó mediante una carta que el libro necesitaría bastante trabajo para llevarlo al cine.</div><div style="text-align: justify;">Richard Tuggle (<b>En la cuerda floja</b>) se hizo eco de la famosa fuga de Morris durante una visita a la isla, donde un guía le contó la historia. No sería hasta tres años después, que Tuggle quiso convertirla en un guión de cine, en un momento en el que se quedó sin trabajo en una revista de salud en la que era editor. Encontró el libro de Campbell, que tomó como guía. Tuggle se reunió con éste e hizo un trato con él, bajo el cual recibiría un porcentaje de las ganancias si lograba vender el guión. Tuggle quiso saber quien tenía los derechos de su adaptación al cine, y como el libro estaba agotado, exigía mucho papeleo y daban por sentado que no podría vender el guión, la editorial McGraw-Hill se los dio gratis, algo impensable a día de hoy. Después de eso, Tuggle recurrió a otro libro, éste de escritura de guiones (nunca había escrito ninguno) y por fin pudo trabajar en el libreto. Lo hizo en San Francisco, desde un apartamento desde el que veía la isla de Alcatraz. Buscó información en el FBI y en la oficina de prisiones, tratando de recomponer como se realizó la fuga, gracias también al libro de Campbell. Después de seis meses completó el guión y se mudó a Los Angeles.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitrUs7O7yiluyM-Gfb3NrGgV5JhvpQwkJVtUW78F-sTtgzIb8HiHDwCvnUkt82VCZzYu4FnzkakKwtYc0LBOKVqjyO8R8iotFfg1PybD-ZKKyuSSDc_y5ujKlIheIIAdhbyUuLaMo2Pr2cl-vW0ip7LSFMFr8zodFHX20L_FqrzJzzafdx_2U/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%202.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="391" data-original-width="700" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitrUs7O7yiluyM-Gfb3NrGgV5JhvpQwkJVtUW78F-sTtgzIb8HiHDwCvnUkt82VCZzYu4FnzkakKwtYc0LBOKVqjyO8R8iotFfg1PybD-ZKKyuSSDc_y5ujKlIheIIAdhbyUuLaMo2Pr2cl-vW0ip7LSFMFr8zodFHX20L_FqrzJzzafdx_2U/w400-h224/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%202.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Una vez en la ciudad angelina, Tuggle consiguió gracias al "Gremio de escritores" un listado de agentes que aceptarían recibir su guión (no eran precisamente los mejores de la ciudad). Trató de hacérselo llegar a todo el mundo en Hollywood, pero le dieron con la puerta en las narices una y otra vez. Así que al final decidió enviarle el guión al director Don Siegel. Según contaba Siegel, Campbell le había mostrado a Tuggle la carta que le había enviado años atrás. Además Siegel había rodado anteriormente en San Francisco, y al guionista le gustaba su película carcelaria <b>Motín en el pabellón 11</b> (1954). Todo hacía presagiar que Siegel era el director perfecto.</div><div style="text-align: justify;">Tuggle llamó a Lenny Hirshan, el agente de Siegel, y le habló de su guión. El director lo recibió a finales de marzo de 1978, y le gustó de inmediato, pero inicialmente estaba comprometido con rodar <b>Das Boot</b> en Alemania. Siegel creyó que el personaje de Frank Morris era perfecto para Clint Eastwood y le envió el guión. Al actor le interesó el proyecto, y quiso que fuera su siguiente película. Pero quería también ser el productor bajo su sello Malpaso, esto le convertiría en el jefe, pero Siegel quería que esta película fuera suya, y no estaba de acuerdo con Eastwood. El director tomó una decisión que lo convertiría en el máximo responsable de la película, compró personalmente el guión de Tuggle a cambio de 100.000 dólares. Esto provocó una pelea entre Eastwood y Siegel, y el segundo decidió llevar el proyecto a Paramount en lugar de a Warner, estudio con el que Eastwood tenía un acuerdo. Curiosamente el guión ya había sido rechazado previamente por Paramount, pero aceptaron el nuevo guión.</div><div style="text-align: justify;">El proyecto de <b>Das Boot</b> se retrasó, lo que le dio la oportunidad a Siegel de hacerse cargo de <b>Fuga de Alcatraz</b> de forma inmediata (finalmente sería Wolfgang Petersen quien dirigiría <b>Das Boot</b>).</div><div style="text-align: justify;">Siegel comenzó a buscar otros actores para dar vida a Frank Morris, pero ninguno encajaba, y en Paramount le convencieron para que cediera y aceptase las condiciones de Eastwood (el estudio sabía que éste era un valor seguro para la taquilla). Actor y director hicieron las paces y de esa forma la película sería producida por The Malpaso Company (aunque Eastwod y Siegel jamás volvieron a trabajar juntos).</div><div style="text-align: justify;">Eastwood aportó sus propias ideas al guión, y según confesaba Siegel, éste mejoró mucho.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Con Eastwood encargándose de dar vida a Frank Morris, era necesario ensamblar al resto del reparto. Aunque Eastwood acostumbraba a trabajar con su troupe habitual de actores, para <b>Fuga de Alcatraz</b> decidió buscar a interpretes con los que no hubiera trabajado antes. Así el reparto se formó por sólidos actores de carácter.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTtlJ1SyJ7PxAZ6RRzeizN4TPgcu_VH1aCqzaACbfGey8CO6bOEbRNwhqUlArsqymsQ7ZbJNnGWpUCdcF6QOsJ0tGU5RU8DqMh4-xsTiuVSh4-_x_RIAZXiTI4E8-vlvGHQUDkZatQ90vKt9Tq0ogX6VBzKnn5b0gIxXIol4v4KK_9JuUCx4k/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%203.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="391" data-original-width="700" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTtlJ1SyJ7PxAZ6RRzeizN4TPgcu_VH1aCqzaACbfGey8CO6bOEbRNwhqUlArsqymsQ7ZbJNnGWpUCdcF6QOsJ0tGU5RU8DqMh4-xsTiuVSh4-_x_RIAZXiTI4E8-vlvGHQUDkZatQ90vKt9Tq0ogX6VBzKnn5b0gIxXIol4v4KK_9JuUCx4k/w400-h224/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%203.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Patrick McGoohan dio vida al alcaide de Alcatraz Warden Arthur Dollison, Roberts Blossom interpretó a Chester 'Doc' Dalton, Jack Thibeau y Fred Ward encarnaron a los hermanos Anglin (compañeros de fuga de Morris), Larry Hankin dio vida a Charley Butts (quien completa el grupo que trata de fugarse con Morris), en Paul Benjamin recayó el papel del recluso English, Bruce M. Fischer se hizo con el papel del odioso Lobo, y Frank Ronzio interpretó al preso Tornasol.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal de la película comenzó el 16 de octubre de 1978 y se completó en enero de 1979. Tuvo lugar en la propia isla de Alcatraz, y sólo salieron de ella para rodar en los Paramount Studios, donde se crearon algunas celdas. </div><div style="text-align: justify;">La idea de Siegel siempre fue rodar en la isla de Alcatraz. Se reunieron con la "Comisión de Parques y Recreación" para conseguir los permisos, donde les advirtieron que habría visitas de turistas cada treinta minutos, lo que no habría hecho posible el rodaje. Al final la negociación fue sobre ruedas, ya que Eastwood hizo uso de su encanto con los miembros de la comisión, la mayoría mujeres, y gracias a su intervención buscaron la forma de rodar en la famosa isla (aunque no fue un rodaje exento de problemas).</div><div style="text-align: justify;">Por una parte, el estado de la prisión era pésimo por su desuso. Por lo que Paramount tuvo que gastarse cerca de 500.000 dólares en renovarla y hacer viable el rodaje (por ejemplo no había calefacción), y hacer creíble el estado de la prisión en la época exacta que narra la película. Además, para tener electricidad, tuvieron que conectar la prisión a la red eléctrica de San Francisco mediante 25 kilómetros de cable.</div><div style="text-align: justify;">Entre el 20 de noviembre de 1969 y el 11 de junio de 1971, la isla de Alcatraz fue tomada por un grupo de nativos estadounidenses y varios partidarios suyos, a modo de protesta. Durante dicha ocupación éstos hicieron graffitis por toda la isla. Cuando llegó la hora de rodar, esos graffitis eran incongruentes con el momento en que acontecía la historia (1962), por lo que se vieron obligados a taparlos. Como la "Comisión de Parques y Recreación" los consideraba parte de la historia de la isla, no podían ser borrados, así que la producción los ocultó con una pintura soluble al agua, la cual retiraron una vez concluyó el rodaje. Tampoco les permitieron utilizar agua salada para crear efectos de lluvia, para así evitar problemas de erosión en las instalaciones.</div><div style="text-align: justify;">Uno de los problemas que se encontraron durante el rodaje, fue el duro clima que había en la isla, actores y equipo lo sufrieron en sus carnes, sobre todo durante las tomas nocturnas.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7Fn37PbXcgOHK9_Ee0hZXFDHQRF7oiYDQNaY94g7jASOzJgTXpRtciQSkMNrJBq_O6S44WSvep437EWMnRvdAQQwcjrOEut3a1M3wwgRYUjU277IOrtDJn7AcoxblsTYqnJq5E182KW3Mr67ypLQJtDWfQ6IvPIQAlzONw1o4eR_G0xetRh0/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%204.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="391" data-original-width="700" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7Fn37PbXcgOHK9_Ee0hZXFDHQRF7oiYDQNaY94g7jASOzJgTXpRtciQSkMNrJBq_O6S44WSvep437EWMnRvdAQQwcjrOEut3a1M3wwgRYUjU277IOrtDJn7AcoxblsTYqnJq5E182KW3Mr67ypLQJtDWfQ6IvPIQAlzONw1o4eR_G0xetRh0/w400-h224/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%204.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Al final las visitas con turistas se siguieron produciendo mientras rodaban la película. Éstos se llevaban la sorpresa de encontrarse con Clint Eastwood rodando una película en el lugar. El actor intercedía a hablar con ellos para que les permitieran rodar, a cambio de firmar autógrafos y hacerse fotos. Pero ni por esas conseguían rodar con una cierta normalidad, así que al final se tomó la decisión de configurar muchas escenas durante la noche, en horarios en los que los turistas ya no se encontraban en la isla.</div><div style="text-align: justify;">No se usaron dobles en la película, todos los actores hicieron sus propias escenas de riesgo, incluidas las peleas.</div><div style="text-align: justify;">Originalmente la película terminaba con el plano de la cabeza falsa creada por Morris, y no se incluía la escena en la que el alcaide se encuentra un crisantemo en la isla Ángel (hasta la que supuestamente llegaron los tres fugados), y en la que no crece esta flor. Habían filmado esta escena e Eastwood prefería terminar la película con ella, Siegel se encontraba rodando <b>Golpe audaz</b> (1980), y según contaba Tuggle, el director le dio el beneplácito al actor para que la incluyera.</div><div style="text-align: justify;">La película se estrenó en Estados Unidos el 22 de junio de 1979, y resultó ser un éxito de taquilla y crítico. Amasó en su país de origen 43.000.000 de dólares, una cifra excelente para una producción que había costado sólo 8 millones de dólares.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Fuga de Alcatraz</b> es una de mis películas favoritas de los setenta, y una de las películas más redondas de las respectivas carreras de Eastwood y Siegel. Fue su última película juntos, y no podría haber sido mejor.</div><div style="text-align: justify;">La película empieza de una forma sensacional, con la gran presentación de Morris, en su llegada a "La Roca", y que culmina con ese: <i>"Bienvenido a Alcatraz"</i>. Además de servir para introducir al protagonista, también sabemos gracias a esas lluviosas y oscuras imágenes, lo dura que será la vida allí, y lo difícil que puede resultar una fuga en ese lugar.</div><div style="text-align: justify;">Al contar la historia desde el punto de vista de Morris, vamos conociendo al mismo tiempo que él a los demás reos, y descubriendo como funciona la prisión. Y desde el primer momento vemos que Morris es alguien especial y que a la mínima tratará de fugarse. En su primera reunión con el alcaide le roba un cortauñas, y pronto comienza a hablar con los reclusos de las posibilidades de una fuga. Alcatraz no es lo suficientemente hermética para retenerle dentro.</div><div style="text-align: justify;">La película sabe cómo hacer que simpaticemos con el personaje de Morris, por ejemplo, metiendo al típico personaje que se emperra en hacerle la vida imposible (Lobo), y al que le da su merecido. Pero está bien introducido, porque la pelea entre ambos es la que provoca que Morris acabe con su culo en el bloque D, esa mala experiencia es una de las motivaciones para querer escaparse de la prisión. Y la liberación de Lobo poco antes de la fuga, le imprime unas dosis de tensión extra al tercer acto, ya que Morris tiene otra razón para fugarse, evitar que éste le mate.</div><div style="text-align: justify;">Lo que siempre me ha fascinado de la película es que por imposible que sea la tarea que tienen por delante Morris y sus compañeros, sabemos que realmente lo consiguieron, sin importar si al final se ahogaron o no, llevaron a cabo una fuga increíble, y la película nos hace partícipe de ella, contándonos de forma minuciosa cada detalle de la misma, y resulta una gran experiencia. Es una historia más grande que la vida.</div><div><div style="text-align: justify;">Una de las razones por las que nos gusta la película, es que sabemos que Morris es un hombre inteligente y respetamos esa inteligencia, y nos gusta ver cómo se las arregla a cada paso para lograr que su plan de fuga salga adelante.</div><div style="text-align: justify;">Me encanta como el guión resuelve algunas escenas siempre tirando de ingenio, como, por ejemplo, el momento en el que Morris tiene que sacar del taller una cuña metálica, y lo consigue al pasar por el detector de metales con dos cuñas, una que le quitan los guardias y otra que logra ocultar en su zapato. O el momento en el que mete en el maletín de su acordeón un ventilador, que después utilizará como taladro, y que consigue ocultar ante los guardias, al ofrecerse a que le revisen su maletín en un control, lo que les hace pensar que no oculta nada, y le dejan marchar.</div><div><div style="text-align: justify;">Tiene momentos de tensión excelentes, como ese que implica a Doc con el hacha en la mano, y que no sabemos hasta el último momento, que en lugar de atacar al guardia, lo que va a hacer es cortarse los dedos de la mano. O ese instante durante una de las incursiones de Morris por los interiores de la cárcel, en el que un guardia se percata que éste no se mueve en la cama (el protagonista ha puesto una cabeza falsa en su lugar), y cuando a va tocarle, Morris aparece en su cama (Siegel nos hace creer que todo se va a ir al traste, pero inteligentemente nos sorprende con el regreso de Morris fuera de cámara).</div><div><div style="text-align: justify;">Pero la película me gana por pequeños momentos, uno que me encanta, es ese instante antes de la fuga, en que Morris se despide English, simplemente respondiendo a su "Hasta luego" con un "Adiós". Al segundo no le hace falta más para saber que no volverá a ver a su amigo. Y es fantástico ese diálogo entre Charley Butts y Morris, en el que el primero le pregunta: <i>"¿Cómo fue tu infancia?"</i>, y el segundo le responde: <i>"Corta."</i> Lo dice todo del protagonista con muy poco.</div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiahTSRn4FfFm8ZuoILm_IUCpxKl6MJnRu11jg6j591nyMFee68tjP3S8uX6XNDE1mYZwRxUGV-m0TnRCChc8953GSQcSWeUmYKtn05H-MPyt22SLGSsI3gh-VdUlWiKQVy3-9UjFiujhetsXSeI0czFHJ9vQCEN3iboN_pPPA5EqPNz1BGLA8/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%205.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="391" data-original-width="700" height="224" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiahTSRn4FfFm8ZuoILm_IUCpxKl6MJnRu11jg6j591nyMFee68tjP3S8uX6XNDE1mYZwRxUGV-m0TnRCChc8953GSQcSWeUmYKtn05H-MPyt22SLGSsI3gh-VdUlWiKQVy3-9UjFiujhetsXSeI0czFHJ9vQCEN3iboN_pPPA5EqPNz1BGLA8/w400-h224/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Fuga%20de%20Alcatraz%205.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Y es curioso como se las arregla la película para convertir al alcaide en el villano de la función, cuando los protagonistas son todos unos peligrosos criminales, y consigue que nos pongamos de parte de ellos. Patrick McGoohan compone un meticuloso alcaide, emperrado en que los presos cumplan su condena, sin importarle que si se reinsertan en la sociedad, y mediante algunos detalles la película consigue que le odiemos, como al prohibirle a Doc que pueda pintar, o enfurecer tanto a Tornasol que le provoca un ataque al corazón.</div><div style="text-align: justify;">Los personajes están muy bien definidos, y la película se toma su tiempo en presentarlos a todos y en crear interesantes interacciones entre ellos. Y los actores resultan ser perfectos para cada papel. Eastwood como siempre está formidable dando vida a un tipo duro, y lleva el peso de la película con total convicción. El mencionado McGoohan crea un villano memorable. Fred Ward da muestras del carisma que le acompañaría en el resto de su carrera. Y actores como Roberts Blossom, Paul Benjamin, Larry Hankin y Frank Ronzio parece que hayan nacido para dar vida a los personajes que interpretan.</div><div style="text-align: justify;">Y el final de la película me parece perfecto, con el alcaide encontrando el crisantemo. Por una parte, se puede suponer que los tres fugados se han ahogado, pero por otra, el que aparezca la flor en otra isla nos insinúa que Morris y los Anglin tuvieron éxito en su fuga. Es un final abierto que deja en manos del espectador decidir qué ha sucedido.</div><div style="text-align: justify;">La idea de introducir la flor en la escena final me parece brillante y tiene sentido acabar con ella la película. Doc se la pasa a Morris (que representa para el primero aquello que no pueden arrebatarle, la esperanza, pero que desgraciadamente termina perdiendo), y esa flor pasa a representar la esperanza de Morris de salir de la cárcel, y el que el alcaide la encuentre da a entender que ha salido victorioso (al menos moralmente).</div><div><div style="text-align: justify;">Y ese es el tema de la película, la esperanza, y como no debemos perderla por nada en el mundo, aunque en ocasiones cueste hacerlo. Es lo que motiva a Morris a vivir, largarse de Alcatraz cueste lo que cueste, esa idea le hace superar todas las pruebas y dificultades que se le presentan.</div><div style="text-align: justify;">La película transmite ese aire de cine duro y áspero de los 70. La historia está contada de una forma eficaz sin demasiadas florituras, pero se nota obra de un narrador nato. Y es que Siegel rueda la película con su buen oficio de siempre, sin grandes alardes, manteniendo siempre una gran naturalidad y verosimilitud, lo que ayuda a que nos creamos lo que sucede ante nuestros ojos.</div></div></div></div><div style="text-align: justify;">El director cerró con <b>Fuga de Alcatraz</b> una década de los setenta fabulosa, en la que realizó títulos tan destacados como <b>Dos mulas y una mujer</b> (1970), <b>El seductor</b> (1971), <b>Harry el Sucio</b> (1971), <b>La gran estafa</b> (1973), y <b>El molino negro</b> (1974).</div><div style="text-align: justify;"><b>Fuga de Alcatraz</b> es una película tan sólida como la propia "La Roca". Una obra cumbre dentro de las carreras de Eastwood y Seagal. Y de lo mejor del cine de los setenta y del género carcelario. Pasar estas dos horas en Alcatraz no son ninguna condena, si no todo un placer para un amante del cine.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Clint Eastwood ya había visitado Alcatraz en la película <b>Harry el ejecutor</b> (1976).</div><div style="text-align: justify;">Mientras rodaba en los estudios de Paramount <b>Fuga de Alcatraz</b>, a Siegel le ofrecieron rodar <b>Golpe audaz</b> (1980), que terminaría siendo su siguiente película. </div><div style="text-align: justify;">Primera película de los actores Danny Glover y Carl Lumbly.</div><div style="text-align: justify;">Clint Eastwood y el guionista Richard Tuggle trabajaron juntos <b>En la cuerda floja</b> (1984), dirigida y escrita por Tuggle.</div><div style="text-align: justify;">Hay una escena incluida en el guión que nunca se llegó a rodar, en la que Morris se encuentra en su celda durante las Navidades, y tiene un caramelo que le han entregado, al igual que al resto de los reclusos, cuando le quita el envoltorio se le cae y va a parar fuera de su celda y no consigue alcanzarlo.</div><div style="text-align: justify;">Fue la quinta y última colaboración entre Clint Eastwood y Don Siegel.</div><div style="text-align: justify;">Fred Ward hizo una parodia de su papel en esta película en <b>Agárralo como puedas 33 1/3: El insulto final</b> (1994).</div><div style="text-align: justify;">El personaje de Charley Butts se basa en el preso Allen West, compañero de fugas de Morris, quien a diferencia de lo que muestra la película, no llegó a fugarse, no porque le entrara el miedo y se retrasara, sino porque la noche de la fuga no logró quitar la rejilla de la ventilación de su celda, y los otros tres presos tuvieron que dejarle atrás.</div><div style="text-align: justify;">La película de guerra que los protagonistas ven en la prisión es <b>Comando</b> (1962), dirigida por Don Siegel.</div><div style="text-align: justify;">Quentin Tarantino le dedica a la película un capítulo en su libro <b>"Cinema Speculation"</b>.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BILIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>A Siegel Film: An Autobiography</b> (Don Siegel, 1993)</div><div style="text-align: justify;"><b>Cinema Retro Magazine</b> (Nº 15)</div><div style="text-align: justify;"><b>Clint: The Biography of Cinema's Greatest Ever Star</b> (Douglas Thompson, 2007)</div><div style="text-align: justify;"><b>Clint: The Life and Legend</b> (Patrick McGilligan, 1999)</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://www.imdb.com/title/tt0079116/" target="_blank"><b>IMDb</b></a></div><div style="text-align: justify;"><b>Reel Power: The Struggle for Influence and Success in the New Hollywood</b> (Mark Litwak, 1986)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.nationalgeographic.es/historia/alcatraz-una-prision-con-mucha-historia" target="_blank">Alcatraz, una prisión con mucha historia</a></b> (National Geographic, 3 oct 2011)</div><div style="text-align: justify;"><b>Clint Eastwood: Interviews</b> (Robert E. Kapsis y Kathie Coblentz, 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b>Clint Eastwood: A Biography</b> (Minty Clinch, 1995)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.alcatrazhistory.com/alcesc2.htm" target="_blank">The Great Escape from Alcatraz</a></b> (Alcatraz History)</div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-48577753472560717832022-07-02T12:41:00.005-07:002024-02-17T16:14:23.569-08:00Hombres de negro<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOXNiiKMcZQN4AlsIGpxYzc8Zsu7bhnmQmrs-Srtdebah8b4o2C6KfGBMMPJuFc9ptSLfBi-wh8d399AQYiZoSFjYLq-PFilQgPM53tnRJeYwzwVqjyIkUH8zLtzSknv67_lnx/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Hombres+de+negro+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="447" data-original-width="600" height="297" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgOXNiiKMcZQN4AlsIGpxYzc8Zsu7bhnmQmrs-Srtdebah8b4o2C6KfGBMMPJuFc9ptSLfBi-wh8d399AQYiZoSFjYLq-PFilQgPM53tnRJeYwzwVqjyIkUH8zLtzSknv67_lnx/w400-h297/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Hombres+de+negro+01.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Una organización secreta que se encarga de proteger a la Tierra de la existencia de extraterrestres y de sus amenazas, tiene que tratar de evitar la destrucción del planeta. </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: red;">Antes de comenzar el artículo, quiero agradecer la ayuda prestada por el actor</span> <a href="https://twitter.com/carelstruycken" target="_blank">Carel Struycken</a>, <span style="color: red;">con quien pude contactar y me habló sobre su participación en la película. Le envío un agradecimiento tan grande como el cinturón de Orión.</span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>LOS PROTECTORES DE LA TIERRA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Hombres de negro</b> (Men in Black, 1997) comenzó siendo un cómic creado por Lowell Cunningham, publicado entre 1990 y 1991. Sólo constó de seis números, los tres primeros fueron publicados por Aircel Comics, y los tres siguientes por Malibu Comics.</div><div style="text-align: justify;">Un agente envió el cómic a los productores Walter Parkes y Laurie MacDonald, y éste despertó su interés. En el verano de 1992, se hicieron con una opción sobre sus derechos para una adaptación cinematográfica. Cunningham recibió a cambio un cheque de seis cifras.</div><div style="text-align: justify;">El proyecto se terminaría convirtiendo en una producción Amblin, con el nombre de Steven Spielberg asociado a ella como productor ejecutivo, y sería distribuida por Columbia Pictures.</div><div style="text-align: justify;">Le ofrecieron escribir el guión a Shane Black, pero lo rechazó. En 1993, Parkes y MacDonald le ofrecieron el trabajo a Ed Solomon (<b>Las alucinantes aventuras de Bill y Ted</b>).<i> "No tuve que leer mucho del cómic para saber que esta era una gran idea para una película,"</i> confesaba el guionista a <b>Starlog</b>. <i>"Partí de ahí, así que la película le debe todo y nada al cómic. No habría sucedido si no existiese el cómic, pero al mismo tiempo, son muy diferentes en tono."</i> Solomon sólo tomó algunos elementos de los obra de Cunningham, como el personaje de K, y la propia organización de los hombres de negro, pero cambió el tono oscuro del cómic convirtiéndolo en una comedia. El guionista debía recibir un 5% de los beneficios netos de la película (pese a ser un enorme éxito nunca cobró ni un dólar de ese porcentaje).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjQieIkTIYLO3C0-51GTvKFJivt9HHLfeyHQ4jMH1qJVBTEn2T_bZs-Q2rS6kvVSbLDfd34kFzRDhHwWZpaO_6Tmtg_sh0DbnzIu8iBTPqo_pt2WeUEw1n_gUsfaetXErL0_59OVrkALg335lcf63j3sXN94FEp9n5Xf5orx_tOKLU1sAW8=s600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="600" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjQieIkTIYLO3C0-51GTvKFJivt9HHLfeyHQ4jMH1qJVBTEn2T_bZs-Q2rS6kvVSbLDfd34kFzRDhHwWZpaO_6Tmtg_sh0DbnzIu8iBTPqo_pt2WeUEw1n_gUsfaetXErL0_59OVrkALg335lcf63j3sXN94FEp9n5Xf5orx_tOKLU1sAW8=w400-h221" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Le ofrecieron dirigir la película a John Landis, pero lo rechazó tras leer el cómic, ya que encontraba demasiadas similitudes con <b>Granujas a todo ritmo</b> (1980), aunque posteriormente reconocería que se arrepintió de esa decisión. Quentin Tarantino también rechazó dirigirla.</div><div style="text-align: justify;">Una vez tuvieron la primera versión del guión, en 1993, Barry Sonnenfeld aceptó dirigir la película, pero terminó abandonando por diversas diferencias con los productores sobre la dirección que debía tomar la película (como por ejemplo, donde debía situarse la historia), y se marchó a rodar <b>Cómo conquistar Hollywood</b> (1995), que llevaba años tratando de realizar. Temporalmente Les Mayfield (<b>Flubber y el profesor chiflado</b>) estuvo asignado como director, hasta que Sonnenfeld regresó en 1995. Esto sucedió de la forma más fortuita, mientras Sonnenfeld se encontraba desayunando en un restaurante se topó con Barry Josephson, jefe de producción de Sony, y le dijo que si podían esperar a que terminase <b>Cómo conquistar Hollywood</b> le gustaría volver a <b>Hombres de negro</b>, y así lo hicieron.</div><div style="text-align: justify;">El director colaboró con Solomon en el guión, del que se llegaron a escribir cerca de una docena versiones distintas. Una de las ideas de Sonnenfeld fue situar la historia exclusivamente en Nueva York, cuando originalmente tenía lugar en diferentes localizaciones de Estados Unidos como Washington D.C., Los Angeles, Kansas o Nevada. <i>"Pensé que si los extraterrestres vinieran a este planeta, donde se sentirían realmente a gusto sería en Nueva York,"</i> explicaba Sonnenfeld a <b>Imágenes de actualidad</b>, <i>"porque se mezclarían con gente que se parece a ellos."</i> De modo que, Solomon reescribió el guión para ese cambio de localización. Y también se cambió la trama principal de la película, que se centraba en unos bichos gigantes. <i>"El acto final trataba sobre un evento intergaláctico de naturaleza biológica, que iba a causar grandes problemas a la Tierra,"</i> contaba Solomon a <b>Starlog</b>. Toda esta trama se descartó cuando Sonnenfeld entró en el proyecto, y tomó un camino más cercano a una película policíaca.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Para el papel del agente K los productores querían a Clint Eastwood, pero Sonnenfeld prefería a Tommy Lee Jones, y al final el director logró salirse con la suya. Aunque Jones quiso que se realizase na reescritura antes de aceptar firmar. Al actor le concedieron la aprobación del director, por lo que durante unos meses Sonnenfeld volvió a estar fuera de la película. Tras reunirse con el actor, y que a éste le gustase el nuevo guión, aceptó trabajar en la película, y Sonnenfeld pudo por fin dirigirla. El protagonista de <b>El fugitivo</b> fue el primer actor en unirse al proyecto, una vez la primera versión del guión estuvo terminada. Su salario fue de 7 millones de dólares.</div><div style="text-align: justify;">Para el papel de J, los preferidos de Sony eran Chris O'Donnell y Keanu Reeves, siendo el protagonista de <b>Batman Forever</b> la primera opción. Pero según contaba Sonnenfeld, él prefería a Will Smith para el papel (lo que fue una idea de su mujer). O'Donnell tenía dudas con el guión y Sonnenfeld en lugar de tratar de convencerle para que participase en la película, lo disuadió. De nuevo se salió con la suya, y O'Donnell rechazó el papel. También se lo ofrecieron a David Schwimmer, pero el rodaje entraba en conflicto con su debut como director con <b>Desde que os fuisteis</b> (1998), y tuvo que rechazarlo. Al final se lo ofrecieron a Smith antes del estreno de <b>Independence Day</b> (1996), y de que se convirtiera en una gran estrella. Pero el actor inicialmente también rechazó el papel porque no quería ser encasillado en películas de aliens. Spielberg lo llamó personalmente, y le pidió que se reuniese ese mismo día con él y Sonnenfeld. Obró su magia y logró convencerle para que se convirtiera en un hombre de negro. Smith cobró un cheque de 5 millones de dólares por ello.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEizYG3YTQziqymiwhOlCtLreQ7Ckw6_Xe34he0uAD34qvPSYn1fQ9blX5XoY-954dnmJyKIdFxlmtT78UfUH_6yRhqvisJLeMCd7dkWVM2B6SMg83Q-fpbFP0dxcAMEQ2RfJNVmYJAbiIuXT_1wacDcksJDA4y9-mxsYbpxfURD2Dzz5gsC=s600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="600" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEizYG3YTQziqymiwhOlCtLreQ7Ckw6_Xe34he0uAD34qvPSYn1fQ9blX5XoY-954dnmJyKIdFxlmtT78UfUH_6yRhqvisJLeMCd7dkWVM2B6SMg83Q-fpbFP0dxcAMEQ2RfJNVmYJAbiIuXT_1wacDcksJDA4y9-mxsYbpxfURD2Dzz5gsC=w400-h221" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Sonnenfeld le ofreció el papel del villano Edgar a Vincent D'Onofrio. En el guión no se especificaba demasiado sobre esta cucaracha del espacio exterior con piel humana, lo que al actor le pareció intrigante, y creyó que había mucho espacio para la creatividad. El experto en maquillaje Rick Baker le ayudó a meterse literalmente en la piel de Edgar. El actor se reunió con el artista cinco semanas antes de empezar, y fueron creando al personaje. Convertirle en Edgar requería de sesiones de maquillaje de seis horas, y en la mayoría de días lo llamaban a las 3 de la madrugada para comenzar con ellas. La peculiar forma de andar del personaje y su voz (un cruce entre las de George C. Scott y John Huston) fueron una creación de D'Onofrio. Al principio del rodaje llevó aparatos ortopédicos en la rodillas y tobillos para que su forma de andar fuera rígida, tal y como necesitaba el personaje, después de unos días dejó de usarlos porque se acostumbró a esa forma de moverse. Hasta el primer día de rodaje nadie, salvo Baker, sabía como luciría Edgar, ni siguiera Sonnenfeld.</div><div style="text-align: justify;">Siempre se ha dicho que Linda Fiorentino consiguió el papel de la Dra. Laurel, tras ganarlo en una partida de poker a Sonnenfeld, pero el director lo desmintió a <b>Insider</b>, simplemente jugó una partida de poker con ella, y cuando tocó buscar alguien para el papel de Laurel se acordó de ella.</div><div style="text-align: justify;">Carel Struycken con sus 2,13 metros de altura era el actor perfecto para interpretar a uno de los extraterrestres que pueblan la película. <i>"Barry Sonnenfeld me conocía por las películas de <b>La familia Addams</b> que dirigió,"</i> me contó el actor.<i> "Supongo que pensó que me parecía lo suficientemente a un alien para el papel."</i></div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Rip Torn (como Z, el líder de los hombres de negro), Siobhan Fallon Hogan (como Beatrice, la mujer de Edgar), Tony Shalhoub (en la piel del alien Jeebs), Mike Nussbaum (interpretando al extraterrestre Gentle Rosenburg), y Richard Hamilton (como el hombre de negro D).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal comenzó a mediados de marzo de 1996, y se alargó durante diecisiete semanas. Se filmó en localizaciones de Los Angeles y Nueva York. Los interiores se filmaron en los Sony Pictures Studios en Los Angeles.</div><div style="text-align: justify;">De la Gran Manzana se aprovecharon todo tipo de localizaciones como, el "Shea Stadium", "Grand Central Station", el "Brooklyn Battery Tunnel Ventilation Building" (que sirve como cuartel general de los hombres de negro), el "Flushing Meadow Park" (para el clímax con la nave estrellándose contra la Unisphere de la Feria Mundial de 1964), el "Museo Solomon R. Guggenheim", "Queens Midtown Tunnel", "Liberty State Park" (escena del parto), y una calle de Greenwich Village (para la escena de la joyería).</div><div style="text-align: justify;">Inicialmente la escena de la persecución a pie de Smith y el primer alien iba a tener lugar en el Lincoln Center, pero le pidieron a la producción 1 millón de dólares para rodar allí, de modo que decidieron recolocar la escena en el Museo Guggenheim.</div><div style="text-align: justify;">Bo Welch fue el diseñador de producción, y quiso participar en la película desde que leyó por primera vez el guión, pero en aquel momento no estaba disponible, por eso cuando más tarde se le brindó la oportunidad de crear los decorados, no dejó pasar la ocasión. Toda la estética de la película remite a los sesenta, y donde más se aprecia es el diseño del set del cuartel general de los hombres de negro, que se basó en la terminal de la TWA del aeropuerto JFK. Hubo un gran contratiempo con estos decorados, dos días antes de que tuvieran que rodar en el set, se inundaron por un fallo con los rociadores contra incendios.</div><div style="text-align: justify;">No fue el único problema con el agua que afectó a la película. Unas fuertes lluvias cayeron en el lugar donde rodaron las escenas de la granja de Edgar, y provocaron retrasos en el rodaje. Por causa de esto, la actriz Siobhan Fallon Hogan, que tenía previsto trabajar en la película durante una semana, terminó permaneciendo en el set tres semanas.</div><div style="text-align: justify;">Los hombres de negro no serían lo mismo sin sus trajes, y su vestuario fue creado por la diseñadora Mary E. Vogt (<b>Batman vuelve</b>), quien se inspiró en <b>Con la muerte en los talones</b> (1959) y <b>La dolce vita</b> (1960) para vestir a los agentes. <i>"Quería que el look fuera limpio, nítido y ligeramente imponente,"</i> explicaba la Vogt a <b>SFGate</b>. <i>"Quería que parecieran ser alguien."</i></div><div style="text-align: justify;">Una de las mejores anécdotas del rodaje surgió rodando en el estudio la secuencia del coche en el túnel. En medio de la escena, con Smith y Jones metidos en un habitáculo que simulaba ser el vehículo, con éste boca abajo sobre una plataforma, el primero comenzó a gritar que los sacarán de allí. Todos corrieron temiéndose lo peor, y le dieron la vuelta a la plataforma para sacar a los actores, para descubrir que lo que había pasado es que Will Smith se había tirado un pedo realmente maloliente. </div><div style="text-align: justify;">Cuando D'Onofrio rodó la escena en la que bebe un vaso de agua azucarada, demostró que ser todo un profesional y estar dispuesto a todo, ya que lo hizo realmente, y cuantas veces fueran necesarias para los emplazamientos de cámara. Al final terminó bebiéndose cerca de doce vasos de agua llenos de azúcar, y como era de esperar, terminó teniendo un subidón de azúcar.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhDhYNUlBZ6C1mJ35EWMSA2wbjpUsWm3BaN7T1PkBZ1hhI_WBbNwe0gSBYtHg1tGigQpCkOR4JGIg5cWaMS4eXzwoXD9gDanDV4BuPjqIOCcYRDPB7NG3QawyChRD850b3TgxmQuw_rhuiw72PCxoJ6a_0kXz0VDvNdFxR5yjFP7G2pmIiX=s600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="600" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhDhYNUlBZ6C1mJ35EWMSA2wbjpUsWm3BaN7T1PkBZ1hhI_WBbNwe0gSBYtHg1tGigQpCkOR4JGIg5cWaMS4eXzwoXD9gDanDV4BuPjqIOCcYRDPB7NG3QawyChRD850b3TgxmQuw_rhuiw72PCxoJ6a_0kXz0VDvNdFxR5yjFP7G2pmIiX=w400-h221" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La película cuenta con un total de 251 planos con efectos digitales, que fueron obra de la Industrial Light & Magic. La compañía trabajó en la película desde octubre de 1995 hasta marzo de 1997, bajo la supervisión de Eric Brevig.</div><div style="text-align: justify;">La labor de la ILM es espectacular y estuvo llena de retos, como por ejemplo, la creación de la secuencia que tiene lugar en el "Queens Midtown Tunnel". Como cerrar el túnel para la producción hubiera sido muy caro, decidieron recrearlo mediante una miniatura. Se construyó una replica del túnel a escala 1:8, que tenía cerca de 30 metros de largo, y que contaba con 50 vehículos en miniatura. Aún así no era lo suficientemente larga como para simular el auténtico túnel, por lo que tuvieron rodar con diferentes configuraciones de los vehículos para crear la ilusión de que era más largo. Por su parte, el vehículo en el que van Jones y Smith fue una creación CGI. Construir la maqueta y rodar la escena requirió de cuatro meses. </div><div style="text-align: justify;">También se hizo uso de miniaturas para la escena de la nave estrellándose contra la Unisphere de la Feria Mundial de 1964. Se creó una miniatura de la nave de 2,7 metros de diámetro, y una réplica de la esfera a escala 1:6. La nave se lanzó contra la esfera a una velocidad de 56 km/h, la cual contenía cargas explosivas, que estallaron cuando se produjo el impacto. Ese momento se filmó usando 7 cámaras, y después se completó la escena integrando a Tommy Lee Jones y Will Smith en ella. Fueron 18 semanas de duro trabajo.</div><div style="text-align: justify;">Y si los efectos visuales son increíbles, no menos espectaculares resultan los efectos de maquillaje, creados por el gran Rick Baker. El artista comenzó su trabajo en la película en la primavera de 1995, y se pasó trabajando en <b>Hombres de negro</b> durante más de un año. Su objetivo era, según contó a <b>Starlog</b>, <i>"hacer algo que no se parezca a algo que se haya hecho antes."</i> Mediante su compañía Cinovation Studios creó todo tipo de efectos para la película, desde maquillajes tradicionales, pasando por títeres, marionetas manejadas por cables, animatronics, y hombres en trajes de goma. </div><div style="text-align: justify;">Baker realizó un gran número de diseños de aliens, que fueron creados con sugerencias de Sonnenfeld, Spielberg y Parkes. <i>"Hicimos más dibujos y diseños para esta película que en toda mi carrera,"</i> explicaba el artista a <b>Starlog</b>. Y es que su labor fue realmente titánica. Tal vez su creación más recordada, los "Worm Guys", apunto estuvo de no entrar en la película. Originalmente Baker los moldeó con la idea de que si Sonnenfeld los veía, los incluiría en la película, ya que al principio de la producción ninguno de sus diseños eran escogidos, pero estos simpáticos extraterrestres también fueron rechazados. Más tarde tuvieron su oportunidad, cuando decidieron incluir una escena en el comedor de los hombres de negro, la cual debía incluir varios aliens. Como no tenían mucho tiempo, Baker hecho mano de los delgados extraterrestres y cuando se los mostró al director, le gustaron. De esa forma participaron en la película unos de los aliens más memorables que la pueblan.</div><div style="text-align: justify;">Otra de las creaciones más originales de Baker, fue la de Gentle Rosenburg, un pequeño alien que aparece en el interior de una cabeza robótica, manejando el cuerpo que la porta mediante palancas. Este extraterrestre se le ocurrió al artista para el personaje de un camarero, que originalmente iba a aparecer en la escena del restaurante, donde Jones y Smith hablan al principio de la película. Cuando mostró el diseño del alien gustó tanto, que decidieron utilizarlo en otro momento de la película, dando vida a un personaje con mayor protagonismo. Para crearlo, Baker tuvo que construir una réplica de la cabeza con el alien dentro, teniendo éste un tamaño de medio metro.</div><div style="text-align: justify;">Fue tal la carga de trabajo y la falta de tiempo, que Baker por primera vez en su carrera tuvo que subcontratar varios efectos, correspondientes a una escena en el cuartel general de los hombres de negro, donde se mostraba a un gran número de aliens. De ese modo, se repartieron las tareas entre varias compañías, además de Cinovation participaron en ella KNB EFX Group, Steve Johnson's XFX y ME FX. <i>"Hicieron un gran trabajo con los extraterrestres,"</i> me contó Struycken con respecto a esta escena. <i>"Los más pequeños eran mecánicos. Hoy en día, muchos de esos efectos especiales se realizarían utilizando CGI."</i></div><div style="text-align: justify;">No todas las creaciones de Baker acabaron en la pantalla, algo que sucedió con la aparición final de Edgar como un insecto gigante. Inicialmente la película terminaba con una conversación entre J y Edgar, con el segundo dando un largo discurso, pero Sonnenfeld consideraba que la película necesitaba más acción, así que reescribieron todo el final para que Edgar se comiera a K y después J luchara con él. Reescribieron la apariencia de Edgar para hacerlo más amenazador, por lo que el monstruo creado por Baker ya no era válido, y tuvieron que recrear a Edgar digitalmente en la escena. Todo este cambio hizo que la producción aumentara en su presupuesto en 4,5 millones de dólares, pero según el director, <i>"el dinero valió la pena." </i>El presupuesto final de la película alcanzó los 90 millones de dólares.</div><div style="text-align: justify;">No fue el único cambio de última hora, tras un pase de prueba el público consideró que la trama secundaria era confusa. Originalmente había dos bandos, los baltianos y los arquilianos, que luchaban por la galaxia, y un tercero, la raza de Edgar, que quería que la lucha entre ambos continuara para alimentarse de las bajas producidas. Eso se explicaba en la escena del restaurante con Carel Struycken y Mike Nussbaum. <i>"Nuestros respectivos planetas iban a la guerra entre sí,"</i> me explicó Struycken, <i>"y nosotros, como representantes, estábamos tratando de evitar eso." </i>Se tomó la decisión de simplificar la trama en post-producción, eliminando todo lo relacionado con los baltianos, cambiando tres escenas sin tener que realizar reshoots. La conversación del restaurante al ser subtitulada, se pudo cambiar fácilmente lo que decían ambos personajes; la segunda era el ataque de la nave extraterrestre a la Tierra, y se visualizaba a través de la pantalla del cuartel general de los hombres de negro, de modo que pudo alterarse sin problema; y la tercera era la escena del perro parlante, por lo que unos dos meses antes del estreno de la película, modificaron los efectos de la escena para que el perro dijera unas frases diferentes.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEghAg-qDvfLeY--WKz51Z54dtExuSfintTtVmHrqm8nHoKYxRy8s50G376GG2i-E7FKtnu5nzw5gl_74M_qLv1Rec9iEIDM6sHU11_XUFSWd6ZsBYjX4qfgxg_JVe0TpsfA0dGcyO5ZgVD8jtMV-wSdf9bxg-KEHFYLAyvP-Z90zEZYc_Vy=s600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="600" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEghAg-qDvfLeY--WKz51Z54dtExuSfintTtVmHrqm8nHoKYxRy8s50G376GG2i-E7FKtnu5nzw5gl_74M_qLv1Rec9iEIDM6sHU11_XUFSWd6ZsBYjX4qfgxg_JVe0TpsfA0dGcyO5ZgVD8jtMV-wSdf9bxg-KEHFYLAyvP-Z90zEZYc_Vy=w400-h221" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Para componer la música, Sonnenfeld quiso contar con Marc Shaiman (<b>La familia Addams</b>), pero estaba ocupado con otros compromisos, y no pudo aceptar. Después se reunió con Danny Elfman, quien fue contratado. Inicialmente el compositor creó una partitura en tono de comedia, pero esto no fue del agrado de Sonnefeld, y según contó a <b>Starlog</b>, le dijo: <i>"No me ayudes con la comedia, ayúdame a hacer que la película se sienta más varonil."</i></div><div style="text-align: justify;">Durante la post-producción le pidieron a Will Smith que compusiera el tema principal de la película. El éxito de la canción <b>"Men in Black"</b> fue enorme, además de ser número uno en las listas de varios países, ganó un Grammy.</div><div style="text-align: justify;">La película se estrenó el 2 de julio de 1997 en Estados Unidos, y resultó ser un éxito estelar. En territorio norteamericano recaudó unos increíbles 250.690.539 de dólares, lo que la convirtió en la segunda película más taquillera del año en su país de origen. Y la suma final a nivel mundial fue de 589.390.539 de dólares, siendo la tercera película más taquillera del año.</div><div style="text-align: justify;">Y la Academia no se olvidó de ella, nominándola en las categorías de mejor maquillaje (Rick Baker y David LeRoy Anderson), mejor diseño de producción (Bo Welch y Cheryl Carasik) y mejor banda sonora de un musical o comedia (Danny Elfman). La película se llevó la estatuilla al mejor maquillaje.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>ESCENAS ELIMINADAS</b></div><div style="text-align: justify;">Se eliminaron algunas escenas del montaje final y otras se acortaron, las cuales fueron incluidas en las ediciones de DVD o Blu-ray de la película. Son las siguientes:</div><div style="text-align: justify;">1. Después de matar a Gentle Rosenburg y al arquiliano, Edgar huye por la calle y se monta en su camioneta. Después unos médicos sacan a ambos muertos del restaurante, y los meten en una ambulancia, con el gato Orión incluido.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjlSEoNBkQGmvMqaKELBxNU40vAUyYMQ-ytWWVeGCBz6EPmCJcWthvPtvcNAaZek4IswWnhh8tr_HwxPHPJsQ27DDEbvj3aFLR4RX-iLGDLsPcu4MeJ2RMo0XL8x8xuh0JjZ5Mdyti2EczVmto7xLXRyA_1thBgXbHQX1_5fFdQTMCfK1sM=s1021" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="289" data-original-width="1021" height="114" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjlSEoNBkQGmvMqaKELBxNU40vAUyYMQ-ytWWVeGCBz6EPmCJcWthvPtvcNAaZek4IswWnhh8tr_HwxPHPJsQ27DDEbvj3aFLR4RX-iLGDLsPcu4MeJ2RMo0XL8x8xuh0JjZ5Mdyti2EczVmto7xLXRyA_1thBgXbHQX1_5fFdQTMCfK1sM=w400-h114" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">2. La prueba de tiro a la que someten a J era más larga, con los otros candidatos pegando más tiros.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjhO4C92iudBwfsXmczk2ti9wNFZ6gWl0lXp_3Dt_2yi_Uo3dvo84eYh1ZRQn4LiZ1rLrr2Sk20A-WxiMA5fxZgZLs1BmRq2fXheICAaE1ptpU7d-fRWM35K0mRSZGcBmtCBvUxBmRfUTdVGeFb6a-Z8NZWe78oD8DsYF4VbgxP3QSr0zlM=s1021" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="289" data-original-width="1021" height="114" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjhO4C92iudBwfsXmczk2ti9wNFZ6gWl0lXp_3Dt_2yi_Uo3dvo84eYh1ZRQn4LiZ1rLrr2Sk20A-WxiMA5fxZgZLs1BmRq2fXheICAaE1ptpU7d-fRWM35K0mRSZGcBmtCBvUxBmRfUTdVGeFb6a-Z8NZWe78oD8DsYF4VbgxP3QSr0zlM=w400-h114" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">3. El momento de J descubriendo que su profesora es en realidad un alien, era un poco más largo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhVoA_xkj4AKrSm7bvHUe-8N5Gq63SENk6HQpSxaX14ZxyfOQiD8TQtrFd8FADdkLRd_rqa6kOg1Fr8H4C7areqw-zqAb_zgd7ZFEW_0LO3uM5RjHhQwxRwD9270YuL0sj7wFv4v17uRCXaCrWbyIdZOlz4xEO3lzd7chfD376rr6dbrebB=s1021" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="1021" height="113" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEhVoA_xkj4AKrSm7bvHUe-8N5Gq63SENk6HQpSxaX14ZxyfOQiD8TQtrFd8FADdkLRd_rqa6kOg1Fr8H4C7areqw-zqAb_zgd7ZFEW_0LO3uM5RjHhQwxRwD9270YuL0sj7wFv4v17uRCXaCrWbyIdZOlz4xEO3lzd7chfD376rr6dbrebB=w400-h113" width="400" /></a></div><br /><div style="text-align: justify;">4. Una toma alternativa de la conversación en el restaurante chino, y que añade un momento cortado en el que, una vez K se marcha, la camarera le pregunta a J si quería otra cerveza, pero éste responde que prefiere un café.</div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiF1E1fEI-7aNrGqUNyc4cOHXV7B8yV2lZpUytNeyS0nxJSUCfDQmdnX2Fh6EwVSRm7iDG3LPUrRRVgkO2WD0n4bt3zaomiTmyLgO9hF25Pm0GBq49ARBDiuno-cvqv9r8xeun0_oGHblsbs3Ynhds9eGwLib7BR4yMqrvhk4AdDcOY68dk=s1021" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="285" data-original-width="1021" height="111" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEiF1E1fEI-7aNrGqUNyc4cOHXV7B8yV2lZpUytNeyS0nxJSUCfDQmdnX2Fh6EwVSRm7iDG3LPUrRRVgkO2WD0n4bt3zaomiTmyLgO9hF25Pm0GBq49ARBDiuno-cvqv9r8xeun0_oGHblsbs3Ynhds9eGwLib7BR4yMqrvhk4AdDcOY68dk=w400-h111" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">En las ediciones de vídeo doméstico, se incluye también la escena de la bola de energía rebotando por el cuartel de los hombres de negro, es la misma escena, pero sin incluir los efectos visuales.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Hombres de negro</b> es una de las mejores comedias de películas noventa, por muchos aliens y efectos visuales que la pueblen, es pura comedia, y sigue siendo tan divertida como el primer día.</div><div style="text-align: justify;">Lo mejor de ella, es que crea un universo nuevo y con personalidad propia, el cual nos resulta creíble desde la primera escena. Y eso que éste no podría ser más peculiar, el villano es una especie de cucaracha gigante que lleva una piel humana, los aliens conviven con los humanos, y los héroes son una organización secreta de estética retro de los 60, que borran los recuerdos de la gente.</div><div style="text-align: justify;">El acierto de <b>Hombres de negro</b> fue coger algo que habitaba dentro de las leyendas urbanas, y llevarlo inteligentemente al terreno de la comedia. Todo esa idea de la existencia de los hombres de negro, es tan absurda que sólo puede funcionar como una comedia. Y la película lo redondea justificando detalles extraños de nuestro mundo, como que gente como Spielberg o Michael Jackson son en realidad aliens o que el apagón de Nueva York de 1977 lo produjo un artefacto extraterrestre. Y hablando de la Gan Manzana, situar la historia en ella, fue un golpe de genio, ya que es una ciudad llena de gente extraña, donde un alien podría campar a sus anchas y pasar desapercibido.</div><div style="text-align: justify;">Posee dos de los mejores gags que haya dado el género, los cuales van de forma consecutiva en la película, que son las dos pruebas a las que someten a J para ser un hombre de negro. El momento en que arrastra una mesa para poder cubrir un test es hilarante, pero el momento en que durante la prueba de tiro dispara a una niña no se queda atrás. Y no son los únicos gags que brillan por si mismos, como esa escena en la que J tiene que asistir a un parto y que es mostrado en segundo plano; el momento de la bola de energía rebotando por todo el cuartel general de los hombre de negro; o J creyendo que la Dra. Laurel se le está insinuando, cuando en realidad trata de advertirle de la presencia de Edgar. Y la película se cierra con otro estupendo gag, aquel que nos muestra como toda nuestra galaxia no es más que un juego para otros seres extraterrestres, todo nuestro mundo es una broma cósmica, que sirve como broche de oro para esta gran película.</div><div style="text-align: justify;">El guión está bien construido, utiliza el recurso de introducir un nuevo personaje que sirve de conexión con el público, para que sea sus ojos, y de esa forma descubrir un nuevo mundo al mismo tiempo que él. Esa es la función de J, pero está realizado de una forma tan orgánica, que no chirría en ningún momento. Sobre todo se acentúa al final de la película, cuando descubrimos que K no reclutó a J para sustituir a su compañero, si no a sí mismo.</div><div style="text-align: justify;">Los hombres de negro no dejan de ser unos abnegados agentes de la ley, que sólo viven para su trabajo, sin tener vida privada, y que intentan que la gente normal no sepa los peligros que les rodean. Pese a lidiar con aliens y toda su parafernalia, son unos currantes como los de cualquier otra agencia.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjBkeMGisjg88pmNKTg5-vjmXKNBaoPx_Ep1by64qMPIdL-suaeY7-jI17DyDiKKHoVE2vjrY1-RZm750JBHBcDx7evBvvrGDhgfyn1dg9u3y_N3JFz599IkgTLe8Ow-JxwMENo__5rysad01pw1dh3rdkY1gOzGK8yfxlA1cqDRqE5IwY5=s600" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="331" data-original-width="600" height="221" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/a/AVvXsEjBkeMGisjg88pmNKTg5-vjmXKNBaoPx_Ep1by64qMPIdL-suaeY7-jI17DyDiKKHoVE2vjrY1-RZm750JBHBcDx7evBvvrGDhgfyn1dg9u3y_N3JFz599IkgTLe8Ow-JxwMENo__5rysad01pw1dh3rdkY1gOzGK8yfxlA1cqDRqE5IwY5=w400-h221" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La película es realmente icónica, desde el diseño de los aliens, a la estética de los hombres de negro y su universo, como ese neurolizador que borra la mente, y que se hizo muy popular en su estreno. Se le saca mucho provecho al modus operandi de los hombres de negro, haciendo que la gente olvide lo que han visto e insertándoles nuevos recuerdos (a veces con excusas de lo más absurdas). </div><div style="text-align: justify;">El Oscar a Rick Baker fue de lo más merecido, sus diseños son terriblemente originales, desde el pequeño alien que habita en una cabeza, a los "Worm Guys", todos son memorables.</div><div style="text-align: justify;">Los efectos visuales son excelentes, sorprende que no fuera nominada al Oscar en esa categoría. Estos cumplen su función de estar al servicio de la película, como debe ser.</div><div style="text-align: justify;">Danny Elfman realiza una partitura muy... Danny Elfman, pero dicho esto como algo positivo, la música tiene la marca de su autor, y se adecua perfectamente a las imágenes, quedando ligada la película para siempre. Es imposible oír el juguetón <b>"M.I.B. Main Theme"</b> y no pensar en la película.</div><div style="text-align: justify;">Jones y Smith tienen muy buena química entre ellos, y eso que su sentido de la comedia es diferente, casi opuesto. Jones siempre es serio e impertérrito, y Smith por su parte destila carisma y chascarrillos. Pero el miembro del reparto el que se lleva la palma es Vincent D'Onofrio, que crea una composición increíble y que no se parece a nada que hubiéramos visto antes. Además, no sé bien como lo hace, pero dota de sentido del humor a ese alien con piel humana. Su interpretación es el mejor efecto especial de la película. Linda Fiorentino es tal vez la que sale peor parada, aunque la actriz pone de su parte para que su personaje no caiga en el cliché.</div><div style="text-align: justify;">Sonnenfeld se encuentra comodísimo en esta historia de ciencia ficción, y realiza su mejor trabajo junto a <b>La familia Addams: La tradición continúa</b> (1993). Dota al relato de un extraño sentido del humor, y visualmente se nota que es él quien se sienta en la silla del director con sus característicos movimientos y ángulos de cámara, y su uso de lentes de gran angular.</div><div style="text-align: justify;">Aunque hay escenas espectaculares, como el clímax con J y K derribando la nave de Edgar, la película apuesta siempre primero por la comedia, y muchas secuencias que en otra producción derivarían en aparatosas escenas de acción, aquí toman siempre un camino más divertido, como la escena de J con su "grillo ruidoso" causando el caos en Greenwich Village.</div><div style="text-align: justify;">Me gustan muchos pequeños detalles de la película, que forman parte de su estilo y tono, como que sepamos el destino de K mediante un periódico de tercera categoría (uno de los mejores momentos de la película, que sería echado por tierra en la segunda parte); que J le pida a K que nunca le llame hijo, chico o chaval, y éste se pase toda la película llamándole cosas similares; los simpáticos títulos de crédito iniciales que ya nos anticipan a los "insectos" que después serán parte importante de la trama; o descubrir que el alien Mikey se hace pasar por un inmigrante mexicano.</div><div style="text-align: justify;">La película tiene un gran ritmo y carece de tiempos muertos, en media hora K ya es un hombre de negro y no nos hemos dado ni cuenta. Pronto nos vemos metidos en una crisis de dimensiones galácticas, que pueden significar el fin de la Tierra, y no podría ser más divertido.</div><div style="text-align: justify;"><b>Hombres de negro</b> es una estupenda mezcla de comedia y ciencia ficción, dos géneros que suelen casar bien y que aquí encajan como anillo al dedo. Está a galaxias de sus secuelas, creó una popular saga, que nunca ha brillado como aquí. Es una película tan buena, que parece de otro planeta.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">El propio Tommy Lee Jones escribió su diálogo en español en la escena inicial, en la que habla con los inmigrantes ilegales. También se encargó de escribir lo que dicen estos.</div><div style="text-align: justify;">Fue idea de Siobhan Fallon Hogan que su personaje llamara a Eggar a su marido, en lugar de Edgar. A la actriz se le ocurrió duración la audición para el papel.</div><div style="text-align: justify;">Los hombres de negro portan una gafas de sol "Predator 2", cuyas ventas se dispararon a raíz del estreno de la película.</div><div style="text-align: justify;">Para preparase para su papel, Vincent D'Onofrio vio documentales de insectos, pero terminó desistiendo por resultarle aburridos.</div><div style="text-align: justify;">Es una de las dos películas que Will Smith considera que son las mejores de su carrera. La otra es <b>En busca de la felicidad</b> (2006).</div><div style="text-align: justify;">Cuando J y K interrogan a Beatrice en la granja, ella les ofrece limonada, y J la escupe nada más comenzar a beberla. La razón es que no lleva azúcar, ya que Edgar la tomó toda en la escena anterior. Esto fue una idea de Will Smith.</div><div style="text-align: justify;">En el cuartel general se descubre como muchas celebridades son en realidad aliens, entre ellos podemos encontrar a Steven Spielberg, George Lucas, Sylvester Stallone, Danny DeVito, el meteorólogo Al Roker, la cantante Dionne Warwick, Barry Sonnenfeld, y Chloe Sonnenfeld (hija del director).</div><div style="text-align: justify;">Al final de la película, J le comenta a L que Dennis Rodman es un extraterrestre. Esto fue cambiando en algunos países de Europa (como España), por Michael Jackson, ya que Rodman no era demasiado conocido por aquel entonces. Curiosamente Michael Jackson terminaría haciendo un cameo en <b>Hombres de negro II</b> (2002).</div><div style="text-align: justify;">Lowell Cunningham, creador del cómic, realiza un cameo como un agente de los hombres de negro, visto en su cuartel general.</div><div style="text-align: justify;">Coincidiendo con el estreno de la película, se lanzó una serie de animación <b>Men in Black: The Series</b> (1997-2001), que duró 4 temporadas.</div><div><div style="text-align: justify;">Vincent D'Onofrio que interpreta en la película a Edgar, un insecto, puso voz a varios insectos en la serie de animación.</div><div style="text-align: justify;">Ganó el premio Saturn a la mejor película de ciencia ficción, mejor actor secundario (Vincent D'Onofrio) y mejor música (Danny Elfman). Y fue nominada en las categorías de mejor director (Barry Sonnenfeld), mejor actor (Will Smith), mejor guión (Ed Solomon), mejor maquillaje (Rick Baker, David LeRoy Anderson y Katherine James) y mejores efectos especiales (Eric Brevig, Peter Chesney, Rob Coleman y Rick Baker).</div><div style="text-align: justify;">En la escena del estadio de béisbol, el jugador al que una pelota golpea en la cabeza cuando divisa la nave espacial es Bernard Gilkey, un auténtico jugador de béisbol, que jugaba en los New York Mets tal y como muestra la película.</div><div style="text-align: justify;">Ted Elliott y Terry Rossio realizaron una reescritura en el guión sin acreditar.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a </b><span style="text-align: left;"><b>Carel Struycken </b>(nov 2021)</span></div><div style="text-align: justify;"><b>Men in Black: The Script and the Story Behind the Film</b> (Diana Landau, Dawn Margolis y Ed Solomon, 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (nº 240, 241, 242, 265)</div><div style="text-align: justify;"><b>Imágenes de actualidad</b> (nº 161)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.vulture.com/2019/06/vincent-donofrios-men-in-black-a-sugar-water-oral-history.html" target="_blank">An Oral History of Vincent D'Onofrio's Perfect Men in Black 'Sugar Water' Scene</a></b> (Vulture, 12 jun 2019)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/siobhan-fallon-hogan-on-wooing-the-golden-girls-and-cra-1847580135" target="_blank">Siobhan Fallon Hogan on wooing The Golden Girls and crafting a goofy roommate for Seinfeld</a></b> (AV Club, 31 ago 2021)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.theguardian.com/film/2000/jan/12/comment" target="_blank">The best Linda Fiorentino scene</a></b> (The Guardian, 12 ene 2000)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.sfgate.com/entertainment/article/Men-in-Black-and-the-Women-Who-Dress-Them-2818388.php" target="_blank">Men in Black and the Women Who Dress Them</a></b> (SFGate, 10 jul 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.denofgeek.com/movies/men-in-black-david-schwimmer-on-turning-down-the-lead-role/" target="_blank">Men in Black: David Schwimmer on Turning Down the Lead Role</a></b> (Den of Geek, 23 ago 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.andyfilm.com/landis.html" target="_blank">Aisle Seat Special: The John Landis Interview</a></b> (The Aisle Seat)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0119654/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/movies/2017/06/30/how-well-do-you-remember-men-in-black/" target="_blank">How well do you remember Men in Black?</a></b> (Entertainment Weekly, 30 jun 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=A1r8gpBwxyY" target="_blank">Will Smith Responds to Fans on the Internet - Actually Me - GQ</a></b> (YouTube, 27 sep 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=hm2szuXKgL8" target="_blank">Why I Turned Down The Matrix</a></b> (YouTube, 13 feb 2019)</div><div><div><div style="text-align: justify;"><b>Tunnel Scene Deconstruction</b> (DVD extras)</div></div></div><div style="text-align: justify;"><b>Metamorphosis of Men in Black</b> (DVD extras)</div><div style="text-align: justify;"><b>Deleted Scenes</b> (DVD extras)</div><div style="text-align: justify;"><b>Men in Black Come From His Galaxy</b> (The New York Times, 3 jul 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://twitter.com/ed_solomon/status/1495249600428523522" target="_blank">Ed Solomon</a></b> (Twitter, 20 feb 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b>Will</b> (Will Smith y Mark Manson, 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.insider.com/men-in-black-will-smith-barry-sonnenfeld-michael-jackson-director-interview-2022-7" target="_blank">'Men in Black' at 25</a></b> (Insider, 1 jul 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://mjsimpson-films.blogspot.com/2013/04/interview-ted-elliott-and-terry-rossio.html" target="_blank">Interview: Ted Elliott and Terry Rossio</a></b> (Cult films and the people who make them, abr 2000)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-62658578245102487752024-02-01T08:56:00.000-08:002024-02-01T08:56:51.343-08:00Héroes fuera de órbita<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK8wP9fOXqlx9RVj-c9tr9xvYsucbTSOeGNZ8ySkmj8KJaYxGLa5SkRNVMxN0_uCI7AbOUf6wK_5ir47JXscxGHAHXBXIKf0aWj8X47NwdycRJIgljknqCAnm9hPyfzOrGXm_1/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="338" data-original-width="600" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiK8wP9fOXqlx9RVj-c9tr9xvYsucbTSOeGNZ8ySkmj8KJaYxGLa5SkRNVMxN0_uCI7AbOUf6wK_5ir47JXscxGHAHXBXIKf0aWj8X47NwdycRJIgljknqCAnm9hPyfzOrGXm_1/w400-h225/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+01.jpg" width="400" /></a></div></div><i><div style="text-align: justify;"><i>"Nunca abandonar. Nunca rendirse."</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Los protagonistas de una vieja serie de ciencia ficción, son tomados por unos extraterrestres como auténticos héroes, y los reclutan en una misión para salvar su mundo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CAPITÁN STARSHINE</b></div><div style="text-align: justify;">En 1994, Steven Spielberg, Jeffrey Katzenberg y David Geffen fundaron DreamWorks, un nuevo estudio que quiso competir con los ya existentes en Hollywood, y que se lanzó a la producción de nuevos títulos que lo aupasen a lo más alto. Uno de ellos sería <b>Héroes fuera de órbita</b> (Galaxy Quest, 1999).</div><div style="text-align: justify;">También en 1994, Mark Johnson creó su propia productora Gran Via Productions, tras una exitosa carrera en Baltimore Pictures, productora que compartía con Barry Levinson.</div><div style="text-align: justify;">DreamWorks y Gran Via Productions llegaron a un acuerdo, y juntos trataron de sacar adelante una película de ciencia ficción. Todo comenzó optando por un guión escrito por David Howard, titulado <b>"Captain Starshine"</b>, que narraba como unos aliens confundían a los actores de una vieja serie de televisión con unos héroes reales. La idea de partida se le ocurrió a Howard en un cine IMAX cuando vio un trailer cuyo narrador era Leonard Nimoy, y se imaginó a los actores de <b>Star Trek</b> encasillados siempre en el mismo papel. <i>"La idea de estar atrapado en ese mundo me pareció algo potencialmente muy divertido,"</i> confesaba el guionista a <b>IGN</b>.<i> "¿Cómo te alejas de eso y decides: 'No, ya no voy a hacerlo nunca más?'"</i> Su guión se centraba principalmente en el protagonista, y no tanto en el resto de la tripulación.</div><div style="text-align: justify;">Johnson vio potencial en el guión, pero sólo tomaron su punto de partida y reescribieron el resto. Contactaron con varios guionistas para la reescritura, pero ninguno parecía ser el indicado, hasta que llegó Robert Gordon (<b>Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket</b>), quien dio en el blanco. Su idea fue que al protagonista, Jason Nesmith le encantase ser el comandante de la serie, y desde ahí la historia despegó. Aunque inicialmente Gordon tuvo sus dudas sobre si aceptar el encargo, y no fue hasta que dio con una idea clavé, que supo que podría escribirlo. <i>"El momento en que realmente sentí que podía escribirlo ahora me parece muy obvio,"</i> contaba el guionista en el documental <b>Never Surrender</b>. <i>"Es cuando ellos tienen que admitir que son sólo actores y que no son héroes, y todo se fastidia, fue cuando eso encajó y dije: 'Sí, lo tengo'." </i>Y fue idea suya que los protagonistas viajaran al espacio. Howard por su parte, sólo participó en el guión al comienzo del proyecto, durante unas pocas semanas, aportando algunas ideas. Con el primer borrador de Gordon, la película obtuvo luz verde (que inicialmente cambió el título a <b>"Galaxy Quest: The Motion Picture" </b>y con el tiempo se quedó en tan solo <b>Galaxy Quest</b>).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht1ws-q2Z0YUVegvU7SVtsYq4haOOUQcs5Qu_AYA3LZF_s5IRYHqzvnvMZqOOP3AihMI0YnzjkgtmADRQeE2x6irNuiUCDOzS3Ou682SbueZfopf332DLNSEnOqduAn-sq81Q2/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="600" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEht1ws-q2Z0YUVegvU7SVtsYq4haOOUQcs5Qu_AYA3LZF_s5IRYHqzvnvMZqOOP3AihMI0YnzjkgtmADRQeE2x6irNuiUCDOzS3Ou682SbueZfopf332DLNSEnOqduAn-sq81Q2/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+02.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">El primer director asignado al proyecto fue Harold Ramis (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2019/02/atrapado-en-el-tiempo.html" target="_blank">Atrapado en el tiempo</a></b>), cuya incorporación se anunció a finales de 1998. Gordon trabajó con mano a mano con él en el guión.</div><div><div style="text-align: justify;">Ramis deseaba que el papel de Jason Nesmith lo interpretase Kevin Kline. Ya estaban construyendo los platós, cuando Kline decidió no participar en la película debido a motivos personales. La película había perdido a su comandante y necesitaban enrolar a uno urgentemente. Se barajaron varios nombres, como los de Bruce Willis, Tim Robbins, y Mel Gibson. Se lo ofrecieron a Steve Martin, Bill Murray y a Robin Williams, pero no aceptaron.</div><div style="text-align: justify;">Al final el estudio escogió a Tim Allen. Pero hubo diferencias con Ramis, quien no estaba de acuerdo con la participación del actor (prefería a Alec Baldwin). <i>"Tuve un almuerzo muy peculiar con Jeffrey Katzenberg y Harold Ramis,"</i> contaba Allen a <b>The Hollywood Reporter</b>. <i>"Katzenberg me propuso la idea del personaje del comandante y luego empezaron a hablar, y quedó claro que Ramis no me veía para el papel. Fue bastante incómodo."</i> Sea como fuere, al final Allen fue contratado, pero en febrero de 1999, se anunció que Ramis dejaba la producción. Otra gran ausencia que debía ser reemplazada con más urgencia que la anterior. <i>"Nos reunimos con tal vez ocho directores, tal vez diez,"</i> explicaba la productora ejecutiva Elizabeth Cantillon en <b>Never Surrender</b>, <i>"pero fue muy rápido."</i> Dean Parisot<b> </b>(<b>Bill y Ted salvan el universo</b>) leyó el guión y quiso hacerlo, y Johnson, con quien había trabajado en <b>Todo queda en casa</b> (1998), le ofreció el proyecto. Para DreamWorks era un desconocido, pero el apoyo incondicional de Johnson hizo que Parisot fuera contratado.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div><div style="text-align: justify;">Allen fue el primer actor en sumarse a la película, a cambio de un sueldo de 2 millones de dólares. El actor decidió no basarse en William Shatner para componer a Jason Nesmith / Comandante Peter Quincy Taggert. <i>"Me gustó la forma en que Yul Brynner se sentó en su trono en <b>Los diez mandamientos</b>,"</i> confesaba Allen a la <b>MTV</b>. <i>"Trabajé a partir de eso. Estudié eso. Bueno, alquilé la cinta."</i> Ahora quedaba enrollar al resto de la tripulación de la "NSEA Protector".</div><div style="text-align: justify;">Sigourney Weaver se emperró en conseguir el papel de Gwen DeMarco / Teniente Tawny Madison, y tuvo que luchar para que la contrataran. <i>"Había oído que Harold estaba dirigiendo una película de ciencia ficción, pero que no quería a nadie que hubiera hecho ciencia ficción," </i>explicaba la actriz a <b>The Hollywood Reporter</b>. Al final se llevó el gato al agua. <i>"Lo primero que le dije a Dean fue que la teniente Tawny Madison tenía que ser rubia y tener tetas grandes,"</i> comentaba divertida la actriz al mismo medio. Tanto le gustaba su caracterización, que en ocasiones se iba al hotel con la peluca rubia y los pechos aumentados al acabar el día.</div><div style="text-align: justify;">El británico Alan Rickman se hizo con el papel de Alexander Dane / Dr. Lazarus, y su interés por el proyecto vino porque, el de <b>Héroes fuera de órbita</b> era, <i>"realmente uno de los guiones más divertidos que he leído," </i>según contaba a la revista<i> </i><b>Starlog</b>.</div><div style="text-align: justify;">Le ofrecieron el papel de Guy Fleegman a Sam Rockwell, pero inicialmente lo rechazó. El actor se había comprometido en hacer una película con Marisa Tomei, y tenía dudas de participar en <b>Héroes fuera de órbita</b>, ya que quería enfocar su carrera para ser un actor de carácter, al final fue Kevin Spacey quien le convenció de aceptar el papel. <i>"Pensé que podría interpretar a Guy Fleegman y aún hacer <b>El cazador</b>,"</i> confesaba el actor a <b>The Hollywood Reporter</b>. <i>"Puedo interpretar a un bufón y luego darle la vuelta con un papel versátil en la próxima película."</i> Sus referentes para componer a Guy fueron, según explicaba a <b>MTV</b>, <i>"Bill Paxton en <b>Aliens</b> mezclado con Michael Keaton en <b>Turno de noche</b>."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8iqdYJTMeoq4iqs_k2lZIsZ8INoIfFakbXHrZMeWCdNgIGGBI9MDiAcorfaMQ9z9_OwRnnEq9cdx2Mvrb6M0919r7c7DLSBU5kn-0DNdnFoHkBrQxcTTdtx0PhzOrF1RTxKhQ/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="600" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi8iqdYJTMeoq4iqs_k2lZIsZ8INoIfFakbXHrZMeWCdNgIGGBI9MDiAcorfaMQ9z9_OwRnnEq9cdx2Mvrb6M0919r7c7DLSBU5kn-0DNdnFoHkBrQxcTTdtx0PhzOrF1RTxKhQ/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+03.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Se consideró a David Alan Grier (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/12/jumanji.html" target="_blank">Jumanji</a></b>) para el papel de Tommy Webber / Laredo, pero el finalmente escogido fue Daryl Mitchell. Parisot había trabajado con él en <b>Todo queda en casa</b> (1998), e insistió en que lo contrataran. Como era más joven que el resto del reparto, tuvieron que justificar su edad, haciendo que en la serie original su personaje fuera un niño, el cual fue interpretado Corbin Bleu.</div><div style="text-align: justify;">A Tony Shalhoub le enviaron el guión y tuvo una reunión con Parisot, en la que lo consideraron para interpretar a Guy Fleegman, cuando Rockwell aún se lo estaba pensando. Cuando al final el protagonista de <b>Moon</b> aceptó el papel, a Shalhoub le ofrecieron el de Fred Kwan / Chen, que originalmente era asiático. <i>"Dije: 'No voy a interpretar a un tipo asiático, pero interpretaré a un tío que interpreta a un asiático. ¿Qué hay sobre eso?'," </i>contaba el actor a<i> </i><b>MTV</b>.</div><div style="text-align: justify;">Enrico Colantoni leyó el guión mientras rodaba la serie <b>Dame un respiro</b> (1997-2003), e hizo una audición para interpretar a uno de los aliens con Parisot y Debra Zane, en la que puso una peculiar voz que había ensayado, y cuando el director la oyó, supo que había encontrado la forma en la que hablarían los thermianos. Así Colantoni fue contratado para dar viada su líder, Mathesar. Y para las audiciones del resto de actores que interpretaron a los demás extraterrestres, trataron que imitaran la voz de Colantoni.</div><div style="text-align: justify;">En el caso de Missi Pyle, llegaron a mostrarle la audición de Jed Rees para el papel de Mathesar (actor que terminó interpretando a Teb) para que supiera como debía comportarse su personaje. Al final Pyle fue escogida para dar vida a Laliari, por delante de Jennifer Coolidge, otra contendiente al papel. Tanto creía en ella la directora de casting Debra Zane, que grapó a su tarjeta del "Casting Society of America" a la audición y se la envió a Parisot, diciendo que si no la escogían, abandonaría la película. Por suerte, eso no fue necesario.</div><div style="text-align: justify;">Justin Long se hizo con el papel de Brandon, y eso que los otros contendientes eran Kieran Culkin, Eddie Kaye Thomas y Tom Everett Scott. Long había rodado un piloto, cuya directora de casting era Bonnie Zane, hermana de Debra Zane, quien le recomendó al actor para el papel de friki. La película significó su debut en el cine. Parisot le dio a Long un documental llamado <b>Trekkies</b> (1997), para que éste se preparara su papel de fan de la ciencia ficción.</div><div style="text-align: justify;">Rainn Wilson (<b>The Office</b>) hizo su debut en el cine interpretando al thermiano Lahnk. El papel era originalmente más grande, pero como se había comprometido con el piloto de la serie <b>The Expendables</b> (1999) y un pequeño papel en <b>Casi famosos</b> (2000), al final fue recortado.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Robin Sachs (como el villano Sarris), Patrick Breen (en el papel de Quellek), y Jeremy Howard (dando vida a Kyle).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal comenzó el 19 de abril de 1999, y se extendió hasta el 13 de agosto del mismo año. La película se rodó principalmente en los Culver Studios (California) y para los exteriores se utilizaron diferentes localizaciones de Los Angeles. Y sólo salieron de California para viajar al Goblin Valley State Park (Utah), que dio vida al planeta desértico.</div><div style="text-align: justify;">Los decorados fueron diseñados por la directora artística Linda DeScenna, toda una experta trekkie, ya que había sido la decoradora de <b>Star Trek: La película</b> (1979). Cuando Ramis era el director al cargo del proyecto, la serie de televisión se situaba a finales de los 60, y así DeScenna fue creando los sets con la estética de esa época, pero una vez Parisot fue contratado, la serie pasó a ser de finales de los 70, más acorde con la edad de los actores, y la directora artística tuvo que modificar los sets para adaptarlos a esa década.</div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiymYj2aEpJveZqlShOYvCeW8XEsVZHThVg49LvpFbJNg1i7wUiX1CnX7lkDvvt4_GsYT7040MloRmvI-EhmNuZupPbOM6XMQB9FN92mYSO9UVQy4OLmV7lttG-N9IbALIuE0M/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="600" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhiymYj2aEpJveZqlShOYvCeW8XEsVZHThVg49LvpFbJNg1i7wUiX1CnX7lkDvvt4_GsYT7040MloRmvI-EhmNuZupPbOM6XMQB9FN92mYSO9UVQy4OLmV7lttG-N9IbALIuE0M/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+04.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Antes de empezar el rodaje, los actores que interpretaban a los thermianos, se reunieron durante una semana, en lo que llamaron la "Escuela Thermiana", para ensayar las voces y gestos de los aliens, y de esa forma ser un grupo afinado cuando empezase el rodaje. <i>"Tenemos una forma de caminar específica,"</i> contaba Jed Rees a la revista <b>Starlog</b>. <i>"Normalmente, cuando caminas, tu pierna va con tu brazo opuesto; con los thermianos, la misma pierna y brazo se mueven juntos. [...] La forma de caminar fue creada simbióticamente."</i></div><div><div style="text-align: justify;">Fue un rodaje muy divertido donde todos se llevaron de maravilla y reinó el buen ambiente. Allen no paraba de bromear, como recordaba Shalhoub a <b>MTV</b>, había <i>"muchas bromas de pedos con Tim. Algunas no eran bromas, eran </i><i>realmente </i><i>pedos."</i></div></div></div><div style="text-align: justify;">Y esa costumbre de bromear entre tomas de Allen, fue la que provocó que al comienzo del rodaje, no hubiese un buen entendimiento entre él y Rickman. <i>"No creo que le agradara mucho cuando empezamos a rodar <b>Héroes fuera de órbita</b>,"</i> confesaba el protagonista de <b>¡Vaya Santa Claus! </b>a <b>The Hollywood Reporter</b>. Además el estilo de interpretación de Allen surgido del mundo del stand-up, chocaba con el de Rickman, proveniente del teatro británico, pero al final se terminaron haciendo amigos. <i>"Un día en el set,"</i> contaba Allen al mismo medio, <i>"Alan se acercó a mí y se disculpó. Dijo que confundió mi comportamiento con falta de compromiso." </i></div><div style="text-align: justify;">Síntoma del buen rollo entre los actores, se vio relejado el día del cumpleaños de Daryl Mitchell, Weaver contrató una stripper para que hiciera un baile erótico en el set. La vistieron con uno de los uniformes de la película y la hicieron pasar por una extra, cuando comenzó a bailar, Weaver salió por patas del lugar. Además, cuando el rodaje coincidió con 20º aniversario de <b>Alien</b> (1979), Weaver se presentó a la proyección de la película en el "Egyptian Theater", con sus compañeros de <b>Héroes fuera de órbita</b> (y por supuesto con su peluca rubia).</div><div style="text-align: justify;">Hubo algunas presiones por parte del estudio, como por ejemplo, eliminar toda la subtrama de Justin Long. De hecho, una vez ya iniciado el rodaje, el director de producción quiso eliminar una de las mejores escenas de la película, aquella en la que en medio de una situación límite, la madre de Long le obliga a sacar la basura. Parisot se enfrentó a él, y al principio aceptó no filmarla, pero cuando un día terminaron de rodar antes de tiempo, aprovechó y rodó rápidamente la escena con Long y las bolsas de basura, consiguiéndolo en tan sólo dos tomas.</div><div style="text-align: justify;">En el último momento, el estudio también quiso cambiar el diseño de los thermianos, creado por el Stan Winston Studio, una vez las cinco marionetas de silicona estaban construidas y cuando sólo quedaban tres semanas para que las filmaran en el set. Spielberg vio a los aliens con aspecto de pulpo, y le parecieron demasiado feos, y prefirió que tuvieran un aspecto más cercano a los de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/09/encuentros-en-la-tercera-fase.html" target="_blank">Encuentros en la tercera fase</a></b> (1977). Winston habló con Spielberg y le convenció para mantener los diseños que habían creado. </div><div style="text-align: justify;">Todos los aliens de la película fueron creados por el Stan Winston Studio, incluida la cabeza del Dr. Lazarus. Para dar vida a Sarris, emplearon una técnica desarrollada por Winston para la versión nunca realizada de <b>El planeta de los simios</b> que iba a dirigir James Cameron, y que permitía que las expresiones faciales de un actor se reflejasen en una aplicación de maquillaje externa.</div><div style="text-align: justify;">Y como se trataba de una parodia de <b>Star Trek</b>, tuvieron que tener sumo cuidado con el diseño de la nave "NSEA Protector", para evitar una demanda de Paramount. Los abogados de DreamWorks estuvieron supervisando el trabajo de los artistas. A uno de los asistentes de producción de ILM se le ocurrió como esquivar una posible demanda, y el número de la nave (3120) fue precedido de las siglas NTE, que significaba "Not the Enterprise" (No es el Enterprise). <i>"Así podríamos defendernos ante un tribunal,"</i> explicaba Bill George, co-supervisor de efectos visuales en el documental <b>Never Surrender</b>, <i>"y decir: 'No es el Enterprise, porque lo dice aquí mismo'."</i></div><div style="text-align: justify;">Pero pese a lo que pueda parecer, DreamWorks dejó bastante tranquilos al equipo de <b>Héroes fuera de órbita</b>, sobre todo porque estaban también realizando <b>Gladiator</b> (2000), que atravesaba por problemas de todo tipo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfgrFy2rxITb3wg58GTs0Zw-xJcJ1xxeQwt-iq5FmOnNg8Qbhed3vf4I-KNPa_pxCg2dnRD6hovwUC3mNlyHLiT3maW-dpPXvO3wjKBr2i3Voq2Hc62Pb-ToCSjTAlEbgnSCz2/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="600" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfgrFy2rxITb3wg58GTs0Zw-xJcJ1xxeQwt-iq5FmOnNg8Qbhed3vf4I-KNPa_pxCg2dnRD6hovwUC3mNlyHLiT3maW-dpPXvO3wjKBr2i3Voq2Hc62Pb-ToCSjTAlEbgnSCz2/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+05.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Lo curioso es que muchas situaciones e incluso algunos personajes, se fueron inventando sobre la marcha. Por ejemplo, cuando los protagonistas aterrizan en el planeta desértico, originalmente no hacían ningún tipo de comprobación de su atmósfera, Allen se dio cuenta de ello y se lo comento a Parisot. Al final lo resolvieron de forma cómica, con Rockwell improvisando totalmente enloquecido su preocupación sobre si habrá aire, y con Shalhoub dando un par de bocanadas y diciendo simplemente: <i>"¿Creo que sí?"</i>. Para otra escena, Rockwell le pidió permiso a Gordon cambiar la frase de su personaje a <i>"Eso no vale", </i>cuando ve a Kwan y Laliari besándose. <i>"Olvidé lo que escribí,"</i> confesaba Gordon a <b>MTV</b>, <i>"pero no fue tan bueno como eso." </i>Y fue idea de Shalhoub el abrazo en grupo en la sala de motores.</div><div style="text-align: justify;">El personaje que interpreta Shalhoub fue cambiando a lo largo del rodaje. Simplemente no funcionó tal cual estaba escrito originalmente (esa idea de que interpretaba a un asiático), así que crearon uno nuevo, y de esa forma Fred Kwan se convirtió en un fumeta (aunque nunca se dice explícitamente). Shalhoub se inspiró en David Carradine en la serie <b>Kung Fu</b>. <i>"Escuché que estaba fumado todo el tiempo, y fuera cierto o no, lo usamos como punto de partida para Fred Kwan,"</i> explicaba Shalhoub a <b>The Hollywood Reporter</b>. Y el actor le añadió algunas ideas para completar el personaje, como que siempre llevase una bolsa de papel con comida. <i>"Dean y los escritores, nos lo inventamos sobre la marcha,"</i> confesaba Shalhoub a <b>AV Club</b>.<i> </i>Además se le dio un interés romántico con el personaje de la alien Laliari.</div><div style="text-align: justify;">Por otro lado, Spielberg creyó que Laliari debía tener un mayor protagonismo. <i>"Vino y vio mi personaje y maquillaje, y decidió que debería ser un papel mayor,"</i> contaba Missi Pyle a <b>MTV</b>. <i>"Se suponía que sólo debía estar en dos escenas, y luego se dieron cuenta de que no tenían otra mujer excepto a Sigourney Weaver."</i></div><div style="text-align: justify;">Spielberg sólo visitó un día el set de rodaje. Y fue el día en que Allen debía rodar la escena en la que le confiesa a Mathesar que realmente es un actor. Mientras veía a Allen entregado en la escena toma tras toma, el director de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b> le comentó a Parisot lo mucho que le sorprendía su interpretación, y después felicitó al actor por ello. Una vez terminó la última toma, Allen se fue totalmente emocionado a su trailer. Según se explica en el documental <b>Never Surrender</b>, Rickman le dijo a Parisot: <i>"Dios mío, creo que acaba de sentir la actuación."</i></div><div style="text-align: justify;">Ese día con Spielberg en el set, éste demostró ser uno más del equipo. <i>"Yo estaba bromeando con todos entre tomas y vi a Spielberg hablando con uno de los productores en el dispensador de agua,"</i> contaba Daryl Mitchell a <b>The Hollywood Reporter</b>. <i>"Grité: 'Tío, estoy trabajando muy duro. Ey Steven, tráeme un agua'. Sin interrumpir la conversación, Steven se inclinó, agarró una botella y me la arrojó. El elenco no podía creer que yo hiciera eso, pero Steven era demasiado guay."</i></div><div style="text-align: justify;">Para dar vida al heroico Jason Nesmith, Allen se preparó físicamente para el papel, para ello se sometió a un duro entrenamiento gracias a una entrenadora profesional (Jane Hajduk, que más tarde se convertiría en su mujer), y siguió una estricta dieta.<span style="color: red;"><i> </i></span></div><div style="text-align: justify;">En medio del rodaje, cuando tenían que rodar la escena sin camiseta (ahí la razón de ponerse en forma), Allen se dio cuenta que en ninguna escena posterior se la volvía a poner, y el actor se negó a pasarse el resto de la película sin ella. Así que lo solucionaron simplemente haciendo que la camiseta se teletransportara a la nave con Allen. No tenía mucho sentido, pero pasa bastante desapercibido.</div><div style="text-align: justify;">Cuando tocó rodar la escena en la que Tommy saca la nave de la estación espacial, para simular en el set el ruido de la nave arañándose, el propio Parisot se dedicó a hacer el ruido con la boca para acompañar a la escena.</div><div style="text-align: justify;">Rockwell se preparó para filmar la escena en la que viajan al planeta rocoso en una nave, tomando cuatro tazas de café y dos Excedrin, ya que según explicaba a <b>MTV</b>, <i>"quería estar tan excitado como si tuviera un ataque de nervios en el transbordador."</i> Así obró la magia de uno de los momentos más divertidos de la película.</div><div style="text-align: justify;">En un momento de la película, Sarris se hace pasar por Fred Kwan (Shalhoub) y Nesmith (Allen) pelea con él. Cuando rodaron la escena, Allen golpeó realmente a Shalhoub, así que Parisot decidió cambiar a Allen por un experto especialista y así evitar cualquier tipo de lesión en el actor. </div><div><div><div style="text-align: justify;">El mayor incidente durante el rodaje fue un pequeño incendio que se produjo en el set. Como Parisot decidió rodar en anamórfico, el cual precisa mucha luz, pusieron polietileno brillante en los suelos para darle más vida. El problema es que al encender las luces, el suelo se derritió.</div></div></div><div style="text-align: justify;">Técnicamente la película tiene varios hallazgos interesantes. Por ejemplo, cuenta con tres formatos diferentes, empieza con uno de 1:1.37 (típico de la televisión), cuando se recrea la serie original de <b>"Galaxy Quest"</b>; pasa después a 1:1.85; y en la escena en la que Jason descubre que está en el espacio, el formato vuelve a cambiar, esta vez a 2:1.35 (todavía más grande) y se mantiene con ese formato el resto de la película. Muchos se perdieron ese efecto en el cine, ya que los proyeccionistas no estaban avisados y no abrían las cortinas lo suficiente para apreciarlo. Cuando se dieron cuenta de este error, la producción lo comunicó a los cines.</div><div style="text-align: justify;">Los espectaculares efectos visuales corrieron por cuenta de la "Industrial Light and Magic", que se encargó de crear para la ocasión más de 300 planos con efectos visuales, bajo la supervisión de Bill George.</div><div style="text-align: justify;">Para hacer creíbles los movimientos de la nave "NSEA Protector", se construyó el set sobre una plataforma articulada, la cual podía levantarse varios centímetros del suelo e incluso simular las sacudidas provocadas por los impactos recibidos.</div><div style="text-align: justify;">David Newman fue contratado para poner música a las aventuras de <b>"Galaxy Quest"</b>. El compositor llegó al proyecto a través de Jeff Carson, el supervisor musical de la película. Y lo primero que hizo fue componer el tema principal, el cual le salió a la primera, y del que hizo dos versiones. <i>"Uno era una parodia del tema original de <b>Star Trek</b>,"</i> contaba el compositor a <b>Go See Talk</b>, <i>"con los coros y los elementos de bossa nova, que escribió Sandy Courage, y el otro era el tema que se incluyó en la película, el tema 'heroico'."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqoDT1lBUR5pSXffl8bdYrR4PLUkW0Gzok9GMIVfHo6H-cdgvPw-0i-oLLn0GQSLRbF-gWgImvAwMw520GKyHuOQCAyKRhR7xE8DXE103T4Y6qE3GqEcdiOS8QU6CPRTQaZGfh/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="600" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiqoDT1lBUR5pSXffl8bdYrR4PLUkW0Gzok9GMIVfHo6H-cdgvPw-0i-oLLn0GQSLRbF-gWgImvAwMw520GKyHuOQCAyKRhR7xE8DXE103T4Y6qE3GqEcdiOS8QU6CPRTQaZGfh/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+06.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><i>"DreamWorks no sabía qué hacer con la película,"</i> declaraba Johnson a <b>The Hollywood Reporter</b>. Pese a toda la libertad que tuvieron durante el rodaje, DreamWorks decidió en el último momento que sería su película para las navidades, para competir contra <b>Stuart Little</b> (1999). </div><div style="text-align: justify;">Cuando hicieron un pase de prueba de la película, la recepción no fue la deseada, ya que se esperaban una película de corte más infantil y se encontraron con algo diferente. Terry Press, la responsable del marketing, no pudo presentarse a dicho pase por estar embarazada de gemelos. <i>"Si hubiera estado allí, se habría dado cuenta de que se trataba de una película para el público,"</i> declaraba Johnson a <b>MTV</b>. Así que la campaña de promoción nunca fue la adecuada, y lo que es peor, fue insuficiente. No sabían que tenían un diamante en bruto entre manos, y la película llegó a las salas de cine sin apenas promoción. Allen viajó a Australia, pero poco más.</div><div><div style="text-align: justify;">Al final cortaron varias escenas e hicieron cambios para acercarla al público infantil. La película originalmente tenía un humor más enfocado en los adultos, lleno de tacos, y violencia. <i>"Cuando la escribí originalmente, no estaba pensando en una película familiar, sólo en lo que quería ver,"</i> confesaba Gordon a <b>MTV</b>. <i>"Entonces, cuando la nave aterriza en el sala de convenciones en el borrador original, decapita a un grupo de personas. También filmamos cosas en las que Sigourney intenta seducir a algunos extraterrestres."</i> Además en la escena de los masticadores originalmente Weaver gritaba: "Well, fuck that!", pero lo doblaron para que dijese el mucho más suave: "Well, screw that!". Si no uno se fija bien en la versión original, verá que la frase que dice no coincide con sus labios. Además hicieron incluir la escena en la que la limusina que lleva a Jason Nesmith sale volando, para dejar claro que todo lo que ocurre era real, ya que originalmente el personaje se quedaba dormido y cuando se despertaba ya estaba en la nave espacial, lo que creaba la ambigüedad de si todo lo que narraba la película era un sueño.</div><div style="text-align: justify;">La película se estrenó el 25 de diciembre de 1999, y recaudó en Estados Unidos 71.583.916 de dólares, siendo su recaudación final a nivel mundial de 90.683.916 de dólares. Tendiendo en cuenta que su presupuesto fue de 45 millones de dólares, salvó los muebles, pero se quedó lejos de la taquilla que podría haber hecho.</div></div><div style="text-align: justify;">Al final <b>Héroes fuera de órbita </b>hizo suya la frase nunca abandonar, nunca rendirse, y poco a poco se ha convertido en una película de culto, y ha conseguido una legión de fans tan fiel como la trekkie. Además ya cuenta con su propio documental <b>Never Surrender: A Galaxy Quest Documentary</b> (2019).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>ESCENAS ELIMINADAS</b></div><div style="text-align: justify;">Existen varias escenas cortadas del montaje final, que han sido incluidas en las ediciones de vídeo doméstico. Son las siguientes:</div><div style="text-align: justify;">1. Los thermianos llevan a los protagonistas a la sala del reactor, y le piden ayuda a Fred Kwan para resolver un difícil problema, algo que hace éste hace gracias a la ayuda de un ingeniero thermiano, pero se lleva él todo el mérito.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEin-8zzYcBA1NHjG_kb-tE98c7Dc1YfhExft7Sjjts-dmYIeymOPpr58Q_p_lwEI8Jko0CjJeaJ5FjTzhfDhJ9cCsBGIq0Ipm-Jwbv7vmukQIlZM74gMYsTLvanLXVa4fug8fEA/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="258" data-original-width="600" height="173" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEin-8zzYcBA1NHjG_kb-tE98c7Dc1YfhExft7Sjjts-dmYIeymOPpr58Q_p_lwEI8Jko0CjJeaJ5FjTzhfDhJ9cCsBGIq0Ipm-Jwbv7vmukQIlZM74gMYsTLvanLXVa4fug8fEA/w400-h173/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+07.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">2. Quellek le muestra a Dane su habitación en la nave, que dispone de una cama formada por pinchos y un extraño inodoro.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpEyhnbbwRt2mvLIzfreb17O1DU5pTti0nKmqTbgIjXEd2iynCuQDO15YZ2Yr-vDxUy0t_vvpBCmomtgXLabaREzLeBVS85KzWHWqC8ihsIykcS6cMRh6F6MQ9YA75prKIrfsm/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="133" data-original-width="600" height="89" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgpEyhnbbwRt2mvLIzfreb17O1DU5pTti0nKmqTbgIjXEd2iynCuQDO15YZ2Yr-vDxUy0t_vvpBCmomtgXLabaREzLeBVS85KzWHWqC8ihsIykcS6cMRh6F6MQ9YA75prKIrfsm/w400-h89/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+08.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">3. Una versión alternativa de la escena de la conversación entre Jason y Gwen, en la que se deja entrever (de forma más evidente que en la película) que tuvieron algo en el pasado.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYH_JCfIz6NScQdYM84ktm3eTlMW1LSOGm_jM9KjrGWlUGFoGyyThXzVovPQPxXFpyweEEW6DXUoiiVMpkEtzHTkIBPjfEA85oXd1G5VcinoKtT__4zSyLy9225gVzBoIRKJdy/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+09.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="130" data-original-width="600" height="86" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhYH_JCfIz6NScQdYM84ktm3eTlMW1LSOGm_jM9KjrGWlUGFoGyyThXzVovPQPxXFpyweEEW6DXUoiiVMpkEtzHTkIBPjfEA85oXd1G5VcinoKtT__4zSyLy9225gVzBoIRKJdy/w400-h86/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+09.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">4. Guy exagera cuando su pie queda atrapado en una zanja, Jason le ayuda y hace su "pose vigorosa".</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgP0I6ebZPE0EG11hKepC_OCaMcnjlctmX2hCn2uRXaF_WsQS1m3CuQWkBiWVZM6cGqYG_Qj3c25STnduva8IEPBKuXaYlbydauSYr71y2hBDGkpT6aBn52Ice1gN8Kc504oSZ/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="130" data-original-width="600" height="86" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgP0I6ebZPE0EG11hKepC_OCaMcnjlctmX2hCn2uRXaF_WsQS1m3CuQWkBiWVZM6cGqYG_Qj3c25STnduva8IEPBKuXaYlbydauSYr71y2hBDGkpT6aBn52Ice1gN8Kc504oSZ/w400-h86/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+10.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">5. La lucha entre Jason y el monstruo de rocas es más larga, y se incluye un momento en el que Dane usa un método de interpretación para descubrir la motivación del monstruo. Al final, Jason lanza unas piedras para atraer a éste hacia una garganta, y el monstruo queda sepultado por unas rocas, pero se recompone rápidamente.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhywl5FnzvItB1pK7X8YlJLUbXOVuzzNA29D0e_ri5p7bz6-Di2q4Y4QIKffUVDULmu0mNWKQDCU9MuP6Jqdk6joHqLWhr9QgyQFZyMs5yWXsWuMPOqJELDaPOALuP2daPEQuyL/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+11.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="130" data-original-width="600" height="86" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhywl5FnzvItB1pK7X8YlJLUbXOVuzzNA29D0e_ri5p7bz6-Di2q4Y4QIKffUVDULmu0mNWKQDCU9MuP6Jqdk6joHqLWhr9QgyQFZyMs5yWXsWuMPOqJELDaPOALuP2daPEQuyL/w400-h86/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+11.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">6. Cuando Jason y Gwen van a apretar el botón azul para activar el "Omega 13", aparecen dos esbirros de Sarris y ella trata de seducirlos, cuando se colocan delante de una de las compuertas, ella pide al ordenador que la cierre y los aplasta.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbxcwPqyL5FgtD0hw86FKs0vxM00p8n6f40V8ay8r0hhpSi-iMfYikaXU2VuGGnc1D3O8quvm31Pqk-4orjkVQjkQ0tkV7sfiVFVWhvuOsp2JAtvHnhL3jpvEtE7zPAaYnmk3j/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="129" data-original-width="600" height="86" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbxcwPqyL5FgtD0hw86FKs0vxM00p8n6f40V8ay8r0hhpSi-iMfYikaXU2VuGGnc1D3O8quvm31Pqk-4orjkVQjkQ0tkV7sfiVFVWhvuOsp2JAtvHnhL3jpvEtE7zPAaYnmk3j/w400-h86/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+12.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">7. Mientras tratan de aterrizar la nave en el parking de la convención, Sarris se despierta y todos comienzan a luchar contra él.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPZmOPRNxDDeAVvR0F5UVb_wvPxSoQlCP4n-VAkuUoLE8dM8PTkWs3sq8v3LmyDUJjNh1rmsv5vqGpUzv3onvh1LuYl_NMtB6_0wvDkPjeeL1GfJeNeMQr_hDTqLGWwUIlQFiW/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="132" data-original-width="600" height="88" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhPZmOPRNxDDeAVvR0F5UVb_wvPxSoQlCP4n-VAkuUoLE8dM8PTkWs3sq8v3LmyDUJjNh1rmsv5vqGpUzv3onvh1LuYl_NMtB6_0wvDkPjeeL1GfJeNeMQr_hDTqLGWwUIlQFiW/w400-h88/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+13.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div></div><div style="text-align: justify;"><b>Hérores fuera de órbita</b> es posiblemente la comedia más infravalorada de los 90, cuando se trata de una de las mejores que salieron de aquella década.</div><div style="text-align: justify;">Lo más brillante de la película, y en lo que me parece adelantada a su tiempo, es que funciona a dos niveles, por una parte es una gran parodia de <b>Star Trek</b>, pero a la vez funciona como aquello que parodia, ya que es una excelente y entretenidísima película de ciencia ficción. Algo a lo que nos acostumbraríamos después con Edgar Wright y su "Trilogía del Cornetto", pero ahí estaba primero <b>Héroes fuera de órbita</b>. E incluso podemos ver la película como un precedente de <b>Guardianes de la galaxia</b> (2014) en su mezcla de <i>space opera</i> y cachondeo.</div><div style="text-align: justify;"><b>Héroes fuera de órbita</b> es una película que trata sobre los fans, de hecho es LA película sobre los fans. Fue la primera que habló sobre esos frikis que acuden a convenciones y lo saben todo sobre una serie. Y la película nos cuenta como la pasión de estos fans hacen realidad aquello que tanto admiran. Los thermianos logran basar su sociedad (su universo particular), de lo que han aprendido de la serie de televisión, e incluso han construido a escala real la nave "NSEA Protector". Y el corazón de la película está en el personaje de Justin Long, quien no sólo descubre que las aventuras de sus héroes son reales, si no que además termina formando parte de ellas.</div><div style="text-align: justify;">Al mismo tiempo, los protagonistas de la serie tienen la oportunidad de dar vida en el mundo real aquellos personajes que inmortalizaron en la pequeña pantalla, y sólo necesitan que alguien crea en ellos para hacerlo realidad. De esa forma, la ficción se vuelve realidad, de una forma sutil esos personajes de ficción cobran vida.</div><div style="text-align: justify;">Hay guiños claros a <b>Star Trek</b>, pero muy bien integrados en la trama, desde la broma sobre como Jason siempre pierde su camiseta (algo que frecuentemente le sucedía a Kirk), pasando por la escena de la nave saliendo del muelle espacial como parodia de una escena similar en <b>Star Trek: La película</b> (1979), y la lucha de Jason con el monstruo de piedra en un planeta desértico, que recuerda a la famosa escena de William Shatner luchando contra un monstruo reptiliano en el episodio <b>"Arena"</b>, incluso en <b>Star Trek V: La última frontera</b> (1989) estaba previsto que hubiese un monstruo de piedra, pero fue eliminado del montaje final.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMlR8D3DGKS1D9FnETRtmgqRbx_4IuQOmCq1OVXYeUxBHWbI3G7YkUXLSlWvILvpaqqalAw_ThLMucH3COFZO81q6kspYv2_qhx6fxd2Z3ztiw0XMJLLuiUhMsXuBh8Of-sKlC/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+14.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="600" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjMlR8D3DGKS1D9FnETRtmgqRbx_4IuQOmCq1OVXYeUxBHWbI3G7YkUXLSlWvILvpaqqalAw_ThLMucH3COFZO81q6kspYv2_qhx6fxd2Z3ztiw0XMJLLuiUhMsXuBh8Of-sKlC/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+14.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">A Jason le encanta ser el comandante y recibir todo el reconocimiento, por eso abraza la propuesta de ayudar a los thermianos, porque puede ser realmente el comandante Peter Quincy Taggert. Entre él y Gwen hay una atracción, pero a ella no le gusta su lado egoísta, y sólo una vez Jason pasa por todo su arco hasta ser un auténtico líder, que ella lo acepta. Y es que los personajes están muy bien definidos y nos interesan, y sobre todo nos divierten. Funcionan muy bien como un equipo, y su dinámica es fantástica (por ejemplo, entendemos esa rivalidad entre actores de Jason y Dane). Toma como referentes los personajes de <b>Star Trek</b>, pero les da una vuelta y hace que tengan personalidad propia, aunque podemos ver rasgos de Kirk/Shatner en Jason/Allen o de Spock/Nimoy en Dane/Rickman. Y los thermianos, unos extraterrestres tan inocentes que no entienden el concepto de mentir, sólo pueden caernos bien, y ese aspecto hace que resulte creíble que se tomen la serie como algo real.</div><div style="text-align: justify;">Uno de los puntos fuertes de la película es su reparto. Tim Allen nunca ha estado mejor que en <b>Héroes fuera de órbita</b>, nos resulta totalmente creíble como la estrella de una serie de televisión de ciencia ficción (hay que recordar la popularidad que contaba con <b>Un chapuzas en casa </b>y que puso voz a Buzz Lightyear en <b>Toy Story</b>), y es perfecto como remedo de William Shatner sin llegar a imitarlo directamente. Alan Rickman está muy divertido como ese Leonard Nimoy cansado del papel que le dio la fama, y vuelve a demostrar su don para la comedia (e interpreta a un actor Shakesperiano que trabaja en ciencia ficción, y justo él era un actor shakesperiano haciendo ciencia ficción). Sigourney Weaver hace un papel opuesto a Ripley y demuestra que tiene una gran vis cómica. Tony Shalhoub consigue sacar oro de un personaje, que sobre el papel no tiene nada. Pero el que se lleva la palma es un divertídisimo Sam Rockwell, nadie como él para dar vida a un idiota de forma memorable.</div><div style="text-align: justify;">El guión funciona como un tiro y hay escenas que demuestran que estamos ante algo más que una buena comedia. Como por ejemplo, en la escena en la que Alexander Dane recita para Quellek su famosa frase del martillo de Grabthar. Esta escena sirve para que, por una parte Dane haga las paces con su personaje y lo acepte, por otro le regala a un fan que las últimas palabras que oiga sean la frase que el actor se niega siempre a decir y que tanto le gusta, y a otro nivel encaja con la escena ya que cuando jura venganza, realmente venga la muerte del thermiano. Es una escena perfecta.</div><div style="text-align: justify;">Y hay hueco para otros momentos dramáticos, como la confesión de Jason a Mathesar diciéndole que es un actor.</div><div><div style="text-align: justify;">Pero la película donde brilla, es por supuesto en los momentos de comedia, y está plagada de muchos geniales. Uno de mis preferidos es cuando todos los protagonistas son transportados a la estación espacial y llegan totalmente mareados y fuera de sí, pero el personaje de Fred Kwan está tranquilo como si no hubiera pasado nada. Y tiene otros muy sutiles que pasan prácticamente desapercibidos, como que Dane lleve a lo largo de toda la película el maquillaje del Dr. Lazaraus (siempre está metido en el personaje) incluso cuando está en casa, y conforme avanza la película se va deteriorando. O que Kwan interprete a un oriental en la serie, pero sólo de forma intermitente, como si en ocasiones no se acordase de ello.</div></div><div style="text-align: justify;">Me gusta como cierran la película, con imágenes del regreso a la televisión de la nueva temporada de <b>"Galaxy Quest"</b>, utilizando los créditos de esta serie con la presentación de cada personaje para usarlo como créditos finales de la película, como esas películas (normalmente bélicas) que cierran con una cortinilla similar. Aquí está integrado de una forma muy orgánica.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-nHrZfSrhnV0CvAarg3lZ2DWUduAgSCjKbDXzbtxC1ZFFK1J6UToq9OxbBkWGTq9UKP4Fe9LzUcBUHG0j1ls169k8v63pSmPXtIWRvO5apjs6O6uAzh2fyxmPSu9gslrnFe1M/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+15.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="261" data-original-width="600" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-nHrZfSrhnV0CvAarg3lZ2DWUduAgSCjKbDXzbtxC1ZFFK1J6UToq9OxbBkWGTq9UKP4Fe9LzUcBUHG0j1ls169k8v63pSmPXtIWRvO5apjs6O6uAzh2fyxmPSu9gslrnFe1M/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+H%25C3%25A9roes+fuera+de+%25C3%25B3rbita+15.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La película toma el mismo <i>high concept</i> de <b>Tres amigos</b> (1986), pero lo mejora. Donde aquella se quedaba en la broma fácil, <b>Héroes fuera de órbita</b> le añade varias capas al conjunto.</div><div style="text-align: justify;"><b>Héroes fuera de órbita </b>es una gran comedia de ciencia ficción, que gana con los años. Está llena de diversión, espectáculo y cariño por los fans. Es mejor película de <b>Star Trek</b>, que la mayoría de las películas de <b>Star Trek</b> (y tiene mejores efectos especiales). Así que por el martillo de Grabthar, darle una oportunidad a esta película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Robert Gordon no leyó el guión de David Howard, hasta después de que la película estuvo terminada.</div><div style="text-align: justify;">Paul Rudd hizo una audición para la película.</div><div style="text-align: justify;">Al final de la película se dice que la serie <b>"Galaxy Quest"</b> regresa con nuevos episodios, 18 años después de su cancelación. <b>Star Trek: La nueva generación</b> (1987-94) se estrenó 18 años después de la cancelación de <b>Star Trek</b> (1966-69).</div><div style="text-align: justify;">Tim Allen, es un gran fan de la ciencia ficción, y durante el rodaje le insistió a Sigourney Weaver para que le firmase un trozo de atrezzo que poseía de <b>Alien</b> (1979). Al final lo consiguió, y ella escribió: "Robado por Tim Allen. Con amor, Sigourney Weaver."</div><div style="text-align: justify;">En 2008, se comenzó a publicar el cómic de <b>"Galaxy Quest"</b>, obra de Scott Lobdell e Ilias Kyriazis, a modo de secuela de la película.</div><div style="text-align: justify;">Ganó el premio Saturn al mejor actor (Tim Allen). Y fue nominada en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor director (Dean Parisot), mejor actriz (Sigourney Weaver), mejor actor secundario (Alan Rickman), mejor interpretación de un joven actor/actriz (Justin Long), mejor música (David Newman), mejor vestuario (Albert Wolsky), mejor maquillaje (Stan Winston, Hallie D'Amore y Ve Neill), y mejores efectos especiales (Stan Winston, Bill George, Kim Bromley y Robert Stadd).</div><div style="text-align: justify;">Ganó el premio Hugo a la mejor presentación dramática (Dean Parisot, David Howard y Robert Gordon).</div><div style="text-align: justify;">Dos actores de la película han trabajado en series de <b>Star Trek</b>, Heidi Swedberg lo hizo en un episodio de <b>Star Trek: Espacio Profundo Nueve</b> (1993-99) y Rainn Wilson en dos episodios de <b>Star Trek: Discovery</b> (2017).</div><div style="text-align: justify;">Gordon escribió la frase, <i>"Por el martillo de Grabthar"</i>, de forma temporal, para cambiarla posteriormente por una mejor, pero cuando vio que comenzaron a imprimir camisetas con ella, se terminó quedando tal cual estaba.</div><div style="text-align: justify;">En 2015, se anunció la realización de una serie con todo el reparto de regreso, pero la muerte de Alan Rickman en 2016 echó al traste el proyecto.</div><div style="text-align: justify;">La película se ha vuelto muy popular entre los fans de <b>Star Trek</b>, tanto que en la "Star Trek Convention" de 2013 en Las Vegas, entró dentro de la votación de las mejores películas de la saga, y se colocó en el puesto 7º del ranking</div><div style="text-align: justify;">La revista Rolling Stone la situó en el puesto 79, de su lista de "Las 150 mejores películas de ciencia ficción de todos los tiempos".</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Never Surrender: A Galaxy Quest Documentary</b> (2019)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.mtv.com/news/uoge5x/galaxy-quest-oral-history" target="_blank">'Galaxy Quest': The Oral History</a></b> (MTV, 23 jul 2014)</div></div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (Nº 269, 270)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://goseetalk.com/interview-galaxy-quest-composer-david-newman-to-conduct-20th-anniversary-concert/" target="_blank">Exclusive: Interview…Composer David Newman to Conduct 20th Anniversary Concert for ‘Galaxy Quest’</a></b> (Go See Talk, 6 dic 2019)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.hollywoodreporter.com/news/general-news/tim-allen-recalls-how-he-857267/" target="_blank">Tim Allen Recalls How He Won Alan Rickman Over: "I Don't Think He Liked Me All That Much"</a></b> (The Hollywood Reporter, 19 ene 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.hollywoodreporter.com/movies/movie-news/dreamworks-screwed-up-why-galaxy-quest-wasnt-a-bigger-hit-1264866/" target="_blank">DreamWorks "Screwed Up": Why Cult Classic 'Galaxy Quest' Wasn't a Bigger Hit</a></b> (The Hollywood Reporter, 24 dic 2019)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/missi-pyle-has-been-in-seemingly-half-the-movies-you-ve-1798246478" target="_blank">Missi Pyle has been in seemingly half the movies you’ve seen</a></b> (AV Club, 13 abr 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/tony-shalhoub-on-braindead-monk-and-acting-stoned-in-1798249101" target="_blank">Tony Shalhoub on BrainDead, Monk, and acting stoned in Galaxy Quest</a></b> (AV Club, 2 jul 2016)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/enrico-colantoni-on-veronica-mars-galaxy-quest-and-th-1798250052" target="_blank">Enrico Colantoni on Veronica Mars, Galaxy Quest, and the importance of talcum powder</a></b> (AV Club, 16 jul 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0177789/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://screenrant.com/galaxy-quest-rainn-wilson-interview/" target="_blank">Rainn Wilson Interview: Galaxy Quest 20th Anniversary</a></b> (Screen Rant, 23 oct 2019)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.ign.com/articles/2000/02/10/interview-with-galaxy-quest-screenwriter-david-howard-part-2-of-3" target="_blank">Interview with GALAXY QUEST screenwriter David Howard</a></b> (IGN, 21 may 2012)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/1999/11/16/galaxy-quest/" target="_blank">Galaxy Quest</a></b> (Entertainment Weekly, 16 nov 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b>Hanks, Ford outclout film on hizzoner</b> (Chicago Tribune, 1 nov 1998)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.stanwinstonschool.com/blog/galaxy-quest-behind-the-scenes" target="_blank">Making Thermians and other creatures and effects</a></b> (Stan Winston School, 29 abr 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b>Imágenes de actualidad</b> (Nº 189)</div><div style="text-align: justify;"><b>Cinefantastique Magazine - Vol 31 Nº 10</b></div></div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.rollingstone.com/tv-movies/tv-movie-lists/best-sci-fi-movies-1234893930/starman-1984-3-1234930845/" target="_blank">The 150 Greatest Science Fiction Movies of All Time</a></b> (Rolling Stone, 1 ene 2024)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-27097959389679607392024-01-04T03:30:00.000-08:002024-01-04T03:30:30.855-08:00Repaso al 2023<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcUHhPhBv_f3qyR9_ftD3LHDj4axHrB1iXU_LEf4mcuO6Oi1zw_65ck9F57nZ0wDdtNeVmNYT3k3ERZiG76JSGgFsanVn7XgHfIHr_yoVPox55M1MDaOP7QgBYVFVLSPE1sx6h6KI2ENLl8CBOemgzfvqGaRaOItX2Ilt6HQYgqRYh95-R1Xw/s1024/Repaso%20al%202023.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="560" data-original-width="1024" height="219" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjcUHhPhBv_f3qyR9_ftD3LHDj4axHrB1iXU_LEf4mcuO6Oi1zw_65ck9F57nZ0wDdtNeVmNYT3k3ERZiG76JSGgFsanVn7XgHfIHr_yoVPox55M1MDaOP7QgBYVFVLSPE1sx6h6KI2ENLl8CBOemgzfvqGaRaOItX2Ilt6HQYgqRYh95-R1Xw/w400-h219/Repaso%20al%202023.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Un 2023 bastante convulso acaba de terminar ¿y qué se recordará de él? La guerra de Gaza, el hundimiento del submarino Titan, los ataques de la orca Gladys y su séquito, la detención en Tailandia de Daniel Sancho tras descuartizar a un hombre, la dimisión de Luis Ribuales tras el beso no consentido a Jenni Hermoso, el terremoto de Marruecos, Pedro Sánchez de nuevo nombrado presidente del gobierno de España, y la guerra de Ucrania aún en activo. Además Taylor Swift arrasó (con nuevo disco, película concierto y una espectacular gira). Y también fue el año de las IAs, que estuvieron en boca de todos, desde el cine (presente en películas como <b>Misión: Imposible - Sentencia mortal. Parte Uno</b> y <b>The Creator</b>) a series de televisión (<b>Mrs. Davis</b>), pasando por la música (la aparición de una nueva canción de Los Beatles) y como parte importante de las huelgas de la asociación de actores y guionistas.</div><div><br /></div><div style="text-align: center;"><b><span style="font-size: large;">TOP CINE</span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4sjcYGGNpJhHE4zhVgqRGPS5sgkT00P23NF2tcuF6nJ9LNYajPgv6ApvE_9ThAbOyqQJbiftvLAV6RHEygUk_5A-p1DlllYTYXxvqHzUMGInAJcOmyh6q1W8Thyd5MT6WI8WCSQl4EFpy2RTCYy0AEwGw7UnQ-nQNlGzXz-kz6lJD_hF24xM/s600/Top%20cine%202023.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4sjcYGGNpJhHE4zhVgqRGPS5sgkT00P23NF2tcuF6nJ9LNYajPgv6ApvE_9ThAbOyqQJbiftvLAV6RHEygUk_5A-p1DlllYTYXxvqHzUMGInAJcOmyh6q1W8Thyd5MT6WI8WCSQl4EFpy2RTCYy0AEwGw7UnQ-nQNlGzXz-kz6lJD_hF24xM/w400-h300/Top%20cine%202023.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">El 2023 fue un año cuanto menos difícil para el cine. Como contaba en la introducción, Hollywood se vio sacudido por la huelga de la asociación de actores (la más larga de la historia) y de guionistas. No sólo eso, la sucesión de fracasos en grandes superproducciones (<b>Flash</b>, <b>The Marvels</b>, <b>Indiana Jones y el dial del destino</b>, <b>Ant-Man y la Avispa: Quantumanía</b>, <b>Wish</b>, <b>Misión: Imposible - Sentencia mortal. Parte Uno</b>, <b>Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones</b>, <b>Fast X</b> por citar sólo los casos más gordos) sembró el pánico en los grandes estudios. Aún así la taquilla sigue en proceso de recuperación tras la pandemia, en Estados Unidos se superaron las cifras del año anterior en un 21%. Fue además el año del Barbenheimer, a raíz del del estreno el mismo día de dos películas tan opuestas como <b>Barbie</b> y <b>Oppenheimer</b>, lo que empezó como un meme, terminó siendo la mejor campaña de publicidad para ambas películas, convirtiéndose la primera en la más taquillera del año. <b>Batgirl</b> fue guardada en un cajón por la Warner, pese a estar terminada. Y <b>Todo a la vez en todas</b> <b>partes</b> se alzó con el Oscar a la mejor película (siendo la primera película de ciencia ficción en conseguirlo).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El 2023 no fue precisamente el año en que más cine vi, pero intenté ser bastante selectivo. Y creo que la cosecha cinematográfica fue bastante buena. A continuación la lista de mis 10 películas preferidas del 2023 en orden alfabético:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Babylon</b> (Babylon)</div><div style="text-align: justify;">Un canto un amor al cine, retratando lo peor de Hollywood, como un reverso tenebroso de <b>Cantando bajo la lluvia</b>. Está llena de excesos y bilis, pero también de buen cine. En unos años será un clásico. Fue mi película favorita del año.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Flora y su hijo Max</b> (Flora and Son)</div><div style="text-align: justify;">John Carney ha vuelto a hacer la misma película de siempre, como la música puede unir a las personas, y por mí, puede hacer una de estas cada año.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Háblame</b> (Talk to Me)</div><div style="text-align: justify;">Consigue que se den la mano, con total naturalidad, cosas tan dispares como el puro terror, el dolor por una perdida, y la adicción de las drogas, de una forma original. Y posee posiblemente la mejor escena final del año. </div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>John Wick 4</b> (John Wick: Chapter 4)</div><div style="text-align: justify;">Fue el festival de tiroteos, coreografías, peleas y tiros a la cabeza que estábamos esperando. Tarda en arrancar, pero una vez lo hace, es gloriosa.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Los asesinos de la luna</b> (Killers of the Flower Moon)</div><div style="text-align: justify;">Aún con algunos peros (su excesiva duración, y que el cambiar el punto de vista de la historia del marido al agente del FBI seguramente le habría beneficiado), en un film formidable sobre el mundo criminal (algo en lo que Scorsese es un maestro), está rodada de lujo, tiene grandes interpretaciones, y de paso habla de los Estados Unidos y su pasado escrito en sangre.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Los Fabelman</b> (The Fabelmas)</div><div style="text-align: justify;">Desde que leí el anuncio de este proyecto, se convirtió en una de las películas más esperadas por mí de este año, y tras verla y teniendo en cuenta algún problemas (excesiva duración y el caer en algunos clichés), me parece un gran film, casi a la altura de mis expectativas, donde destaca por encima de todo, esa historia sobre un chico que sueña con ser director de cine.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Nimona</b> (Nimona)</div><div style="text-align: justify;">Fue toda una sorpresa inesperada, una película de animación siempre divertida, fresca y emocionante. Con su mensaje por bandera de aceptar o tratar de entender a los que son diferentes, se convirtió en mi película de animación favorita del año.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Oppenheimer</b> (Oppenheimer)</div><div style="text-align: justify;">No es la mejor obra de Nolan, pero sí la que posiblemente le haga ganar el Oscar. Una muy interesante película sobre la persona que cambió (para mal) el curso de la historia. El director consigue hacer un biopic de tres horas, sobre un físico teórico, con gran parte del metraje en blanco y negro, y que resulte siempre fascinante y entretenido, lo cual no es nada fácil.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Spider-Man: Cruzando el multiverso</b> (Spider-Man: Across the Spider-Verse)</div><div style="text-align: justify;">Aunque está un escalón por debajo de la primera parte, es una maravilla visual y lo más lejos que ha llegado la animación en los últimos años. Cuando mete la directa, ya no baja el ritmo y se cierra con un gran final, que deja con ganas de más.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>Vidas pasadas</b> (Past Lives)</div><div style="text-align: justify;">Una película muy sencilla sobre los ¿y si? Una historia de amor nunca consumada y las dudas sobre como habría sido de haber tomado otras decisiones. Una joyita.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><br /></div><div style="text-align: center;"><b><span style="font-size: large;">TOP SERIES</span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLjOHHy7U7GVE5h5BRRV-H3dQQ82nO1QlQr05e84QDLVXTR-njAEZClkpAkuSaulETJcT4y7N1gW7Y_v91S91BLocVUIFgzd24DkPlaL4KaKgHOgiQIwJnGn9vt0zoAy4xitR7X5_mB_wb_2w1plzGr5eFfhxmWjvW5S8TrDRsshp3DQ6Zngs/s600/Top%20series%202023.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="450" data-original-width="600" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgLjOHHy7U7GVE5h5BRRV-H3dQQ82nO1QlQr05e84QDLVXTR-njAEZClkpAkuSaulETJcT4y7N1gW7Y_v91S91BLocVUIFgzd24DkPlaL4KaKgHOgiQIwJnGn9vt0zoAy4xitR7X5_mB_wb_2w1plzGr5eFfhxmWjvW5S8TrDRsshp3DQ6Zngs/w400-h300/Top%20series%202023.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Las series de televisión también se vieron afectadas por las huelgas de actores y guionistas. Parece que la burbuja de las plataformas de streaming ha explotado, salvo Netflix, la mayoría han tenido grandes perdidas económicas o de suscriptores (Disney, Paramount y Warner fueron las más afectadas). En el campo de los premios, <b>Succession</b> ganó el Emmy a la mejor serie dramática, y <b>Ted Lasso</b> hizo lo propio en la categoría de comedia. Y la nota triste la puso la muerte de Matthew Perry.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Mis cinco series del año fueron:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Poker Face - 1ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">Llevaba años esperando una serie así, una revisión de <b>Colombo</b> con aires renovados, y que resulta una rareza a día de hoy, por ir en contra de lo que se hace actualmente en el terreno de las series. Sólo Rian Johnson lo podía hacer posible.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Succession - 4ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">Un gran final para una de las series de cabecera de los últimos años. Ni un episodio por debajo del notable. Y me parece un acierto de su creador cerrar con la cuarta temporada.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Ted Lasso - 3ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">La serie terminó su última temporada dejándonos con buen rollo en el cuerpo y una sonrisa en la cara. No me esperaba menos.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>The Bear - 2ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">Creo que esta temporada estuvo un poco por debajo de la primera, pero aún así fue genial acompañar a los personajes de "The Bear" entre los fogones, con sus tensiones y problemas, para conseguir abrir su soñado restaurante.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>The Last of Us - 1ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">La mejor serie de alto presupuesto del año. Nunca jugué al videojuego, pero igualmente me atrapó. Pese a recorrer caminos ya transitados, lo hace de una forma eficaz, inteligente y madura. Y Pedro Pascal está fantástico.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Y mis seis episodios preferidos del 2023 fueron los siguientes:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Barry - 4x04 - "it takes a psycho"</b></div><div style="text-align: justify;">Todo el mundo alabó el quinto episodio de la temporada, pero creo que fue el cuarto el más puramente <b>Barry</b>, tiene momentos hilarantes, giros de guión sorprendentes, un genial cameo de Sian Heder y una escena final que te deja con el culo torcido.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Doctor Who - 14x03 - "The Giggle"</b></div><div style="text-align: justify;">El Doctor cumplió 60 años de la mejor forma posible. El episodio recuperó el tono y sentido de la maravilla de los finales de temporada marca Russell T. Davies. Lo tiene todo, un excelente villano, grandes momentos, mucha épica, y hay cabida para hablar del estado del mundo actual. Además sirve como cierre y nuevo comienzo para el Doctor. Una maravilla.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Poquita fe - 1x04 - "Abril"</b></div><div style="text-align: justify;">El capítulo con el que más me reí el año pasado (sí, el del cuadro de Franco).</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Succession - 4x10 - "With Open Eyes"</b></div><div style="text-align: justify;">El final de la serie fue la tragedia griega que se esperaba. Sin soltar spoilers, creo que la serie termina de la única forma que podía terminar.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div><div style="text-align: justify;"><b>The Bear - 2x07 - "Forks"</b></div><div style="text-align: justify;">En 30 minutos vemos todo el arco de transformación del primo Richie, de ser un completo gilipollas, a alguien centrado, con un propósito en la vida. El plato mejor elaborado de la temporada, y el mejor episodio que vi el año pasado.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>The Last of Us - 1x03 - "Long, Long Time"</b></div><div style="text-align: justify;">La serie se sale por la tangente para contar una historia independiente a la trama principal, condensando en poco más de una hora, una gran historia de amor. Un episodio emotivo, trágico y muy memorable. </div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Esto es lo que dio de sí el 2023, os deseo lo mejor para el 2024.</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-24095919937743066632023-12-05T14:41:00.000-08:002023-12-05T14:41:07.592-08:00Big<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzC7Pcek8N9gwkwyqwMoZf3vXbqgs5fu_KMYwfrx8NwAOj2IW1mjv_zFpQuCzpkFAifwUjvqGxduSRr7K8j5RG8nMmzrAq0bCtCsKFb8AJxS3siptCOhmkDS8t5uqftu1VL1B_ge07coiCJjvOKkfJAZD80vThb4d4hfB07EPAJXj-T53CCNQ/s733/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2001.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="541" data-original-width="733" height="295" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzC7Pcek8N9gwkwyqwMoZf3vXbqgs5fu_KMYwfrx8NwAOj2IW1mjv_zFpQuCzpkFAifwUjvqGxduSRr7K8j5RG8nMmzrAq0bCtCsKFb8AJxS3siptCOhmkDS8t5uqftu1VL1B_ge07coiCJjvOKkfJAZD80vThb4d4hfB07EPAJXj-T53CCNQ/w400-h295/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2001.JPG" width="400" /></a></div></div><i><div style="text-align: justify;"><i>"Quiero ser mayor."</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un niño de 13 años pide el deseo de ser un adulto, y éste se cumple.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>DESEO CONCEDIDO</b></div><div style="text-align: justify;">Anne Spielberg (hermana de Steven Spielberg) y Gary Ross escribieron a cuatro manos el guión de <b>Big</b> (Big, 1988). En 1985, ambos llevaron el libreto al director y productor James L. Brooks, quien lo desarrolló con los guionistas durante un año. El guión fue comprado por la Twentieth Century Fox, con Brooks como productor asignado mediante su compañía Gracie Films.</div><div style="text-align: justify;">Inicialmente Steven Spielberg estuvo ligado durante un par de meses como director del proyecto, y su idea era que Harrison Ford interpretase el papel principal. Finalmente decidió no rodar la película para no robarle protagonismo a su hermana.</div><div style="text-align: justify;">El proyecto se ofreció a varios directores, pero fue rechazado uno tras otro, entre ellos estaba Charles Shyer (<b>El padre de la novia</b>).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ23B4-ZNtqh8vTeZSvlIEFjb_2l9KNPIQTPdEO5Q_KWpNozbYHEk8Rr176LQbMaCQ18MIRKu54XMJHIpP6lc5eMsrZveaZJtFpDO8xngqcmsbC2kN4IXb0sZoeIiH-vNCXUorARxtlB20WYOR1HxEqFf-Q-1rFY4lgEgprb8T6AbnaKNdPGQ/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2002.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="376" data-original-width="700" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjQ23B4-ZNtqh8vTeZSvlIEFjb_2l9KNPIQTPdEO5Q_KWpNozbYHEk8Rr176LQbMaCQ18MIRKu54XMJHIpP6lc5eMsrZveaZJtFpDO8xngqcmsbC2kN4IXb0sZoeIiH-vNCXUorARxtlB20WYOR1HxEqFf-Q-1rFY4lgEgprb8T6AbnaKNdPGQ/w400-h215/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2002.JPG" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Fue Penny Marshall quien finalmente tomó las riendas del proyecto, la directora conocía a Brooks de sus tiempos en Paramount Television en los 70. La famosa protagonista de la comedia de televisión <b>Laverne & Shirley</b> (1976-83) dio el salto a la dirección con <b>Jumpin' Jack Flash</b> (1986), y a punto estuvo antes de filmar <b>Peggy Sue se casó</b> (1986), proyecto que dejó por diferencias creativas. Fue durante la post-producción de <b>Jumpin' Jack Flash</b> que el famoso productor entró en la oficina de Marshall con el guión de <b>Big</b> bajo el brazo, y le dijo que esa sería su siguiente película.</div><div style="text-align: justify;">Casualidades de la vida, al mismo tiempo que se desarrollaba <b>Big</b>, también los hacían otras películas de cambio de cuerpo entre un adulto y un niño, como <b>De tal astilla, tal palo</b> (1987), <b>Viceversa</b> (1988) y <b>Plantón al cielo</b> (1988). Curiosamente <b>Big</b> fue la última en estrenarse, pero la primera en ser escrita. Marshall llegó a leer los guiones de las dos primeras. Aunque inicialmente hizo pruebas a cómicos, cuando supo de la existencia de esas películas, decidió hacer algo distinto, y comenzó a probar a actores dramáticos (por eso entró Robert De Niro en el proyecto, más sobre esto en unos párrafos).</div><div style="text-align: justify;">Robert Greenhut, productor de muchas de las películas de Woody Allen (<b>La rosa púrpura de El Cairo</b>, <b>Días de radio</b>, <b>Misterioso asesinato en Manhattan</b>) fue asignado como productor de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Tras la salida de Harrison Ford del proyecto, Marshall le ofreció el papel principal a Tom Hanks, Kevin Costner y Dennis Quaid, y fue rechazado por los tres. Quaid, años después, lo consideró el gran papel de su carrera que no realizó. Sean Penn hizo una gran prueba, pero era demasiado joven. Andy García también destacó en las pruebas, pero un ejecutivo de la Fox lo descartó por ser hispano. Gary Busey también hizo una prueba, pero Marshall lo veía bien interpretando a un niño, pero no a un adulto. John Travolta quería el papel, pero el estudio no lo quería por estar considerado veneno para la taquilla. Albert Brooks lo rechazó porque no quería interpretar a un niño.</div><div><div style="text-align: justify;">No había forma de encontrar al actor que diera vida a Josh, e incluso se barajó un cambio de género. Debra Winger, con quien Marshall a punto estuvo de hacer <b>Peggy Sue se casó</b>, le preguntó si podían cambiar el guión para que la protagonista fuera una niña, pero al final Marshall la descartó porque no funcionaría para el público, ver a un adulto que tiene una relación con una niña de 12 años.</div><div style="text-align: justify;">Entonces Marshall decidió cambiar el perfil del actor que buscaba (también para distanciarse de las otras películas de temática similar que se estaban desarrollando), y le ofreció el papel a Robert De Niro, quien para sorpresa de todos, se interesó en participar en la película. El protagonista de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/03/el-cabo-del-miedo.html" target="_blank">El cabo del miedo</a></b> buscaba un papel más comercial, en una película para toda la familia. La decisión de De Niro de participar en la película dio respetabilidad al proyecto, de pronto, actores que habían rechazado la película, mostraban interés en ella. </div><div style="text-align: justify;">Marshall reunió a De Niro y Jared Rushton, el niño que interpreta al amigo de Josh, para que interactuaran.</div><div style="text-align: justify;">Todos sabemos que De Niro no terminó participando en la película, lo primero que sucedió es que realmente Barry Diller, el presidente del estudio, no quería al actor para el papel y prefería a Warren Beatty. Marshall se llegó a entrevistar con el protagonista de <b>Dick Tracy</b>, pero no funcionó, ya que no quería recibir indicaciones en su actuación. A De Niro no le sentó bien saber que no era la primera opción. Pero lo que lo complicó todo, es que el sueldo que iba a recibir era bastante bajo, y se publicó un artículo en la prensa sobre los sueldos que recibían otros actores, y eran cifras muy superiores comparadas a la que iba a recibir De Niro por este trabajo. Según contó Marshall en una entrevista al <b>New York Post</b>, James L. Brooks le sugirió que le diese su sueldo a De Niro para contratarlo, pero el actor se negó a que la directora hiciese eso. Al final por una cosa y por otra, De Niro dejó el proyecto.</div><div style="text-align: justify;">Se reanudó la búsqueda de Josh. Le ofrecieron el papel a Matthew Modine quien lo rechazó, y según declaraba el actor, el guión que recibió era más oscuro que el que finalmente se filmó. <i>"Le habían ofrecido la película a Robert De Niro y Harrison Ford antes de venir a mí," </i>declaraba el actor al <b>Independent</b>, <i>"así que no tenía sentido, porque esos tipos son casi 20 años mayores que yo. Pensé que si me eligieran para la película, no tendría la ironía que necesitaba."</i></div><div style="text-align: justify;">Los dos contendientes finales para el papel fueron Tom Hanks y Jeff Bridges. El primero originalmente había rechazado el papel, pero ahora quería hacerlo, y era otra de las opciones de Barry Diller, pero estaba rodando <b>Dos sabuesos despistados</b> (1987) y no estaba disponible. Bridges por su parte, estaba interesado en el papel y su interpretación en <b>Starman</b> (1984), era cercana a lo que buscaba Marshall para dar vida a Josh. Al final la directora escogió a Hanks, lo que implicó retrasar el rodaje hasta que quedara liberado de su anterior compromiso. El actor cobró un sueldo de 1.750.000 de dólares por su trabajo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHXXhgC0tSwLXkAZr6VZpFPyiHPKWNY8UPenXX-Fyo4fSnVtISPR1nNeo16-jqOsFrWatfxJ-9fip4OFSqiNK4_CgEMuoV09fw06DwW4aQsExSL9LCmQ4b7MaNZL4CyeoJpXU2xUen5EyyDSS-adU0Ri23lvacqfQa7J0-Ty6CZ894hmCFitw/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2003.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="376" data-original-width="700" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHXXhgC0tSwLXkAZr6VZpFPyiHPKWNY8UPenXX-Fyo4fSnVtISPR1nNeo16-jqOsFrWatfxJ-9fip4OFSqiNK4_CgEMuoV09fw06DwW4aQsExSL9LCmQ4b7MaNZL4CyeoJpXU2xUen5EyyDSS-adU0Ri23lvacqfQa7J0-Ty6CZ894hmCFitw/w400-h215/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2003.JPG" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Elizabeth Perkins fue contratada para dar vida a Susan, el interés amoroso de Josh. Cuando Perkins entró en el proyecto, era De Niro quien iba a interpretar a su partenaire.</div></div><div style="text-align: justify;">Cuando Marshall estaba haciendo pruebas para el papel de Susan, vio que el actor John Heard estaba en las pruebas esperando a que su novia leyera, y le pidió a él si podía leer el papel del odioso Paul con ella, y le hizo tanta gracia que lo contrató. </div><div style="text-align: justify;">Dar con el actor que fuera una joven versión de Tom Hanks no fue tarea fácil. <i>"Examinamos a todos los niños del sistema escolar de la ciudad de Nueva York,"</i> recordaba Marshall al <b>Los Angeles Times</b>. David Moscow hizo la audición para el papel de Billy, el mejor amigo de Josh, pero el joven actor se terminaría llevando el papel de Josh. Medio año después de realizar la audición, recibió la llamada para comunicárselo. Para parecerse más a Hanks le tiñeron el pelo, tuvo que llevar lentes de contacto verdes, y como se le cayeron varios dientes durante el rodaje, tuvo que utilizar un aparato ortopédico para suplir los que le faltaban.</div><div style="text-align: justify;">El primer actor que escogió Marshall para participar la película fue Jared Rushton, que interpretó a Billy.</div><div style="text-align: justify;">Marshall había trabajado con Jon Lovitz en <b>Jumpin' Jack Flash</b> y volvió a llamarle para darle el papel de Scotty Brennen en <b>Big</b>. La directora le quería por su capacidad para la improvisación, pero una vez en el rodaje, Marshall le pidió que no improvisara, ya que según ella eso molestaba a los guionistas. Lovitz decidió ser más sutil a la hora de ser divertido, y después Marshall le dijo que era justo lo que buscaba en su interpretación.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Robert Loggia (en el papel de MacMillan, el jefe de Josh) y Mercedes Ruehl (interpretando a la madre de Josh).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">Con un presupuesto de 18 millones de dólares, el rodaje comenzó el 10 de agosto de 1987, y terminó el 29 de octubre del mismo año. Se filmó en diferentes localizaciones de Nueva York y Nueva Jersey, como el Yankee Stadium, el Puente George Washington, Times Square o la juguetería FAO Schwarz.</div><div style="text-align: justify;">Marshall grabó en vídeo a David Moscow, interpretando las escenas de Hanks con los otros actores, para que éste supiera como afrontarlas. Después Hanks grabó en vídeo a Moscow y sus amigos en momentos específicos de la que película, para saber como lo harían unos niños. Por ejemplo, la escena en la que Hanks y John Heard pelean en una cancha de squash, y el primero aparta la pelota del segundo para que no la alcance, surgió de Moscow y un amigo suyo.</div><div><div style="text-align: justify;">Hanks comenzó los ensayos tres semanas antes de comenzar el rodaje. En 2009, el actor declaró que nunca había ensayado tanto para una película. Él y Marshall denominaron el tipo de actuación INSH "innocence and shyness" (inocencia y timidez), las dos cualidades que definían a Josh. Según Marshall, esto era clave para que funcionara la película. <i>"Tuve que convencerlo de que tenía que tener 12 años, no interpretar que tenía 12,"</i> explicaba la directora al <b>Los Angeles Times</b></div></div><div style="text-align: justify;">Durante esos ensayos hubo un momento en el que Moscow lo pasó realmente mal. Fue durante la escena de seducción entre Susan y Josh. El joven Moscow se sintió muy avergonzado al hacer la escena con Elizabeth Perkins y se quedó totalmente callado. Moscow creía que Hanks tomó buena nota de su reacción, para su interpretación de la misma escena.</div><div style="text-align: justify;">Marshall decidió cambiar un detalle en la escena final entre Josh y Susan, estaba escrito que ella lo besaba en los labios antes de despedirse, pero la directora consideró que ella ya sabía en ese momento que Josh tenía 13 años, por lo que parecía inapropiado, y consideró mejor que lo besara en la frente. Además se rodaron diferentes tomas con distintas reacciones de Perkins al ver a Josh convertido en un niño de 13 años.</div><div style="text-align: justify;">Por su parte, el estudio quería un final en el que Susan pidiese el deseo de tener también 13 años, pero Marshall se negó.</div><div style="text-align: justify;">Muchas secuencias fueron fruto de la improvisación. Una de ellas fue el momento de la fiesta en la que Hanks lleva un ridículo esmoquin blanco, y comienza a jugar con la comida. Hanks llegó hacer 15 versiones distintas de la escena con diferentes tipos de comida. Marshall encontró un poco de maíz tierno, y sólo con una seña que le hizo a Hanks, éste supo lo que tenía que hacer, e improvisó el momento en que lo come como si fuera una mazorca de maíz. La reacción de Hanks de comprobar si lleva la bragueta abierta, cuando se le quedan mirando, fue una idea del actor. También fue en su mayor parte improvisada la escena en la que Hanks y Perkins saltan en la cama elástica.</div><div style="text-align: justify;">Cuando tocó rodar esta escena, a Marshall se le ocurrió filmar una toma desde fuera del edificio, el productor Robert Greenhut no quería hacerla, así que la directora, obstinada en conseguirla, esperó hasta que el productor se echó una siesta altas horas de la madrugada para rodarla.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFbJ8tyD0Z4-dGtmCfK6e9z1mrX21zjhHjRgnAJgwaNCrsbb7HSrwZvvcqHB27CKTefUT9GvbSsIbLwfYaK42CL7Orr3nyGwTuQux1YHzgTGvEeDQUZkCJfJ6lsmDpDXRvd-xo74eWz48BwPxNQkgL_FpOgEwzpQp0jPGp-9ztVBxPzrN8xDE/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2004.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="376" data-original-width="700" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFbJ8tyD0Z4-dGtmCfK6e9z1mrX21zjhHjRgnAJgwaNCrsbb7HSrwZvvcqHB27CKTefUT9GvbSsIbLwfYaK42CL7Orr3nyGwTuQux1YHzgTGvEeDQUZkCJfJ6lsmDpDXRvd-xo74eWz48BwPxNQkgL_FpOgEwzpQp0jPGp-9ztVBxPzrN8xDE/w400-h215/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2004.JPG" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Barry Sonnenfeld fue contratado como director de fotografía. El futuro director de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2022/07/hombres-de-negro.html" target="_blank">Hombres de negro</a></b>, había comenzado en el cine como camarógrafo de los hermanos Coen en <b>Sangre fácil</b> (1984) y <b>Arizona Baby</b> (1987). Inicialmente tuvo una reunión con Penny Marshall, que no salió demasiado bien. Sonnenfeld ya creía que había perdido el trabajo, cuando a diez semanas de empezar el rodaje, aún no tenían a un director de fotografía contratado, y Greenhut se acordó de él y lo llamó para darle el trabajo. Pero a Sonnenfeld, un neurótico de tomo y lomo, no le gustó como se refirió a él durante la conversación y exigió que le hiciera otra entrevista. Greenhut, que no daba crédito, ya que básicamente ya le acaba de dar el trabajo, aceptó hacerle otra entrevista ese mismo día. Una vez Sonnenfeld dijo sí para encargarse de la fotografía de <b>Big</b>, el productor se lo quiso llevar a buscar localizaciones, pero Sonnenfeld se negó a irse hasta tener un trato, Greenhut que volvía a no dar crédito, llamó al agente de Sonnenfeld y acordaron un trato en tan sólo unos minutos. Se produjo un parón entre la salida de De Niro y la entrada de Hanks, por lo que a Sonnenfeld le dio tiempo a rodar entremedias <b>Tira a mamá del tren</b> (1987). Cuando Hanks estuvo disponible, Sonnenfeld se puso manos a la obra con <b>Big</b>. Él y Marshall no tuvieron una buena relación, desde el punto de vista de Sonnenfeld, a la directora le gustaba rodar muchas tomas (podía hacerlo hasta 40 veces), con diferentes ángulos de cámara. Por otra parte, según la directora, Sonnenfeld pretendía rodar <b>Big</b> de la misma forma estilizada que había afrontado en <b>Sangre fácil</b>, y eso no encajaba con su visión de la película. En la segunda semana de rodaje, le dijo a Sonnenfeld que quería despedirlo, pero que no le dejaban.</div><div style="text-align: justify;">A Marshall le costaba tomar decisiones, por ejemplo, no tuvo claro hasta el primer día de rodaje si Elizabeth Perkins debía ser rubia o pelirroja, así que ese día rodaron todas las tomas dos veces, primero con la actriz con una peluca rubia, y después con una pelirroja (al final se decantó por ésta última). Cuando tuvieron que rodar la escena en la que Hanks y Perkins viajan en una limusina, la directora no sabía entre que tres coches escoger, por lo que la misma noche en que debían rodar la escena, el equipo preparó los tres coches para que tomara una decisión, y aún así no lo hizo, le preguntó a Sonnenfeld que coche escoger, y éste respondió que la limusina, y ese fue el que utilizaron.</div><div style="text-align: justify;">Cuando rodaron la escena en la que Hanks choca contra Perkins y Loggia, Marshall repitió una y otra vez la toma, a la número 15, Loggia le dijo a la directora que era muy mayor y que sólo iba a chocar contra Hanks una vez más, sólo una. Cuando estaban rodando, Perkins dijo mal su frase, por lo que la toma no era válida, pero Marshall decidió seguir adelante, seguramente por no percatarse de ese error. Sonnenfeld trató de avisarla varias veces, pero le ignoró. La toma no valdría y Loggia no haría más repeticiones, por lo que era un momento de bastante tensión. Al final, antes de que se produjese el choque, el propio Sonnenfeld gritó "Corten", ante la sorpresa de Marshall (eso es algo que nadie puede hacer en un rodaje excepto el director). Cuando Marshall le preguntó a Sonnenfeld que había sucedido, éste le respondió que se había fundido una luz. Hicieron una otra más y fue la que la usaron en la película.</div><div style="text-align: justify;">Tal vez la escena más recordada de <b>Big</b> es aquella en la que Hanks y Loggia tocan con los pies un piano. Fue idea de Anne Spielberg introducirlo en el guión, tras verlo en la juguetería FAO Schwarz de Nueva York. Fue en ese mismo lugar, donde se rodó la secuencia, pero el piano que tenían, no era realmente funcional, y era demasiado pequeño para que ambos actores lo tocaran. Marshall se puso en contacto con su inventor, Remo Saraceni, y le pidió que hiciera uno nuevo más grande, que se iluminase cuando tocaran una nota, y que cada nota sonase con su octava correspondiente. Los productores querían que unos dobles hicieran el baile, pero Marshall prefería que lo realizaran los propios actores, por lo que contrató a la coreógrafa Patricia Birch, quien hizo que Hanks y Loggia ensayaran en un piano de cartón. En la secuencia primero tocan <b>"Heart and Soul"</b>, y fue idea de la directora que después tocaran <b>"Chop Sticks"</b>. Según contaba Loggia, cuando ambos actores llegaron a la juguetería para rodar la escena, se encontraron con dos dobles que iban a rodar en su lugar los pasos de baile, pero ambos decidieron rodar ellos mismos la escena. Salió en la primera toma.</div><div style="text-align: justify;">El videojuego <b>"The Cavern of the Evil Wizard"</b> al que Josh juega no era real y fue creado expresamente para la película por el ingeniero informático David Satin. Y rodar la escena inicial fue todo menos alta tecnología, ya que no era un videojuego funcional, de modo que cada vez que Moscow pulsaba un tecla de su teclado, Satin, fuera de plano, hacia lo mismo con su propio teclado, para avanzar los fotogramas de la animación que había creado.</div><div style="text-align: justify;">Cuando Jon Lovitz llevaba aproximadamente una semana rodando, padeció una fuerte gripe, y tuvo que ausentarse del rodaje durante una semana. Una vez se recuperó, no llamó a Marshall para comunicarle que se encontraba bien, porque consideraba que su papel no merecía la pena. Según contó a <b>AV Club</b>, cuando la película terminó resultando un gran éxito, el cómico pensó: <i>"Soy un idiota." </i></div><div style="text-align: justify;">Mientras James L. Brooks dirigía <b>Al filo de la noticia</b> (1987), le enviaba a Marshall notas sobre el material que ella iba rodando. Al final la directora decidió filmar de nuevo unas diez escenas.</div><div style="text-align: justify;">Tras un proceso de montaje en el que Marshall fue afinando la película, quitando todo aquello que no funcionaba, <b>Big</b> estuvo lista para su estreno en Estados Unidos el 3 de junio de 1988. Resultó ser un enorme éxito de taquilla, amansando 114.968.896 de dólares (cuarta película más taquillera del año en su país de origen). Y la cifra total a nivel mundial ascendió a los 151.665.347 de dólares (una de las diez películas más taquilleras del año a nivel mundial). Además Penny Marshall se convirtió en la primera directora en superar los 100 millones de dólares de recaudación con una película.</div><div style="text-align: justify;">La suerte también le sonrió a la película en la hora de los premios. Entre otros, Tom Hanks ganó en Globo de Oro al mejor actor de comedia o musical, y la película fue nominada en la categoría de mejor película comedia o musical. <b>Big</b> fue nominada a los premios Hugo a la mejor presentación dramática (Penny Marshall, Gary Ross y Anne Spielberg). El guión fue nominado a los Writers Guild of America. Tom Hanks ganó el premio de Los Angeles Film Critics Association. Pero el premio gordo fueron las dos nominaciones al Oscar en las categorías de mejor actor (Tom Hanks), y mejor guión original (Gary Ross y Anne Spielberg).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VERSIÓN EXTENDIDA</b></div><div style="text-align: justify;">En 2007, con la salida de una edición de DVD de la película, pudimos descubrir una versión extendida de una duración de 130 minutos (la versión estrenada en cines es de 104 minutos). Los principales añadidos en esa nueva versión son los siguientes:</div><div style="text-align: justify;">Se muestran más escenas de Josh con su familia cuando es un niño. Sus padres hacen que su hermana pequeña duerma en su habitación.</div><div style="text-align: justify;">Conocemos a la familia de Billy, incluyendo a su madre interpretada por Frances Fisher.</div><div style="text-align: justify;">Hay una escena en la que los padres de Josh hablan con la policía, creyendo que su hijo ha sido secuestrado.</div><div style="text-align: justify;">La escena en la que Josh y Billy buscan en el periódico posibles trabajos para el primero, es más larga.</div><div style="text-align: justify;">Hay una escena de presentación del personaje de Susan en la oficina totalmente nueva.</div><div style="text-align: justify;">Josh y Billy van juntos a una sastrería, para conseguirle al primero un traje que llevar a la fiesta.</div><div style="text-align: justify;">La secuencia de la fiesta de la empresa es más larga.</div><div style="text-align: justify;">Hay una secuencia en la que Josh entra en el despacho de MacMillan, y hablan sobre el primer juguete que éste produjo.</div><div style="text-align: justify;">La secuencia de la cita de Josh y Susan en la feria es más larga.</div><div style="text-align: justify;">Hay una secuencia en la que Josh observa como juegan unos niños (y que ayuda a comprender su decisión de querer tener de nuevo 13 años).</div><div style="text-align: justify;">Hay una secuencia en la que Josh le muestra a Susan un nuevo juguete, y ella se va a buscar café, y por el camino se topa con MacMillan, quien le dice que se alegra de que ella y Josh estén juntos.</div><div style="text-align: justify;">La mañana después de que Josh y Susan tengan la discusión, ella encuentra en la cartera de él la tarjeta de Zoltar. Después de camino al trabajo, se paran a comprar chicles en un quiosco, y Josh le entrega a ella unos chicles para niños (estos momentos son los que después dan sentido a que Susan crea que Josh es realmente un niño).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">Siempre he considerado a <b>Big</b> una de mis comedias favoritas de los ochenta. Me encantó cuando la vi de niño, cuando crecí me siguió pareciendo fantástica, y a día de hoy siendo un adulto, me sigue encantando. Creo que consigue sacar ese niño interior que aún vive en mí.</div><div style="text-align: justify;"><b>Big</b> habla sobre los cambios que se producen al llegar a la adolescencia, tanto de tipo personal, como físicos (estos últimos son exagerados en la película). Cuando Josh vuelve a ser un niño al final de la película, su infancia ha llegado a su fin, y comenzará la adolescencia, toda la película muestra su proceso de maduración. Y al mismo tiempo <b>Big</b> habla de lo que implica ser un adulto. Todos de niños deseamos ser mayores, pero no sabemos lo que eso conlleva. Josh lo descubre; tiene que conseguir un trabajo, tiene responsabilidades, e inicia una relación sentimental. Josh vive una aventura siendo un adulto por unas semanas, para saber lo que eso significa. Pero toda esa experiencia le hace valorar lo que es ser un niño, aunque dé el paso a la adolescencia, aún le quedan años por delante de no tener preocupaciones, de jugar con sus amigos, y estar con sus padres, algo que uno no puede hacer cuando es un adulto, por eso es coherente que desee volver a ser un niño al final de la película, es una parte de la vida que todos tenemos que vivir. Cuando el Josh adulto regresa a su barrio, revive todo lo que se está perdiendo, tiene 13 años y debería estar haciendo las cosas que hace un niño de 13 años, no trabajando en una empresa. Por eso entendemos que decida pedir el deseo de volver a ser un niño. Y me gusta el enfoque de Susan, cuando Josh le propone que pida el deseo de tener 13 años para estar juntos, y ella le replica que ya lo vivió, ese momento guarda mucha experiencia, ninguno querríamos ser otra vez niños, y pasar por la adolescencia, es una época importante de nuestra vida, pero llena de momentos frustantes y duros, cuesta mucho llegar a ser un adulto y uno no quiere volver la vista atrás y tener que revivirlo de nuevo.</div><div style="text-align: justify;">Me gusta la historia de amor entre Josh y Susan, porque creo que encajan, cuando igual no deberían hacerlo, y ambos evolucionan gracias a su relación. Desearía que acabaran juntos, pero es imposible. Aunque me gusta que dejen la puerta abierta, cuando ella le dice que la busque cuando sea mayor.</div><div style="text-align: justify;">La amistad entre Josh y Billy siempre me parece real, da igual que Josh tenga la apariencia de 13 años o 30, la película capta perfectamente lo que es la amistad entre dos niños, y aunque uno de los actores sea un adulto, nunca se rompe esa magia.</div><div style="text-align: justify;">La película tiene un pie puesto en la realidad, como refleja el susto que se lleva la madre de Josh cuando éste, en su versión adulta, entra en su casa, y ella lo toma por un intruso; y por otro lado Billy casi se pone a llorar, cuando el Josh adulto lo acorrala para hablarle por primera vez. Los personajes tienen reacciones reales y nos hacen creer así, en esta historia fantástica de un niño que se despierta y de repente tiene 30 años. Y eso la diferencia de las otras películas de intercambios de cuerpos de la época, aquí hay más corazón y cariño que en las otras películas juntas, y además no olvida ser muy divertida.</div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq_RZ07JbRHRVnD5w-u1PVUA3CYBFl0oSoYTRwWzeokl_f6VSXmnBZQ7oko4euInqZWVoq7-0oTu0cmqlF1umS-mIeLbVvx5-iUVr2jjpxseW-M7ojFrarl7Mp8eouCGtQyyfKRg9SGedxDb5k9IXUzVVbabk5szP-WNPsmDkLtBmy_eRv848/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2005.JPG" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="376" data-original-width="700" height="215" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq_RZ07JbRHRVnD5w-u1PVUA3CYBFl0oSoYTRwWzeokl_f6VSXmnBZQ7oko4euInqZWVoq7-0oTu0cmqlF1umS-mIeLbVvx5-iUVr2jjpxseW-M7ojFrarl7Mp8eouCGtQyyfKRg9SGedxDb5k9IXUzVVbabk5szP-WNPsmDkLtBmy_eRv848/w400-h215/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Big%2005.JPG" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Me encanta como se muestra la evolución del Josh, cuando después de un tiempo viviendo solo, le vemos tomando Oreos mientras se oyen disparos en la calle, y ni siquiera se inmuta, cuando en una escena similar anterior, había roto a llorar al escuchar gritos en el hotel. Se ha endurecido y ha madurado, ya no es el niño que era antes (me parto con esta escena).</div></div><div><div style="text-align: justify;">También me gusta como cambia el personaje de Elizabeth Perkins, mostrándolo simplemente por como disfruta saltando en una cama elástica. Ella es una trepa que se encuentra con alguien que no es un interesado, y tal vez por primera vez, en muchos años, se lo pasa bien. Su sonrisa después de que Hanks no se acueste con ella, o cuando al día siguiente se pone a jugar con la radio del coche de Heard, nos dicen que algo ha cambiado en ella.</div><div style="text-align: justify;">Y es muy coherente que Josh inicialmente no se quiera acostar con Susan, él tiene 13 años y ella es una mujer adulta, es lógico que a él le gusten la niñas de su edad, y no una mujer cerca de los 30 años. Y es un apunte interesante que una vez lo hacen, Josh se muestre más maduro, como si el tener sexo le haya cambiado, y sea ya totalmente un adulto. </div></div><div style="text-align: justify;">Creo que la película sabe como funciona la mente e imaginación de los niños. Un buen ejemplo es el trabajo que consigue Josh, probador de juguetes, de niños al ver la película todos deseábamos tener ese trabajo, no podía haber nada mejor.</div><div style="text-align: justify;">Son muy creíbles las reacciones de Hanks, parece que son las que tomaría realmente un niño. Como por ejemplo, cuando Susan le pregunta si van en serio en su relación y él reacciona tirándole unos papeles. Y es que lo de Hanks en esta película es sorprendente, siempre creo estar viendo a un niño en el cuerpo de un adulto. Es increíblemente divertido y tierno al mismo tiempo, pero coherente con el personaje. Es una gran interpretación, y ya hacía presagiar todas las grandes interpretaciones que vendrían después. Su nominación al Oscar fue más que merecida.</div><div style="text-align: justify;">Todos los actores están fantásticos, hasta Jon Lovitz que a veces puede resultar cargante, aquí está realmente divertido en su pequeño papel.</div><div style="text-align: justify;">Marshall es una gran directora de comedia y se nota en esta película más que en cualquier otra de su carrera. Creo que <b>Big</b> es el cenit de su trabajo detrás de las cámaras, aunque después creara títulos destacables como <b>Despertares</b> (1990) o <b>Ellas dan el golpe</b> (1992), su mejor película sigue siendo ésta.</div><div style="text-align: justify;"><b>Big</b> es un clásico de las comedias de los ochenta. La mejor película de intercambio de cuerpos que se haya realizado. Tiene escenas para el recuerdo (como la del piano). E hizo que la Academia y el público se tomaran en serio a Hanks, aunque fuera con un papel cómico, en el que daba vida a un niño. Es una maravilla que parece salida de un deseo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Penny Marshall y David Moscow volverían trabajar juntos en <b>Los chicos de mi vida</b> (2001).</div><div style="text-align: justify;">En 1996, la película conoció una adaptación como musical de Broadway. Fue nominado a cinco premios Tony.</div><div style="text-align: justify;">Años después de su estreno, Hanks se reencontraría con la máquina Zoltar, en un sketch del programa <a href="https://www.youtube.com/watch?v=YOKGJvLENqI" target="_blank"><b>"The Late Show with Stephen Colbert"</b></a>, en el que le pedía el deseo de volver a tener 30 años.</div><div style="text-align: justify;">Tras el estreno de la película, las ventas del piano creado por Saraceni se dispararon.</div><div style="text-align: justify;">Está incluida en el libro <b>"1001 películas que debes ver antes de morir"</b> de Steven Jay Schneider.</div><div style="text-align: justify;">Primera película de la actriz Debra Jo Rupp.</div><div style="text-align: justify;">En 1988, Tom Hanks presentó en el <b>Saturday Night Live</b> unas divertidas <a href="https://www.youtube.com/watch?v=_zWm6uGh_Gw" target="_blank">tomas falsas</a> de <b>Big</b>.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>How Tom Hanks got ‘Big’ 25 years ago</b> (New York Post, 7 dic 2013)</div><div><div style="text-align: justify;"><b>Steven Spielberg: Interviews, Revised and Updated</b> (Brent Notbohm, Lester D. Friedman, 1990)</div></div><div style="text-align: justify;"><b>Robert De Niro Explains Why He Dropped Out of the Lead in ‘Big’</b> (The Hollywood Reporter, 8 jun 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b>With the success of 1988’s ‘Big,’ Penny Marshall’s career turned a corner</b> (Los Angeles Times, 8 jun 1988)</div><div style="text-align: justify;"><b>Tom Hanks Interview</b> (Film Comment, mar-abr 2009)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.yahoo.com/entertainment/blogs/movie-news/no-piano-no-problem-big-revelations-big-director-015856528.html" target="_blank">No Piano? No Problem! Big Revelations From ‘Big’ Director Penny Marshall</a></b> (Yahoo.com, 12 dic 2013)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.yahoo.com/entertainment/big-30-former-child-star-david-moscow-studied-tom-hanks-role-150017287.html" target="_blank">'Big' at 30: Former child star David Moscow on being studied by Tom Hanks for role</a></b> (Yahoo.com, 13 jul 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0094737/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/jon-lovitz-1798223402" target="_blank">Jon Lovitz</a></b> (AV Club, 29 dic 2010)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/robert-loggia-1798227323" target="_blank">Robert Loggia</a></b> (AV Club, 8 sep 2011)</div><div style="text-align: justify;"><b>Albert Brooks takes a look back on his career</b> (Entertainment Weekly, 30 may 2003)</div><div style="text-align: justify;"><b>Matthew Modine: ‘America has never dealt honestly with what its history is’</b> (Independent, 21 feb 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b>She Knows Give and Take of Direction</b> (The Morning Call, 5 jun 1988)</div><div style="text-align: justify;"><b>Tom Hanks: From Leading Man to Movie Star</b> (The New York Times, 6 jul 1988)</div><div style="text-align: justify;"><b>Penny Marshall Edgy, Ambitious and Very 'Big'</b> (The Washington Post, 26 jun 1988)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.the-numbers.com/movie/Big#tab=summary" target="_blank">Big - Financial Information</a></b> (The Numbers)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.ibdb.com/broadway-production/big-4790#People" target="_blank">Big Broadway Musical</a></b> (IBDB)</div><div style="text-align: justify;"><b>My Mother was Nuts: A Memoir</b> (Penny Marshall, 2012)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=P6YQep2_Jq0" target="_blank">Interview to Dennis Quaid</a></b> (The View, 3 dic 2019)</div><div style="text-align: justify;"><b>The Heart and Soul of the ‘Big’ Piano</b> (The Ringer, 4 jun 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b>Elizabeth Perkins on luck, sexism and Big’s love scene</b> (The Guardian, 8 abr 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b>Edge Magazine</b> (5 jun 2014)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-51873846585733659352023-11-08T12:12:00.001-08:002023-11-08T12:13:36.524-08:00Apunta, dispara... y corre<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqBPT0ESt4OBEZFfoh-rXgIgLPwKTdB82NfYnLM7C22KbL6xlCUZ2V3WOL3cjs-MeelObv_G1FWHdFDRTP62k_HktwDNYxLv2609SdSod_zQy_NryZEgQGLPlWtAt5AcDGZy9lkl0euKVSEKRvRvelU0kj0MG8VJjfq2y4C3k2pc4ms50p5WA/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="473" data-original-width="700" height="270" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgqBPT0ESt4OBEZFfoh-rXgIgLPwKTdB82NfYnLM7C22KbL6xlCUZ2V3WOL3cjs-MeelObv_G1FWHdFDRTP62k_HktwDNYxLv2609SdSod_zQy_NryZEgQGLPlWtAt5AcDGZy9lkl0euKVSEKRvRvelU0kj0MG8VJjfq2y4C3k2pc4ms50p5WA/w400-h270/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2001.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Dos policías de Chicago deciden atrapar a un peligroso narcotraficante antes de retirarse.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>CORRIENDO ASUSTADOS</b></div><div style="text-align: justify;">El guión de Gary DeVore de <b>Apunta, dispara... y corre</b> (Running Scared, 1986) llegó hasta el equipo de productores Lawrence Turman y David Foster, y narraba la historia de dos policías a punto de la jubilación, que se enfrentaban a su último caso. La idea original era que la protagonizase Gene Hackman y se rumoreó que también Paul Newman. DeVore cobró cerca de 300.000 dólares por su trabajo.</div><div style="text-align: justify;">La MGM quedó contenta con el resultado de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/09/2010-odisea-2.html" target="_blank">2010: Odisea dos</a></b> (1984), y aproximadamente a comienzos de 1985, le ofreció el guión de <b>Apunta, dispara... y corre</b> a su director Peter Hyams. </div><div style="text-align: justify;">Según contaba al <b>The</b> <b>New York Times</b>, en aquel momento el director estaba buscando hacer, <i>"una comedia que no fuera estúpida, y una película que tuviera acción, pero una película en la que la acción no fuera mezquina, sangrienta o gráfica."</i> Y el guión de <b>Apunta, dispara... y corre</b> le ofrecía justo lo que buscaba, pero Hyams creía que éste necesitaba algunos cambios. <i>"[MGM] se acercó a mí con este guión sobre dos policías ancianos de Nueva York que se jubilan,"</i> contaba el director a <b>Empire</b>. <i>"Dije que quería hacerlo sobre dos policías jóvenes de Chicago que no se jubilan." </i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimKyIhgM5sfaw7inAnDBrJ_sPXMlhc7pC9sJPNks4g7N4EwlpXNbvYo6eros6UHmCSJSmx9-4yuPexsp4pA36tWJYth0woQcCbt6KocK3V_54aG7rf93n2ihpQZ-nwvUMK_Y7Sfslo2IRz8tDiKELT-55h_-jl8rvhiKJ9VbM1h33H9ESfVUs/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimKyIhgM5sfaw7inAnDBrJ_sPXMlhc7pC9sJPNks4g7N4EwlpXNbvYo6eros6UHmCSJSmx9-4yuPexsp4pA36tWJYth0woQcCbt6KocK3V_54aG7rf93n2ihpQZ-nwvUMK_Y7Sfslo2IRz8tDiKELT-55h_-jl8rvhiKJ9VbM1h33H9ESfVUs/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La suerte estuvo de parte de Hyams, ya que su amigo, el productor Alan Ladd Jr (con quien había trabajado en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/08/atmosfera-cero.html" target="_blank">Atmósfera cero</a></b>) se convirtió en el jefe de la MGM en marzo de 1985, momento en que estaba desarrollando el proyecto, y dio su aprobación a los cambios que quería el director.</div><div style="text-align: justify;">Curiosamente la película se produjo en un momento complicado para la MGM. Tras unos años 70 desastrosos, a principios de 1983, Frank Yablans fue nombrado vicepresidente y director de operaciones del estudio. Después de un año en el puesto, se habían desarrollado aproximadamente 125 proyectos, de los cuales <b>Apunta, dispara... y corre</b><b> </b>era el único que había salido adelante. Pocos meses después de estreno de la película, el 17 de octubre de 1986, la MGM fue comparada por Lorimar Telepictures, por lo que <b>Apunta, dispara... y corre</b> tiene el honor de ser la última película producida por el estudio del león. Se siguieron estrenando películas con el sello MGM, pero ya no se trataba del estudio original.</div><div style="text-align: justify;">Como Hyams quería situar la historia en Chicago, porque era una ciudad que no se había usado mucho en el cine, envió allí a Jimmy Huston (el segundo guionista de la película) para buscar localizaciones que se incluirían en el guión. El guionista regresó con fotos de un edifico acristalado llamado "State of Illinois Center", a Hyams le gustó y decidió situar el clímax de la película en él.</div><div style="text-align: justify;">Huston le hizo otra propuesta, rodar una persecución en las vías del tren, idea que entusiasmó a Hyams, y se incluyó en el guión.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;"><i>"Había muchas películas de policías en ese momento,"</i> contaba Hyams a <b>Empire</b>. <i>"Así que decidí que si quería ser interesante, tenía que hacerlo con dos actores que normalmente no esperarías ver en una película de acción."</i></div><div style="text-align: justify;">Para el papel del policía Danny Costanzo, Hyams quiso a Billy Crystal, conocido por aquel entonces por su participación como cómico en el programa <b>Saturday Night Live</b> (en el que trabajó durante una temporada), y el director lo llamó personalmente para ofrecerle el papel. <i>"Cuando dije Billy Crystal, se podía escuchar el 'golpe' cuando los muchachos de MGM se desmayaron,"</i> contaba Hyams a <b>Money Into Light</b>. El actor tuvo que realizar una prueba para conseguir el papel. Pero la noche antes de realizarla recibió una llamada de Brandon Tartikoffm, presidente de la NBC, quien le ofreció ser el anfitrión del SNL de forma permanente, lo que era una gran oportunidad para Crystal, quien ahora tenía dos grandes ofertas encima de la mesa, y no sería posible para él trabajar en ambos proyectos porque se solaparían los calendarios. Al final un cambio en los productores del programa, provocó un lavado de cara en el SNL con la entrada de nuevos cómicos, por lo que ya no había lugar para Crystal en él. Pero pasó la prueba para <b>Apunta, dispara... y corre</b> y se hizo con el papel de Danny Costanzo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlrzaaFBIL8xjbjQnQe1mlHv1Ue2ILoysnEkp5sjTYgvs0xsM66-QP0g6hLsFNBEdBAv04Ft738LCTRPNZ0V85AG8rt5RQk99OQbLUiPG3ct5T0Ocd9WgsVIrIzp7LZYEs3TKySowOVEmynPJQqdh9ZwN5T2lydp_lFleNzFmo5xeXsFiD8QQ/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjlrzaaFBIL8xjbjQnQe1mlHv1Ue2ILoysnEkp5sjTYgvs0xsM66-QP0g6hLsFNBEdBAv04Ft738LCTRPNZ0V85AG8rt5RQk99OQbLUiPG3ct5T0Ocd9WgsVIrIzp7LZYEs3TKySowOVEmynPJQqdh9ZwN5T2lydp_lFleNzFmo5xeXsFiD8QQ/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Gregory Hines estuvo interesado en interpretar a su compañero Ray Hughes, el actor leyó el guión y le gustó el papel. Hines era un famoso bailarín, que había dado sus primeros pasos en el cine con <b>Cotton Club</b> (1984) y <b>Noches de sol</b> (1985) entre otras. Además había trabajado con Hyams en un episodio de la serie <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/11/series-de-culto-cuentos-asombrosos.html" target="_blank">Cuentos asombrosos</a></b> (1985-87) y se acercó a él para conseguir el papel. Pero la MGM no fue demasiado entusiasta con la idea de contratarle. <i>"Cuando elegí a Gregory,"</i> contaba Hyams a <b>Film Talk</b>, <i>"el estudio dijo: 'Bueno, el papel no fue escrito para un hombre negro'. Dije: 'Bueno, él no está interpretando a un hombre negro, está interpretando a un hombre'."</i> Hyams luchó por Hines y finalmente consiguió que lo contrataran.</div><div style="text-align: justify;">Hyams había visto a Darlanne Fluegel en <b>Vivir y morir en Los Ángeles</b> (1985) y quiso contar con ella para el papel de Anna Costanzo, la ex-mujer de Danny.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Steven Bauer y Jon Gries (como Frank y Tony, dos nuevos compañeros de Costanzo y Hughes), Joe Pantoliano (como el delincuente Snake), Dan Hedaya (en el papel del capitán Logan), Tracy Reed (interpretando a Maryann, un ligue de Hughes), Jimmy Smits (como el narcotraficante Julio Gonzales), John DiSanti (en el papel del soplón Vinnie), Larry Hankin (como el manitas de la policía Ace) y Al Leong (como un secuaz de Julio Gonzales).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal comenzó el 16 de septiembre 1985 y terminó el 22 diciembre del mismo año, con un rodaje de 97 días. Tuvo lugar en diferentes localizaciones de Chicago, aunque los interiores se rodaron en los<span style="color: red;"> </span>MGM Studios (en California).<span style="color: red;"> </span>También se desplazaron hasta Cayo Hueso (Florida) para rodar la parte de la película que ocurre en ese lugar.</div><div style="text-align: justify;">La película muestra una fría Chicago siempre cubierta de nieve, pero en ocasiones ésta no hacía acto de presencia y tenían que usar nieve falsa. </div><div style="text-align: justify;">Como en gran parte de las películas de su carrera, Hyams se encargó también de las labores de director de fotografía.</div><div style="text-align: justify;">Hyams contó una vez más con el diseñador de producción Albert Brenner (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/09/2010-odisea-2.html" target="_blank">2010: Odisea dos</a></b>, <b>Capricornio Uno</b>). Como rodaron durante un frío otoño, para Brenner el mayor reto fue encontrar las viviendas adecuadas y que tuvieran una buena calefacción. Dio con un edificio de la zona sur de Chicago del que le gustó su diseño, y tuvo que utilizar calentadores de propano para calentarlo.</div><div><div style="text-align: justify;">Crystal y Hines para hacerse pasar por auténticos policías entrenaron con armas de fuego (en el Beverly Hills Gun Club más concretamente). Se tomaron tan en serio sus papeles, que hicieron muchas de sus escenas de riesgo. Y además decidieron ponerse en una buena forma física. <i>"Una vez que leímos el guión y supimos que teníamos que quitarnos la camisa en la página 62, comenzamos a muscular,"</i> declaraba un simpático Crystal en el libro <b>Gregory Hines: Entertainer</b>. Dan Isaacson se convirtió en su entrenador personal (quien había hecho lo propio con John Travolta para <b>Staying Alive</b> (1983)). Ambos actores se llevaron a las mil maravillas, y eso se nota en la pantalla. Crystal acostumbraba a improvisar y Hines recogía el testigo. Y las bromas no paraban detrás de las cámaras, con Crystal arrancándose en cualquier momento a hacer su popular imitación de Sammy Davis Jr.</div></div><div style="text-align: justify;">El primer día de rodaje filmaron el tiroteo en el apartamento del narcotraficante. En un determinado momento de la escena, Crystal tenía que correr, tirarse al suelo y disparar su pistola. En la primera toma hizo la escena tal y como la había ensayado, y disparó su arma tres veces. Hyams lo llamó al monitor para visualizar la toma, y Crystal pudo verse a si mismo en el momento de disparar gritando: "¡Bam, bam, bam!" Según contaba el actor en sus memorias, el director le dijo: <i>"No tienes que hacer el sonido, el arma lo hará."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJAscjgRMd31pG8MepB4-MdNooDXqnINYVIeJSL9Gu-hqZspY1rl1gBlpIMLO9hfiiUre24LywdWXnm5jqRnQckOM1NBRWL--1qHuO7DSFBZbiCrx0Ye79dsggJ4nJAVmt8FboYKCTWVkNA6Etaz1x6ld49y1_c_rvjg7TvR1DXouBy-PQJ0M/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJAscjgRMd31pG8MepB4-MdNooDXqnINYVIeJSL9Gu-hqZspY1rl1gBlpIMLO9hfiiUre24LywdWXnm5jqRnQckOM1NBRWL--1qHuO7DSFBZbiCrx0Ye79dsggJ4nJAVmt8FboYKCTWVkNA6Etaz1x6ld49y1_c_rvjg7TvR1DXouBy-PQJ0M/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La gran escena de acción de la película es la espectacular persecución entre un taxi y una limusina que termina en las vías del ferrocarril metropolitano. Para poder llevarla a cabo, Hyams se reunió con el director del servicio ferroviario de la CTA, y le explicó en que consistía la escena, y aunque la primera reacción de éste fue decirle que le parecía una locura, después le ayudó en todo para hacerla posible. Carey Loftin, un legendario especialista automovilístico, fue contratado como coordinador de especialistas para llevar a cabo la persecución. Rodaron la escena todos los domingos durante dos meses, en dos líneas de tren cerradas. Fue tan dura de rodar, que necesitaron varios taxis y limusinas, ya que se les rompían los ejes de transmisión y las suspensiones. Teniendo en cuenta la complejidad de la escena, estaba claro que sucederían accidentes, y uno ocurrió cuando la limusina se saltó una vía y tuvo que frenar, y el camión que llevaba la cámara e iba detrás, no pudo hacerlo a tiempo, y se produjo una colisión. La cámara que iba montada en la parte delantera quedó destrozada. </div><div style="text-align: justify;">El clímax se rodó en el "State of Illinois Center", y adaptaron las escenas de acción a la arquitectura del edificio. Hyams, que tiene miedo a la alturas, decidió rodar escenas desde lo alto del edificio para compartir su miedo con el público. <i>"Siempre termino con gente colgando de lugares altos, porque eso es lo que me asusta,"</i> contaba Hyams al <b>Chicago Tribune</b>. Para rodar en el lugar tuvieron que construir todo tipo de plataformas y soportes especiales para las cámaras. Rodaban por la noche, y pese a los desperfectos que causaban en el edificio, debían dejarla todo como estaba antes que éste abriera al día siguiente. Eso les daba un plazo de 12 horas y rodaron en el lugar durante 9 noches. En un momento de dicho clímax, el personaje de Hines tiene que trepar a la parte más alta del edificio mediante una plataforma de limpieza de ventanas. Como no consiguieron encontrar a ningún doble, terminaron contratando al limpiador del edificio.</div><div><div style="text-align: justify;">El escogido para hacerse cargo de la música de la película fue Rod Temperton, popular por aquel entonces por haber compuesto la canción <b>"Thriller"</b> de Michael Jackson, y la banda sonora de <b>El color púrpura</b> (1985). Además compuso para la película el tema <b>"Sweet Freedom"</b> cantada por Michael McDonald, que fue nominada a los Globo de oro.</div></div><div style="text-align: justify;">La película se estrenó en Estados Unidos el 27 de junio de 1986, y tuvo una buena carrera comercial, recaudando 38.500.726 de dólares en su país de origen.</div><div style="text-align: justify;">Los resultados fueron tan buenos, que la MGM quiso realizar una secuela e intentó convencer a Hyams, pero éste decidió no hacerla. Al parecer, Crystal y Hines tampoco estaban interesados en rodar una continuación.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Apunta, dispara... y corre</b> es una de las buddy movies más infravaloradas de los ochenta, ya que pese a ser una de las mejores muestras de ese género, ha quedado un poco en el olvido. Sus dos protagonistas destilan mucha química, resulta siempre divertida y las escenas de acción son excelentes.</div><div style="text-align: justify;">Sobre el papel la historia no es la más original del mundo, dos policías tratan de resolver su último caso antes de retirarse, pero está llevado de una forma tan amena y dinámica, que se gana nuestras simpatías, y Hyams logra elevar la película por encima del funcional guión.</div><div style="text-align: justify;">Lo divertido de la situación es que desde el momento en que deciden retirarse, y comienzan a ser prudentes, a estos dos superpolicías las cosas comienzan a salirles mal (en una escena accidentalmente casi se pegan un tiro).</div><div style="text-align: justify;">A comienzos de los 80 dos películas definieron el género de la comedia de acción, la primera <b>Límite: 48 horas</b> (1982) como la buddy movie de referencia, y después <b>Superdetective en Hollywood</b> (1984) como la comedia de acción por antonomasia. <b>Apunta dispara... y corre</b> es el fruto de la unión del estilo de esas dos películas, tenemos una pareja de policías con una gran química, y una gran dosis de humor dentro de una película de acción. Y a día de hoy sigue siendo una de las mejores buddy movies del género.</div><div style="text-align: justify;">Y eso sucede porque la química entre Crystal y Hines es absoluta. Las dosis de humor funcionan (el momento de la rueda de reconocimiento con Snake y cuatro policías, el niño que no para de hacerle cortes de manga a Hines, la monja pegándole en la mano a Crystal), y por supuesto las escenas de acción están a la altura, tiene dos memorables (la persecución por las vías del tren y el clímax en el edificio de cristal).</div><div style="text-align: justify;">Además tiene un buen número de excelentes secundarios, donde destaca principalmente Joe Pantoliano como Snake, todo un roba escenas (es genial el momento en que el se queda solo en el coche policial y se pone a hablar por la radio, y Crystal de repente le pega un puñetazo).</div><div style="text-align: justify;">Es una película que tienen una narrativa no demasiado fluida, y que parece que avanza a base de gags, seguro que tener a Crystal en el reparto tiene algo que ver. Es en el tercer acto donde mete la directa y adopta una narrativa más clásica con cuatro set pieces consecutivas (la escena de la persecución, la del camión de basura, el secuestro a la ex-mujer de Costanzo y el tiroteo final).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbdPJaOr7SQCAQ6n6BE2VxHnaGTYoznT5mbuhXhmp01O6D94HzVfSCfIsj-jMCXmA5tAAcbasbEq-G0FCVhywAaalaOSyVr0xVVPhXi7Zk5XjOowhUQ5eR014RNHjcOE5KKdmbD_Cv8z26qf68V7KPtdSaZ8_O_cTvbVB3Q_LsmrXav53ShMg/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbdPJaOr7SQCAQ6n6BE2VxHnaGTYoznT5mbuhXhmp01O6D94HzVfSCfIsj-jMCXmA5tAAcbasbEq-G0FCVhywAaalaOSyVr0xVVPhXi7Zk5XjOowhUQ5eR014RNHjcOE5KKdmbD_Cv8z26qf68V7KPtdSaZ8_O_cTvbVB3Q_LsmrXav53ShMg/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Apunta%20dispara%20y%20corre%2005.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Hyams rueda con su buen hacer de siempre, y demuestra una vez más lo bien que se le da el cine de acción. No era su primera buddy movie (<b>Manos sucias sobre la ciudad</b>), ni sería la última (<b>Más fuerte que el odio</b>), pero sorprende lo suelto que se encuentra dentro de una comedia, género en el que no tiene tantas películas. Además tomó un material, y apostó por hacer algo diferente y resultó estar en lo cierto. E incluso se añadieron algunas escenas que no estaban en el guión y que resultan ser de las mejores de la película (la persecución y el tiroteo final que es una mini <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/09/jungla-de-cristal.html" target="_blank">Jungla de cristal</a></b> en si misma).</div><div style="text-align: justify;">Además vuelve a realizar un gran trabajo como director de fotografía. Me gusta mucho como ilumina la escena del barco con luces rojas (para crear tensión) y como entran los rayos de luz en la escena.</div><div style="text-align: justify;">Me gustan las dos elipsis que utiliza para pasar la acción de Chicago a Cayo Hueso y viceversa. En la primera vemos a Crystal y Hines conversando en un bar y cuando salen descubrimos que ya se encuentran en Florida, y la segunda pasa de unos patines por las calurosas calles de Cayo Hueso a otros patines en la fría Chicago.</div><div style="text-align: justify;">Crystal y Hines son una inesperada pareja de polis que funcionan de maravilla juntos. Son policías que se toman en serio su trabajo y nos caen bien por eso. Cuando están bromeando sobre la causa de la muerte del hombre que apareció en la calle, y su capitán les dice que era un policía, rápidamente cambian su actitud y se demuestran dispuestos a resolver el caso. Por esos momentos se ganan nuestras simpatías. Además se nota que son amigos de verdad y nos gusta ver el buen rollo que hay entre ellos. A diferencia de otras películas del género donde los dos personajes principales son antagónicos (<b>Arma letal</b>, <b>Danko: Calor rojo</b>, <b>Alien nación</b>), y eso es lo que hace funcionar su relación, aquí no son tan distintos, pero se complementan muy bien, e increíblemente funciona. </div><div style="text-align: justify;">Conocí a Crystal en esta película y pese a que hoy día resulte extraño pensar en él como en un héroe de acción, lo cierto es que siempre me ha resultado muy creíble en su papel de duro policía, para mí siempre ha sido Danny Costanzo, es de esos castings improbables que funcionan muy bien.</div><div style="text-align: justify;">Incluso el clásico montaje ochentero de Crystal y Hines en Cayo Hueso mientras suena <b>"Sweet Freedom"</b> funciona y resulta la mar de simpático.</div><div style="text-align: justify;">Hay cosas que han quedado desfasadas, como el momento de la mujer en apuros y que los protagonistas tengan que acudir a su rescate; que los únicos desnudos sean femeninos; o esa actitud de polis que primero disparan y después preguntan, resulta hoy día muy chocante (a los dos delincuentes que tratan de robarles y abren fuego sobre su coche, fácilmente podrían haberles matado), pero se debe al signo de los tiempos. Y cae en algunos clichés como la relación entre Crystal y su ex-esposa, que sabes que van a terminar juntos por mucho que se piquen durante todo el metraje. O en ese capitán de policía gritón y siempre enfadado, que tiene una relación de amor-odio con los protagonistas.</div><div style="text-align: justify;"><b>Apunta dispara... y corre</b> es una de las mejores buddy movies que ha dado el género. Fue <b>Arma letal</b> antes de <b>Arma letal</b>. Una mezcla perfecta entre comedia y acción. Fue la película que lanzo la carrera cinematográfica de Billy Crystal, y la primera buddy movie de dos policías interracial. Es una pena que esté un poco olvidada, pero si podéis darle una oportunidad, seguro que pasareis un buen rato.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">La canción <b>"Sweet Freedom" </b>llegó a alcanzar el puesto 7 del "Billboard Hot 100" americano.</div><div style="text-align: justify;">En los créditos finales erróneamente llaman a Patti LaBelle como Pattie LaBelle.</div><div><div style="text-align: justify;">El guionista Gary DeVore desapareció en junio de 1997, y su cuerpo fue encontrado un año después. El caso no se ha resuelto a día de hoy.</div></div><div style="text-align: justify;">Billy Crystal y Gregory Hines participaron en el videoclip del tema <b>"Sweet Freedom" </b>de<b> </b>Michael McDonald.</div><div style="text-align: justify;">La primera película que Alan Ladd Jr aprobó a su llegada a la MGM fue ésta, y la primera que hizo años antes con su productora, Ladd Company, fue <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/08/atmosfera-cero.html" target="_blank">Atmósfera cero</a></b> también de Hyams.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Cinefantastique Magazine</b> (Vol 25 Nº 4 - Ago 1994)</div><div style="text-align: justify;"><b>Turner, MGM: What Hath Mogul Bought?</b> (Los Angeles Times, 17 sep 1985)</div><div style="text-align: justify;"><b>Production Chief Buys and Sells Scripts</b> (Los Angeles Times, 17 jul 1986)</div><div style="text-align: justify;"><b>Remains Identified as Screenwriter’s</b> (Los Angeles Times, 11 jul 1998)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.money-into-light.com/2016/08/an-interview-with-peter-hyams-part-1-of.html" target="_blank">An Interview with Peter Hyams</a></b> (Money Into Light, 2016) </div><div style="text-align: justify;"><b>Directors Special: Peter Hyams Goes Film-By-Film</b> (Empire, 14 jul 2014)</div><div style="text-align: justify;"><b>Peter Hyams Interview</b> (Film Talk, 11 feb 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b>Caught in the Act: New York Actors Face to Face</b> (Don Shewey y Susan Shacter, 1986)</div><div style="text-align: justify;"><b>So You Want Be a Producer</b> (Lawrence Turman, 2005)</div><div style="text-align: justify;"><b>Still Foolin' 'Em </b>(Billy Crystal, 2013)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://theultimaterabbit.com/2020/04/06/running-scared-celebrates-its-25th-anniversary-at-new-beverly-cinema/" target="_blank">Running Scared Celebrates Its 25th Anniversary at New Beverly Cinema</a></b> (The Ultimate Rabbit, 6 abr 2020)</div><div style="text-align: justify;"><b>‘Running Scared’ revisited</b> (Chicago Sun-Times, 1 jun 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b>Hot pursuit on a fast track</b> (Chicago Tribune, 11 jul 1986)</div><div style="text-align: justify;"><b>Gregory Hines: Entertainer</b> (Dennis Abrams, 2008)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0091875/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>At The Movies</b> (The New York Times, 27 jun 1986)</div><div style="text-align: justify;"><b>The Film Crew of Hollywood: Profiles of Grips, Cinematographers, Designers, a Gaffer, a Stuntman and a Makeup Artist</b> (James C. Udel, 2013)</div><div style="text-align: justify;"><b>Darlanne Fluegel, Actress in ‘To Live and Die in L.A.’ and ‘Running Scared,’ Dies at 64</b> (The Hollywood Reporter, 4 ene 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b>Undercover cop is closest to being me</b> (Toronto Star, 27 July 1986)</div><div style="text-align: justify;"><b>Fade Out: The Calamitous Final Days of MGM</b> (Peter Bart, 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b>The 50 MGM Films that Transformed Hollywood: Triumphs, Blockbusters, and Fiascos</b> (Steven Bingen, 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b>Ben Schwartz Gets Interviewed By Billy Crystal</b> (Interview Magazine, 22 feb 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b>HBO Behind the Scenes: Running Scared</b></div></div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-57934836306510001492023-10-11T23:19:00.000-07:002023-10-11T23:19:02.110-07:00La zona muerta<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy2F8FHDs_1xHbOiepqxsTuF1nsySl97a6wm6hqrH0Qk70-qkwKQBU7vGlwz8q6YcQm07cPbI-2jRmcxoRDbboumlKE1JW9fVdjmPx3xYDkV7zWQLdwNJ5Aa4IEehV3mFGCH4u7Lstznrn0deHDoCewD2BBTsMd4LFbOBSYFmiNWGNQUE0k74/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="543" data-original-width="700" height="310" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhy2F8FHDs_1xHbOiepqxsTuF1nsySl97a6wm6hqrH0Qk70-qkwKQBU7vGlwz8q6YcQm07cPbI-2jRmcxoRDbboumlKE1JW9fVdjmPx3xYDkV7zWQLdwNJ5Aa4IEehV3mFGCH4u7Lstznrn0deHDoCewD2BBTsMd4LFbOBSYFmiNWGNQUE0k74/w400-h310/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2001.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Por causa de un accidente de coche, John Smith se pasa cinco años en coma, tras despertarse descubrirá que tiene poderse psíquicos.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #3d85c6;">Este mes <b>La zona muerta</b> (The Dead Zone, 1983) cumple 40 años, y qué mejor momento que éste para dedicarle un artículo. Para esta ocasión especial, conté con la ayuda de su director de fotografía,</span> <a href="https://www.facebook.com/profile.php?id=100009372377636" target="_blank">Mark Irwin</a><span style="color: #3d85c6;">, quien me facilitó un montón de información sobre el rodaje de la película. Le estoy muy agradecido. Espero que os guste este viaje a la zona muerta.</span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>LA ZONA KING</b></div><div style="text-align: justify;">Stephen King publicó en 1979 su séptima (y estupenda) novela, <b>La zona muerta</b>, cuyos derechos de adaptación al cine fueron comprados por Lorimar Film Entertainment.</div><div style="text-align: justify;">Primero Paul Monash (<b>El misterio de Salem's Lot</b>) hizo una adaptación de la novela para Sidney Pollack. Y después Carol Baum de Lorimar le encargó la adaptación a Jeffrey Boam (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/04/indiana-jones-y-la-ultima-cruzada.html" target="_blank">Indiana Jones y la última cruzada</a></b>, <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/03/jovenes-ocultos.html" target="_blank">Jóvenes ocultos</a></b>), quien tras leer la novela, creyó que tenía muchas posibilidades. Poco después Stanley Donen (<b>Cantando bajo la lluvia</b>) se sumó al proyecto como director, con Pollack como productor. <i>"Stanley estaba interesado en hacer una película que conectara con el público juvenil contemporáneo,"</i> contaba Boam a <b>Eon Magazine</b>. <i>"Y en ese momento Stephen King lo era, porque todos hacían películas de Stephen King."</i> </div><div style="text-align: justify;">Tras arrastrar varios fracasos, Lorimar decidió cerrar su división de cine, y la adaptación con Donen a los mandos nunca llegó a ocurrir. </div><div style="text-align: justify;">Aproximadamente un año después los derechos de la novela fueron comprados por Dino De Laurentiis (a través de su compañía, la Dino De Laurentiis Company) y el proyecto revivió. A De Laurentiis no le gustó el guión de Boam, y le pidió a Stephen King que se encargara de escribir uno nuevo, pero tampoco le gustó éste. El futuro director del proyecto, David Cronenberg, tuvo la opción de dirigir ese guión, pero lo rechazó por ser demasiado brutal.</div><div style="text-align: justify;">Según se cuenta en un excelente artículo de la revista <b>Cinefantastique</b>, De Laurentiis después le encargó la escritura de un nuevo guión al director ruso Andrey Konchalovskiy (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/07/tango-y-cash.html" target="_blank">Tango y Cash</a></b>). Éste escribía el guión en ruso, que después era traducido al inglés, para posteriormente ser traducido al italiano, para que De Laurentiis pudiera leerlo. Este guión no funcionó y fue descartado. Aunque según el libro <b>Cronenberg por Cronenberg</b> fue el director polaco Andrzej Zulawski al que el productor le hizo el encargo.</div><div style="text-align: justify;">Finalmente De Laurentiis decidió contratar a Debra Hill (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/03/1997-rescate-en-nueva-york.html" target="_blank">1997: Rescate en Nueva York</a></b>) como productora para la película, y fue en ese momento que el proyecto comenzó a coger forma. Mientras David Cronenberg visitaba a su amigo John Landis se encontró con Hill, quien le ofreció dirigir <b>La zona muerta</b>, casualidades de la vida Carol Baum (de Lorimar) ya le había ofrecido a Cronenberg la dirección de la película (antes del rodaje de <b>Scanners</b>), sin saber que Donen ya había sido contratado. El director de <b>Crash</b> no tardó en aceptar la oferta de Hill.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgShfHqgG0Jp9_f9v2UPWNc88p3oCowdee__-TXiV0EOnQ0iQt2M4Ziep-da3L0dBWVQ2nGdDPTSXX0UCJJhkqoW0KNol7D5lLaRUQT1P0FKirT_XddHELfAxdAohW7lZi0UYuEvMOYsCCCiD7fWbBQbMArqMGv4TptQuKnIEC0Okt4CaZXLS0/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgShfHqgG0Jp9_f9v2UPWNc88p3oCowdee__-TXiV0EOnQ0iQt2M4Ziep-da3L0dBWVQ2nGdDPTSXX0UCJJhkqoW0KNol7D5lLaRUQT1P0FKirT_XddHELfAxdAohW7lZi0UYuEvMOYsCCCiD7fWbBQbMArqMGv4TptQuKnIEC0Okt4CaZXLS0/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Tras rodar <b>Videodrome</b> (1983), Cronenberg no se veía capaz de escribir un nuevo guión, así que el trabajar con un guión ajeno parecía lo más apropiado en aquel momento. Fue durante la post-producción de esta película, que el director comenzó a trabajar en <b>La zona muerta</b>.</div><div style="text-align: justify;">Según contaba Cronenberg, llegó a recibir cinco guiones distintos y el de Boam fue el que más le gustó. Hill llamó a Boam y el guionista se pasó tres días, durante el verano de 1982, con Cronenberg y Hill revisando el libreto.</div><div style="text-align: justify;">Según Boam, el guión final fue muy similar al que desarrolló para Donen. La principal diferencia entre ambos surgía en las visiones de Johnny, Donen no quería mostrarlas, en su película sólo se verían las reacciones del protagonista, pero Cronenberg quería mostrarlas directamente.</div><div style="text-align: justify;">En otra gran casualidad, Boam terminó su primer borrador el mismo día en que Ronald Reagan fue elegido presidente, algo muy irónico teniendo en cuenta la carga política de la película.</div><div style="text-align: justify;">El guión de Boam incluía una escena final en la que volvía a aparecer el asesino de Castle Rock e intentaba matar a Sarah, Johnny no moría por causa de los disparos que recibía en el clímax, y tenía una visión de la muerte de ella, y gracias a ella conseguía salvarla. Cronenberg decidió eliminar la escena por considerarla muy similar al falso final de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2016/02/vestida-para-matar.html" target="_blank">Vestida para matar</a></b> (1980).</div><div style="text-align: justify;">Cronenberg aportó sus propias ideas al guión. Algunas fueron pequeñas modificaciones, como cambiar que el camión del accidente de John no fuera un camión cisterna cargado de combustible, si no uno que transportaba leche. Y otra más importantes, como hacer (en colaboración con Boam) que el chico del que John se convierte en su tutor tuviera 11 años, y no 18 como en la novela. Además decidió cambiar la visión que mostraba la muerte de éste, por lo que en lugar de ocurrir en el incendio de un gimnasio como en la novela (que le recordaba demasiado a <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2013/10/carrie.html" target="_blank">Carrie</a></b>), pasó a ser en un accidente de hockey.</div><div style="text-align: justify;">Boam terminó su guión el 8 de noviembre de 1982. Y consiguieron un acuerdo de distribución para Estados Unidos con Paramount Pictures.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Cronenberg quería a Nicholas Campbell para interpretar a John Smith, con quien había trabajado en <b>Tensión en el circuito</b> (1979) y <b>Cromosoma 3</b> (1979). Por su parte, el preferido de King para el papel era Bill Murray (según el escritor, a De Laurentiis le gustó la idea). Ni uno ni otro terminaron interpretando al profesor con poderes psíquicos, el papel recayó finalmente en Christopher Walken.</div><div style="text-align: justify;">Y Cronenberg encontró un papel para Nicholas Campbell, quien terminó interpretando al policía Frank Dodd.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPpRpkwSU_xyfbiYxyeuYRWE12rA-JYOhqKjiKnGqlu1yEt3anQ7Uu6EpslhweUvK2DY1JvHppNjL8iIRoKA6-__LT5Mpwvs9K8SWNhGrpaEwernZEQ6pL3yml7ZcB-N5sfHZ9uui-R7j_MWWPRP5SPJV0x_DobS3N_NlTN2rzRfGt-IF_ep4/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiPpRpkwSU_xyfbiYxyeuYRWE12rA-JYOhqKjiKnGqlu1yEt3anQ7Uu6EpslhweUvK2DY1JvHppNjL8iIRoKA6-__LT5Mpwvs9K8SWNhGrpaEwernZEQ6pL3yml7ZcB-N5sfHZ9uui-R7j_MWWPRP5SPJV0x_DobS3N_NlTN2rzRfGt-IF_ep4/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Martin Sheen aceptó participar en la película dando vida al desalmado político Greg Stillson, gracias a la influencia de su hijo Charlie Sheen, que era un gran fan de Cronenberg. Martin no había visto ninguna película suya, pero cuando Charlie supo que a su padre le habían ofrecido un papel en una película de Cronenberg, hizo que viera <b>Rabia</b> (1977) y <b>Scanners</b> (1981).</div><div style="text-align: justify;">El deseado por el director para dar vida al sheriff Bannerman era Hal Holbrook, pero De Laurentiis lo vetó porque nunca había oído hablar de él. Al final se contrató a Tom Skerritt para el papel.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Brooke Adams (en el papel de Sarah Bracknell, el interés amoroso de John), Herbert Lom (como Sam Weizak, el doctor que atiende a John), Anthony Zerbe (quien interpreta al millonario Roger Stuart), Simon Craig (como Chris Stuart, hijo de Roger), Sean Sullivan (dando vida a Herb, el padre de John), Colleen Dewhurst (Henrietta Dodd, madre de Frank Dodd), y Géza Kovács (en la piel de Sonny Elliman, mano derecha de Stillson).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La película comenzó a rodarse el 10 de enero de 1983 y terminó el 26 marzo del mismo año.</div><div style="text-align: justify;">Pese a que la historia ocurre en Nueva Inglaterra, en la ficticia ciudad de Castle Rock, la película se rodó principalmente en Niagara-on-the-Lake, a las afueras de Toronto (Canadá), y en otras localizaciones de Ontario.</div><div style="text-align: justify;">Para hacer creíble que estaban rodando en Nueva Inglaterra, la diseñadora de producción Carol Spier tomó como inspiración a Norman Rockwell, famoso por capturar en sus obras un idealista espíritu americano.</div><div style="text-align: justify;">Mark Irwin tuvo al mismo artista como referente para el estilo visual de la película. <i>"El look de la película era hacer que pareciera que la filmó Norman Rockwell,"</i> me contó el director de fotografía. <i>"Clásico estilo americano de Nueva Inglaterra. El misterio se vuelve más siniestro durante el día y ambienta aún mejor las escenas nocturnas: el túnel, el mirador, la casa del diputado, etc."</i></div><div style="text-align: justify;">Por otra parte, las visiones de John Smith tenían que tener su propio estilo visual, según me explicó Irwin: <i>"Las visiones necesitaban un vínculo visual y un corte impactante (Chris en la cama en llamas, el médico llevado a la Segunda Guerra Mundial cuando era niño), pero iluminadas e interpretadas de forma real. Sin filtros ni efectos ópticos. Sólo una visión clara y nada de ensueño."</i></div><div style="text-align: justify;">Christopher Walken acostumbraba a utilizar delineador de ojos y rímel por aquel entonces, y los dailies del primer día de rodaje se enviaron a Dino De Laurentiis, quien el tercero se presentó en el set en su limusina, y fue directo a trailer de maquillaje, donde se encontraba Walken, y le gritó que se quitara todo ese maquillaje de la cara, ya que no tenía el aspecto de alguien que se ha pasado cinco años en coma. Desde ese día, hasta el final del rodaje, el actor no llevó ningún maquillaje.</div><div style="text-align: justify;">Una de las escenas más impresionantes de la película, es la visión de John sobre el accidente de los jugadores de hockey, y como estos se hunden en un lago congelado.<i> "Filmamos las escenas submarinas en una piscina municipal en la ciudad de Vaughn, Ontario,"</i> me explicó Irwin, <i>"donde 10 años antes se filmó una película épica sobre desastres, <b>Odisea bajo el mar</b> (1973). El equipo de decoración cubrió las paredes de la piscina con lonas, y la rellenó con rocas y árboles hundidos. El equipo de efectos especiales decidió que necesitábamos hielo en la parte superior de la piscina, pero lo hicieron con ácido esteárico, que es un componente importante de la cera de las velas. Lo hicieron de unos 5 cm de grosor y fue un error. No pudimos pasar luz a través de la cera (que era tan gruesa como madera contrachapada), así que la cortaron y por eso hay tanta flotación en el agua. Todo fue filmado en Super 16 mm, ya que ese era el único equipo que tenía el equipo local de cámara submarina. Chris [Walken] estuvo presente al igual que Simon Craig, el estudiante que desencadena la visión. El corte de la visión comienza en el vestíbulo de la casa y, exactamente en la misma pose, los encontramos bajo el agua. Esa combinación más la cobertura fue fundamental y funcionó. Filmamos a 30 fps. Los jugadores de hockey que se ahogan en la historia fueron interpretados por un equipo de nadadoras sincronizadas que estaban acostumbradas a estar sumergidas y podían contener la respiración. Ambos actores fueron alimentados con oxígeno hasta la claqueta, entonces interpretaron la escena con la respiración contenida. Divertido..."</i></div><div style="text-align: justify;">Cuando le pregunté a Irwin cual fue la escena más difícil, lo tuvo claro. <i>"Las escenas nocturnas en el mirador se rodaron a -35º C y era difícil moverse. La iluminación de los actores con colores oscuros sobre el blanco de la nieve fue un problema, pero tuvimos cuidado con las banderas y los patrones."</i></div><div style="text-align: justify;"><i>"La escena del lecho en llamas también fue difícil debido al riesgo de incendio,"</i> me explicó el director de fotografía. <i>"Muchas precauciones, incluido un tobogán que Chris podría usar para escapar de la cama en llamas. Estaba acostado en el tobogán y su 'cuerpo' era un torso falso con piernas." </i>Ésta fue la escena más peligrosa de rodar. Para mostrar la visión, John aparece en su cama del hospital dentro de la habitación de una niña que está ardiendo, por lo que Walken tuvo que estar muy cerca de las llamas. Para evitar que se quemase se le aplicó una solución inflamable en su cara y manos. Y surgieron varias dificultades durante su rodaje. En la primera toma una de las ventanas de la habitación que debía explotar no lo hizo, por lo que tuvieron que rodar una segunda toma; tras preparar de nuevo el set después de haberse quemado, rodaron la escena, pero de nuevo una de las ventanas no implosionó, pero ese no fue el mayor problema, ya que uno de los decoradores puso un muñeco de E.T. en una estantería. Cronenberg consideraba que era un elemento que distraía, por lo que se vio obligado a repetir la escena una vez más. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlxn1hjXC4pAGGRc898loyRkA2tXOfX5qS6yoeCg0ldFXqyZcJiGyuFrDJ5R74q3yXF9btUGvzilvRt0C4SAU15uKQ4h_4j0K4MStgm8f_ylNlNvRR03tcY0CXthGQuse0Vhb1AXWHGfaiZp_rK3-KTpyksFw2FiFrDdfV56Ps-4KwiAT-hps/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhlxn1hjXC4pAGGRc898loyRkA2tXOfX5qS6yoeCg0ldFXqyZcJiGyuFrDJ5R74q3yXF9btUGvzilvRt0C4SAU15uKQ4h_4j0K4MStgm8f_ylNlNvRR03tcY0CXthGQuse0Vhb1AXWHGfaiZp_rK3-KTpyksFw2FiFrDdfV56Ps-4KwiAT-hps/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Cronenberg no es amigo de hacer storyboards en sus películas, pero en <b>La zona muerta</b> hizo una excepción, y el artista Jim Craig hizo storyboards para el accidente del camión y la secuencia de la Segunda Guerra Mundial. Para que de esa forma, los equipos de efectos especiales (liderados por Jon G. Belyeu) y de especialistas (con Dick Warlock a la cabeza) tuvieran claro cual era su visión en esas escenas.</div><div style="text-align: justify;">Para rodar la visión de John de la Segunda Guerra Mundial en Polonia, la cual muestra una batalla, la producción barajó viajar a la antigua Yogoslavia para llevarla a cabo, pero los costes que eso implicaba terminaron descartándolo. Finalmente se rodó en una fábrica abandonada en Cheltenham (Ontario). Durante el rodaje de la escena un extra sufrió graves quemaduras, cuando un explosivo estalló demasiado cerca suya.</div><div style="text-align: justify;">Cuando estaban preparando la escena en la que John trata de matar a Stillson, y éste se protege detrás de un niño al que agarra, Walken bromeó diciendo que no podía disparar porque se trataba del hijo de Sarah. Originalmente el niño era un desconocido (al igual que en la novela), pero a Cronenberg le gustó la idea que el niño que Stillson usase de escudo humano fuera el hijo de la amada de Johnny. Rápidamente buscaron a un niño que diera vida al hijo de Sarah en esa escena.</div><div style="text-align: justify;">Inicialmente Charlie Sheen iba a dar vida al niño que saca la fotografía comprometida de Stillson parapetándose detrás del niño, pero como tenía problemas en el colegio, Martin Sheen preguntó si el hermano de éste, Ramon Estevez, podía interpretar el papel, y a Cronenberg le pareció bien.</div><div style="text-align: justify;">Rodaron una escena inicial que finalmente quedó descartada, y que estaba presente en la novela, en la cual, John siendo un niño, tiene un accidente durante un partido de hockey, el cual activa sus poderes psíquicos. Cronenberg consideró la secuencia innecesaria, ya que era suficiente explicación que John adquiriese sus poderes a causa del accidente con el camión.</div><div style="text-align: justify;">E inicialmente Cronenberg tenía previsto que John siempre apareciera físicamente en sus visiones (hay imágenes del rodaje de las visiones de la Segunda Guerra Mundial y de Camp David que muestran a Walken en ellas, y Irwin me confirmó que el actor estuvo también presente en el rodaje de la visión del partido de hockey), pero durante la post-producción decidió utilizar ese recurso sólo en dos de ellas.</div><div style="text-align: justify;">Martin Sheen dio muestras del gran actor que es, cuando rodó la escena del discurso que da en una fábrica. Se hicieron tres tomas, y en cada una el actor dio hizo una interpretación distinta, y en la última llegó a meterse entre el público, estrechando manos y hablando con la gente, lo que fue totalmente improvisado.</div><div style="text-align: justify;">Cronenberg quería que su compositor habitual Howard Shore (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/06/la-mosca.html" target="_blank">La mosca</a></b>) se encargara de la música para la película, pero De Laurentiis prefería a alguien más conocido, y el escogido fue Michel Legrand (<b>El caso Thomas Crown</b>), pero cuando el francés supo que sólo tendría ocho semanas para componer la música, dejó la película. El director volvió a pujar por Shore y De Laurentiis aceptó, pero tras pasarse tres semanas trabajando en la partitura, el trato no se llegó a cerrar y Shore quedó fuera del proyecto. Al final Michael Kamen (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/09/jungla-de-cristal.html" target="_blank">Jungla de cristal</a></b>) fue el compositor que se encargó de componer la música, algo que hizo en el tiempo récord de tres semanas.</div><div style="text-align: justify;">La película se estrenó en territorio norteamericano el 21 de octubre de 1983, y recaudó unos correctos 20.766.616 de dólares. Nada mal, teniendo en cuenta que su presupuesto fue de 10 millones de dólares (7,1 millones según otras fuentes).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>La zona muerta</b> es una de las mejores adaptaciones de Stephen King al cine. Consigue ser muy fiel al material original, sacando lo mejor del mismo, y dejando a un lado lo menos interesante y lo más cliché.</div><div style="text-align: justify;">De entrada es un proyecto atípico dentro de la filmografía de Cronenberg, incluso la posterior <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/06/la-mosca.html" target="_blank">La mosca</a></b> (1986) está más cerca de sus intereses. Aquí no hay una relación tan directa con la nueva carne, el cuerpo humano o el sexo. Pero si se penetra en su interior, sí encontramos elementos propios del universo del director. El cuerpo de John se deteriora (acercándolo poco a poco a la muerte) conforme va teniendo más y más visiones, como le sucede a Seth Brundle en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/06/la-mosca.html" target="_blank">La mosca</a></b>. Las visiones de John pueden verse como el siguiente paso de la evolución del hombre (como lo son los Scanners en la película homónima o los mutantes de <b>Crímenes del futuro</b>). No hay sexo de forma explícita, pero es un punto importante en la relación entre John y Sarah. Y como en otras películas de su carrera, su protagonista termina muriendo (casi como parte de una catarsis).</div><div style="text-align: justify;">También destaca por ser la película más emocional del director, cuyos personajes o universos suelen ser más fríos y asépticos, pero aquí sabe como hacer que conectemos con los protagonistas, y estos se perciben como más humanos, como demuestra ese beso bajo la lluvia entre John y Sarah, o el momento en que John rompe a llorar delante de Chris tras ver a Sarah.</div><div style="text-align: justify;">La película demuestra lo que se oculta bajo el manto de esa sociedad americana aparentemente perfecta. La película comienza con unos créditos con imágenes a lo Norman Rockwell, pero después un agente de policía resulta ser un asesino en serie, y el futuro presidente de los Estados Unidos es un sociópata megalómano. Cuando John recibe los disparos de Sonny cae agarrado a una cinta con los colores de la bandera americana, en medio de un intento de asesinato a un político americano (algo que se ha repetido varias veces en la historia de ese país).</div><div style="text-align: justify;">Hay entre sus imágenes una lucha entre el bien (John) y el mal (Stillson). John se ve obligado a cometer un acto horrible, un asesinato, pero sabe que no hay otra forma de evitar la tragedia que Stillson provocará. El villano es un político, algo muy irónico en el momento de su estreno, cuando Ronald Reagan estaba en la Casa Blanca, aunque la película realmente pareció presagiar el futuro y Stillson nos recuerda más a Donald Trump.</div><div style="text-align: justify;">Y hay en la película ecos del miedo a una guerra nuclear, algo imperante en la época y que el cine reflejó en varias ocasiones (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2022/04/70-minutos-para-huir.html" target="_blank">70 minutos para morir</a></b>, <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/09/juegos-de-guerra.html" target="_blank">Juegos de guerra</a></b>, <b>El día después</b>, <b>Testamento final</b>).</div><div style="text-align: justify;">La relación entre John y Sarah es toda una tragedia, no tanto como la de Jeff Goldblum y Geena Davis en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/06/la-mosca.html" target="_blank">La mosca</a></b>, o la de René Gallimard y Song Liling en <b>M. Butterfly</b> (1993) o la de Frank Carveth y su ex-mujer en <b>Cromosoma 3</b>, pero es digna de la obra de Cronenberg. Desde el punto de vista de John, un día se despertó y habían pasado 5 años, y la chica que era su novia, se ha casado y tiene un hijo con otro hombre. Nunca llegaron a consumar su relación mientras eran novios, pero esto se resuelve en una de las mejores escenas de la película, cuando ella le visita para por fin acostarse y resolver eso que tenían pendiente. Me parece una escena muy adulta (ya presente en la novela, aunque con algunos cambios). También me gusta esa cena que comparten juntos con el hijo de ella y el padre de John, el protagonista vive aunque sea por un día la vida que pudo haber tenido.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBIeh_YVroChkm6J4F_VW61rj2PW5rYr9OKYZ0xWS7r2PhbLSvgp31j8LgiugMiUj8RbZ-ttJKj7LluWNpVjr1Ii2euLa7uHh6XD3xybB3LUcpu3_OsELx6sf3UahFgSOfG67VjrIgUDccFAGa_7EyNB1UD9zswb2k_SrfbTBaaHnXUDln4w0/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhBIeh_YVroChkm6J4F_VW61rj2PW5rYr9OKYZ0xWS7r2PhbLSvgp31j8LgiugMiUj8RbZ-ttJKj7LluWNpVjr1Ii2euLa7uHh6XD3xybB3LUcpu3_OsELx6sf3UahFgSOfG67VjrIgUDccFAGa_7EyNB1UD9zswb2k_SrfbTBaaHnXUDln4w0/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20La%20zona%20muerta%2005.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Hay momentos que dicen, más que cualquier palabra, como el de John dejando el bastón en casa antes de salir a recibir a Sarah. Y hay detalles geniales, como cuando John y Stillson la primera vez que se encuentran van a estrecharse las manos, pero Stillson en su lugar le coloca una chapa en la mano a John. En esta escena John podría tener la visión de la Tercera Guerra Mundial, pero de una forma ingeniosa el guión retrasa ese momento.</div><div style="text-align: justify;">Me encanta como Cronenberg visualiza algunas de las visiones de John, colocando a Walken dentro de las mismas, siendo pura magia cinematográfica. Aunque sólo lo utiliza en algunas visiones, entiendo que para no abusar del recurso, creo que de haberlo hecho en todas habría funcionado perfectamente.</div><div style="text-align: justify;">Y cierra la película de una forma genial, tras resultar herido, John toca a Stillson, y tiene una visión de éste suicidándose porque han publicado una foto, en la que se protege detrás del hijo de Sarah. Sencillo y directo, aprovechando el potencial que le da las visiones de su protagonista.</div><div style="text-align: justify;">Boam consigue superar el material original, el guionista coge los mejores elementos de la novela de King y los mejora. Elimina la explicación final de que John tiene un tumor en el cerebro el cual es el responsable de su don. El accidente de coche es mucho más espectacular. Y quita de un plumazo toda la carga religiosa que se siente pesada en la novela, sobre todo en lo que se refiere al personaje de la madre de John, y que da a entender que John puede ser un enviado de Dios (se deja ver algún retazo de la temática religiosa en la personalidad de la madre, pero no carga las tintas como la novela). </div><div style="text-align: justify;">La relación con Sarah está mejor llevada, Boam utiliza la idea del libro de que su marido está metido en temas de política, para que ella haga campaña por Stillson con él, y para que así tenga sentido que se encuentre con John en el tercer acto. De esa forma se siente natural que esté presente en el clímax acompañando al político.</div><div style="text-align: justify;">Además el momento en que John le da la mano a Stillson está más justificado que en la novela, donde John se dedica por diversión acudir a mítines políticos y a estrecharles la mano a estos, aquí persigue a Sarah en medio de un mitin y se topa por casualidad con el candidato a senador, quien como es costumbre en todo político, le estrecha la mano. Funciona mucho mejor.</div><div style="text-align: justify;">El cambio de edad del joven del que John se convierte en su tutor beneficia a la historia. Que sea un niño lo muestra de alguna forma en el hijo que nunca tuvo con Sarah, por eso es tan adecuado que aparezca en la escena en la que John habla con Sarah y su marido. Es más entendible que John le coja cariño. Y el accidente de hockey es mucho mas creíble que el gran incendio de la novela, en el que padecen casi un centenar de jóvenes (demasiado salvaje para ser verosímil), en la película se resuelve mejor el porqué el niño se salva, y el número de muertos se reduce a dos (la visión de John viendo como se hunden en el hielo es formidable y muy impactante). El plano del padre de Chris sentado en su salón, mientras suena el teléfono, sabiendo que el responsable de la muerte de unos niños, pese a ser avisado por John, está cargado de una gran carga emocional. Como también lo está el momento en que a continuación el joven descuelga el teléfono y John, al oír su voz (y al saber que está vivo) no dice nada, Chris sabe que John está al otro lado, pero no llegan a hablarse. La escena no necesita más diálogos. </div><div style="text-align: justify;">La mayor pega que le encuentro al guión es que resulta demasiado episódico, más que la propia novela, que tiene siempre la trama en paralelo de Stillson. Creo que le perjudica ser fiel a la novela y le hubiera beneficiado una estructura más lineal, y no la sensación de ir saltando de una trama (o capítulo) a otro, ya que son muy independientes. Sobre todo el central con el asesino en serie que se desmarca de la trama principal de la película, y parece una película en si misma. Aún así ésta tiene su importancia, gracias a ella John sabe que con su don ha salvado vidas. Y la subtrama con el hijo del adinerado Roger Stuart, también es importante para la película, ya que John descubre que puede cambiar lo que ve en sus visiones. </div><div style="text-align: justify;">Hay ecos de la novela, y de como estaba concebida originalmente la película. Por ejemplo, no tiene sentido la escena del parque de atracciones, cuando John comienza a tener un gran dolor de cabeza. Esta escena deviene del prólogo que se eliminó, en el que John siendo niño tuvo un accidente a partir del cual comenzaron sus poderes psíquicos, y esa escena en la montaña rusa continúa con la idea de que ya tiene el poder de la premonición. En la novela, también hay una escena en una feria en la que John juega a la ruleta, y siempre gana. Posteriormente tiene el accidente de coche y su poder se libera totalmente. Como Cronenberg decidió eliminar el prólogo durante la post-producción, la escena de la montaña rusa no encaja en la película, pero es un mal menor.</div><div style="text-align: justify;">Christopher Walken está fantástico como Johnny Smith, transmite una gran melancolía, y su interpretación es muy sutil. Captamos la soledad y dolor que experimenta el personaje en todo momento. Personalmente lo considero uno de los mejores trabajos del actor.</div><div style="text-align: justify;">Cronenberg le aporta su personalidad al mundo de King. Como el momento en que el asesino de Castle Rock se suicida con las tijeras. Y es una de las películas de su filmografía que se encuentra más inspirado con la cámara, y que considero está mejor filmada. El director le saca mucho partido al material original, llegando a mejorarlo, ya que es una historia que se presta a lo visual. A Cronenberg le sucede algo similar que a Polanski o Coppola, que sacan lo mejor de ellos mismos cuando tienen que realizar un encargo, películas que no salen de su mente, pero que hacen suyas, y aportan personalidad a un proyecto más comercial de los que es costumbre en su carrera, y les permiten llegar a un mayor público. Y en el caso de Cronenberg, le salen películas tan entretenidas y sobresalientes como ésta o <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/06/la-mosca.html" target="_blank">La mosca</a></b>.</div><div style="text-align: justify;"><b>La zona muerta</b>, pese a no ser la película más representativa de la carrera de Cronenberg es uno de sus mejores títulos (muy superior a films mejor considerados de su filmografía como <b>Scanners</b>, <b>Cromosoma 3</b> o <b>eXistenZ</b>). Es una de las mejores adaptaciones de la obra de King. Y se ha convertido en un pequeño clásico del cine de terror, al que el tiempo le ha sentado de maravilla, por eso <b>La zona muerta</b> está más viva que nunca.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">En la versión original de la escena de Camp David, Stillson disparaba al General y una vez muerto, ponía su mano sobre la pantalla de escaneo. Cronenberg consideró que la escena se acercaba en tono a <b>¿Teléfono rojo? Volamos hacia Moscú</b> (1964) y decidió cambiarla.</div><div style="text-align: justify;">El día antes de comenzar el rodaje, Cronenberg hizo un pase privado de <b>Videodrome</b> (1983) para el reparto, la cual aún no se había estrenado.</div><div style="text-align: justify;">La novela de King conoció otra adaptación, pero en forma de serie de televisión, <b>La zona muerta</b> (2002-2007), protagonizada por Anthony Michael Hall.</div><div style="text-align: justify;">Primera película de la carrera de David Cronenberg de la que no escribió el guión.</div><div style="text-align: justify;"><b>La zona muerta</b> fue la primera novela de Stephen King cuya trama ocurre en la ficticia Castle Rock.</div><div style="text-align: justify;">Ganó el premio a la mejor película de terror en los premios Saturn. Además fue nominada en las categorías de mejor director (David Cronenberg), mejor actor (Christopher Walken) y mejor guión (Jeffrey Boam).</div><div style="text-align: justify;">En la visión de John Smith, Greg Stillson (Martin Sheen) se convertirá en el presidente de los Estados Unidos. Sheen dio vida al presidente del país de las barras y estrellas en la miniserie <b>Kennedy</b> (1983) y en la serie <b>El ala oeste de la Casa Blanca</b> (1999-2006).</div><div style="text-align: justify;">Tom Skerritt y Ken Pogue son los únicos actores que han trabajaron en la película y después en la serie <b>La zona muerta</b> (2002-2007).</div><div style="text-align: justify;">El villano de la película, Greg Stillson (Martin Sheen) no aparece hasta pasada la hora de película.</div><div><div style="text-align: justify;">En un momento de la película, Johnny Smith (Christopher Walken) menciona <b>"La leyenda de Sleepy Hollow"</b> de Washington Irving, años después Walken trabajaría en su adaptación al cine <b>Sleepy Hollow</b> (1999), dando vida al jinete sin cabeza.</div></div><div style="text-align: justify;">Cathy Scorsese, hija del director Martin Scorsese, se pasó una semana trabajando en la película, con el responsable de efectos especiales Jon G. Belyeu.</div><div style="text-align: justify;">Jackie Burroughs, que da vida a la madre de John, es cuatro mayor que Christopher Walken.</div><div style="text-align: justify;">El mirador en el que John Smith tiene una visión, se construyó en Niagara-on-the-Lake a propósito para la película. Una vez la producción se marchó, pasó a formar parte de la ciudad, y se alquila para bodas. </div><div style="text-align: justify;">El poema que John Smith lee a sus alumnos es <b>"El cuervo"</b> de Edgar Allan Poe.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a Mark Irwin</b> (oct 2023)</div><div style="text-align: justify;"><b>La zona muerta</b> (Stephen King, 1979)</div><div style="text-align: justify;"><b>Eon Magazine </b>(feb 2000)</div><div style="text-align: justify;"><b>Cinefantastique Magazine</b> (Vol 13 Nº5)</div><div style="text-align: justify;"><b>Cinefantastique Magazine</b> (Vol 14 Nº2)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.thestar.com/life/together/snapshot/director-of-photography-mark-irwin-reminisces-about-shooting-the-dead-zone/article_d2478968-734d-5452-8c48-aa8719d343c6.html" target="_blank">Secrets of ‘The Dead Zone’ nearly 40 years later</a></b> (Toronto Star, 23 ene 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b>Casting Might-Have-Beens: A Film by Film Directory of Actors Considered for Roles Given to Others</b> (Eila Mell, 2005)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0085407" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Cronenberg por Cronenberg</b> (David Cronenberg, Chris Rodley, 1992)</div><div style="text-align: justify;"><b>De Laurentiis: Producer's Picture Darkens</b> (Los Angeles Times, 30 ago 1987)</div><div style="text-align: justify;"><b>Feast of Fear: Conversations with Stephen King</b> (Tim Underwood y Chuck Miller, 1989)</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://www.niagarathisweek.com/things-to-do/famed-gazebo-prop-for-movie/article_c73181ea-d9bc-56c2-b76c-2e25d430507e.html" target="_blank"><b>Famed gazebo prop for movie</b></a> (Niagara This Week, 4 abr 2008)</div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-15298856836450736932023-09-16T00:11:00.002-07:002023-09-16T00:16:20.073-07:00Cypher<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7nEjWgTeCwg_KpsMyYMAGqbZtIgxgjAifpTnI9bDKXt5wWLy23HVVbWQRfFMmh2UzIDzwLoGsUlCSJGmJuvCnvh1ntaIJBzL7HRNMJdRP2aacqfVhMWFcRI2xbUrCESKCY7szsF9-LLN45f1FswgMkxEaHVJouYUW1ZLmGmj9El-qQB2Pp1g/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="363" data-original-width="700" height="208" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi7nEjWgTeCwg_KpsMyYMAGqbZtIgxgjAifpTnI9bDKXt5wWLy23HVVbWQRfFMmh2UzIDzwLoGsUlCSJGmJuvCnvh1ntaIJBzL7HRNMJdRP2aacqfVhMWFcRI2xbUrCESKCY7szsF9-LLN45f1FswgMkxEaHVJouYUW1ZLmGmj9El-qQB2Pp1g/w400-h208/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2001.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Morgan Sullivan acepta ser un agente de una gran corporación llamada DigiCorp, para robar información de una empresa rival, una mujer se cruza en su camino y le revela que está metido en una gran conspiración.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: #3d85c6;">Llevo años queriendo hacer una reseña sobre <b>Cypher</b> (Cypher, 2002), una película que me encanta, pero nunca encontré mucha información sobre ella. Al final decidí recurrir a la fuente original y contacté con su director, el gran</span> <a href="https://twitter.com/Vincenzo_Natali" target="_blank">Vincenzo Natali</a><span style="color: #3d85c6;">, que para mi sorpresa, se mostró muy abierto y compartió conmigo los entresijos de la producción, e incluso me permitió usar material de su archivo digital. Esta es la historia de una película que estuvo años guardada en una cámara hasta que fue liberada. Espero que os guste.</span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>COMPANY MAN</b></div><div style="text-align: justify;">En el año 2000, tras haber sorprendido a todos con su ópera prima <b>Cube</b> (1997), el director canadiense Vincenzo Natali estuvo a punto de conseguir que su segunda película fuese <b>Splice</b> (2009), pero el proyecto no llegó a buen puerto en aquel momento, y el director trató de buscar otra película en la que trabajar. Él y el guionista Brian King habían colaborado juntos en una película nunca realizada para Warner Bros., e iniciaron una gran amistad a partir de ese proyecto. King le entregó tiempo después un guión titulado <b>"Company Man"</b> para que Natali le diese su opinión. <i>"Cuando lo leí, mi respuesta fue: 'Quiero dirigirlo',"</i> me contó Natali. <i>"Pensé que era realmente brillante, algo así como James Bond a través de Kafka."</i></div><div style="text-align: justify;">Cuando le pregunté a Natali si aportó ideas propias al guión, fue claro. <i>"Contribuí muy poco al guión. Fue filmado como Brian lo escribió. Y Brian estuvo allí durante toda la preproducción y el rodaje."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjs-feAeq6FQVZJjlpJgUT6vuIhMXasJTeNPr7QtOJtYpDrgDvqjCTHHVj4xqRXrzA7fKwWYaUoFJr32ye9N-la-KoBnUheFWv835N5s0Cn99J2sWHY6raXvlochkGRTtyiLEhK8m8S0UtAn0clrhwjJDAKvegugeY_fUF6xSUwGEIU5lreHGE/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjs-feAeq6FQVZJjlpJgUT6vuIhMXasJTeNPr7QtOJtYpDrgDvqjCTHHVj4xqRXrzA7fKwWYaUoFJr32ye9N-la-KoBnUheFWv835N5s0Cn99J2sWHY6raXvlochkGRTtyiLEhK8m8S0UtAn0clrhwjJDAKvegugeY_fUF6xSUwGEIU5lreHGE/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Primero Natali trató de realizar la película con una productora canadiense, pero fue rechazada por ésta, según creía el director porque éste era un proyecto muy americano. Después lo llevó a diversas compañías de Hollywood, donde corrió una mayor suerte, ya que despertó el interés de muchas de ellas. Al final el proyecto recayó en Pandora, según me explicó Natali porque, <i>"fue la más agresiva y tenía el dinero para hacerlo de inmediato." </i>Tiempo después, cuando la película se encontraba en producción vendieron los derechos de distribución a Miramax.</div><div style="text-align: justify;">El proyecto se movió muy rápido, y en un plazo de entre seis y ocho meses ya se encontraban rodando.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Para los dos papeles principales, el del agente doble Morgan Sullivan, y la misteriosa espía Rita Foster, se hicieron pruebas a un gran número de actores. Finalmente los ascendentes Jeremy Northam y Lucy Liu consiguieron los papeles. <i>"Brian y yo realmente pensamos que Jeremy era uno de los mejores actores que había,"</i> me explicó Natali. <i>"Tenía una especie de vulnerabilidad que haría que Morgan cayera bien, pero también podía interpretar a alguien con un grado de ambigüedad moral que era importante para el papel. Y Lucy era una presencia icónica y emocionante. Y tan hermosa, por supuesto, el señuelo perfecto para Morgan. Afortunadamente, ambos estaban muy entusiasmados por estar en la película, por lo que en realidad fue bastante fácil conseguirlos."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxqHRJUrsguyLO5yAl2tiH6Jt9NXJ8vAiyvRxkKiHiPYYF2SGy0Q3xFjvraA8CBeBiyvIZxeLh4SUNXQVj6ZUXiujttwMGIVMTczGwPS431oO2bfubi4O5zoaDEJfo_ZHY8FKAoREPUYZSfvfP6KhgxmQ8-vxKLkKwdepFOg4JNMgTM_cDTlo/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhxqHRJUrsguyLO5yAl2tiH6Jt9NXJ8vAiyvRxkKiHiPYYF2SGy0Q3xFjvraA8CBeBiyvIZxeLh4SUNXQVj6ZUXiujttwMGIVMTczGwPS431oO2bfubi4O5zoaDEJfo_ZHY8FKAoREPUYZSfvfP6KhgxmQ8-vxKLkKwdepFOg4JNMgTM_cDTlo/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Natali contó con su actor fetiche, David Hewlett, para dar vida a Virgil C. Dunn, el agente que custodia "La cámara".</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Nigel Bennett (en el papel de Finster, un agente de la DigiCorp Technologies), Timothy Webber (dando vida a Callaway, agente de la empresa Sunways Systems), Kristina Nicoll (como Amy, la mujer de Morgan) y Kari Matchett (en la piel de Diane, una agente contratada para fingir ser la mujer de Morgan).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La película se rodó a mediados de 2001 en Toronto (Canadá). <i>"Recuerdo que fue un rodaje de 37 días con un presupuesto de 7,5 millones de dólares,"</i> me explicó el director. <i>"¡Así que fue rápido y barato!"</i> Natali sacó oro de ese presupuesto, por comparativa con otras películas del mismo año, <b>Minority Report</b> costó 102 millones y <b>Muere otro día</b> tuvo un presupuesto de 142 millones.</div><div style="text-align: justify;"><i>"Una de las razones por las que quería hacer <b>Cypher</b>,"</i> me explicó Natali, <i>"era porque acababa de hacer mi primera película, <b>Cube</b>, que se filmó en su totalidad en un set con algunos personajes y estaba ansioso por salir de la caja. <b>Cypher</b>, por otro lado, tenía innumerables ubicaciones: estábamos por todo Estados Unidos, bajo tierra, en el agua, en el cielo, con un gran elenco. Fue divertido."</i> </div><div style="text-align: justify;">Además contaba con un presupuesto mayor, <b>Cube</b> había costado 365.000 dólares canadienses, por lo que <b>Cypher</b> fue un completo cambio de aires. Además <b>Cube</b> fue un rodaje muy difícil, y el de <b>Cypher</b> pese a tratarse de una producción mayor, fue más llevadero para el director.</div><div style="text-align: justify;">Pero Natali quiso estar bien rodeado y repitió con gran parte del equipo con el que había trabajado en <b>Cube</b> (1997). Contó de nuevo con el director de fotografía Derek Rogers, la diseñadora de producción Jasna Stefanovic, el editor de sonido Stephen Barden y el supervisor de efectos visuales Bob Munroe (de la compañía C.O.R.E. Digital Pictures).</div><div style="text-align: justify;">Rogers utilizó todo tipo de trucos en cámara para darle a la película el look deseado y su tono paranoico, como el uso de lentes periscopio, filtros de parpadeo, lentes oscilantes e inclinables, grandes angulares e incluso una lente snorkel que introdujeron por la nariz y boca de Jeremy Northam. Rogers tuvo dos claras inspiraciones, para el arranque puso un ojo en <b>Lemmy contra Alphaville</b> (1965), para que la película tuviera una apariencia monocromática, y una vez la historia se convierte en un noir, tomó como referente a <b>2001: Una odisea del espacio</b> (1968). <i>"A medida que la trama se complica y el suspense aumenta, empezamos a crear escenas de colores muy saturados que son un reflejo del estado emocional de los personajes principales,"</i> explicaba Rogers a <b>Playback</b>.</div><div style="text-align: justify;">Los decorados están influenciados por las películas futuristas de los años sesenta, con un ojo puesto también en Kubrick. Natali en particular tomo como inspiración la película <b>El proceso</b> (1962) de Orson Welles. Y según declaró otra de sus fuentes de inspiración fue la novela <b>El señor de las moscas</b>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoyD_Ot4QDRZgCVeEzzbTZP2l3xTGzX11ZEqUODjLM1OXMBT0CYKBjm5TWE03FcIgAOOaqY8xfPRVgWt8IhvZGsBhzKn9f_cyXWDGmqOifMlOhl0ZvsiO9lShUGnAdSK_SDf1x78CSaQUEZeEyRI-fBS7MTglSdggHG7gemssMfU1tNpbRPow/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhoyD_Ot4QDRZgCVeEzzbTZP2l3xTGzX11ZEqUODjLM1OXMBT0CYKBjm5TWE03FcIgAOOaqY8xfPRVgWt8IhvZGsBhzKn9f_cyXWDGmqOifMlOhl0ZvsiO9lShUGnAdSK_SDf1x78CSaQUEZeEyRI-fBS7MTglSdggHG7gemssMfU1tNpbRPow/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Por aquel entonces, Lucy Liu arrastraba fama de ser una actriz difícil en el set, sobre todo por su enfrentamiento con Bill Murray en el set de <b>Los ángeles de Charlie</b> (2000), pero en una entrevista para la BBC, Natali declaraba que la actriz fue siempre profesional durante el rodaje de <b>Cypher</b>. Por su parte, Liu decidió reducir sus diálogos todo lo posible.</div><div style="text-align: justify;"><i>"Disfruté de todas las diversas set pieces y secuencias de acción,"</i> me contó Natali. <i>"Pero la que probablemente fue la más compleja y agradable para mí, y la que realmente me hizo querer hacer la película en primer lugar, fue la secuencia de la conferencia en la que Morgan es testigo del proceso de lavado de cerebro. Era complejo respecto a la cantidad de tomas que teníamos que hacer en poco tiempo. Pero tuve un gran equipo y hice un guión gráfico de toda la escena, así que de alguna manera lo superamos todo."</i></div><div style="text-align: justify;">Como comentaba antes, durante el rodaje se llegó a un acuerdo de distribución con Miramax, famosa por entrometerse en el proceso creativo de los directores y remontar las películas a su gusto (o de falta del mismo). Le pregunté a Natali sobre si había sufrido la interferencia de la productora de los hermanos Weinstein. <i>"Me opuse a vender la película a Miramax mientras estábamos filmando porque creía que <b>Cypher</b> valdría mucho más una vez que estuviera terminada," </i>me comentó el director. <i>"En cierto modo, se demostró que tenía razón porque cuando les mostramos la película a los Weinstein, no me apoyaron mucho. Acababan de hacer varias películas de ciencia ficción fuertes, como </i><b style="font-style: italic;"><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2009/03/equilibrium.html" target="_blank">Equilibrium</a></b><i> (2002) e </i><b style="font-style: italic;">Infiltrado</b><i> (2001), las cuales fracasaron en la taquilla. Creo que pintaron a </i><b style="font-style: italic;">Cypher</b><i> con el mismo pincel. Entonces, si bien no interfirieron creativamente con la película, cuando estuvo terminada se negaron a estrenarla. Y así permaneció prácticamente invisible en Norteamérica durante años, hasta que finalmente Disney compró Miramax y simplemente la sacaron en DVD. Fue muy doloroso para Brian y para mí pasar por esa experiencia, pero afortunadamente la película permaneció intacta desde el punto de vista creativo y con el tiempo ha encontrado una audiencia."</i></div><div style="text-align: justify;">Pero como le sucede a Morgan, la película tendría que cambiar de nombre, todo por una inesperada casualidad. <i>"Rodamos la película con el título <b>Company Man</b>,"</i> me comentó Natali, <i>"pero por coincidencia, otra película acababa de terminarse con el mismo título. Así que nos vimos obligados a cambiarlo, así nació <b>Cypher</b>."</i></div><div style="text-align: justify;">Se puede encontrar en internet, a la película también con el título de <b>"Brainstorm"</b>, y le pregunté a Natali sobre el porqué de este título alternativo. <i>"En cuanto a <b>"Brainstorm"</b>, ese es un título absurdo para nuestra película, ya que es una película de Douglas Trumbull bien considerada de los años ochenta. Creo que fue añadido por un pequeño territorio</i> [por ejemplo Finlandia y Suecia]. <i>No fuimos consultados y me pareció muy ofensivo que hicieran eso. De alguna manera fue amplificado por IMDb."</i></div><div style="text-align: justify;">Tras una post-producción de nueve meses la película estaba terminada, pero no vería la luz en Estados Unidos hasta 2005. Aunque en otros países del mundo como en España pudimos disfrutarla en las salas de cine mucho antes (se estrenó el 30 de abril de 2004). En Japón o en Francia se estrenó a principios de 2003.</div><div style="text-align: justify;">Tuvo mejor suerte en su paso por los festivales de cine. Jeremy Northam ganó el premio al mejor actor en el Festival de Cine de Sitges de 2002. La película ganó el Cuervo de Oro (premio a la mejor película) en el Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas (BIFFF) de 2003. Y en el festival de Fantasporto de 2003 se hizo con tres galardones, el premio especial del jurado (compartido con la película <b>Rokugatsu no hebi</b>), el premio al mejor actor (Jeremy Northam) y a los mejores efectos especiales (Bret Culp y Bob Munroe).</div><div style="text-align: justify;">Echando la vista atrás Natali afirma que sobre la película, <i>"todavía estoy muy contento con los resultados."</i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>STORYBOARDS</b></div><div style="text-align: justify;">Natali realizó personalmente los storyboards para la película (con la ayuda de Andrei Natali y Riccardo Durante) y los dibujos conceptuales (aunque el diseño del helicóptero y los cascos son de Todd Cherniawsky), me dio permiso para utilizarlos, así que os dejó algunos ejemplos que captan lo que quería llevar a la pantalla.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUQGfkhgcMiNJQyAnZlQqRpeVk6QzOKb5izUo64M9tFIOqYQYHqiCt9iFF1eYbhFhHTq7RfZGhh09N4YFLu3v9Ev9C7Ak9e_l6IWzIRhUtX_7PFJNl3qcouHMTs8zIaYN20Pr_B4kUnZuO9FMxp4yXBk5a5XxEN5MzEHoMIze6ZPtdjwGwDN4/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="321" data-original-width="700" height="184" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhUQGfkhgcMiNJQyAnZlQqRpeVk6QzOKb5izUo64M9tFIOqYQYHqiCt9iFF1eYbhFhHTq7RfZGhh09N4YFLu3v9Ev9C7Ak9e_l6IWzIRhUtX_7PFJNl3qcouHMTs8zIaYN20Pr_B4kUnZuO9FMxp4yXBk5a5XxEN5MzEHoMIze6ZPtdjwGwDN4/w400-h184/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2005.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgplZFBVYNh4Jne2yIFMFuqUPJSRf2r-LHlCRbWGfRi9neZz7uIF-JUfnRQtxfgmoevGos0Q4_BjWYKoaGQDnvOsRgHPXwsQzdzsrLS3fTIpWJFPI9ThxrR1btKLKAzUHZW9jECnrlkiDDSYOoQdnQyOaMYfhFV5fVAr8mBOzog91ldnA-_5FE/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2006.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="428" data-original-width="700" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgplZFBVYNh4Jne2yIFMFuqUPJSRf2r-LHlCRbWGfRi9neZz7uIF-JUfnRQtxfgmoevGos0Q4_BjWYKoaGQDnvOsRgHPXwsQzdzsrLS3fTIpWJFPI9ThxrR1btKLKAzUHZW9jECnrlkiDDSYOoQdnQyOaMYfhFV5fVAr8mBOzog91ldnA-_5FE/w400-h245/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2006.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV7oTJhDe7BRnceCpYjBXQwQ3jMP0bj_G6sY2S8hBrGuthe5VhcphIAJ9C92NbtbF55pHz105UXg7mQxJgaotsa0pTJxJ_oPUKXHhwbo214wGSQgIBbYnId4LKUFfhetTGcl2pOJsz-UV7Zs0Bi1_UYgmgfDNFwCUPUJo0mPWRQRHouYaTl00/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2007.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="425" data-original-width="700" height="243" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiV7oTJhDe7BRnceCpYjBXQwQ3jMP0bj_G6sY2S8hBrGuthe5VhcphIAJ9C92NbtbF55pHz105UXg7mQxJgaotsa0pTJxJ_oPUKXHhwbo214wGSQgIBbYnId4LKUFfhetTGcl2pOJsz-UV7Zs0Bi1_UYgmgfDNFwCUPUJo0mPWRQRHouYaTl00/w400-h243/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2007.jpg" width="400" /></a></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY14ScGBHtv1tcwNzZhFgC7MO0Csib6saYKWt1ZyeQk3PuNTS7_K1XZze68FIvA4KawLd4Zv8uGTcG8VjLHQEOaxLMK5Jt_MHUgAlmEwlczFgGPwd1JnRkR5C7_ZC-andzILm_j8iGiMG3Vj-LGE_ocAKimG16-VvW-vahbhOt0hzz7ZQSBqg/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2008.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="380" data-original-width="700" height="217" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjY14ScGBHtv1tcwNzZhFgC7MO0Csib6saYKWt1ZyeQk3PuNTS7_K1XZze68FIvA4KawLd4Zv8uGTcG8VjLHQEOaxLMK5Jt_MHUgAlmEwlczFgGPwd1JnRkR5C7_ZC-andzILm_j8iGiMG3Vj-LGE_ocAKimG16-VvW-vahbhOt0hzz7ZQSBqg/w400-h217/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2008.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Cypher</b> es una de las joyas de la ciencia ficción de principios del siglo XXI, una película que está compuesta por varias capas y que resulta muy atractiva y estimulante. Su mayor pega es no ser muy conocida, pero merece la pena que le deis una oportunidad.</div><div style="text-align: justify;">Me encantan esas películas en las que existen juegos de identidades, en las que su protagonista no sabe diferenciar que es real y que no (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2019/07/el-maquinista.html" target="_blank">El maquinista</a></b>, <a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/06/abre-los-ojos.html" style="font-weight: bold;" target="_blank">Abre los ojos</a>, <b>La escalera de Jacob</b>). <b>Cypher</b> es uno de los mejores ejemplos de ese tipo de películas.</div><div style="text-align: justify;">Morgan se convierte en espía para una gran corporación para hacer algo emocionante con su vida, en el fondo no está contento con quien es y busca un cambio. Cuando al comienzo de la película asume la falsa identidad de Jack Thursby, vemos como se desenvuelve con gracia ante el resto de personas, y el hombre tímido que era, desaparece, y hace acto de presencia (deja salir) a ese hombre seguro de si mismo que lleva dentro, que prefiere beber whisky de malta, le gusta fumar y rebosa carisma. Toda la película es el viaje de autodescubrimiento de Morgan, cuando termina es la persona que siempre soñó ser y que en el fondo ya era.</div><div style="text-align: justify;">La película habla sobre la identidad, cuando Morgan tiene que hacerse pasar por Jack Thursby pregunta como es éste, y Finster le responde que como a él le parezca bien. La sonrisa en el rostro de Morgan delata que es justo lo que necesitaba oír, por fin podrá ser quien quiere ser realmente, y utiliza para ello a su alter ego.</div><div style="text-align: justify;">Como relato de espías resulta fascinante, me encanta el mundo en el que sucede la historia, es como si fuera un futuro imaginado en los años sesenta. La película toca techo con la escena de "La cámara". Cuando Finster deja a Morgan en medio de un campo (un momento que recuerda a <b>Con la muerte en los talones</b>), no podemos esperar que la famosa "cámara" que busca esté oculta en una instalación subterránea, todo lo que viene después es puro pulp, desde la aparición de la entrada que emerge del suelo, el robo de la información, esa tensa conversación con Virgil (todo un detector humano de agentes dobles) y la huida en el ascensor. Toda esta parte parece sacada de un cómic. </div><div style="text-align: justify;">Otra escena que es puro scifi es aquella en la que Morgan se mantiene despierto mientras tratan de hacerle un lavado de cerebro en una conferencia. El diseño del aparato que utilizan, la forma en la que está filmado, lo interesante de la idea, lo convierten en uno de los grandes momentos de la ciencia ficción de las últimas décadas.</div><div><div style="text-align: justify;">La película supo ver el futuro y muestra a las grandes corporaciones como el mal. Dos empresas rivales se enfrentan utilizando a Morgan como peón (como una lucha de poder entre Amazon y Apple). Las personas son para ellas nada más que un número y todo vale para hacerse con el poder. Las corporaciones son mostradas como despiadadas, unos auténticos villanos, y creo que es una idea adelantada a su tiempo, y que funciona de maravilla.</div><div style="text-align: justify;"><b>Cypher</b> compensa su falta de presupuesto con grandes ideas. Tiene detalles donde se definen a los personajes y sus relaciones a la perfección, como ese instante en el que Liu pone en el dedo de Northam un anillo, que es un dispositivo de seguimiento, pero que simboliza su unión.</div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgir5gZKCs70580GYXsjOPm7CBRTb_kdSn4OFAz9-XavtOAZ55QFdtuTrRkBy5tDG7jU_V5j0_cJ-_uAw2byPRrUToz36ztnr9TFxa8ugIRWkAdsnqjvUW_6NQ-LaX8hgQklGl2mTKUglErnawIFx70akg6muhPTPO43v-O_bPbTosD3F2satY/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2009.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="394" data-original-width="700" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgir5gZKCs70580GYXsjOPm7CBRTb_kdSn4OFAz9-XavtOAZ55QFdtuTrRkBy5tDG7jU_V5j0_cJ-_uAw2byPRrUToz36ztnr9TFxa8ugIRWkAdsnqjvUW_6NQ-LaX8hgQklGl2mTKUglErnawIFx70akg6muhPTPO43v-O_bPbTosD3F2satY/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Cypher%2009.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Jeremy Northam hace una gran interpretación, el papel le da la oportunidad de dar vida a dos personajes distintos, el tímido Morgan, perdido en una pesadilla paranoica, y a un misterioso espía; y se encuentra cómodo con ambos roles. Por su parte Liu esta fantástica como esa enigmática femme fatale, que al final resulta ser no tan fatale. La actriz dota de un gran magnetismo a su personaje y roba cada escena en la que interviene.</div><div><div style="text-align: justify;">La película vino a confirmar que detrás de <b>Cube</b> había un director de talento, y que no era flor de un día. <b>Cypher</b> me sigue pareciendo a día de hoy la mejor película de Natali, y hace pensar lo que podría llegar a hacer con un gran presupuesto en sus manos. Para muchos Natali es el director de <b>Cube</b>, para mi siempre ha sido el director de <b>Cypher</b>.</div><div style="text-align: justify;">La idea de un hombre que se inserta una personalidad falsa para infiltrarse en una organización, lo que lo convierte en el espía perfecto, es muy atractiva. En el fondo es algo que ya habíamos visto en otras películas antes, como en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/05/desafio-total.html" target="_blank">Desafío total</a></b> (1990), donde hay también una localización futurista, grandes corporaciones malignas y una trama de espías, se podría decir que <b>Cypher</b> es una versión indie del film de Paul Verhoeven.</div><div style="text-align: justify;"><b>Cypher</b> es también una historia de amor, Morgan arriesga su vida y su propia identidad para salvarle la vida a Rita. Cuando Morgan la ve por primera vez en la máquina de hielo, se siente inmediatamente atraído por ella, y cuando la ve en el bar se acerca a ella instintivamente porque su amor es real. Cuando al principio de la película le preguntan si no le importa mentir a su mujer, su respuesta es no, es sincero porque sabe que en el fondo no la quiere (realmente es una ayudante suya que finge ser su mujer). Su corazón ya pertenece a Rita, aunque no lo sabe.</div></div><div style="text-align: justify;">La película comienza con una paleta de colores monocromática, y según avanza se vuelve más colorida, conforme Morgan más se acerca a la verdad. En la primera escena de la película, la del control de seguridad, hay una ausencia total de color, Morgan aparece siempre en las sombras o poco iluminado, salvo el libro sobre navegación que lleva consigo, del que resaltan todos sus colores, porque es lo único auténtico que hay del protagonista en esa escena.</div><div><div style="text-align: justify;">La película tiene un giro final, algo muy de moda en las películas de la época, el cual funciona de maravilla. No quiero revelearlo, pero hace que la película acabe muy alto. Y si la ves sabiéndolo, no afecta al resultado final, sólo nos confirma que todo está bien atado en su estupendo guión.</div><div style="text-align: justify;"><b>Cypher</b> recuerda a las películas paranoicas de los sesenta de Frankenheimer como <b>Plan diabólico</b> (1966), <b>El mensajero del miedo</b> (1962) y <b>Siete días de mayo</b> (1964), llenas de conspiraciones, agentes secretos, y cambios de identidad, es una puesta al día de aquellos films, llevado de forma acertada hacia el terreno de la ciencia ficción.</div><div style="text-align: justify;">Y forma parte de una corriente de películas de ciencia ficción de bajo presupuesto que llegaron a las pantallas con el cambio de siglo, films tan estimulantes como <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2018/02/gattaca.html" target="_blank">Gattaca</a></b> (1997), <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/05/dark-city.html" target="_blank">Dark City</a></b> (1998) <b>Pi, fe en el caos</b> (1998), <b>Primer</b> (2004) o la propia <b>Cube</b> de Natali. </div><div style="text-align: justify;"><b>Cypher</b> es puro cine de culto. De lo mejorcito de la ciencia ficción de los 2000s. Una película fascinante que no sólo no fue descubierta en su estreno, es que éste tardó varios años en ocurrir, pero que desde entonces ha ido ganando adeptos. Si tenéis oportunidad dejaros sumergir en su mundo, es un viaje que merece la pena.<br /></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Brian King tiene un cameo como un pasajero dormido en uno de los vuelos de Morgan.</div><div style="text-align: justify;">Primera película del actor Nelson Tynes.</div><div style="text-align: justify;">Vincenzo Natali y el guionista Brian King hicieron otra película juntos, el film de terror <b>Haunter</b> (2013).</div><div style="text-align: justify;">Morgan utiliza el versículo 13:17 de Job para conseguir un número de teléfono, el cual dice: "Escucha atentamente mi discurso y mi declaración con tus oídos."</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a Vincenzo Natali</b> (jul-ago 2023)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.bbc.co.uk/films/2003/08/27/vincenzo_natali_cypher_interview.shtml" target="_blank">Vincenzo Natali Interview</a></b> (BBC Films, 1 sep 2003)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://filmschoolrejects.com/sxsw-interview-vincenzo-natali-suffers-for-originality-e23547944a27/" target="_blank">SXSW Interview: Vincenzo Natali Suffers for Originality</a></b> (Film School Rejects, 15 mar 2013)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://playbackonline.ca/2001/07/09/rogers-20010709/" target="_blank">Company Man Derek Rogers</a></b> (Playback, 9 jul 2001)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://playbackonline.ca/2001/09/03/natali-20010903/" target="_blank">Vincenzo Natali: Why is Canada letting this talent slip away?</a></b> (Playback, 3 sep 2001)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0284978/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://vincenzo-natali.com">vincenzo-natali.com</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Imágenes de actualidad</b> (Nº 208, 233)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com5tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-73801343818753713372023-08-20T02:19:00.000-07:002023-08-20T02:19:47.257-07:00Blanco humano<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiES3GanMQkAojrThgPWSs6j4otetpr8T76FVY-uUVqcCjOPclP5LoEtC-5B4BkSClo4hRebvGV7jVgxf28BJYET169zhwvV-YnK601FLbnEirUGwN737ZeiosJRIHw5jCIdqqXCaqPZVyCuk8n_qXfhTrj0TclvkaC5AzGfwrNj4r52wIj/s883/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="656" data-original-width="883" height="297" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiES3GanMQkAojrThgPWSs6j4otetpr8T76FVY-uUVqcCjOPclP5LoEtC-5B4BkSClo4hRebvGV7jVgxf28BJYET169zhwvV-YnK601FLbnEirUGwN737ZeiosJRIHw5jCIdqqXCaqPZVyCuk8n_qXfhTrj0TclvkaC5AzGfwrNj4r52wIj/w400-h297/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2001.jpg" width="400" /></a></div></div><i><div style="text-align: justify;"><i>"La temporada de caza ha terminado."</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Una joven busca a su padre desparecido y contrata a un vagabundo para que la ayude. Ambos descubrirán a una organización que realiza juegos de caza donde la presa es el hombre.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>CAZADORES CAZADOS</b></div><div style="text-align: justify;">Universal Pictures desarrolló <b>Blanco humano</b> (Hard Target, 1993) como un proyecto para Jean-Claude Van Damme. Se encargó el guión a Chuck Pfarrer (quien tenía un trato con el estudio) y se asignó a James Jacks como productor a través de su productora Alphaville Productions. La idea era actualizar la clásica historia de caza al hombre, tomando como referente la madre de todas estas historias, <b>El malvado Zaroff</b> (1932). Aunque la primera versión del guión se inspiró realmente en <b>La presa desnuda</b> (1965), y la segunda tenía el ojo puesto en <b>Aliens</b> (1986), no fue hasta en la tercera versión que el guión se basó en el film de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. Situaron la historia en Nueva Orleans para justificar el acento de Van Damme. Pfarrer escribió el guión en menos de tres meses.</div><div style="text-align: justify;">Por un momento Andrew Davis (<b>El fugitivo</b>) estuvo interesado en dirigirlo, pero al final descartó hacerlo. Y pronto sonó el nombre de John Woo, según Van Damme fue él quien se lo sugirió a Tom Pollock, el presidente de Universal. Otras fuentes dicen que fue el agente de Woo en William Morris, quien le propuso a Jacks que el director se hiciese cargo de <b>Blanco humano</b>.</div><div style="text-align: justify;">Woo gozaba de un gran éxito en Honk Kong y su fama había llegado hasta Hollywood. Mientras rodaba <b>Hard-Boiled</b> (1992) le comenzaron a llegar ofertas para dar el salto a la meca del cine. Barajó varios guiones de Fox y Warner (entre ellos <b>Rapid Fire</b> y <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2021/03/cara-cara.html" target="_blank">Cara a cara</a></b>, que terminaría rodando años después), y un proyecto de artes marciales con Oliver Stone como productor, que no se materializó porque la Warner quería darle a Woo un presupuesto muy bajo. Al final fue el guión de <b>Blanco humano</b> el que permitió que Woo debutase en Estados Unidos, y eso que inicialmente le echó para atrás la dificultad que entrañaba.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiROJqLbkQQjk2D9fUxDLHxEFecKvSuRh52BilQY9veib5tB3d5FZxi_MbVMeA6ozk-8ETT0wG8bXzisFC5VBhHjNlR3n43V3u17UVoMHI_YuoO7Pl_2eOI8zTsKx2p1L4mKmA_oFEbmIABcyyRNSxPZi00SH8M8JuW1_6mxLbOYEqIqdGix1g/s720/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2002.jpg" imageanchor="1" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="720" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiROJqLbkQQjk2D9fUxDLHxEFecKvSuRh52BilQY9veib5tB3d5FZxi_MbVMeA6ozk-8ETT0wG8bXzisFC5VBhHjNlR3n43V3u17UVoMHI_YuoO7Pl_2eOI8zTsKx2p1L4mKmA_oFEbmIABcyyRNSxPZi00SH8M8JuW1_6mxLbOYEqIqdGix1g/w400-h214/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Para convencerle de aceptar el trabajo, Van Damme, Pfarrer y Jacks volaron a Honk Kong para reunirse con Woo. La reunión fue sobre ruedas, y el director aceptó hacerse cargo de la película, que fue la primera producción de un estudio de Hollywood dirigida por un director asiático.</div><div style="text-align: justify;">Ya tenían el sí de Woo, pero quedaba lo más importante, que el estudio aceptara su contratación, ya que inicialmente era reacio por los problemas que podría acarrear, tanto por causa del idioma, como por su estilo. Después de que Pollock viera el trabajo previo de Woo, decidió aceptar su contratación siempre y cuando Van Damme diera su aprobación. Y el belga era fan, así que Woo consiguió luz verde.</div><div style="text-align: justify;">Pero como en Universal seguían sin estar seguros si el idioma podría ser un obstáculo para Woo durante el rodaje, contrataron a Sam Raimi para que supervisara al director, y en caso de que éste no pudiera hacerse cargo, el estudio haría que Raimi tomase las riendas. Así director de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2013/04/el-ejercito-de-las-tinieblas.html" target="_blank">El ejercito de las tinieblas</a></b> y su socio Robert Tapert se convirtieron en productores ejecutivos de la película a través de su productora Renaissance Pictures. Pero según contaba Woo, Raimi nunca se entrometió y nunca hubiera ocupado su puesto, ya que tenía mucho respeto por Woo y tuvieron una muy buen relación durante el rodaje. De hecho, Raimi supervisó la producción de forma esporádica, y apenas se pasaba por el set (estaba trabajando al mismo tiempo en <b>El gran salto</b> (1994) de los hermanos Coen). Y el idioma no fue un problema, Terence Chang estaba ahí para ayudar, y por otra parte el inglés de Woo era mejor o peor según a él le interesara.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Pfarrer escribió el personaje de Chance Boudreaux con Armand Assante en mente. Aunque Jean-Claude Van Damme se hizo finalmente con el papel de Chance Boudreaux, antes de que firmara, Woo quería a Kurt Russell para darle vida, pero el actor estaba ocupado con otros proyectos, y al final Van Damme terminó protagonizando la película. Por ello cobró un cheque de 3,5 millones de dólares.</div><div style="text-align: justify;">Lance Henriksen se hizo con el papel del villano Emil Fouchon. El actor era fan de Woo y cuando se reunió con él, le dijo que quería interpretar a Fouchon como un antiguo miembro de la legión extranjera francesa, alguien que siempre busca acción. Woo y él se entendieron bien y el papel fue suyo.</div><div style="text-align: justify;">Yancy Butler fue quien interpretó a Natasha Binder, quien contrata al personaje de Van Damme para buscar a su padre desaparecido. Éste fue el primer papel importante de la actriz.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimX-w6iB5H__Lu7NEZREICGrbvic16FUxN1ffvO0nUt3_V7sOpxLpqEb5AzRc1t-lITUSsxlAMkm2c8lBHuS0_AZl8IVHdb3w9ZCbGt2mvU7_S-D7sPu6Bz8lCPPAPA-floOkBff-Hnn0AxUTXo_1sEOmDqg1ZbnK_oEBTnDyVG614yKJz/s720/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="720" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimX-w6iB5H__Lu7NEZREICGrbvic16FUxN1ffvO0nUt3_V7sOpxLpqEb5AzRc1t-lITUSsxlAMkm2c8lBHuS0_AZl8IVHdb3w9ZCbGt2mvU7_S-D7sPu6Bz8lCPPAPA-floOkBff-Hnn0AxUTXo_1sEOmDqg1ZbnK_oEBTnDyVG614yKJz/w400-h214/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">En 1992, el sudafricano Arnold Vosloo compartió escenario con Al Pacino y Sheryl Lee en la obra <b>"Salome"</b>, Woo le vio en una de las representaciones, y le dio el papel de Pik van Cleaf, la mano derecha de Fouchon.</div><div style="text-align: justify;">Wilford Brimley se hizo con el papel del Tío Douvee, gracias a la recomendación que el coordinador de especialistas de la película, Billy Burton, le hizo a Woo, ya que Brimley y él eran amigos.</div><div style="text-align: justify;">Tres semanas antes de terminar el rodaje, Woo le pidió al guionista Chuck Pfarrer que interpretase a Douglas Binder, padre de Natasha y que es asesinado en la escena inicial de la película. Pfarrer estuvo durante el rodaje haciendo reescrituras en el set y aceptó hacer el papel. Realizó personalmente sus escenas de riesgo, durante los cerca de diez días que duró el rodaje de la secuencia.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Willie C. Carpenter (en el papel de Elijah Roper), Kasi Lemmons (como la detective Marie Mitchell), Eliott Keener (en la piel de Randal Poe), y Sven-Ole Thorsen (interpretando a Stephan).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La película originalmente tenía previsto empezar su fotografía principal en marzo de 1992, pero realmente no lo hizo hasta el 1 de octubre de ese año, y terminó el 20 de enero de 1993, con un total de 74 días de rodaje. Contó con un presupuesto que osciló entre los 19,5 y 20 millones de dólares, según diferentes fuentes.</div><div style="text-align: justify;">Sólo contaron con tres semanas y media de pre-producción. Según Terence Chang, el productor habitual de Woo, hubieran necesitado 2 millones más de presupuesto para acometer la película adecuadamente, y el ajustado presupuesto con el que contaron les obligo a trabajar en jornadas de seis días a la semana, y entre 12 y 14 horas al día.</div><div style="text-align: justify;">A la sexta semana de rodaje, iban con cuatro días de retraso y los ejecutivos del estudio culparon a Woo. Y es que el director asiático chocó de lleno con la forma de hacer las cosas en la meca del cine. <i>"No sabía que había tantos problemas para hacer películas en Hollywood,"</i> contaba Woo a <b>happening.com</b>. <i>"Muchas cosas fueron muy frustrantes. Como la política, los juegos, y las reuniones. Fue toda una experiencia."</i> Al director le sorprendía el poder que tenían las estrellas, Van Damme podía tener derecho al corte final, al reparto y al guión, y no el director.</div><div><div style="text-align: justify;">Para una escena, Fouchon debía aparecer tocando el piano, pero Henriksen no sabía tocar, así que contrataron a un profesor de piano para que aprendiera a interpretar sólo una sonata, pero cuando llegó el momento de rodar la escena, decidieron utilizar otra pieza, y el actor no sabía tocarla, así que simplemente fingió hacerlo. En la escena se producía un montaje paralelo que mostraba imágenes de archivo de animales siendo cazados, pero Universal le dijo a Woo que no podía hacerlo, algo que sorprendió al director.</div><div><div style="text-align: justify;">Fue una de varias intromisiones del estudio. En otra ocasión, Universal quiso incluir una escena de sexo entre Van Damme y Butler, pero Woo y la actriz se negaron, y al final el estudio vio que no era necesaria.</div></div><div><div style="text-align: justify;">Woo se quejó al <b>Los Angeles Times</b> de como el guión sufrió demasiados cambios. <i>"El guión original era bueno, pero se involucró mucha gente en el estudio y el guión cambiaba, cambiaba y cambiaba. (El resultado final) no fue tan bueno como era originalmente." </i>Como comentaba hace unos párrafos, Pfarrer estuvo presente durante el rodaje para las reescrituras necesarias. A cada reescritura se cambiaba el color de las páginas, y el guión terminó con nueve colores diferentes.</div><div><div style="text-align: justify;">El director de <b>Misión imposible 2</b> dio mucha libertad a los actores para que aportaran ideas a sus personajes y les dejó improvisar. Animó a Henriksen y Vosloo para que crearan el pasado de sus personajes (algo que hicieron durante las dos primeras semanas de rodaje). Henriksen escogió el vestuario de su personaje, ya que el que originalmente decidió el diseñador de vestuario no le gustó ni a él, ni a Woo. Se pegó las orejas hacia atrás para que su imagen fuera parecida a la de un doberman. E improvisó su frase: <i>"Y ese es un jodido búfalo."</i> Originalmente en la escena en la que Fouchon y van Cleaf le ofrecen a Elijah participar en el juego, no le mostraban el dinero, y Henriksen consideró que las presas sólo aceptarían si veían el dinero, algo que se añadió al guión. Eliott Keener decidió convertir a su personaje en un fumador empedernido. Woo abrazaba las ideas de sus actores y los apoyaba.</div></div></div></div><div><div><div style="text-align: justify;">Aunque era amable en el set, Van Damme también se mostraba un tanto distante con el resto del reparto y miembros del equipo. Por ejemplo, comía solo en su trailer, en lugar de hacerlo con la demás gente. Normalmente se encontraba haciendo negocios por teléfono, tratando con los estudios sobre otros proyectos, y todo el equipo tenía que esperar a que terminase para empezar a rodar. Los ejecutivos y la aseguradora presionaban a Woo para que filmara, ya que estaban perdiendo dinero, pero nada podía hacer sin su actor principal.</div></div><div style="text-align: justify;">En un acto de vanidad, en una ocasión Van Damme le pidió al director que colocara una cámara adicional para filmar sus musculosos brazos. A Woo le molestó que le dijeran como configurar la posición de una cámara, pero lo hizo porque iban bien de tiempo, pero después no usó el material.</div><div style="text-align: justify;">Según Vosloo, el belga llegaba al set después de que Woo hubiera establecido las tomas y le cuestionaba. Sven-Ole Thorsen confirmaba que el actor se entrometía en los diferentes departamentos y le decía a la gente qué hacer. Y el punto álgido del ego del actor, fue cuando se cambió una persecución de lanchas prevista, por una entre un caballo y un helicóptero, y cuando le preguntaron si sabía montar a caballo, el belga respondió que sí, pero una vez empezaron a rodar, se demostró que realmente no sabía, y no sólo eso, según contaba Thorsen en el libro <b>Born to be Bad</b>, cuando Van Damme trató de subirse al caballo, éste le propinó una coz. Al final todos los planos de Boudreaux montando a caballo fueron realizados por el doble de Van Damme, el especialista Mark Stefanich.</div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXoInJtGIoGQl2Hm8pSAt80sODdt_EDhYk4vYJAGe8pS13VMCcSDi_SJX-aV72KiGzICa7PY4Wa9_X2CMofK7erjCrVjZZVjx6BNE8J2FB3jg3r88YtOo-WBtNqsCmCTsPgYGmB8Nt2hbB4hFz-SWo9i8mxC652bJBNK0zNZmWM8DXXYMn/s720/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="720" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhXoInJtGIoGQl2Hm8pSAt80sODdt_EDhYk4vYJAGe8pS13VMCcSDi_SJX-aV72KiGzICa7PY4Wa9_X2CMofK7erjCrVjZZVjx6BNE8J2FB3jg3r88YtOo-WBtNqsCmCTsPgYGmB8Nt2hbB4hFz-SWo9i8mxC652bJBNK0zNZmWM8DXXYMn/w400-h214/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><b>Blanco humano</b> lleva el sello de Woo en las escenas de acción, y eso se nota porque el director añadió ideas propias al guión, como el espectacular choque frontal entre la moto y la furgoneta. Y la inspiración de otras le vino de las formas más curiosas, como la pelea de Van Damme con cuatro hombres al comienzo de la película, idea que le vino de escuchar jazz. <i>"Quería conseguir ese sentimiento de jazz malhumorado en esa escena,"</i> confesaba Woo a <b>South China Morning Post</b>.</div><div style="text-align: justify;">Billy Burton se convirtió en el coordinador de especialistas y en el director de segunda unidad de la película. La hija de Burton, Heather fue la doble de Yancy Butler, y realizó la peligrosa acrobacia en la que los personaje de Van Damme y Butler saltan desde un puente a un tren en marcha.</div><div style="text-align: justify;">Siempre pueden ocurrir accidentes en una película de acción, y en <b>Blanco humano</b> la peor parte se la llevó el doble de Van Damme, quien en una escena perdió el equilibrio y se rompió una pierna. A Billy Burton nunca se le había herido un especialista.</div><div style="text-align: justify;">No fue el único accidente que ocurrió durante el rodaje. Cuando rodaron una persecución, Van Damme y Butler se cayeron de la moto que montaban, y todo podría haber acabado muy mal para la actriz, ya que la moto se fue directa hacia ella, pero Van Damme le salvó la vida desviando la moto con una patada. Algo digno de su personaje.</div><div style="text-align: justify;">Pero la mayoría de las acrobacias y trucos salieron bien. Una de las más impresionantes es el momento en que el abrigo de Fouchon comienza a arder, y vemos como Henriksen realiza la peligrosa escena él mismo. Woo y el actor se llevaron de maravilla durante el rodaje, y cuando el director le pidió si podía hacer personalmente el stunt, Henriksen respondió de forma afirmativa. Prendieron fuego al abrigo del actor, y una vez terminaron la toma, Woo le pidió si podía repetirla, algo que éste aceptó.</div><div style="text-align: justify;">Henriksen no es el único que hizo sus propias escenas de riesgo, aunque sorprenda Wilford Brimley se ofreció a realizar personalmente la escena en la que corre a caballo, mientras la casa que está a su espalda vuela por los aires.</div><div style="text-align: justify;">Estaba previsto que la serpiente a la que Van Damme deja KO fuera auténtica, pero Butler les tenía pánico, y por esa razón utilizaron una mecánica.</div><div style="text-align: justify;">Uno de los momentos de acción más espectaculares es en el que Van Damme dispara a un motorista tras lanzarle una lata de gasolina, y éste sale volando por un ventanal envuelto en llamas. Esto se consiguió montando un títere sobre una moto, la cual era arrastrada por un cable. El truco salió perfecto a la primera toma.</div><div style="text-align: justify;">Para el tiroteo final en el almacén el presupuesto sólo permitía a ocho villanos, pero para Woo eran pocos, y aunque Jacks se negó a meter a más actores, Woo le pidió a Billy Burton que consiguiera a gente del equipo, y la vistiera con cazadoras o abrigos negros, y que montaran en moto para la escena. Así consiguió aumentar el body count del clímax.</div><div><div style="text-align: justify;">De hecho, según Pfarrer, con la entrada de Woo en el proyecto, el número de muertos creció exponencialmente en la película, en el guión original sólo había dos muertes al comienzo y seis al final.</div></div><div style="text-align: justify;">Para proteger a los operadores de cámara de las explosiones y las posibles quemaduras de las armas, Woo pidió que crearan unos escudos que se colocarían en las cámaras, y que permitirían por un lado que los operadores no corrieran peligro, y además que la cámara se moviera con total libertad, esto era algo habitual en Hong Kong. El key grip Lloyd Moriarty fue el responsable de fabricarlos en plexiglass.</div><div><div style="text-align: justify;">Para el tiroteo del clímax en un almacén lleno con carrozas del Mardi Grass, el diseñador de producción Phil Dagort encontró un enorme almacén vacío con unos grandes ventanales, algunos tuvieron que oscurecerse porque el presupuesto para iluminación era limitado. Construyeron unas oficinas en su interior y la mayoría de las carrozas fueron creadas expresamente para la película.</div></div><div style="text-align: justify;">Para dar vida a la comisaria de policía, Woo quería un set que transmitiera la sensación de look de los años cuarenta, y se escogió por esa razón un edificio histórico del Barrio Francés de Nueva Orleans. Y lograron filmar en el lugar de milagro, los conservacionistas locales no querían que se rodará allí y cuando supieron que era una de las localizaciones de <b>Blanco humano</b>, montaron delante de una de las ventanas un andamio tratando de boicotear el rodaje, pero los responsables de la película pudieron rodar las escenas antes de que pudieran montar más andamios, aunque cerraron las ventanas para que no se vieran los que ya habían montado.</div><div style="text-align: justify;">Russell Carpenter se convirtió en el director de fotografía de la película, después de que Daryl Kass, productor de línea de la película, se lo presentase a Woo. Carpenter no conocía el trabajo previo del director, así que decidió ver <b>El asesino</b> (1989) y <b>Hard Boiled</b> (1992), y quedó impresionado por su técnica y estilo. Carpenter tuvo que adaptarse a la forma de rodar de Woo, quien acostumbra a rodar cada escena con varias cámaras. Utilizaba dollies sobre raíles, tantas que el equipo la denominó la "Woo-Woo choo-choo".</div><div style="text-align: justify;">Para hacerse entender, ya que su inglés no era el mejor del mundo, le decía al equipo ahora quiero "un plano Martin Scorsese" si la cámara iba a hacer un travelling, o "este es un plano Sam Peckinpah" si quería que fuera a cámara lenta. Un "plano John Woo" era un primer plano de los ojos de un actor. Así logró comunicarse sin problemas.</div><div style="text-align: justify;">Rodar cada escena con varias cámaras podría ser posteriormente un quebradero de cabeza para el montador, pero para el encargado de ello, Bob Murawski, no lo fue, según contaba éste aunque una escena tuviera un sinfín de planos (una de ellas llegaba componerse de 357), Woo tenía en su cabeza como sería la escena incluso antes de filmarla, lo que era de gran ayuda para él.</div><div style="text-align: justify;">Woo editó la película con Murawski, pero Van Damme decidió realizar su propio montaje con el editor jefe del estudio. Cuando se supo, Raimi organizó una reunión con los productores y el editor, y enfurecido les dijo que le dejaran a Woo hacer su película. Al final el montaje de Van Damme fue rechazado.</div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1wFn6qIdsJY6OZKGBy7E_RqTGS1U3Qbktl9H49Yby4_zp2lg4FuedL1l1oAbs6Tndwjnz9dosZnA8psgbNpqsgdKbLow72YLcPBrse_dqStsWb0KSKshv9fe7qvpXnKrpC0lKAfPqXHwthpYvF3Z2IPzPLXPji-VXXux-PExKlCOdRu2h/s720/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="720" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh1wFn6qIdsJY6OZKGBy7E_RqTGS1U3Qbktl9H49Yby4_zp2lg4FuedL1l1oAbs6Tndwjnz9dosZnA8psgbNpqsgdKbLow72YLcPBrse_dqStsWb0KSKshv9fe7qvpXnKrpC0lKAfPqXHwthpYvF3Z2IPzPLXPji-VXXux-PExKlCOdRu2h/w400-h214/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2005.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La MPAA le dio originalmente a la película una calificación NC-17, por lo que Woo tuvo que recortar la violencia, y hacer hasta siete versiones diferentes, hasta que la MPAA le dio la calificación "R" deseada por Universal.</div><div><div style="text-align: justify;">El primer pase de prueba de la película en mayo de 1993 fue un fracaso. El público asistente no entendió el estilo de Woo con su uso de transiciones (utilizadas normalmente para mostrar el paso del tiempo, pero que el director asiático utiliza para transmitir emociones en los personajes) o imágenes congeladas; se escucharon risas durante la proyección, y algunas personas se marcharon al poco de comenzar la película. Universal decidió hacer un nuevo montaje reduciendo los recursos estilísticos del director. El estudio llamó a Bud S. Smith (<b>Karate kid</b>) en medio del proceso de montaje. La película pasó de una duración de 128 a 97 minutos. Una de las escenas que se perdieron en la mesa de montaje, fue una escena romántica entre Van Damme y Butler, que Universal decidió eliminar. Años después de su estreno, circuló un workprint con un montaje extendido de la película. Woo ha declarado que la versión que más le gusta de la película es su montaje original más largo, pero no ha confirmado si ese workprint se trata justo de su versión.</div><div style="text-align: justify;">Woo tuvo que meter la directa para tener la película terminada a tiempo. Dos semanas antes del estreno se encontraba aún trabajando en la banda sonora, realizando jornadas de 16 horas al día. </div><div style="text-align: justify;">Estaba previsto que la película se estrenase en julio de 1993, pero al final se retrasó hasta el 20 de agosto de ese año. En territorio norteamericano recaudó 32.589.677 de dólares y su recaudación a nivel mundial fueron unos estupendos 74.189.677 de dólares, que la convirtieron en un éxito de taquilla.</div></div><div style="text-align: justify;">Rodar <b>Blanco humano</b> fue una experiencia frustante para Woo, y se pasó dos años sin estrenar una película porque estuvo tratando de buscar el material adecuado (su siguiente trabajo en Hollywood sería <b>Broken Arrow</b> en el que también tuvo problemas con el estudio). Aún así Woo no se arrepiente de trabajar con Van Damme y lo considerada un tío interesante. <i>"Tiene un ego bastante grande,"</i> declaró a la revista <b>Vibe</b>, <i>"pero sigue siendo profesional y siempre trata de hacer un buen trabajo."</i></div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">Aunque en su momento no se apreció debidamente, <b>Blanco humano</b> fue una gran presentación de John Woo en Hollywood, demostrando todas sus habilidades y lo que era capaz de hacer con la cámara. Los años han tratado bien a la película y cada vez está mejor considerada.</div><div style="text-align: justify;">No sólo es uno de los mejores títulos del género de caza al hombre, junto con <b>El malvado Zaroff</b> (1932), <b>La presa desnuda</b> (1965) y <b>La caza</b> (2020), es además una de las películas de acción de Hollywood con más personalidad y más entretenidas de los noventa.</div><div style="text-align: justify;">Es una película de acción directa, con un punto de partida potente y bastante sencillo. Un grupo organiza cacerías para ricos, donde las presas son vagabundos con un pasado en el ejército. No hay mucha sutileza, y su subtexto está en el texto, pero se agradece que haya una cierta crítica social, mostrando como los ricos juegan con las vidas de los más desfavorecidos, y se creen que están por encima de ellos. Además que las presas sean ex-militares sirve para criticar como Estados Unidos trata a sus antiguos combatientes, mostrando como muchos terminan siendo vagabundos, olvidados por el país por el que lucharon. Aquí estos indigentes arriesgan su vida por conseguir algo de dinero y salir del pozo en el que han caído. Se aprovechan de ellos y no le importan a nadie. La escena que mejor describe el discurso de la película, es aquella en la que Elijah huye de los cazadores por un barrio de Nueva Orleans pidiendo ayuda, y nadie se la ofrece, e incluso uno le replica que no lleva nada suelto. Van Damme llega para igualar la balanza, y poner a los ricos en su sitio.</div><div style="text-align: justify;">Otra escena que me gusta particularmente es la reacción de Natasha (Yancy Butler) cuando descubre que su padre es un vagabundo, es un momento emotivo y muy duro, que nos hace pensar como reaccionaríamos si nos viéramos en la misma situación.</div><div style="text-align: justify;">Aunque éste es uno de los mejores vehículos de Van Damme y se le ve bastante entregado, la verdad es que su personaje es bastante plano y sus motivaciones sólo se justifican con el que a veces los pobres también se aburren. Es simplemente un héroe salvando a la damisela en apuros. Pero se hubiera agradecido un poco más de profundidad en el personaje. Aún así es una de sus mejores películas, junto con <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2019/10/timecop.html" target="_blank">Timecop</a></b> (1994), <b>Contacto sangriento</b> (1988) y <b>Soldado universal</b> (1992). Y resulta bastante memorable con su mullet.</div><div style="text-align: justify;">Agradezco que entre Van Damme y Butler no haya una historia de amor, algo que normalmente ralentiza este tipo de películas, y aunque parece que hay una tensión sexual entre ambos, me gusta que no vaya más allá.</div><div style="text-align: justify;">Cuando mejor es el villano, mejor es la película, y aquí a falta de uno, tenemos a dos, estupendamente interpretados por Henriksen y Vosloo. Resultan carismáticos y hay una buena química entre ellos, ambos elevan el conjunto de la película. </div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO-Gg-LoTC6rTYl3tLJiHnQrkeRLMu6xCBcBK2HID8fzPSA4CLZekfptQAK_CKhTGCGuTMl_3B_pglDAqviNPb8oZscQM2yPpJEYeitg4GSPlDbOPSpiPbE5dfOZu54sbJNBVMHIPqx07_5NcIysiiQetRV460k83IN6-waSE3-gEpQ_Um/s720/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2006.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="384" data-original-width="720" height="214" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO-Gg-LoTC6rTYl3tLJiHnQrkeRLMu6xCBcBK2HID8fzPSA4CLZekfptQAK_CKhTGCGuTMl_3B_pglDAqviNPb8oZscQM2yPpJEYeitg4GSPlDbOPSpiPbE5dfOZu54sbJNBVMHIPqx07_5NcIysiiQetRV460k83IN6-waSE3-gEpQ_Um/w400-h214/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Blanco%20humano%2006.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><b>Blanco humano</b> es un festival para los que nos gusta el cine de acción, Woo rueda como nadie las set pieces, que llevan siempre su sello. La película simplemente mola, con cada una de sus cámaras lentas, cada vez que alguien dispara con dos pistolas o con cada patada voladora.</div><div style="text-align: justify;">Un ejemplo claro es la persecución con Van Damme montado en moto, que termina con ese momento del choque contra la furgoneta, no sólo Woo eleva las apuestas haciendo que Van Damme la vuele por los aires, es que después hace un excelente uso de la cámara lenta con la aparición de Henriksen tratando de disparar a Van Damme.</div><div style="text-align: justify;">Pero esto es sólo un calentamiento para los que está por llegar, porque Woo aprieta el acelerador en el clímax, con un increíble tiroteo en un almacén, donde no hay un segundo que no deje al espectador sin aliento. La acción sucede entre piruetas y explosiones, rodadas con gracia e ingenio por la cinética cámara de Woo, y sólo nos queda levantarnos y aplaudir como locos.</div><div style="text-align: justify;">Vale que tiene errores de racord para parar un tren, y que se nota en que planos entra el doble, pero resulta tan divertida que se le pasan esas cosas, ¡por favor, si Van Damme deja KO a una serpiente de un puñetazo!</div><div style="text-align: justify;"><b>Blanco humano</b> es la película americana que más se acerca a los films de acción de Hong Kong de Woo. Sus películas influyeron mucho en el cine de acción posterior, algo que explotaría con <b>Matrix</b> (1999). Mucho antes de las aventuras de Neo ya habíamos visto a héroes disparando dos pistolas, cámara lentas y abrigos al vuelo. La influencia de Woo en el cine de acción occidental es inmensa, y <b>Blanco humano</b> es parte de esa influencia.</div><div style="text-align: justify;">Resulta chocante que para realizar la película trajeran a uno de los mejores directores de cine de acción del mundo, para básicamente cortarle las alas, y no darle la libertad que necesitaba, lo curioso es que, ¡aún así la película funciona! Resulta siempre entretenida y cuando la acción empieza, ésta nunca se detiene. Y se nota que es una película de John Woo. Como demuestra ese excelente montaje paralelo de Henriken tocando el piano. Y no faltan la aparición de palomas, que siempre señalan el camino al héroe (aquí una le da a Van Damme una pista en forma de placas de identificación del ejército). Pese a todas las restricciones e intromisiones del estudio, creo que es la película de Hollywood donde Woo se muestra más liberado y loco, haciendo cosas que en sus siguientes películas no le permitieron (con la excepción de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2021/03/cara-cara.html" target="_blank">Cara a cara</a></b>), pero aquí la violencia está desatada, como esos momentos en que Van Damme vacía un cargador entero en uno de los villanos, y lo remata con una patada voladora, básicamente porque sí. <b>Blanco humano</b> junto con <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2021/03/cara-cara.html" target="_blank">Cara a cara</a></b> son sus mejores títulos de su periplo en Hollywood. Y es de paso el mejor <i>heroic bloodshed</i> que se haya rodado en la meca del cine.</div><div style="text-align: justify;"><b>Blanco humano</b> fue una excelente carta de presentación de John Woo en Hollywood, demostrando de lo que era capaz en el cine de acción. Después vendrían títulos más grandes y ambiciosos, pero el más cercano a sus films de Hong Kong y el más salvaje sigue siendo esta cacería, donde los cazadores se convierten en presas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Arnold Vosloo se inventó su frase: <i>"Si vuelvo aquí, te cortaré en rodajas."</i></div><div style="text-align: justify;">Tras esta película, Sam Raimi y Robert Tapert le ofrecieron a John Woo dirigir una película titulada <b>"Shadow War"</b>, también para Universal, pero nunca llegó a realizarse.</div><div style="text-align: justify;">Chow Yun-Fat visitó a John Woo mientras rodaban en Nueva Orleans.</div><div style="text-align: justify;">Uno de los cuatro hombres que atacan a Natasha (Yancy Butler) al principio de la película es el doble de Van Damme, Mark Stefanich.</div><div style="text-align: justify;">La escena de Henriksen tocando el piano no estaba presente en el guión de Pfarrer.</div><div style="text-align: justify;">"Hard Target" es un término militar para definir a un objetivo bien protegido.</div><div style="text-align: justify;">Ted Raimi, hermano de Sam Raimi, hace un cameo, es el hombre que no le presta ayuda a Elijah cuando es perseguido.</div><div style="text-align: justify;">Chuck Pfarrer, un ex-miembro de los SEAL, le enseñó a Woo en viejo truco de los SEAL para disparar una pistola y que parezca en una ametralladora, el cual fue incluido en la película.</div><div style="text-align: justify;">La segunda versión del guión fue reconvertido por Pfarrer en el cómic <b>"Virus"</b>, el cual sería adaptado al cine bajo el título homónimo de <b>Virus</b> (1999).</div><div style="text-align: justify;">Incluyendo a la serpiente, el body count de la película asciende a 34 muertos.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.hollywoodreporter.com/movies/movie-news/hard-target-john-woo-clashing-jean-claude-van-damme-1137208/" target="_blank">Hard Target’ at 25: John Woo on Fighting for Respect in Hollywood</a></b> (The Hollywood Reporter, 24 ago 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b>Toning Down, John Woo Earns His Hollywood R</b> (The New York Times, 15 ago 1993)</div><div style="text-align: justify;"><b>Summer Sneaks ‘94: These Guys Blow Us Away : With expensive blow-'em-ups running out of new tricks, some movie makers fear the genre faces a tragic ending</b> (Los Angeles Times, 15 may 1994)</div><div style="text-align: justify;"><b>Born to be Bad</b> (Timon Singh, 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ascmag.com/articles/russell-carpenter-asc-passion-for-the-craft" target="_blank">Russell Carpenter, ASC: Passion for the Craft</a></b> (American Cinematographer, 1 feb 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.happening.com.sg/film/features/1997/archive/John_Woo/johnwoo2.html" target="_blank">John Woo interview</a></b> (happening.com, 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b>City on Fire: Hong Kong Cinema</b> (Lisa Odham Stokes y Michael Hoover, 1999)</div><div><div style="text-align: justify;"><b>Target: America</b> (The Washington Post, 20 ago 1993)</div><div style="text-align: justify;"><b>Sight and Sound Magazine</b> (May 1993)</div><div style="text-align: justify;"><b>John Woo: The Films</b> (Kenneth E. Hall, 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/jean-claude-van-damme-1798213466" target="_blank">Jean-Claude Van Damme</a></b> (AV Club, 11 mar 2008)</div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (nº 174)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ardethsmistress0.tripod.com/index.html" target="_blank">Arnold Vosloo Interview</a></b> (ardethsmistress)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0107076/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Ten Thousand Bullets: The Cinematic Journey of John Woo</b> (Christopher Heard, 1999)</div><div><div style="text-align: justify;"><b>John Woo: Interviews</b> (Robert K. Elder, 2005)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.scmp.com/lifestyle/entertainment/article/3178449/classic-hong-kong-cinema-john-woo-action-violence" target="_blank">Classic Hong Kong cinema: John Woo on action, violence, influences, growing up in poverty and working in Hollywood in 1997 interview</a></b> (South China Morning Post, 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://legacy.aintitcool.com/node/42817" target="_blank">AICN Legends: First up, Capone interviews the awesome Lance Henriksen!!!</a></b> (Ain't It Cool News, 23 oct 2009)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/movies/john-woo-john-woo-my-hits-and-misses/?slide=315579#315579" target="_blank">John Woo on John Woo: My Hits - and Misses</a></b> (Entertainment Weekly, 7 nov 2009)</div><div><div style="text-align: justify;"><b>Los Angeles Magazine</b> (mar 2002)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://twitter.com/RealYancyButler/status/1479555846677975041" target="_blank">Yancy Butler</a></b> (Twitter, 7 ene 2022)</div></div><div style="text-align: justify;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=rqDkRqs14bM" target="_blank"><b>Legends & Masters Show: Ep 22 Yancy Butler Interview</b></a> (YouTube)</div><div><div style="text-align: justify;"><b>New Gun in Town: John Woo, Hong Kong’s legendary action director, teams with Jean-Claude Van Damme for his first American thriller, ‘Hard Target’</b> (Los Angeles Times, 3 ene 1993)</div><div><div style="text-align: justify;"><b>Moviestar Magazine</b> (nov/dec, 2001)</div><div style="text-align: justify;"><b>Vibe Magazine</b> (oct 1993)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://podcastingthemsoftly.com/2016/11/29/the-screenwriter-of-seal-team-6-an-interview-with-chuck-pfarrer-by-kent-hill/" target="_blank">The Screenwriter of SEAL Team 6: An Interview with Chuck Pfarrer by Kent Hill</a></b> (Podcasting Them Softly, 29 nov 2016)</div></div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.vulture.com/2023/07/john-woo-on-face-off-mission-impossible-2-and-more.html" target="_blank">John Woo on Face/Off, Mission Impossible 2 and More</a></b> (Vulture, 3 jul 2023)</div></div></div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com12tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-3384047743245165202023-02-17T02:09:00.003-08:002023-07-23T05:58:14.533-07:00El bueno, el feo y el malo<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhVeQ9hB0jDjmJhLp_H1eDktiueAwvBLZJAyhaQcfHA6RFUiCsRIz4jcQpEjEsbavlLrLODTDZExfMMxwi3eM8y_eecvw9mLO31xKz0F5V_qMbjnpMursAOY3dXuBPtCWvqxK1/s938/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="705" data-original-width="938" height="301" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjhVeQ9hB0jDjmJhLp_H1eDktiueAwvBLZJAyhaQcfHA6RFUiCsRIz4jcQpEjEsbavlLrLODTDZExfMMxwi3eM8y_eecvw9mLO31xKz0F5V_qMbjnpMursAOY3dXuBPtCWvqxK1/w400-h301/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+01.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><i>"El mundo se divide en dos categorías, los que tienen revolver cargado y los que cavan. Tú cavas."</i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Tres forajidos buscan durante la guerra de Secesión, un botín de 200.000 dólares en oro.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>POR UN TERCER PUÑADO DE DÓLARES</b></div><div style="text-align: justify;">Durante una reunión en Roma, en la que vendieron a la United Artists los derechos de distribución de <b>La muerte tenía un precio</b> (1965), varios miembros del estudio, entre los que se encontraba Arnold Picker, presidente de operaciones internacionales, le preguntaron a Sergio Leone (director), Alberto Grimaldi (productor) y Luciano Vincenzoni (guionista), cual sería su siguiente película, ya que querían prolongar su colaboración. Los tres se quedaron en blanco, ya que no tenían ningún proyecto entre manos, y fue Vincenzoni quien improvisó una respuesta, explicando que se trataría de la historia de tres bandidos que buscan un tesoro durante la Guerra Civil Americana. Cuando le preguntaron cuanto costaría, Vincenzoni les respondió que 1 millón de dólares, y a la gente de la United le pareció correcto. Así llegaron al acuerdo, por el cual Vincenzoni se llevó un jugoso porcentaje y la United Artists por su parte, a cambio de su inversión percibiría el 50% de la recaudación fuera de Italia. <b>El bueno, el feo y el malo</b> (Il buono, il brutto, il cattivo, 1966), que terminaría costando 1.300.000 dólares, comenzaba a cabalgar.</div><div style="text-align: justify;">Aunque tiempo después, Leone dio una versión diferente de la autoría del proyecto, anotándose el tanto de su origen. <i>"Ya no me sentía presionado para ofrecer al público una película diferente,"</i> explicaba el director en el libro <b>Sergio Leone: Something To Do With Death </b>de Christopher Frayling. <i>"Ahora podía hacer exactamente el tipo de película que quería. Fue mientras reflexionaba sobre la historia de <b>La muerte tenía un precio</b>, y lo que la hizo funcionar, sobre los diferentes motivos de Van Cleef y Eastwood, cuando encontré el centro de la tercera película. Siempre había pensado que lo 'bueno', lo 'malo' y lo 'violento' no existían en un sentido absoluto, esencial. Me pareció interesante desmitificar estos adjetivos en el marco de un western." </i>Y además declaró que lo que le interesaba en la película también era, <i>"mostrar lo absurdo de la guerra. La Guerra Civil con la que se encuentran los personajes, en mi marco de referencia, es inútil y estúpida, no implica una 'buena causa'."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtIl0SLduDk68oNCKAOHL89ldfh3WbuyEy-lJhoRBQJUSzN_0nA_tdajiA5FUJvVKQ0huzYbZpfBgaQyzph53ZXS87zLoDlESWhlu4Xjs4AVkZWkYiZHpOHzRV57S8qrNVvcEX/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="230" data-original-width="550" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgtIl0SLduDk68oNCKAOHL89ldfh3WbuyEy-lJhoRBQJUSzN_0nA_tdajiA5FUJvVKQ0huzYbZpfBgaQyzph53ZXS87zLoDlESWhlu4Xjs4AVkZWkYiZHpOHzRV57S8qrNVvcEX/w400-h168/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+02.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Gracias al acuerdo con los americanos, la Produzioni Europee Associate (PEA) de Grimaldi, pudo producir la película en solitario, a diferencia de con <b>Por un puñado de dólares</b> (1964) y <b>La muerte tenía un precio</b> (1965), que habían sido co-producidas con España y Alemania.</div><div style="text-align: justify;">Vincenzoni y Leone escribieron en tan solo 11 días el guión de <b>"I due magnifici straccioni"</b> (como se conoció inicialmente a la película, cuya traducción sería "Los dos magníficos harapientos"), con la ayuda del dúo Age y Scarpelli (ápodos de Agenore Incrocci y Furio Scarpelli). Pero Leone quedó muy descontento con el trabajo de estos dos últimos. Para completar el guión tuvo que recurrir a escritores fantasma, siendo el principal de ellos Sergio Donati, algo que ya había hecho en <b>La muerte tenía un precio</b> (1965). Donati estuvo muy involucrado en la película, y trabajó codo con codo con Leone aproximadamente durante 8 meses, aunque no fue acreditado como guionista.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Tras haber trabajado juntos en <b>Por un puñado de dólares</b> y <b>La muerte tenía un precio</b>, Leone quiso contar de nuevo con Clint Eastwood para dar vida a Rubio, el "bueno" de los tres personajes principales. La serie <b>Cuero crudo</b> (1959-65) protagonizada por el actor acababa de terminar, y tenía la agenda libre, pero inicialmente fue reticente de aceptar la oferta de Leone (y según Vincenzoni en caso de no aceptar, el director tenía en mente a Charles Bronson como sustituto). El director viajó a California para tratar de convencerle, algo que consiguió gracias a un acuerdo de lo más lucrativo, el actor pasó a cobrar un sueldo de 250.000 dólares y un 10% de los beneficios netos en los países occidentales, lejos estaban los 15.000 dólares que había cobrado dos años antes en <b>Por un puñado de dólares</b> (1964), y eso que los dos primeros spaghetti westerns que había rodado con Leone, aún no se habían estrenado en Estados Unidos.</div><div style="text-align: justify;">Para interpretar a Tuco, el "feo" del trío protagonista, Leone consideró a Gian Maria Volontè, con el que había trabajado en <b>Por un puñado de dólares</b> (1964) y <b>La muerte tenía un precio</b> (1965). Pero el director consideró que necesitaba a un interprete con un talento cómico innato. Y se fijó en Eli Wallach en <b>La conquista del Oeste</b> (1962). El actor recibió una llamada de su agente con la propuesta de participar en un spaghetti western, y se reunió con el director en los estudios de la Paramount, quien para convencerle de que trabajase en la película, le mostró <b>La muerte tenía un precio</b> (1965). Según contaba el actor, a los cinco minutos de película, aceptó trabajar con Leone. Para componer a Tuco, el actor tomó prestada la forma de vestir de Leone, quien utilizaba tirantes y cinturón. Por su parte Leone, no quería que Tuco llevara el revolver en una funda, prefería que lo llevara colgado de una cuerda alrededor del cuello. Quiso demostrarle como debía hacer para atrapar el arma con un giro de sus hombros, pero al hacerlo no cogió la pistola al vuelo, y ésta le golpeó en la ingle. Después de lo sucedido, Leone le dijo que mejor la llevara metida en el bolsillo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzmDwp7NZ7XWBo9uHxtRjhZUx8miwZOOX8Xlztd0SJh6YNdcjBuGqtIt1qP6DirNpdAOsoF9Jo9I6dbVp7xzdjuNaqLLjTBzWGFekDhZ4bef264J0SCO5YerX-ZxNLOinmH9vq/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="230" data-original-width="550" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjzmDwp7NZ7XWBo9uHxtRjhZUx8miwZOOX8Xlztd0SJh6YNdcjBuGqtIt1qP6DirNpdAOsoF9Jo9I6dbVp7xzdjuNaqLLjTBzWGFekDhZ4bef264J0SCO5YerX-ZxNLOinmH9vq/w400-h168/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+03.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Y para el papel del tercero en discordia, el "malo" Sentencia (que el guión original era llamado "el hombre de negro"), originalmente Leone quiso a Charles Bronson, pero el actor había firmado para rodar <b>Doce del patíbulo</b> (1967), así que quedó descartado. Después le ofreció el papel a Lee Van Cleef, con quien había trabajado en <b>La muerte tenía un precio</b> (1965). El actor cobró un cheque de 40.000 dólares, una mejora respecto a los 17.000 dólares que había ganado por su anterior película con Leone.</div><div style="text-align: justify;">El resto del internacional reparto fue compuesto por Aldo Giuffrè (como el alcohólico capitán de la Unión), Luigi Pistilli (en la piel del Pablo Ramirez, hermano de Tuco), y Rada Rassimov (en el papel de Maria). Y al rodarse en España, la película contó con actores originarios del país como Antonio Casas (Stevens), Sergio Mendizábal (cazarrecompensas), Antonio Molino Rojo (capitán Harper), Lorenzo Robledo (Clem), o Frank Braña (cazarrecompensas).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">El rodaje tuvo lugar entre abril y julio de 1966, trece duras semanas que exigió lo máximo de todos los responsables. Se rodó en diferentes localizaciones de España, más concretamente en Tabernas (donde se volvió a utilizar el pueblo construido para <b>Por un puñado de dólares</b>, y que ha sido utilizado en multitud de spaghetti westerns), el desierto de Almería, Covarrubias (la batalla del puente y su posterior explosión), cerca de Guadix (escena de la estación de tren), Colmenar Viejo (pueblo en el que tiene lugar el tiroteo entre Rubio y Tuco contra los hombres de Sentencia), en Carazo, a las afueras de Burgos (donde se erigió el campo de concentración Betterville), y en el Valle de Mirandilla, cerca de Santo Domingo de Silos, también a las afueras de Burgos (se construyó el cementerio de Sad Hill). También se filmaron algunas escenas en los estudios Elios Film de Roma.</div><div style="text-align: justify;">El rodaje fue un caos de idiomas, donde se mezclaban italiano, español e inglés. Los actores provenientes de diferentes nacionalidades hablaban en su lengua materna, para después ser doblados al idioma de cada país donde se estrenase la película. Eastwood, Wallach y Van Cleef también tuvieron que doblarse a si mismos, algo que no sucedía en el cine americano.</div><div style="text-align: justify;">Leone no hablaba inglés, algo que dificultaba la comunicación con sus estrellas norteamericanas, de modo que utilizaba un interprete para darles las indicaciones. Con Wallach no necesitaba un intérprete, ambos se comunicaban normalmente en francés.</div><div><div style="text-align: justify;">Ennio Morricone compuso los temas principales para la película antes de comenzar el rodaje, por lo que Leone pudo rodar las escenas en función de la música. El compositor creó una partitura increíble, que ha quedado ligada a la película para siempre. Como el característico tema con el que abre la película (el homónimo <b>"The Good, The Bad And The Ugly"</b>), cuyos aullidos trataban de simular los de un coyote.</div></div><div><div style="text-align: justify;">Entre tomas, Eastwood se dedicaba a jugar al golf. Pero su relación con el director no fue tan buena como en las dos películas anteriores. El actor estaba cansado del perfeccionismo de Leone y de la cantidad de tomas que realizaba, además no estaba contento de ver su participación en pantalla reducida con respecto a <b>Por un puñado de dólares </b>y <b>La muerte tenía un precio</b>.</div></div><div style="text-align: justify;">Y para colmo de males, Eastwood tuvo que ausentarse del rodaje y volar a Roma, para iniciar una demanda contra Jolly Film, una productora italiana responsable de <b>Por un puñado de dólares</b>, que había licenciado un par de episodios de <b>Cuero crudo</b> y quería unirlos para estrenarlos como una única película con el título de <b>"The Magnificent Stranger"</b>, sobra decir, que eso nunca llegó a suceder.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcxNe51pQXND76O6htUCR2_toqL7IrdFyS6vRJmYH3JQkoa8NR2hvFnHIo28HXD8WuXn_Q_sju3FcsOS7ZHf2Rq6kqcTNp5PXIEVluwh8ebHWQLA8lT9GRVfLTvzRcYF8oWF54/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="230" data-original-width="550" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcxNe51pQXND76O6htUCR2_toqL7IrdFyS6vRJmYH3JQkoa8NR2hvFnHIo28HXD8WuXn_Q_sju3FcsOS7ZHf2Rq6kqcTNp5PXIEVluwh8ebHWQLA8lT9GRVfLTvzRcYF8oWF54/w400-h168/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+04.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">El rodaje comenzó en las afueras de Roma, donde en un set del Oeste ubicado en Elios Film, rodaron la escena en la que Rubio entrega a Tuco para cobrar la recompensa, y éste le grita de todo.</div><div style="text-align: justify;">Dos días después, el rodaje se desplazó a España. Eastwood y Wallach volaron juntos desde Roma a Madrid. Pasaron la noche en la casa de un amigo y tuvieron que compartir cama, para después emprender rumbo a Almería al día siguiente, donde continuaría el rodaje. Como Eastwood no se sentía seguro con las aerolíneas locales, decidió alquilar un coche y un chófer para viajar a Almería, y Wallach le acompañó.</div><div style="text-align: justify;">El segundo día de rodaje en Almería, continuaron rodando la escena que habían empezado a rodar en Roma, la del ahorcamiento de Tuco. Wallach se tuvo que subir a un caballo con una soga al cuello y las manos atadas a la espalda, un técnico de efectos especiales había colocado una pequeña carga de dinamita en la cuerda, que simularía el disparo que realizaba Eastwood desde el granero. Wallach instó a Leone para que colocaran algodones en los oídos del caballo, para así amortiguar la detonación, por miedo a que se asustara, pero Leone afirmó que no era necesario, ya que la escena no era peligrosa. Cuando llegó la hora del disparo, la explosión de la dinamita asustó tanto al caballo que salió corriendo como alma que lleva el diablo con Wallach sobre él, quien al tener las manos atadas sólo podía tratar de detenerlo gritándole y usando sus rodillas, mientras trataba de no caerse. Al final el caballo se detuvo después de correr durante más de un kilómetro. Y para colmo de males, Wallach se quedó medio sordo durante ese día. Ésta fue una de las varias ocasiones en las que a Wallach el rodaje casi le cuesta vida.</div><div style="text-align: justify;">De Almería el rodaje se trasladó a Covarrubias, donde rodarían la escena de la batalla y la explosión del puente. El general Franco cedió mil soldados para la escena de la batalla y para realizar labores de mano de obra. Además permitió que la película usara cañones y armas auténticas de la Guerra de Secesión del "Museo del Ejército" de Madrid. El equipo técnico de la película con ayuda del ejército español, levantaron durante un mes el puente, y además se construyó una presa para aumentar el caudal del arroyo que corría por debajo.</div><div style="text-align: justify;">Y fue aquí donde tuvo lugar la anécdota más recordada del rodaje, ya la que la voladura del puente tuvo que realizarse dos veces. Hay diferentes versiones de lo que sucedió, pero según Wallach (tal y como recogía la revista <b>Imágenes de actualidad</b>) básicamente lo que ocurrió fue que, <i>"el hombre que había preparado los explosivos para esta escena era un capitán del ejército español. </i><i>El hombre de efectos especiales le había dicho que era un honor tenerlo ayudando en el plató, y en consecuencia, el honor de apretar el botón para volar el puente le correspondía a él. El capitán no deseaba hacerlo, pero el hombre de efectos especiales dijo: 'Claro que sí, simplemente escuche, y cuando yo diga '¡Vaya!', pulse el botón. Y mientras le decía esto, uno de los ayudantes preguntó: '¿Quiere que ponga una de las cámaras pequeñas ahí?', y él respondió: 'Sí, vaya a hacerlo.' El capitán oyó la palabra 'vaya', apretó el botón y el puente voló por accidente. Leone se puso furioso. '¡Lo mataré!', decía, '¡Le dispararé apenas lo vea! ¡Está despedido!'."</i> Y el hombre de los efectos se marchó, pero el capitán se acercó a Leone y le prometió reconstruir el puente en tres días con sus hombres, con la condición que no despidiese al hombre de los efectos. El director aceptó a regañadientes. A los tres días el puente estaba reconstruido y pudieron volarlo por los aires. Leone quería que Eastwood y Wallach estuvieran en el plano de la explosión a unos diez metros de la misma, pero Eastwood se negó, así que a Leone no le quedó más remedio que utilizar unos dobles para ambos actores.</div><div style="text-align: justify;">Según contaba el ayudante de dirección Fabio Fava, Van Cleef, quien era famoso por sus problemas con el alcohol, comenzó el rodaje bebiendo más de la cuenta, lo que provocó que cuando rodó una pelea en la cantina del pueblo de Socorro (después eliminada del montaje final), el actor atizó auténticos puñetazos a los especialistas. Tuvieron que suspender el rodaje. La solución para mantener bajo control al actor, fue invitar a su mujer e hija al rodaje, lo que hizo que el actor redujese considerablemente su ingesta de alcohol.</div><div style="text-align: justify;">Leone y Wallach se llevaron de maravilla, y ambos se retaban en las escenas a modo juego, por ejemplo, en la escena de la armería, Leone le dijo que desmontara varias pistolas y que montara una con diferentes piezas. El actor, a quien no le gustaban las armas, improvisó toda la escena mientras Leone rodaba y rodaba. Cuando iba a salir de la tienda, Wallach cogió el letrero de "Abierto", que colgaba de la puerta, y se lo puso en la boca al dependiente con el lado de "Cerrado" a la vista. Leone entre risas dio por buena la escena y la mantuvo en el montaje final.</div><div style="text-align: justify;">En la escena del cementerio, cuando Tuco llega y camina hacia el centro del mismo, Leone le dijo que caminara con seriedad y tensión, y justo cuando empezaron a rodar, soltó sin avisar un perro entrenado para que corriera hacia Wallach, quien al verlo se asustó. Según contaba Wallach, el director quería romper la tensión dramática y filmar una respuesta natural de sorpresa por su parte.</div><div style="text-align: justify;">Pero ese juego se terminó, cuando tocó rodar la escena en la que Tuco trata de romper las esposas que le unen a un soldado de la Unión, usa para ello una vía de tren. El equipo de efectos especiales había creado unas esposas que se romperían con facilidad cuando el tren pasara por encima. El actor rodó personalmente el plano pegado a las vías, mientras el tren pasaba justo a su lado, ya que Leone quería que el público viera que era él quien estaba allí y no un doble, cuando Tuco girara la cabeza. Lo que no había previsto la producción, eran las escaleras metálicas que sobresalían del tren. La suerte estuvo de parte de Wallach, quien permaneció con la cabeza agachada toda la escena, pero si la hubiera levantado seguramente había sido decapitado. Pero Leone no quedó convencido con el plano y le pidió al actor repetirlo para que se le viera mejor la cara, Wallach puso como condición que la zanja donde estaba metido fuera más profunda. Así se hizo, el tren dio marcha atrás y rodaron de nuevo el plano, pero ahora la cara de Wallach no se veía correctamente porque estaba demasiado metido en la zanja. Leone quería volver a rodarlo, pero Wallach se negó. Al director no le quedó más remedio que quedarse con el primer plano que habían filmado.</div><div style="text-align: justify;">Y hubo una tercera ocasión en la que a Wallach el rodaje casi le cuesta la vida. Rodando la escena del cementerio, debía romper con una pala una de las bolsas con el oro, pero como el cuero era muy duro, el encargado de utilería usó ácido para debilitarla y que así fuera más fácil romperla. Pero dejó el ácido en una botella similar a la de una limonada española que Wallach solía tomar, por eso el actor cuando vio la botella le hecho un trago, pero de inmediato notó el ácido en la boca, y lo escupió sin haberlo tragado. Su rapidez le salvó la vida.</div><div style="text-align: justify;">Y el popular cementerio de Sad Hill fue construido para la ocasión por cientos de soldados españoles. Leone quería que recordara a un antiguo circo romano, y el diseñador de producción Carlo Simi y su director de arte, Carlo Leva, lo diseñaron con forma circular. El cementerio estaba compuesto por 10.000 tumbas. </div><div style="text-align: justify;">En la escena final, después de que Rubio dispare a la cuerda de la soga de Tuco, estaba previsto que éste lo persiguiera corriendo mientras una toma desde un helicóptero se alejaba de él, quedando como un pequeño punto en el cementerio. Pero no consiguieron que funcionase, ya que la cámara temblaba mucho en el helicóptero. Así que la escena quedó como se ve en la película.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFebyDgo0kzeLjQyn7H9I7TXAgFxxhcksldecRuEBV0GjOHF8XrjJuoRLoWSbsFdl5RIwwPXCH_H8iuLCxDRAfqDigx01wWqz8EbytwUzY57TViJQDEGBorDHeiR9n7EWrqMfQ/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="230" data-original-width="550" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjFebyDgo0kzeLjQyn7H9I7TXAgFxxhcksldecRuEBV0GjOHF8XrjJuoRLoWSbsFdl5RIwwPXCH_H8iuLCxDRAfqDigx01wWqz8EbytwUzY57TViJQDEGBorDHeiR9n7EWrqMfQ/w400-h168/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+05.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La duración de la película fue un problema. El primer montaje se iba a las cuatro horas, que no era admisible por parte de la United Artists. Vincenzoni trató que Leone cortara la película, lo cual agrió mucho su relación con el director. Para intentar llegar a una duración de tres horas, Donati tuvo que encontrar la forma de acortar la película sin afectar al resultado final. Se eliminó una parte completa de la película, y después se aprovechó la escena entre Lee Van Cleef y el soldado sin piernas, para la que Donati escribió nuevos diálogos, haciendo que explicaran lo que había sucedido en el metraje que se había cortado. Con trucos así llegaron a un montaje de tres horas, pero no era suficiente para la UA, así que al final la película conoció dos montajes, uno de tres horas para la versión original italiana, y uno de 148 minutos para la versión internacional.</div><div style="text-align: justify;">Cuando la película estaba en el proceso de doblaje para la versión americana, Donati descubrió que no se estaban haciendo las cosas como era debido. Para conseguir que las palabras dobladas encajasen con el movimiento de los labios cambiaron drásticamente los diálogos. Para evitar que destrozaran la película, Donati se pasó tres meses supervisando el doblaje.</div><div style="text-align: justify;">Durante el rodaje, Leone le habló a Eastwood de realizar juntos un cuarto western, que se conocería como <b>Hasta que llegó su hora</b> (1968), pero el actor no estaba interesado y quería abordar otros proyectos. De esa forma <b>El bueno, el feo y el malo</b> significó la última película del tándem Leone-Eastwood.</div><div style="text-align: justify;">La película se estrenó en Italia el 23 de diciembre de 1966 y fue un éxito enorme, recaudando 4.300.000 millones de dólares, reuniendo a 11.364.221 de espectadores (sólo fue superada por <b>Doctor Zhivago</b>). Llegó a Estados Unidos un año después, el 29 diciembre de 1967, y fue un gran éxito, recaudando la sorprendente cifra de 25.100.000 de dólares.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>LAS DIFERENTES VERSIONES</b></div><div style="text-align: justify;">En 2003, se realizó la restauración de la película, y se incluyeron las escenas incluidas en la versión italiana (de 3 horas), y que faltaban en la versión internacional (de 148 minutos). Eastwood y Wallach se doblaron a si mismos para esas escenas, y debido a que Van Cleef había fallecido, fue doblado por Simon Prescott. De esa forma se pudieron recuperar las siguiente secuencias:</div><div style="text-align: justify;">1. Sentencia llega a un fuerte de los confederados que ha sido destruido. Habla con un capitán, al que le pregunta por Bill Carson, y tras darle una botella de vino, éste le cuenta que probablemente lo encontrará en el campo de prisioneros de Betterville.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwOhEOvch8o1HKzo-qztvPgO0BdaGtm7dwd0CGayNOHvVFLYH4BvGdChc4R64bg45BhpHgW-qSCjTBBfIps6jenERiRMxqoQG-C16S4cxWezzYD0cyhO4qwxWjkrdFnzBCq3aX/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="438" data-original-width="1021" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgwOhEOvch8o1HKzo-qztvPgO0BdaGtm7dwd0CGayNOHvVFLYH4BvGdChc4R64bg45BhpHgW-qSCjTBBfIps6jenERiRMxqoQG-C16S4cxWezzYD0cyhO4qwxWjkrdFnzBCq3aX/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+06.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">2. Tuco se sienta en medio del desierto para refrescar sus pies en remojo, mientras Rubio se muere de sed. Rubio trata de beber el agua donde Tuco se lava los pies, pero éste la termina volcando mientras se ríe.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt0N5e0_w_AO0wWitcjbG0K-d4feDsR54eKSlUUvQCm23L8lFgMOSMvb0NCmLvEv4jq4ibz1S79kZ0s4GSpzVB1VjAEJHpqfiGlPyC1URYz2QU7oSYa_4SI09IWovSIdESM8Po/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="439" data-original-width="1021" height="173" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjt0N5e0_w_AO0wWitcjbG0K-d4feDsR54eKSlUUvQCm23L8lFgMOSMvb0NCmLvEv4jq4ibz1S79kZ0s4GSpzVB1VjAEJHpqfiGlPyC1URYz2QU7oSYa_4SI09IWovSIdESM8Po/w400-h173/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+07.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">3. Tuco llega en el carromato a un fuerte confederado con Rubio en la parte de atrás. Le pregunta a un sargento donde puede encontrar una enfermería, y éste le explica que están cerca de Apache Canyon, que a su vez está cerca de la misión de San Antonio, donde se encuentra el hermano de Tuco.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGHAXFi_5KfUfCEUj_kE5LEc1Q0lrKaBkNX3FKIP7ezIlyeZ3oU0zBBjPw3KfXlzJPuW6uTnjzCmgRBJQXyVd-MtmMjo6A8eEnLWXid1nanH5ZvFgTmd6e1gJ_ecMBUdmrvqcs/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="223" data-original-width="1021" height="88" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhGHAXFi_5KfUfCEUj_kE5LEc1Q0lrKaBkNX3FKIP7ezIlyeZ3oU0zBBjPw3KfXlzJPuW6uTnjzCmgRBJQXyVd-MtmMjo6A8eEnLWXid1nanH5ZvFgTmd6e1gJ_ecMBUdmrvqcs/w400-h88/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+08.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">4. Tras salir de la misión de San Antonio, Tuco busca en un mapa hacia donde deben dirigirse, y Rubio trata de averiguar el destino, pero el primero no se deja engañar.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx6sJ2tjdkBmiI25BbGD0sAswj6nCS3cagucGv2oTdS29WEmGrJN1J4LinO8J-Bnrj_pfk6cfP2-LYCU0CkAw352AFX8Fh4aYN_y89F60bcghadMVIoJe_RtW6jKXwd6v-PlND/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+09.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="223" data-original-width="1021" height="88" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjx6sJ2tjdkBmiI25BbGD0sAswj6nCS3cagucGv2oTdS29WEmGrJN1J4LinO8J-Bnrj_pfk6cfP2-LYCU0CkAw352AFX8Fh4aYN_y89F60bcghadMVIoJe_RtW6jKXwd6v-PlND/w400-h88/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+09.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">5. Después de que Tuco se suba al tren, hay una escena nocturna, en la que mientras Sentencia y Rubio duermen, hacen acto de presencia los hombres del primero, y Rubio mata a uno de ellos que se acerca en la oscuridad.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizQQx4Z4brEr_gl6CbGLoxUnlcu08VaMT3YPGd2pCWWC58pCBD6gZZBJI5DmgjUITILzjQsrUUmO6wfiIf85GYckx0lJQq9U3uPqciD1u7CUhyphenhyphenmsxrS6qQ61lKNpEDedGLoLqT/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="223" data-original-width="1021" height="88" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizQQx4Z4brEr_gl6CbGLoxUnlcu08VaMT3YPGd2pCWWC58pCBD6gZZBJI5DmgjUITILzjQsrUUmO6wfiIf85GYckx0lJQq9U3uPqciD1u7CUhyphenhyphenmsxrS6qQ61lKNpEDedGLoLqT/w400-h88/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+10.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">6. El capitán lleva a Rubio y Tuco por el campamento, y les dice que el bando que tenga más alcohol para emborrachar a sus soldados y enviarlos a la muerte, será el ganador. Les pregunta sus nombres, pero ellos no le responden.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcgQrcAHPY3ka7OnHP8mY788heKRslQiKYe5oF7re0b_Pph3xCVMxRIdHk4dJeUBaWyZ-9Hr10JgNgn2imWzWL6L3whRnpfdoZHntj-c8Pog0ByX3zm4XScxRiHqrRY82YmVjm/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+11.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="223" data-original-width="1021" height="88" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhcgQrcAHPY3ka7OnHP8mY788heKRslQiKYe5oF7re0b_Pph3xCVMxRIdHk4dJeUBaWyZ-9Hr10JgNgn2imWzWL6L3whRnpfdoZHntj-c8Pog0ByX3zm4XScxRiHqrRY82YmVjm/w400-h88/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+11.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">7. La escena del capitán agonizando es un poco más larga, así como el momento posterior en el que Rubio y Tuco colocan los explosivos en el puente.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmbEX7qIcIsAsfCs9cTrs5nlw-w1_rItKVk92O2z8c87Y5w7mq6mpJ0Ms7NeiwEIWJNVy1SdIC-gN0Feo-EqxwNYiGRuByHyeAXGEyVttuVk2v2Bcw7Gryghzj6rrjqhB55wLh/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="223" data-original-width="1021" height="88" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhmbEX7qIcIsAsfCs9cTrs5nlw-w1_rItKVk92O2z8c87Y5w7mq6mpJ0Ms7NeiwEIWJNVy1SdIC-gN0Feo-EqxwNYiGRuByHyeAXGEyVttuVk2v2Bcw7Gryghzj6rrjqhB55wLh/w400-h88/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+12.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;">Existe una escena que no fue incluida en ninguna de las versiones. En ella, Tuco entra en una cueva con un pollo, se sienta junto a una olla hirviendo y comienza a lamentarse por los tres amigos que solía tener. Mientras está hablando solo, estos bajan del techo por unas cuerdas y hablan con Tuco. Estos son los tres mexicanos que tratan de matar a Rubio en el hotel.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGtkZ0NWFTbFkTyT0nJdW0dgq8gy1TsK0-6UujhJEtkrBpuXRJt_1Uhe8zZQG50NioeoAGIcZ_7yYLErH4jZcTFI6O710ZmRFUIbdNL4vfVVwqC2z9IGjFd_OyLGSPHRMCL0QB/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="447" data-original-width="1021" height="175" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiGtkZ0NWFTbFkTyT0nJdW0dgq8gy1TsK0-6UujhJEtkrBpuXRJt_1Uhe8zZQG50NioeoAGIcZ_7yYLErH4jZcTFI6O710ZmRFUIbdNL4vfVVwqC2z9IGjFd_OyLGSPHRMCL0QB/w400-h175/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+13.jpg" width="400" /></a></div><div><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>El bueno, el feo y el malo</b> siempre ha sido mi western favorito. Lo más genial de ella es que es una película de aventuras, con una búsqueda del tesoro incluida y con unos buscavidas sorteando toda una serie de peligros por el camino.</div><div style="text-align: justify;">Los spaguetti westerns hacían lo que los westerns americanos no se atrevían, eran sucios, llenos de personajes amorales y pícaros, cargados de un cínico sentido del humor, y repletos de acción. Y <b>El bueno, el feo y el malo</b> es el máximo exponente de eso. Y sirvió para dignificar el género, al que Leone aportó algunas de sus mejores obras.</div><div style="text-align: justify;">El italiano es un narrador increíble y llena la película de detalles puramente cinematográficos, que son un prodigio de la narrativa, con detalles tan sencillos, por ejemplo, como muestra que Tuco cada vez está más cerca de encontrar a Rubio, gracias a los cigarrillos que se va encontrando siguiendo su rastro y como el último se enciende al darle una calada. O ese impagable momento en que Rubio y Tuco se encuentran con unos soldados que creen ser de la Confederación, pero que el polvo oculta que en realidad son de la Unión.</div><div style="text-align: justify;">Cuida los personajes, incluso los pequeños, como ese capitán de la Unión que se muere de gangrena y no quiere que los enemigos capturados sean maltratados. O ese otro capitán también de la Unión que ahoga en vino su pena por ver como debe mandar a sus hombres a una muerte segura, algo ilógico, como la propia guerra.</div><div style="text-align: justify;">Y es que la película nos habla del sinsentido de la guerra. <b>El bueno, el feo y el malo</b> acontece durante la Guerra de Secesión, pero ésta suele estar en segundo plano, los personajes tienen sus propias aventuras y detrás hay una guerra con la que de forma intermitente se van topando, y de esa forma sutil Leone nos hace patente los horrores de la misma (de hecho, no se corta a la hora de mostrar a personas con extremidades amputadas). Algo que resume toda la película, es la frase de Rubio, <i>"Nunca he visto morir tan estúpidamente."</i> Y para remate, el oro se encuentra en un cementerio (en una tumba sin nombre), donde yacen miles de muertos sin rostro de esa terrible guerra. Pero Leone no sólo habla de la Guerra Civil Americana, también hay referencias a otros conflictos armados, lo que hace más universal a la película, como esas trincheras de la batalla del puente que recuerdan a las de la primera guerra mundial o el campo de concentración que nos retrotrae a la segunda gran guerra.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYHV6IzOyyYPbrHXIq4zLRxSiJMIDxhw5YVfZB5aeVoxkV9vCtXHXIlnbyyB6PvopzpQxpLL_YiyrahiqR5lo8jJBaQ2WWfMUmIfHg3wR6-5KUIbqNepYATxgazUBDT1ic56RR/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+14.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="230" data-original-width="550" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjYHV6IzOyyYPbrHXIq4zLRxSiJMIDxhw5YVfZB5aeVoxkV9vCtXHXIlnbyyB6PvopzpQxpLL_YiyrahiqR5lo8jJBaQ2WWfMUmIfHg3wR6-5KUIbqNepYATxgazUBDT1ic56RR/w400-h168/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+14.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La película tiene un par de elipsis que me vuelven loco. Esa que pasa del soldado de la Unión limpiándose el polvo, a los pasos de los hombres capturados, y que coincide en el mismo ritmo de golpes y pasos. Y otra, cuando Tuco unido a un soldado por las esposas, alza la vista y encuentra la solución de como librarse de ellas, para en el siguiente plano ya ver al soldado en medio de la vías, y a Tuco a su lado esperando que pase el tren, un ejemplo de pura concisión narrativa.</div><div style="text-align: justify;">El uso de la música es fabuloso. Morricone, en uno de sus mejores trabajos, crea momentos de pura épica (el tema <b>"The Trio"</b> sonando durante el duelo final), a otros íntimos (el uso de la canción <b>"The Story Of A Soldier"</b> en el campo de concentración para tapar la paliza que le dan a Tuco), pero el momento que se lleva la palma es el <b>"The Ecstasy Of Gold"</b> sonando a todo trapo mientras Tuco corre por el cementerio (una de las mejores escenas musicales de la historia del cine).</div><div style="text-align: justify;">Ya desde el minuto uno, Leone rompe con todo, con ese primer plano que encuadra la cara de un cazarrecompensas, pero sin verse por completo, recortándola por encima y por debajo, algo innovador por aquel entonces. Da la sensación de que Leone va varios años por delante de su tiempo. Sólo hay que fijarse en su uso de las sombras para introducir a un personaje (muchos años antes de Spielberg en <b>En busca del arca perdida</b> (1981)). Leone reduce al mínimo los diálogos, para que sean las imágenes las que hablen por si solas, algo que ayuda la música de Morricone. El director convierte la película en un cómic viviente, con encuadres y planos que hoy día son habituales, pero sorprendentes en aquel momento. Como también es muy cómic la presentación de los tres personajes con sus apodos sobreimpresos mientras suena el "wah wah wah" de la banda sonora. Y la que se lleva la palma es la introducción de Tuco, con el tiempo estirado al máximo, con esos tres cazarrecompensas caminando hasta el salón donde se encuentra el forajido, y que Leone resuelve con Tuco saltando por la ventana, para después en un movimiento de cámara, mostrarnos que disparó a los tres hombres. Y para remate final, y donde se nos confirma que la película es un cómic viviente, es cuando en el clímax, Eastwood aparece con el mítico poncho que ya había utilizado en <b>Por un puñado de dólares</b> (1964) y <b>La muerte tenía un precio</b> (1965), confirmando su indumentaria de héroe y que es posible que el actor interprete al mismo personaje en las tres películas, siendo ésta la primera en orden cronológico de la trilogía del "Hombre sin nombre".</div><div style="text-align: justify;">El trío protagonista se sale, Eastwood perfeccionó su papel de pistolero silencioso, Van Cleef demostró ser un gran villano, pero el que roba las escenas, y es el corazón de la película, es Eli Wallach, dotado de un carisma y una vis cómica que capta toda nuestra atención (memorable su forma de atestiguarse o ese momento en que suelta, <i>"Cuando se dispara no se dice nada"</i>). Cada uno tiene su personalidad, Rubio es un inteligente buscavidas, Tuco un superviviente nato, y Sentencia es un hombre despiadado sediento de dinero, pero con un código moral. Wallach consigue que simpaticemos con su personaje, ayuda su carisma, pero también hay detalles en el guión que contribuyen a ello, como esa escena en la que miente a Rubio contándole que tiene una buena relación con su hermano, cuando acabamos de ver que no es cierto (y Rubio también sabe que no lo es).</div><div style="text-align: justify;">Todo el tramo final es un tour de force, desde la explosión del puente, a Tuco escapando de Rubio mientras éste le dispara con un cañón, pasando por la escena de "El éxtasis del oro", y terminando con el duelo a tres, es como una montaña rusa que no puede ser más emocionante.</div><div style="text-align: justify;">El duelo entre los tres protagonistas, es de esas escenas que hacen que se te ponga la carne de gallina, y es una obra maestra en si misma. Y como le sucede a la de "El éxtasis de oro", es puramente cinematográfica porque no hay diálogos, sólo imágenes y música. Es como una sinfonía visual, un ballet de muerte, bellamente coreografiado. El trabajo de Morricone la eleva a otro nivel, y el montaje es increíble, como Leone empieza con un largo plano general de los tres personajes colocándose en sus posiciones, y como poco a poco los planos son cada vez más cortos y cada vez la cámara está más cerca de los protagonistas, terminando con planos de sus ojos. Y el disparo final nos devuelve al plano general con el que empezó la escena. Lo dicho, magistral.</div><div style="text-align: justify;">Merece la pena ver la película en su versión extendida, ya que se explica mejor la historia y se resuelven algunos agujeros que en la versión internacional no quedaban bien cerrados.</div><div style="text-align: justify;">El legado de la película es enorme, sólo hace falta ver el cine de Quentin Tarantino, John Carpenter, Robert Rodriguez, Jee-woon Kim o Álex de la Iglesia para darse cuenta de ello. Por otro lado, es muy recomendable ver <b>Desenterrando Sad Hill</b> (2017), sobre le proceso de recuperación del cementerio de Sad Hill, por parte de unos entregados fans.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE0x5H2eLZ6EQm-rHIBkfCn-fHTGIyFxank2Ap2IdQn6VX8HsY6ZhNCgXeGu6zVTxJOeDFZTHqshaYNFlhrqnBnW1JTiDQE6j1FJzyw76FMScXmbYEt0IHkkJPXVQNcgs9efVv/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+15.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="230" data-original-width="550" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiE0x5H2eLZ6EQm-rHIBkfCn-fHTGIyFxank2Ap2IdQn6VX8HsY6ZhNCgXeGu6zVTxJOeDFZTHqshaYNFlhrqnBnW1JTiDQE6j1FJzyw76FMScXmbYEt0IHkkJPXVQNcgs9efVv/w400-h168/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+El+bueno+el+feo+y+el+malo+15.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><b>El bueno, el feo y el malo</b> son tres horas de puro entretenimiento, que se pasan volando. Esto sucede porque, por un lado sigue siendo moderna, y por otro, el tempo con que Leone rueda las escenas hace que cada una de ellas resulten fascinantes, es la suma de una sucesión de <i>set pieces</i> a cada cual mejor. Además consigue que nos interesen los tres protagonistas y lo que les sucede. Es posiblemente el mejor western de la historia, y el más influyente. Una obra maestra buena, bella y nunca mala.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Para la revista británica "Sight and Sound", tanto Quentin Tarantino como Matthew Vaughn incluyeron a <b>El bueno, el feo y el malo</b> en su lista de las 10 películas preferidas de la historia.</div><div style="text-align: justify;">En las escenas de introducción de Rubio, Tuco y Sentencia, al principio de la película, cada uno dispara a tres personas.</div><div style="text-align: justify;">En la escena en la que ahorcan a Tuco en el pueblo, Wallach improvisó el gruñido a la señora mayor.</div><div style="text-align: justify;">A Lee Van Cleef le faltaba parte de su dedo índice derecho, esto se puede apreciar en el duelo final.</div><div style="text-align: justify;">Clint Eastwood lleva el mismo poncho en las tres películas de trilogía del dólar.</div><div style="text-align: justify;">La idea de congelar la imagen para presentar a cada uno de los tres protagonistas, fue del diseñador de los títulos durante las post-producción.</div><div style="text-align: justify;">Está incluida en el libro <b>"1001 películas que debes ver antes de morir"</b> de Steven Jay Schneider.</div><div style="text-align: justify;">Pese a que se supone que Tuco es el hermano menor del Padre Ramirez, Wallach era realmente catorce años mayor que Luigi Pistilli.</div><div style="text-align: justify;">Clint Eastwood, Benito Stefanelli, Aldo Sambrell, Lorenzo Robledo, Antonio Molino Rojo, Mario Brega y Frank Braña, son los únicos actores que aparecen en las tres películas de la "Trilogía del dólar".</div><div style="text-align: justify;">Luciano Vincenzoni trató de realizar una segunda parte de la película, y llegó a reunirse con Eli Wallach y Lee Van Cleef, pero Leone nunca estuvo de acuerdo con el proyecto, y éste no salió adelante.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://colvilleandersen.medium.com/the-storytellers-interview-with-sergio-donati-48f704b7e6b4" target="_blank">Interview with Sergio Donati</a></b> (Colville-Andersen, 14 mar 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b>Sergio Leone: Something To Do With Death</b> (Christopher Frayling, 2000)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://currentthinkingonthewestern.wordpress.com/2018/01/18/bill-shaffers-eli-wallach-interview/" target="_blank">Bill Shaffer’s Eli Wallach interview</a></b> (Current Thinking on the Western)</div><div style="text-align: justify;"><b>The good, the bad, and me: In my anecdotage</b> (Eli Wallach, 2005)</div><div style="text-align: justify;"><b>Clint: The Life and Legend</b> (Patrick McGilligan, 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b>Imágenes de actualidad</b> (Nº 238)</div><div style="text-align: justify;"><b>Clint Eastwood: A Biography</b> (Richard Schickel, 1996)</div><div style="text-align: justify;"><b>European Trash Cinema Magazine</b> (Nº 21)</div><div style="text-align: justify;"><b>Desenterrando Sad Hill</b> (2017)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0060196/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://hitparadeitalia.it/bof/boi/boi1966-67.htm" target="_blank">Stagione 1966-67: i 100 film di maggior incasso</a></b> (Hit Parade Italia)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.elespanol.com/david_lopez_frias/20160930/159484981_0.html" target="_blank">'El bueno, el feo y el malo': todos los secretos que aún no has descubierto</a></b> (El español, 2 oct 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.fistful-of-leone.com/classic/articles/vince.html" target="_blank">The Good, The Bad and Luciano Vincenzoni</a></b> (Fistful of Leone)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://fabio-fava.blogspot.com/" target="_blank">La fierecilla domada</a></b> (Fabio Fava Blog, 8 dic 2011)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com12tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-18182014227367556582023-03-18T13:29:00.007-07:002023-07-21T15:40:33.296-07:00Hidden<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVcV2wlCb6EsKbHRbXqwCGhAh0fWBipfI5j7kjAoPEZpeWo-lsK9GnoKTpPHAiMSefPwjjmyVMolDBD1cZFkSLqO35L-nBc8ShZyCIxnG1WofP6haReLpCaLYOYn5QvmCv3zhkVI3XpyRGMD8t9RC5wAlMELVeI0FSGLdNe0yIuMISlBik/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="500" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhVcV2wlCb6EsKbHRbXqwCGhAh0fWBipfI5j7kjAoPEZpeWo-lsK9GnoKTpPHAiMSefPwjjmyVMolDBD1cZFkSLqO35L-nBc8ShZyCIxnG1WofP6haReLpCaLYOYn5QvmCv3zhkVI3XpyRGMD8t9RC5wAlMELVeI0FSGLdNe0yIuMISlBik/w400-h240/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2001.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><i>"Mató a doce personas e hirió a veintitrés. Robó seis coches, la mayoría Ferraris. Atracó ocho bancos, seis supermercados, cuatro joyerías y una pastelería. A seis de las víctimas las degolló con un cuchillo, dos eran unos chiquillos. Todo eso en una semana."</i> </div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un policía y un agente del FBI unen fuerzas para atrapar a varios criminales que siembran el caos en Los Angeles, que en realidad están poseídos por un alienígena.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: red;">Para escribir sobre este pequeño clásico de la ciencia ficción de los ochenta llamado <b>Hidden</b> (The Hidden, 1987) pude contactar con su guionista Jim Kouf y su director Jack Sholder, quienes fueron tan amables de contestar a las breves preguntas que les formulé sobre lo que oculta <b>Hidden</b>. Les estoy muy agradecido a ambos por su ayuda.</span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>OCULTO</b></div><div style="text-align: justify;">Jim Kouf escribió <b>"Hidden"</b> (originalmente sin el "The" inicial) como un <i>spec script</i>. <i>"Un productor amigo mío consiguió el guión de <b>The Hidden</b> para New Line,"</i> me confesó Kouf.</div><div style="text-align: justify;"><i>"Quería dirigirla,"</i> me contó el guionista. <i>"Pero tuve un conflicto. <b>Procedimiento ilegal</b> entró en producción al mismo tiempo. Y estaba produciéndola. <b>Procedimiento ilegal</b> era una producción más grande, y parte de un trato con Disney." </i>De modo que Kouf se quedó fuera del proyecto como director.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbRYkTLDxHz5oB8hMg1lbKbNxmamaEzWpn8xJvRR4-pQLHht-fUR2g0nUocbVPj2K2XHPA6VijFS5dt94oo2vTsCA38msLEB9yVgR4voXDPAQAUfJsTMfMpNMR8730L56Lt1I-bY-FiGvWZ5ndj2PGE8wkuFP91DiJNqRY5R-ptMrW0fD_/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="281" data-original-width="500" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhbRYkTLDxHz5oB8hMg1lbKbNxmamaEzWpn8xJvRR4-pQLHht-fUR2g0nUocbVPj2K2XHPA6VijFS5dt94oo2vTsCA38msLEB9yVgR4voXDPAQAUfJsTMfMpNMR8730L56Lt1I-bY-FiGvWZ5ndj2PGE8wkuFP91DiJNqRY5R-ptMrW0fD_/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Jack Sholder había rodado para la New Line <b>Pesadilla en Elm Street 2: La venganza de Freddy</b> (1985), que había sido todo un éxito, y se postuló como director para la película. Sara Risher, jefa de producción de New Line le ofreció a Sholder el guión de <b>Hidden</b>, el cual le encantó. Según me contó el director, el puesto se disputaba entre él y James Glickenhaus (<b>El exterminador</b>), pero Sholder consiguió convencer al productor Robert Shaye que le diera el trabajo.</div><div style="text-align: justify;">Según Sholder, Kouf quería dirigir la película, pero la productora no le dio el visto bueno, eso explicaría porque el guionista está acreditado bajo el seudónimo de Bob Hunt. Sea como fuere, Kouf no siguió trabajando en el guión y Sholder creyó que eran necesarios algunos cambios. Por ejemplo, le dio al personaje de Beck una hija, y creó un pasado para Gallagher, haciendo que el alienígena malvado fuera el asesino de su mujer e hija. Además reescribió el final con Gallagher traspasándose al cuerpo de Beck y su hija sabiendo que él no es su padre. También cambió que la fábrica en la que Beck y Gallagher entran persiguiendo al villano no fuera de zapatos, tal y como estaba escrito, sino de maniquíes, ya que Sholder creyó que encajaba mejor con el subtexto de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Michael Nouri inicialmente leyó para el papel de Lloyd Gallagher, pero terminaría interpretando el de Tom Beck, el policía humano, ya que básicamente no encontraron a ningún actor mejor.</div><div style="text-align: justify;">Aún les quedaba conseguir a quien interpretase al otro personaje principal, Lloyd Gallagher, el alienígena oculto en un cuerpo humano. Hubo dos contendientes finales para el papel, Kyle MacLachlan y Peter Gallagher, aunque New Line prefería al segundo, Sholder apostaba por MacLachlan. <i>"Sentían que tenía una presencia más fuerte que la de Kyle,"</i> me contó Sholder. <i>"Dije que el hecho de que Kyle pareciera más débil, pero al final fuera fuerte, lo convertía en una mejor elección, y al final estuvieron de acuerdo."</i> MacLachlan se hizo con el papel sólo cuatro días antes de empezar el rodaje.</div><div style="text-align: justify;">Según contaba Nouri a <b>Starpulse</b>, él y MacLachlan eran amigos e hicieron un pacto cuando estaban haciendo las audiciones, de participar en la película si al otro lo escogían. Al final ambos fueron contratados.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZqAPtl4gUghBsZLKa2i0e7r3Rf9lHAlPdorquAPUXK9zkdq4VUmMGpxImTJtx4EAyujIdRyjbB0p_AlBnG3aLPhi0RLU2c2sMT38mkW7eSri4vUeYKrBJdL4kxh-DVuqwnv1vP1KvaVugsElIsyM7hS91xS-8u-Yuvwu9g8bF21If9giZ/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="281" data-original-width="500" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZqAPtl4gUghBsZLKa2i0e7r3Rf9lHAlPdorquAPUXK9zkdq4VUmMGpxImTJtx4EAyujIdRyjbB0p_AlBnG3aLPhi0RLU2c2sMT38mkW7eSri4vUeYKrBJdL4kxh-DVuqwnv1vP1KvaVugsElIsyM7hS91xS-8u-Yuvwu9g8bF21If9giZ/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Lin Shaye (<b>Insidious</b>) fue contratada para el papel de Carol Miller. Lin era la hermana del productor de la película Robert Shaye. La actriz volvería a trabajar con Sholder en la película para televisión <b>Retrato de un asesino</b> (1995).</div><div style="text-align: justify;">El mexicano Danny Trejo realizó aquí uno de sus primeros papeles en el cine, como un preso encerrado en una celda. Cuando Sholder vio una foto suya que le enseñó el director de casting, sabía que encajaría perfectamente en el papel.</div><div style="text-align: justify;">El agente de Claudia Christian la puso sobre aviso que estaban buscando a una actriz para el papel de Brenda la stripper. Uno de los requisitos del papel era tener un gran pecho, y como la actriz no lo tenía se presentó a la audición con el sostén bien relleno. En la segunda prueba, que hizo en bikini, volvió a utilizar una estratagema similar usando rellenos. Para la tercera prueba, se presentó en las oficinas de producción con un vestido con broches y cuando tuvo que mostrar su cuerpo, abrió de golpe el vestido y después de dar una vuelta rápida se fue. Ese mismo día le dieron el papel. Christian decidió perder peso para interpretar el papel, además tuvo que ensayar con una coreógrafa su escena de baile, y visitó locales de striptease.</div><div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo forman Clarence Felder (en el papel del teniente John Masterson), Clu Gulager (como el teniente Ed Flynn), Ed O'Ross (interpretando al policía Cliff Willis), William Boyett (en el papel de Jonathan Miller, uno de los portadores del alien), Richard Brooks (dando vida al policía Sanchez), Katherine Cannon (como Barbara Beck, la mujer de Michael Nouri) y Chris Mulkey (en el papel de Jack DeVries, otro de los huéspedes del alien).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">El rodaje tuvo lugar en la ciudad de Los Angeles, utilizando diferentes localizaciones de la misma como MacArthur Park o el Park Plaza Hotel.</div><div style="text-align: justify;">Sholder tuvo la idea de ensayar con todos los actores que darían vida al villano juntos. Los reunió el día antes de empezar a rodar con la idea de que todos se comportaran y movieran de una forma similar, ya que interpretarían al mismo personaje. En ese ensayo también estaba presente el perro que aparecería en la película con su entrenador, como querían que en todas sus formas el alien hiciera algo característico, tomaron como referente al perro, quien sacaba la lengua cuando se enfadaba, de modo que todos los actores imitaron ese gesto cuando interpretaron al alien en la película.</div><div style="text-align: justify;">Nouri fue un grano en el culo para el director a lo largo de todo el rodaje, negándose a hacer lo que éste le pedía. Por su parte Kyle era todo lo opuesto.</div><div style="text-align: justify;">Según cuenta Sholder en el libro <b>Twisted Visions</b>, ya en el primer día del rodaje empezaron los problemas. Rodando la escena fuera de la tienda de discos, Nouri debía alcanzar andando a MacLachlan, pero se negó a hacerlo, y quería que MacLachlan le alcanzará a él. Tuvieron que repetir una y otra vez la escena, hasta que al final el director consiguió que Nouri hiciera lo que estaba previsto.</div><div style="text-align: justify;">Algo similar ocurrió cuando rodaron la escena en la que Beck y Gallagher entran en el almacén de los maniquíes, Nouri se negó a realizar lo que estaba escrito en el guión y tuvieron que repetir la escena en varias ocasiones hasta que en el última toma dijo el diálogo tal y como estaba previsto, pero Sholder harto de Nouri, decidió cortar ese momento. Sólo porque New Line echó en falta esa escena, que Sholder la volvió a poner en la película.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWfGSPKjYMja4laPTxfrivIXR0EAnh-ilDUtPV-yeQwy0LZxchpCRYSEQBhh6hH3B2iCcs89pB2mmGpMtHI-LGSiSNtuNEWz1bPPY0GQwbMy8YdPgm4xizbl2HCfw2LFHouNWGFXkTZ0ntkBAYMBi5_8fand6uWi8qHYZS9bVMQpvc-cXI/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="281" data-original-width="500" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWfGSPKjYMja4laPTxfrivIXR0EAnh-ilDUtPV-yeQwy0LZxchpCRYSEQBhh6hH3B2iCcs89pB2mmGpMtHI-LGSiSNtuNEWz1bPPY0GQwbMy8YdPgm4xizbl2HCfw2LFHouNWGFXkTZ0ntkBAYMBi5_8fand6uWi8qHYZS9bVMQpvc-cXI/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Una de las secuencias más memorables de la película es la persecución de coches. Sholder la vio como un reto cuando el productor Robert Shaye le dijo que sólo sería una persecución más. El director estudió las grandes persecuciones del cine para encontrar la clave que le llevara a rodar una gran persecución, y lo cierto es que lo consiguió. Decidió utilizar tres cámaras en el coche, una colocada en el parachoques, otra en el asiento del conductor como si fuera su punto de vista y la tercera sobre el hombro del conductor. La primera parte de la persecución la rodó la segunda unidad siguiendo el storyboard de Sholder, y el director se encargó de rodar la segunda parte y todo lo relacionado con los actores. <i>"Teníamos cuatro Ferraris,"</i> me explicó Sholder. <i>"Uno estaba en condiciones nuevas (usado pero repintado, etc.), dos estaban en varias etapas de daño, y uno era sólo la carrocería que volamos al final de la persecución. New Line quería usar Corvettes porque eran más baratos a pesar de que el guión decía Ferrari. Insistí en Ferraris que creo que fue la elección correcta. El departamento de transporte arregló los autos dañados y vendió los tres, así que al final no costó mucho."</i></div><div style="text-align: justify;">La película comenzaba con el alienígena malvado atracando un banco, pero Robert Shaye consideró que sería costoso, Sholder estuvo de acuerdo que no aportaría nada a la película y decidieron eliminar el robo, y mostrar al alienígena saliendo directamente del banco con el dinero. Pero una vez vieron la película montada ese arranque no funcionaba, y a Sholder se le ocurrió rodar un plano desde la perspectiva de una cámara de seguridad mostrando el atraco, que culmina con el villano sonriendo a la cámara. <b>Hidden</b> ya tenía su gran comienzo.</div><div style="text-align: justify;"><b>Hidden</b> es una película llena de acción y acrobacias, una de las más peligrosas fue el momento en que el alien malvado dentro del cuerpo de Claudia Christian, salta desde un edificio a la calle. Esta acrobacia la realizó realmente un hombre con peluca, quien saltó a una bolsa gigante llena de aire.</div><div style="text-align: justify;">La primera escena que rodó Christian fue en la que hace un striptease, y según declaró a <b>Starlog</b> fue para ella una experiencia muy aterradora. Sholder descubrió ese día que la actriz les había engañado con respecto al tamaño de sus pechos, pero la encargada de vestuario creó para Christian unos pechos protésicos que debajo de la camiseta le dieron el físico deseado. Más problemático fue el rodaje de la escena en la que Kyle MacLachlan la acribilla a balazos, uno de los explosivos que simulan los impactos de bala (llamados squibs) explotó cerca de la cara de la actriz y un trozo de su chaqueta le dio en el ojo. Desde entonces es incapaz de mantener los ojos abiertos al disparar un arma. Pese a estos percances, la actriz quedó muy contenta con la película y con el hecho de trabajar en ella.</div><div style="text-align: justify;">Los pases previos de la película tuvieron una gran aceptación, y parecía que tenían un éxito entre manos, pero cuando llegó a las salas de cine el 30 de octubre de 1987 sólo recaudó 9.748.233 de dólares. Como su presupuesto había sido de 5 millones prácticamente se recuperó la inversión. Pero la película sería realmente descubierta gracias al vídeo y con el paso del tiempo se convertiría en una película de culto.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">Aunque no es muy popular, <b>Hidden</b> es una de las películas de ciencia ficción más atractivas de los ochenta. Tiene un planteamiento harto original, con ese alien que va pasando de un cuerpo a otro, mientras comete todo tipo de fechorías, básicamente por diversión; pero es que además es una estupenda buddy movie con mucha acción, que hacen del conjunto algo único.</div><div style="text-align: justify;">El villano representa lo peor de la raza humana, es violento, mezquino, grosero y malvado, pero es un ser totalmente libre, que hace lo que quiere y cuando quiere. Y Gallagher representa lo mejor, es bondadoso, sincero y fiel. A lo largo de la película ambos van descubriendo lo que significa ser humano.</div><div style="text-align: justify;">El planteamiento de la película tiene un punto dramático que funciona muy bien, que de pronto cualquiera persona inocente se puede convertir en la más malvada, y un amigo o un compañero puede ser tu mayor enemigo.</div><div><div style="text-align: justify;">La película tiene un sentido del humor retorcido y juguetón. Como que los aliens tengan predilección por los coches deportivos (y el que Gallagher conduzca un Porsche sea una pista de que en realidad es un alienígena). Ese momento en el que el extraterrestre malvado se mete dentro del cuerpo de Claudia Christian y se sorprende por tener pechos. Que Gallagher queme con un lanzallamas a un político que porta al alien, el cual sale de éste demostrando el mal que llevaba en su interior. El <i>coitus interruptus</i> que sufre el hombre que trata de acostarse con la stripper. Y resultan hilarantes esos momentos en que conocidos de las personas poseídas por el villano dicen de ellos que son gente honrada y de conducta intachable, y a continuación los vemos cometiendo todo tipo de delitos.</div><div style="text-align: justify;">Sin explicarnos demasiado vemos que hay diferencias entre el alien bueno y el malo. Hay una historia detrás que sólo nos revelan tangencialmente, lo que es un acierto, somos nosotros los que rellenamos los huecos. Por ejemplo, ambos tienen formas diferentes de traspasarse a otro cuerpo, aunque los dos lo hacen a través de la boca, el villano se introduce literalmente dentro del cuerpo anfitrión, mientras que Gallagher lo hace mediante un traspaso de energía. Tras sufrir varias heridas mortales al final de la película, vemos como Gallagher está recuperado en el hospital, lo que nos dice que es capaz de sanar el cuerpo que porta, mientras que su némesis mata siempre a su huésped.</div><div style="text-align: justify;">La película se sumó a la moda de los buddy movies imperante en la década de los ochenta, y es una de la más originales, ya que forman pareja un policía humano y un alien, algo que la sitúa en las mismas coordenadas cinematográficas de <b>Alien nación</b> (1988), aunque <b>Hidden</b> es superior.</div><div style="text-align: justify;">Y podemos ver influencias de <b>Hidden</b> en la película <b>Fallen</b> (1998), que repite básicamente la misma premisa con un demonio en lugar de con un alien. También en <b>Viernes 13: El final. Jason se va al infierno</b> (1993), que copia el mismo punto de partida, con Jason convertido en un ser que pasa de un cuerpo a otro. Y <b>Mutación asesina</b> (1991), que coge la idea de un alien que llega a la Tierra y va cambiando de cuerpo humano como quien cambia de traje, mientras una policía trata de atraparlo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_6JAw6wBzK3EYaM3ZMMcPZXCASq4iTCYH-j0n1-7gHAo625P5hUipaedF1vmPzndexnYCwnZrtFR_zA0i_Fyjs7mk_lJBM9AZH3_MKmgRgwLxX9zKy60WoY1_L7TbCuVVPHib-GxTnXsKKLvaTxmdIr6a7Qm497uJ1HXIprw_EJIOaX-J/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="281" data-original-width="500" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg_6JAw6wBzK3EYaM3ZMMcPZXCASq4iTCYH-j0n1-7gHAo625P5hUipaedF1vmPzndexnYCwnZrtFR_zA0i_Fyjs7mk_lJBM9AZH3_MKmgRgwLxX9zKy60WoY1_L7TbCuVVPHib-GxTnXsKKLvaTxmdIr6a7Qm497uJ1HXIprw_EJIOaX-J/w400-h225/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Hidden%2005.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Sholder realizó aquí la mejor película de su carrera, se le nota inspirado en todo momento. Rueda con energía las persecuciones (algo que volvió a demostrar en <b>Dos renegados</b>), la primera con el villano a bordo de un Ferrari, resulta divertida porque éste no siente ningún respeto por la vida de aquellos a los que se cruza, y parece estar jugando al <b>Carmageddon</b>. Utiliza hábilmente la cámara lenta en el clímax con Gallagher y el lanzallamas. Y se nota su experiencia en el terror, ya que se mueve bien en ese tipo de escenas, como la del traspaso de cuerpo en el hospital, con la posterior reanimación a Miller.</div></div><div style="text-align: justify;">Todo el arranque le da a la película un gran ritmo y nos mete en la acción en cuestión de segundos. Y es que <b>Hidden</b> no afloja el ritmo en ningún momento, no hay tiempos muertos ni rellenos innecesarios. Desde el minuto uno pisa el acelerador, y ya estamos metidos en plena acción, en medio de la búsqueda de la policía al villano, quien lleva en ese momento cometidos una larga serie de crímenes. Se agradece que no sepamos de entrada que se trata de un alien, y vayamos descubriendo los giros de la trama poco a poco, resulta así más interesante. </div><div style="text-align: justify;">Todo lo que muestra el guión está ahí por una razón, como la cena de Gallagher en casa de Beck, que sirve para descubrir el pasado de Gallagher y saber que perdió a su familia; el ver a la de Beck, le recuerda a la suya. Es en esa escena donde ambos personajes se unen.</div><div><div style="text-align: justify;">Aunque no se la recuerde como tal, <b>Hidden</b> es una gran película de acción. Además tiene un villano memorable, que por momentos parece un Terminator, incluso hay una escena en la que mata a varios policías en una comisaria, como sucedía en el film de James Cameron.</div></div><div style="text-align: justify;">Pese a que Nouri se llevó en el momento del estreno los premios y el reconocimiento, creo que Kyle MacLachlan es el que destaca de los dos, como ese extraño agente del FBI (años antes de <b>Twin Peaks</b>) que oculta a un alien en su interior, en un plan de venganza, y que está perdido sin saber como comportarse como un humano (es divertido ese momento en que trata de tomarse una pastilla como si fuera una aspirina efervescente).</div><div style="text-align: justify;">Para ser una producción de serie B tiene unos efectos realmente conseguidos, el momento del hospital con el alien pasando del cuerpo de DeVries a Miller sigue funcionando de maravilla y resulta muy realista (y asqueroso).</div><div><div style="text-align: justify;">Esta escena demuestra además que la película va muy rápido, ya que han pasado poco más de 10 minutos y ya se nos desvela uno de los giros de guión.</div></div><div style="text-align: justify;"><b>Hidden</b> es una de los joyas ocultas de la ciencia ficción de los 80. Un film entretenidísimo, con un gran ritmo y tremendamente original. Si no la conocéis podéis darle una oportunidad, puede que os llegue muy dentro.</div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Jack Sholder considera esta película la mejor de su carrera.</div><div style="text-align: justify;">Ganó el Gran Premio del "Festival Internacional de Cine Fantástico de Avoriaz" de 1988.</div><div style="text-align: justify;">Fue nominada a los premios Saturn en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor director (Jack Sholder), mejor actor (Michael Nouri) y mejor guión (Jim Kouf).</div><div style="text-align: justify;">En el Festival de Cine de Sitges de 1987, Jack Sholder recibió el premio del jurado y Michael Nouri ganó el premio al mejor actor.</div><div style="text-align: justify;">Ganó el premio al mejor director (Jack Sholder) en el Festival de Fantasporto de 1988.</div><div style="text-align: justify;">Debut en el cine de Claudia Christian.</div><div style="text-align: justify;">En 1993 se estrenó <b>Hidden 2: El regreso</b>, secuela de esta película, aunque no repiten ninguno de sus responsables.</div><div style="text-align: justify;">Jack Sholder le pidió a Danny Trejo que improvisara una frase en la escena de la comisaria, y éste soltó: <i>"Tú, matón, ¿a quién vas a sacar?" </i>(<i>"Yo, hippie, what kinda dude are you?" </i>en la versión original).</div><div style="text-align: justify;">Danny Trejo volvió a trabajar con Jack Sholder en <b>12:01, testigo del tiempo</b> (1993) en la que también interpretó a un convicto.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a Jim Kouf</b> (oct 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a Jack Sholder</b> (dic 2022)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.flashbackfiles.com/jack-sholder-interview" target="_blank">Where Fate Has Taken Me</a></b> (The Flashback Files, sep 2020)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.nightmarishconjurings.com/2018/06/12/interview-director-jack-sholder-for-the-hidden/" target="_blank">Interview: Director Jack Sholder for THE HIDDEN</a></b> (Nightmarish Conjurings, 12 jun 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (Nº 204)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.filmmonthly.com/exclusives/interviews/interview-with-jack-sholder-director-of-nightmare-on-elm-st-2" target="_blank">Interview With Jack Sholder</a></b> (Filmmonthly, 13 abr 2015)</div><div style="text-align: justify;"><b>Twisted Visions: Interviews with Cult Horror Filmmakers</b> (Matthew Edwards, 2017)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.starpulse.com/news/Jason_Coleman/2015/04/16/interview-the-squeeze-actor-michael-no" target="_blank">Interview: 'The Squeeze' Actor Michel Nouri Shares His Fascinating Cinema Career With Us</a></b> (Starpulse, 16 abr 2015)</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://www.imdb.com/title/tt0093185/" target="_blank"><b>IMDb</b></a></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://horrorobsessive.com/2018/12/06/jack-sholder-discusses-directing-a-nightmare-on-elm-street-2-the-hidden-early-days-of-new-line-more/" target="_blank">Jack Sholder Discusses A Nightmare on Elm Street 2 and More!</a></b> (Horror Obsessive, 6 dic 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b>Babylon Confidential: A Memoir of Love, Sex, and Addiction</b> (Claudia Christian, 2012)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-15735466747520381762023-07-20T00:05:00.001-07:002023-07-20T14:54:57.534-07:00Deep Blue Sea<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5dAjRuz4UOEG5o1skk9dsVPWoKM6HL6uIGC5RG6D6YYZ2F-44T106tbcWy_KJ_Xg29lhlic4Y8fw1x9VYubch9JlHnJAnpc_mbY7DFevDOdVfimGLYOBBgGOXocm-27x85j3H/s1600/Deep+Blue+Sea+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="284" data-original-width="500" height="226" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5dAjRuz4UOEG5o1skk9dsVPWoKM6HL6uIGC5RG6D6YYZ2F-44T106tbcWy_KJ_Xg29lhlic4Y8fw1x9VYubch9JlHnJAnpc_mbY7DFevDOdVfimGLYOBBgGOXocm-27x85j3H/s400/Deep+Blue+Sea+01.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div>
<div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En un laboratorio en medio del Océano Pacifico, un grupo de científicos experimentan con tiburones para buscar una cura contra el alzheimer, pero eso los vuelve inteligentes y los escualos harán todo lo posible por huir de las instalaciones.</div>
<div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>TIBURÓN</b></div></b><div style="text-align: justify;">Los tiburones siempre están relacionados con el miedo, sobre todo en el cine, y el origen de <b>Deep Blue Sea</b> (Deep Blue Sea, 1999) viene justo de ahí. Siendo un niño, el guionista Duncan Kennedy vio los restos de una víctima del ataque de un tiburón, y en los años posteriores sufrió una pesadilla recurrente en la que estaba atrapado en un pasadizo con tiburones que podían leer su mente. No fue el único suceso relacionado con tiburones con el que se topó, durante un viaje en barco que realizó por la "Gran Barrera de Coral" hacia la Isla Middle, éste casi vuelca cuando un tiburón merodeaba las aguas. En la isla encontró un observatorio submarino abandonado. Y días posteriores, visitó una granja que utilizaba hormonas de crecimiento genéticamente modificadas, que según le dijeron, provocaban que el ganado fuera más agresivo. Con todas esas experiencias e ideas rondando su cabeza, el australiano escribió el guión que dio pie a <b>Deep Blue Sea</b>.</div><div style="text-align: justify;">Inicialmente escribió un tratamiento en cuatro semanas, que tenía el titulo de <b>"Deep Red"</b>, y durante otras cuatro semanas escribió el guión, que terminaría llamándose <b>Deep Bue Sea</b>. Kennedy se entrevistó con científicos para elaborar su libreto.</div><div style="text-align: justify;">Kennedy conoció al productor Lloyd Segan, que hizo llegar el guión a Lucy Stille y Valarie Phillips de la agencia Paradigm. Aproximadamente en el plazo de dos meses el guión se vendió a Warner Bros.</div><div style="text-align: justify;">En 1994, el equipo de producción formado por Alan Riche y Tony Ludwig (<b>Un ratoncito duro de roer</b>) recibió el guión, el cual les entusiasmó. <i>"Obtuvimos este gran guión sobre tiburones y no habíamos leído o escuchado nada parecido... bueno, desde <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b>,"</i> admitían los productores en las notas de producción de la película.</div><div style="text-align: justify;">Riche y Ludwig estuvieron desarrollando el proyecto en Warner durante dos años, hasta que la tecnología permitió llevar a cabo la película (gracias a la suma de los tanques de agua construidos para <b>Titanic</b> y la viabilidad de los animatronics de las películas de <b>¡Liberad a Willy!</b>). Kennedy escribió tres reescrituras a lo largo de ocho meses. Durante su interminable desarrollo el proyecto fue un baile de guionistas que entraban y salían del proyecto para diversas reescrituras, que en su fase inicial contó con John Zinman, Simon Davis Barry (quien se encargó de crear al personaje de Preacher), Michael Frost Beckner (que creó un personaje alcohólico que posteriormente fue eliminado e ideó el accidente del helicóptero, que inicialmente sucedía en un barco), y Peter Briggs (según cuenta el guionista fue traído al proyecto por Riche y Ludwig, pero estuvo poco tiempo trabajando en él, una vez entró Phil Joanou como director, él salió del mismo).</div><div style="text-align: justify;">Según Clemington McCarty Talkington, Jr., el ejecutivo de la Warner Jeff Robinov lo trajo al proyecto para mejorar el guión, y fue su borrador el que permitió al proyecto obtener por fin luz verde. El guionista fue quien ideó ese momento del tiburón lanzando a un hombre contra la ventana del laboratorio, y fue el autor de la escena de la muerte del personaje que interpreta Samuel L. Jackson en medio de un enérgico discurso (Akiva Goldsman aportó el pasado de Franklin y fue idea del supervisor de efectos visuales Jeffrey A. Okun adelantar el momento de la muerte del personaje).</div><div style="text-align: justify;">Hablando de Goldsman, el productor y guionista fue traído al proyecto por la Warner para su desarrollo, y trabajó con Talkington en el guión. Pero la película no arrancó realmente hasta 1997, cuando el director Renny Harlin se hizo cargo del proyecto. Tras <b>Memoria letal</b> (1996), Harlin buscaba algo que fuera diferente. <i>"Una de las razones por las que quería hacer esta película era porque no tenía tiroteos o peleas,"</i> declaraba el director a <b>Starlog</b>. <i>"<b>Deep </b><b>Blue Sea</b> es más que un thriller de acción. Es un desafío para mí crear terror y hacer diferentes tipos de grandes stunts que incluyen animatronics y CGI."</i></div><div style="text-align: justify;">Además Harlin necesitaba un éxito tras los fracasos consecutivos de <b>La isla de las cabezas cortadas </b>(1995) y <b>Memoria letal</b> (1996). <i>"Todo eso me hizo sentir que tenía que hacer una película con la que me jugara el todo por el todo,"</i> admitía Harlin a <b>Imágenes de actualidad</b>. <i>"Por eso cuando apareció el proyecto de <b>Deep Blue Sea</b> acepté sin pensarlo dos veces."</i></div><div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZzIPN0Mw0LsfCGFrc7HiCB2gGvXTnQRd13ZIBpvC_FxGV4me-joWENMpi-0BtEc0t8ll8H_jdwDwimp6u8AAg1NsgMau7mnHX8CiCCxJ9Ker6xEwK5ss0MDgkbaBgS2Z0av8B/s1600/Deep+Blue+Sea+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="209" data-original-width="500" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiZzIPN0Mw0LsfCGFrc7HiCB2gGvXTnQRd13ZIBpvC_FxGV4me-joWENMpi-0BtEc0t8ll8H_jdwDwimp6u8AAg1NsgMau7mnHX8CiCCxJ9Ker6xEwK5ss0MDgkbaBgS2Z0av8B/s400/Deep+Blue+Sea+02.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Una vez se unió al proyecto, el filandés encargó al matrimonio de guionistas Donna y Wayne Powers (<b>The Italian Job</b>) que escribieran el libreto final. <i>"Pensé que era una gran idea para una película," </i>afirmaba Donna a la revista <b>Starlog</b>. <i>"La tecnología cinematográfica ha avanzado a pasos agigantados desde <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b>."</i></div></div><div style="text-align: justify;"><i>"Las previas encarnaciones de la historia, incluido el libreto de Kennedy, eran más películas de acción y misterio,"</i> revelaba Donna a <b>Starlog</b>. <i>"Era del tipo <b>Parque Jurásico</b>, donde los tiburones se criaban para una logia de caza de alta tecnología. Había incluso un científico loco. Así que cuando comenzamos, empezamos desde un ángulo diferente. Nos deshicimos de todos los personajes armados con granadas y lanza misiles. Queríamos hacer un clásico thriller de horror, sin científicos locos. Si hubiera científicos, queríamos que fueran buenas personas que quisieran hacer algo honorable, y hacerlos sentir lo más reales posible."</i></div><div style="text-align: justify;">Partieron de la idea de los tiburones creados genéticamente y a partir de ahí cambiaron los personajes, los diálogos, el tono de la historia y su estructura. Sí mantuvieron la creación de Aquatica ideada por Kennedy y el concepto que ésta se hundía en el mar dando pie a tener tiburones en lugares insólitos como cocinas o dormitorios. <i>"En las versiones previas, los científicos habían encontrado una cura para el cáncer,"</i> explicaba Wayne a <b>Starlog</b>. <i>"En nuestra opinión, eso era un poco exagerado. Quisimos algo más creíble."</i> Y decidieron cambiarlo por la búsqueda de una cura para el alzheimer. Otra de sus aportaciones al guión fue la decisión de que Whitlock (Stellan Skarsgård) fuera atacado por el tiburón y perdiera su brazo.</div><div style="text-align: justify;">Otro guionista, Charlie Mitchell también contribuyó al guión, una de sus aportaciones fue combinar dos personajes que se convirtieron en la Dr. Susan McAlester. Y también es el principal responsable del combinar los personajes de Conrad (un aventurero que muere de forma inesperada) y Brock (un ejecutivo que era un villano de la función) creados por Kennedy, para dar lugar a Franklin, interpretado por Samuel L. Jackson.</div><div style="text-align: justify;">La revisión final del guión la hizo Akiva Goldsman, quien también se convirtió en uno de los productores de la película.</div><div style="text-align: justify;">Durante todo el desarrollo de la película Alan Riche y Tony Ludwig mantuvieron el contacto con Duncan Kennedy, quien aportaba ideas en cada borrador, según el guionista algunas fueron tomadas en cuenta.</div><div style="text-align: justify;">Pese al trabajo de tantos guionistas, sólo fueron acreditados Duncan Kennedy y los Powers.</div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div></b><div style="text-align: justify;">Tocaba juntar al reparto, y el director tenía claro que quería sorprender al público. <i>"Queríamos actores sólidos que no fueran estrellas,"</i> afirmaba Harlin en las notas de producción de la película. <i>"En <b>Alien</b> nadie podía sospechar que fuera Sigourney Weaver la que sobreviviera. Queríamos que el público no supiera absolutamente nada. Si estuvieran Mel Gibson o Sandra Bullock nadie pensaría que fueran a morir."</i></div>
<div style="text-align: justify;">Así reunieron una serie de caras conocidas para el reparto, aunque a ninguna gran estrella. La excepción sería la presencia de Samuel L. Jackson. Tras trabajar con el actor en <b>Memoria letal</b>, Harlin quiso contar con él de nuevo en <b>Deep Blue Sea</b>. <i>"Lo quería como un punto de apoyo para mí,"</i> declaraba el director en las notas de producción. <i>"Una vez lo tuve me dediqué a buscar al resto de actores, sólidos intérpretes que fueran capaces de hacer creíbles unos papeles tan duros a nivel físico."</i></div><div style="text-align: justify;">Inicialmente a Jackson le ofrecieron el papel de Sherman "Preacher" Dudley, el cual no convencía al actor. Como Harlin deseaba tenerlo en la película, crearon un nuevo personaje expresamente para él, el multimillonario Russell Franklin, papel que Jackson sí aceptó. En parte porque Harlin le había explicado que sería el primero en morir, lo que haría que el público creyese que cualquier miembro del reparto podría morir también. El actor creía que iba a ser una participación corta, pero al final se pasó en el rodaje un mes y medio, mucho más tiempo del que esperaba.</div>
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<b><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div></b><div style="text-align: justify;">Con un presupuesto de 60 millones de dólares, el rodaje se inició el 3 de agosto de 1998 y terminó el 5 de noviembre del mismo año. Tuvo lugar en los Fox Baja Studios, situados en Rosarito (México) y que fueron creados para la película <b>Titanic</b> (1997). Aunque después Harlin insistió en viajar a las Bahamas para poder trabajar con tiburones auténticos.</div><div style="text-align: justify;">Según declaró el director en las notas de producción de la película, tenía clara su decisión de rodar en estudio, <i>"si ruedas en el auténtico océano, estás tratando de controlar olas, corrientes, viento, el sol, las películas acuáticas tienen reputación de ser rodajes terriblemente difíciles. Pero rodando en Fox Baja, podríamos maximizar los recursos disponibles y eliminar gran parte del peligro potencial, maximizando la seguridad del proceso. También tienen los mayores tanques de agua del mundo."</i></div><div style="text-align: justify;">El rodaje de <b>Deep Blue Sea</b>, no fue fácil, de hecho, según Harlin, ésta fue la película más dura de su carrera, y lo dice alguien que filmó <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/10/la-jungla-2-alerta-roja.html" target="_blank">La jungla 2: Alerta roja</a></b> (1990) y <b>La isla de las cabezas cortadas</b> (1995). <i>"Porque todo era agua. Tal vez 80 días de rodaje estábamos en el agua o bajo ella,"</i> explicaba el director a <b>Den of Geek</b>. Y eso no hacía las cosas fáciles al equipo, por ejemplo, el guión y los documentos no podían ser de papel, así que estaban hechos de plástico. Algunos elementos del decorado flotaban y se iban moviendo por el set, y otros en cambio se hundían de forma inesperada.</div></div><div style="text-align: justify;">Rodar en el agua supuso un reto para el diseñador de producción William Sandell, para quien el mayor desafío fue, según contaban a <b>MovieMaker</b>, <i>"la construcción de escenarios enormes que resistieran la tensión de estar bajo el agua."</i></div><div style="text-align: justify;">Y el reparto no lo pasó especialmente bien por tener un rodaje tan pasado por agua. <i>"El primer día estaba en una jaula," </i>recordaba Jane a <b>Entertainment Weekly</b>. <i>"Pero al siguiente me sumergieron a 9 metros de profundidad. Entonces este tío me quita el respirador y el agua se agita con sangre, tripas y cosas. Fue tan terrorífico que no quiero recordarlo."</i></div><div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0LJe1VtLHhAg9LhrnHcVwsofOEy4fLl2A9QXx8ZDbyWBp47BUHMPogFzWap2h_FsWaeQaMdf4RGnvHeZ3N3qlQ1zLv5VtwNqT_qs_SpPZPBFJ0_di-2QDTQjtcC9a_CsJrfZW/s1600/Deep+Blue+Sea+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="209" data-original-width="500" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg0LJe1VtLHhAg9LhrnHcVwsofOEy4fLl2A9QXx8ZDbyWBp47BUHMPogFzWap2h_FsWaeQaMdf4RGnvHeZ3N3qlQ1zLv5VtwNqT_qs_SpPZPBFJ0_di-2QDTQjtcC9a_CsJrfZW/s400/Deep+Blue+Sea+04.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Ocurrieron algunos incidentes durante la producción, y la mayoría de ellos estaban relacionados con los animatrónicos de los tiburones. En el primer día de rodaje, rodaron la escena en la que un tiburón ataca a Saffron Burrows en su habitación, y se produjo un cortocircuito en el sistema eléctrico del tiburón animatrónico, que provocó que éste saltase fuera del agua, y golpease el techo del set, el cual rompió. El techo estaba hecho con planchas de hierro fundido, y lo destrozó como si nada. </div></div><div style="text-align: justify;">En otra ocasión, LL Cool J casi se ahogó, el hombre que manejaba uno de los tiburones soltó el joystick cuando el actor había puesto su pierna en la boca del tiburón y quedó atrapado bajo el agua. Por suerte, le habían dado un pequeño bote con oxígeno extra y pudo aguantar bajo al agua hasta que salió a la superficie.</div><div style="text-align: justify;">Trabajar en los tanques de agua conllevaba problemas, y eran complejos de utilizar. En los estudios de México había cinco tanques diferentes, llenar cada uno de ellos requería de dos días, y luego era necesario filtrar el agua para poder rodar. En una ocasión inundaron el decorado de la cocina y se dieron cuenta de que el horno había quedado sumergido, pero lo necesitaban para la escena, así que tuvieron que mandar a unos buzos que pusieran una plataforma debajo del horno para que quedara por encima del agua, y así rodar la escena.</div><div style="text-align: justify;">Uno de los momentos más complejos de la película es aquel en el que un tiburón rompe el cristal de la sala donde se encuentran los protagonistas, la cual se inunda a continuación. En el escenario 2 de los Fox Baja Studios se construyó dicho decorado, que estaba situado sobre un elevador, que al desplazarse permitió que el set se inundase realmente aproximadamente en unos cinco segundos, y los actores tuvieron que escapar corriendo de 80 toneladas de agua.</div></div><div><div style="text-align: justify;">Al rodar la secuencia en la que los protagonistas regresan al ascensor tras llevar la camilla hasta el helicóptero, por accidente arrojaron tres toneladas de agua sobre los actores haciendo que estos fueran arrastrados por la pasarela y casi cayeran al agua.</div><div style="text-align: justify;">Cuando ya estaban metidos en pleno rodaje, se dieron cuenta de que no estaba claro que hacían los científicos en el laboratorio, así que decidieron crear un nuevo personaje para explicar mejor la trama, y ese fue el jefe de Franklin, a quien dio vida Ronny Cox. Escribieron tres escenas para el personaje y construyeron un set en México para sus oficinas. Filmaron las escenas, pero una vez editaron la película, prácticamente eliminaron todo el metraje rodado con Cox, dejando sólo una escena, en la que no llega a decir ni una palabra. Al final su participación quedó en un mero (y extraño) cameo.</div><div>
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<div style="text-align: justify;"><b style="font-weight: bold;">Deep Blue Sea</b> hace gala de unos excelentes efectos visuale (para la época), que permitieron mostrar a los tiburones como no se había hecho antes. Se utilizaron tiburones animatrónicos, otros creados digitalmente y también tiburones reales. Hasta once compañías de efectos visuales trabajaron en la película para completar los 432 planos con trucajes que la componen. Y se enfrentaron a un sinfín de retos y dificultades. <i>"Creamos cincuenta olas gigantes de más de seis metros de altura, que chocan contra la base,"</i> explicaba Jeffrey A. Okun, supervisor de efectos visuales de la película, a Imágenes de actualidad. <i>"Además, se diseñó un software especial para incrementar el aspecto malicioso de los tiburones, para añadir más sangre y carnaza a las secuencias violentas, y para simular fuego y explosiones bajo el agua."</i></div></div><div style="text-align: justify;">Utilizaron sangre digital, ya que si vertían sangre o pintura en los tanques, al agua quedaría inservible para las siguientes tomas.</div><div style="text-align: justify;">Los efectos visuales y de animación corrieron por cuenta de Industrial Light and Magic y Cinesite. Efectos adicionales fueron responsabilidad entre otras compañías, como Hammerhead Productions (que se encargó de producir 35 planos de tiburones digitales), Grant McCune Design (que construyó las miniaturas), W.M. Creations (quienes crearon los efectos de maquillaje y protésicos) y Edge Innovations (con Walt Conti a la cabeza, que creó los animatrónicos de los tiburones).</div><div style="text-align: justify;">Conti recibió el guión dos años y medio antes que comenzase el rodaje de la película, y le llevó ocho meses crear los animatrónicos. Se construyeron para la ocasión cuatro tiburones y medio, tres de 4,5 metros y cerca de 1.000 kg para dar vida a los dos escualos más pequeños, y uno y parte de otro para recrear al más grande de 7,5 metros y de aproximadamente 3.500 kg. Conti contó con un equipo de setenta especialistas.</div><div><div style="text-align: justify;">Una de las escenas más espectaculares rodadas con los animatrónicos es la muerte de Janice. <i>"El tiburón estaba conectado a una base hidráulica submarina, para que pudiera repetir el mismo movimiento que se necesitaba para esa toma una y otra vez,"</i> explicaba Harlin a <b>Imágenes de actualidad</b>. <i>"Tuvimos que programar los ordenadores para que el tiburón fuera haciendo los mismos movimientos coreografiados con los de Jacqueline. Pero como la escena empieza debajo del agua, Jacqueline tuvo que pasarse un buen rato sumergida, con buzos pasándole oxígeno cada pocos minutos, atada a la boca del tiburón hasta que todo estuviera listo para filmar. Entonces sacábamos a los buzos, apretábamos el botón en el ordenador, que tardaba unos segundos en hacer arrancar el tiburón mecánico, y ahí Jaqueline es sacada del agua por un instante en que los demás la tratan de rescatar, y luego el tiburón vuelve a meterla bajo el agua. Allí la máquina se paraba."</i> Este proceso se repitió una y otra vez hasta que obtuvieron la toma correcta.</div><div><div style="text-align: justify;">Uno de los momentos más impactantes, aquel en el que un tiburón arranca un brazo a Whitlock, se consiguió con la suma de un animatrónico de Conti y un especialista con una prótesis de un brazo de plástico. Sobra decir que el resultado es increíble.</div><div style="text-align: justify;">Y para el momento en que el helicóptero explota se utilizó una combinación de varios de tipos de efectos. Se usaron planos reales de un helicóptero real suspendido de una grúa combinado con efectos pirotécnicos. Por otro lado, también utilizaron una miniatura del helicóptero chocando contra una maqueta de la base marina para otros planos. Y en post-producción se añadieron otros elementos (los escombros producidos por la explosión, la lluvia, las olas y una segunda explosión).</div></div><div style="text-align: justify;">Aunque para Okun la secuencia más compleja fue la de la tormenta, que fue una combinación de un software para crear el océano, elementos prácticos e instalaciones CGI.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6066smp3vtC-5dWkBKq7D-pcrZG_2OBMGGPxn1JixdjFGo1AA9-ZMj8nK9kZSgBD-RV1Ds9WC9LodrqK-ufED7rivN328HoQYb6art-Gi72FPyIDXhPUKSpZg-6XN_rZZHVgQ/s1600/Deep+Blue+Sea+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="209" data-original-width="500" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj6066smp3vtC-5dWkBKq7D-pcrZG_2OBMGGPxn1JixdjFGo1AA9-ZMj8nK9kZSgBD-RV1Ds9WC9LodrqK-ufED7rivN328HoQYb6art-Gi72FPyIDXhPUKSpZg-6XN_rZZHVgQ/s400/Deep+Blue+Sea+06.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">El compositor escogido para la película fue Trevor Rabin. Cuando en <b>Score Magacine</b> le preguntaron si se había inspirado en la música de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b> (1975), respondió que: <i>"La única influencia que tuvo <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b> de John Williams en mí, fue asegurarme de no acercarme a él."</i></div></div><div style="text-align: justify;">Tras un pase de prueba con público, el final previsto con el personaje de la Dr. Susan McAlester escapando con vida del tiburón, y salvando la situación con un arpón, no gustó. Según contaba a <b>CraveOnline</b>, Harlin se dio cuenta que, <i>"en sus mentes, ella era la mala y en las nuestras, ella era la heroína y pensamos que salvarla era la clave. Básicamente, tuvimos tarjetas de test que decían: 'Mata a la zorra.' Fue una revelación asombrosa." </i>Esa fue la razón por la que decidieron rodar un nuevo final en el que el personaje moría. Todo esto sucedió a un mes del estreno de la película. No tenían mucho tiempo para un gran <i>reshoot</i>, pero a Harlin se le ocurrió que McAlester fuera comida por los tiburones y que Preacher fuera quien disparase el arpón. El director sólo necesitó un día de rodaje para cambiar el final de la película, rodándolo en el tanque de agua de los Universal Studios. Tras el trabajo de efectos visuales necesario para crear a los tiburones y borrar a Saffron Burrows digitalmente de algunos planos, la película estaba lista para su estreno.</div><div style="text-align: justify;">Warner inicialmente no prestó demasiado interés a la película y no dedicó demasiado dinero para publicitarla. Pero tras su premiere, en la que tuvo una gran aceptación por parte del público, la productora se dio cuenta que tenía un bombazo entre manos, así que comenzó a insuflar dinero para promocionarla, pero llegó un poco tarde. Aún así la película tuvo un buen rendimiento en taquilla. En los Estados Unidos recaudó 73.648.142 de dólares y su recaudación a nivel mundial fue de 164.648.142 de dólares. Tal vez si hubieran apostado por la película antes habría sido uno de los grandes taquillazos del año.</div><div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>ESCENAS ELIMINADAS</b></div></b><div style="text-align: justify;">En las ediciones de vídeo doméstico se incluyeron cinco escenas eliminadas del montaje original de la película. Son las siguientes:</div><div style="text-align: justify;">1. Durante su fiesta de cumpleaños la Dr. McAlester da un discurso a todos los presentes agradeciendo su esfuerzo en el proyecto.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjQVhl5i-wGzanpVEy0XQVjxkyr5VIkxNMyTCTaGxdJvTSq-ZtHKlJPLpRt94SVimv3_-_vZo9Rm7ZgsabLCcDmhbm1OgQizrLl-e49UvwbErBp8jqnOp7LR6XEdlZkwmxhRqH/s1600/Deep+Blue+Sea+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="353" data-original-width="918" height="153" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjjQVhl5i-wGzanpVEy0XQVjxkyr5VIkxNMyTCTaGxdJvTSq-ZtHKlJPLpRt94SVimv3_-_vZo9Rm7ZgsabLCcDmhbm1OgQizrLl-e49UvwbErBp8jqnOp7LR6XEdlZkwmxhRqH/s400/Deep+Blue+Sea+07.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">2. Todos los habitantes de Aquatica se despiertan por la mañana. Janice y Whitlock durmieron juntos, lo que hace clara su relación, y ella además menciona que está embarazada. Todos desayunan juntos y hablan sobre la tormenta que se acerca. Harlin confesó que eliminó la escena porque no parecía correcto matar a una mujer embarazada.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiopKYOnIjHWmFS32Uggi1Ggiw_XkaEB0dN-0CdzWs68sbkgrHKUryzfPjkcs_ivVyhd4zZsUHK4cC_SVs4qp7EhTSuSl9PPReGzfxwtV7gxwTQj2vZB5lwDc_Fxfs_gOPqH2Ft/s1600/Deep+Blue+Sea+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="353" data-original-width="918" height="153" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiopKYOnIjHWmFS32Uggi1Ggiw_XkaEB0dN-0CdzWs68sbkgrHKUryzfPjkcs_ivVyhd4zZsUHK4cC_SVs4qp7EhTSuSl9PPReGzfxwtV7gxwTQj2vZB5lwDc_Fxfs_gOPqH2Ft/s400/Deep+Blue+Sea+08.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">3. Preacher camina por un pasillo inundado y comienza a rezar. Un tiburón hace acto de presencia.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdkjhFXN0hxaVoXJ6ijKk3mB_YDGmfmxmVd_PgI6JfR7Smxu_yLqap3OVFDnZxvPvm1_nkZ9yI0Ku98rGRwKMR4XLbELNmDAuvBAKcpn1Gfy2aMiehnQl6IobPvvIX0Gs_wevL/s1600/Deep+Blue+Sea+09.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="180" data-original-width="918" height="77" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdkjhFXN0hxaVoXJ6ijKk3mB_YDGmfmxmVd_PgI6JfR7Smxu_yLqap3OVFDnZxvPvm1_nkZ9yI0Ku98rGRwKMR4XLbELNmDAuvBAKcpn1Gfy2aMiehnQl6IobPvvIX0Gs_wevL/s400/Deep+Blue+Sea+09.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">4. Janice y la Dr. McAlester mantienen una breve conversación, después de que la segunda le diga que siente la muerte de Whitlock, la primera arremete contra ella echándole en cara lo poco que conocía a Whitlock.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRZ_CR1E9BiS8x26gqkVyacqbFhpU6dkR3Zrx0xXYsOQC1JnhMbwanKwZWQGF0P5BYEn19uyfZoNU3BMPAGHwcvRVfXqh517mOiDAYGjBC2FLmRKCADOPVMvRtAPbYD-ecCotn/s1600/Deep+Blue+Sea+10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="179" data-original-width="918" height="77" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjRZ_CR1E9BiS8x26gqkVyacqbFhpU6dkR3Zrx0xXYsOQC1JnhMbwanKwZWQGF0P5BYEn19uyfZoNU3BMPAGHwcvRVfXqh517mOiDAYGjBC2FLmRKCADOPVMvRtAPbYD-ecCotn/s400/Deep+Blue+Sea+10.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">5. Carter y Scoggins están en una bolsa de aire y hablan sobre nadar bajo el agua, pero el segundo no se ve capaz de hacerlo. Al final Carter se va y Scoggins se queda esperando a que vuelva su compañero.</div></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNXSAdtg5k3DMnWPSDjWU4-olzEmOkiR2kbFWGVc6wZoU91YeZo5Yymyr-DOQIBLS1f8Yi3tOrJ-lfVOw-DdWoWANSf9FZTHhnr0ur5T0UQBf3yPzPy4sTcrkjfdKx6mYOnx2b/s1600/Deep+Blue+Sea+11.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="179" data-original-width="918" height="77" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNXSAdtg5k3DMnWPSDjWU4-olzEmOkiR2kbFWGVc6wZoU91YeZo5Yymyr-DOQIBLS1f8Yi3tOrJ-lfVOw-DdWoWANSf9FZTHhnr0ur5T0UQBf3yPzPy4sTcrkjfdKx6mYOnx2b/s400/Deep+Blue+Sea+11.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div>
<div style="text-align: justify;"><b style="font-weight: bold;">Deep Blue Sea</b> es la última alegría que nos ha dado Renny Harlin, después de esta película su carrera ha caído en picado (aunque <b style="font-weight: bold;">Cazadores de mentes</b><b> </b>es distraída). Es un film extremadamente entretenido, donde el director nos ofreció diversión a raudales.</div><div style="text-align: justify;">Lo atractivo de la película no era colocar a los humanos en el territorio de los tiburones, si no hacer todo lo contrario, mostrar a tiburones en localizaciones imposibles como una cocina o un pasillo. Y aunque pueda resultar absurdo, realmente funciona.</div><div style="text-align: justify;">Además, Harlin inteligentemente hace lo opuesto a Spielberg en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b>, no oculta al monstruo, sino que lo muestra en cámara. Es una forma diferente de terror, pensando más en el espectáculo que en el propio miedo. Evitando así repetir la fórmula y dándole su propia personalidad a la película.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgChPIxkijSTTCQO7zG9CbrlrZe0tvbbk-y28RfcdKIixMLntCz5hfC20rrxRXNGXkgOjDcICVRUa9SJxn-mC3jBoc2K6Fe8b-VaGThwuqsTR9Xsu0THbyHvV4Zfl-0BaT9uEcj/s1600/Deep+Blue+Sea+12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="209" data-original-width="500" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgChPIxkijSTTCQO7zG9CbrlrZe0tvbbk-y28RfcdKIixMLntCz5hfC20rrxRXNGXkgOjDcICVRUa9SJxn-mC3jBoc2K6Fe8b-VaGThwuqsTR9Xsu0THbyHvV4Zfl-0BaT9uEcj/s400/Deep+Blue+Sea+12.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Es la clásica historia del hombre jugando con la naturaleza y de como ésta se vuelve en su contra. Por muy justa que sea la causa de los científicos (la cura del alzheimer), el fin no justifica los medios y estos terminan siendo literalmente devorados por sus actos.</div><div style="text-align: justify;">Lo bueno es que nos lo cuentan de la forma más entretenida posible, y además la pantalla se llena de violencia, algo que Harlin muestra con una claridad de exposición sorprendente. Sirva como ejemplo la mejor escena de la película, la del ataque a Whitlock, donde no falta la hemoglobina y donde el director hace un gran uso de la cámara lenta para crear tensión.</div><div style="text-align: justify;">La película es todo un parque de atracciones, que no da respiro al espectador. Comienza desde el minuto uno con un ataque de tiburón, y una vez la acción pasa a situarse en Aquatica la cosa no tarda en irse de madre. Toda la parte del ataque del tiburón a Whitlock, el posterior accidente del helicóptero y el momento de la rotura del cristal con la camilla, es una gozada para todo aficionado al cine de acción.</div><div style="text-align: justify;">Pero tiene más momentos para el recuerdo, como la famosísima muerte sorpresa de Samuel L. Jackson (que nos hace ver que cualquiera puede morir), la excelente elipsis que utiliza Harlin para mostrar como los personajes salen de la zona de escaleras y se ponen a salvo tras ser salvados por Preacher, o ese plano que pasa de la superficie a debajo del agua para mostrarnos las instalaciones de Aquatica con la voz en off de Janice.</div><div style="text-align: justify;">El reparto es solvente, aunque no son más que mera carnaza para los verdaderos protagonistas de la película, los tiburones. Aún así poco pueden hacer los actores con un guión tan funcional, construido para ensamblar una set piece tras otra. Eso sí, Thomas Janes cumple como héroe de acción. </div></div><div style="text-align: justify;">Es una de película de grandes efectos visuales, algunos increíbles (principalmente los maravillosos animatronics) y otros que han envejecido mal (algunos planos de tiburones digitales), pero se nota en pantalla cada dólar del presupuesto.</div><div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiA1Fv43lJdPZ_tNCpMakAUv92cSwNvJu7AcAa8y4QFzoiqlIy4aaFLEsBx0g65zs9VKpZhTabCWmaOAZHixWZrFLSA_KmJldvFdceXQYcSHuadnmPu3YYpmXR8D6H2etotu3S/s1600/Deep+Blue+Sea+13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="209" data-original-width="500" height="166" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiiA1Fv43lJdPZ_tNCpMakAUv92cSwNvJu7AcAa8y4QFzoiqlIy4aaFLEsBx0g65zs9VKpZhTabCWmaOAZHixWZrFLSA_KmJldvFdceXQYcSHuadnmPu3YYpmXR8D6H2etotu3S/s400/Deep+Blue+Sea+13.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;"><b style="font-weight: bold;">Deep Blue Sea</b><b> </b>es la mezcla perfecta de acción y terror, donde Harlin se mueve como pez en el agua. Son 105 minutos de pura diversión, que se pasan como un suspiro. Cuesta encontrarse películas tan entretenidas y violentas como ésta, rodadas con tanto oficio. Sigue siendo la mejor película de tiburones después de <b style="font-weight: bold;"><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b>. Simplemente hay que dejarse de complejos y sumergirse en este <b>Deep Blue Sea</b>, la experiencia merece la pena.</div></div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div></b><div style="text-align: justify;">La matrícula que extraen de la mandíbula del tiburón al comienzo de la película, es la misma que encontraban dentro del tiburón tigre de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b> (1975).</div><div style="text-align: justify;">LL Cool J cantó el tema principal de la película <b>"Deepest Bluest (Shark's Fin)"</b>.</div><div style="text-align: justify;">Hay varias referencias a Finlandia, país natal de Renny Harlin, en la habitación de Janice hay una pequeña bandera de Finlandia, en la pizarra de la cocina aparece escrito "panqueques filandeses", Helsinki es mencionada y si también se puede ver una botella de vodka marca Finlandia.</div><div style="text-align: justify;">El loro que usaron de mascota para el personaje de LL Cool J, no paraba de morderle la oreja al actor, quien tuvo que quitarse los pendientes porque el animal los mordisqueaba.</div></div><div style="text-align: justify;">Renny Harlin hizo storyboards de cada plano de la película.</div><div><div style="text-align: justify;">Fue la primera película que Stephen King vio tras su atropello y declaró que, <i>"disfruté cada minuto."</i></div><div style="text-align: justify;">Los tres tiburones mueren igual que los tres tiburones de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b> (1975), <b>Tiburón 2</b> (1978) y <b>Tiburón 3: El gran tiburón</b> (1983), dos de ellos mueren por una explosión y otro es electrocutado. </div></div><div><div style="text-align: justify;">Renny Harlin tiene un cameo como uno de los trabajadores de Aquatica, que vuelven a casa para el fin de semana en el barco de suministro. Un día la novia del director visitó el set y éste le sugirió que aparecieran juntos en la película a modo de broma. Al final a Harlin le gustó como quedó la toma y la dejó en la película.</div><div style="text-align: justify;">El <i>body count</i> de la película asciende a nueve muertos (sin contar tiburones ni el loro).</div><div style="text-align: justify;">Renny Harlin está trabajando en una nueva película de tiburones titulada <b>"Deep Water"</b>.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><b><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (Nº 262, 265, 266)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.mandatory.com/fun/555649-exclusive-interview-renny-harlin-on-devils-pass-hercules-3d" target="_blank">Exclusive Interview: Renny Harlin</a></b> (CraveOnline, 21 ago 2013)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.denofgeek.com/movies/renny-harlin-interview-12-rounds-die-hard-and-the-alien-3-that-never-was/" target="_blank">Renny Harlin interview: 12 Rounds, Die Hard, and the Alien 3 that never was</a></b> (Den of Geek, 27 may 2009)</div><div style="text-align: justify;"><b>'Deep Blue Sea' strives for old-fashioned horror</b> (Reading Eagle, 31 jul 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/1999/04/19/deep-blue-sea/" target="_blank">Deep Blue Sea</a></b> (Entertainment Weekly, 19 abr 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/1999/12/10/reel-stephen-king/" target="_blank">The Reel Stephen King</a></b> (Entertainment Weekly, 10 dic 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/2010/01/29/ll-cool-j-reflects-his-career/" target="_blank">LL Cool J reflects on his career</a></b> (Entertainment Weekly, 29 ene 2010)</div><div style="text-align: justify;"><b>Imágenes de actualidad</b> (Nº 185, 187)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.scoremagacine.com/Entrevistas_eng_det.php?Codigo=19" target="_blank">Interview with Trevor Rabin</a></b> (Score Magacine, 22 sep 2005)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/name/nm0005048/quotes/" target="_blank">Thomas Jane Quotes</a></b> (IMDb)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0149261/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>‘Blue Sea’ Hopes to Be Box-Office Big Fish</b> (Los Angeles Times, 26 jul 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b>Femme Fatales Magazine</b> (abr 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://lasvegassun.com/news/1999/aug/02/deep-blue-sea-star-samuel-l-jackson-goes-swimming-/" target="_blank">‘Deep Blue Sea’ star Samuel L. Jackson goes swimming with the sharks</a></b> (Las Vegas Sun, 2 ago 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b>Notas de producción</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Born to be Bad (Nacidos para ser malos)</b> (Timon Singh, 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://bloody-disgusting.com/exclusives/3678238/deep-blue-sea-screenwriter-duncan-kennedy-dives-deep-original-script-1999-movie-exclusive/" target="_blank">‘Deep Blue Sea’: Screenwriter Duncan Kennedy Dives Deep into the Original Script for the 1999 Movie</a></b> (Bloody Disgusting, 13 ago 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://twitter.com/ThePeterBriggs/status/1636332139464601604" target="_blank">Peter Briggs</a></b> (Twitter, 15 mar 2023)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.money-into-light.com/2016/04/an-interview-with-cm-carty-talkington_27.html" target="_blank">An Interview With C.M. 'Carty' Talkington</a></b> (Money Into Light, abr 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.moviemaker.com/the-art-of-cinematic-design-3296/" target="_blank">The Art of Cinematic Design</a></b> (MovieMaker, 18 sep 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://variety.com/2023/film/global/gene-simmons-production-company-renny-harlin-sharks-1235612689/" target="_blank">Gene Simmons Launches Production Company With Arclight Films Chairman Gary Hamilton</a></b> (Variey, 15 may 2023)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=0aCRqpEqxN0" target="_blank">Deep Blue Sea Kill Count</a></b> (YouTube)</div><div style="text-align: justify;"><b>Cinefantastique Magazine</b> (Vol 31 Nº 7 - ago 1999)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.vulture.com/article/samuel-l-jackson-in-conversation.html" target="_blank">In Conversation: Samuel L. Jackson</a></b> (Vulture, 20 jul 2023)</div><div><div><div style="-webkit-text-stroke-width: 0px; color: black; font-family: "Times New Roman"; font-size: medium; font-style: normal; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; margin: 0px; orphans: 2; text-align: start; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; widows: 2; word-spacing: 0px;">
</div>
</div>
</div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-65100790434724213462019-11-01T00:01:00.001-07:002023-07-12T14:19:35.290-07:00Terminator<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWykMXx12yB9iqRgDVX-kBjve9fnu2PP79bXA5Xlta_1TYjxNnXhuju8O6Ah-RkEfyxQOvgMnAnddYOpk3dNbdD5r_W3cf06xaVw9MDuYmtF9HSMFFz2AwkW1DOKP_HfkhedH1/s1600/Terminator+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="375" data-original-width="700" height="213" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgWykMXx12yB9iqRgDVX-kBjve9fnu2PP79bXA5Xlta_1TYjxNnXhuju8O6Ah-RkEfyxQOvgMnAnddYOpk3dNbdD5r_W3cf06xaVw9MDuYmtF9HSMFFz2AwkW1DOKP_HfkhedH1/s400/Terminator+01.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">"Volveré."</span></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Un cyborg es enviado desde el año 2029 a 1984 con el objetivo de matar a una mujer, que será la madre del líder de la rebelión en la guerra contra las máquinas. Un soldado es también enviado con la misión de protegerla.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">LA GUERRA DE LAS MÁQUINAS</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">James Cameron se encontraba en Roma editando su primera película, <b>Piraña II: Los vampiros del mar</b> (1981), cuando de la forma más inesperada le vino la idea que daría pie a <b>Terminator</b> (The Terminator, 1984). <i>"Estaba enfermo, en bancarrota, tenía mucha fiebre y tuve un sueño sobre esta figura de metal saliendo del fuego,"</i> recordaba Cameron. <i>"Y la conclusión era que había sido despojado de su piel por el fuego y era expuesto como lo que realmente era."</i> Cuando regresó a Estados Unidos se puso manos a la obra con el guión.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Los planes de Cameron eran mayores que los finalmente vistos en la película. Inicialmente quería incluir un terminator de acero líquido, el famoso T-1000 de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2015/07/terminator-2-el-juicio-final.html" target="_blank">Terminator 2: El juicio final</a></b> (1991). En su primera concepción de la historia, Skynet enviaba a dos terminators, un T-800 que era destruido por Reese y después llegaría el T-1000 mucho más letal. Pero el director pronto se dio cuenta que la tecnología no estaba tan avanzada como para poder llevarlo a cabo, así que aparcó la idea del terminator de acero líquido para el futuro.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Cameron había trabajado en la producción de Roger Corman, <b>Los 7 magníficos del espacio</b> (1980) encargándose de los efectos especiales y de la dirección artística, y ahí conoció a su futura mujer y colaboradora Gale Anne Hurd, que era la asistente del director de producción. Cameron le comentó su idea para la película que estaba desarrollando, la cual interesó realmente a Hurd. En aquel momento el director había escrito la mayor parte del primer borrador de <b>Terminator</b> y Hurd se involucró en el proyecto, primero ayudándole a pulir el borrador y después convirtiéndose en la productora de la película. En un gesto de colaboración, Cameron le vendió a Hurd los derechos por 1 dólar, a condición de que él dirigiría la película.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifrr5AvQHntcLrPyctrvaKKmGbzuWMoq86EZCs60SIG212gc1kd6n0Qrwd9R86v3eUKcOhQ-aj_n7i3fjj3JcIRScthnd2p7zeDjrGNoOWWddy2D8K8izUFDJGeZUXGiXhS_Pb/s1600/Terminator+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifrr5AvQHntcLrPyctrvaKKmGbzuWMoq86EZCs60SIG212gc1kd6n0Qrwd9R86v3eUKcOhQ-aj_n7i3fjj3JcIRScthnd2p7zeDjrGNoOWWddy2D8K8izUFDJGeZUXGiXhS_Pb/s400/Terminator+02.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El director de <b>Mentiras arriesgadas</b> le pidió ayuda a su amigo William Wisher para completar el guión. <i>"[Cameron] había vendido el tratamiento y tenía que escribir el guión, pero tenía poco tiempo,"</i> recordaba Wisher. <i>"Me pidió que escribiera algunas escenas basadas en su tratamiento para conseguir terminarlo a tiempo, las primeras escenas de Sarah Connor y todas las escenas policíacas y con los detectives. Así que dije ok. Escribí eso y lo ayudé a pulir algunas otras cosas." </i>El guión estuvo terminado en mayo de 1982.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Cameron y Hurd llevaron el proyecto a todos los estudios, pero estos sólo estaban interesados en comprar el guión y no en que Cameron lo dirigiese. Al final se lo ofrecieron a Orion, con quien llegaron en 1982 a un acuerdo de distribución. Fue de gran ayuda para Cameron y Hurd que en Orion tuvieran dos conocidas de los tiempos de Corman, Barbara Boyle (vicepresidenta ejecutiva de producción) y Frances Doel (ejecutiva creativa), que ayudaron a llevar adelante el proyecto. La película sería producida por John Daly bajo su productora Hemdale Film Corporation. El presupuesto se estableció en los 4 millones de dólares, los cuales se incrementaron hasta los 6,5 millones.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Orion prácticamente no interfirió en el proyecto, pero hizo dos sugerencias, una que Reese tuviera un perro cyborg (idea rechazada por Cameron) y otra que la relación entre Reese y Sarah fuera más fuerte (algo que sí aceptó el director).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">REPARTO</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Pero Mike Medavoy, director de Orion Pictures, sí puso una condición <i>sine qua non</i> para dar luz verde al proyecto, debían asociar a una gran estrella a la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Se consideró a Jürgen Prochnow, Kevin Kline, Tom Selleck y Michael Douglas para dar vida al terminator y el papel fue rechazado por Mel Gibson y Sylvester Stallone. </span>Medavoy quería a O.J. Simpson para el papel, pero Cameron no estuvo de acuerdo (siempre ha corrido el rumor que fue contratado, pero nunca llegó a tanto, el director desmintió ese mito en una entrevista al <b>Los Angeles Times</b>). Y en primavera de 1983, Medavoy le ofreció a Arnold Schwarzenegger el papel del héroe, Kyle Reese. Tras leer el guión, el austriaco estaba más interesado en dar vida al T-800. <i>"Estuve horas y horas hablando con el director, James Cameron,"</i> narraba Schwarzenegger. <i>"Contándole cómo me imaginaba al terminator, cómo le veía actuar, moverse... Al poco tiempo, Cameron me llamó diciéndome que, si tanto me gustaba, el terminator era para mí." </i>El actor recibió un cheque de 750.000 dólares por su participación en la película.</div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Schwarzenegger tenía un contrato en exclusiva por 10 años con Dino De Laurentiis, en los cuales debía realizar una película de Conan cada dos años. El actor habló con el productor para conseguir un acuerdo por el que pudiera rodar otras películas entre las entregas de Conan. De Laurentiis aceptó a cambio de que ambos siguieran haciendo entregas de Conan mientras fueran rentables y que el actor debía rodar una película de acción actual para él. Además debían rodar <b>Terminator</b> sólo después de <b>Conan, el destructor</b> (1984). Schwarzenegger tuvo que preguntarles a Cameron y Daly si podían retrasar el rodaje de <b>Terminator</b> hasta la primavera siguiente, algo que aceptaron, y eso que la producción tenía previsto comenzar el rodaje en Toronto en el verano de 1983 y tenían prácticamente todo listo para irse a Canadá. En ese impasse, Cameron aprovechó para escribir los guiones de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/03/rambo-acorralado-parte-ii.html" target="_blank">Rambo: Acorralado, parte II</a></b> (1985) y <b>Aliens</b> (1986).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Tras el fichaje de Schwarzenegger, procedieron a la contratación del resto del reparto.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpfUgrRtAvw-Mt-JzG7KZnRp_2VxleAp1hSw-N3Z9WPO2Fl0hGAIH49_Da2xhfGvTHelXchaHPFAQZdKvMSVCupNtZmdVt0VpSlc0M8pOpNBjzH04rgsfJp5hkP0fkYz_R9fjK/s1600/Terminator+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhpfUgrRtAvw-Mt-JzG7KZnRp_2VxleAp1hSw-N3Z9WPO2Fl0hGAIH49_Da2xhfGvTHelXchaHPFAQZdKvMSVCupNtZmdVt0VpSlc0M8pOpNBjzH04rgsfJp5hkP0fkYz_R9fjK/s400/Terminator+03.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Mickey Rourke, Bruce Willis y Sting fueron considerados para el papel de Reese. Pero fue Michael Biehn quien lo consiguió finalmente. El actor hizo una prueba para el papel, pero antes había realizado otra para la versión teatral de <b>"La gata sobre el tejado de zinc"</b>, y cuando leyó para Cameron lo hizo con el acento sureño de la obra Tennessee Williams, algo que casi lo deja fuera de <b>Terminator</b>, ya que los responsables de la película no querían a alguien con ese acento para el papel. Su agente les aclaró que no era su acento real y tras leer de nuevo para Cameron, el papel fue suyo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Debra Winger se hizo con el papel de Sarah Connor tras hacer varias pruebas, pero más tarde lo rechazó. Hicieron audiciones para el papel actrices tan conocidas como Rosanna Arquette, Lea Thompson (quien arruinó su audición al chocar justo antes su coche en la entrada de la casa de Cameron), Sharon Stone, Kelly McGillis, Daryl Hannah (quien prefirió irse a rodar <b>Un, dos, tres... Splash</b>) y Geena Davis. Por su parte, Carrie Fisher fue considerada. Pero el papel terminó recayendo en Linda Hamilton, siendo la otra contendiente final Jennifer Jason Leigh. Hamilton casi no pudo rodar la película porque se rompió un tobillo y los ligamientos del pie unos días antes de empezar la producción. La actriz tuvo que envolver su pierna todos los días para así estar recuperada para las escenas de persecución, las cuales se movieron al final del rodaje.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Edward James Olmos y Louis Gossett Jr. fueron considerados para interpretar al teniente Traxler, pero fue fue Paul Winfield quien se hizo con el papel. El actor reconocía que el guión le parecía realmente bueno y que, <i>"tenía el presentimiento que iba a ser una película muy popular. Sabía que iba a ser un éxito. De hecho, dije que la haría por un centavo si los productores me daban el dos por ciento de la recaudación."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Lance Henriksen se llevó el papel del sargento de policía Hal Vukovich. El actor había ayudado a Cameron a tratar de vender la película. Los diseños originales del T-800 se basaban en Henriksen, aunque nunca se planteó que lo fuera a interpretar realmente. Incluso en la reunión con Hemdale, el actor apareció caracterizado como el terminator para que todos tuvieran una idea de lo que era, Henriksen metido en el papel llegó a la reunión dando una patada a la puerta, y la impresión fue tal, que a una secretaria se le cayó la máquina de escribir en su regazo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Cameron conoció a Bill Paxton cuando lo contrató para su equipo en <b>La galaxia del terror</b> (1981), de la que era diseñador de producción. El director vio a Paxton en la película <b>Hombres de hierro</b> (1983) y cuando necesitó un reemplazo de última hora para el papel de punk en <b>Terminator</b> le llamó. El actor sólo participó dos días en la película.</span></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El resto del reparto lo formaron Bess Motta (en el papel de Ginger Ventura, la compañera de piso de Sarah), Rick Rossovich (como Matt Buchanan, el novio de Ginger), Earl Boen (interpretando el papel Dr. Peter Silberman), Dick Miller (en la piel del dependiente de la armería) y Brian Thompson (como un punk asesinado por el terminator).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">RODAJE</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El rodaje tuvo lugar entre el 8 de febrero de 1984 y el 12 de mayo del mismo año. La película se filmó principalmente en localizaciones de Los Angeles, aunque algunas escenas se rodaron fuera de la ciudad angelina, pero cerca de ella, como en Van Nuys (casa de la primera Sarah Connor), South Pasadena (restaurante donde trabaja Sarah), Little Rock (gasolinera de la escena final), City of Industry (escena de la factoría) y Huntington Park (motel donde se alojan Sarah y Reese).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrr47RNRBgO-9P1i7s2-gfqciM-NroFByqaiQXKdDcr5am4UJ1BRnOj5bjbHuloof14CTuAJyRSrEDivRgEU8Lz_RaGpA_IgYBhrMBwhvlRmgbNR-RTDkJRdr5O1eJQ4cczgBn/s1600/Terminator+16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhrr47RNRBgO-9P1i7s2-gfqciM-NroFByqaiQXKdDcr5am4UJ1BRnOj5bjbHuloof14CTuAJyRSrEDivRgEU8Lz_RaGpA_IgYBhrMBwhvlRmgbNR-RTDkJRdr5O1eJQ4cczgBn/s400/Terminator+16.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Fue un rodaje rápido y agotador, y mayormente nocturno para así mantener los bajos costes. Esa falta de presupuesto fue lo que llevó a rodar algunas escenas al estilo guerrilla, para así evitar pagar los permisos de rodaje. En una ocasión, Cameron despertó a Schwarzenegger a las 3 de la mañana y se lo llevó en una furgoneta hasta un vecindario, donde tenía todo preparado para rodar la escena en la que el T-800 roba un coche tras romper el cristal de un puñetazo. También rodaron sin permiso el plano final de la película, con Sarah Connor alejándose hacia la tormenta. En medio del rodaje de la escena apareció un coche de policía, y todo podría haber acabado muy mal, pero el supervisor de efectos especiales, Gene Warren Jr., le dijo al policía que estaban rodando el proyecto de la escuela de cine de su hijo (que estaba en el rodaje ayudando a su padre) y que estaban filmando el último plano. El policía se lo creyó y pudieron seguir rodando. En la escena no participó Linda Hamilton, ya que no estaba disponible, así que la asistente de Hurd hizo de Sarah Connor. Y el perro que la acompaña no era el de otras tomas, Hurd utilizó al perro de su madre.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Schwarzenegger trató durante el rodaje de no relacionarse con Hamilton y Biehn. <i>"Cuanta menos química, tanto mejor,"</i> reconocía el austriaco. <i>"Es decir, Dios no quiera que haya química entre una máquina y un ser humano. Así que no pensé en ellos. Era casi como si ellos estuvieran haciendo su propio drama, que nada tenía que ver con el mío."</i> Esto ayudó a fomentar la sensación de una máquina imparable a la que sólo le importa cumplir su objetivo, matar a Sarah Connor.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Las escenas de acción fueron difíciles de rodar y Schwarzenegger se entrenó durante varias semanas para enfrentarse a ellas. <i>"Todos los días trabajé con armas de fuego, cuatro semanas antes de filmar y durante las dos semanas iniciales de rodaje,"</i> declaraba el actor. <i>"Practiqué desenfundando y sacando las armas de nuevo con los ojos vendados hasta que los movimientos fueron automáticos. Pasé horas y horas en el campo de tiro aprendiendo técnicas para manejar todo un arsenal de armas diferentes, acostumbrándome a su ruido y a no parpadear."</i> <b> </b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La famosa escena del <i>"Volveré"</i>, trajo diferencias entre Cameron y Schwarzenegger. Inicialmente estaba escrito que el cyborg dijera <i>"I'll be back"</i>, pero el actor creía que <i>"I will be back"</i> sonaba más amenazante, pero Cameron se negó a cambiar lo que había escrito y se rodó como estaba en el guión.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Las escenas de Sarah como camarera al comienzo de la película fueron realmente las últimas escenas que rodó Hamilton. Tras un rodaje tan intenso y físico, los maquilladores tardaron dos horas en taparle todos los moretones que la actriz se había hecho.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Cameron y Hurd pusieron 40.000 dólares de su propio bolsillo en la película, ya que en plena post-producción, Cameron se dio cuenta que necesitaba rodar algunos planos adicionales, y no le quedó más remedio que pagarlo él mismo. Durante unos pocos días rodó el plano del T-800 entrando en el apartamento de Sarah (usaron la puerta corredera de la casa de Hurd y Cameron puso cinta adhesiva negra en los zapatos de un asistente de producción simulando ser los de Schwarzenegger), el de Reese dentro de una bolsa de cadáveres (que realmente era el portatrajes de Cameron), y el momento de la prensa aplastando la cabeza del terminator (la prensa estaba hecha de espuma y fue pintada con un spray de color plateado, y el humo que se ve en pantalla era el de un cigarrillo).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh69onZrdZb1H2tzz9a51L6uwF0ZK8jgHQa6FV3yMrWJcCURHzbGJmyVISbzw0skgIPIbQ2kcEkYiwHtrU9C4sjJ0VaVl5c2WFWObE1yafw6DMG3Ma_Ydx7oj_5rUL1SzL69CA4/s1600/Terminator+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh69onZrdZb1H2tzz9a51L6uwF0ZK8jgHQa6FV3yMrWJcCURHzbGJmyVISbzw0skgIPIbQ2kcEkYiwHtrU9C4sjJ0VaVl5c2WFWObE1yafw6DMG3Ma_Ydx7oj_5rUL1SzL69CA4/s400/Terminator+04.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Pese a tener un bajo presupuesto, la película luce unos sorprendentes efectos visuales, como no podía ser de otra forma viniendo de un experto en ese campo como es Cameron. El director quería que los efectos se hicieran principalmente en cámara, para así no excederse con el presupuesto y para ello contrató a Gene Warren Jr. de la compañía Fantasy II Film Effects como supervisor.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Uno de los efectos que dieron más quebraderos de cabeza a Warren y su equipo fue la explosión del camión cisterna. Para crearlo tuvieron que construir una miniatura del camión y de la calle, pero cuando fueron a rodar el efecto, justo antes de la explosión, el cable que tiraba del camión para moverlo, lo hizo con tanta fuerza que rompió la maqueta y el fuego la destruyó, haciendo la toma inservible. No les quedó más remedio que construir otro modelo para conseguir la toma correcta.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La aseguradora de la película había puesto como condición para financiarla que la leyenda de los efectos de maquillaje Dick Smith (<b>El exorcista</b>, <b>Starman</b>) debía unirse al proyecto. Hurd se puso en contacto con él, pero Smith le dijo que no hacía efectos de máquinas y le dio el nombre de Stan Winston.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Este sería el inicio de una larga relación entre Cameron y Winston. <i>"Se acercó a mí y él tenía el guión, pero lo más importante era que tenía los dibujos de cómo quería que se vieran las cosas,"</i> recordaba Winston. <i>"Sabía lo que había que hacer para lograr esa apariencia. Nunca antes había trabajado con un director que tuviera esa clase de conocimiento sobre mi trabajo."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Winston y su equipo construyeron un endoesqueleto real y funcional para el T-800. Y se creó la mitad de otro para los planos de cintura para arriba y que iba montado sobre los hombros de un miembro del equipo de Winston.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Y para los planos del T-800 en movimiento de cuerpo entero, se tuvo que recurrir al <i>stop-motion</i>. Para ello se construyó una maqueta a escala 1:3 del endoesqueleto y para hacer creíble que tenía vida se usaron desenfoques (aplicando vaselina en la lente) y movimientos de cámara.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">También crearon efectos de maquillaje protésicos para Schwarzenegger que mostraban los daños que iba sufriendo el T-800. Esto no hizo nada fácil el trabajo del actor, ya que cuando se ponía el ojo rojo del terminator, el cable que lo hacía encenderse se calentaba hasta quemarle.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjv72ERTr70vjkNyWxXybSt5Yu9sC1bG0Kcg6ZRQZMB-NOOWZLVLI-BvytW6m4b4p9lodB_8v-IdV-hLjHrTeDsFr42ap5SuQ_HccvjL0OO3wLnD2mM5OR6ZbgYOrhWKdr9Unxe/s1600/Terminator+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjv72ERTr70vjkNyWxXybSt5Yu9sC1bG0Kcg6ZRQZMB-NOOWZLVLI-BvytW6m4b4p9lodB_8v-IdV-hLjHrTeDsFr42ap5SuQ_HccvjL0OO3wLnD2mM5OR6ZbgYOrhWKdr9Unxe/s400/Terminator+05.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">En el verano de 1984, se hizo un pase de prueba para los ejecutivos de Orion y a estos no les gustó la película. <i>"Medavoy fue muy negativo,"</i> recordaba Cameron. <i>"Fue prácticamente lo contrario a un servicial y comprensivo ejecutivo. Nunca entendió la película."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><b>Terminator</b> apenas fue promocionada por Orion, la distribuidora se centró en promocionar <b>Amadeus</b> (1984), que terminaría ganando el Oscar. <i>"Cameron se volvió loco,"</i> recordaba Schwarzenegger. <i>"Le suplicó al estudio que ampliara la promoción e hiciera un mayor despliegue antes del estreno de la película."</i> Pero desoyeron al director y la condenaron a ser simplemente una película de ciencia ficción de serie B, diciendo que este tipo de películas sólo duraban en taquilla dos semanas. El panorama era desolador para todos. <i>"Cuando se estrenó se suponía que debíamos ir a Nueva York para la prensa,"</i> afirmaba Hamilton. <i>"Y en el último minuto fui desinvitada porque a nadie le interesaba realmente".</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Pese a tener todo en contra, la película fue un éxito, sobre todo teniendo en cuenta su bajo presupuesto. Recaudó en mercado norteamericano 38.371.200 de dólares y en el resto del mundo otros 40.000.000 de dólares.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Una vez estrenada, la película tuvo que enfrentarse a la amenaza de demanda por parte del escritor de ciencia ficción Harlan Ellison, quien alegaba que Cameron había plagiado una historia escrita para la serie <b>The Outer Limits</b>, correspondiente al episodio <b>"Soldier"</b>. Ellison nunca llegó a presentar formalmente una demanda y se llegó a un acuerdo fuera de los tribunales. Según ese acuerdo en las copias posteriores de la película debía incluirse un crédito para Ellison y además éste recibió una suma de dinero nunca revelada como compensación. Este incidente incómodo a Cameron, quien alegaba que Ellison era un oportunista. <i>"Esperaba que Hemdale y Orion pelearan por mis derechos, pero me abandonaron,"</i> recordaba el director. <i>"La compañía de seguros me dijo que si no aceptaba el acuerdo, vendrían a por mí por los daños si ellos perdían el pleito. No tenía dinero en ese momento, así que no tuve más remedio que aceptar el acuerdo."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">ESCENAS ELIMINADAS</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Algunas escenas se quedaron en la mesa de montaje, pero gracias al DVD y al Blu-ray de la película podemos descubrir ese metraje cortado por Cameron. Es el siguiente:</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">1. Sarah abre su taquilla en el Big Jeff's Restaurant y sonríe al espejo. Cameron cortó la escena porque no la consideró necesaria.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVFADqO5LtSI07eDVBVgdUXlbOo8XFq_PwGv4cqm6QYA2iMgELJRhW2SFe_t4h5XjhR-AwEFgv_bgo1-aXxbeSQhaWLKpQc3N8GvwVjp67uF5CEp5tfmoRnCCBGHioJWQAwts-/s1600/Terminator+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="208" data-original-width="700" height="118" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVFADqO5LtSI07eDVBVgdUXlbOo8XFq_PwGv4cqm6QYA2iMgELJRhW2SFe_t4h5XjhR-AwEFgv_bgo1-aXxbeSQhaWLKpQc3N8GvwVjp67uF5CEp5tfmoRnCCBGHioJWQAwts-/s400/Terminator+06.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif" style="text-align: justify;">2. El T-800 mata a la primera Sarah Connor y se sube tranquilamente a su coche mientras toda la gente del barrio huye corriendo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJFgq-OMMCT_fffF-Kq-acsKXDR1x1IfLxf1srBkByC8u4Vg0Hk3DaKM5O-_2MC827iwnXNbMo3ouPM1AmXhd5IVqyfdvVG6uug7VMuROTmFOO29rv7SWMChX0ebYXP2o1R-H2/s1600/Terminator+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="208" data-original-width="700" height="118" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJFgq-OMMCT_fffF-Kq-acsKXDR1x1IfLxf1srBkByC8u4Vg0Hk3DaKM5O-_2MC827iwnXNbMo3ouPM1AmXhd5IVqyfdvVG6uug7VMuROTmFOO29rv7SWMChX0ebYXP2o1R-H2/s400/Terminator+07.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif" style="text-align: justify;">3. Se muestra más metraje de los policías Traxler y Vukovich. Hay pequeños cortes, que nos muestran a ambos subiéndose a un coche camino del Tech Noir, el inicio de la persecución, y su regreso a la comisaría. Allí Vukovich toma por loco a Reese, y Traxler dice que espera que tenga razón. Y en el último corte, Reese y Sarah se encuentran con Traxler, quien está herido y sabe que va a morir, ahora cree en la historia de Reese y le da su pistola.</span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0E2Ri4jY4k-BPzaq0tRejk1bkyCbqXvF4-WwhACibJyBl3N3u-6nxfi8ALNuGGBnVOvn8zjdczlIYus1nYCVZkqnaWUx3bbB26gKdbGOEAmipeZbAnIUPTEQ63A9Mso9eag-o/s1600/Terminator+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="411" data-original-width="700" height="233" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0E2Ri4jY4k-BPzaq0tRejk1bkyCbqXvF4-WwhACibJyBl3N3u-6nxfi8ALNuGGBnVOvn8zjdczlIYus1nYCVZkqnaWUx3bbB26gKdbGOEAmipeZbAnIUPTEQ63A9Mso9eag-o/s400/Terminator+08.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif" style="text-align: justify;">4. Después de llamar a su madre, Sarah busca Cyberdyne Systems en la guía telefónica. Coge la página y le dice a Reese que deben ir allí para destruir el lugar, y así cambiar el futuro. Reese le dice que no es su misión. Ambos discuten y ella se escapa corriendo perseguida por Reese. Él la alcanza y tras pelear, Reese la apunta con su pistola, pero termina desmoronándose y rompe a llorar mientras le dice a Sarah como se siente por estar en el pasado. La idea de la destrucción de Cyberdyne sería el argumento de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2015/07/terminator-2-el-juicio-final.html" target="_blank">Terminator 2: El juicio final</a></b>.</span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf-yGyAC95ZN4vS2NBmF4NLvEkCocT2Ed370skmtxG6lBPhOYYX57jC8p3fAfD6hw5xIEUJuLUaJAVWmFY_77qpQXCLi-2H54pH33LCTyqlT-XWKFP_lXBC9ok1pGYV-38x2Ig/s1600/Terminator+09.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="411" data-original-width="700" height="233" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgf-yGyAC95ZN4vS2NBmF4NLvEkCocT2Ed370skmtxG6lBPhOYYX57jC8p3fAfD6hw5xIEUJuLUaJAVWmFY_77qpQXCLi-2H54pH33LCTyqlT-XWKFP_lXBC9ok1pGYV-38x2Ig/s400/Terminator+09.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif" style="text-align: justify;">5. Mientras fabrican bombas, Sarah le dice a Reese lo que quiere hacer con él una vez acabe todo.</span>
<br />
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0yl-WOnOQTmA-X2OXZxuHIX3BDqwoIZi5EBEYXwUJD3OErJw0Yk1F5sRbIiRMeJH69L5xCHH3boZ4i9H5MpAWB5rNZ7QvFC4zohrXryzNo8AzIWImxCND2NpRu_IH5aKxGVFO/s1600/Terminator+10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="208" data-original-width="700" height="118" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi0yl-WOnOQTmA-X2OXZxuHIX3BDqwoIZi5EBEYXwUJD3OErJw0Yk1F5sRbIiRMeJH69L5xCHH3boZ4i9H5MpAWB5rNZ7QvFC4zohrXryzNo8AzIWImxCND2NpRu_IH5aKxGVFO/s400/Terminator+10.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif" style="text-align: justify;">6. Después de haberse acostado juntos, Sarah le hace cosquillas a Reese.</span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS3MrIiO3eVSN4sMy_rdd1W146uO0pzgOM6AhUSgA1jt9Xe5DvEuGzP4uRSvWHFnDUVjmaTaeOZHIYY8AYDR9MaiyysDS14ngQ-_qDawg4dx9_hhp-hAndvN3D1BTgB2vEnZXk/s1600/Terminator+11.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="208" data-original-width="700" height="118" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhS3MrIiO3eVSN4sMy_rdd1W146uO0pzgOM6AhUSgA1jt9Xe5DvEuGzP4uRSvWHFnDUVjmaTaeOZHIYY8AYDR9MaiyysDS14ngQ-_qDawg4dx9_hhp-hAndvN3D1BTgB2vEnZXk/s400/Terminator+11.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif" style="text-align: justify;">7. Un técnico encuentra un chip del T-800 y se lo da a su asistente para que lo lleve a I+D. Sarah es llevada a una ambulancia y se revela que el edifico en el que el terminator fue destruido es Cyberdyne Systems, compañía que creará a Skynet. Lo que produce una paradoja temporal.</span>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizTIBwxjHaxxaSMXpWwqmpG9V49gX_xghjLhOhGVxMKjyvEy52cDpXQDwUwja39gROxnhyphenhyphenN0L4cMgoF8Ua1o8F7PnaB_9Dx_gHpy6T0AUFWxtdt4GEMkofLheEKZ_VMozakViU/s1600/Terminator+12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="411" data-original-width="700" height="233" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizTIBwxjHaxxaSMXpWwqmpG9V49gX_xghjLhOhGVxMKjyvEy52cDpXQDwUwja39gROxnhyphenhyphenN0L4cMgoF8Ua1o8F7PnaB_9Dx_gHpy6T0AUFWxtdt4GEMkofLheEKZ_VMozakViU/s400/Terminator+12.jpg" width="400" /></a></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<br /></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">VALORACIÓN</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Aquella pequeña película de 1984 es hoy día todo un clásico, y es que <b>Terminator</b> es una película de serie B con ambición de serie A. Se nota el talento de Cameron desde el primer plano, alguien que llegaría muy lejos y revolucionaría los géneros de la ciencia ficción y la acción. Ya demuestra aquí ser un gran narrador. Hay algunas elipsis que me vuelven loco, como esa en la que Reese busca el nombre de Sarah en la guía de teléfonos y cuando lo encuentra, justo en el siguiente plano aparece ella. O esa otra del sueño de Reese con el futuro que pasa de una grúa en una obra a las ruedas oruga de un robot, en un solo cambio de plano nos hace viajar varios años en el tiempo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Hay que reconocer que éste es el mejor guión que ha escrito el canadiense en toda su carrera. Si bien muestra un atractivo futuro post-apocalíptico con la lucha entre hombres y máquinas, lo mejor son sus sorprendentes giros y lo sumamente original que es la propuesta. Hábilmente juega a que no sepamos que traman Biehn y Schwarzenegger en su llegada al presente, algo que se resuelve en el club TechNoir (con un acertadísimo uso de la cámara lenta). Puede que ambos sean unos asesinos, ya que aunque presenciamos el asesinato de la primera Sarah Connor a manos del T-800, no sabemos quien asesinó a la segunda. Eso le da un toque extra de tensión a la historia. Otra idea brutal es que John Connor envíe a su propio padre al pasado para proteger a su madre, creando así una paradoja temporal. Que el terminator se haga pasar por la madre de Sarah imitando su voz, es una genial idea de lo más inesperada. Pero el mejor momento de la película es cuando descubrimos en el epílogo, que la persona en la que estaba pensado Sarah cuando le sacan la foto que porta Resse, es en él. El final perfecto para una gran película.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigVn4o3fhh4OkdPTLJygwZN9juR80-Rt2VeGMsEdrI_oXjVjVpQQV4qc_wt_onRdu77A2mVHVFEmQbF3N4YN-S8skdjz0AZ9syTPD8axnhHi80lKtJgMkPTSk1LLHD-iNqzmm7/s1600/Terminator+13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEigVn4o3fhh4OkdPTLJygwZN9juR80-Rt2VeGMsEdrI_oXjVjVpQQV4qc_wt_onRdu77A2mVHVFEmQbF3N4YN-S8skdjz0AZ9syTPD8axnhHi80lKtJgMkPTSk1LLHD-iNqzmm7/s400/Terminator+13.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El ritmo de <b>Terminator</b> nunca desfallece y no da un respiro al espectador. Cameron sitúa la historia en tan solo un día, aconteciendo el grueso de la misma de noche, lo que por un lado le da un gran ritmo a la película y al mismo tiempo crea una atmósfera opresora.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Podemos ver la película como unos de esos slashers tan populares en los 80. El T-800 es un asesino implacable y casi indestructible cual Jason Voorhees o Michael Myers, que mata a mujeres una tras otra, hasta que se encuentra con toda una <i>final girl</i> como Sarah Connor, quien le da su merecido. Incluso hay momentos que parecen sacados de una película de terror, como el ataque del T-800 al apartamento de Sarah o cuando mata a un punk atravesándole el estómago con su brazo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La escena de la masacre en la comisaria sigue siendo una locura a día de hoy, desde que el T-800 suelta el mítico<i> "Volveré"</i>, presenciamos una de las escenas de acción más impresionantes que se recuerdan, cargada de una gran violencia. La escena tiene a su vez su cometido dentro de la historia, hacernos ver que el cyborg no se detendrá ante nada por cumplir su misión.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Y es que todo tiene sentido en la historia y todo encaja. Como buena muestra, la escena de sexo, que justifica que Reese sea el padre de John Connor. Y es que además la película posee una gran historia de amor, Reese viaja en el tiempo porque está enamorado de Sarah, ya antes de conocerla, y juntos sólo pasan una noche, pero que vale más que una vida entera.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTP-_skU7EDP1MQ50pXoJ6Gk3Lh99FjHP9tkBqGvmE3Xsz2xF6CTrOuIS3x0b7qN49ClkffrDeNpvMmXYrzGvzyoX9vomQ5-jEoQXxfOqjbAf3wscn7udbWyKhzgi50_BUQxGP/s1600/Terminator+14.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhTP-_skU7EDP1MQ50pXoJ6Gk3Lh99FjHP9tkBqGvmE3Xsz2xF6CTrOuIS3x0b7qN49ClkffrDeNpvMmXYrzGvzyoX9vomQ5-jEoQXxfOqjbAf3wscn7udbWyKhzgi50_BUQxGP/s400/Terminator+14.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Schwarzenegger nació para interpretar al terminator, su impresionante forma física ayudan a hacer más amenazantes cada una de sus apariciones. Además el austriaco se mimetiza a la perfección con un robot, haciendo creíble que es el asesino perfecto.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Linda Hamilton sabe transmitir el peso que recae sobre su personaje, quien descubre que el destino de toda la humanidad depende de ella. La película plantea a través de su personaje lo que es vivir sabiendo que se conlleva una gran responsabilidad.</span></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Memorable es también la potente banda sonora de Brad Fiedel, quien se superaría a si mismo en la segunda parte.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAQe9lyD9_PbAOTxgqDIr9KNV-Hm4DzLwc_xkKqk0sCSBm3Z-OAgW9HG9ie2Bt18pvAx1xxuk74dZ5szPmmNgeMFBXiNJoO9aCxGkkiEaP3r9V4dwep_VYedVOCHVs9npNqaBP/s1600/Terminator+15.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="374" data-original-width="700" height="212" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAQe9lyD9_PbAOTxgqDIr9KNV-Hm4DzLwc_xkKqk0sCSBm3Z-OAgW9HG9ie2Bt18pvAx1xxuk74dZ5szPmmNgeMFBXiNJoO9aCxGkkiEaP3r9V4dwep_VYedVOCHVs9npNqaBP/s400/Terminator+15.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Por mucho que <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2015/07/terminator-2-el-juicio-final.html" target="_blank">Terminator 2: El juicio final</a></b> siempre se haya llevado el mérito como la mejor película de la saga, siempre he creído que la primera parte es mejor, aquí ya está todo (los viajes en el tiempo, la guerra entre hombres y máquinas en el futuro, dos enviados al pasado con diferentes misiones, la fuga continua siendo perseguido por un cyborg, la acción desenfrenada, el destino de la humanidad en manos de una persona, etc), la segunda parte sólo lo llevó más lejos con mucho más presupuesto. Pero lo que me gusta de <b>Terminator</b> son sus ideas, que hacen más que cualquier efecto visual grandilocuente. La película respira gusto por la buena ciencia ficción y resulta una experiencia inolvidable. Hoy día es ya un icono. Era la carta de presentación de un director que nos daría muchas alegrías, alguien que como su terminator, resultó ser una máquina imparable a la hora de cosechar éxitos. Y ésta es una de sus mejores películas. El terminator volvió una y otra vez, pero nunca fue tan memorable como su primera aparición.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
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<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">CURIOSIDADES</span></b></div>
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<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Con sus 107 minutos de duración es la película más corta de la saga Terminator.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Según Michael Biehn, fue un doble quien rodó el momento en el que Kyle Reese cae sobre el asfalto cuando llega al presente.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Está incluida en el libro <b>"1001 películas que debes ver antes de morir"</b> de Steven Jay Schneider.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Nunca se refieren al terminator como T-800 en toda la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Sarah Connor tiene 18 años, por su parte Linda Hamilton tenía 27 cuando rodó la película. Kyle Reese tiene 21 años mientras que Michael Biehn tenía 27.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Al principio de la película el terminator aplasta un camión de juguete, al final de la película el cyborg es atropellado por un camión del mismo modelo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Peter Kent fue contratado para hacer la película poco después de llegar a Hollywood y terminó haciendo de doble de Arnold Schwarzenegger en las escenas de riesgo, aunque nunca había hecho trabajos de especialista antes. Kent se convirtió en el doble de Schwarzenegger durante gran parte de su carrera.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La voz del contestador de Sarah Connor que cancela una cita con ella es la de James Cameron.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Wolfie, el perro de James Cameron, puede vérsele en el Tiki Motel.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Tardaron seis meses en construir el animatronic de la cara de Schwarzenegger.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">William Wisher, guionista de la película, tiene un cameo como el oficial de policía al que el terminator roba el coche tras la escena del callejón.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La inicial del segundo nombre de Sarah en "J", puede verse en la guía telefónica, pero nunca es revelado en esta película ni en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2015/07/terminator-2-el-juicio-final.html" target="_blank">Terminator 2: El juicio final</a></b> (1991).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El terminator que se infiltra en el campamento humano en la secuencia del sueño de Resse es Franco Columbu, amigo de Schwarzenegger, que ha trabajado en muchas de sus películas.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La primera escena que rodó Schwarzenegger fue aquella en la que el T-800 busca a Sarah en el garaje conduciendo un coche de policía.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Tony Banks, teclista del grupo Genesis, fue considerado para componer la banda sonora de la película, pero estaba ocupado con la partitura de <b>Droides</b> (1984) y no pudo hacerse cargo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El T-800 es el único personaje que aparece en la lista de 100 héroes y villanos del "American Film Institute" tanto en la lista de héroes (por <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2015/07/terminator-2-el-juicio-final.html" target="_blank">Terminator 2: El juicio final</a></b>) como en la de villanos (por <b>Terminator</b>).</span></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Según Schwarzenegger, se rodó una escena descartada del montaje final, en la que el T-800 tras ver un anuncio de cerveza, bebía una y se caía al suelo rodando.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El T-800 sólo dice 17 frases en toda la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El nombre del club nocturno en el que el T-800 trata de matar a Sarah se llama "Tech Noir", género con el que Cameron acuñó a <b>Terminator</b>. El director hizo construir el local a propósito para el rodaje y muchas personas trataban de entrar en él al creer que era un club real.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Se necesitaron 26 tomas para captar correctamente el momento en el que Reese lanza una granada al pie de una de las máquinas de Skynet.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El body count de la película asciende a 34 muertos, incluido el terminator.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El camión cisterna que aparece en el clímax de la película, lleva escrito el logo "J and G", el cual es una referencia a James Cameron y Gale Anne Hurd.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El popular "clank" de la banda sonora fue compuesto por Brad Fiedel golpeando un micrófono con una sartén de hierro fundido.</span></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Al agente de Cameron no le gustó la idea que éste había concebido para <b>Terminator</b>, y le sugirió que trabajara en otra cosa. Por esa razón el director lo despidió.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">En la escena del callejón, cuando el T-800 rompe de un puñetazo el parabrisas del coche de Sarah y Reese, se utilizó un brazo hidráulico, siendo la escena perfectamente coreografiada para que pareciera hecho por el auténtico brazo de Schwarzenegger.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La revista Time la situó en su lista de las 10 mejores películas de 1984.</span></div>
</div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Durante una pausa del rodaje, Arnold Schwarzenegger fue a un restaurante del centro de Los Angeles para almorzar y no se dio cuenta que iba todavía caracterizado como el T-800 con un maquillaje que mostraba la mandíbula expuesta, un ojo perdido y la carne quemada.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La mira láser de la pistola que utiliza el T-800 fue construida expresamente para la película, y no funcionaba como se ve en la película, como por aquel entonces las baterías que utilizaban eran bastante grandes, ocultaron el cable debajo de la manga de Schwarzenegger.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">En la escena en la que el T-800 se extrae un ojo dañado, aunque la cabeza del terminator es un animatronic, las manos que se ven son las de Schwarzenegger.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Michael Biehn es mordido en la mano por Sarah, lo mismo que le sucede al actor en <b>Aliens</b> (1986) y <b>Abyss</b> (1989). Todas dirigidas por James Cameron.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Éste fue el primero de muchos papeles del actor Stan Yale como vagabundo. Es quien grita, <i>"Ese desgraciado me ha robado los pantalones."</i></span></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Aunque en el momento de rodarse la película ya existía el sonido estéreo, el bajo presupuesto de la misma hizo que se grabara con sonido mono.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El popular <i>"Volveré"</i> ocupó el puesto 37 del top 100 de frases de cine del "American Film Institute". Y ocupó el número 95 de la lista de "Las 100 mejores frases de cine" de Premiere.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">En el tratamiento original de Cameron había varias ideas que fueron descartadas posteriormente. Una de ellas era que Sarah Connor tenía unos clavos quirúrgicos en la pierna debido a una vieja lesión de patinaje y el T-800 le corta las piernas a las otras Sarah Connor para descubrir si se trata de la correcta. Otra escena mostraba como el terminator robaba al comienzo de la película un coche a una anciana. E inicialmente Cameron había previsto que el T-800 tuviera que comer periódicamente para mantener fresca su carne humana, llegando en una escena a comerse una barrita de caramelo con envoltorio incluido.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Durante la persecución final, antes de cada explosión puede verse un fogonazo blanco, el cual es un truco del editor Mark Goldblatt, quien empalmó un fotograma de ese color para potenciar las explosiones. Cameron utilizaría el mismo truco en <b>Aliens </b>(1986).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Como debía afeitarse las cejas para simular las consecuencias de las quemaduras que sufre el T-800 en la escena del callejón, Schwarzenegger las aseguró en la Lloyd's of London.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Fue idea de Michael Biehn que Reese se enfade y comience a gritar durante el interrogatorio del Dr. Silberman.</span></div>
</div>
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<div style="-webkit-text-stroke-width: 0px; color: black; font-family: "Times New Roman"; font-size: medium; font-style: normal; font-variant-caps: normal; font-variant-ligatures: normal; font-weight: 400; letter-spacing: normal; margin: 0px; orphans: 2; text-align: start; text-decoration-color: initial; text-decoration-style: initial; text-indent: 0px; text-transform: none; white-space: normal; widows: 2; word-spacing: 0px;">
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Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com19tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-85116418715083200312021-03-15T10:44:00.005-07:002023-07-06T14:43:22.375-07:00Cara a cara<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiR6Y4Z49l6RxPt6IVJDkr5rlQ-eT3kVrVpk0arIispwM0ZKs9xwSw_upLi6Fb0L1OYMZqXcTdj1HMAyPBzHt7G2w9qdLrAXPUrpAjrJE6vempPXh13uhZCEaZn4OveNigGrxDp/s635/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="477" data-original-width="635" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiR6Y4Z49l6RxPt6IVJDkr5rlQ-eT3kVrVpk0arIispwM0ZKs9xwSw_upLi6Fb0L1OYMZqXcTdj1HMAyPBzHt7G2w9qdLrAXPUrpAjrJE6vempPXh13uhZCEaZn4OveNigGrxDp/w400-h300/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+01.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><i><span style="font-family: arial;">"Puedo estar horas comiendo una perita."</span></i></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div></span><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Para descubrir el emplazamiento de una bomba, un agente del FBI se somete a un trasplante de cara para asumir la identidad de un terrorista, con lo que no contaba, es que éste se despertaría de su coma y ocupase su lugar.</span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><span style="color: red;">Antes de empezar el artículo, quiero agradecer la ayuda prestada por el guionista y productor de </span><b><span style="color: red;">Cara a cara</span> </b><a href="https://twitter.com/MichaelColleary" target="_blank">Michael Colleary</a><span style="color: red;">, con quien pude contactar, y que tuvo la amabilidad de responder a todas mis preguntas. Michael aclaró muchas de las dudas que tenía sobre la producción, y de paso, me contó un sinfín de anécdotas sobre ella, con todo lujo de detalles. Por su ayuda, paciencia y amabilidad, le estoy enormemente agradecido.</span></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: arial;">TRAVOLTA VS CAGE</span></b></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El fin de semana del día de la Independencia de 1990, Michael Colleary y Mike Werb, compañeros de UCLA, comenzaron a escribir el guión de <b>Cara a cara</b> (Face/Off, 1997), que daría pie a una de las más recordadas películas de acción de los noventa, y cuyo origen vino de una serie de confluencias. <i>"Vimos <b>Al rojo vivo</b> (1949) en una vieja sala de cine, y nos inspiramos bastante en cierta secuencia de ella,"</i> explicaba Werb. <i>"Estábamos pensando en hacer una historia ambientada en una prisión del futuro. El amigo de un amigo mío había tenido un accidente de vuelo en ala delta, y tuvieron que quitarle toda la cara, reconstruir todos sus huesos y tejidos, y luego volver a ponérsela. Pensamos que si eso puede suceder, ¿por qué no intercambiarla con otro? Además, estábamos hartos de todas las películas de acción, que mostraban al chico malo como un psicópata risueño empeñado en conquistar el mundo. Pensamos: '¿Por qué no puede haber una película en la que el malo sea tan interesante como el bueno?' A partir de ahí, derivó en: '¿Qué pasa si se convierten el uno en el otro?' Y desde allí nos preguntamos cómo podríamos hacerlo. Había muchas opciones, el vudú entre ellas, pero queríamos que fuera lo más real, enfermizo y psicológico posible. Una vez llegamos a ese punto, nos preguntamos: '¿Qué haría que este tipo se mutilara así? ¿Con qué estaría tan obsesionado?' Fue entonces cuando surgió la idea de la muerte de su hijo, y una vez que tuvimos eso, sólo tomó unos cinco días planificar toda la película."</i></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">En 1991, uno de los ejecutivos de Joel Silver, convenció a la Warner Bros para que comprara una opción sobre el guión durante 18 meses, a cambio de poco más de 100.000 dólares. A diferencia de la película finalmente realizada, el guión original era una historia de ciencia ficción (que incluía coches voladores). Warner tuvo problemas con la escena en la que Castor se acuesta con la mujer de Archer llevando su cara, pero los guionistas se mantuvieron en sus trece y no la eliminaron, ya que consideraban que era crucial para no romper el núcleo emocional de la película.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">En 1992, Joel Silver le ofreció dirigir la película a John Woo, quien aún no había debutado en el cine americano con <b>Blanco humano</b> (1993), pero que gozaba de fama por sus films en Honk Kong. El director asiático rechazó la oferta dada la carga de ciencia ficción en la historia. <i>"El primer borrador fue frustante,"</i> explicaba Woo. <i>"Le dije al estudio que me encantaba el concepto, pero quería más personajes, más humanidad. Si hay demasiada ciencia ficción, perdemos el drama."</i></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La película nunca llegó a materializarse en Warner, según Werb porque el estudio estaba desarrollando al mismo tiempo <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/08/demolition-man.html" target="_blank">Demolition Man</a></b> (1993), otra producción de Silver, y encontraban ambas películas muy similares, al final se decantaron por el film de Stallone, y <b>Cara a cara</b> quedó aparcada. Después de un tiempo, a finales de 1992, expiró la opción de Warner sobre el guión, y New Line, Columbia y Paramount trataron de hacerse con el proyecto. Fue el productor David Permut quien se llevó el gato al agua, y de esa forma el proyecto pasó a desarrollarse en Paramount. En ese punto, entraron también Michael Douglas y Steve Reuther como productores ejecutivos, a través de su compañía Douglas/Reuther Productions, que se encontraba en Paramount. Douglas nunca tuvo interés en participar como actor, sólo ejerció como productor, pero fue crucial para conseguir que el proyecto saliera adelante, siendo el enlace principal con Sherry Lansing, presidenta de Paramount.</span></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTfN3AC-I_LGQV8Gf9d8VQYhgL3y4tfqiA15snln2USvHnGDt4RFZld89Z2AGdDUQcV-Z3csclQDHFkRLJMfTgTwJfFsGqqIVXzbtVMYnJyIwGbH6FkgKFKHHNlKDWTA6sAPdg/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="239" data-original-width="550" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiTfN3AC-I_LGQV8Gf9d8VQYhgL3y4tfqiA15snln2USvHnGDt4RFZld89Z2AGdDUQcV-Z3csclQDHFkRLJMfTgTwJfFsGqqIVXzbtVMYnJyIwGbH6FkgKFKHHNlKDWTA6sAPdg/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+02.jpg" width="400" /></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Con el paso del tiempo, </span><span style="font-family: arial;">Colleary y </span><span style="font-family: arial;">Werb decidieron reescribir el guión para centrarlo más en los personajes, y menos en los elementos de ciencia ficción, que además hubiera encarecido mucho la producción. <i>"</i></span><span style="font-family: arial;"><i>Demasiado caro, demasiado molesto, y sin ventajas,"</i> </span><span style="font-family: arial;">explicaba Colleary.</span><span style="font-family: arial;"> <i>"La historia funcionaría mejor ambientada sólo en cinco minutos en el futuro."</i></span><span style="font-family: arial;"> Douglas era de la misma opinión, y con su apoyo reescribieron el guión como un thriller psicológico (el actor llegó a darles notas a los guionistas principalmente sobre los personajes), que sería uno de los muchos borradores (más de treinta), que se realizarían durante 6 años, hasta que comenzó a rodarse la película.</span></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Le ofrecieron el proyecto a Rob Cohen, pero tras un tiempo trabajando en él, se fue a rodar <b>Dragonheart</b> (1996). Una de sus ideas era que al final de la película, Archer y Castor unieran fuerzas para desarmar la bomba que había puesto el segundo. Idea que fue descartada.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Colleary y Werb (también co-productores de <b>Cara a cara</b>) habían conocido a Woo en una proyección de <b>Blanco humano</b> en 1993, gracias a Sam Raimi, productor del film, quien se lo presentó. Ambos creyeron Woo era el director ideal para su película, y tras la salida de Cohen se reunieron con él a principios de 1995, gracias a que Woo y Werb tenían la misma agencia (William Morris). El director tenía sus oficinas en la Fox, donde se encontraba trabajando en <b>Broken Arrow: Alarma nuclear</b> (1996). Le ofrecieron dirigir la película, y pese a que Woo les dijo que, <i>"<b>Cara a cara</b> es el mejor guión de acción que he leído"</i>, su compromiso con la película protagonizada por John Travolta y Christian Slater, le impidió aceptar.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">A finales de 1995, Marco Brambilla (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/08/demolition-man.html" target="_blank">Demolition Man</a></b>) fue le siguiente director asignado al proyecto, quien quería un elenco más joven del inicialmente previsto. Nicolas Cage estaba interesado en trabajar en la película, pero el estudio sólo lo permitiría, si Johnny Depp asumía el otro rol principal. Paramount trataba de convertir a Depp en una estrella del cine comercial, y el primer paso para ello fue darle el papel protagonista de <b>A la hora señalada</b> (1995). Michael Douglas lo visitó en el set de esta película para tratar de convencerle, pero al final el protagonista de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2016/12/eduardo-manostijeras.html" target="_blank">Eduardo Manostijeras</a></b> rechazó participar en la película, pero por una razón de lo más absurda, cuando leyó el título del guión, <i>"pensó que la película era sobre hockey,"</i> contaba Colleary (face-off es un saque neutral en este deporte). La salida de Depp hizo que Brambilla también se fuese, ya que sus ideas sobre el reparto no encajaban. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">En 1995, tras la salida de Brambilla, Douglas y Reuther le ofrecieron el proyecto de nuevo a John Woo, justo antes que terminase <b>Broken Arrow</b>. Las conversaciones avanzaron de forma positiva, y Woo tuvo una reunión en Vancouver, donde estaba rodando para televisión <b>Matar a un ladrón</b> (1996), con Douglas, Reuther, Colleary, Werb y John Goldwyn (el jefe de producción de Paramount). En esa reunión, aceptó hacerse cargo de la película, a la tercera fue la vencida, pero puso la condición de reducir al mínimo las dosis de ciencia ficción de la historia. <i>"Aprendí una lección de <b>Broken Arrow</b>,"</i> explicaba el director. <i>"Donde gastamos tanto tiempo y dinero en todos los efectos especiales, que no quedaba mucho tiempo para el drama. Sugerí que elimináramos el 90% de los efectos especiales y nos centráramos más en la historia y los personajes, sobre todo porque teníamos grandes actores. Quería hacerlo más real y humano, y hacer retroceder el tiempo casi hasta el presente. Y lo aceptaron, lo que me hizo sentir genial, porque eso significaba que podía volver a mi propio estilo." </i>Básicamente Woo declaró por activa y por pasiva, que fue idea suya reducir las dosis de ciencia ficción del guión, pero si bien es cierto que rechazó el guión la primera vez (en 1992) cuando éste era de pura ciencia ficción, Colleary y Werb realmente no tuvieron en cuenta sus ideas de reducirlas, en el guión que le entregaron en 1995 ya se había eliminado prácticamente todo rastro del relato futurista original, pero seguramente el director creyó que lo habían tenido en cuenta, y de ahí sus declaraciones.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Woo se trajo a su socio de producción, Terence Chang, quien se convirtió en uno de los productores de la película.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El director de <b>Paycheck</b> trabajó con los guionistas, sobre todo para, <i>"hacer a los personajes más fuertes, más específicos, más auténticos,"</i> contaba Colleary. Se hicieron algunos cambios en el guión. Por ejemplo, les pidió que idearan algo espectacular para el final de la película, Colleary y Werb le presentaron muchas ideas, pero ninguna parecía ser del agrado del director, hasta que se les ocurrió incluir una persecución de lanchas, y ahí dieron la diana. Woo había planeado una para <b>Blanco humano</b>, pero que no pudo llevarla a cabo, y se había quedado con las ganas. Dicho y hecho, <b>Cara a cara</b> tendría una impresionante persecución como clímax.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La escena de la muerte del hijo de Archer estaba pensada inicialmente como un flashback a mitad de película, pero después los dos Mikes decidieron que era mejor comenzar la película con ella, algo que Woo apoyó. Y el director también fue fundamental para mantener el final deseado por los guionistas, con Archer adoptando al hijo de Castor.</span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Se escribieron diez versiones de la secuencia inicial en el aeropuerto, hasta dar con la adecuada. Lo difícil era dar con la forma de que Castor se quedara en coma. Originalmente el personaje era congelado con nitrógeno líquido, idea que no gustó a la Paramount. Así que lo cambiaron por una escena en la que se subía a la torre de control de tráfico aéreo y se estrellaba contra la ventana de la torre, pero esto no le gustó a Woo. Castor fue entonces electrocutado con cables de alto voltaje, pero tampoco funcionaba. Y tras barajar varias ideas, al final se decantaron por utilizar una turbina, como se ve en la película</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El guionista Wesley Strick (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/03/el-cabo-del-miedo.html" target="_blank">El cabo del miedo</a></b>) realizó una reescritura a petición de </span><span style="font-family: arial;">Steve Reuther. Se encargó de reescribir la mayoría de los diálogos de la película</span><span style="font-family: arial;">.</span></div></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div></div><div style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: arial;">REPARTO</span></b></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Siempre se ha dicho que Werb y Colleary escribieron el guión con la idea de juntar a Arnold Schwarzenegger y Sylvester Stallone, pero eso no es del todo cierto, fue más bien una especie de, <i>"gran fantasía aspiracional,"</i> según explicaba Colleary. En caso de contratar a ambos actores, el guión se habría adaptado a ellos, <i>"habríamos revisado el diálogo para que Sly pudiera decir, por ejemplo, 'Volveré' y Arnold dijera 'El crimen es una plaga, y yo soy el remedio', o algo similar."</i> Pero esto nunca llegó a escribirse en ninguna de las versiones del guión, y ambos actores nunca estuvieron realmente asignados al proyecto. Los agentes de Werb y Colleary les desalentaron de juntar a dos estrellas tan grandes en una misma película, ya que habría sido realmente costoso, sin olvidar la lucha de egos que se habría producido en el set, con estrellas del calibre de Arnold y Sly. Curiosamente cuando el proyecto estaba en pre-producción en Paramount, el director del estudio llamó a Steve Reuther, diciéndole que Stallone estaba interesado en la película, y que el posible trato incluiría la reescritura del guión por parte del actor. Pero al final quedó en nada, y nunca llegaron a reunirse con el protagonista de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2019/09/acorralado.html" target="_blank">Acorralado</a></b>, por lo que nunca se llegó a confirmar si el interés de Stallone era auténtico o la llamada al jefe de la Paramount había sido una maniobra por parte de sus agentes. Según contaba Colleary, Reuther y Paramount le ofrecieron el proyecto a Schwarzenegger, pero pese a gustarle el guión, no se veía capaz de hacer los dos papeles de la película. De esa forma, el sueño de juntar a ambas estrellas pareció estar cerca, pero hubo que esperar muchos años para verlos reunidos en la pantalla.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La lista de dúos que habían barajado Colleary y Werb, además de Schwarzenegger y Stallone, iban desde Dolph Lundgren y Jean-Claude Van Damme, a David Bowie y Mick Jagger. Como comentaba antes, en los tiempos de Brambilla los actores tanteados fueron Johnny Depp y Nicolas Cage. Sólo había que dar con la pareja perfecta.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><i>"Después de <b>Broken Arrow</b>,"</i> explicaba Woo. <i>"John y yo queríamos volver a trabajar juntos, así que le enviamos el guión y le encantó."</i> La película tenía así a su Sean Archer, faltaba encontrar quien pusiera cara al villano Castor Troy. <i>"Después de tener a John,</i><i>"</i> seguía contando Woo. <i>"T</i><i>ratamos de averiguar a quien podríamos conseguir que se pareciese a John en cuerpo y cara, p</i><i>ero lo más importante, un actor similar, para que pudieran interpretarse entre sí. John sugirió a Nick Cage."</i> La idea le gustó a Woo, quien le ofreció el papel al actor. El protagonista de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/04/la-roca.html" target="_blank">La Roca</a></b>, parecía que estaba destinado a participar en la película. Además, él y Woo habían barajado trabajar juntos en un proyecto nunca realizado titulado <b>"Tears of the Sun"</b> (no confundir con la película protagonizada por Bruce Willis del mismo nombre).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Además de trabajar con Woo y Cage, Travolta tenía claro lo que le llamaba la atención del proyecto. <i>"Lo que más me atrajo del material fue que el concepto era original,"</i> admitía el actor. "<i>Ambos actores que son co-protagonistas, pueden interpretar al bueno y al malo, lo cual creo que es algo justo, ya que muchos actores disfrutan interpretando al malo y no lo hacen a menudo. En este caso particular, los dos actores logran hacer ambos, bueno y malo, lo cual creo que es divertido."</i> Travolta comenzó a rodar la película sin saber el sueldo que cobraría. Durante el día de Navidad de 1996, en medio del rodaje, aún se estaba negociado este punto, al final se terminó embolsando un cheque de 20 millones de dólares.</span></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg24FpwaS5sAQVZkhGwNeViNjjFh0BSo-IY6SyUv3SuVEnjuGr3ZzLqssZKx1AZ_jBYwAEO3WYebbhih0r8ptkygj_NNxW_IWxAHAffZjZU6s6QagN6Bm8Z1VU6x2WBsydGtSNI/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="239" data-original-width="550" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg24FpwaS5sAQVZkhGwNeViNjjFh0BSo-IY6SyUv3SuVEnjuGr3ZzLqssZKx1AZ_jBYwAEO3WYebbhih0r8ptkygj_NNxW_IWxAHAffZjZU6s6QagN6Bm8Z1VU6x2WBsydGtSNI/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+03.jpg" width="400" /></span></a></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Por su parte, Nicolas Cage cobró un sueldo de 6 millones de dólares. Como siempre, para su interpretación, el actor tomó inspiración de los lugares menos esperados <i>"Tenía muchas ganas de encontrar una manera de expresar mi tipo de sueños expresionistas alemanes,"</i> explicaba Cage. <i>"Como Nosferatu o Caligari, donde estos actores hacían esos gestos extraordinarios y un lenguaje corporal que no era necesariamente natural, si no expresionista." </i>El actor creyó que <b>Cara a cara</b> era el vehículo perfecto para ponerlo en práctica. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Joan Allen se llevó el papel de Eve Archer, la mujer de Sean. La actriz fue siempre la única opción para el papel, pero el estudio no estaba seguro de ello, y presionó a los guionistas para que reescribiesen el papel para una actriz más joven. Tanto deseaban tenerla en la película, que Colleary y Werb llegaron a ofrecer su </span><span style="font-family: arial;"><i>"</i></span><span style="font-family: arial;"><i>bono de producción para pagar la cotización de Joan Allen y asegurarnos de que fuera elegida,"</i> declaraba </span><span style="font-family: arial;">Colleary. A</span><span style="font-family: arial;">l final eso no fue necesario y fue contratada.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Dominique Swain, recién salida de <b>Lolita</b> (1997), se hizo con el papel de Jamie, la hija de Archer.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Alessandro Nivola dio vida a Pollux Troy, el hermano de Castor. Su inspiración para el personaje vino de Charles Crumb, el hermano mayor del historietista Robert Crumb. <i>"Charles era un tipo que vivía con su madre, se masturbaba, tomaba antidepresivos y leía novelas victorianas,"</i> contaba Nivola. <i>"Diría cosas sobre su padre como: 'El viejo era un tirano vicioso', y luego se reiría de esto."</i> La curiosa infancia de los hermanos Crumb parecía perfecta para el background de los Troy, Nivola le presentó su idea a Cage, quien estuvo totalmente de acuerdo con él. <i>"Basamos toda nuestra relación en esa idea e hicimos toda esta improvisación,"</i> explicaba Nivola.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Nick Cassavetes se hizo con el papel de Dietrich Hassler de forma accidental. El hijo de John Cassavetes había dirigido a Travolta en <b>Atrapada entre dos hombres</b> (1997), y le necesitaba para doblar unas escenas, así que se presentó en el set de <b>Cara a cara</b> para hablar con él, y de esa forma conoció a Woo, quien insistió en que participara en la película. Alentado por Travolta, John dijo que sí. Inicialmente su papel era pequeño, pero conforme avanzó el rodaje se fue expandiendo. <i>"Pensé que iba a estar dentro por un día, y me quedé mucho más tiempo que eso,"</i> reconocía el actor. Para interpretar a Dietrich, decidió afeitarse la cabeza.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El papel de la hermana de Dietrich, Sasha, se le ofreció a Julianna Margulies, pero tuvo que rechazarlo por conflictos con el calendario de rodaje de la serie <b>Urgencias</b> (1994-2010). El papel terminó recayendo en Gina Gershon.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El resto del reparto lo formaron Harve Presnell (Victor Lazarro), Colm Feore (Dr. Malcolm Walsh), John Carroll Lynch (como el guarda de la prisión Walton), CCH Pounder (Hollis Miller), David McCurley (Adam Hassler), Matt Ross (Loomis) y Thomas Jane (Burke Hicks).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div><div style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: arial;">RODAJE</span></b></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La fotografía principal de la película tuvo lugar entre el 31 de octubre de 1996 y el 1 de abril de 1997, trabajando en jornadas de 12 horas al día. Se rodó en diferentes localizaciones de Los Angeles, como en el "Los Angeles Convention Center" (lugar donde Castor coloca la bomba), el "Southern California Logistics Airport" (el aeropuerto del primer tiroteo), el "Kaiser Permanente Baldwin Park" (hospital en el que trabaja Eve), la "Henman House" (instituto donde tienen a Castor en coma) o en "San Pedro Harbor" (persecución de lanchas final). Y en el plató 14 de los Paramount Studios, se construyeron los decorados necesarios.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkal8SV9B3ZElfeaBP5NVSe9tdXSyMWewyIk0I2zKml8gyIrwNCq2biGVqsvAwnf96yhf5pDbYuooeFSaK0gINdCbYVLgGOlGRMqjxwKar0HuS4xUgY3KTjSDcore5B_PNw7A5/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="239" data-original-width="550" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkal8SV9B3ZElfeaBP5NVSe9tdXSyMWewyIk0I2zKml8gyIrwNCq2biGVqsvAwnf96yhf5pDbYuooeFSaK0gINdCbYVLgGOlGRMqjxwKar0HuS4xUgY3KTjSDcore5B_PNw7A5/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+04.jpg" width="400" /></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">A diferencia de lo que le sucedió en <b>Blanco humano</b> y <b>Broken Arrow</b>, el estudio le dio libertad a Woo, y apenas se entrometió en su trabajo, y eso se nota en el resultado final.</span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Travolta y Cage ensayaron durante dos semanas con Woo, antes de empezar a rodar, construyendo los personajes. Y es que tanto Archer como Castor, fueron creaciones de los dos actores por igual, quienes aportaban ideas de como interpretar a ambos personajes, y después se imitaban para bordarlos. Durante el rodaje, y después de rodar una escena con uno de los dos actores, Woo le mostraba los dailies al otro, para que pudiera ver como su compañero interpretaba al personaje. <i>"Vería lo que haría John, y luego él vería lo que haría yo," </i>recordaba Cage,<i> "y lo reproduciría y luego podríamos encontrar formas de reflejarnos y combinarlo."</i></span></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Woo hizo lo posible para dar libertad a los actores. <i>"Al principio, estaban interpretando las escenas emocionales de una forma un poco más sutil, al estilo tradicional americano,"</i> recordaba el director. <i>"Pero realmente querían hacer algo un poco más real. Así que, después del primer día, dije: 'Intentémoslo de otra forma, a mi manera. Quieres llorar, sólo llora. Quieres reír, sólo ríe. Quieres golpear la pared, hazlo. Quieres romper la mesa, destroza la mesa. Quieres sentarte, simplemente siéntate. Simplemente hazlo exactamente como te sientes.' ¡Guau! Eso hizo que todos se abrieran. Hizo muy felices a John [Travolta], Joan Allen y Nick Cage, así que lo intentamos de esa manera. Algunas personas piensan que tal vez sea demasiado exagerado, pero les da a los actores mucho espacio para explorarse a sí mismos. Así que sólo hicimos una o dos tomas para cada situación. Y luego eso fue todo. Y todos se sintieron muy bien, porque todas las emociones eran reales."</i></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Esto hizo que hubiese mucha improvisación durante la película, algo que dio vía libre a Cage. Como el momento en que se pone a cantar, <i>"Estoy listo, listo para el viaje, baby"</i>, al comienzo de la película, y que no estaba previsto. Otro ejemplo, fue durante la escena en la que le quitan las vendas a Archer, y por primera vez ve que lleva la cara de su enemigo. Habían ensayado que Cage reaccionaría rompiendo el espejo, pero una vez se pusieron a rodar, el actor improvisó, tras romper el espejo, el momento en que grita a todos en la sala, <i>"¡Qué te jodan!"</i>. A Woo le gustó su reacción, pero hubo un pequeño problema, las cámaras no lo captaron, y tuvieron que volver a repetirlo. Al final ese momento quedó en la película.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Y dar pie a la improvisación, puede traer problemas inesperados, como sucedió cuando rodaron el momento en que Archer con el rostro de Castor, dice que le gustaría arrancarle la cara a su enemigo, diciendo en la versión original el título de la película ("Face/Off"). En el guión sólo se decía una vez, pero Cage y Cassavetes comenzaron a repetirlo una y otra vez sin una razón aparente, haciendo diferentes versiones de la expresión, era tan obvio y gratuito, que según contaba Werb, <i>"nos preocupamos que Paramount fuera a cambiar el título de la película."</i></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El director de fotografía escogido fue Oliver Wood (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/10/la-jungla-2-alerta-roja.html" target="_blank">La jungla 2: Alerta roja</a></b>), quien estuvo a punto de trabajar con Woo en <b>Broken Arrow</b> (1996), pero que por causa de una rotura de tobillo durante el rodaje de <b>La isla de las cabezas cortadas</b> (1995) no pudo unirse a ese proyecto. Pero Woo le prometió que colaborarían en una próxima ocasión, y cumplió su palabra. Desde el principio, Wood tuvo claro como debía ser el estilo visual de la película. <i>"La premisa de la película es bastante poco convencional,"</i> explicaba el director de fotografía. <i>"Y desde el principio decidimos mantener la iluminación lo más tradicional posible, para que la historia pareciera más realista." </i>La película estuvo llena de retos para el camarógrafo. <i>"Trabajé muy de cerca con Neil Spisak, el diseñador de producción,"</i> contaba Wood. <i>"Él creó el maravilloso set de la sede del FBI, que era prácticamente todo vidrio. Si encendías una bombilla en cualquier lugar, obtenías 60 reflejos en la cámara, y nos llevaba algún tiempo oscurecer esos puntos del set para ocultarlos."</i></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV3Hx7Hk4FGVU55QycYeaLTsgp1bYOJZh86Xo-zmRM84uheFcjgQMBbIFT6gA_najog60cMjwXxPqcrKP50don4qjRR9CuKhrL9QHhxAMx7Ujw6y5awxju37QSR4mRO5PkcPLD/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="239" data-original-width="550" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV3Hx7Hk4FGVU55QycYeaLTsgp1bYOJZh86Xo-zmRM84uheFcjgQMBbIFT6gA_najog60cMjwXxPqcrKP50don4qjRR9CuKhrL9QHhxAMx7Ujw6y5awxju37QSR4mRO5PkcPLD/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+05.jpg" width="400" /></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Cage encadenó el rodaje de <b>Con Air</b> (1997) con el de <b>Cara a cara</b>, pasando un día de rodar el film de Simon West, para el día siguiente filmar la escena en la que habla con Eve en su habitación siendo Archer.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Tratar con los egos de los actores nunca es fácil, y Travolta tuvo dudas con la frase de Castor que habla sobre su "barbilla ridícula", y que Colleary y Werb habían escrito específicamente para él. <i>"Nos llamó a su tráiler antes de filmar la escena,"</i> explicaba Colleary, <i>"y quería hablar sobre esta frase. No estaba del todo seguro de si la frase era graciosa o simplemente se estaba burlando de él."</i> T</span><span style="font-family: arial;">uvieron que explicarle que al público le resultaría divertido que Castor (supuestamente Nicolas Cage) se quejase de tener la apariencia de Travolta, sobre todo al ver que el propio Travolta se sumaba a la broma. El actor la dio por buena y se rodó como estaba escrito.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Cara a cara</b> está llena de grandes escenas de acción, que fueron todo un reto para los responsables de la película, porque la apuesta de Woo fue hacerlo todo lo más real posible, con el mínimo uso de efectos visuales. La primera secuencia de acción de la película es un buen ejemplo de ello, ya que para el momento en el que el jet de Castor se estrella en un hangar, realmente estrellaron un avión real. Como sólo podían hacerlo una vez, utilizaron 13 cámaras para captarlo desde todos los ángulos. Sobre la marcha, a un miembro del equipo se le ocurrió la idea de que Archer volara por los aires el motor del avión disparándole, algo que gustó a Woo y decidió incluirlo en la película.<i> "Eso hizo que algunos productores se volvieran muy paranoicos,"</i> explicaba Woo. <i>"Dijeron: 'John, esto va a costar mucho y sólo tenemos dos días'."</i> Lograron hacerlo en un día.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Para filmar el tiroteo en el loft de Dietrich, fueron necesarios 21 días de rodaje. Pero fue preciso mucho más tiempo para organizarla.<i> "Estuvimos en este set durante unos tres meses manipulando los efectos de las balas,"</i> contaba R. Bruce Steinheimer, el coordinador de efectos especiales de la película. <i>"Creo que fueron como unos 10 kilómetros de cable. Es una de las mayores escenas de riesgo que creo, se han hecho en términos de pirotecnia." </i>El momento más recordado es cuando Adam escucha en medio del tiroteo la canción <b>"Somewhere Over The Rainbow"</b> (fue idea de Woo utilizar una canción en esa escena), lo que fue una sustitución de última hora del inicialmente previsto <b>"Puff The Magic Dragon"</b>.</span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La secuencia de acción más memorable de la película, es la persecución de lanchas del clímax. Se tardaron cuatro semanas en organizarla, y pese a todos los preparativos, a uno de los especialistas casi le cuesta la vida. Fue rodando el momento en que el personaje de Archer se cae de la lancha, pero se agarra a ella y termina haciendo esquí con los pies, la primera vez que trataron de rodarla, el doble de Cage se golpeó la cabeza contra la lancha y perdió el conocimiento durante unos segundos, lo que podría haberle costado la vida. Logró recuperarse y después decidió repetirla, y esta vez todo salió perfecto. El director de segunda unidad, William H. Burton Jr. fue crucial para completar la secuencia, que tenía todo tipo de momentos de riesgo. <i>"Mi idea era que la lancha volaba y chocaba contra otra lancha," </i>contaba Woo.<i> "A [Burton] se le ocurrió otra idea: '¿Qué tal si la explotamos en el aire? Se verá más espectacular'. Dijo que sería en una sola toma. Yo dije: 'Imposible'. Él dijo: 'No, podemos hacerlo'. Lo organizó todo. Le dije que necesitaba 6 ángulos de cámara principales. Lo arregló para 12. Me dio más opciones. Pensé que tomaría un día de ensayo, otro día para configurarlo y otro para filmarlo. Lo filmó en un único día."</i></span></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La que iba a ser la gran escena de acción de la película, la fuga de la prisión acuática, se tuvo que reescribir sobre la marcha, ya que en pleno rodaje se consideró muy cara, cambiándose por una versión más simple y menos costosa de la misma. <i>"Habría costado un millón de dólares el minuto,"</i> contaba Werb. Originalmente Archer se quitaba las huellas dactilares de Castor que llevaba puestas sobre las suyas, y usaba su autorización como agente del FBI para fugarse. Después se hacía con un helicóptero, y se marchaba del lugar volando, lo cual era mucho más coherente que el salto desde la plataforma petrolífera, como se ve en la película, donde no se explica como llega el protagonista a tierra firme. La parte final de la fuga, se rodó en una auténtica plataforma petrolífera activa. Como había riesgo de provocar un incendio durante el tiroteo, no se pudieron utilizar detonadores para los impactos de bala, así que tuvieron que añadirlos mediante efectos digitales o rodar algunos planos en el <i>back lot</i> de un estudio. Para Cage, rodar el momento en el que corre por lo alto de la plataforma petrolífera, fue <i>"uno de los días más aterradores de mi vida."</i></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Para la escena del intercambio de caras, el experto en efectos de maquillaje Kevin Yagher, creó dos espectaculares animatronics, que eran réplicas de cuerpo completo de Travolta y Cage. Primero hicieron moldes de ambos actores, para crear sus copias, que estaban cubiertas de caucho de silicona. Gracias a servomotores, tenían la posibilidad de mover sus mejillas, cejas y la mandíbula por radio control.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Se reescribió el guión para que el personaje de Gina Gershon apareciera después de la muerte de su hermano, y a la actriz se le ocurrió una idea para que su personaje le rindiera homenaje, aparecer con la cabeza rapada, tal y como la tenía el personaje interpretado por Nick Cassavetes. Sobra decir que a Woo no le gustó la idea, y quedó descartada.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Werb y Colleary querían cerrar la película con la escena en la que Archer lleva a su casa al hijo de Castor, pero el estudio se negó a incluir ese final. Se hizo un pase de prueba con otro final, y el público tuvo un problema con la ausencia del niño. De modo que, Paramount terminó entrando en razón, y aceptaron rodar la escena con el regreso del hijo de Castor. Para ello volvieron a llamar a Travolta, Allen, Swain y a David McCurley para darle a la película el final correcto. Se hizo un nuevo pase de prueba y el público esta vez quedó encantado. <i>"Hubo un aplauso espontáneo y atronador al final,"</i> contaba Werb.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_yIXGlJLHrIfClyjv0g0xFSYnZ8VFbgtEUyev66vBB9GA9I1zKTfLCTHZto3jlYYwucti8g4spC6uFo4doB73gv7d0C3TBWwFUbXZZwnRMzTkJIww6serVX_w7_ZSsCGM0kId/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="239" data-original-width="550" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_yIXGlJLHrIfClyjv0g0xFSYnZ8VFbgtEUyev66vBB9GA9I1zKTfLCTHZto3jlYYwucti8g4spC6uFo4doB73gv7d0C3TBWwFUbXZZwnRMzTkJIww6serVX_w7_ZSsCGM0kId/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+06.jpg" width="400" /></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Para componer la música, Woo quería contar con Hans Zimmer, con quien había trabajado en <b>Broken Arrow</b>, pero el alemán no estaba disponible, así que recomendó a John Powell (<b>El caso Bourne</b>), uno de sus colaboradores. Para conseguir el trabajo, Powell escribió durante dos semanas varios temas para la película, una vez los responsables de <b>Cara a cara</b> vieron un montaje con su música, se convencieron de darle el trabajo, eso sí, con la condición de tener a Zimmer produciendo. La película significó el debut de Powell como compositor cinematográfico.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Cara a cara</b> se estrenó el 27 de junio de 1997 en Estados Unidos, y resultó ser uno de los grandes éxitos del año. En territorio norteamericano recaudó 112.276.146 de dólares (undécima película más taquillera del año en el país), y la recaudación final a nivel mundial fue de 245.676.146 de dólares. Un éxito para una película que había costado 80 millones de dólares.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Recibió una nominación a los premios Oscar, en la categoría de mejor edición de sonido (Mark P. Stoeckinger y Per Hallberg), premio que perdió frente a <b>Titanic</b> (1997).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: arial;">ESCENAS ELIMINADAS</span></b></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">En las ediciones de vídeo doméstico, se incluyeron varias escenas eliminadas del montaje final. Son las siguientes:</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">1. Después de activar la bomba, Castor se encuentra con un hombre de la limpieza, al cual mata.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizeq43m8MusMMoWzwOQGJq1W4DiQ6CZmf4vD3bbcMiPUEqc0ngk79diYo-sZ_dQmkavz1U5WchenZ49nzSuY-Nl6SwQ7RL1BYe6IRkGmWFbP1kAU69nR5UtgzAAq1DHbvMw_w4/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="221" data-original-width="1021" height="86" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEizeq43m8MusMMoWzwOQGJq1W4DiQ6CZmf4vD3bbcMiPUEqc0ngk79diYo-sZ_dQmkavz1U5WchenZ49nzSuY-Nl6SwQ7RL1BYe6IRkGmWFbP1kAU69nR5UtgzAAq1DHbvMw_w4/w400-h86/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+07.jpg" width="400" /></span></a></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">2. Archer tras ver a su hija dormir, va a la habitación de su hijo y rompe a llorar mientras piensa en él.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKNqeWJEMVZ_2_XMjdW-79OUWPoHXXpPjAm17UunBMfbUHchiE6Swd8oE7l-gvHpCIg3rkdpbiwy9rhyphenhyphenonndWgsR7mLJqX84wgiyF_F6LS7uqQCG_0uyQnXyMN26GSEXI_T-Jm/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="1021" height="89" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKNqeWJEMVZ_2_XMjdW-79OUWPoHXXpPjAm17UunBMfbUHchiE6Swd8oE7l-gvHpCIg3rkdpbiwy9rhyphenhyphenonndWgsR7mLJqX84wgiyF_F6LS7uqQCG_0uyQnXyMN26GSEXI_T-Jm/w400-h89/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+08.jpg" width="400" /></span></a></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">3. La primera conversación entre Archer (siendo Castor) y Pollux en la cárcel era más larga, y hablan de su padre y sus perversiones.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV74xImt1g6uPvLHWyiTiqwG1jvSzNA3hSZQPJlgh5DGC1KuMg1MVC_4e-NF6DSXlZqI6RfMYSJT7M5ZW6J4ffgmscsc3Kjn_UJrxfbnmSxnBZK4opBzAmexDg_japCm6JGwo4/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+09.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="226" data-original-width="1021" height="89" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgV74xImt1g6uPvLHWyiTiqwG1jvSzNA3hSZQPJlgh5DGC1KuMg1MVC_4e-NF6DSXlZqI6RfMYSJT7M5ZW6J4ffgmscsc3Kjn_UJrxfbnmSxnBZK4opBzAmexDg_japCm6JGwo4/w400-h89/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+09.jpg" width="400" /></span></a></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">4. El tiroteo en el loft de Dietrich, desde el momento en que Adam comienza a escuchar <b>"Somewhere Over The Rainbow"</b>, originalmente incluía más momentos de acción y más muertes.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdsaQscWMOcloHzLB7j-F1oS0mcFHhh8Ab_nmk9vTU1o-NcVMIncECk0ltktDJZNCN4lvdcdiPERhKClkk9BAk6jCv8cD7EzaXfcZf4Yqf9vAkAqhQSoGNhvCgLJeqCIjTtFiF/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="1021" height="89" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhdsaQscWMOcloHzLB7j-F1oS0mcFHhh8Ab_nmk9vTU1o-NcVMIncECk0ltktDJZNCN4lvdcdiPERhKClkk9BAk6jCv8cD7EzaXfcZf4Yqf9vAkAqhQSoGNhvCgLJeqCIjTtFiF/w400-h89/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+10.jpg" width="400" /></span></a></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">5. La pelea final entre Archer y Castor también era más larga, principalmente en la parte en la que luchan con un trozo de un tubo metálico.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS63pyEdYXVmGvPSW3N9lyCjcQ8FYmXgs9MSP_RJ49AyHfPLMOkwptGkRiCHWK3oodA6O5b-_46rfXCVTWF4cCv0-uVmMOLsIpgl7X0ayU3biBVeXclvsgi2vKYCOJ0BvmHuKc/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+11.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="1021" height="89" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS63pyEdYXVmGvPSW3N9lyCjcQ8FYmXgs9MSP_RJ49AyHfPLMOkwptGkRiCHWK3oodA6O5b-_46rfXCVTWF4cCv0-uVmMOLsIpgl7X0ayU3biBVeXclvsgi2vKYCOJ0BvmHuKc/w400-h89/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+11.jpg" width="400" /></span></a></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">6. Después de haber matado a Castor, y que Archer sea llevado en ambulancia, hay una breve escena en la que Eve consuela a su hija, mientras ésta le pregunta: <i>"¿Papá volverá a ser papá?"</i></span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwqwlcQr9TXnI_MnTlFwB7KSISIA_HaEWW_8Uh1zK1528iWSoLVTIVJwAecuc1oKkR1RTuGYuOk6XCHBQpjYX2LoTiwXHUfxWHGHGQeH6_VN_rinMiOhB0nnEGupj-OtV0SsyL/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="226" data-original-width="1021" height="89" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjwqwlcQr9TXnI_MnTlFwB7KSISIA_HaEWW_8Uh1zK1528iWSoLVTIVJwAecuc1oKkR1RTuGYuOk6XCHBQpjYX2LoTiwXHUfxWHGHGQeH6_VN_rinMiOhB0nnEGupj-OtV0SsyL/w400-h89/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+12.jpg" width="400" /></span></a></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">7. El final original de la película. En el que Archer, al verse en el espejo, ve el reflejo de Castor, lo raro es que Eve también ve el mismo reflejo. Cuando Archer vuelve a mirarse, es él mismo. Abraza a su mujer, pero sonríe de forma extraña, dando a entender que puede que sea Castor.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7lNbhSMGDttixuwg5YGlsvfYi3XIZfbyvTMU7BdWfVAKnAqvy02GTwv5bdlk1fxWYeIuYeQGCtA6lzmjIk0Fp0fcvJ1y-TYS2CkERyPirMQqXgBdfrLN5XLdu2gtfF5RDZHMj/s1021/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="225" data-original-width="1021" height="89" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj7lNbhSMGDttixuwg5YGlsvfYi3XIZfbyvTMU7BdWfVAKnAqvy02GTwv5bdlk1fxWYeIuYeQGCtA6lzmjIk0Fp0fcvJ1y-TYS2CkERyPirMQqXgBdfrLN5XLdu2gtfF5RDZHMj/w400-h89/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+13.jpg" width="400" /></span></a></div><div><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: arial;">VALORACIÓN</span></b></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Cara a cara</b> es una de las mejores películas de acción de los noventa, y también una de las más divertidas y locas. Todo el tema del cambio de caras no es más que un Macguffin, una excusa del guión para llegar a donde realmente quiere, que no es otro que el intercambio de roles entre el bueno y el malo, y así es como debemos considerarlo, como un medio para llegar a un fin, sin tomárnoslo demasiado en serio.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Lo brillante de la película es lo que produce esa inversión de roles, Castor parece ser mejor padre y marido que Archer, y Archer a su vez le coge el gusto al estar en la piel del villano y poder hacer lo que quiera. Pero ambos nunca dejan de ser ellos mismos, Archer nunca engaña a su mujer ni mata a nadie, y Castor sigue siendo el villano de siempre, que sólo quiere ver arder el mundo.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Es interesante como Archer trata de no ser arrastrado hacia el lado oscuro, de no convertirse realmente en Castor. Toma drogas, Sasha se le insinúa, y apunto está de matar en la prisión. Tiene que recordarse a si mismo quien es realmente para no perder la cabeza. Pero como se trata del héroe no llega a sucumbir, sólo es puesto a prueba, y sale victorioso.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Del intercambio de papeles, se suceden los mejores momentos de la película y los más divertidos, que siempre caen del lado del villano. Como cuando le da una paliza al novio de la hija de Archer; el momento en el que le pregunta a Jamie si lleva protección y le da una navaja; o cuando dice que con tantas mentiras, desconfianza y frases ambiguas parece que está en un matrimonio de verdad. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Vale que hay un montón de cosas que no tienen sentido, por mucho que se cambien la cara, la constitución física de Archer y Castor no es la misma, así que no podrían engañar a nadie. Cuando Castor ocupa la identidad de Archer, mágicamente le crece el pelo. Y ambos tiene grupos sanguíneos distintos, lo que en el caso de Archer (que es 0 negativo), haría inviable aceptar un trasplante de Castor (que es AB). Pero el conjunto está rodeado de un sentido del humor que nos hace cómplices, y que consigue que pasemos por alto estos agujeros argumentales. La película no se toma del todo en serio a si misma, y eso la beneficia, dado lo imposible de su planteamiento.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeLtU6vhyZ68KjDf1MxxiKeXVNqn7uJ9sVW1H0B4AKJaTIWWy-RpNGzSd3NXHD83tuhs0OnkzDLXqDlOLPqRDcX_bE7iJDczMvKzO2YJV7vre4OgvsUqj1uLCtWMbwgOT1rHsC/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+14.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="239" data-original-width="550" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjeLtU6vhyZ68KjDf1MxxiKeXVNqn7uJ9sVW1H0B4AKJaTIWWy-RpNGzSd3NXHD83tuhs0OnkzDLXqDlOLPqRDcX_bE7iJDczMvKzO2YJV7vre4OgvsUqj1uLCtWMbwgOT1rHsC/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+14.jpg" width="400" /></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Cara a cara</b> es con diferencia el mejor trabajo de John Woo de su etapa americana. Por una vez tiene un buen guión entre manos, y todos los medios a su disposición para poner en práctica su estilo visual. Porque aunque las escenas de acción son excelentes, detrás hay una historia y unos personajes que nos interesan. </span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El director se crece en los tiroteos y persecuciones, que lo molan todo, haciendo de cada <i>set piece</i> algo memorable. La escena del aeropuerto es puro cómic, rematada con ese gran momento de Castor saliendo despedido por una turbina de avión. El uso de <b>"Somewhere Over The Rainbow"</b> en el tiroteo del loft produce un curioso contraste, al no pegar el tema con las imágenes llenas de violencia, pero que dota a la escena de un tono muy especial. Y la persecución de lanchas es increíble, sobre todo porque vemos que las escenas de riesgo se hicieron realmente sin uso de efectos visuales (algo que en el cine de acción actual se ha perdido).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Cara a cara</b> es puro Woo, dentro de las películas que hizo en Hollywood es la más cercana a su estilo, a nivel superficial no faltan las palomas, la cámara lenta y los momentos de dos o más personajes apuntándose con un arma, pero a otro nivel, ahí están muchos de sus temas recurrentes, la rivalidad masculina, la figura del héroe, el honor, la redención, y la fraternidad, como en sus mejores títulos de Hong Kong.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Me gusta la sutilidad con la que rueda la escena de la operación del intercambio de caras, mostrando la sangre lo justo y necesario, con una precisión casi milimétrica. O como presenta a Castor sin cara reflejado en las gafas del doctor. Y no me quiero olvidar del momento más recordado de la película, aquel en el que Archer y Castor se apuntan el uno al otro, con un espejo entre ambos, con el reflejo mostrando realmente a quien desean matar (ese momento contiene resumida toda la película).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Cara a cara</b> no podría empezar con más fuerza, con la muerte del hijo de Archer, ya desde la primera escena estamos metidos en la historia y los personajes han sido definidos.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Al eliminar la mayoría de elementos de ciencia ficción de la historia, se produce un choque muy extraño cuando Archer es encerrado en la prisión magnética. Hubiera funcionado mejor si se tratara de una prisión normal, o hubieran mantenido más elementos de ciencia ficción en la película, para que el equilibrio fuera mejor. Ya que hasta ese momento no sabíamos que estábamos en una película futurista, el intercambio de caras nos puede dar alguna pista, pero lo de la prisión nos pilla por sorpresa. Pero es parte de ese tono extraño e irreal de la película, todo sucede en el universo creado por John Woo, donde esto es posible, y lo damos por bueno.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Aunque Travolta y Cage ensayaran juntos, nunca tengo la sensación de que uno se meta la piel del otro, si no que parece que cada uno interpreta al héroe y al villano como mejor le parece, lo que hace que la experiencia sea aún más divertida. Cuando ambos son Archer, son aquejados y melancólicos, pero cuando están en la piel de Castor, se lo pasan en grande dando vida a un villano más grande que la vida (es inolvidable ese momento en que se raja la cara antes de morir).</span></div><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Travolta y Cage desprenden carisma constantemente y se nota que disfrutan de cada escena. Ambos están sobreactuados, pero es parte de la gracia de la película, encaja con su tono exagerado. Con <b>Cara a cara</b>, Cage culminaría la curiosa trilogía que lo convertiría en una estrella del cine de acción en los noventa, tras <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/04/la-roca.html" target="_blank">La Roca</a></b> (1996) y <b>Con Air</b> (1997). Y Travolta demuestra que no hay nadie como él en el cine de acción para dar vida a un villano memorable y cachondo (como demostró en <b>Broken Arrow</b> y <b>Operación Swordfish</b>).</span></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La película guarda un tono de lo más irreverente y macarra. No sólo Archer se ve en la tesitura de tomar drogas para hacerse pasar por Castor. Además tenemos esa recordada escena de Castor vestido de cura activando una bomba, y después insinuándose a una joven. Pero el momento que se lleva la palma, es ese acercamiento incestuoso de Archer/Castor hacia su hija, y que hace que la escena con la otra chica tenga sentido en el guión, ya que sienta el <i>planting</i> de que al villano le gustan las jovencitas, lo que hace que haya una mayor tensión en la posterior escena con Dominique Swain.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZfNdxF2gk-F5W7iQ0ruTelRt6iXPigbTe9PNd-SW96nF4ouZ_8577MxOs-W_r5LEfTQl3t_caS2J4fRTMui-WnhWalVED4BnzlWFcfq93dvBAhzNriENPALOlC0AVqRAfAsO3/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+15.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="239" data-original-width="550" height="174" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZfNdxF2gk-F5W7iQ0ruTelRt6iXPigbTe9PNd-SW96nF4ouZ_8577MxOs-W_r5LEfTQl3t_caS2J4fRTMui-WnhWalVED4BnzlWFcfq93dvBAhzNriENPALOlC0AVqRAfAsO3/w400-h174/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Cara+a+cara+15.jpg" width="400" /></span></a></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Al final toda la historia trata de un hombre que pierde a su familia y a si mismo en un tragedia, y su viaje hasta recuperar su vida. La película se cierra con la familia de Archer adoptando al hijo de Castor y cerrando el circulo, cicatrizando así la herida abierta (de hecho, la cicatriz de Archer literalmente desaparece).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Cara a cara</b> es una de las grandes películas de acción que ha dado el cine. No paran de ocurrir cosas, lo que no deja un momento de respiro al espectador. Es una película de muchas caras, siendo al mismo tiempo adrenalítica, dramática, extraña, y divertida. Es Woo en estado puro, pero al mismo tiempo es algo diferente. Un ballet sangriento de tiroteos, explosiones, y palomas, que nos hace disfrutar enormemente. Y es que es casi imposible no pasárselo bien con esta descarada película.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: arial;">CURIOSIDADES</span></b></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Es la película favorita de John Woo, de todas las que rodó en su etapa americana.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Y es la película favorita de Nicolas Cage de todas en las que ha participado.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Aunque se dice que Werb y Colleary se inspiraron en <b>Plan diabólico</b> (1966) para escribir el guión, no es cierto, ni siquiera habían visto la película cuando escribieron el guión.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La prisión magnética se llama Erewhon, que es una anagrama de "nowhere" (ninguna parte), y que fue acuñado originalmente por el escritor Samuel Butler, en su novela <b>Erewhon</b>.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Los mandos del avión tiene grabadas las iniciales JW, en una referencia a John Woo.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El guionista Mike Werb hace un cameo, como el padre cuya hija es atendida por Eve Archer en el hospital, cuando Archer (con la cara de Castor) la llama por teléfono.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Woo le dio a escoger a Nicolas Cage entre varias armas para su personaje, el actor se quedó con dos pistolas bañadas en oro con dragones en las empuñaduras.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">El primer trasplante total de cara en el mundo, tuvo lugar en 2010 en España, más concretamente en el Hospital Universitario Valle de Hebrón de Barcelona, siendo el Dr. Joan Pere Barret el responsable de la operación.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">En un momento de la película, se dice que la diferencia de altura entre Archer y Castor es insignificante. En realidad, Travolta mide 1,88 m y Cage 1,83 m.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Ganó el premio Saturn al mejor director (John Woo) y mejor guión (Mike Werb y Michael Colleary). Además de ser nominada en las categorías de mejor película de acción/aventura/thriller, mejor actor (Nicolas Cage y John Travolta), mejor actriz secundaria (Joan Allen), mejor interpretación por un joven actor/actriz (Dominique Swain), mejor música (John Powell), y mejor maquillaje (David Atherton y Kevin Yagher).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Cahiers du Cinéma la incluyó en su lista de las 10 mejores películas de 1997.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Las botas magnéticas de la prisión se parecen sospechosamente a las botas magnéticas de los Goombas in <b>Super Mario Bros.</b> (1993).</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Se utilizó la canción <b>"Don't Lose Your Head"</b> de INXS para promocionar la película.</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">En 2019, saltó la noticia que Paramount trabajaba en un remake de la película. Y en 2021, se anunció la realización de una secuela dirigida por Adam Wingard.</span></div></div></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div><div style="text-align: justify;"><b><span style="font-family: arial;">BIBLIOGRAFÍA</span></b></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Entrevista a Michael Colleary </b>(ene-feb 2021)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://theplaylist.net/nic-cage-face-off-prince-20181218/" target="_blank">Nic Cage Says ‘Face/Off’ Is One Of His “Best Movies” & Describes Himself As A “Shamanic Performance Artist”</a></b> (The Playlist, 18 dic 2018)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.slashfilm.com/faceoff-20th-anniversary/" target="_blank">Ready For The Big Ride, Baby: John Woo’s ‘Face/Off’ 20 Years Later</a></b> (Slash Film, 21 jun 2017)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.pajiba.com/seriously_random_lists/24-things-we-learned-from-the-faceoff-commentary.php" target="_blank">24 Things We Learned From The 'Face/Off' Commentary</a></b> (Pajiba, 1 abr 2014)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Starlog Magazine</b> (nº 319, 320)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://blogcritics.org/an-interview-with-faceoff-screenwriter-mike/" target="_blank">An Interview with Face/Off Screenwriter Mike Werb</a></b> (Blogcritics, 23 nov 2007)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.writersupercenter.com/studionotes/interviews8.shtml" target="_blank">Interview Writer Mike Werb</a></b> (Writer Supercenter)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.shortlist.com/news/a-deep-dive-into-face-off-the-most-absurd-and-best-action-film-ever-made#art" target="_blank">A deep dive into 'Face/Off': the best, most absurd action film ever made</a></b> (Shortlist, 10 sep 2019)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://variety.com/1995/film/features/future-films-13-99128446/" target="_blank">Future Films</a></b> (Variety, 2 oct 1995)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0119094/" target="_blank">IMDb</a></b></span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.phoenixnewtimes.com/film/hong-kong-and-vine-6422943?storyPage=2" target="_blank">Hong Kong and Vine</a></b> (Phoenix New Times, 26 jun 1997)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://www.gq.com/video/watch/nicolas-cage-revisits-his-most-iconic-characters" target="_blank"><b>Nicolas Cage Revisits His Most Iconic Characters</b></a> (GQ, 18 sep 2018)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://www.businessinsider.com/gina-gershon-bald-head-faceoff-final-scene-2017-6" target="_blank"><b>Gina Gershon really wanted a bald head for her final scene in ‘Face/Off’</b></a> (Business Insider, 29 jun 2017)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>John Woo: Interviews</b> (Robert K. Elder, 2005)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=p_deCW4NjhI" target="_blank">Face/Off: John Travolta Official Interview - ScreenSlam</a></b> (YouTube)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.livedesignonline.com/staging-rental/dp-oliver-wood-shoots-to-kill-john-woo-s-face-off" target="_blank">DP Oliver Wood shoots to kill on John Woo's Face/Off</a></b> (LiveDesign, 1 jun 1997)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://www.youtube.com/watch?v=b11TLuCoYaI" target="_blank"><b>Making of Face/Off</b></a> (YouTube)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b>Woo on Burton</b> (Los Angeles Magazine, mar 2002)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.denofgeek.com/movies/john-powell-interview-scoring-bourne-hans-zimmer-faceoff-and-more/" target="_blank">John Powell interview: scoring Bourne, Hans Zimmer, Face/Off and more</a></b> (Den of Geek, 5 jul 2017)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.dreampathpodcast.com/wp-content/uploads/2020/05/NICK-CASSAVETES-INTERVIEW-TRANSCRIPT-MAY-6-2020.pdf" target="_blank">Interview with actor, witer, and director Nick Cassavetes</a></b> (Dreampath Podcast, 6 may 2020)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://ew.com/article/1997/06/27/creativity-shoot-shoot/" target="_blank">Creativity shoot by shoot</a></b> (Entertainment Weekly, 27 jun 1997)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://www.theguardian.com/film/2000/jun/11/1" target="_blank"><b>Wooed with violence</b></a> (The Guardian, 11 jun 2000)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://ew.com/gallery/john-woo-john-woo-my-hits-and-misses/?slide=315581#315581" target="_blank">John Woo on John Woo: My Hits -- and Misses</a></b> (Entertainment Weekly, 17 nov 2009)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://www.sfgate.com/entertainment/article/A-New-Contender-for-Mr-Irresistible-Alessandro-2894316.php" target="_blank">A New Contender for Mr. Irresistible / Alessandro Nivola flexes his abundant charm in `Mansfield Park'</a></b> (Sfgate, 21 nov 1999)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><a href="https://freshairarchive.org/segments/director-john-woo" target="_blank"><b>Director John Woo</b></a> (Fresh Air, 10 jul 1997)</span></div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><b><a href="https://wearecult.rocks/interview-wesley-strick" target="_blank">Interview: Wesley Strick</a></b> (We Are Cult, 10 ene 2018)</span></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-26845201891233769752020-09-16T09:06:00.005-07:002023-06-29T08:13:29.903-07:00Timecop<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-pSLtXDBP8Eq7mf3giekznQZBhZQ5NhLcoidcifnGpybekgzfHDdnzQDZltQwI5GQXoSvZE7BQSk32NB8EhCVTPVr5A2oTzaW8Te-pqxdwgKUcIm0hKXp8Vo4W3ZygbMlyaL-/s1600/Timecop+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="343" data-original-width="500" height="273" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj-pSLtXDBP8Eq7mf3giekznQZBhZQ5NhLcoidcifnGpybekgzfHDdnzQDZltQwI5GQXoSvZE7BQSk32NB8EhCVTPVr5A2oTzaW8Te-pqxdwgKUcIm0hKXp8Vo4W3ZygbMlyaL-/s400/Timecop+01.jpg" width="400" /></a></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div>
<div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Max Walker trabaja para una agencia dedicada a proteger el tiempo, evitando los cambios que puedan producirse en el pasado. Un senador de los Estados Unidos quiere viajar atrás en el tiempo para cambiar el curso de la historia, y convertirse en el presidente del país. Max hará lo posible para evitarlo, pero se encontrará con su mujer asesinada años atrás.</div>
<div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>POLICÍA TEMPORAL</b></div></b><div style="text-align: justify;">Mike Richardson y Mark Verheiden concibieron <b>"Timecop"</b> como un proyecto paralelo de una película y un cómic, intentando materializar ambos. Bajo el sello Dark Horse publicaron el cómic en 1992, y a la hora de escribir el guión, partieron de una historia original sin basarse en lo publicado en las viñetas. Richardson ideó la historia de un aspirante político que quiere cambiar el pasado para convertirse en el presidente y desde ahí, con Verheiden, desarrolló el resto de la historia. Así nació <b>Timecop</b> (Timecop, 1994).</div><div style="text-align: justify;">Dark Horse Entertainment y Renaissance Pictures unieron fuerzas para sacar adelante la película. Richardson (fundador y presidente de la Dark Horse), había producido los cómics de <b>"Army of Darkness"</b> basándose en la película de Sam Raimi, y sería éste quien produciría <b>Timecop</b>, junto a Rob Tapert, ambos fundadores de Renaissance. La productora Largo Entertainment también se unió a la producción.</div><div style="text-align: justify;">En 1992, le ofrecieron el proyecto a Jean-Claude Van Damme (el belga ya había protagonizado para Renaissance <b>Blanco humano</b>) y una vez el actor dio el visto bueno (a cambio de un cheque de 3 millones de dólares), la producción se puso en marcha. El propio actor fue quien llevó el proyecto a la Universal, sabiendo de la importancia que la película podría tener en su carrera. <i>"Se trata de un paso importante en mi trayectoria como actor," </i>declaraba Van Damme. <i>"Ya que el relato es más complejo y elaborado que muchos de los films que he hecho hasta la fecha."</i></div>
</span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzgGVF0dNLpL0NbjU87FeSq-rcOK5VujtjKOGy0N71gX3ufeC016FAK3wKa2DYh6FyqgALvN9baJGK9ta8IboE3TKB66oy-sS_gvPGvfVYoXZ6IHVruEf6HOxqR27OvvJ8gfSY/s1600/Timecop+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="500" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhzgGVF0dNLpL0NbjU87FeSq-rcOK5VujtjKOGy0N71gX3ufeC016FAK3wKa2DYh6FyqgALvN9baJGK9ta8IboE3TKB66oy-sS_gvPGvfVYoXZ6IHVruEf6HOxqR27OvvJ8gfSY/s400/Timecop+02.jpg" width="400" /></span></a></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Para hacerse cargo del proyecto, se lo ofrecieron a Peter Hyams (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/08/atmosfera-cero.html" target="_blank">Atmósfera cero</a></b>), y según declaraba el director no se lo tubo que pensar mucho. <i>"Me encantaron los auspicios. Larry Gordon se involucró en él, Moshe Diamant era un gran productor, Sam Raimi estaba implicado... Tenía una historia inteligente y pensé que era una oportunidad para hacer la mejor película de Van Damme jamás hecha."</i></div>
</span><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Hyams se llevó a las mil maravillas con Van Damme, de hecho, llegarían a realizar dos películas más juntos. <i>"Mentiría si no dijera que había cierto escepticismo,"</i> admitía el director, pero después, <i>"encontré a este tipo tan gracioso, brillante, agudo y fundamentalmente vulnerable, conmovedor y dulce. Pensé: 'Si puedo obtener lo que hay en esta mesa en una pantalla, hay una oportunidad de hacer una película que sorprendería a la gente'."</i><br /></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">El director colaboró con los guionistas aportando sus propias ideas al proyecto. <i>"Esta película tiene posibilidades ilimitadas, ya que hemos podido diseñar un mundo que no tiene limitaciones,"</i> declaraba Hyams. <i>"Ha sido un trabajo muy excitante. Los límites de la historia son los límites que podemos tener nosotros como espectadores. Además, siempre me han interesado sobremanera las películas que te transportan a lugares donde comúnmente no podemos ir."</i></div>
</span><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdbNnS-eRHkW9HQS5zPoZLHEifUxSKLW5LmvUhYJlsMvh_FYR2L-ZlbqYa635dCClsER-tGgFI8LtGmN0PuhkJnt02B_RWoowq51-Cd0OFg8S_m5sy31Q8h58TmT8TLKaYBB_J/s1600/Timecop+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="500" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjdbNnS-eRHkW9HQS5zPoZLHEifUxSKLW5LmvUhYJlsMvh_FYR2L-ZlbqYa635dCClsER-tGgFI8LtGmN0PuhkJnt02B_RWoowq51-Cd0OFg8S_m5sy31Q8h58TmT8TLKaYBB_J/s400/Timecop+03.jpg" width="400" /></span></a></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Después de reunirse varias veces con Mia Sara, Hyams le dio el papel de Melissa, la mujer de Max. <i>"Sabía que era una actriz estupenda, pero eso es todo lo que sabía,"</i> admitía el director. Hyams quedó encantando con su trabajo, sobre todo cuando tuvo que rodar las escenas de riesgo en el clímax de la película. <i>"Curiosamente, es un papel difícil de interpretar," </i>explicaba el director. <i>"Allí estaba ella con el clima helado y con toneladas de agua que le caían encima, y se mantuvo actuando todo el tiempo. Es muy fácil sentirse cohibido y vacilar, pero ella hizo creíble el peligro, la situación en la que estaba."</i></div><div style="text-align: justify;">El papel del villano Senador McComb recayó en Ron Silver. Gloria Reuben dio vida a Fielding, la compañera de Max. Bruce McGill interpretó a Matuzak, el jefe del protagonista. Y Scott Lawrence hizo lo propio con Spota, un hombre del gobierno.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div></b><div style="text-align: justify;">Partiendo de un presupuesto de 28 millones de dólares, el rodaje transcurrió entre el 12 de septiembre de 1993 y el 13 de diciembre del mismo año. Pese a que la acción acontece en Washington D.C., la producción tuvo lugar en Vancouver (Canadá). Según contó a la revista <b>Cinefantastique</b>, Hyams decidió rodar allí porque, <i>"hay un cuadro de técnicos que adoro, gente que no está hastiada y que comparte una sólida ética de trabajo."</i> Y sólo se desplazó fuera de tierras canadienses, para rodar escenas en Santa Ana, situada en California (escena del centro comercial) y Pittsburgh.</div><div style="text-align: justify;">Como en muchas de las películas de su carrera, Hyams se encargó también de las tareas de dirección de fotografía, haciendo un trabajo excelente.</div>
</span><div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Y por su parte, Van Damme hizo una de las mejores interpretaciones de su carrera, y eso se debió en parte a Hyams. </span><i style="font-family: arial;">"Peter me dijo: 'Deberías pasar menos tiempo entrenando en el gimnasio y más tiempo entrenando tu boca', aprendiendo inglés y estudiando actuación,"</i><span style="font-family: arial;"> declaraba el actor, y parece que le hizo caso a su director.</span></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwTBCHASvO53_HRXulxiuxA5imB7a2_UaIIoquBbGeGKiMdWPmuHpRkEvcEONO4JXrwGfaYBi7yZ_jIF6T9mW3rhDFlBid2JWsgoGP0Rt-gUO2p6c4i43uESg5MJongJAEeG0_/s1600/Timecop+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="500" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhwTBCHASvO53_HRXulxiuxA5imB7a2_UaIIoquBbGeGKiMdWPmuHpRkEvcEONO4JXrwGfaYBi7yZ_jIF6T9mW3rhDFlBid2JWsgoGP0Rt-gUO2p6c4i43uESg5MJongJAEeG0_/s400/Timecop+04.jpg" width="400" /></span></a></div>
<span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><b>Timecop</b> hace gala de unas espectaculares escenas de acción, tanto en peleas de artes marciales, como las que implican efectos visuales. <i>"En <b>Timecop</b> hago todo, rompo brazos, salto, hago un split, practico karate, aikido, lucha callejera y lucha con cuchillos. Incluso peleo con herramientas,"</i> declaraba orgulloso Van Damme.</div><div style="text-align: justify;">Y cuenta con algunas escenas con uso de dobles increíbles. En una de ellas, aquella en la que el ex-compañero del protagonista salta de un edificio en 1929, tuvieron que soltar a un especialista desde una altura de 30 pisos amarrado a un cable, y fue frenado a unos 200 centímetros antes de tocar el suelo.</div><div style="text-align: justify;">Aunque para Mia Sara, la escena más difícil de rodar no fue de acción, si no su escena de sexo con Van Damme. La actriz reconocía que, <i>"estaba nerviosa. [...]. S</i><i>ólo seguía diciendo, '¡Mantened la cámara en Jean-Claude, mantenedla fuera de mí, mostrad sólo mi pie! ¡Mostrad mi pie y su culo y nada más!" </i>Para tranquilizarla, Hyams le prometió que no la filmaría desde todos los ángulos y que centraría la cámara en el actor.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnLNocRxnM4lzgK9TUpccs3h1W_5StFJEFKAdNNllsn2CiCT_eGw8k-7L8DAGfEK9RektzPIRxGc5b4NnxUgGKPuH2tpC7K6OJErX2DffKx1lUT20AML5XRAVQ3mjKZi8ITzVO/s1600/Timecop+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="500" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnLNocRxnM4lzgK9TUpccs3h1W_5StFJEFKAdNNllsn2CiCT_eGw8k-7L8DAGfEK9RektzPIRxGc5b4NnxUgGKPuH2tpC7K6OJErX2DffKx1lUT20AML5XRAVQ3mjKZi8ITzVO/s400/Timecop+05.jpg" width="400" /></span></a></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Como toda película de ciencia ficción que se precie, <b>Timecop</b> posee unos excelentes efectos visuales. Fue Hyams quien ideó que los viajes en el tiempo se visualizaran mediante una especie de distorsiones líquidas. Las cuales se crearon mediante CGI gracias a la compañía VIFX, y bajo la supervisión de Greg McMurray, que hicieron posible viajar en el tiempo.</div></span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Con cámaras de control de movimiento lograron crear todas las escenas en las que un actor comparte escena consigo mismo.</div><div style="text-align: justify;">Por su parte, John Thomas fue el coordinador de efectos especiales de la película, y completó su trabajo un mes antes de su muerte debido al cáncer.</div><div style="text-align: justify;">Y el popular diseñador Syd Mead (<b>Blade Runner</b>, <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/06/tron.html" target="_blank">TRON</a></b>, <b>Aliens</b>) se encargó de diseñar las armas, los coches que pueblan la película y la máquina del tiempo. <i>"La máquina tenía que parecer muy sustancial, con un montón de tubos y cosas," </i>declaraba el diseñador. <i>"Se veía seria. </i><i>Tenías que creer que podían morir en ella, como bichos en un parabrisas."</i></div><div style="text-align: justify;">El escultor Roderick Thomas Quin fue el encargado de esculpir los coches diseñados por Mead. <i>"El futurista coche policial y limusina fueron uno de los proyectos más desafiantes que haya emprendido,"</i> admitía Quin. <i>"Requirió de mucha planificación y paciencia. Técnicas y herramientas tuvieron que ser desarrolladas para crear su apariencia mecanizada."</i> El artista se hizo cargo del trabajo después que el primer responsable abandonara el proyecto. Para dar vida a ambos coches se utilizó un Volvo sedan, el cual se rellenó con láminas de metal para dar las dimensiones generales del diseño, y después se recubrió de espuma de poliuretano pulverizada, a la que fueron dando forma hasta esculpir los espectaculares coches que se ven en la película.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOT7nq0xaRvV_aL1TQtVwByhBjOjMfepiJPOkeBKVtyYPAaWjg2A-PpX87aR8VEO-ZKCEUnO2Vl6D6yty44zaFnJXdIcXVtGXsTKCiAlq3yhUexDEXJhHb5OjKJUD9fZmKFtmz/s1600/Timecop+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="500" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjOT7nq0xaRvV_aL1TQtVwByhBjOjMfepiJPOkeBKVtyYPAaWjg2A-PpX87aR8VEO-ZKCEUnO2Vl6D6yty44zaFnJXdIcXVtGXsTKCiAlq3yhUexDEXJhHb5OjKJUD9fZmKFtmz/s400/Timecop+06.jpg" width="400" /></span></a></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">El rodaje fue de maravilla y Hyams filmó la película dentro del presupuesto asignado. Sólo quedaba estrenarla en cines, y fue cuando la Universal apareció con un tagline que entusiasmó al director, "Hace 10 años mataron a su mujer. Pero todavía está a tiempo de salvarla."</div>
</span><div><div style="text-align: justify;"><b style="font-family: arial;">Timecop</b><span style="font-family: arial;"> llegó a las salas de cine de Estados Unidos el 16 de septiembre de 1994 y fue todo un éxito. Recaudó en su país de origen 44.853.581 de dólares y en el mercado extranjero amasó 56.793.000 de dólares más. Con sus 101.646.581 de dólares de recaudación final se convirtió en la película más taquillera de Van Damme.</span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Pese al éxito de la película y de sus posibilidades de franquicia, eso nunca ocurrió porque la productora vendió los derechos para televisión. Daría pie a la serie <b>Timecop</b> (1997), de la que sólo se emitieron 9 episodios. Y años después llegaría la directa a vídeo <b>Timecop: The Berlin Decision</b> (2003), sin la participación de ninguno de los responsables de la película original.</div></span></div>
<div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;"><br /></span></div>
<span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b style="font-weight: bold;">Timecop</b> es seguramente la mejor película que haya protagonizado Van Damme. Tiene muchas de las claves de sus películas (<i>spagats</i> incluidos), pero un guión mejor definido, una mayor profundidad en los personajes (y donde Van Damme pudo actuar, tal vez, por primera vez), unas escenas de acción bien ejecutadas, y una historia más ambiciosa. Aquí el actor belga estaba jugando en las grandes ligas, si hubiera seguido la senda marcada por esta película, en lugar de hacer productos como <b>Street Fighter</b> (1994), seguramente habría tenido una carrera de mayor éxito.</div><div style="text-align: justify;">Hyams por su parte se encuentra muy cómodo en el relato, como buen conocedor de la ciencia ficción, género en el que ha creado varias de sus mejoras obras. Y cuando llega el momento de la acción, la rueda con una claridad de exposición ejemplar (la escena en 1929, la pelea en el piso de Walker, o el clímax final en la casa, son buenos ejemplos de ello).</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnTYVKrwTzL0C0jAEw55P4rN7k9gx2Do3N-En3cJqIWZBtz5mX44y0zyGB4dHAMhuNOaP7PqzbyA7J9WvYluKEW56yHlNJ9dbNqxe-hA2vsMtIyXuXIawJkznPjSmNijILa2B-/s1600/Timecop+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="500" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnTYVKrwTzL0C0jAEw55P4rN7k9gx2Do3N-En3cJqIWZBtz5mX44y0zyGB4dHAMhuNOaP7PqzbyA7J9WvYluKEW56yHlNJ9dbNqxe-hA2vsMtIyXuXIawJkznPjSmNijILa2B-/s400/Timecop+07.jpg" width="400" /></span></a></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Se nota una mayor preocupación en los detalles que en otras películas de Van Damme, como demuestra la escena en la que Max ve un vídeo de su mujer y recita sus frases antes de tiempo, haciéndonos ver que lo ha visto cientos de veces, y lo mucho que la echa de menos. Y al mismo tiempo la película abraza el pulp más desvergonzado, como esa escena de 1863 con uzis, lo que es parte de su encanto.</div><div style="text-align: justify;">Otros aciertos de la película son, la recuperación de una olvidada Mia Sara (<b>Todo en un día</b>, <b>Legend</b>), y darle el papel de villano al siempre excelente Ron Silver. Y Van Damme está más entregado que nunca a la causa, y sorprende para bien en los momentos dramáticos.</div><div style="text-align: justify;">No son los únicos puntos a favor. No hay que olvidar la lucha en paralelo de los dos Max en el clímax de la película (y la tensión extra producida de que si muere el Max joven, también lo hará el del futuro). El cambio de bando de Fielding. O que McComb sea un cobarde en 1994, mientras que en 2004 es un villano seguro de si mismo, y que tras interactuar consigo mismo, el joven senador se vuelve más taimado, como si su yo del futuro fuera una mala influencia para si mismo.</div><div style="text-align: justify;">Aunque hay que reconocer que <b>Timecop</b> tiene algunas incongruencias. Como que la mujer de Max no le reconozca cuando éste sólo tiene 10 años más encima, y se ve claramente que son iguales. O que cuando Max salva a su mujer al final de la película, no queda claro si ella continua con vida, hay una elipsis que nos conduce directamente al 2004, con el protagonista descubriendo los cambios producidos por sus actos, y no es hasta que llega a su casa que descubre que su mujer está viva y que tiene un hijo. Esto nos hace pensar que después de la explosión de la casa, Max no se cercioró que su mujer estaba a salvo, y se marchó al futuro, algo muy difícil de creer. Simplemente está así construido para darle un cierre más potente y dramático a la película, aunque no tenga mucho sentido.</div><div style="text-align: justify;">Y hay cosas que sobran, como la escena de sexo entre Max y su mujer que no aporta nada a la historia. O casualidades increíbles difíciles de explicar, como que Max encuentre la prueba de embarazo de su mujer en el hospital, una mera excusa de hacer avanzar la historia.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB2rFMkFqizLUwTzGLmijF6nlctJMdINGGGSTvw6KeYXuqjxI3XpCFEttXLm52wFHL3tG8Wx_Na6W8w8D2dQAIe2StCJCE1_C6rglymRsDOquYCBxjMhR5cEUoY86KleufSZeN/s1600/Timecop+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span style="font-family: arial;"><img border="0" data-original-height="218" data-original-width="500" height="172" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhB2rFMkFqizLUwTzGLmijF6nlctJMdINGGGSTvw6KeYXuqjxI3XpCFEttXLm52wFHL3tG8Wx_Na6W8w8D2dQAIe2StCJCE1_C6rglymRsDOquYCBxjMhR5cEUoY86KleufSZeN/s400/Timecop+08.jpg" width="400" /></span></a></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Pero no le busquemos tres pies al gato. Lo que importa es que <b>Timecop</b> da lo que promete, ser un eficaz y entretenido espectáculo de acción, que se lo hará pasar en grande a todo fan del cine de acción de los 80 y 90. Y es que <b>Timecop</b> es la película más redonda de Van Damme, y una de las más entretenidas. Fue la entrada del belga en la serie A, a los grandes presupuestos, fue el punto álgido de su carrera. Hyams se propuso realizar la mejor película de Van Damme, y lo consiguió.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div></b><div style="text-align: justify;">Ganó el premio Saturn a la mejor actriz secundaria (Mia Sara). Y fue nominada en las categorías de mejor película de ciencia ficción, mejor guión (Mark Verheiden) y mejores efectos especiales (Greg McMurray).</div>
</span><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">Como en la mayoría de películas de Peter Hyams, hay un personaje llamado Spota.</span></div>
<div><div style="text-align: justify;"><span style="font-family: arial;">La versión widescreen del DVD de la película tiene el logo de "Timecop" con letras verdes, y la versión fullscreen tiene las letras en color rojo y blanco.</span></div><span style="font-family: arial;"><div style="text-align: justify;">Max Walker masca chicle Black Black cuando viaja al pasado. Es una marca japonesa, de la cual Jean-Claude Van Damme hizo una serie de anuncios en 1994 para Japón.</div><div style="text-align: justify;">En 1995, se publicó un videojuego de la película para Super Nintendo, desarrollado por Cryo Interactive Entertainment.</div><div style="text-align: justify;">Al principio de la película, Melissa oye la canción <b>"Does Anybody Know What Time it Is?"</b> de Chicago en el centro comercial, una canción sobre el paso del tiempo.</div><div style="text-align: justify;">En la serie <b>Jean-Claude Van Johnson</b> (2016-17), se hacen menciones a la película. En el primer capítulo, Van Damme dice sobre ella, <i>"Tal vez hayas visto <b>Timecop</b>, es del estilo de <b>Looper</b> con Bruce Willis, pero mil veces mejor."</i></div></span></div>
Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-87827132957448782102023-06-20T15:39:00.000-07:002023-06-20T15:39:04.583-07:00En busca del arca perdida<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-9EsSwrrFCqtkX1LGRvWkgk4SqFSBBI-FmojTBuaa5sGM3hXArESPq3G9jo2Gos5bwqKmpZaVbd7-fKLFve5SDmySfTNhj6kS9umQNhL4Y6JsVsdtQUVjUlaJNOV_hu0rC3igxKYVhHSGrPuT20J9vp5sv3ugSWWgQTvuggAbjCG_TNkq/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="532" data-original-width="700" height="304" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg-9EsSwrrFCqtkX1LGRvWkgk4SqFSBBI-FmojTBuaa5sGM3hXArESPq3G9jo2Gos5bwqKmpZaVbd7-fKLFve5SDmySfTNhj6kS9umQNhL4Y6JsVsdtQUVjUlaJNOV_hu0rC3igxKYVhHSGrPuT20J9vp5sv3ugSWWgQTvuggAbjCG_TNkq/w400-h304/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2001.jpg" width="400" /></a></div></div><i><div style="text-align: justify;"><i>"No son los años, cariño. Es el rodaje."</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El arqueólogo y aventurero Indiana Jones es contratado por el gobierno norteamericano para conseguir, antes que los nazis, el arca de la alianza, dotada de un gran poder.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>COMIENZA LA AVENTURA</b></div><div style="text-align: justify;">En 1973, casi al mismo tiempo que George Lucas tuvo la idea que daría pie a <b>La guerra de las galaxias</b> (1977), también concibió la que sería la mayor película de aventuras de todos los tiempos, un homenaje a los seriales de los sábados que veía de niño, protagonizado por un arqueólogo en busca de artilugios sobrenaturales. Lucas aparcó esa idea para centrarse en escribir una historia que ocurriría en una galaxia muy lejana, y no sería hasta tiempo después que la recuperaría. </div><div style="text-align: justify;">Eso sería a finales de 1974, Lucas sumó al proyecto a Philip Kaufman, quien trabajó con él durante cerca de un mes. Kaufman no llegó a escribir ningún guión, sólo trabajó en la historia con Lucas, y fue quien ideó que el macguffin de la película fuera el arca de la alianza, pero le llamaron para escribir el guión de <b>El fuera de la ley</b> (1976) para Clint Eastwood, y como necesitaba el dinero, dejó el proyecto. Lucas se puso manos a la obra con el rodaje <b>La guerra de las galaxias</b>, y las aventuras del arqueólogo tuvieron que esperar de nuevo.</div><div style="text-align: justify;">Fue durante unas vacaciones entre Lucas y Steven Spielberg en Hawai, en mayo de 1977, que el proyecto resurgió. Lucas había huido del estreno de <b>La guerra de las galaxias</b>, y Spielberg acababa de terminar el rodaje de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/09/encuentros-en-la-tercera-fase.html">Encuentros en la tercera fase</a></b> (1977), y hablando en una playa, Spielberg le dijo a Lucas que siempre había querido hacer una película de James Bond, y su amigo le comentó que tenía el proyecto perfecto para él. Le contó la historia de <b>En busca del arca perdida </b>y a Spielberg le encantó. Lucas ya no quería dirigir, así que en esa playa acordaron hacer juntos la película con Spielberg sentado en la silla del director. </div><div style="text-align: justify;">Bueno, sólo hubo una cosa que no le gustó al director de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b>, y fue el nombre original del arqueólogo, que era Indiana Smith, Lucas le propuso Indiana Jones, y así se quedaría para siempre.</div><div style="text-align: justify;">No pudieron acometer inmediatamente el proyecto porque Spielberg aún tenía que hacerse cargo de la post-producción de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/09/encuentros-en-la-tercera-fase.html" target="_blank">Encuentros en la tercera fase</a></b>, y ya había firmado para dirigir <b>1941</b> (1979).</div><div style="text-align: justify;">Seguramente por respeto, ya que habían pasado varios años, Lucas llamó a Kaufman para preguntarle si le importaría que Spielberg se encargase de la película, a lo que Kaufman estuvo de acuerdo.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVHS-tE7sJhMRiL9nZrxOq2cS7rhd-pDL34oPMt0gVOGv_9RTFcb_WjosoOL7naKLoZXYgBe4ti0_p5syLcx3owrZiZO68gemMgLz7siyxt4BHJntNnOCMBkoJ2eTAJ23fYurayfdgMwzrlSdw4cegzMMRVg2z69Y50ggJuPtbjwEenuYj/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgVHS-tE7sJhMRiL9nZrxOq2cS7rhd-pDL34oPMt0gVOGv_9RTFcb_WjosoOL7naKLoZXYgBe4ti0_p5syLcx3owrZiZO68gemMgLz7siyxt4BHJntNnOCMBkoJ2eTAJ23fYurayfdgMwzrlSdw4cegzMMRVg2z69Y50ggJuPtbjwEenuYj/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Le encargaron el guión de <b>En busca del arca perdida</b> a Lawrence Kasdan, un joven e incipiente guionista que había llamado la atención con sus guiones de <b>El guardaespaldas</b> (1992) y <b>Mi nido o el tuyo</b> (1981). El guión de <b>Mi nido o el tuyo</b> estuvo rondando los estudios de Hollywood a finales de 1977, y Spielberg lo compró, y creyó que Kasdan era el indicado para escribir el guión de <b>En busca del arca perdida</b>. A Lucas también le gustó el guión de Kasdan y fue contratado.</div><div style="text-align: justify;">A comienzos de 1978, Spielberg, Lucas y Kasdan se reunieron durante una semana para hablar sobre el proyecto, y esbozaron toda la película, y con esas ideas Kasdan se encargó de escribir el guión. El guionista se preparó de forma concienzuda, leyendo mucho sobre arqueología y el estilo de vida de los años 30. Necesitó seis meses para escribir el primer borrador del guión.</div><div style="text-align: justify;">Lucas quiso darle a Indy un mayor toque de playboy, e hizo que Kasdan escribiera una versión diferente de la escena en la que Brody lo visita en su casa, en la que Indy llevaba puesto un esmoquin y estaba acompañado de una espectacular rubia que bebía champán. Pero nunca se llegó a filmar (se filmó una escena distinta en la que Indy pasa el rato con una alumna en su casa, que después fue cortada).</div><div style="text-align: justify;">Otra escena escrita en el guión, pero que se decidió no rodar fue una que acontecía en Shanghai. Originalmente el cabezal del bastón de Ra estaba dividido en dos partes, una estaba en posesión de Marion y la otra se encontraba en un museo de Shanghai. Indy volaba primero a China antes de encontrarse con Marion, para hacerse con el objeto. Una escena de acción tenía lugar en el museo, donde Indy se enfrentaba a dos sumarais, después utilizaba un gong gigante y lo hacía rodar para ocultarse tras él mientras le disparaban. Se decidió eliminar porque rompía el ritmo de la película y sería muy costosa de filmar. Esta escena se terminó reciclando para el teaser de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/06/indiana-jones-y-el-templo-maldito.html" target="_blank">Indiana Jones y el templo maldito</a></b> (1984).</div><div><div style="text-align: justify;">Otra escena que terminaría en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/06/indiana-jones-y-el-templo-maldito.html" target="_blank">El templo maldito</a></b>, tenía lugar con Indy volando a Nepal, y se quedaba dormido y todos los pasajeros del avión saltaban en paracaídas, y cuando Indy se despertaba no le quedaba más remedio para salvarse, que saltar del avión agarrado a una balsa hinchable, la cual se abría en plena caída, e Indy aterrizaba sano y a salvo en las montañas del Himalaya. Se eliminó por ser demasiado increíble.</div></div><div><div style="text-align: justify;">Spielberg deseaba rodar una persecución de carretillas, pero se descartó en parte por ser muy costosa, aunque la idea se reaprovecharía también para <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/06/indiana-jones-y-el-templo-maldito.html" target="_blank">El templo maldito</a></b>. Y el director había ideado el personaje de Toht con una mano protésica que era una ametralladora y un lanzallamas, pero tras un consejo de Lucas decidió eliminarlo. Otras ideas del director sí se mantuvieron en el guión final, como el miedo de Indy a las serpientes y el momento en que el arqueólogo huye corriendo delante de una roca gigante.</div></div><div style="text-align: justify;">Una vez Kasdan terminó el primer borrador de <b>En busca del arca perdida</b> en junio de 1978, Lucas le ofreció que terminara el guión de <b>El Imperio contraataca</b> (1980), tras la muerte de Leigh Brackett.</div><div style="text-align: justify;">Kasdan terminaría el segundo borrador en marzo de 1979, y era por petición de Lucas y Spielberg más corto, de esa forma las 144 páginas iniciales se redijeron a 106. En agosto de 1979, tendría lista la tercera versión del guión. Y la cuarta aproximadamente data de noviembre de 1979. Y la quinta tuvo lugar en abril de 1980, con Kasdan sacando tiempo mientras estaba trabajando en su película <b>Fuego en el cuerpo</b> (1981). En esta última versión del guión se eliminó la escena de Shanghai y la persecución de carretillas.</div><div style="text-align: justify;">La película fue rechazada por todos los estudios de Hollywood (se ofreció a Warner Bros, Universal, Paramount y Orion Pictures). El trato que quería Lucas le daba a él prácticamente todo el control, tenía un gran reparto de beneficios sobre la recaudación, él mantendría los derechos de las secuelas y del merchandasing. Lucas consideraba que podía hacer la película por 20 millones de dólares, pero nadie lo creía posible (inicialmente se fijó el presupuesto en 20.590.643 de dolares). Lo curioso fue que los estudios no estaban seguros de tener a Spielberg al cargo de la película, aunque hoy día resulte impensable, en aquel momento el director arrastraba una mala fama por los problemas en sus tres films anteriores, que se habían ido de presupuesto y del calendario de rodaje. Al final consiguieron llegar a un acuerdo de financiación y distribución con Paramount. </div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Para interpretar a Indiana Jones, Spielberg propuso a Harrison Ford, pero Lucas inicialmente lo rechazó porque ya había trabajado en dos películas anteriores con él y no quería trabajar siempre con el mismo actor. Y comenzó la búsqueda del interprete que se convertiría en el hombre del látigo y el fedora.</div><div style="text-align: justify;">Fueron muchos los actores considerados para ser Indy, por las audiciones pasaron Tim Matheson, John Shea, Peter Coyote, Paul Le Mat, Mark Harmon, Barry Bostwick, Michael Biehn, Sam Elliott, Bruce Boxleitner, Don Johnson, Sam Shepard y David Hasselhoff. Por cierto, las audiciones se realizaron en la cocina de las oficinas de Lucasfilm, conocida como Egg Company, y Spielberg se entrevistó con los candidatos mientras cocinaban juntos.</div><div style="text-align: justify;">Hicieron una prueba de cámara con Tom Selleck y les encantó, así que lo escogieron para que fuera Indiana Jones, pero el actor tenía un acuerdo que lo ligaba la serie <b>Magnum, P.I.</b> (1980-88), a la que la CBS dio luz verde sólo cuando supo que Lucas y Spielberg querían que protagonizase <b>En busca del arca perdida</b>, y por esa razón se quedó fuera de la película. </div><div style="text-align: justify;">Se iban quedando sin tiempo, Selleck estaba fuera de la ecuación, pero Harrison Ford siempre fue una opción, y le ofrecieron el papel a seis semanas de comenzar el rodaje. La cuestión era que debía firmar por tres películas, algo que no quiso hacer en <b>Star Wars</b>, pero tras leer el guión y reunirse con Spielberg (ambos se entendieron muy bien), aceptó ser Indiana Jones en tres entregas. Para dar vida al personaje fue entrenado en el uso del látigo por el coordinador de especialistas Glenn Randall.</div><div style="text-align: justify;">Para el papel de Marion, la compañera de aventuras de Indy, hicieron pruebas a Barbara Hershey, Debra Winger (una de las favoritas), Jane Seymour, Dee Wallace, Lisa Eilbacher, Mary Steenburgen, Michelle Pfeiffer, Jenny Agutter, Patti D'Arbanville o Sean Young (quien llegó a hacer una prueba de cámara con Selleck que gustó mucho). Spielberg se reunió brevemente con Karen Allen en Nueva York y le habló del proyecto. Una semana después le envió la escena del bar Ravenwood y le pidió que volara a Los Angeles para hacer una audición con Tim Matheson y John Shea (<b>Desaparecido</b>). Allen fue finalmente la elegida, pero aún no había aceptado el papel, y fue entonces cuando por primera vez le enviaron el guión completo. La actriz tuvo que leerlo bajo un gran secretismo, lo hizo en su habitación del hotel mientras un mensajero la esperaba allí sentado, y cuando lo terminó se lo entregó de vuelta. Cuando aceptó el papel le enviaron una nueva versión del guión.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiutImdEj5LK0pyVJMm8OpSkxwpV9HIg99cRYV_d2i23emP0MXMneRpeZwCbAhz1-SzMXPkqF0juZFTgX26tCvfyuOuj9rr8OlabJkuIFPIhP8dYerpAk6l0ogFTKfHDakiJywVMLtzRkQKo1PZUEYfyhIsKfX7oUF5xljGAh7Lg9SVt2Tu/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiutImdEj5LK0pyVJMm8OpSkxwpV9HIg99cRYV_d2i23emP0MXMneRpeZwCbAhz1-SzMXPkqF0juZFTgX26tCvfyuOuj9rr8OlabJkuIFPIhP8dYerpAk6l0ogFTKfHDakiJywVMLtzRkQKo1PZUEYfyhIsKfX7oUF5xljGAh7Lg9SVt2Tu/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Para el papel de Belloq primero Spielberg se entrevistó con actores franceses, para lo que se desplazó a Francia. Después consideró al italiano Giancarlo Giannini para el papel, aunque al final se decantó por el británico Paul Freeman, quien había llamado su atención en la película para televisión <b>Death of a Princess</b> (1980). El actor se reunió en Los Angeles con Spielberg y Lucas, y una semana después el papel era suyo. Curiosamente el tema del acento francés surgió después de que el actor fuera contratado. Mientras Spielberg se encontraba en Elstree apunto de comenzar el rodaje fue cuando le pidió a Freeman si podía hacer un acento francés, algo que para el actor no fue un problema.</div><div style="text-align: justify;">Spielberg le ofreció el papel de Sallah, amigo de Indy, a Danny DeVito, pero un problema de calendario con la serie <b>Taxi</b> (1978-83) no le permitió aceptar el papel. Finalmente el elegido fue el británico John Rhys-Davies. El actor había llamado la atención de Spielberg gracias a una película para televisión y su posterior miniserie llamadas <b>Shogun</b> (1980), y le ofreció el papel.</div><div style="text-align: justify;">Alfred Molina fue escogido para interpretar a Satipo, un guía que ayuda a Indy y después le traiciona. No llegó a realizar ninguna audición, él y Spielberg simplemente se sentaron y hablaron de la película y del papel. Molina cobró un sueldo de 1.000 libras esterlinas a la semana, por tres semanas de trabajo.</div><div style="text-align: justify;">Michael Sheard y Ronald Lacey estuvieron en la lucha por el papel de Toht, siendo finalmente escogido el segundo. Pero Spielberg quiso contar con Sheard y le dio el papel del capitán de submarino.</div><div style="text-align: justify;">Spielberg era fan de Denholm Elliott y le dio el papel de Marcus Brody.</div><div style="text-align: justify;">Según contaba Wolf Kahler, Spielberg lo había visto en <b>Barry Lyndon</b> (1975), y creía que fue por esa película que le dio el papel del nazi Dietrich sin hacer ninguna audición.</div><div style="text-align: justify;">Vic Tablian interpretó a dos personajes distintos, el hombre del mono que trata de matar a Indy, y Barranca, el guía que trata quitarle a Indy el mapa del tesoro en el teaser.</div><div style="text-align: justify;">No fue el único que interpretó dos papeles, Pat Roach hizo el doble papel de sherpa y del nazi que pelea con Indy en el avión. Primero Spielberg lo escogió para interpretar al sherpa, y después creyó que Roach podía ser perfecto para dar vida al enorme mecánico nazi que tiene la pelea a puñetazos con Indy. Para este segundo papel Roach tuvo que afeitarse la cabeza.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Anthony Higgins (en el papel del nazi Gobler), Don Fellows (en la piel del coronel Musgrove), y William Hootkins (como el mayor Eaton).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal comenzó el 23 de junio de 1980 y terminó el 3 de octubre del mismo año. Fue un rodaje bastante viajero que tuvo lugar en Francia, Inglaterra, Túnez y Hawai.</div><div style="text-align: justify;">Spielberg había tenido problemas en sus tres rodajes anteriores, con las películas yéndose de presupuesto y no estaba dispuesto a que eso le volviera a suceder. Pero de entrada se dio cuenta que la película fácilmente podría irse a los 30 millones de presupuesto, de modo que para mantener los 20 millones previstos, creó un nuevo programa de rodaje que pocos conocían, que en lugar de ser los 87 días de rodaje aprobados por Paramount, constaba de tan solo 73 días (calendario que cumplió). De esa forma Spielberg consiguió mantener el presupuesto bastante ajustado y evitó que el tren descarrilara. Aún así y según el libro <b>The Complete Making of Indiana Jones</b>, el presupuesto final de película fue de 22.805.758 de dólares.</div><div style="text-align: justify;">Lucas estuvo presente durante gran parte del rodaje, ya que Spielberg quiso tenerlo junto a él. Incluso llegó a entregarle una cámara en Túnez para que se encargara de tomas de la segundad unidad.</div><div style="text-align: justify;">Tras trabajar con Howard G. Kazanjian en <b>Más American Graffiti</b> (1979), Lucas quiso contar con él como productor ejecutivo para <b>En busca del arca perdida</b>. Frank Marshall fue contratado como productor de la película. Ambos se repartieron las funciones. Kazanjian fue el encargado del presupuesto y la logística, y Marshall de tratar con las personas.</div><div style="text-align: justify;">Spielberg escogió como director de fotografía al gran Douglas Slocombe (<b>Oro en barras</b>, <b>Rollerball</b>), tras trabajar juntos en la edición especial de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/09/encuentros-en-la-tercera-fase.html" target="_blank">Encuentros en la tercera fase</a></b> (1977). Mientras buscaba localizaciones en Túnez, Slocombe sufrió un accidente, viajaba con Spielberg en un jeep, y éste cayó en un agujero que había en la carretera y el camarógrafo se golpeó contra una barra de acero del jeep. Esto provocó que se dañó uno de sus ojos. Con el tiempo Slocombe descubrió que no podía ver por ese ojo porque se le había desprendido la retina.</div><div style="text-align: justify;">Deborah Nadoolman fue la diseñadora de vestuario, y la encargada de crear la famosa indumentaria de Indiana Jones. Nadoolman tomó como inspiración el Charlton Heston de <b>El secreto de los incas</b> (1954) para el look de Indy. Se crearon diez chaquetas, pero antes de empezar a rodar la diseñadora descubrió que eran inservibles y se necesitaron hacer otras diez nuevas de una calidad mejor. Y para el rodaje contaron con una docena de sombreros fedora.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfq3uHX-GBItohdxozmcm25bJ04HzN2xfxnk7YviKcdkU0F0kED8uYQvrkXZHGsFZqXA9tcmjeYnqbkQGZZVVlAJMkHOV1XoZwJ8iEgwfzT0ZNipC6ctMCbgAqaZ2ndRr5qYlQSwwjHfatJ8eJe_6kYvYrkqLWw-tr9lRWfEH21VKRd9IN/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfq3uHX-GBItohdxozmcm25bJ04HzN2xfxnk7YviKcdkU0F0kED8uYQvrkXZHGsFZqXA9tcmjeYnqbkQGZZVVlAJMkHOV1XoZwJ8iEgwfzT0ZNipC6ctMCbgAqaZ2ndRr5qYlQSwwjHfatJ8eJe_6kYvYrkqLWw-tr9lRWfEH21VKRd9IN/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Para la secuencia del submarino, no querían construir uno a propósito, así que recurrieron a la producción alemana <b>Das Boot</b> (1981) y alquilaron el submarino que habían construido para la producción. Éste se encontraba en La Rochelle (Francia) y como no podían llevárselo a otro lugar, tuvieron que rodar sus escenas allí. Y fue en ese emplazamiento donde comenzó el rodaje, no se inició en Elstree porque se produjo un incendió en los estudios durante el rodaje de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2019/05/el-resplandor.html" target="_blank">El resplandor</a></b>, lo que retrasó que la producción pudiera comenzar a rodar allí. Se pasaron rodando en La Rochelle durante una semana. Aunque Spielberg quería contar con Lucas, no pudo hacerlo durante esa primera semana, ya que padeció un terrible mareo por estar en el mar, y se fue de vuelta a casa.</div><div><div style="text-align: justify;">Cuando encontraron el barco que daría vida al Bantu Wind, en el que viajan Indy y Marion, estaba destartalado y con marcas de óxido por todas partes, pero cuando llegó el momento de rodar descubrieron que habían pintado el barco, por lo que a toda prisa tuvieron que devolver al barco al estado original en que lo habían encontrado.</div><div style="text-align: justify;">El segundo día de rodaje, en una escena de lucha con los nazis en el Bantu Wind, Karen Allen recibió un golpe en la cara, pero tras colocarle hielo estuvo dispuesta para seguir rodando.</div></div><div style="text-align: justify;">El rodaje se movió a Inglaterra, más concretamente a los Elstree Studios, donde se construyeron varios interiores. Lucas quiso rodar en Elstree tras la buena experiencia que había tenido rodando allí las dos primeras entregas de <b>Star Wars</b>. </div><div style="text-align: justify;">En Elstree rodaron escenas tan importantes como la del Iman y Sallah con el cabezal del bastón de Ra, la secuencia del templo del teaser, la sala de mapas (donde Indy usa el cabezal), la del "Pozo de almas", la del bar de Marion, la escena entre Indy y Marion en el camarote del Bantu Wind, la escena de la tienda de Belloq (en la que éste le regala un vestido a Marion), y la escena de la apertura del arca del clímax.</div><div style="text-align: justify;">El que peor lo pasó rodando la escena del templo peruano fue Alfred Molina, quien tuvo que tener varias tarántulas por todo su cuerpo. Inicialmente le colocaron sólo arañas macho y no se movían, por lo que parecían falsas, pero en cuanto le pusieron encima una hembra todas las demás comenzaron a moverse como locas, momento que Spielberg aprovechó para comenzar a rodar.</div><div style="text-align: justify;">Norman Reynolds se encargó de crear la bola gigante de piedra, que realmente estaba fabricada en fibra de vidrio, y tenía unos 7 metros de diámetro. Aunque la escena con la bola parecía muy peligrosa, realmente no lo fue. Mediante un mecanismo se podía controlar su avance. Primero ensayaron con un especialista y no fue hasta que vieron que no había peligro, que rodaron con Ford.</div><div style="text-align: justify;">La escena en el bar de Marion originalmente era más larga y contenía más diálogos entre los personajes, pero Spielberg decidió reescribirla y reducirla a lo más imprescindible. Durante el tiroteo, en el que el bar arde en llamas, Karen Allen se quemó un brazo. Pero el peor parado fue Pat Roach, que daba vida al sherpa y que durante la escena cae sobre una mesa envuelto en llamas. Estaba previsto que la mesa se rompiese al caer Roach sobre ella, durante los ensayos todo salió bien, pero a la hora de rodar la mesa no se rompió y Roach quedó inconsciente, lo peor es que le habían prendido fuego, por lo que a punto estuvo de quemarse vivo. El especialista Billy Horrigan se dio cuenta de lo que estaba sucediendo y acudió en su ayuda, salvándole la vida.</div><div style="text-align: justify;">Cuando tocó rodar la escena con las serpientes en el "Pozo de almas" inicialmente contaron con unos 2.000 bífidos, pero a Spielberg no le parecieron suficientes tras ver las impresionantes dimensiones del decorado creado por Norman Reynolds, y quiso llenar el set con más reptiles. Al final consiguieron juntar cerca de 7.000 serpientes (entre las que había pitones, cobras y boas constrictor). Siempre que se trabaja con animales pueden ocurrir accidentes, y el asistente del director David Tomblin se llevó la peor parte cuando le mordió una pitón. Por otro lado, una cobra mordió a una boa, la cual resultó muerta. Ford no corrió ningún peligro en la escena en la que una cobra se planta delante suya, ya que para seguridad del actor pusieron un vidrio entre él y la serpiente. Pero no pudieron rodar con las cobras cuando lo tenían previsto, ya que el antídoto que recibieron estaba caducado, recibieron posteriormente otro que también resultó estar caducado, cuando se estaban quedando sin tiempo por fin apareció un antídoto válido y pudieron rodar la escena.</div><div><div style="text-align: justify;">Salieron de Elstree para rodar en "Royal Masonic School for Girls", escuela que hizo las veces de universidad donde imparte clases Indy, y como oficina del gobierno en Washington D.C. para la escena final de la película.</div></div><div style="text-align: justify;">En medio del rodaje en Elstree recibieron la noticia de que el productor Robert Watts sufría de apendicitis y tendría que ser operado.</div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCTxnzgBaWppkVS9v-Y20Z4_bX2zVmZMmGLyL7f6HMlI5jxP-yHcDAntGeXatfqkYnZzB-Z71tvUjWnuJVzXGoYQtpGy3uUeXWdzSRKD-aE3ryK2tE6i7Oanb-G7LnRvTPccwH9I2g01QFlg3MopV3U9IXPUkJ-WhtHo78kdd48fxGWxEU/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCTxnzgBaWppkVS9v-Y20Z4_bX2zVmZMmGLyL7f6HMlI5jxP-yHcDAntGeXatfqkYnZzB-Z71tvUjWnuJVzXGoYQtpGy3uUeXWdzSRKD-aE3ryK2tE6i7Oanb-G7LnRvTPccwH9I2g01QFlg3MopV3U9IXPUkJ-WhtHo78kdd48fxGWxEU/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2005.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: justify;">De Inglaterra la producción se trasladó a Túnez para continuar la filmación. Las condiciones de rodaje en el nuevo emplazamiento fueron muy duras, era normal alcanzar temperaturas superiores a los 50 ºC. A los pocos días de comenzar a rodar, el equipo comenzó a ponerse enfermo, algunos de desmayaban por el agotamiento producido por el calor.</div><div><div style="text-align: justify;">La producción tenía previsto rodar en Túnez durante seis semanas, pero Spielberg lo pasó tan mal que apuró el rodaje reduciéndolo a cuatro semanas y media. Gran parte del equipo enfermó por comer la comida local, padeciendo disentería. Por su parte, el director comía siempre comida enlatada de Reino Unido.</div><div style="text-align: justify;">Como se puede ver no fue un rodaje fácil en Túnez, además del increíble calor que hacía y de las enfermedades, había que sumarle los problemas a nivel logístico, era una locura para el director tener que comunicarse con un gran grupo de personas que hablaban diferentes idiomas (inglés, árabe, francés e italiano) y tenía que utilizar interpretes.</div><div><div style="text-align: justify;">Si no había tenido suficiente en La Rochelle, Lucas no lo pasó mejor en Túnez, se quemó gravemente por el sol, lo que provocó que su cara se hinchase considerablemente.</div></div><div style="text-align: justify;">Para poder rodar el plano general de la ciudad de El Cairo, en realidad Sousse, tuvieron que quitar entre 200 y 300 antenas para hacer creíble que la historia acontecía en 1936.</div><div style="text-align: justify;">Spielberg recuperó un gag que había ideado para <b>1941</b> (1979), en el que Christopher Lee convertía lo que parecía un instrumento de tortura en una percha (momento que eliminó del montaje final), para la escena de la tienda de campaña, en la que Toht hace lo mismo ante una asustada Marion. Y ésta vez el gag sí funcionó.</div><div style="text-align: justify;">Otro de los gags más recordados de la película es cuando el mono hace el saludo del Heil Hitler. Para conseguirlo pusieron una uva en una caña de pescar, la cual el mono trataba de alcanzar, tras repetir una y otra vez la toma, consiguieron que el animal hiciera un saludo parecido al que buscaban. Ese momento se rodó durante la post-producción. El mono además resultó ser un animal intratable que mordía a todo el mundo y se negaba a hacer los trucos para los que había ensayado.</div><div><div style="text-align: justify;">Y otra escena con animales resultó de una forma muy curiosa. El momento de la rata que se comporta de forma extraña en presencia del arca, se llevó a cabo con una rata que era sorda (llamada Vivian) y que realizaba un curioso movimiento girando la cabeza para oír de un oído, que encajaba con lo que necesitaban que hiciera en la escena.</div><div style="text-align: justify;">Una de las grandes escenas de acción de la película es la pelea entre Indy y un enorme nazi al lado del avión. Ron Cobb se encargó de diseñar el avión, originalmente lo diseñó con cuatro motores, pero Lucas lo redujo a dos por razones presupuestaras. Inicialmente iban a aparecer también más aviones experimentales nazis, pero terminaron descartándolos. El avión se construyó en Londres, después se desmotó para transportarlo a Túnez, primero en un camión y después en un barco, y al llegar a Túnez tuvieron que montarlo de nuevo. Aunque parezca increíble Spielberg fue improvisando toda la secuencia, con su cabeza desbordando ideas. Cuando llegó el día del rodaje los especialistas estaban enfermos, así que no había nadie para interpretar al piloto al que Marion deja KO, por lo que Spielberg recurrió a Frank Marshall para que se hiciera cargo del papel. El productor salió ileso del momento en que Karen Allen le golpea en la cabeza con los calzos del avión, y se pasó tres días rodando la escena. Peor parado salió Ford en dicha secuencia, pese a realizar varios ensayos, en una de las acrobacias, el actor se resbaló con la mala fortuna de que una rueda del avión pasó por encima de su pierna izquierda y le rompió el ligamento cruzado anterior. En lugar de llevarlo al médico, le envolvieron la pierna y le pusieron hielo, y el actor continuó el rodaje como si nada. Al final el hacer personalmente muchas de sus escenas de riesgo, le jugo una mala pasada.</div></div><div style="text-align: justify;">La secuencia más recordada de la película es la persecución del camión. Spielberg relegó toda la secuencia a la segunda unidad, con Michael D. Moore como director. Spielberg creó los storyboards de toda la secuencia y Moore se encargó de seguirlos a pies juntillas. Necesitaron para rodarla entre seis y ocho semanas. Spielberg se encargó de filmar los planos en los que aparecía Ford. Rodar esta peligrosa secuencia pasó factura al equipo de especialistas, siendo varios los que resultaron heridos. </div><div style="text-align: justify;">Spielberg estaba abierto a las ideas, y le dio el visto bueno a algunos cambios propuestos por Allen y Freeman en las escenas que comparten juntos. Se les ocurrió que en la escena de la tienda, ella tratara de emborracharlo mientras está retenida (aprovechando la idea de la escena del concurso de beber visto al comienzo de la película), pero no lo consigue y termina emborrachándose a si misma. Ambos también idearon que en lugar de una escena de seducción, la razón por la que ella se pone el vestido que le regala Belloq, es para ocultar el cuchillo que robó.</div><div style="text-align: justify;">Otro gran momento de la película vino de la improvisación, inicialmente Indy debía luchar contra el árabe con la cimitarra, pero Spielberg estaba harto de rodar en esa localización y quería terminar lo antes posible la escena, y por su parte Ford sufría de gastroenteritis. Tras una pequeña reunión entre el director, el actor, y los productores para dar con la forma de rodar la escena lo más rápido posible, fue Ford quien sugirió que en lugar de luchar con el árabe, lo mejor sería que simplemente le pegara un tiro. A Spielberg le gustó la idea y así quedó inmortalizado en la película.</div><div style="text-align: justify;">La producción se mudó de Túnez a Hawai para rodar el teaser. Durante el viaje desde Túnez se toparon con una huelga de controladores aéreos, lo que retrasó la llegada de muchos miembros del equipo. El rodaje en Hawai comenzó el 30 de septiembre de 1980.</div></div><div style="text-align: justify;">Durante la filmación en Hawai a Spielberg se le ocurrió la idea que comenzar la película con una montaña que imitara el logotipo de la Paramount, y le pidió a Frank Marshall que buscara en la isla de Kauai, en la que se encontraban rodando, una que encajara con su idea. El productor recorrió toda la isla en coche hasta que dio con la montaña perfecta, y así la película tuvo su característico plano inicial, idea que se convertiría en una de las señas de identidad de la saga.</div><div style="text-align: justify;">Aunque la fotografía principal terminó el 3 de octubre de 1980 en Hawai, la segunda unidad continuó rodando unos días más en el paradisíaco lugar. El 9 de octubre, Ford terminó de rodar sus escenas, entre ellas la de la avioneta del teaser, que se retrasó debido a que la primera vez se estrelló en la orilla del río, y necesitaron repararla.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_LSDlOJpjFs6kIl1QOrak9lChtqIquPRknbO9l6_TDepfDv1pkD7lbAjuPDgkQmyL10pGnipgU6_kb1SNV2h-lGGM6-5SbnlpstzDqftyAnzrfcodUX5xxSmPJcb01JaUKvyLmTRlHJXG1jxRAbzs7UbYDxIcw00dM0_52q5DovyMHLps/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2006.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_LSDlOJpjFs6kIl1QOrak9lChtqIquPRknbO9l6_TDepfDv1pkD7lbAjuPDgkQmyL10pGnipgU6_kb1SNV2h-lGGM6-5SbnlpstzDqftyAnzrfcodUX5xxSmPJcb01JaUKvyLmTRlHJXG1jxRAbzs7UbYDxIcw00dM0_52q5DovyMHLps/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2006.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Como no podía ser de otra forma, la ILM se encargo de los efectos visuales de la película. Su mayor reto fue la creación de los fantasmas en el clímax, para los que se barajaron diferentes técnicas, pero los meses pasaban y no daban con la forma de poder hacerlo, hasta que a alguien se le ocurrió utilizar títeres de seda y filmarlos en un tanque de nubes, que está lleno de agua. Y así consiguieron rodar la memorable escena.</div><div style="text-align: justify;">Otro gran efecto fue el increíble momento en que la cara de Toht se derrite al abrir el arca. El gran Chris Walas (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/06/la-mosca.html" target="_blank">La mosca</a></b>) se encargó de ese efecto. Para ello hizo un molde de la cabeza del actor, después construyó un cráneo en piedra y sobre él colocó capas de gelatina que se convirtieron en su piel. Esta gelatina se derretía a una temperatura muy baja, y cuando rodaron el efecto colocaron dos calefactores de propano para conseguir que se fundiese, y además Walas utilizó una pistola de aire caliente para aplicar calor donde hacía falta. Rodar toda la toma requirió de cerca de 10 minutos, pero después se aceleró en post-producción para que durara sólo unos segundos.</div><div style="text-align: justify;">Los efectos de sonido fueron todo un reto. Por ejemplo, el sonido de la roca gigante lo consiguió Ben Burtt colocando un micrófono bajo el chasis de un coche bajando por un camino de piedras. Y el sonido de Indy agarrándose a una enredadera que se desprende durante el teaser, se consiguió con una persona mordiendo una manzana. Aunque parezca increíble también ocurrieron accidentes durante las sesiones de grabación de los efectos de sonido, que resultaron ser tan peligrosas como el rodaje propiamente dicho. Cuando Richard L. Anderson estaba creando el sonido de las antorchas para la escena del "Pozo de almas", por accidente se prendió fuego y tuvieron que apagarlo a toda prisa.</div><div style="text-align: justify;">Michael Kahn, el montador habitual de Spielberg, se encargó de editar todo el material e iba montando la película conforme Spielberg iba rodando, gracia a eso, Kahn tuvo un montaje inicial sólo dos semanas después de haber acabado el rodaje. Spielberg tenía el <i>final cut</i>, pero Lucas estuvo presente durante el montaje, e hizo sugerencias como cortar un gag en el que un árabe se desmayaba al ver a Indy y Marion salir de las catacumbas. Además el final le parecía demasiado largo, y éste se acortó. De esa forma la película estaba completa. Bueno, casi, ya que hubo dudas con el momento de Indy disparando al árabe con la cimitarra, Lucas creía que debía mantenerse la versión original con la pelea entre ambos, pero Spielberg prefería la nueva versión de la escena, al final Lucas decidió hacer pases de prueba con las dos versiones para tomar una decisión, y al público le encantó el momento de Indy disparando y por esa razón se dejó en la película.</div><div style="text-align: justify;">Como es habitual en la obra de Spielberg, John Williams se encargó de componer la música para la película. Originalmente escribió dos temas para Indy, y después de tocarlas para Spielberg, éste le preguntó si no podía usar ambos, y Williams así lo hizo, uniéndolos para crear el famoso tema principal de la película.</div><div style="text-align: justify;">Se proyectó un primer trailer de la película en el Grauman's Chinese Theatre que no mostraba metraje de la película, pero no gustó, y se descartó realizándose un nuevo trailer.</div><div style="text-align: justify;">La película se terminó estrenando en Estados Unidos el 12 de junio de 1981, adelantándose una semana a su mayor competencia de ese verano <b>Superman II</b> (1980). Pese a no tener un gran debut en la taquilla, el boca a boca entre el público fue creciendo y con ella la recaudación, convirtiéndose en la película no sólo del verano, si no también del año. Su recaudación final en Estados Unidos fue de 212.222.025 de dólares, lo que la colocó como la tercera película más taquillera de la historia, superando a <b>El imperio contraataca</b> (1980), y por detrás de <b>La guerra de las galaxias</b> (1977) y <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/06/tiburon.html" target="_blank">Tiburón</a></b> (1975). En los reestrenos de 1982 y 1983, sumó otros 21.437.879 y 11.374.454 de dólares respectivamente. Con los que cerró la década de los ochenta con 245.034.358 de dólares recaudados.</div><div style="text-align: justify;">Y el éxito de la película se repitió con los Oscar, ya que la película recibió ocho nominaciones en las categorías de mejor película (Frank Marshall), mejor director (Steven Spielberg), mejor fotografía (Douglas Slocombe), mejor banda sonora original (John Williams), mejor dirección de arte (Norman Reynolds, Leslie Dilley y Michael Ford), mejor sonido (Bill Varney, Steve Maslow, Gregg Landaker y Roy Charman), mejor montaje (Michael Kahn), mejores efectos visuales (Richard Edlund, Kit West, Bruce Nicholson y Joe Johnston), ganando estos últimos cuatro, además de un Oscar especial por la edición de efectos de sonido (Ben Burtt y Richard L. Anderson).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">Cuando hablamos de <b>En busca del arca perdida</b> lo hacemos de la que es considerada generalmente como la mejor película de aventuras que se haya realizado (aunque yo siempre pongo por encima a <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/04/indiana-jones-y-la-ultima-cruzada.html" target="_blank">Indiana Jones y la última cruzada</a></b>). Reescribió las bases del género, hasta tal punto, que después de su estreno todas las películas de aventuras se parecían a <b>En busca del arca perdida</b>, y los héroes de acción eran como Indiana Jones.</div><div style="text-align: justify;">Antes de <b>En busca del arca perdida</b> los referentes del género eran <b>Robin de los bosques</b> (1938), <b>La reina de África</b> (1951) o <b>El hombre que pudo reinar</b> (1975), pero la llegada de Indy al cine borró de un plumazo como se concebía el cine de aventuras. Posiblemente la primera película que nos viene a la mente cuando pensamos en este género es ésta.</div><div style="text-align: justify;">La película respira un gran sentido de la aventura desde el primer plano, cuando el logo de la Paramount se convierte en una montaña de Sudamérica. Todo el teaser nos mete de lleno en un mundo exótico donde el peligro, las trampas y la emoción aguardan a la vuelta de la esquina. Y es que no hay mundo como el de Indiana Jones.</div><div style="text-align: justify;">Una cosa que me sorprende de la película es el gran ritmo que tiene, ya desde el minuto uno. Es algo increíble teniendo en cuenta que se trata de una película de 1981, cuando los tempos eran otros. Se entiende que al público le volara la cabeza en su estreno. Y eso es algo que la ha hecho envejecer muy bien.</div><div style="text-align: justify;">Pero creo que a veces va demasiado rápido, Spielberg primó el ritmo a la sobreexplicación (lo que es un acierto), pero eso provoca que queden ciertos huecos, que en ocasiones podemos rellenar nosotros mismos (como huye Sallah de los nazis tras ser atrapado por ellos), en otras se necesitaría de una buena explicación (como consigue Indy viajar en el submarino hasta la isla de los nazis) y otras no están lo suficientemente desarrolladas (como la relación entre Marion y Belloq). Y en esto último me explayo un poco más. Parece que hay una atracción entre ambos, pero no conocemos su background, directamente los vemos juntos por primera vez en la escena de la tienda en la que él le regala el vestido, pero todo me parece demasiado precipitado y sería necesario mediante el diálogo que nos explicaran si se conocen previamente, o de donde le viene a Belloq su atracción por Marion (ella realmente parece fingirla sólo para hacerse con el cuchillo y huir).</div><div style="text-align: justify;">La primera mitad de la película es un prodigio de como presentar un personaje (Indy en el teaser), la trama (en la escena con los hombres del gobierno americano se nos explica de una forma clara las intenciones de los villanos y la misión del héroe), y como colocar todas las piezas para lo que viene después (Indy consigue el cabezal de Marion y los nazis de la mano de Toht). Y luego queda toda la genial segunda mitad de la película, que es incluso mejor que la primera y que está llena de momentos espectaculares (la persecución del camión), terroríficos (Marion rodeada por esqueletos), y cómicos (Marion golpeando a Indy con el espejo). Para desembocar en un final antológico.</div><div style="text-align: justify;">El guión funciona de maravilla, por ejemplo ya nos presenta a Belloq en el arranque de la película, y tenemos dos escenas donde se enfrenta a Indy antes del clímax final (la conversación en el bar de El Cairo y el momento con el bazooka) para desarrollar su enemistad. Tiene las dosis de humor necesarias, pero tampoco demasiadas (alguna me sobra, como el momento en que Marion quema a Indy al confundir su látigo con una serpiente). Y crea personajes interesantes y memorables. Es la mezcla perfecta, de acción, aventura, humor y romance.</div><div style="text-align: justify;">Sentó las bases de toda la saga, el teaser con una aventura inicial (una influencia de la saga 007), la introducción de un Macguffin, el viaje por el mundo obteniendo diferentes objetos y pistas, que llevan al inevitable final. Pero nunca resulta mecánico, lo hace de una forma tan orgánica, que no nos damos ni cuenta, y hasta parece fácil lo que hace.</div><div style="text-align: justify;">Spielberg está en continuo estado de gracia, ésta era su primera película de acción y se nota que nació para este género. Todas las escenas de acción son fantásticas, principalmente la del camión, con su sinfín de acrobacias, dejando espacio para que se luzcan los especialistas. Y crea planos que me vuelan la cabeza, como ese barrido que hace la cámara en la escena del avión, que muestra el avance del fuego hacia el camión de combustible y que llena de tensión la escena. O los juegos con las sombras en la escena del bar de Marion.</div><div style="text-align: justify;">Lo más interesante de Indy es que no es un héroe blanco, está lleno de grises, en el fondo se dedica a conseguir/robar piezas de otras culturas para venderlas a los museos, pero es profesor de arqueología, lo que demuestra que le apasiona su campo, por lo que se trata de un personaje amoral. Belloq es su reflejo oscuro, es en lo que podría convertirse, Indy siempre está a un paso de ser como él. Spielberg continuamente muestra a Indy en la oscuridad. Cuando lo vemos por primera vez en su presentación en el teaser, es emergiendo de las sombras. Y cuando encuentra el arca con Sallah, acaricia el sarcófago cegado por el poder del arca, mientras que Sallah es visible por las luces de las antorchas, Indy siempre permanece oculto en la sombras.</div><div style="text-align: justify;">En el (excelente) discurso de Belloq, con el que logra convencer a Indy de que no destruya el arca con el bazooka, declara que ellos no son más que personas que pasan por la historia, mientras que el arca es historia, Indy se ve en la situación de saber lo que es él realmente, y como arqueólogo no es posible que destruya el arca. Hasta entonces no creía en el poder o importancia de las reliquias que buscaba, pero en esa escena sí lo hace, y posiblemente siempre lo haga. En lo que queda de película Spileberg nunca vuelve a mostrar a Indy oculto por las sombras. Algo ha cambiado en él.</div><div style="text-align: justify;">Hay una lucha entre la razón y la fe. El gobierno de los Estados Unidos no cree en el poder de arca, en la primera reunión con Indy son escépticos sobre el objetivo de los nazis, y al final guardan el arca en un almacén, como si fuera una reliquia más. Mientras que los nazis, o más bien su führer, sí cree ciegamente en su poder. En un momento Indy le dice a Brody: <i>"No creo en la magia, ni en las supersticiones"</i>. Pero al final de la película tiene fe, hace lo correcto, y eso le salva la vida, ya que la ira de Dios no se cierne sobre él, como sí sucede con los nazis y Belloq. Está en el lado de los buenos.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfZJEfPNjFNvMfzIw4RZ9w3DUg7Jb7bge63l4_ICZNZ-kkK9S0aTdpTkbTf9Mxzi7IbluQ8BX6vGtvvmVUwk5hdI0ytBkzUkpVtXpA2-6qxctMUo2CNaeHY1JGnWDUEAPSjW24xTGvpTs12FPPco5vdKcE3wP1-H37d2PgDQ2yp3_5n6sW/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2007.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="298" data-original-width="700" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfZJEfPNjFNvMfzIw4RZ9w3DUg7Jb7bge63l4_ICZNZ-kkK9S0aTdpTkbTf9Mxzi7IbluQ8BX6vGtvvmVUwk5hdI0ytBkzUkpVtXpA2-6qxctMUo2CNaeHY1JGnWDUEAPSjW24xTGvpTs12FPPco5vdKcE3wP1-H37d2PgDQ2yp3_5n6sW/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20En%20busca%20del%20arca%20perdida%2007.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Como comenté, Spielberg hace un gran uso de las sombras en la mítica escena del bar en el Nepal, con ese memorable plano del encuentro con Marion. Todo lo que vemos de Indy es su sombra proyectada en la pared detrás de ella, convirtiendo al personaje en una figura icónica. Y después el director vuelve a utilizar el mismo recurso durante el posterior tiroteo, dotado de una excelente planificación.</div><div style="text-align: justify;">Ford nació para interpretar al famoso arqueólogo, es imposible ver a otro actor en el papel, y es que Ford hace suyo al personaje, aportándole su carisma y sentido del humor.</div><div style="text-align: justify;">Marion es la mejor compañera de aventuras que ha tenido Indy, es un personaje fuerte, pero femenino, a quien Karen Allen presta su entereza y simpatía. Creo que una de las razones por las que la película ha envejecido tan bien, es que supo crear un buen personaje femenino que no fuera la clásica damisela en apuros, Marion es tan aguerrida y dura como el propio Indy. Normal que éste se termine casando con ella en la cuarta parte.</div><div style="text-align: justify;">Y Belloq también es el mejor villano que ha tenido Indy, primero porque no cae en los tópicos de ser un villano al uso, aunque es el reverso tenebroso de Indy, siempre se muestra educado, inteligente e ingenioso, y aunque se alía con los nazis, sólo lo hace para conseguir el arca y utilizar su poder, no cree en la causa de estos. Tanto se parece a Indy, que también le atrae Marion.</div><div style="text-align: justify;">La música de Williams es una maravilla y es la que convierte finalmente a <b>En busca del arca perdida</b> en la gran película de aventuras que es, Williams eleva la película con su música, y la fanfarria de Indy se queda grabada en tu cabeza para siempre.</div><div style="text-align: justify;">Me encanta el final de la película y como se resuelve. Indy no sólo no mata a los villanos como sería lo más típico, si no que es la ira de Dios la que pone punto y final a la historia y acaba con ellos. Esta es una de las razones por al que <b>En busca de arca perdida</b> es una película tan especial y única.</div><div style="text-align: justify;">Y convertir a los nazis en los villanos de la historia, es un golpe de genio, ya que no hay villanos mejores.</div><div style="text-align: justify;"><b>En busca del arca perdida</b> es una sucesión de escenas icónicas. Con ese ya clásico plano final del almacén donde guardan el arca. Indy corriendo delante de un bola gigante. La pelea con el enorme nazi en el avión. La persecución del camión. El momento del "Pozo de almas" con el bastón. La película es un enorme parque de atracciones, en el que es imposible aburrirse.</div><div style="text-align: justify;">A su sombra surgieron un sinfín de película imitadoras, y el cine de aventuras se puso de moda. Tras ella llegarían todo tipo de producciones, desde grandes superproducciones hasta películas de serie B como <b>La gran ruta hacia China</b> (1983), <b>El tesoro de las cuatro coronas</b> (1983), <b>Tras el corazón verde</b> (1984), <b>La joya del Nilo</b> (1985), <b>Las minas del rey Salomón</b> (1985), <b>Allan Quatermain y la ciudad perdida del oro</b> (1986), <b>Sky Pirates</b> (1986), <b>El templo del oro</b> (1986), <b>Jane en busca de la ciudad perdida</b> (1987), <b>La gran aventura de la India</b> (1988), <b>Las aventuras de Tennessee Buck</b> (1988) o <b>El misterio de la pirámide de oro</b> (1988). Incluso el propio Spielberg le sacó provecho con <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/11/los-goonies.htmlv" target="_blank">Los Goonies</a></b> (1985) y <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2016/04/el-secreto-de-la-piramide.html" target="_blank">El secreto de la pirámide</a></b> (1985). La sombra de Indiana Jones es alargada y tiempo después del boom de los ochenta siguieron llegando títulos como <b>La Momia</b> (1999), <b>Lara Croft: Tomb Raider</b> (2001) o <b>La búsqueda</b> (2004).</div><div style="text-align: justify;">Es una película increíblemente influyente, que ha marcado a futuros directores. Matthew Vaughn, M. Night Shyamalan, Joseph Kosinski, Neil Marshall o Pete Docter han reconocido que <b>En busca del areca perdida</b> es una de sus películas favoritas.</div><div style="text-align: justify;">Es el clásico por antonomasia del cine de aventuras y el que reescribió las claves del género. Es una obra maestra del entretenimiento. Después del <b>En busca del arca perdida</b> la aventura sólo tuvo un hombre, y ese fue Indiana Jones.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Kasdan tomó el nombre de Marion de la abuela de su mujer.</div><div style="text-align: justify;">En la escena de Indy con el bazooka se puede ver como Paul Freeman se traga una mosca.</div><div style="text-align: justify;">Spielberg considera ésta la mejor película de la saga.</div><div style="text-align: justify;">Lucas le dio a su héroe el nombre de Indiana porque era como se llamaba su perro, un Alaskan malamute.</div><div style="text-align: justify;">Harrison Ford improvisó la frase: <i>"No son los años, cariño. Es el rodaje."</i></div><div style="text-align: justify;">El técnico de efectos visuales Dennis Muren hizo un cameo como un espía nazi a petición de Spielberg.</div><div style="text-align: justify;">Los uniformes nazis eran excedentes reales de la Segunda Guerra Mundial.</div><div style="text-align: justify;">En la escena del "Pozo del almas", cuando Indy y Sallah consiguen el arca, si uno se fija en los grabados egipcios que tienen a su espalda, puede ver a R2-D2 y C-3PO de <b>La guerra de las galaxias</b>.</div><div style="text-align: justify;">Se puede oír un famoso grito Wilhelm durante la persecución del camión, cuando uno de los soldados nazi se cae de la parte trasera del camión.</div><div style="text-align: justify;">La serie <b>Magnum, P.I. </b>(1980-88) hizo una parodia de la película con su episodio <b>"Legend of the Lost Art"</b> (temporada 8, episodio 10).</div><div style="text-align: justify;">Fue idea de David Tomblin, asistente del director, que una de las alumnas de Indy se escribiera en los parpados "Love You".</div><div style="text-align: justify;">En <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/04/indiana-jones-y-la-ultima-cruzada.html" target="_blank">Indiana Jones y la última cruzada</a></b>, durante la secuencia de las catacumbas de Venecia, Indy se encuentra un grabado del arca de la alianza.</div><div style="text-align: justify;">Se utilizaron cerca de 50 tarántulas para la secuencia inicial.</div></div><div style="text-align: justify;">Cuando rodaron el momento de las explosiones en la secuencia del avión nazi, éste comenzó a arder como estaba previsto, y al finalizar de rodar los bomberos comenzaron a apagarlo, pero de forma inesperada sus mangueras también comenzaron a arder.</div><div style="text-align: justify;">Con sus 115 minutos de duración, es la película más corta de la saga.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (Nº 48, 49, 50, 51, 57, 69, 103, 131)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://screenrant.com/raiders-lost-ark-karen-allen-interview-40th-anniversary/" target="_blank">Karen Allen Interview: Raiders of the Lost Ark 40th Anniversary</a></b> (Screenrant, 11 jun 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/alfred-molina-on-matador-night-ranger-and-not-throwin-1798272647" target="_blank">Alfred Molina on Matador, Night Ranger, and not throwing Indy the whip</a></b> (AV Club, 26 ago 2014)</div><div style="text-align: justify;"><b>Venice Magazine</b> (Dic 2000/Ene 2001)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.theraider.net/features/interviews/michael_sheard.php" target="_blank">Michael Sheard Interview</a></b> (theraider.net, 3 abr 2003)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.theraider.net/features/interviews/deborah_nadoolman.php" target="_blank">Deborah Nadoolman Interview</a></b> (theraider.net, 14 sep 2005)</div><div style="text-align: justify;"><b>Empire Magazine</b> (Nº 227)</div><div style="text-align: justify;"><b>How Old Movie Serials Inspired Lucas and Spielberg</b> (The New York Times, 7 jun 1981)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://thinwhiteduke76interviews.blogspot.com/2010/01/wolf-kahler-interview.html?m=1" target="_blank">Wolf Kahler Interview</a></b> (Thin White Duke Interviews, 15 ene 2010)</div><div style="text-align: justify;"><b>Raiders: The Melting Face!</b> (Extra DVD)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0082971/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.indiewire.com/features/general/raiders-of-the-lost-ark-karen-allen-changed-scene-1234659986/" target="_blank">‘Raiders of the Lost Ark’ at 40: How Karen Allen Kept Marion Ravenwood from Ever Being a ‘Damsel in Distress’</a></b> (IndieWire, 25 ago 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b>Nacidos para ser malos</b> (Timon Singh, 2018)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://audienceseverywhere.net/brief-interview-john-rhys-davies/" target="_blank">A Brief Interview With John Rhys-Davies</a></b> (Audiences Everywhere, 28 oct 2015)</div><div style="text-align: justify;"><b>The Making of Raiders of the Lost Ark</b> (Extra DVD)</div><div style="text-align: justify;"><b>The Complete Making of Indiana Jones</b> (J.W. Rinzler, 2008)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.theguardian.com/film/2021/jul/23/the-making-of-raiders-of-the-lost-ark-film-1981" target="_blank">The making of Raiders of the Lost Ark</a></b> (The Guardian, 23 July 1981)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://britishcinematographer.co.uk/douglas-slocombe-obe-bsc-raiders-of-the-lost-arc/" target="_blank">Douglas Slocombe OBE BSC</a></b> (British Cinematographer)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com13tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-83898905170928909322023-05-28T03:21:00.002-07:002023-06-19T07:30:00.899-07:00Señalado por la muerte<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSAlM101ajaUN0iOjMbU7mdeMa3Em5AsirgPB62jBOSJtJIAuO4iJ3LY_VVB-ud39dGuEmnM2S8E0UZ_HDiw0dhLBZsqdy3YgtEIeEBLpBlsyG8UqhVyDaDy2_ySb0vt65C1Nv4rSD60shs1oXra9_1xNunfxBgdV8XASvS51GT1jK1gar/s700/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="429" data-original-width="700" height="245" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiSAlM101ajaUN0iOjMbU7mdeMa3Em5AsirgPB62jBOSJtJIAuO4iJ3LY_VVB-ud39dGuEmnM2S8E0UZ_HDiw0dhLBZsqdy3YgtEIeEBLpBlsyG8UqhVyDaDy2_ySb0vt65C1Nv4rSD60shs1oXra9_1xNunfxBgdV8XASvS51GT1jK1gar/w400-h245/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2001.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un ex-agente de la DEA se enfrenta a una banda de narcotraficantes jamaicana que atacó a su familia.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: red;">Comienzo dando las gracias a Michael Grais, guionista y productor de <b>Señalado por la muerte</b> (Marked for Death, 1990) y a Tom Wright, uno de sus protagonistas, con quienes pude contactar y que me prestaron su ayuda respondiendo a mis preguntas. I</span><span style="color: red;">ncluso</span><span style="color: red;"> </span><span style="color: red;">Grais tuvo a bien revisar mi artículo antes de su publicación.</span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>SCREWFACE</b></div><div style="text-align: justify;">Tras escribir y producir <b>Poltergeist II: El otro lado</b> (1986), Michael Grais y Mark Victor se embarcaron en otro proyecto. Su agente les presentó a Steven Seagal, un experto en artes marciales que estaba dando sus primeros pasos en el mundo del cine, y ambos creyeron que era una estrella del cine de acción en potencia, así que idearon escribir un guión para que lo protagonizase. El punto de partida de la historia provino del mundo real. <i>"Mark y yo nos inventamos la historia influenciados por un artículo periodístico sobre una ciudad suburbana tomada por una banda de narcotraficantes de Jamaica,"</i> me explicó Grais. El título original del guión fue <b>"Screwface"</b>.</div><div style="text-align: justify;">Es curioso que Seagal protagonizase esta historia sobre bandas jamaicanas, ya que estuvo muy interesado en protagonizar <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/08/depredador-2.html" target="_blank">Depredador 2</a></b> (1990), estrenada sólo con unos meses de diferencia de <b>Señalado por la muerte</b>, y que también tiene enfrentamientos con bandas de dicha nacionalidad.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq8WkucxEIVmbqKh7IqdhLMvv-uJqhA5ZnqBQ7WuAzbS-YrkXDvPK6kHyqZTbrkKq_lk9iySb14Kr2magC-bxx3hEkK-KwddPzFzp4mGW3SgUohMQ2ZZK-YekK6_yUGD4328zIPRUWuvtn2EEct2Zau2E9Wr_lgDc8akvMECXWlv1_Nd4v/s1280/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="544" data-original-width="1280" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhq8WkucxEIVmbqKh7IqdhLMvv-uJqhA5ZnqBQ7WuAzbS-YrkXDvPK6kHyqZTbrkKq_lk9iySb14Kr2magC-bxx3hEkK-KwddPzFzp4mGW3SgUohMQ2ZZK-YekK6_yUGD4328zIPRUWuvtn2EEct2Zau2E9Wr_lgDc8akvMECXWlv1_Nd4v/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Estuvieron trabajando durante tres años con Seagal hasta que la película vio la luz. Victor y Grais la produjeron de forma independiente a través de su compañía Victor & Grais Productions. Seagal también se convirtió en productor de la misma. Contaron con un presupuesto inicial de 10 millones de dólares (tirando a bajo para los estándares de la época en Hollywood), pero los productores se negaron a meter más inversores en el proyecto para conservar su independencia. Como Seagal sólo había estrenado en ese momento <b>Por encima de la ley</b> (1988), que había sido un éxito modesto (y estaba trabajando en su segunda película <b>Difícil de matar</b> (1990)), les costó juntar el dinero.</div><div style="text-align: justify;">Trataron de vender el guión a diferentes estudios de Hollywood. Fue rechazado por la Warner, donde Seagal tenía un contrato por varias películas. El actor tuvo sus diferencias con dicho estudio durante el rodaje de <b>Difícil de matar</b>, y eso pudo ayudar a que realizase la película fuera de la Warner, de hecho su contrato le permitía rodar una película fuera del estudio. Alguno estuvo interesado, pero sin tener a Seagal como protagonista. Al final la 20th Century Fox fue la que llegó a un acuerdo para distribuir la película, y dieron un adelanto de 10 millones de dólares en derechos de cine y de vídeo en el extranjero.</div><div><div style="text-align: justify;">Cuando tocó buscar al director, Seagal tenía claro que quería a Dwight H. Little. Según contaba el director, a Seagal le había gustado su trabajo en <b>Halloween 4: El regreso de Michael Myers</b> (1988), y ya había querido que dirigiese <b>Difícil de matar</b>, pero la Warner se opuso. Cuando <b>Señalado por la muerte</b> entró en producción volvió a llamarle e impuso su elección ante la Fox, de modo que Little terminó siendo contratado.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Steven Seagal fue contratado por un sueldo cercano a 1 millón de dólares más un porcentaje de los ingresos brutos de la película. En la película da vida a John Hatcher, un ex-agente de la DEA retirado, que se ve obligado a entrar de nuevo en acción.</div><div style="text-align: justify;">Al músico de reggae jamaicano Eek-A-Mouse le ofrecieron el papel del villano Screwface, pero lo rechazó. Este fue a parar a Basil Wallace, lo que significó su debut en el cine.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLi7hZVhvJdISsE9-iSRnnqvUAYv055ZhP2mKT7zJnK1W84i7sujKZafw0bi_YRCnlW9-St3xrYmiKPIzoqvepUZHWhW09m6s0YrVR-puiFExonZBZP1yy2HUtNKJ31oGb2y_dDXe60Dy75HngAiptVEQMNrrzRVLNbyZHlP1hqD3iIA48/s1280/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="544" data-original-width="1280" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjLi7hZVhvJdISsE9-iSRnnqvUAYv055ZhP2mKT7zJnK1W84i7sujKZafw0bi_YRCnlW9-St3xrYmiKPIzoqvepUZHWhW09m6s0YrVR-puiFExonZBZP1yy2HUtNKJ31oGb2y_dDXe60Dy75HngAiptVEQMNrrzRVLNbyZHlP1hqD3iIA48/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Tom Wright interpretó a Charles, un agente del FBI que hace equipo con Hatcher. <i>"Hice una audición para el papel y obtuve el trabajo de inmediato,"</i> me contó el actor.</div><div style="text-align: justify;">Kevin Dunn se hizo con el papel del agente del FBI Sal Roselli. Otra película que protagonizó causó un conflicto durante el rodaje (más sobre eso en unos párrafos).</div><div style="text-align: justify;">Tras trabajar con Danielle Harris en <b>Halloween 4</b> Dwight H. Little, volvió a contar con la joven actriz dándole el papel de Tracey, sobrina de John Hatcher.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Joanna Pacula (en el papel de Leslie, una profesora experta en vudú), Keith David (como Max, un ex-compañero del ejército de Hatcher), Elizabeth Gracen (dando vida a Melissa, la hermana de Hatcher), Bette Ford (como Kate Hatcher, la madre del protagonista), Peter Jason (interpretando a Pete Stone, el jefe de Hatcher) y Danny Trejo (dando vida a Hector, un criminal visto en el comienzo de la película).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La película se rodó a principios de 1990. Aunque la historia tiene lugar en Chicago, se rodó mayoritariamente en California, haciendo las veces de la ciudad del viento, más concretamente en las ciudades de Los Angeles, Monrovia y Pasadena. En el "Veluzat Movie Ranch" de Santa Clarita (California) se rodó la escena inicial que sucede en México. Y se rodaron algunas escenas en Jamaica. Aunque de lugar a engaño, el clímax de Jamaica, <i>"se filmó en el centro de Los Ángeles,"</i> me explicó Wright.</div><div style="text-align: justify;">A los pocos días de empezar el rodaje se estrenó <b>Difícil de matar</b>, y resultó ser todo un éxito. Según contaba Little, comenzaron a llegar agentes y productores al set para hablar con la nueva estrella del cine de acción, y como el director no conseguía rodar, pidió que los echaran a todos del set. Seagal se convirtió en uno de los actores del momento, ya desde los pases de prueba de <b>Difícil de matar</b>, que despertaron buenas sensaciones, estaba visto que iba a ser una estrella (por aquel entonces se le consideró para superproducciones como <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2018/08/depredador-2.html" target="_blank">Depredador 2</a></b> y <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/08/demolition-man.html" target="_blank">Demolition Man</a></b>).</div><div style="text-align: justify;">El estudio quería que la película no tuviera el tono serio que terminó teniendo, si no que quería añadirle más humor, pero Little y Seagal ignoraron las notas del estudio para hacer la película que querían.</div><div style="text-align: justify;">Little consideraba que el aikido no era demasiado espectacular y que una película sólo con peleas de Seagal sería repetitiva, de modo que apostó por llenar la película de tiroteos, explosiones y persecuciones. Por su parte Seagal se hizo responsable de la acción de la película, tal y como contaba a la revista <b>Black Belt</b>, <i>"estoy a cargo de toda la acción de la película, desde cada disparo hasta cada puñetazo y patada. Vais a ver una acción fantástica porque nadie me dice qué hacer." </i>Mostró por primera vez en su carrera el kenjutsu, el arte de la espada. Al respecto sobre la acción, Grais me dio una versión diferente a la de Seagal. <i>"Las escenas de acción estaban en el guión, aunque Seagal agregó algunas adiciones,"</i> me aseguró el guionista.</div><div style="text-align: justify;">Uno de los momentos más espectaculares de la película es aquel en el que uno de los hombres de Screwface salta por una ventana de un edificio e impacta contra un coche. La escena se rodó en tres fases. En la primera, se filmó al especialista saltando usando un desacelerador, el cual lo detenía aproximadamente a un metro y medio del suelo, esta toma permitía ver en un plano picado caer al especialista sin que hubiera a la vista ningún tipo de sistema de seguridad en la calle. Luego rodaron de nuevo el salto pero filmándolo desde abajo con otro especialista cayendo fuera de plano sobre una enorme bolsa de aire. Y en la tercera toma un especialista saltó desde unos 3 ó 4 metros para aterrizar sobre un coche, en el que colocaron explosivos en las ventanas, que simularon el impacto de caer desde una gran altura. Sobra decir que juntos hacen de la escena uno de los mejores momentos de la película.</div><div style="text-align: justify;">El porqué el personaje del policía interpretado por Kevin Dunn desaparece de la trama tiene su explicación, el actor había sido contratado para rodar otra película, y le garantizaron que terminaría sus escenas en <b>Señalado por la muerte</b> a tiempo para comenzar el otro rodaje, pero a la hora de la verdad eso no sucedió, y Dunn tuvo que marcharse a rodar la otra película, algo que hizo enfadar a los responsables de <b>Señalado por la muerte</b>. Por eso no volvemos a saber nada más de su personaje, básicamente no hay más escenas de Dunn porque se fue a rodar otra película.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc-wEfI2JzJQPnvmCwcQ_JTwmAQ81LT8oCK9uME1gQM-0krPS62aR_C6_Egl2YzXUg5zsQn4BZjHLpC7YTUKtxjrye8AAoFDIuK_DFrmSlf4UMc5vTDd066mhm8vJ3M3lwEvV36Njbfw6xcD0TQsBYjMD8IAylAEpBQch91vAlDnAI6oiS/s1280/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="544" data-original-width="1280" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhc-wEfI2JzJQPnvmCwcQ_JTwmAQ81LT8oCK9uME1gQM-0krPS62aR_C6_Egl2YzXUg5zsQn4BZjHLpC7YTUKtxjrye8AAoFDIuK_DFrmSlf4UMc5vTDd066mhm8vJ3M3lwEvV36Njbfw6xcD0TQsBYjMD8IAylAEpBQch91vAlDnAI6oiS/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Cuando le pregunté por la dificultad del rodaje, Grais lo tenía claro: <i>"El director fue excelente y mantuvo las cosas en marcha a un ritmo rápido. Comparado con <b>Poltergeist II</b>, fue un rodaje fácil."</i></div><div style="text-align: justify;">Pero no todo iba a ser un camino de rosas, y Seagal tiene fama de actor conflictivo, y cuando le pregunté a Grais por su comportamiento durante el rodaje, me respondió: <i>"Nada más que problemas. Es el actor más difícil que puedas imaginar. Por eso su carrera se fue al garete."</i></div><div style="text-align: justify;">El mayor problema con el actor surgió realmente después del rodaje, cuando se disputaron la autoría del guión. Seagal declaraba haber reescrito complemente el guión, pero una junta de arbitraje de la WGA le dio el crédito como guionistas sólo a Michael Grais y Mark Victor. Algo similar ocurrió con su anterior película, Seagal declaró que también había reescrito <b>Difícil de matar</b>, pero tampoco consiguió el crédito como guionista. Y lo mismo sucedió en <b>Buscando justicia</b> (1991) en la que tampoco fue acreditado.</div><div style="text-align: justify;">Cuando le pregunté a Wright por Seagal me respondió: <i>"No fue la estrella más fácil con la que he trabajado, pero nos llevamos bien." </i>Mejor se llevó con Screwface. <i>"Me hice muy buen amigo de Basil Wallace,"</i> me contó Wright.</div><div style="text-align: justify;">Cuando se estrenó <b>Difícil de matar</b> (1990) el 9 de febrero de 1990, y resultó ser un éxito, la Fox supo que tenía un potencial éxito entre manos, y ya en ese momento estaba en conversaciones para poner 6 millones para publicidad y copias, pero con el impulso que tomó la carrera de Seagal gracias al estreno de su segunda película, la Fox decidió poner parte de los 2 millones adicionales que se sumaron al presupuesto de la película. Ese dinero adicional lo dedicaron reforzar las escenas de lucha, hacer más grande la persecución de coches y mejorar el sonido.</div><div style="text-align: justify;">El primer montaje de la película resultó ser demasiado violento y la MPAA le otorgó una calificación que era veneno para la taquilla. <i>"Hubo algunas escenas con tomas sangrientas que tuvieron que cortarse para obtener una calificación PG13</i><i>,"</i> me explicó Grais, aunque seguramente quería decir "R". <i>"Nos amenazaron con una calificación NC17. Así que cumplimos." </i>Tras cortar algunas escenas, y con la calificación "R" conseguida, la película estaba lista para su estreno.</div><div style="text-align: justify;">La película cambió de título antes de su estreno pasando a titularse <b>"Marked for Death"</b>. Algunos medios de la época se refieren a ella con otro título entremedias de <b>"In a Safe Place"</b>. Le pregunté a Grais al respecto y me comentó que: <i>"Comenzó con <b>"Screwface"</b> y luego <b>"Marked For Death"</b>, no hubo ningún otro título." </i></div><div style="text-align: justify;">El estreno de la película fue acompañado por una protesta de miembros de la comunidad jamaicana, que acusaban a la película de mostrar de una forma inapropiada a los jamaicanos y a los rastafaris, siendo representados como unos traficantes y asesinos.</div><div style="text-align: justify;">Aunque originalmente tenían previsto estrenar la película en julio de 1990, terminó haciéndolo el 5 de octubre de 1990. La película fue todo un éxito, convirtiéndose en el segundo mejor estreno de otoño de la historia en la taquilla norteamericana con 11.790.047 de dólares de recaudación. Su recaudación final en Estados Unidos fue de unos excelentes 46.044.396 de dólares. Y la suma a nivel mundial fue de 57.968.936 de dólares.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Señalado por la muerte</b> es uno de los mejores títulos de la filmografía de Steven Seagal, fácilmente está en el top 3 (si te preguntas cuales son las otras dos películas del top, para mí son <b>Alerta máxima</b> y <b>Decisión crítica</b>), y fue la que le convirtió en una estrella del cine de acción.</div><div style="text-align: justify;">La película no pierde ni un segundo y ya comienza en medio de una escena de acción, con la persecución a pie entre Seagal y Danny Trejo, y después no levanta el pie del acelerador ni un momento. Sus 93 minutos de duración están realmente ajustados y se pasan volando.</div><div style="text-align: justify;">El mayor acierto de la película es ese toque fantástico con el mundo del vudú que rodea la historia (y que al final se nos revela que no es tan fantástico), pero la hace mucho más interesante. Detrás de ella están unos guionistas y un director conocedores del cine de terror, y eso se nota, puedes sacarlos del terror, pero no el terror de ellos.</div><div style="text-align: justify;">Pertenece a ese tipo de cine reaccionario de los 80/90 bien entendido. El personaje de Seagal sólo trata de dejar atrás una vida llena de violencia (el haber matado a una mujer hace que se retire de la DEA), pero una (insensata) banda de narcotraficantes se empeñará en que vuelva a las armas. Sabemos lo que va a ocurrir y deseamos que ocurra, cuando más le toquen las narices a Seagal, mayor será su venganza, y el que casi maten a su sobrina es la gota que colma el vaso.</div><div style="text-align: justify;">La película siempre va directa al grano, después de que traten de quemar vivo a Seagal en su coche, en la siguiente escena ya lo vemos comprando armas para ir a por Screwface, no hace falta una escena dramática que hable sobre las consecuencias de haber estado cerca de la muerte, y que nos expliquen como toma la decisión de ir a por su enemigo, lo que queremos es que el prota vaya a por el villano de una vez por todas, y la película nos da lo que queremos.</div><div style="text-align: justify;"><b>Señalado por la muerte</b> funciona porque es justo lo que tiene que ser, una violenta película de acción, reaccionaria donde un ex-agente de la DEA retirado vuelve a hacer lo que mejor sabe, impartir justicia por su mano. No hay un estudio profundo de los personajes y de sus motivaciones, aunque entendemos que los protagonistas estén cansados de ver su barrio destrozado por las drogas, pero la reacción del trío de vengadores sólo tiene sentido dentro de una película de acción.</div><div style="text-align: justify;">En el primer clímax del tercer acto que ocurre en Jamaica (la mejor parte de la película), Seagal y sus dos compinches se desplazan hasta el país con sus armas ocultas para acabar con el capo de la droga, adelantándose unos años al clímax de <b>Dos policías rebeldes 2</b> (2003). Y es una idea tan loca como suena, no sólo siembran el caos en Estados Unidos, también lo llevan al extranjero y atacan a su enemigo en su propia casa.</div><div><div style="text-align: justify;">Curiosamente la película tiene un segundo clímax, éste en Chicago, en el que se nos revela que Screwface son en realidad dos hermanos gemelos, que utilizan su parecido para hacer creer a todos que tienen poderes. Y esa es una idea que me gusta, me parece bastante original, y la primera vez te pilla por sorpresa, porque han introducido bien todo ese submundo del vudú (como el personaje de la sacerdotisa que un enemigo de Screwface contrata para maldecir al capo), y realmente llegamos a creer que la película ocurre en un entorno fantástico.</div></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifwEskuBKqgMj4j6D3pChVv_4pb_F2M--B8O5dMiH01JRenGhPgvApwZsfy8h5x5RsSQaKUYeYF3IuCHdx-DPH6gXjihvCu8--XD3KwlGqDsrhE_ZwQrhOt89ajosGCej9y5ilOugzuGmQKTkfzWW3MvFdziHqeKcRUTtcqhkdCWTtox9h/s1280/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="544" data-original-width="1280" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEifwEskuBKqgMj4j6D3pChVv_4pb_F2M--B8O5dMiH01JRenGhPgvApwZsfy8h5x5RsSQaKUYeYF3IuCHdx-DPH6gXjihvCu8--XD3KwlGqDsrhE_ZwQrhOt89ajosGCej9y5ilOugzuGmQKTkfzWW3MvFdziHqeKcRUTtcqhkdCWTtox9h/w400-h170/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Se%C3%B1alado%20por%20la%20muerte%2005.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">No debemos pedirle mucho a la película, y en ocasiones no responde a la menor de las lógicas. No tiene sentido que después de la que lían en la ciudad durante la persecución con los hombres de Screwface, y arrasen un centro comercial (con varios muertos de por medio), eso no tenga mayores consecuencias para Seagal y David.</div><div style="text-align: justify;">Me hace gracia la escena de seducción en la discoteca, donde Seagal se acerca a una mujer que sale con Screwface, y básicamente todo lo que hace es plantarse en la disco de brazos cruzados, sin cambiar de expresión facial y la mujer cae rendida. Más sorprendente resulta la revelación de ella cuando le cuenta que Screwface mató a su hermana (eso no le impide dejar de salir con el villano), motivación metida con calzador para justificar que ella ayude al protagonista.</div><div style="text-align: justify;">Y la relación entre Seagal y Pacula no lleva a ninguna parte, parece que hay un interés amoroso entre ambos, pero en un momento determinado de la película el personaje de ella desaparece para no volver más, parece que una vez ha servido a su función de introducir a Seagal en el mundo del vudú, se la quitan de encima, y esa atracción entre los personajes fuera algo que a la película no le interesara desarrollar. Queda raro (hasta donde sabemos no hay una razón como la de Kevin Dunn para salga de la película), y deberían tener una última escena juntos.</div><div style="text-align: justify;">Aunque en su momento Seagal nos parecía un gran héroe del cine de acción, hoy día no lo parece tanto, aquí cumple su función como artista marcial y de tío duro, pero es un actor no demasiado carismático, y tiene un rango interpretativo bastante limitado. Pero con sus pros y contras, ésta es una pura película de Steven Seagal y como tal, es una de las mejores de su carrera.</div><div style="text-align: justify;">Y en eso tiene bastante que ver Dwight H. Little, quien rueda con mucho oficio su primera película de acción, y le da un buen ritmo a la historia. Little es un director infravalorado que ha filmado algunos títulos curiosos dentro de este género, como <b>Rapid Fire</b> (1992) y <b>Asesinato en la Casa Blanca</b> (1997).</div><div style="text-align: justify;">Por su parte Basil Wallace crea un gran villano con su Screwface, y eclipsa al resto del reparto en cada una de sus apariciones.</div><div style="text-align: justify;">La película es un vehículo para el lucimiento de una estrella en ciernes, llena de artes marciales, tiroteos, explosiones, persecuciones y one-liners (el <i>"Espero que no sean trillizos"</i> es bastante memorable). No nos vamos a engañar, no es una de las mejores películas de acción de los 90, ni siquiera lo es del año 90 (<b>La caza del Octubre Rojo</b>, <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/10/la-jungla-2-alerta-roja.html" target="_blank">La jungla 2: Alerta roja</a></b> y <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/05/desafio-total.html" target="_blank">Desafío total</a></b> son muy superiores), pero es un film eficaz, que va directo al grano, sin tiempos muertos y es realmente entretenido.</div><div style="text-align: justify;"><b>Señalado por la muerte</b> es una pequeña película de acción, que supo buscarse su hueco en el género en los 90. Había hambre por este tipo de productos, y la película funciona porque sabe lo que es. Si te gusta el cine de acción de la época es muy posible que esta película sea para ti. Es una de las mejores películas de un Seagal que estaba en su mejor momento. Fue todo un éxito, que supo embrujar al público como si fuera un encantamiento de vudú.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">El cantante de reggae Jimmy Cliff tiene un pequeño papel como el cantante del club de Jamaica que visita Seagal.</div><div><div style="text-align: justify;">El body count de Steven Seagal en la película alcanza los 15 muertos.</div></div><div style="text-align: justify;">Steven Seagal compuso y cantó con Jimmy Cliff la canción <b>"John Crow"</b> incluida en la película.</div><div style="text-align: justify;">La película continuó la tradición de las películas de Steven Seagal con títulos de tres palabras (<b>Above the Law</b>, <b>Hard to Kill</b>, <b>Marked for Death</b>, <b>Out for Justice</b>, ...).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a Michael Grais</b> (feb 2023)</div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a Tom Wright</b> (mar 2023)</div><div style="text-align: justify;"><b>Small Budget, Small Star, Big Hit</b> (The New York Times, 23 oct 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b>Orange Coast Magazine</b> (mar 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b>Jessica Lange will star in “Blue Sky”</b> (Los Angeles Times, 5 nov 1989)</div><div style="text-align: justify;"><b>Steven Seagal Wants His Oscar</b> (Los Angeles Times, 14 oct 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b>The writers of ‘Marked for Death’ and Steven Seagal are still feuding over script credit</b> (Los Angeles Times, 16 oct 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b>Black Belt</b> (abr 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0100114/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Film Insults Faith, Say Rastafarian Protesters</b> (23 oct 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=CQwcjtRXvAI" target="_blank">Behind the scenes of "Marked For Death"</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/kevin-dunn-on-veep-tracking-godzilla-and-getting-gary-1798270049" target="_blank">Kevin Dunn on Veep, tracking Godzilla, and getting Gary Sinise’s hotel room</a></b> (AV Club, 2 jun 2014)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://kultur.media/en/interview/eek-a-mouse/" target="_blank">Eek-A-Mouse Interview</a></b> (Kultur, 20 ago 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.youtube.com/watch?v=GPp55Z-PwnY" target="_blank">Why Eek-A-Mouse turned down the role of ScrewFace</a></b> (YouTube)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/1991/05/17/steven-seagals-body-count/" target="_blank">Steven Seagal's body count</a></b> (Entertainment Weekly, 17 may 1991)</div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-57275303076295599022021-10-01T06:52:00.005-07:002023-05-26T05:36:21.821-07:00Ricochet<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnd-1c-Vgt6l4oSrXfulXfhIDpEV_3S9v1cK7XfEGSy7P8FcqZS6EYS3g_21R3hYHWIgGOSavJnxP1WBEVbeKF8vjCP5lXUSaiewpk7DDRP7vdcEHqFeSBbGMqB7H3jL1_4__g/s672/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="442" data-original-width="672" height="263" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjnd-1c-Vgt6l4oSrXfulXfhIDpEV_3S9v1cK7XfEGSy7P8FcqZS6EYS3g_21R3hYHWIgGOSavJnxP1WBEVbeKF8vjCP5lXUSaiewpk7DDRP7vdcEHqFeSBbGMqB7H3jL1_4__g/w400-h263/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+01.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><i>"Siempre quise un funeral vikingo."</i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Después de que un agente de policía atrape a un peligroso criminal, éste comenzara obsesionarse con vengarse del policía, y planificara la peor de las venganzas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><span style="color: red;">Este mes <b>Ricochet</b> cumple 30 años, así que es la ocasión perfecta para hablar sobre ella. Antes de comenzar, quiero agradecer la ayuda prestada por el guionista original de la película,</span> <a href="https://www.facebook.com/DirectorFredDekker" target="_blank">Fred Dekker</a><span style="color: red;">, con quien pude contactar, y que respondió a las preguntas que le formulé, aportando así luz sobre los orígenes de esta película. Gracias infinitas al creador de</span> <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/11/una-pandilla-alucinante.html" target="_blank">Una pandilla alucinante</a></b><span style="color: red;">.</span></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>REBOTE</b></div></div><div style="text-align: justify;">Fred Dekker escribió el guión de <b>Ricochet</b> (Ricochet, 1991), y según me explicaba, <i>"fue concebido como una película de <b>Harry el Sucio</b> (1971)." </i>Dekker tenía una relación profesional con Joel Silver, y juntos trataron de llevar adelante una nueva secuela de la saga protagonizada por Clint Eastwood. </div><div style="text-align: justify;">Lo que atraía a Silver del proyecto era que, <i>"en la mayoría de las películas de acción, que giran en torno al trabajo en equipo de dos hombres, te presentan a dos tipos que se odian, se ven obligados a trabajar juntos y, al final de la película, aprenden a agradarse mutuamente. Lo que me fascinó de la premisa de <b>Ricochet</b> fue que empiezas con dos tipos que se odiaban, se separan, y cuando se vuelven a juntar, se odian mucho más. Su odio es tanto un vínculo entre ellos, como la amistad entre los chicos de otras películas. Podría llamar a <b>Ricochet</b> una película 'antibuddy'."</i></div><div><div style="text-align: justify;">Se daba la casualidad que las oficinas de Silver Pictures se encontraban en Warner Bros., muy cerca de las de Malpaso de Eastwood. <i>"Lo que no se me ocurrió fue que Eastwood era (y es) su propio productor y no necesitaba a Joel,"</i> me contó Dekker. <i>"Sospecho que Joel me tiró un hueso al decir que le dio el guión a Clint ("Demasiado sombrío" fue la respuesta que recibí), para que pudiera hacerlo él mismo. Lo que en realidad estaba bien, ya que, durante un breve período, estaba en la contienda para dirigirla yo mismo." </i></div></div><div style="text-align: justify;">De esa forma, descartada la idea de hacer una secuela del inspector Calahan, el proyecto se convirtió en una película independiente, con Dekker asignado como director. </div><div style="text-align: justify;">Para el papel del policía protagonista se consideró a Kurt Russell. Dekker se reunió con el actor, pero no consiguió convencerle para que participara en la película. Eventualmente Dekker dejó el proyecto, pero éste siguió adelante.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnWOstqZvjMSzCoYZM1vjJXzHEjpC_JeBDG9bN0xVvlgQrKGovM1YWBpzO9oU3uNpIjmpKG8DAROAe3o6c5W8_KGUV1qQJImQBG2uWKlarpk-g6qxGMCwOXf6XPQR2vcu8x7KE/s672/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="672" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgnWOstqZvjMSzCoYZM1vjJXzHEjpC_JeBDG9bN0xVvlgQrKGovM1YWBpzO9oU3uNpIjmpKG8DAROAe3o6c5W8_KGUV1qQJImQBG2uWKlarpk-g6qxGMCwOXf6XPQR2vcu8x7KE/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+02.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">El guión fue primero reescrito por Menno Meyjes (<b>Indiana Jones y la última cruzada</b>) y después por Steven E. de Souza (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/09/jungla-de-cristal.html" target="_blank">Jungla de cristal</a></b>), guionista habitual de las producciones de Silver, quien escribió el guión final. Souza trató de darle una vuelta de tuerca más al personaje de Nick Styles. <i>"El guión intenta revertir algunos de los elementos del género,"</i> explicaba el guionista en el libro <b>"Denzel Washington: His films and career"</b>. <i>"Tratamos de hacer a Styles un poco imperfecto, dándole arrogancia. Al principio, es un poco demasiado ambicioso, muy involucrado en asuntos de política. A medida que avanza la película, pierde su carrera y su estatus en la comunidad cuando es llevado al límite. La pregunta es '¿Eso lo salvará o lo destruirá?'." </i>Souza ha reconocido que <b>Ricochet</b> es uno de sus guiones de los que está más orgulloso.</div><div style="text-align: justify;">Fueron tantos los cambios producidos, que cuando vio la película, Dekker poco reconoció en ella de su libreto. <i>"Conté siete cosas que quedaban de mi guión original,"</i> me contó el guionista.</div><div style="text-align: justify;">Silver encontró al director de la película dentro de otra de sus producciones, la serie <b>Historias de la cripta</b> (1989-96), el elegido fue nada más y nada menos que Russell Mulcahy (<b>Los inmortales</b>).</div><div style="text-align: justify;">Aunque lo curioso es que pese a todos los cambios, el título de la película no se modificó. <i>"Originalmente, en el tiroteo inicial,"</i> explicaba Mulcalhy, <i>"una bala rebotaba en algo, que era por lo que se llamaba <b>Ricochet</b>. En las reescrituras, el título se mantuvo, pero la historia cambió." </i>Cuando le pregunté a Dekker por los orígenes del título, me dijo que las razones eran otras. <i>"Se llama <b>Ricochet</b> porque Denzel envía al personaje de Lithgow a prisión, y crea un resultado no deseado (venganza), muy parecido a una bala que rebota en su objetivo previsto."</i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">En la noche de los Oscars de 1990, en la que Denzel Washington ganó el Oscar a mejor actor secundario por <b>Tiempos de gloria</b> (1989), invitaron al actor a la prestigiosa fiesta del agente Swifty Lazar en Spago's. Y fue durante esa velada, en la que el agente de Denzel le presentó a Joel Silver, quien le propuso hacer una película juntos. Dicho y hecho, en menos de un año Denzel ya estaba rodando <b>Ricochet</b>, su primera película de acción, en la piel de Nick Styles.</div><div style="text-align: justify;">El papel del villano Earl Talbot Blake, recayó en el siempre excelente John Lithgow. El actor estuvo a punto de interpretar a Hannibal Lecter en <b>El silencio de los corderos</b> (1991), era la segunda opción después de Hopkins, pero como todos sabemos, no se llevó ese papel. Poco después le ofrecieron el papel de Blake. <i>"Dije: 'Está bien, maldita sea, ¡también voy a interpretar a un villano horrible!"</i> Y vaya si creó a uno memorable. <i>"No hay papel más odioso o racista que el de Earl Talbot Blake,"</i> explicaba Lithgow. <i>"Quiero decir, era simplemente un personaje completamente vil y horrible, y [los fans] siempre usan la palabra amor... Supongo que fue sólo porque fui hasta el final con ese papel. Fue uno de esos casos en los que interpretas un papel con la intención específica de hacer que todos te odien, y lo hice sin miedo."</i></div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_vmxukR1pn__f25RAVNx9tETSDtWHv_cxbpWApA_TPZwOuXBDLoaYP2Nvy1h9pAW9DLAFC4Dnt6qoPa_l374ItmRRsPxFrocQTJqGCb9uM1uqgbHKBnyl-bu_az9siGwVi6Ns/s672/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="672" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_vmxukR1pn__f25RAVNx9tETSDtWHv_cxbpWApA_TPZwOuXBDLoaYP2Nvy1h9pAW9DLAFC4Dnt6qoPa_l374ItmRRsPxFrocQTJqGCb9uM1uqgbHKBnyl-bu_az9siGwVi6Ns/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+03.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Tras llamar la atención en <b>New Jack City</b> (1991), el rapero Ice-T firmó con Joel Silver para participar en dos de sus producciones, <b>Arma letal 3</b> (1992), película que al final no realizaría, y en <b>Ricochet</b>, donde daría vida al líder de una banda de criminales, amigo de Nick Styles. Ice-T no tuvo que hacer ninguna audición para el papel, Silver se lo ofreció directamente, y se embolsó tan sólo 40.000 dólares.</div><div style="text-align: justify;">Mary Ellen Trainor repitió su papel de la reportera Gail Wallens, que ya había interpretado en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/09/jungla-de-cristal.html" target="_blank">Jungla de cristal</a></b> (1988), por lo que <b>Ricochet</b> comparte universo con el film de John McClane.</div></div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Kevin Pollak (en la piel del policía Larry Doyle), Lindsay Wagner (como la fiscal del distrito Priscilla Brimleigh), Victoria Dillard (como Alice, la mujer de Nick), John Amos (como el reverendo Styles, padre de Nick), Josh Evans (en la piel de Kim, mano derecha de Blake), John Cothran (interpretando al concejal Farris) y Linda Dona (en el papel de Wanda).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal inicialmente iba a iniciarse en noviembre de 1990, pero se retrasó hasta el 28 de enero de 1991, y terminó el 5 abril del mismo año. La película se rodó en su totalidad en la ciudad de Los Angeles.</div><div style="text-align: justify;">Denzel se preparó de forma concienzuda para su papel. Se sometió a un duro entrenamiento físico gracias a un entrenador personal, y siguió una estricta dieta. Además, para meterse en la piel de un policía, acompañó a un auténtico sargento en sus guardias. En una de ellas, pudo saber de primera mano las situaciones de peligro a las que se enfrentan los policías. Asistieron a una llamada de un hombre armado, y mientras el actor se quedó en el coche, el policía resolvió la situación. <i>"Al salir, otro automóvil llegó y dos jóvenes se bajaron gritando,"</i> explicaba Denzel. <i>"Resultó que era su abuelo. Este policía apaciguó toda la situación simplemente manteniendo la calma."</i> El propio actor pudo poner en práctica esos nervios de acero, en la escena inicial, en la que su personaje arresta al villano sin perder los nervios y usando su ingenio.</div><div style="text-align: justify;">El primer día de rodaje Denzel tuvo que demostrar su versatilidad como actor. La primera escena que rodó fue aquella en la que sale del ayuntamiento, mientras las cámaras de televisión tratan de sacarle unas palabras, en un momento en el que su personaje rebosa éxito. Para justo después, filmar una escena totalmente opuesta, el descenso a los infiernos de Styles, cuando lo encuentran en la entrada del mismo edificio, y lo confunden con un vagabundo.</div><div style="text-align: justify;">El protagonista de <b>Marea roja</b> ayudó a un actor que carecía de su experiencia, el rapero Ice-T, para quien <b>Ricochet</b> era realmente su segunda película. Cuando Denzel vio que éste estaba tenso, fue a su remolque y le tranquilizó diciéndole que simplemente lo hiciera lo mejor posible.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-Le45zfxKZGKCkYUCgO5n8p3AfPsSFeDIzkUShWhzITPRwnfIqtHj5fFDWurDpWw4slH99QSpyXsz0-mGP1qdF47_3DrNNcsfa0kx2m6c9mfOKdsWsnb-TpYYidaoSZASeODI/s672/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="672" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh-Le45zfxKZGKCkYUCgO5n8p3AfPsSFeDIzkUShWhzITPRwnfIqtHj5fFDWurDpWw4slH99QSpyXsz0-mGP1qdF47_3DrNNcsfa0kx2m6c9mfOKdsWsnb-TpYYidaoSZASeODI/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+04.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Una de las mejores anécdotas del rodaje, surgió en el Park Plaza Hotel. Mientras Mulcahy rodaba en la parte inferior del hotel, al mismo tiempo se filmaba en su salón de baile, la película <b>El imperio del mal</b> (1991), protagonizada por Christian Slater y Patrick Dempsey. Rizando el rizo, dos buscadores de localizaciones se encontraban también en el hotel buscando posibles lugares donde filmar. Cuando llegó la hora de la comida, ambas producciones pararon al mismo tiempo, y miembros del equipo y reparto de ambas producciones coincidieron juntos para comer, y no sabían que camión de catering debían usar.</div><div><div style="text-align: justify;">La lucha final entre Styles y Blake tuvo lugar en las Watts Towers, unas estructuras metálicas construidas en Los Angeles. Fueron necesarias siete noches para filmarla, y los fuertes vientos y la lluvia les pusieron las cosas difíciles a los actores, que se encontraban en lo alto de la estructura. Metido en su rol de héroe de acción, Denzel decidió hacer él mismo una de las acrobacias más peligrosas de la película, aquella en el que se queda colgado de una aguja, a 20 metros de altura. Pese a que los productores le ofrecieron que la escena la hiciera un especialista, Denzel no quiso usar dobles.</div></div><div style="text-align: justify;">Una vez terminó el rodaje, Denzel pudo dejar la dura dieta a la que se sometió. <i>"Después de que terminamos de filmar, llamé a Denzel,"</i> contaba Mulcahy, <i>"y me dijo: '¡Oh, tío, he estado sentado en el sofá, viendo la televisión y comiendo muchos pasteles!'.''</i></div><div style="text-align: justify;">La película incluía una escena en la que Blake torturaba a Styles en una ducha, pero cuando hicieron un pase de prueba, el público la rechazó, hasta tal punto, que hubo quien salió de la proyección. Al final decidieron cortar esa escena del montaje final.</div><div style="text-align: justify;">Pero antes del estreno, Joel Silver terminaría haciendo de las suyas. Tras la mala prensa recibida por <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/07/el-gran-halcon.html" target="_blank">El gran halcón</a></b> (1991), que resultó ser un enorme fracaso, el productor decidió negarse a hacer pases de prensa para <b>Ricochet</b>. Souza trató de hacerle cambiar de opinión, ya que estrenar una película con dos actores de prestigio, sin mostrarla a la prensa, la condenaría a las malas críticas. <i>"Esos bastardos se mearon en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/07/el-gran-halcon.html" target="_blank">El gran halcón</a></b>,"</i> se justificaba Silver. El productor se negó a cambiar de opinión, y así condenó a la película.</div><div style="text-align: justify;"><b>Ricochet</b> llegó a las salas de cine el 4 de octubre de 1991, entre malas y tibias críticas, lo que no le ayudó en la taquilla. Al final recaudó en territorio norteamericano 21.756.163 de dólares.</div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Ricochet</b> es una de las tantas películas de acción venidas de la mano de Joel Silver en los ochenta y noventa, aunque el film de Mulcahy está más cerca del thriller, que de la acción pura. Ya que sus coordenadas cinematográficas la sitúan más en la línea de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/03/el-cabo-del-miedo.html" target="_blank">El cabo de miedo</a></b> (1991), que de <b>Arma letal</b> (1987). La película es sórdida y enfermiza, como lo son pocas películas de acción.</div><div style="text-align: justify;">Tiene un buen comienzo, creando un paralelismo entre el ascenso de Styles, y la bajada a los infiernos de Blake, quien se va obsesionando con el ex-policía. La película sigue funcionando más o menos bien, tras la fuga de la cárcel del villano y como se venga de Styles, pero pronto empiezan a acumularse los agujeros en el guión. Aunque la idea de un criminal que arruina la vida del policía que lo atrapó, para conseguir que acabe en la cárcel, es atractiva, la película nunca logra hacerlo de una forma que resulte creíble. Esa falta de coherencia, es su principal problema.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS9F1iVGmN1XPuygDfVpNeuFXAipzduYEFDUTV8qZZNNn9xjntKZyshbdSEx2n6_L0bLvwPmljw8OdM_p0WB-Jnfzqt1cXPGvaXrdTru1KDbPgkqhYROK6iHzf_fELa8TOrmmS/s672/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="672" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjS9F1iVGmN1XPuygDfVpNeuFXAipzduYEFDUTV8qZZNNn9xjntKZyshbdSEx2n6_L0bLvwPmljw8OdM_p0WB-Jnfzqt1cXPGvaXrdTru1KDbPgkqhYROK6iHzf_fELa8TOrmmS/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+05.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Porque para empezar, el plan de Blake es tan loco como absurdo. Ya que consiste en primero escaparse de la cárcel (para lo que se une a una hermandad aria); fingir su propia muerte; implicar al socio de Styles en una trama de abuso infantil; secuestrar al protagonista, drogarle y hacer que una prostituta le viole mientras lo graba en vídeo (y de propina le pase la gonorrea); para después desacreditarle y hacerle parecer un loco antes todos; y finalmente acusarle del asesinato de su antiguo compañero de policía. Aún así, sin saber muy bien como, todo le sale a pedir de boca.</div><div style="text-align: justify;">Toda la trama se sustenta en momentos donde no hay suspensión de la credulidad, y la trama avanza a través de una serie de casualidades que son difíciles de aceptar.</div><div style="text-align: justify;">Pongamos como ejemplo la secuencia en la que Styles se queda solo en casa (y convenientemente borracho), y encuentra una nota que le indica que encienda el vídeo, al hacerlo ve una grabación de Blake amenazando a sus hijas con un hacha, entonces sale de su casa en bata corriendo para buscarlas. Primero, todo implica que el villano entró en la casa mientras el ex-policía dormía, y metió la cinta en el vídeo, corriendo un gran riesgo con ello. Y segundo, éste ya había previsto que Styles reaccionaría así, por lo que su socio espera a que salga de casa para cambiar la cinta por otra. Si Styles se quedase con la cinta o simplemente llamase a la policía, que es lo que haría cualquier persona (sobre todo teniendo en cuenta que él llevó una placa), todo el plan se desmoronaría, ya que habría una prueba de que Blake sigue vivo. Y así toda la película.</div><div style="text-align: justify;">En otra escena, Styles lleva a los periodistas a la piscina vacía donde le retuvieron, y se la encuentra llena de agua, y esto hace creer a todos que está desequilibrado. Toda la escena se podría resolver simplemente interrogando a la gente del hotel y preguntándoles cuando llenaron la piscina.</div><div style="text-align: justify;">En otro momento, Styles y Doyle van a interrogar a un contacto de Blake, que tiene que entregarle unos pasaportes falsos, y el villano les está esperando, cuando que vayan a visitarle en ese momento de la trama es casi pura suerte. No sólo eso, Blake mata a Doyle, y Styles deja sus huellas en la pistola del crimen, lo cual es crucial para el plan del villano. Blake parece tener poderes de adivino.</div><div style="text-align: justify;">Y la suerte siempre está de su lado, por ejemplo, graba una conversación entre Styles y una camarera, que justo se adecua a sus planes, ya que la utiliza para insertarla en el vídeo de Styles y la prostituta. Algo que por otro lado tampoco tiene sentido, ya que no es posible que la voz del audio pueda coincidir con el movimiento de los labios de Styles, pero el montaje siempre omite los planos en los que habla Denzel.</div><div style="text-align: justify;">Pero curiosamente toda esa locura es la que hace a la película tan entretenida. Cuanto mayor es la venganza de Blake, sabemos que mayor será la revancha de Styles. Todo es tan exagerado que no nos lo podemos tomar en serio, como la escena en la que Styles atrapa a Blake desnudándose, o ese momento en que el protagonista trata de convencer a Odessa usando una granada (que resulta ser un mechero). Además Mulcalhy no se corta con la violencia, como en la fuga de la prisión, cuando los miembros de la hermandad aria matan a los guardias, a uno con un taladro y a otro con una sierra mecánica.</div><div style="text-align: justify;">La película guarda una idea interesante, lo importante que puede ser una persona para otra, pero que ésta no sepa ni que existe. Styles es el centro del universo de Blake y vengarse de él, es el motor de su vida. Pero cuando Gail Wallens le comenta a Styles que Blake murió tras fugarse de la cárcel, el ahora ayudante del fiscal, ni siquiera le recuerda. Lo que hace que toda venganza de Blake sea aún más irónica.</div><div style="text-align: justify;">Pero si la película funciona, es por sus dos protagonistas. Denzel destila carisma, y Lithgow borda un villano tan deleznable como calculador.</div><div style="text-align: justify;">Y el personaje de Styles sufre un cambio a lo largo de la película, toda la espiral de destrucción en la que se ve envuelto, sirve para hacerle evolucionar, su éxito le ha convertido en un engreído, y Blake llega para bajarle los humos, eso sí, lo hace de la forma más bestia posible. </div><div style="text-align: justify;">Estamos deseando que las tornas se viren y el protagonista se vengue. Y para eso está el tercer acto, que nos da lo que esperamos, pero también otra ración de incoherencias.</div><div style="text-align: justify;">Para hacer creer al villano que se va a suicidar, y así arruinar sus planes, Styles vuela por los aires el edificio en el que se encuentra, y salva su vida porque antes de la explosión, salta a través de una claraboya, y cae justo en un tubo que le permite bajar por el edifico sin sufrir daño alguno. Todo muy espectacular, pero un completo sinsentido. No sólo eso, además una parte importante de su plan es que los hombres de Odessa atrapen al socio de Blake, algo que hacen en plena calle y en medio de un gran número de personas. Y su forma de deshacerse del villano es electrocutarlo en las torres, para ello Styles lo atrae al lugar, se pelea con él en lo alto de las torres, para después colgarse de una cuerda y que en ese preciso momento Odessa conecte la corriente. Un plan arriesgado y lleno de fisuras, pero eso sí, bastante espectacular.</div><div style="text-align: justify;">La música de Silvestri se adecua bien a las imágenes, pero se parece demasiado a la partitura que compuso para <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2016/08/depredador.html" target="_blank">Depredador</a></b> (1987), lo que le hace perder puntos.</div><div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCCruCU_sW-W4eAENiW1_ZNcq0J0gpPAx6nu42X6bPw9fMhkqodWNATXuBic_79AAnmKv8lg9gQbOUbv9pDBQmLG2TNaD_WKvZImJAzl81mFz-mMtWgooxm5qVUNfuXzyWXnCv/s672/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="288" data-original-width="672" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjCCruCU_sW-W4eAENiW1_ZNcq0J0gpPAx6nu42X6bPw9fMhkqodWNATXuBic_79AAnmKv8lg9gQbOUbv9pDBQmLG2TNaD_WKvZImJAzl81mFz-mMtWgooxm5qVUNfuXzyWXnCv/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Ricochet+06.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Jugó en contra de la película, que se estrenase el mismo año que la superior <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/03/el-cabo-del-miedo.html" target="_blank">El cabo del miedo</a></b>, con la que guarda bastantes similitudes. Ya que tras <b>Los inmortales</b>, <b>Ricochet</b> es la mejor película de Russell Mulcahy. Está rodada con su gracia y ritmo de siempre (sólo ver como mueve la cámara en el partido de baloncesto inicial), mantiene un buen pulso a lo largo de la película, y tiene arranques bastante inspirados, como ese plano de la explosión reflejándose en el ojo (de cristal) de Blake.</div></div><div><div style="text-align: justify;">Además Mulcahy utiliza en repetidas ocasiones imágenes de vídeo para hacer avanzar la historia, como si fueran un narrador de los acontecimientos. Blake es atrapado mientras un videoaficionado graba toda la escena; sabemos del ascenso de Styles de policía a ayudante del fiscal, mediante un reportaje de las noticias; Blake observa a través de un televisor como Styles llega a lo más alto durante la colecta (gracias al dinero que él mismo donó); la cinta de vídeo de Blake amenazando a las hijas de Styles hace que éste se vuelva loco; el vídeo de Styles con la prostituta termina destruyendo su vida; y Blake muere delante de las cámaras, justo donde todo empezó.</div><div style="text-align: justify;"><b>Ricochet</b> nos retrotrae a esa época gloriosa del cine de acción, en el que las carteleras y los videoclubs se llenaban de infinidad de películas de este género. Llenas de tiroteos, violencia y explosiones. <b>Ricochet</b> es un film tan correcto como entretenido, que no sigue los cánones de aquella época, ya que es posiblemente la película de acción más oscura de la década, tal vez por eso ha caído en el olvido. Incongruencias aparte, resulta una muy entretenida película de acción y venganza.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">El guionista Steven E. de Souza tiene un cameo en la película como un reportero de televisión.</div><div style="text-align: justify;">De la secuencia inicial, que acontece en 1983, al final de la película, pasan siete años y medio.</div><div style="text-align: justify;">John Lithgow no parpadea a lo largo de la película. Además lleva una lente de contacto en un ojo, para simular que es de cristal.</div><div style="text-align: justify;">En la televisión del laboratorio de Odessa, se puede ver el episodio <b>"Lover Come Hack to Me"</b> de la serie <b>Historias de la cripta</b> (1989-96), otra producción de Joel Silver.</div><div style="text-align: justify;">Ice-T fue el responsable del tema principal de la película <b>"Ricochet"</b>.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Entrevista a Fred Dekker</b> (feb 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://lebeauleblog.com/2016/09/08/ice-t-from-rap-to-riches/" target="_blank">Ice-T: From Rap to Riches</a></b> (Movieline, sep 1991)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.nme.com/en_au/news/film/denzel-washington-opens-up-policing-america-2867540" target="_blank">Denzel Washington opens up about his experiences of policing in the US</a></b> (NME, 28 ene 2021)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/john-lithgow-on-playing-winston-churchill-and-passing-o-1798254479" target="_blank">John Lithgow on playing Winston Churchill and passing on Cheers</a></b> (AV Club, 7 nov 2016)</div><div style="text-align: justify;"><a href="https://www.washingtonpost.com/archive/lifestyle/1991/03/08/movies-that-lost-money/49434aef-f35f-43e4-a95e-1d89b9f21aba/" target="_blank"><b>Movies that lost money</b></a> (The Washington Post, 8 mar 1991)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://genius.com/Playboy-playboy-interview-denzel-washington-annotated" target="_blank">Playboy Interview: Denzel Washington</a></b> (Playboy Magazine)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.money-into-light.com/2016/07/an-interview-with-russell-mulcahy-part_30.html" target="_blank">An interview with Russell Mulcahy</a></b> (Money Into Light)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://bristolbadfilmclub.co.uk/exclusive-interview-part-2-steven-e-desouza-writerdirector-of-street-fighter/" target="_blank">Exclusive interview (Part 2): Steven E. De Souza</a></b> (Bristol Bad Film Club, 19 mar 2015)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0102789/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/tv/john-lithgow-fan-favorite-roles/" target="_blank">John Lithgow reveals the roles that fans most recognize him for</a></b> (Entertainment Weekly, 28 jun 2020)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://podcastingthemsoftly.com/2017/06/08/im-gonna-do-something-far-worse-than-kill-you-remembering-ricochet-with-russell-mulcahy-by-kent-hill/" target="_blank">Remembering Ricochet with Russell Mulcahy by Kent Hill</a></b> (Podcasting Them Softly, 8 jun 2017)</div><div style="text-align: justify;"><b>Denzel Washington: His films and career</b> (Douglas Brode, 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b>New York Magazine</b> (13 ago 1990)</div><div style="text-align: justify;"><b>Jet Magazine</b> (29 jul 1991)</div><div style="text-align: justify;"><b>Jet Magazine</b> (14 oct 1991)</div><div style="text-align: justify;"><b>Ice: A Memoir of Gangster Life and Redemption-from South Central to Hollywood</b> (Ice-T y Douglas Century, 2011)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.sun-sentinel.com/news/fl-xpm-1991-10-08-9102100164-story.html" target="_blank">Smarmy saga bounces from bad to worse</a></b> (8 oct 1991, Sun Sentinel)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.talkingpicturespodcast.com/steven-de-souza-street-fighter/" target="_blank">Talking Pictures #5: Steven E. de Souza</a></b> (Talking Pictures Podcast, 1 ene 2020)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com4tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-86030506331040288982023-05-05T23:45:00.000-07:002023-05-05T23:45:11.641-07:00Conspiración<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJAGvEhdpsGQQ1BGREwQNdKB3itN4SQ3LyDnxb7dIMi6DKm2SHeJhIBq_y9S6jglfY-4pjEwUFJZpj57YtdQrARn4F9oaAOCwiicRrdw6ESEE82fanjEeLtdilAu-q__8rQ48Z/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="309" data-original-width="550" height="225" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhJAGvEhdpsGQQ1BGREwQNdKB3itN4SQ3LyDnxb7dIMi6DKm2SHeJhIBq_y9S6jglfY-4pjEwUFJZpj57YtdQrARn4F9oaAOCwiicRrdw6ESEE82fanjEeLtdilAu-q__8rQ48Z/w400-h225/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+01.jpg" width="400" /></a></div></div><i><div style="text-align: justify;"><i>"Gerónimo."</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Jerry Fletcher es un taxista de Nueva York, que escribe un boletín sobre conspiraciones, y un buen día se ve metido en una de ellas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>TEORÍA DE LA CONSPIRACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">En 1994, durante el rodaje de <b>Asesinos</b> (1995), el guionista Brian Helgeland le habló al director Richard Donner y al productor Joel Silver, sobre un guión en el que estaba trabajando titulado <b>"Conspiracy Theory"</b>, el cual Donner consideró una buena idea para una serie de televisión.</div><div style="text-align: justify;">Helgeland juntó dos ideas distintas para dar forma al guión definitivo, por una parte tenía la historia de un paranoico que escribe un boletín sobre conspiraciones y un buen día acierta en una de ellas. Y por otro lado, tenía la historia de amor ente dos personas que nunca podrían terminar juntas. <i>"Un día me di cuenta de que debería combinar las dos historias,"</i> recordaba el guionista en las notas de producción de la película. <i>"Lo que funciona bien en esta película es que tienes este gran mundo de teorías de conspiración, y en medio de todo ese escenario tienes a este tipo que está perdidamente enamorado de esta mujer, que es el corazón de toda la película."</i> Así dio forma a <b>Conspiración</b> (Conspiracy Theory, 1997).</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO3ya3IgRo_l4a9o2W5h5mob52Qp3euVOfPjy1W32dG3GztdSzVwLQicBevfeRmCK46Cgalb3AR6r5wt9y6tA0bKOfJ3OrVqvbPKFtLgkcz5i5JcqFDjzv87Aw9K6AWM6x_042/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="235" data-original-width="550" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgO3ya3IgRo_l4a9o2W5h5mob52Qp3euVOfPjy1W32dG3GztdSzVwLQicBevfeRmCK46Cgalb3AR6r5wt9y6tA0bKOfJ3OrVqvbPKFtLgkcz5i5JcqFDjzv87Aw9K6AWM6x_042/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+02.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Helgeland escribió el papel del paranoico protagonista con Mel Gibson en mente, ya que según contaba a <b>Vanity Fair</b>, <i>"quería un tipo que estuviera totalmente loco, pero que fuera empático. Y Mel es la única persona que pensé que podría lograrlo."</i></div><div style="text-align: justify;">A principios de 1996, Donner leyó el guión y se dio cuenta que había encontrado su siguiente película, la cual sería producida por él y Joel Silver. El director cobró un cheque de 5 millones de dólares. Aunque podría parecer que se trataba de otro blockbuster espectacular más, Donner tenía claro que este proyecto era algo distinto. <i>"No es una película totalmente de acción,"</i> explicaba el director a <b>Imágenes de actualidad</b>. <i>"Es más un análisis de personajes."</i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">En 1991, Mel Gibson y Julia Roberts estuvieron a punto de protagonizar juntos un western titulado <b>"Renegades"</b>, el cual no llegó a materializarse, pero la idea de unir ambas estrellas en un proyecto, permaneció en el aire. Fueron necesarios seis años para que eso sucediera. </div><div style="text-align: justify;">Como no podía ser de otra forma, le ofrecieron el papel de Jerry Fletcher a Mel Gibson, quien acababa de ganar dos Oscars por <b>Braveheart</b> (1995) y estaba en medio del rodaje de <b>Rescate</b> (1996), por lo que de entrada no estaba muy seguro de si participar en el proyecto. Así que el guión empezó a circular por Hollywood, llamando la atención de Brad Pitt y Jim Carrey.</div><div style="text-align: justify;">Pero Donner tenía claro que quería que su amigo Mel protagonizase su película, así que ideó una forma poco sutil para convencerlo. Donner, Silver y un equipo de carpinteros se presentaron en las oficinas de Icon Pictures (productora de Gibson), que se encontraban en los estudios de la Warner, y amenazaron con encerrarlo en una habitación poniendo clavos en la puerta, si no aceptaba participar en la película. Después de noventa minutos y de mucho pensarlo, Gibson aceptó. Seguro que el cheque de 20 millones de dólares que cobró hizo el trato mucho más agradable.</div><div style="text-align: justify;"><i>"Cuando miré el guión inicialmente, pensé: 'Vaya, este tipo es un acosador',"</i> admitía Gibson al <b>The Morning Call</b>. <i>"Está vestido como un abusador de menores. Está obsesionado. Es un completo lunático. Hay varios aspectos de él que son repugnantes. Pero luego pensé: 'Déjame intentarlo'."</i> Para preparar su papel de loco conspiranoico, Gibson escuchó el programa de radio del comentarista político conservador Rush Limbaugh.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDWbV5M-YmfhmDNJ0rKSSsWZBHNvyXnoDdfB60uhzyFThQ2G2WJ6dvq5Jcy2mCHslyoVodMUw8lcUglHBL4UsNucUVfHTqV2w-s3yAWTFO1462sNtZRgaD6OPkutLqBGEyBsIG/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="235" data-original-width="550" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiDWbV5M-YmfhmDNJ0rKSSsWZBHNvyXnoDdfB60uhzyFThQ2G2WJ6dvq5Jcy2mCHslyoVodMUw8lcUglHBL4UsNucUVfHTqV2w-s3yAWTFO1462sNtZRgaD6OPkutLqBGEyBsIG/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+03.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Inicialmente le ofrecieron el papel de Alice Sutton, a Jodie Foster, que había trabajado con Donner y Gibson en <b>Maverick</b> (1994), pero rechazó la oferta. Vieron a varias actrices, pero se dieron cuenta de que la perfecta para el papel era Julia Roberts.</div><div style="text-align: justify;"><i>"Le pedimos a Julia que hiciera la película con nosotros,"</i> explicaba Donner a <b>Imágenes de actualidad</b>. <i>"Esperamos y esperamos, pero no se decidía. La verdad es que Julia estaba valorando un par de proyectos más. Un día le dijimos que queríamos reunirnos con ella en el hotel en el que se encontraba. Estábamos Mel, Joel Silver y yo en mi habitación. Pusimos a nuestros tres ayudantes escondidos en la otra para que no molestaran. Cuando Julia llegó, Joel le presionaba una y otra vez: 'Venga, di que sí ahora', decía. Pero Julia pedía más tiempo. Hasta que al final dijo que sí. Al instante, se abrió la puerta de la habitación y entró una banda de 15 músicos que empezó a tocar."</i> Los honorarios de la actriz fueron de 11 millones de dólares.</div><div style="text-align: justify;">En Patrick Stewart recayó el papel del Dr. Jonas, y el actor se sintió atraído por el proyecto por el guión. <i>"Es el guión lo que me atrajo porque está en la línea de películas que siempre me han gustado," </i>explicaba el actor a <b>Starlog</b>. <i>"Como <b>Ipcress</b>, <b>El espía que surgió del frío</b>, <b>Los tres días del cóndor</b>, películas que son thrillers, pero donde nunca estás seguro de quiénes son los buenos o los malos."</i></div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Cylk Cozart (como el agente Lowry), Terry Alexander (en el papel de Flip), y Steve Kahan, primo de Donner (interpretando a Wilson, el jefe de Alice).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal comenzó el 14 de octubre de 1996 y se extendió hasta el 7 de febrero de 1997. Los exteriores tuvieron lugar en la ciudad de Nueva York, y los decorados se construyeron en los estudios de Warner Bros. en Burbank. Se utilizaron localizaciones características de la Gran Manzana como el Puente de Queensboro, Times Square y Union Square. Eso sí, el cine en el que entra Gibson estaba situado realmente en Los Angeles y no en Nueva York, se trata del Orpheum Theater.</div><div style="text-align: justify;">Rodar en Nueva York nunca es fácil. Para poder filmar las escenas de Times Square, tuvieron que iluminar diez manzanas, cortar cuatro e inundar la famosa plaza con agua. Para la escena de la persecución en el Puente de Queensboro, tuvieron que cortar el puente durante siete horas un domingo, además de necesitar cincuenta coches con especialistas, seis cámaras y dos helicópteros. Y para la escena en la que Jerry sale de un librería, fue necesario el aterrizaje de un helicóptero por la noche en Union Square, el cual fue el primero que se permitió en una zona altamente poblada de Manhattan en más de 20 años.</div><div style="text-align: justify;">Donner escogió como diseñador de producción a Paul Sylbert (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2009/08/impacto.html" target="_blank">Impacto</a></b>), quien construyó nueve sets para la película, dos de ellos en Nueva York y los demás en los estudios de Burbank. El enfoque que utilizó para su trabajo era centrarse en el personaje de Jerry Fletcher y su mente paranoica. <i>"El look [de la película] tenía que basarse en la realidad, sentirse muy real y, en cierto sentido, no diseñado,"</i> dice Sylbert en las notas de producción de la película. <i>"Si tienes a un hombre al que el mundo le parece muy extraño y haces que ese mundo sea muy extraño para la audiencia, entonces pierdes ese contraste. Quieres un mundo real que él vea como extraño. No puedes distorsionarlo, excepto en momentos especiales."</i></div><div style="text-align: justify;">El director de fotografía escogido fue John Schwartzman, quien después de rodar <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/04/la-roca.html" target="_blank">La Roca</a></b> (1996) en Super 35, decidió utilizar el mismo formato anamórfico en <b>Conspiración</b>.<i> "La belleza del anamórfico es que no hay un proceso óptico intermedio,"</i> explicaba Schwartzman en <b>American Cinematographer</b>. <i>"Si te gustan los dailies, te va a encantar tu impresión de lanzamiento. El negativo más grande también te brinda más detalles de sombras y una mayor latitud, por lo que, aunque estaba rodando con diafragmas más profundos en scope, sentí que estaba usando [relativamente] menos luz para obtener más imagen." </i>Donner tenía claro cual era el estilo visual que le quería dar a la película, tratando de capturar el caos de Nueva York, y no pulir las asperezas de la ciudad. <i>"Dick quería usar lentes largos con un enfoque estrecho,"</i> contaba Schwartzman en las notas de producción de la película. <i>"Quería filmar en pasillos largos, creando un efecto túnel, donde los personajes se sientan confinados y busquen libertad. También quería muchos reflejos, que confundan a los personajes sobre lo que es real y lo que no."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjaGE5xY6GiVK7Tt9jsuxan90VhUABxzYD5ApM9TVjX9_3qiIf65dK7DAXET8pCD7zkzAsqB94159wORUHHEBAmv0CDn3q0vEtDn81YpWcqDyajWBjiDvKV7IIx8P5sUsXybI7/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="235" data-original-width="550" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgjaGE5xY6GiVK7Tt9jsuxan90VhUABxzYD5ApM9TVjX9_3qiIf65dK7DAXET8pCD7zkzAsqB94159wORUHHEBAmv0CDn3q0vEtDn81YpWcqDyajWBjiDvKV7IIx8P5sUsXybI7/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+04.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Reinó el buen ambiente durante el rodaje, con Gibson gastando continuas bromas. El primer día de rodaje, el actor hizo que le entregaran a Roberts una caja de regalo y cuando la actriz la abrió se encontró dentro una rata liofilizada. A modo de venganza, la actriz se coló en el trailer del actor, y envolvió con film plástico la taza del inodoro. En otra ocasión, Gibson se pegó en la mano una cucaracha de plástico con gel y tapioca, en la escena en la que le enseña un apretón de manos secreto a Roberts. Y no fue la última broma de la que fue víctima la actriz, en otra ocasión, rodando una escena en la que su personaje debe registrar su apartamento, cuando descorrió la cortina de la ducha, se topó con Joel Silver dentro, quien le dio un buen susto. Se viraron las tornas, y Gibson fue víctima de una broma por parte de Donner, cuando el actor cumplió cuarenta y un años. Mientras rodaban la escena en la que está atado y con cinta adhesiva en los ojos, Donner hizo que el reparto y los miembros del equipo le entregaran un pastel mientras le cantaban el cumpleaños feliz, con el actor aún atado, y sin poder moverse.</div><div style="text-align: justify;">Dado el ajustado calendario de rodaje, las escenas de los títulos de crédito iniciales con Gibson hablando de conspiraciones a sus pasajeros, se filmaron en un solo día en Nueva York, con el actor conduciendo un taxi mientras lo filmaban y con Brian Helgeland metido en el maletero, quien mediante una radio le soplaba a Gibson lo que debía decir.</div><div style="text-align: justify;">El personaje de Alice Sutton es una consumada amazona, por esa razón, Julia Roberts tuvo que someterse a entrenamiento para estar a la altura en la escena final, en la que monta a caballo. Peter Leone fue el encargado de entrenarla, y según su opinión, pese a no ser jinete, <i>"en tres sesiones, después de tres días de trabajo, estaba dando saltos frente a la cámara con entre 50 y 100 personas diseccionando cada uno de sus movimientos,"</i> contaba al <b>Los Angeles Times</b>.</div><div style="text-align: justify;">No todo fue tan divertido para la actriz, cuando tuvo que rodar la escena en la que llora al lado de una tumba, Donner le animó a que recordara a su padre, que había muerto cuando ella tenía nueve años. Eso hizo efecto en la actriz, quien se derrumbó emocionalmente al rodar la escena. El director decidió seguir rodando y no detener la escena, una vez se completó, se acercó hasta la actriz para consolarla. Sobra decir que la escena quedó perfecta y que Roberts brilla en ella.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhE1m00uMgrG2N00ietVHePaAeqtlPWGsPvWzQcq0It-U2w4wJpWAavW4owM5ZOFfZlIvmUmfVfWMUfQKrHaKzW7ECxMz772abEBCTZs8G7eCiGxm0kTSKaA7rghH5xV5Vny9xc/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="235" data-original-width="550" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhE1m00uMgrG2N00ietVHePaAeqtlPWGsPvWzQcq0It-U2w4wJpWAavW4owM5ZOFfZlIvmUmfVfWMUfQKrHaKzW7ECxMz772abEBCTZs8G7eCiGxm0kTSKaA7rghH5xV5Vny9xc/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+05.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Se filmaron dos finales, el visto en la película, con Jerry saliendo vida (contra todo pronóstico), mientras ve a Alice montando a caballo; y otro más fatalista (y que era el final del guión original) en el que Jerry antes de morir le confesaba a Alice que había matado a su padre. Donner hizo pases de prueba con ambos finales, y el público prefirió el más positivo, que fue el que llegó a las salas de cine.</div><div style="text-align: justify;">La película iba a estrenarse inicialmente el 25 de julio de 1997, el mismo día que <b>Air Force One</b> (1997), pero los pases de prueba de esta última fueron tan favorables, que Warner decidió retrasar <b>Conspiración</b> hasta el 8 de agosto, una fecha más apropiada y que evitaría el enfrentamiento con el film de Harrison Ford.</div><div style="text-align: justify;">Pero ese cambio no sirvió de nada, ya que la película recaudó unos simplemente correctos 75.982.834 de dólares en Estados Unidos, siendo su taquilla a nivel mundial 136.982.834 de dólares, lejos de lo que se podría esperar de una película protagonizada por Gibson y Roberts.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Conspiración</b> recuperó en los 90 el gusto por el thriller conspiranoico de los 60/70, en la línea de <b>Los tres días del cóndor</b> (1975) o <b>El último testigo</b> (1974), salvo que a diferencia de aquellos, el film de Donner tiene más corazón. Porque en el fondo la película es una historia de amor, toda la conspiranoia está muy bien, pero lo que nos hace seguir adelante con la historia, es la atípica relación entre Jerry y Alice.</div><div style="text-align: justify;">Ambos personajes son el corazón de la película, principalmente Jerry, ya que Gibson logra que sintamos empatía y pena por un personaje que está trastornado y puede ser peligroso. La película siempre funciona mejor cuando se centra en él. Durante hora y media la película avanza como un tiro, pero es en el tercer acto, cuando los minutos en pantalla de Jerry se reducen, y los de Alice aumentan, que la película no es tan redonda como todo lo anteriormente narrado, también porque el guión no sabe como seguir innovando del mismo modo que en los dos primeros actos.</div><div style="text-align: justify;">En el fondo, Jerry y Alice son dos personas rotas y heridas, él por el experimento al que fue sometido, ella por el asesinato de su padre nunca resuelto, cuando descubren que ambos acontecimientos están unidos, ellos también lo estarán para siempre. Lo que funciona tan bien de su relación es que son polos opuestos y nunca creerías que podrían terminar juntos.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPN6m2MXFhE_rhl7CODVClVOKxnL2oCDLmG-oC4OJZWDio0r5ITsImST1dMIMH6lRkFkxQKByDyCjc_nNoKBWwBxcuEZr8I2-rUNHHFnHWYLfTToXAtz-aQiVaJDJvUZWoWgah/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="235" data-original-width="550" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPN6m2MXFhE_rhl7CODVClVOKxnL2oCDLmG-oC4OJZWDio0r5ITsImST1dMIMH6lRkFkxQKByDyCjc_nNoKBWwBxcuEZr8I2-rUNHHFnHWYLfTToXAtz-aQiVaJDJvUZWoWgah/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+06.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><b>Conspiración</b> mezcla varios géneros, como el thriller, el romance, la acción y la comedia, resultando siempre fresca y novedosa, funcionando en cada uno de ellos.</div><div style="text-align: justify;">La película trata de evitar los lugares comunes y no caer en tópicos, Helgeland siempre sabe como hacer que sigamos enganchados a la historia. Me gusta como resuelve la escena del cine, en lugar de meter un tiroteo, que sería lo más fácil, Jerry sólo grita: "Bomba", y todos salen huyendo, lo que es mucho mucho más inteligente. El guión está repleto de ideas originales, como que los nombres de los pistoleros solitarios sean siempre compuestos. Y todo está bien atado, como que Jerry le muerda la nariz a Jonas, para que después Alice pueda identificarlo en su primer encuentro.</div><div style="text-align: justify;">Toda la trama con la que se topa Jerry es cojonuda, tanto la del intento de matar al presidente con un terremoto, como la de los experimentos de Jonas para crear asesinos, nos recuerdan a lo mejor de los thrillers de los 70, y la mención y referencia expresa a <b>El mensajero del miedo</b> (1962) no es casual.</div><div style="text-align: justify;">La película también muestra como se puede contagiar la paranoia, y sus consecuencias cuando tu vida es regida por ella, como le sucede a Jerry. Quien consigue que Alice se convierta poco a poco también en una paranoica (como cuando coloca la botella en su puerta). Por eso me gusta ese guiño final, con la aparición de un helicóptero silencioso antes de entrar los créditos finales, también deja la sombra de la paranoia en nosotros.</div><div style="text-align: justify;">Me gusta el final con Jerry saliendo con vida, parece el clásico <i>happy end</i> un tanto forzado (después de ver las heridas que el personaje sufre en el tiroteo), pero me gusta esa sensación de alegría con la que termina la película. A veces uno sólo quiere salir del cine con una sonrisa, y ésta película lo consigue. Además no quiero que Jerry muera, no se lo merece y se ha ganado mis simpatías. Y la escena está coronada por la música de un Carter Burwell de lo más inspirado.</div><div style="text-align: justify;">Y es que el trabajo de Burwell merecería un artículo para ella sola, es una de mis bandas sonoras favoritas, con el tema <b>"Riding"</b> a la cabeza. El montaje de Jerry escribiendo su boletín con el compositor dándolo todo (con el tema <b>"Conspiracy Theory"</b>), es posiblemente mi secuencia favorita de la película.</div><div style="text-align: justify;">Donner ya nos introduce en la historia de la mejor forma posible, con unos excelentes títulos de crédito, con Jerry contándole a sus pasajeros sus locas teorías. Tras ver esa escena, sabemos que algo especial nos espera a continuación.</div><div style="text-align: justify;">El director está en una gran forma y filma como nunca. Es una gozada ver como encuadra cada plano, y me encanta como aprovecha los reflejos para aportar información (y para mostrar otra realidad oculta), como ese momento en que Jerry ve un helicóptero reflejado en un escaparate, o como visualiza el secuestro de Jerry por los hombres de Jonas, con un hombre dentro de un restaurante que no sabe lo que ha sucedido.</div><div style="text-align: justify;">Gibson, como siempre, está fantástico, nadie como él sabe dar vida a un loco carismático. Además tiene con Roberts mucha química, quien también está estupenda. Y no me quiero olvidar de Stewart, que da vida a un villano a la altura.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt3rtKtYPeX_dj29vvRZJbva5Q__jKL7o61uykM4jRRQta7sb3zyNapmYKGC7xhpZch1k84cHihJ2MZG4nXYok8rSwOhodVvlZqPsPiHLXU8CMVqZCsIpHJBLa62lpxmdPy0wC/s550/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="235" data-original-width="550" height="171" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgt3rtKtYPeX_dj29vvRZJbva5Q__jKL7o61uykM4jRRQta7sb3zyNapmYKGC7xhpZch1k84cHihJ2MZG4nXYok8rSwOhodVvlZqPsPiHLXU8CMVqZCsIpHJBLa62lpxmdPy0wC/w400-h171/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Conspiraci%25C3%25B3n+07.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Ésta es una de las mejores película de Donner (lo que ya es decir), y parece producto de una conspiración que esté tan olvidada y que no se haya reivindicado, sobre todo porque se trata de un gran thriller conspiranoico, de lo más entretenido y original. Gibson y Roberts son el corazón de la película, cuya historia romántica es más interesante que todas las intrigas y misterios gubernamentales. Ya sólo por esa razón deberíais darle una oportunidad a <b>Conspiración</b>.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">En un momento de la película, Jerry entra en un cine en el que se proyecta <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/01/lady-halcon.html" target="_blank">Lady Halcón</a></b> (19855), también dirigida por Donner.</div><div style="text-align: justify;">Richard Donner hace un cameo como uno de los pasajeros de Jerry al comienzo de la película.</div><div style="text-align: justify;">Es la única película de todas las colaboraciones entre Richard Donner y Mel Gibson, en la que no participa Danny Glover.</div><div style="text-align: justify;">Brian Helgeland ha declarado que la escena de la conversación entre Mel Gibson y Julia Roberts sobre <b>"El guardián entre el centeno"</b>, es lo mejor que ha escrito.</div><div style="text-align: justify;">En la película, se hace mención a Lee Harvey Oswald, el asesino de Kennedy. Al igual que Oswald, quien tras disparar al presidente desde una librería, se refugió en un cine; Jerry sale de una librería después de comprar <b>"El guardián entre el centeno"</b>, y se oculta en un cine al ser perseguido.</div><div style="text-align: justify;">También se menciona a John Hinckley, Jr., quien trató de asesinar al presidente Ronald Reagan en 1981. El atentado contra el presidente fue un intento de Hinckley de llamar la atención de Jodie Foster, con quien estaba obsesionado. A Foster le ofrecieron el papel de Alice Sutton, el cual rechazó.</div><div style="text-align: justify;">En un momento de la película, Jerry dice que Oliver Stone es un portavoz de George H.W. Bush. Años después Stone filmaría la película biográfica <b>W.</b> (1008) basada en su hijo, el también presidente George W. Bush.</div><div style="text-align: justify;">El proyecto MK Ultra que se menciona en la película, fue real y se trató de un programa de control mental desarrollado por parte de la CIA entre los años 50 y 70.</div><div style="text-align: justify;">En la escena en la que Alice está en casa de Jerry buscando una pista tras el incendio, al observar su mural, se topa con una foto de Ezekiel Walters, que no es otro que Brian Helgeland.</div><div style="text-align: justify;">Richard Donner es un activista por los derechos de los animales, y siempre que puede mete en sus películas alguna referencia a la causa (<b>Arma letal 2</b>, <b>Asesinos</b>). En <b>Conspiración</b> se pueden ver carteles en contra del uso de pieles de animales, en el quiosco en el que Jerry recoge los periódicos.</div><div style="text-align: justify;">Donal Gibson, hermano de Mel Gibson, interpreta al doctor que permite que Julia Roberts pase al área restringida del hospital, cuando Gibson está esposado a la cama.</div><div style="text-align: justify;">Jerry comenta que todos los pistoleros solitarios tienen nombre compuesto, menos la excepción que es Sirhan Sirhan, quien asesinó a Robert F. Kennedy. Su nombre completo es Sirhan Bishara Sirhan.</div><div style="text-align: justify;">En los 90, Mel Gibson fue en repetidas ocasiones acusado de homófogo, y para calmar las aguas, el 27 de enero de 1997, el actor participó en un seminario organizado por la "Alianza de Gays y Lesbianas contra la difamación" (GLAAD), que tuvo lugar en el set de rodaje de <b>Conspiración</b> en Los Angeles.</div><div style="text-align: justify;">Durante la post-producción de <b>Conspiración</b>, la productora Lauren Shuler Donner, mujer de Richard Donner, le propuso a Patrick Stewart ser el Profesor Charles Xavier en <b>X-Men</b> (2000).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://filmscouts.com/SCRIPTs/matinee.cfm?Film=con-the&File=productn" target="_blank">Production Notes</a></b> (Film Scouts)</div><div style="text-align: justify;"><b>Imágenes de actualidad</b> (Nº 157)</div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (Nº 244)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/1994/05/06/mel-gibson-revives-comic-western-maverick/" target="_blank">Mel Gibson revives comic western "Maverick"</a></b> (Entertainment Weekly, 6 may 1994)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/1997/02/21/mel-gibsons-glaad-handing/" target="_blank">Mel Gibson's GLAAD handing</a></b> (Entertainment Weekly, 21 feb 1997)</div></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/1997/08/15/true-tale-conspiracy-theory/" target="_blank">The true tale of "Conspiracy Theory"</a></b> (Entetainment Weekly, 15 ago 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://archive.vanityfair.com/article/1997/8/mel-on-wheels" target="_blank">Mel on Wheels</a></b> (Vanity Fair, ago 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.mcall.com/1997/08/03/filmmakers-conspire-to-keep-mel-gibson-forever-in-a-jam/" target="_blank">Filmmakers Conspire to Keep Mel Gibson Forever in a Jam</a></b> (The Morning Call, 3 ago 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b>American Cinematographer</b> (jul 1998)</div><div style="text-align: justify;"><b>A Star Is Moved: Now You Can See Tyson the Terrible</b> (Los Angeles Times, 4 jul 1997)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.mulhollandbooks.com/guest-posts/conversation-with-brian-helgeland/" target="_blank">A Conversation with Brian Helgeland</a></b> (Mulholland Books)</div><div style="text-align: justify;"><b>You're the director... You figure it out</b> (James Christie, 2010)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0118883/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.screenwritersutopia.com/article/d1a18039" target="_blank">Interview with Brian Helgeland</a></b> (Screenwriter's Utopia, 11 dic 2010)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-43589045042492865972023-04-13T14:34:00.003-07:002023-04-13T14:34:24.635-07:00Top Secret<div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfzWjNWY5B6rHjTtMomuMkA3EOoS5ZBt68yIcCXT8yreNRB1-Yptkh6Zd9n1Sv2xSY8MbMw0eSSppXNhIJr_7JnvxMDV7uEz4t3jcCOfC6dj3A4EkzRWOYRRrgS5jiNFbvFz_d/s600/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Top+Secret+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="469" data-original-width="600" height="313" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhfzWjNWY5B6rHjTtMomuMkA3EOoS5ZBt68yIcCXT8yreNRB1-Yptkh6Zd9n1Sv2xSY8MbMw0eSSppXNhIJr_7JnvxMDV7uEz4t3jcCOfC6dj3A4EkzRWOYRRrgS5jiNFbvFz_d/w400-h313/Pel%25C3%25ADculas+de+culto+-+Top+Secret+01.jpg" width="400" /></a></div></div><i><div style="text-align: justify;"><i>"¿Zurullo? Yo no trabajo ese artículo."</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El cantante rock Nick Rivers se ve envuelto en una trama de espías, cuando debe ayudar a la resistencia francesa a rescatar a un científico en Alemania del Este.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>ESPÍA COMO PUEDAS</b></div><div style="text-align: justify;">Tras el enorme éxito de <b>Aterriza como puedas</b> (1980), sus directores y guionistas, los ZAZ (como es comúnmente conocido el trío compuesto por David Zucker, Jim Abrahams y Jerry Zucker) barajaron hacer una película que combinase las películas de la Segunda Guerra Mundial y el rock and roll, pero no conseguían hacerla funcionar. Mientras no daban con la tecla adecuada, tomaron la decisión de realizar la serie de corta duración <b>Police Squad!</b> (1982), e inteligentemente evitaron rodar <b>Aterriza como puedas II</b> (1982). Pero no pasó mucho tiempo hasta que se pusieron manos a la obra con la película, que estaba destinada ser un clásico de la comedia, <b>Top Secret</b> (Top Secret!, 1984).</div><div style="text-align: justify;">Si <b>Aterriza como puedas</b> parodiaba la películas de catástrofes, principalmente <b>Suspense... hora cero</b> (1957), <b>Top Secret</b> pondría el ojo en una mezcla de géneros que de entrada no parecerían poder casar entre si. <i>"Al principio, no teníamos un género completo como las películas sobre desastres aéreos,"</i> explicaba David Zucker a <b>ScreenCrush</b>. <i>"Sólo éramos fans de esas películas en blanco y negro de la Segunda Guerra Mundial que se hicieron durante la guerra. De alguna manera, no pensamos que eso fuera suficiente. No queríamos hacer una película de época, queríamos hacerla contemporánea. Esa fue toda la presunción de <b>Top Secret</b>, que no necesariamente se basaba en la realidad, pero tendría una mayor sensación de locura, incluso sobre los géneros que estábamos eligiendo, que era un híbrido dividido entre las películas de Elvis y las películas de la Segunda Guerra Mundial."</i></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuVdsQmtmkN1cI_WMd7ZK9aVI4rFfeVupx3NmbVcYUyYPDUvLm9Jln0-hIR6UOUzCDZ5DJCWTuEau_LkzrXQf62BxqEcpmVOcMuznDLjxuiOvl9a_XpwwqVrSF9yEK-w11PXtExoKYc2f36N7t4eJ1QvX9I8oLnDKPgWxliySyGf4kHYAf/s600/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="600" height="231" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiuVdsQmtmkN1cI_WMd7ZK9aVI4rFfeVupx3NmbVcYUyYPDUvLm9Jln0-hIR6UOUzCDZ5DJCWTuEau_LkzrXQf62BxqEcpmVOcMuznDLjxuiOvl9a_XpwwqVrSF9yEK-w11PXtExoKYc2f36N7t4eJ1QvX9I8oLnDKPgWxliySyGf4kHYAf/w400-h231/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Pero unir ambos géneros no era tarea fácil, por lo que tomaron la decisión de construir la película de una forma diferente, que fue adaptar la trama a las escenas que habían ideado. <i>"Pensamos que lo mejor que podíamos hacer era juntar un montón de nuestros chistes favoritos,"</i> recordaba Abrahams a <b>ScreenCrush</b>, <i>"chistes realmente buenos, y unirlos con lo que parecía una historia y eso terminó siendo <b>Top Secret</b>."</i> Construir la película en torno a los gags no fue lo más loco de la fase de escritura del guión, por ejemplo los ZAZ escribieron el libreto en las oficinas de sus abogados. <i>"Después de <b>Aterriza como puedas</b>, pasamos tanto tiempo haciendo tratos, y yendo y viniendo con los abogados, que finalmente nos mudamos con ellos,"</i> contaba David Zucker al <b>The New York Times</b>.</div><div style="text-align: justify;">Los tres eran buenos inventando chistes, pero no con la estructura de guión, y por eso entró Martyn Burke para ayudarles, quien se convirtió en el cuarto guionista de la película. <i>"Si no fuera por Martyn, todavía estaríamos sentados en esa habitación,"</i> contaba Jerry Zucker al <b>The New York Times</b>.</div><div style="text-align: justify;">Con un presupuesto de 8 millones dólares, el proyecto consiguió luz verde bajo el paraguas de Paramount Pictures, siendo Jon Davison y Hunt Lowry los productores asignados al proyecto. Los ZAZ compartirían de nuevo las tareas de dirección.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Para el papel principal de Nick Rivers, los ZAZ hicieron pruebas a cuatro o cinco actores, hasta que fueron a Nueva York y vieron la obra "Slab Boys", en la que trabajaba un joven Val Kilmer, quien resultaba perfecto para el papel. El actor resultó que era fan del grupo teatral cómico de los ZAZ, el "Kentucky Fried Theater", y se presentó a las pruebas para Rivers, donde no hizo sólo una lectura. <i>"Había preparado una canción de Elvis y la cantó como Elvis con todos esos movimientos,"</i> recordaba Jim Abrahams a <b>ScreenCrush</b>. El papel fue suyo, siendo su debut en el cine, y como reconocía el actor a <b>Interview Magazine</b>, <i>"fue un comienzo muy extraño para lo que fue mi formación, que era teatro clásico y Shakespeare, y después entrar en este estilo de comedia absurda."</i></div><div style="text-align: justify;">Para el papel de Hillary Flammond, miembro de la resistencia francesa, hizo una audición la neozelandesa Pamela Stephenson (<b>Superman III</b>). Tras realizarla su agente le dijo que buscaban a una auténtica actriz francesa para el papel. Decidida a conseguirlo, Stephenson le pidió a su agencia que hablara con el agente del casting, y le dijera que tenían a una nueva actriz francesa que acababa de llegar a la ciudad, y que podía ser perfecta para el papel. Stephenson se caracterizó como la ficticia Danielle Bergeronette y se presentó de nuevo a las audiciones, donde llegó a coquetear con los directores y a fingir enfadarse con ellos por tomarse a broma la resistencia francesa. Cuando se marchó de la audición, se quitó la peluca y regresó a la habitación para meterse con los ZAZ. Pese al buen rollo entre los directores y la actriz, no se hizo con el papel. Al final escogieron a la británica Lucy Gutteridge.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDGXQkSsazTo4YyFbOTTWWJie8eRY-1FmAu-QREB8U54ygsH6pboisJlS-_Fr3IkDQQdJBRLWdijgbjDe37DCuyAhBte4GBHsUv4EKbuPLsKN0YGTFyYv6Fp_JfOxo-pUxsGaOZo7sbxb6C6wDiy2Q2whKtfUaVo09elhpAsr-wWn06aUV/s600/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="600" height="231" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDGXQkSsazTo4YyFbOTTWWJie8eRY-1FmAu-QREB8U54ygsH6pboisJlS-_Fr3IkDQQdJBRLWdijgbjDe37DCuyAhBte4GBHsUv4EKbuPLsKN0YGTFyYv6Fp_JfOxo-pUxsGaOZo7sbxb6C6wDiy2Q2whKtfUaVo09elhpAsr-wWn06aUV/w400-h231/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Para el papel del agente Cedric, los ZAZ querían a un actor de prestigio que nunca hubiera participado en una comedia loca. <i>"Creo que el director de casting sugirió a Omar Sharif,"</i> recordaba David Zucker a <b>Entertainment Weekly</b>, <i>"y reaccionamos: '¿Estás bromeando? ¡Nunca tendremos a Omar Sharif!' Pero como aprendimos a lo largo de nuestras carreras, se sorprenderá de la gente que puede conseguir. Nos reunimos con él y entró en el juego. Le gustó el guión. Sabía quiénes éramos y sabía cómo lo estaban utilizando en la película. Estaba de acuerdo con eso." </i>Así el Doctor Zhivago terminó recogiendo zurullos de coña.</div><div style="text-align: justify;">El británico Christopher Villiers dio vida a Nigel, el antiguo amor de Hillary, y líder la resistencia.</div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron Jeremy Kemp (como el general Streck), Warren Clarke (en la piel del coronel von Horst), Billy J. Mitchell (como Martin, el agente de Nick), Michael Gough (interpretando al Dr. Paul Flammond), Jim Carter (en el papel Torre Eiffel), Harry Ditson (como Rococo), y Eddie Tagoe (dando vida a Café Ole).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal empezó el 1 de agosto de 1983, con un calendario previsto de doce semanas de rodaje. Tuvo lugar en su totalidad en Inglaterra. Los interiores se filmaron en los Pinewood Studios, y los exteriores tuvieron lugar en diferentes localizaciones de Inglaterra como el Osterley Park House en Isleworth (ceremonia de bienvenida en Berlín), Holywell Bay (escenas iniciales de surf), Rockingham Castle (exteriores de la cárcel Fleurgendorf), New Wimbledon Theatre de Londres (escena del ballet), The Waldorf Hotel en Londres (escena de interiores del restaurante "Al pan, pan y al vino, vino") y Black Park (un parque en los exteriores de Pinewood, donde rodaron la escena del tiroteo de la granja).</div><div style="text-align: justify;">Kilmer cantó personalmente todas sus canciones de la película. Se pasó cuatro meses aprendiendo a tocar la guitarra, pero después los ZAZ le dijeron que preferían que fingiera tocarla, ya que resultaría más gracioso. Y para las escenas de baile ensayó con la coreógrafa Gillian Gregory. Para el número de <b>"Tutti Fruti"</b> en particular, estuvo semanas ensayando. Gregory también fue la encargada de coreografiar el absurdo baile en el restaurante "Al pan, pan, y al vino, vino".</div><div style="text-align: justify;">Aunque fue el debut de Kilmer en el cine, éste ya comenzó a dar síntomas de ser un actor complicado en los rodajes. <i>"En el set, lo recuerdo siendo un poco voluble,"</i> recordaba Jerry Zucker a <b>ScreenCrush</b>. <i>"Algunos días, era increíblemente divertido estar con él y nos reíamos. Y algunos días fueron más difíciles."</i> El actor tenía problemas con su personaje, ya que viniendo del teatro clásico, no sabía como interpretar simplemente a un chico normal en una comedia loca. <i>"Los chicos siempre quisieron que me divirtiera más,"</i> recordaba Kilmer a <b>ScreenCrush</b>, <i>"pero yo quería ser bueno y me lo tomé demasiado en serio."</i> Aún así los tres directores tienen buenas palabras para el actor. <i>"Lo recuerdo luchando con el personaje, pero siempre pensé que era un buen chico,"</i> contaba Jim Abrahams.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXN2ZIdcNlKA87-YN_PByqapGRueORtlxyRz-omVzhxIkJe3i9Zu-Sri_0G3Eddbttr0N1EfX_jHh_4LQP2tRmwA4lg51476fY5P2qBvtlPORb9wsEDaXkMgO2QCOfBc-7RcfJgrmPnKHMUOrGpOcQfLsE9kR3pApBZ-z_60hGunlS6GM-/s600/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="600" height="231" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjXN2ZIdcNlKA87-YN_PByqapGRueORtlxyRz-omVzhxIkJe3i9Zu-Sri_0G3Eddbttr0N1EfX_jHh_4LQP2tRmwA4lg51476fY5P2qBvtlPORb9wsEDaXkMgO2QCOfBc-7RcfJgrmPnKHMUOrGpOcQfLsE9kR3pApBZ-z_60hGunlS6GM-/w400-h231/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Para la secuencia que muestra el viaje de Nick a Berlín, mediante un mapa que se termina convirtiendo en el Pac-Man, obtuvieron permiso de Namco para utilizar los personajes del popular videojuego. Sally Cruikshank, mujer del productor Jon Davison, se encargó de hacer la animación de la escena.</div><div style="text-align: justify;">Mientras se encontraban en Pinewood, los ZAZ encontraron en un almacén una maqueta de una calle creada para <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2017/05/superman.html" target="_blank">Superman</a></b> (1978), y decidieron utilizarla para el momento en que Hillary mira por una ventana del ballet, y ve como por la calle unas ratas corren entre los coches. Inicialmente iban a utilizar criaturas mecánicas, pero las ratas costaban menos. </div><div style="text-align: justify;">No fue la única maqueta que utilizaron en la película. Para conseguir el gag del submarino irrumpiendo en el laboratorio del Dr. Flammond, construyeron una replica de uno a escala real en la parte trasera de un camión, y después entraron en el set marcha atrás con el vehículo derribando el muro. Tuvieron que repetir la toma varias veces, y para cada una tuvieron que reconstruir el muro.</div><div style="text-align: justify;">Una de las secuencias más memorables de la película, es la de la librería sueca con Peter Cushing y que va al revés. La idea surgió cuando los ZAZ pensaron que al pasar el diálogo al revés sonaría a sueco. Para poder llevar la escena a cabo, estuvieron ensayando durante todo un día los movimientos que debían hacer los actores para que todo tuviera sentido, y les llevó otro día rodarla. <i>"Recuerdo que requirió 17 tomas,"</i> contaba Jim Abrahams. El mayor problema lo causó el perro que aparecía en la escena, y que aparece moviéndose hacia atrás, haciendo evidente toda la broma. Tenían en el set tres perros entrenados, que entraban en escena al darles comida, pero después de unas cuantas tomas dejaron de tener hambre y se negaron a actuar. El diseñador de producción Peter Lamont, llegó al rescate, les dijo a los ZAZ que su perro siempre tenía hambre y que podía repetir las tomas sin problemas. Se fue a su casa a buscarlo y fue el perro que terminó haciendo la escena. Hizo todas las tomas que necesitaron sin perder nunca el apetito. </div><div style="text-align: justify;">Una de las imágenes más recordadas de la película es la de la vaca con botas. Inicialmente quisieron ponerle unas botas auténticas, y fueron hasta una granja para probar a ponérselas, pero a las vacas no les gustaban y se las quitaban rápidamente. Probaron diferentes diseños de botas y con muchas vacas distintas, pero nada funcionaba. Al final, la solución fue ponerle botas sin suela y con velcro fijarlas a sus patas.</div><div style="text-align: justify;">Otras de las escenas más recordadas (y locas) es aquella en la que Nick y Nigel caen al agua, y bajo ella se produce una pelea al más puro estilo western. Rodaron la secuencia en un tanque de Pinewood, y se filmó en planos cortos de 10 a 15 segundos, para que los actores tuvieran tiempo para contener la respiración. Unos buzos se encontraban fuera de cámara, para darles oxígeno a los actores después de cada toma. Y para romper objetos no podían usar materiales normales porque debajo del agua se rompían con facilidad, así que usaban objetos trucados, como por ejemplo, el taburete, el cual se rompía al tirar de una palanca.</div><div style="text-align: justify;">Al finalizar el rodaje, los ZAZ prepararon una suntuosa cena en honor de Omar Sharif, a la que éste aceptó asistir. Pero cuando llegó el día de la cena, que incluía a un mayordomo y vino con cada plato, el actor no apareció, resulta que ya se había marchado de Inglaterra. Esto se debió a que en la cultura egipcia, es de mala educación no aceptar una invitación. <i>"Creo que probablemente aceptó ser educado y no creo que se diera cuenta de que la fiesta era en su honor,"</i> reconocía divertido David Zucker a <b>Entertainment Weekly</b>.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjngb8ExFdnGCZ0OB9b70DDzufvFtMwWOlY9q31lFHV9rk4SRc2NMU9jY6wcKIenIJRWWGKEfG6-cSBY6kqD01QmoBo6953SJk_EDieSBPHQVV_PDOR7wlAthsEkJFASsHOUYqWRiqCqZVkinEmCQWuggYOHtUUHGAk0r6SIVZ9Bon9xw-j/s600/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="600" height="231" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjngb8ExFdnGCZ0OB9b70DDzufvFtMwWOlY9q31lFHV9rk4SRc2NMU9jY6wcKIenIJRWWGKEfG6-cSBY6kqD01QmoBo6953SJk_EDieSBPHQVV_PDOR7wlAthsEkJFASsHOUYqWRiqCqZVkinEmCQWuggYOHtUUHGAk0r6SIVZ9Bon9xw-j/w400-h231/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2005.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Según los ZAZ terminaron la película por debajo de presupuesto, completándola por 7 millones de dólares.</div><div style="text-align: justify;">Maurice Jarre (<b>Lawrence of Arabia</b>) fue el compositor contratado para componer la música de la película. El francés contó con un calendario muy apretado para realizar su trabajo, estuvo sometido a mucha presión y no tuvo oportunidad de realizar demasiados ensayos. Aún así quedó muy contento de trabajar con los ZAZ. <i>"Al principio me sentí un poco incómodo al tener que trabajar con tres directores,"</i> contaba el compositor a <b>Soundtrack Magazine</b>, <i>"de hecho cuatro, ya que Jon Davison también es muy creativo, así que a veces tienes que lidiar con cuatro puntos de vista diferentes, lo cual es fascinante. Disfruté inmensamente la experiencia. Están llenos de ideas y saben exactamente lo que quieren."</i></div><div style="text-align: justify;">Tal y como habían hecho previamente con <b>Aterriza como puedas</b> (1980), una vez terminaron de montar la película, hicieron pases de prueba en varias universidades de Estados Unidos (entre otras Harvard, Yale, Dartmouth, Berkeley y Stanford), para después de las proyecciones, entrevistarse con los estudiantes para hablar sobre la película y sus reacciones. En función de ellas, se hicieron cortes y ajustes, y redujeron la duración inicial de la película de dos horas a 90 minutos.</div><div style="text-align: justify;">La fecha de estreno prevista para la película era el 8 de junio de 1984, pero para evitar que coincidiese en el mismo fin de semana de estreno de <b>Los Cazafantasmas</b> (1984) y <b>Gremlins</b> (1984), se retrasó al 22 de junio del mismo año. Eso no la salvó, ya que la película sólo recaudó 20.458.340 de dólares. Pese a dar beneficios, la película fue considerada un fracaso debido a las expectativas creadas por el enorme éxito previo de <b>Aterriza como puedas</b>.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>ESCENAS ELIMINADAS</b></div><div style="text-align: justify;">En las ediciones de vídeo doméstico se incluyen cuatro escenas eliminadas del montaje final. Son las siguientes:</div><div style="text-align: justify;">1. Una conversación adicional en el laboratorio del Dr. Flammond, entre éste y Nick, en la que el científico le explica como la energía contenida en una manzana podría ser como la de una bomba, pero la ciencia nunca podría crear una auténtica manzana. En ese momento irrumpe uno de sus ayudantes y le dice que han creado una manzana.</div><div style="text-align: justify;">2. Antes de que coronel von Horst llame para evitar el fusilamiento de Nick, el general Streck está jugando con un perro lanzándole un pelota, cuando éste recibe la llamada para liberar al cantante, tira la pelota por una ventana y el perro salta a por ella. Al finalizar la escena el perro aparece lleno de tiritas y de vendas.</div><div style="text-align: justify;">3. En la escena de la conversación entre Nick y Hillary en el parque, ella tiene sed y Nick comienza a ofrecerle todo tipo de bebidas, pero ninguna le gusta.</div><div style="text-align: justify;">4. En la escena en la que Nick y Hillary se acuestan y aparecen varias chimeneas, originalmente aparecían más, y la secuencia terminaba con un plano de una ventana mostrando un edificio en llamas.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Top Secret</b> es una de las comedias más locas que uno se pueda echar a la cara. Es la cumbre de las <i>spoof movies</i>, y no es sólo una de las mejores comedias de los ochenta, también una de las mejores de la historia del cine.</div><div style="text-align: justify;">Y sorprendentemente a nivel mundial no es demasiado popular, lo contrario que en España, donde es una película de culto, gracias a un memorable doblaje.</div><div style="text-align: justify;">Aunque los ZAZ siempre digan que <b>Top Secret</b> no tiene trama, sí la tiene, la suficiente para unir todos los gags ideados por ellos. Y una de las razones por la que la película funciona tan bien, es porque se trata de una aventura, absurda eso sí, pero una aventura al fin y al cabo, y eso la hace muy entretenida. Además dos géneros tan dispares como las película de la Segunda Guerra Mundial y las películas de Elvis encajan de maravilla. Los números musicales aparecen en el momento preciso y funcionan como un tiro.</div><div style="text-align: justify;">Y es en esa parte musical, donde destaca Val Kilmer, quien demuestra unas grandes aptitudes para el baile y la canción.</div><div style="text-align: justify;">Uno de los elementos más originales de la película, es que la historia no ocurre en la realidad, está situada en la actualidad (en la de 1984), pero con alemanes de la Segunda Guerra Mundial (similares a los nazis) como enemigos, donde la música que premia es el rock and roll de los 50 y 60, y hay referencias a Stevie Wonder, Jimmy Carter, al Pac-Man, e incluso aparece un Ford Pinto. Todo es posible desde el skeet surfing (jugar al tiro al blanco mientras se práctica el surf), ver a un hombre subiéndose a un árbol en una estación de tren, o la aparición de un caballo cantarín.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8aLEbl9iS3zD03Df963gVTt8TnRRJAbliW-AlbarAb9QrZELQaO5FsiUB7-T6VMPQIzkMyYOLAMus-PFJ4A9pkI9X51g4z2ELLbGHkqJl0Hp5g4dOVjlgSK_EozwPMahU-5zWWzGWvwYGUbyGmK6E6W4wklZK16_KRABh7CFHWiyQ5FHS/s600/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2006.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="346" data-original-width="600" height="231" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj8aLEbl9iS3zD03Df963gVTt8TnRRJAbliW-AlbarAb9QrZELQaO5FsiUB7-T6VMPQIzkMyYOLAMus-PFJ4A9pkI9X51g4z2ELLbGHkqJl0Hp5g4dOVjlgSK_EozwPMahU-5zWWzGWvwYGUbyGmK6E6W4wklZK16_KRABh7CFHWiyQ5FHS/w400-h231/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Top%20Secret%2006.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><b>Top Secret</b> es una ametralladora de gags. Tiene tantos que no es posible pillarlos todos en un primer visionado. Muchos hacen que me parta de risa una y mil veces, Nick contando los minutos (y no días) que pasa en su celda, Nigel siendo asaltado por un toro, a Cedric creciéndole la antena cuando está compactado dentro del coche y con Hillary encima suya, el escupitajo de Nick al general Streck que cruza la habitación, Torre Eiffel saltando por una ventana después de ver lo que ha estornudado, o Nick alegrándose de ser sólo torturado y no de estar de nuevo en el colegio.</div><div style="text-align: justify;">Y luego tiene otros que ya son historia del cine, la estación de tren que se marcha creando la impresión de que lo que se mueve es el tren en el que viaja Nick, el momento del zurullo de coña, la escena con el intruso anal, la vieja camino del teléfono con Nick a punto de ser ejecutado, la escena al revés con Peter Cushing, y la pelea bajo el agua.</div><div style="text-align: justify;">Aquí están todas las bromas del catálogo del estilo ZAZ, el gag que sucede en segundo plano (las personas haciendo sus necesidades sobre la estatua de una paloma mientras Nick y Hillary conversan), los juegos de palabras (<i>"¿La plantación de patatas?"</i> <i>"Sí, soy Florentino Patatas?"</i>), rotura de la cuarta pared (cuando Nick y Hillary miran a cámara al decir, en la versión original, que su historia suena a una mala película), humor <i>slapstick</i> (Nick tratando de escaparse de su celda y apareciendo en los sitios más insospechados), y parodias de películas (sobre todo a <b>El lago azul</b>).</div><div style="text-align: justify;">El humor viene en muchas escenas por tener a actores actuando serios o con cara de palo mientras a su alrededor acontecen cosas de lo más estúpidas, y en la mayoría de los casos son actores que no provienen de la comedida, por lo que ese choque es mayor.</div><div style="text-align: justify;">Con el paso de los años se está empezando a reivindicar a <b>Top Secret</b> como la gran comedia que es. En España es muy recordada gracias a su doblaje, que adaptaba muchas de las bromas con referencias patrias (<i>"Ese no es Julito Iglesias"</i>), aunque provocaba que otras se perdieran (como el juego con el nombre de Déjà Vu y éste preguntándole a Nick: <i>"No nos conocemos"</i>, que carece de sentido en español al llamarse el personaje Torre Eiffel), pero hacía la experiencia más disfrutable y más cercana a nuestro humor, y además encajaba con el tono de película (las referencias a Mel Torme o Leroy Nieman en España se hubieran perdido).</div><div style="text-align: justify;">Es una de las comedias más infravaloradas de la historia, cuando estamos ante una auténtica maravilla. Hay comedias que tienen uno o dos gags memorables, pero <b>Top Scetret</b> está repleta de ellos. La película va a por todas a la hora de hacernos reír, y lo consigue con creces. No es sólo una de las mejores comedias de los ochenta, es una auténtica obra maestra, y eso no debería ser top secret.</div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">Para rodar la escena bajo el agua, Val Kilmer se sacó el certificado de buceo.</div><div style="text-align: justify;">Nick Rivers tiene en su celda una foto de Cher. Por aquel entonces Val Kilmer y Cher eran pareja.</div><div style="text-align: justify;">Es la película favorita de 'Weird Al' Yankovic.</div><div style="text-align: justify;">La mayoría del alemán que se puede oír en la película, es realmente yiddish.</div><div style="text-align: justify;">Antes de terminar los créditos finales, Nick Rivers aparece cantando con un coro.</div><div style="text-align: justify;">Para la secuencia del concierto de Nick Rivers, le enseñaron a las chicas que hacían de público como reaccionaban las fans de los Beatles.</div><div style="text-align: justify;">Los ZAZ discutieron sobre si debían incluir el gag de la estatua de la paloma cagando, al final decidieron incluirla porque la película llevaba tres minutos sin una broma tonta.</div><div style="text-align: justify;">La cabeza del caballo cantarín era una marioneta.</div><div style="text-align: justify;">El primer día de rodaje filmaron la llegada de Nick y Hillary a la granja donde se oculta la resistencia.</div><div style="text-align: justify;">Para conseguir la broma del tres en raya, en el tiroteo de la granja, los cristales eran de plástico y tenían marcados las cruces y círculos, para que al romperse quedaran esas formas en ellos.</div><div style="text-align: justify;">Y para conseguir el gag del queso que se estira hasta el infinito, lo tenían atado a unas ruedecillas que se desenrollaban y salían a su vez por unos agujeros en las mesas.</div><div><div style="text-align: justify;">Jeremy Kemp (general Streck) lleva al cuello la "Pour le Mérite" o "Max Azul", condecoración concedida por el ejercito alemán durante la Primera Guerra Mundial. En la película <b>Las águilas azules</b> (1966), Kemp interpretó a un piloto que también llevaba una.</div><div style="text-align: justify;">En 1984, se publicó un disco con las canciones de la película cantadas por Val Kilmer.</div><div style="text-align: justify;">Durante los créditos finales se puede leer "Espacio en alquiler".</div></div><div style="text-align: justify;">En la librería sueca puede verse un libro titulado "Bares de lesbianas de Carolina del Norte".</div><div style="text-align: justify;">La idea del skeet surfing surgió por parte de los ZAZ mientras concedían entrevistas, y jugaban a contar la historia más absurda, para ver a quien de los tres se la publicaban. Un día les preguntaron a que se dedicaban en California, y respondieron que a practicar skeet surfing. Esperaban que no les creyeran, pero la respuesta del entrevistador fue: <i>"¿Cómo conseguís que no se moje la pólvora? ¿Cómo mantenéis el rifle seco?"</i> Así nació el skeet surfing.</div><div style="text-align: justify;">En el mapa que muestra el viaje de Nick Rivers hasta Berlín, la única ciudad que se indica de Reino Unido es Pinewood, lugar donde se rodó la película.</div><div style="text-align: justify;">Sólo se ve una esvástica en toda la película, en el reloj de Hitler del Der Pizza Haus.</div><div style="text-align: justify;">El supuesto himno nacional de Alemania de Este que se oye en la película, es en realidad el himno del "Shorewood High School", instituto donde estudiaron los ZAZ.</div><div style="text-align: justify;">Los ZAZ hacen un cameo, como los tres soldados alemanas que detienen a Nick Rivers en el ballet.</div><div style="text-align: justify;">Y varios miembros de la familia de los ZAZ también realizan un cameo. Por ahí aparecen los padres de los Zucker y su hermana, y por parte de Abrahams se apuntaron su mujer, su madre y su sobrina.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://screencrush.com/top-secret-30/" target="_blank">How Silly Can You Get? The Tumultuous Making Of ‘Top Secret!’</a></b> (ScreenCrush, 18 jun 2014)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.interviewmagazine.com/film/val-kilmer" target="_blank">Val Kilmer</a></b> (Interview Magazine, 24 mar 2011)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/2015/07/10/omar-sharif-top-secret-david-zucker-tribute/" target="_blank">Omar Sharif: Top Secret! director David Zucker pays tribute</a></b> (Entertainment Weekly, 10 jul 2015)</div><div style="text-align: justify;"><b>'Top Secret' Suggets That Three Heads May Be Funnier Than One</b> (The New York Times, 24 jun 1984)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://catalog.afi.com/Catalog/MovieDetails/57231" target="_blank">Top Secret!</a></b> (AFI Catalog)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.etonline.com/cher-opens-up-about-her-famous-past-lovers-including-tom-cruise-and-val-kilmer-109764" target="_blank">Cher Opens Up About Her Famous Past Lovers</a></b> (ET Online, 17 sep 2018)</div></div><div style="text-align: justify;"><b>A Conversation with Maurice Jarre</b> (Soundtrack Magazine, Nº 12 y 13)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://thedissolve.com/features/compulsory-viewing/173-weird-al-yankovics-vote-for-funniest-movie-ever-to/" target="_blank">Weird Al Yankovics Vote for Funniest Movie Ever</a></b> (The Dissolve)</div><div style="text-align: justify;"><b>Comentarios de los directores</b> (DVD)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0088286/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>The Varnished Untruth: My Story</b> (Pamela Stephenson, 2012)</div><div style="text-align: justify;"><b>Val</b> (Ting Poo y Leo Scott, 2021)</div></div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com12tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-43313352120417824912015-04-07T00:51:00.003-07:002023-03-10T09:01:43.449-08:00Rocketeer<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkdhGgTFkzSBrtvywmxKqnUFjJDI72H4baMBX_S8FQ7LjLYVaiy6S3WTbX-7mvYcvaL3F0DkYOXD3tB3orhK6vZNXR9MLlCkQ4jBWZJs2UXE2Oapvbh7NA1DvEb1Cn8Er_wspg/s1600/Rocketeer+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="290" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhkdhGgTFkzSBrtvywmxKqnUFjJDI72H4baMBX_S8FQ7LjLYVaiy6S3WTbX-7mvYcvaL3F0DkYOXD3tB3orhK6vZNXR9MLlCkQ4jBWZJs2UXE2Oapvbh7NA1DvEb1Cn8Er_wspg/s1600/Rocketeer+01.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El piloto Cliff Secord encuentra por casualidad una mochila-cohete que le permite volar, pero andan tras ella el FBI, la mafia y espías nazis. Haciendo uso de su descubrimiento, Secord se convertirá en Rocketeer, un héroe que deberá detener los planes secretos de los nazis.</span></div>
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<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAsnFP6xZmd65JzG9x3L_h4ohJKm9_KY2Jz5-GjAfIRYYqbb9cyFcKFQNUesRRAzYQXDRh47dxmSE16RbeT9vQo58XsbIAnfE8Ps0k9r1fWJhTPZ7m9hWrKWNur5KpJCP311RH/s1600/Rocketeer+02.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAsnFP6xZmd65JzG9x3L_h4ohJKm9_KY2Jz5-GjAfIRYYqbb9cyFcKFQNUesRRAzYQXDRh47dxmSE16RbeT9vQo58XsbIAnfE8Ps0k9r1fWJhTPZ7m9hWrKWNur5KpJCP311RH/s1600/Rocketeer+02.png" width="400" /></a></span></div>
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<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHtTeSNb87ux-xNeT0ZHB1ovQTbCimZRIJYU_rrFSJoJIUaVeLRFxYW6OC6vom6QJEj9w17JmLV6NPT3WBMt8gvOKO19qAas-1tWCgHRpkhF_sN9GT8SPmxmkjmBHxT7_KVux2/s1600/Rocketeer+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgHtTeSNb87ux-xNeT0ZHB1ovQTbCimZRIJYU_rrFSJoJIUaVeLRFxYW6OC6vom6QJEj9w17JmLV6NPT3WBMt8gvOKO19qAas-1tWCgHRpkhF_sN9GT8SPmxmkjmBHxT7_KVux2/s1600/Rocketeer+03.jpg" width="400" /></a></span></div>
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<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_TWhmlpa92GTKJf7AYYyr-P0Z6tDZZ0LQSG8a8UiDhPvJwq6MYoPpKL2HtLTRLLfz-0WETQRD-Q21uqUe4JA1v6gcQaP9qdLDj3EjDxw3L5CVTJGVAsrU_pw8bllSTCz3w0do/s1600/Rocketeer+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_TWhmlpa92GTKJf7AYYyr-P0Z6tDZZ0LQSG8a8UiDhPvJwq6MYoPpKL2HtLTRLLfz-0WETQRD-Q21uqUe4JA1v6gcQaP9qdLDj3EjDxw3L5CVTJGVAsrU_pw8bllSTCz3w0do/s1600/Rocketeer+04.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>ROCKETMAN<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Los orígenes de <b>Rocketeer</b> (The Rocketeer, 1991) los encontramos en la novela gráfica creada por Dave Stevens y que comenzaría su publicación en 1982. <i>"Fue mi propio y personal homenaje a <b>Commando Cody</b> (1953) y todos los seriales de esa época," </i>admitía Stevens.<i> "Siempre fui un enorme fan de los seriales. Me encantaban todos esos capítulos, con un final que te hacía quedarte mordiéndote las uñas."</i> Y la historia se situó en los años 30 porque según su creador, <i>"siempre estuve enamorado de ese periodo." </i></span></div>
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<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW1SUimknfCuzY_-GNIbnmYjePzefybih6o69WP3Me6J9f2YALfsWyYnbwU5VgPLh-bcicqME5jubJEPsKkAS8Uy9rcjrBOKXFMSr24jmsXKNnGd2K4IOPFnoJ2MzMsuNuAnY_/s1600/Rocketeer+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiW1SUimknfCuzY_-GNIbnmYjePzefybih6o69WP3Me6J9f2YALfsWyYnbwU5VgPLh-bcicqME5jubJEPsKkAS8Uy9rcjrBOKXFMSr24jmsXKNnGd2K4IOPFnoJ2MzMsuNuAnY_/s1600/Rocketeer+05.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La primera historia de <b>"Rocketeer"</b> fue publicada en el nº 2 del cómic <b>"Starslayer"</b> de la editorial Pacific Comics, como una historia corta dentro del cómic. <i>"[El editor de Pacific Steve] Schanes se me acercó en una convención en 1981. Tenía un título llamado <b>"Starslayer"</b>, y necesitaba seis páginas para el final," </i>recordaba Stevens, <i>"dijeron: '¿Puedes hacer dos episodios de seis páginas?'. Yo le dije 'Sí', y me dejaron a mi aire. Dijeron 'Puedes hacer lo que quieras', y así lo hice. Hice un dibujo promocional, la contraportada interior, con Rocketeer. Se la envié. No tenía ni idea de lo que iba a dibujar, tan solo dibujé todo aquello. Ellos dijeron 'Sí, parece genial. Hazlo. Qué ganas de ver la historia'. Y en aquel momento no tenía ninguna idea."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Stevens hasta aquel momento era artista comercial y nunca había dibujado un cómic antes, pero su primer trabajo resultó todo un éxito. <b>"The Rocketeer"</b> gustó y mucho y eso fue principalmente por la calidad de sus dibujos. Tal vez el guión no estaba a la altura de las ilustraciones, pero según reconocía el propio artista <i>"en el fondo no soy un escritor. Toda la experiencia fue muy improvisada, totalmente sin planear. Escribía y dibujaba una página de cada vez, ¡simplemente me sentaba y empezaba la página uno sin tener ni idea de adónde iba!"</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Tras la publicación de la segunda entrega en 1982, Pacific Comics convirtió a Rocketeer en un cómic independiente. Como Stevens continuaba trabajando a tiempo completo para agencias de publicidad, fue realizando una nueva entrega cada varios meses. Eso explica el largo proceso para completar el primer cómic del personaje. El capítulo 3 se publicaría también en 1982 y el 4 en 1983, ambos bajo el sello Pacific
Comics. Y el capítulo 5 y final, se publicó en Eclipse Comics en 1984, tras la desaparición de la primera
editorial. Fue Eclipse quien recogió las 5 entregas en un único volumen
de título <b>"The Rocketeer"</b>, que sería el cómic en el que se basaría la película.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7hgykB3tZbmd4yY-mPdIDyc7v9glwcdHmdhfWm-kNoncHuYDb08yaM-B1rSk7FvSKEa8j1SOrp67K7pNIEjLqurwHoieYpqbv_vBiup_EDkRYiRf8DrVB0M3re4blMwauONvJ/s1600/Rocketeer+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg7hgykB3tZbmd4yY-mPdIDyc7v9glwcdHmdhfWm-kNoncHuYDb08yaM-B1rSk7FvSKEa8j1SOrp67K7pNIEjLqurwHoieYpqbv_vBiup_EDkRYiRf8DrVB0M3re4blMwauONvJ/s1600/Rocketeer+06.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Rocketeer regresaría al cómic en <b>"The Rocketeer Adventure Magazine"</b>, siendo sus dos primeros números publicados por Comico Comics, en 1988 y 1989 y el tercero sería publicado bajo el sello Dark Horse en 1995. Las 3 historias fueron recogidas en un mismo tomo por Dark Horse, con el título de <b>"The Rocketeer: Cliff's New York Adventure"</b>.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Tras la muerte de Dave Stevens en 2008, parecía que Rocketeer había terminado sus aventuras, pero en mayo de 2011 se lanzó, bajo la editorial "IDW Publishing", el primero de nueva serie de cómics en formato miniserie (de cuatro tomos cada uno) con el título <b>"Rocketeer Adventures"</b>. En 2012 vería la luz la segunda miniserie, <b>"Rocketeer: Cargo of Doom"</b>. Y en 2013 se publicarían <b>"Rocketeer: Hollywood Horror"</b> y <b>"Rocketeer and The Spirit: Pulp Friction", </b>tercera y cuarta miniseries correspondientemente. En septiembre de 2014 se publicó <b>"The Rocketeer: Jet-Pack Adventures"</b> también bajo el sello IDW, una antología de diez relatos cortos obra de diferentes artistas. Y éste es hasta la fecha, el final de Rocketeer en el mundo del cómic.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>VOLANDO DEL CÓMIC AL CINE<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El director Steve Miner (<b>House, una casa alucinante</b>, <b>Warlock, el brujo</b>) fue el primero en mostrar interés por realizar una película sobre el personaje. Miner y Stevens habían colaborado juntos en 1983 en un proyecto de <b>"Godzilla"</b> en 3D (con guión de Fred Dekker) que nunca se llegó a realizar, del cual Miner iba ser su director y en el que Stevens ayudó con dibujos de presentación para tratar de vender la película a los grandes estudios. Miner tuvo opción a los derechos de <b>Rocketeer</b> en 1983, pero su proyecto se alejaba mucho del material original y tras dos años de desarrollo los derechos volvieron de nuevo a Stevens.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">En 1984 Marvel Comics interpuso una demanda contra Stevens por los derechos de propiedad del nombre "Rocketeer". Marvel tenía en su haber unos personajes llamados "Rocketeers", que habían aparecido en dos cómics, uno en 1976 (en el nº 131 de <b>"Daredevil"</b>) y otro en 1981 (en el nº 21 de <b>"Rom"</b>). Según la casa de las ideas, el nombre "Rocketeer" les pertenecía, aunque nunca habían registrado el nombre de sus personajes. La demanda se prolongó durante años, pero Marvel la terminaría perdiendo.</span></div>
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<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKHlQxTzmmIxHJl2z7zq7VNOhR-Bp7RveJsRSpYvzBjKIUidFX7ZIMpSjcZU7cEFvV8YXQ72yS_jQhBhjJLgpFgdOPM43ES7Vo010ALowlJsXdCquhV6hS-9viOsI84DPQH_Fu/s1600/Rocketeer+20.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjKHlQxTzmmIxHJl2z7zq7VNOhR-Bp7RveJsRSpYvzBjKIUidFX7ZIMpSjcZU7cEFvV8YXQ72yS_jQhBhjJLgpFgdOPM43ES7Vo010ALowlJsXdCquhV6hS-9viOsI84DPQH_Fu/s1600/Rocketeer+20.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Los guionistas Paul De Meo y Danny Bilson (serie <b>Flash, el relámpago humano</b>) se fijaron en el cómic en 1985 y se sintieron entusiasmados por<span style="color: red;"> </span>su adaptación al cine. <i>"Todos estábamos de acuerdo que lo que era grande de <b>«The Rocketeer»</b> era el arte, la atmósfera y el tono,"</i> afirmaba De Meo. Y se esforzaron por mantenerlos intactos en su traslación al cine. Los guionistas se reunieron con Stevens, quien vio en estos guionistas a los apropiados para trasladar su creación al cine porque <i>"sentí que tenían la sensibilidad adecuada para ello,"</i> declaró el dibujante. Tanto creyó en ellos que les dio una opción gratuita sobre los derechos del cómic.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La idea original que tenían los tres era hacer una película al modo de los antiguos seriales, en blanco y negro y con un presupuesto muy bajo. Pero la entrada de la cuarta piedra angular del proyecto, el director William Dear, aparcó a un lado esa idea. El director se reunió con Stevens, De Meo y Bilson mientras rodaba <b>Bigfoot y los Henderson</b> (1987) y al compartir la misma visión que ellos, pasó a formar parte del equipo en 1986 como director y co-guionista. Y su entrada en el proyecto hizo que éste fuera más grande y ambicioso. De hecho, fue idea suya el situar el clímax final en el zeppelín en lugar de en un submarino como estaba previsto. Lo mismo que toda la trama que acontece en Hollywood.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Los cuatro intentaron vender el proyecto a todos los grandes estudios de Hollywood y en todos fue rechazado, por aquellos tiempos los estudios no estaban interesados en costosas adaptaciones de cómics (lo que han cambiado los tiempos...). Al final la Disney fue la única que presentó interés en el proyecto y según Stevens fue porque vieron la posibilidad de crear un gran merchandising a su alrededor. Los cuatro firmaron un contrato con Disney en 1988 para realizar una trilogía bajo la productora Touchstone, perteneciente a la casa del ratón, pero centrada en películas más adultas.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgx041C6OKcZCW4jzmBwEiPzd3Jyr2QkjnleurNefRUWcuiQfqREYEgSCf-sLNOtG8WFNzWLF8JI5SQkn-87yyYmMMVdqo2pfWMTK0aq09MO2G81mIU3h-HyfrpnRb0J2IIxokG/s1600/Rocketeer+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgx041C6OKcZCW4jzmBwEiPzd3Jyr2QkjnleurNefRUWcuiQfqREYEgSCf-sLNOtG8WFNzWLF8JI5SQkn-87yyYmMMVdqo2pfWMTK0aq09MO2G81mIU3h-HyfrpnRb0J2IIxokG/s1600/Rocketeer+08.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Stevens, Bilson, De Meo y Dear comenzaron a darle forma a las siete páginas que tenían de tratamiento de guión para convertirlas en el libreto definitivo. Pero Jeffrey Katzenberg, el presidente de Walt Disney Studios, llevó el proyecto de Touchstone a Walt Disney Pictures (ya que la división de imagen real de Disney necesitaba de un éxito) y eso hizo que toda la temática adulta quedara fuera de la película. Esto afectó principalmente al
personaje de Betty, que originalmente era una modelos de desnudos y pasó a convertirse en una actriz aspirante de Hollywood. Además en Disney no querían tener nada que ver con
problemas con los derechos de un personaje que se basaba en una persona real (la popular <i>pin-up</i> Bettie Page), de modo que los responsables de la película se vieron obligados a reescribir el personaje por completo. Así Betty se convirtió en Jenny.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Esa fue la primera de las muchas interferencias de la Disney en el proyecto, el cual entró en una interminable espiral de reescrituras del guión durante los siguientes años. Durante ese tiempo la Disney llegó a despedir en tres ocasiones a De Meo y Bilson, para después volver a contratarlos. <i>"Traían a gente para conseguir un punto de vista diferente sobre la película y entonces nos traían de vuelta. Danny y yo estábamos empezando a sentirnos como yo-yos,"</i> declaraba De Meo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Disney tenía problemas con todo, desde la época en la que situar la historia (querían trasladar a Rocketeer a la actualidad, pero De Meo y Bilson lograron convencerles para no hacerlo), hasta que incluir en el guión (escenas que habían sido eliminadas dos años antes, volvían a ser incluidas en el guión).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">A causa de los continuos retrasos William Dear dejó la producción y se fue a rodar <b>Agente juvenil </b>(1991). Aunque Dear mantuvo el crédito como co-autor de la historia.</span></div>
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<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1PBVcD0fGkM_zGXVmJRf6TVhnOalUIogXwPBubd9A6LO1aXFEXE3dD7uIOyvhY2N0BE858oOGbOiMohTGTbQYt8iL_Md3XXlsGgj3RGJ0QPVvR-02mpP3IjX7BUNi5BJixqM1/s1600/Rocketeer+09.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEg1PBVcD0fGkM_zGXVmJRf6TVhnOalUIogXwPBubd9A6LO1aXFEXE3dD7uIOyvhY2N0BE858oOGbOiMohTGTbQYt8iL_Md3XXlsGgj3RGJ0QPVvR-02mpP3IjX7BUNi5BJixqM1/s1600/Rocketeer+09.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Fue en ese momento en el que se buscó a un nuevo director para reemplazarle. Y el elegido fue un conocido de la casa, Joe Johnston, director de <b>Cariño, he encogido a los niños</b> (1989), que había sido un enorme éxito comercial para la Disney. Tras rechazar dirigir varias películas como <b>Aracnofobia</b> (1990) o <b>Colmillo blanco</b> (1991), Joe Johnston aceptó dirigir <b>Rocketeer</b> principalmente porque era un fan del cómic. Además el director tenía un contrato por 3 películas con la Disney, siendo ésta la segunda.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Y la entrada de Johnston en el proyecto fue crucial porque pronto la Disney le dio luz verde a la película, eso fue en 1990, tras la tercera gran reescritura del guión por parte de Bilson y De Meo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>HOLLYWOODLAND<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">No se ponían de acuerdo en nada con el estudio y con la elección del actor protagonista no fue diferente. Johnston quería a un desconocido para el papel de Cliff Secord, pero la Disney quería a una estrella. La primera elección del estudio fue Tom Cruise. Pero la búsqueda del actor idóneo se convirtió en un desfile de las estrellas de Hollywood del momento, se consideró a Kevin Costner, Bill Paxton (que según él estuvo muy cerca de conseguirlo), Kurt Russell, Matthew Modine (que era el preferido de De Meo y Bilson), Emilio Estevez, Dennis Quaid (con quien se contactó en junio de 1990), Richard Marx (el cantante declaró que rechazó el papel), Vincent D'Onofrio (quien rechazó el papel porqué pensó que se vería ridículo con el traje de Rocketeer) y Johnny Depp (quien tuvo el papel hasta el final y al rechazarlo le dio su gran oportunidad al actor que se llevaría el finalmente el papel). Incluso hicieron una prueba para el papel al guionista Karey Kirkpatrick (que hizo la prueba por mediación de Katzenberg, presidente de Walt Disney Studios por aquel entonces).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_69oXggSmjV7gC6F9yzGVDAHbS_u8slFavJTdYGLdK0MXuzBGgPJ3ZYJ8q82Ob4VmHEGsWNgdM43O_sGGw0nADLSnZS4HmLyQZbWY9ht4sQq-vngJUWEwCQUyhVGqsb01VQif/s1600/Rocketeer+10.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEi_69oXggSmjV7gC6F9yzGVDAHbS_u8slFavJTdYGLdK0MXuzBGgPJ3ZYJ8q82Ob4VmHEGsWNgdM43O_sGGw0nADLSnZS4HmLyQZbWY9ht4sQq-vngJUWEwCQUyhVGqsb01VQif/s1600/Rocketeer+10.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Al final la idea de darle el papel a un desconocido como quería Johnston prevaleció y éste fue a parar a manos de Bill Campbell, cuya carrera hasta aquel momento se había centrando principalmente en la televisión. Campbell se presentó a su primera audición con el pelo largo y barba, ya que estaba representando a Shakespeare por aquel entonces. Tras su audición con Joe Johnston, se hizo con el cómic y tras ver su gran parecido con Cliff, hizo lo posible para parecerse todavía más a él, de modo que se cortó el pelo y se afeitó la barba, para tener el mismo look que el personaje. Tuvo una nueva audición con Johnston y puede decirse que el resto fue historia.</span></div>
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<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT_TJKGBNi9E4WAmjdDnjv2X8f-Ko2L2spRO-kxyYvYL-A1u_rh_0WHiFa2uGEe1j0KUjSroZMsqg7zrJOH9EcnsdQcT5SD8ZAx1mUpPQTg7iX9ZmRGID74WazRHRcX-5skCAb/s1600/Rocketeer+11.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgT_TJKGBNi9E4WAmjdDnjv2X8f-Ko2L2spRO-kxyYvYL-A1u_rh_0WHiFa2uGEe1j0KUjSroZMsqg7zrJOH9EcnsdQcT5SD8ZAx1mUpPQTg7iX9ZmRGID74WazRHRcX-5skCAb/s1600/Rocketeer+11.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Sherilyn Fenn, Kelly Preston, Diane Lane, Elizabeth McGovern, Penelope Ann Miller y Annabeth Gish, todas excelentes opciones, fueron consideradas para el papel de Jenny, pero al final fue a parar a la mejor opción posible, Jennifer Connelly. La actriz desconocía por completo el mundo del cómic antes de su participación en <b>Rocketeer</b>, <i>"esto va a sonar terrible, pero realmente no
sabía que los cómics existían hasta que hice una audición para el papel.
Finalmente me hice echarles un vistazo, pero tendía a mirar más los
dibujos que la historia,"</i> declaró la actriz.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_lRaGJslL3mcUI2rRYtKZU1YX3CUwhVjkypZfAGzUf-xxCE0k0yEvkzl6ehyQz06QzsJR6UQGIhlL-yZ7XnxRUsgyH2kbYIFptRvlHxFOoekKPVdC6CVYcyT9mATlfW9W9RJd/s1600/Rocketeer+12.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh_lRaGJslL3mcUI2rRYtKZU1YX3CUwhVjkypZfAGzUf-xxCE0k0yEvkzl6ehyQz06QzsJR6UQGIhlL-yZ7XnxRUsgyH2kbYIFptRvlHxFOoekKPVdC6CVYcyT9mATlfW9W9RJd/s1600/Rocketeer+12.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El papel del villano Neville Sinclair fue ofrecido a Jeremy Irons y Charles Dance antes que a Timothy Dalton, quien se encontraba a la esperaba de realizar su tercera película como James Bond.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">A su vez el papel de Peevy fue ofrecido a Lloyd Bridges y se barajó a Randy Quaid, antes de que se lo llevase Alan Arkin. El actor declaró que aceptó participar en la película porque nunca había hecho una película de acción/aventuras y quería saber como era participar en una.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Y el papel del mafioso Eddie Valentine fue escrito con Joe Pesci en mente, pero el actor declinó la oferta y éste fue a parar a Paul Sorvino.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El resto del reparto se completó con los actores Terry O'Quinn (en el papel del multimillonario Howard Hughes), Ed Lauter (como el agente del FBI Fitch), Jon Polito (interpretando a Bigelow, el jefe de Cliff), Eddie Jones (como el borrachín y entrañable Malcolm), Margo Martindale (en el papel de Millie, la dueña del Bulldog Café) y Tiny Ron (en la piel de Lothar, el deforme secuaz de Sinclair).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>ROCKETEER DESPEGA<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El rodaje comenzó el 10 de septiembre de 1990 y se prolongó hasta el 22 de enero del año siguiente.Y tuvo lugar en diferentes localizaciones de California, principalmente en Los Angeles y Santa Maria.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Disney esperaba que el presupuesto de la película fuese de 17,5
millones de dólares, aunque pronto aumentó hasta los 25 y que el rodaje tuviera una duración de 76 días. Como su director reconoció, <i>"sabía que nunca podríamos filmar la película en 76 días y sabía que nunca la filmaríamos por 25 millones."</i> Dicho y hecho, el presupuesto se disparó hasta los 40 millones y los días de rodaje crecieron hasta los 96. Johnston ya
preveía todo esto y lo que hizo fue dejar para el final del rodaje las
secuencias más costosas en tiempo y dinero, de esta forma haría más difícil que le
despidieran. Pero según el director, <i>"acordamos 25 millones, pero una vez Disney comenzó a
ver el metraje, se dieron cuenta que ésta era una película más grande
que la que ellos estaban esperando y aprobaron los sobrecostes. El
presupuesto seguía escalando, pero nunca quedó completamente fuera de
control." </i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Aún así, eso no hizo más llevadero el rodaje para Johnston, que recibía continuas visitas de gente del estudio para saber que estaba pasando. Cuando el rodaje finalizó Johnston fue muy claro en su opinión sobre su futuro con Disney, <i>"si fuera una gran relación y ellos me gustasen y yo les gustase a ellos, entonces no sería necesario un contrato por tres películas. Desearía volver para hacer cuatro, cinco o nueve películas. Pero, ahora mismo, lo que siento es que tan pronto como esa tercera película esté hecha, ellos nunca me volverán a ver jamás."</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR_kGX9Hbm_afSz31nOpwv88HgExyzav4tZBtOHTjmVPXUWUh0XobFMns7At0XBUvoSjWLUQL-F7fPox9cl_3igjUGBRJWUwIIX_s4tFyr8shYBvxe1YtMsB8WW-HxaJo14HM0/s1600/Rocketeer+13.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhR_kGX9Hbm_afSz31nOpwv88HgExyzav4tZBtOHTjmVPXUWUh0XobFMns7At0XBUvoSjWLUQL-F7fPox9cl_3igjUGBRJWUwIIX_s4tFyr8shYBvxe1YtMsB8WW-HxaJo14HM0/s1600/Rocketeer+13.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El casco de Rocketeer fue un problema, Michael Eisner (CEO de la Disney) quería cambiarlo por uno parecido al de un astronauta de la NASA. Pero Johnston se negó a ello y afirmó que si cambiaban el diseño del casco él dejaría el proyecto. Tras conseguir mantener el diseño original, seguían sin tener el casco perfecto, fue entonces cuando Stevens le pidió a Johnston la oportunidad de crearlo con la ayuda del escultor Kent Melton, a lo que el director aceptó. El rodaje comenzaba en unos días y no había lugar para errores, pero en el plazo de una semana tuvieron el casco listo, el cual se basaba en los diseños de Stevens, cuando Johnston lo vio exclamó, <i>"¡eso es definitivamente el cómic!"</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El diseño de la mochila propulsora también cambió respecto al cómic, pero según Stevens éste mejoró considerablemente, <i>"estaba realmente feliz cuando el equipo de Jim [Bissell] rediseñó mi mochila propulsora. No estaba contento con mi concepción de la misma y ahora el propulsor ha sido cambiado de algo parecido a una bomba de juguete a una replica de un motor funcional. ¡Ahora realmente se enciende como un reactor!"</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Stevens estuvo presente durante todo el rodaje y está claro que su presencia fue importante para llevar el proyecto a buen puerto, además de para mantener el espíritu de su obra vivo hasta el final. <i>"Dave nos mantuvo a todos fieles al mundo visual de Rocketeer,"</i> declaró Joe Johnston<i>, "hubo numerosas ocasiones en que Dave corregía sutiles errores en los trajes, la mochila cohete, el casco, etc. El departamento artístico era de primera, pero nadie estaba tan íntimamente familiarizado con el original, por supuesto. Era una fuente genial."</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZJ6zZ7fzOJfp-qTnL9C37XitEVUwadq8GZ89vMblWyafshFpTZyzmygDGZ6o0-JCjVX0mRG74niQUiQL2pwwS8oOXVOoMEw6qdprsB1CaZ1jGkNXXQzrilMbNUgxVGORPnzKr/s1600/Rocketeer+14.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhZJ6zZ7fzOJfp-qTnL9C37XitEVUwadq8GZ89vMblWyafshFpTZyzmygDGZ6o0-JCjVX0mRG74niQUiQL2pwwS8oOXVOoMEw6qdprsB1CaZ1jGkNXXQzrilMbNUgxVGORPnzKr/s1600/Rocketeer+14.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El diseñador de producción James D. Bissell (<b>E.T., el extraterrestre</b>, <b>Misión imposible: Protocolo fantasma</b>) hizo un trabajo sensacional, creo decorados tan increíbles como el "Club mares del sur" (que Bissel definió como la decadencia de Hollywood), el "Bulldog Cafe", las oficinas de Howard Hughes o el "Aeródromo de Chaplin" (el cual creo desde cero en un suburbio de Los Angeles). Fue gracias a él que los años 30 volvieron de nuevo a la vida.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijNMkYHem_rjCKkIZchvdZZWYXYhg1z7PMSHWBUNfxiyZtMpkTq3QH-MDWGSgd5Mx6JxGFDodNCxhIO08xVEBW0i6wPdpJHWpLK4neEs9ofgCCEFdx4Zg1LcIiG8ItdC2pp6uI/s1600/Rocketeer+15.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEijNMkYHem_rjCKkIZchvdZZWYXYhg1z7PMSHWBUNfxiyZtMpkTq3QH-MDWGSgd5Mx6JxGFDodNCxhIO08xVEBW0i6wPdpJHWpLK4neEs9ofgCCEFdx4Zg1LcIiG8ItdC2pp6uI/s1600/Rocketeer+15.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Irónicamente el héroe volador de la película tenía miedo a volar, Bill Campbell tenía pánico a montar en avión, por lo que el actor tuvo que hacer de
tripas corazón para rodar las escenas en las que Cliff aparece realmente
pilotando una avioneta.<i>"Mi miedo a volar es extraño. No me gusta volar en aviones que tengan motores, especialmente vuelos comerciales, pero también soy dueño de un ala delta y vuelo en él, lo cual me encanta. [...] Sólo no me gusta estar en el aire atado a un motor,"</i> admitía el actor.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Johnston quiso que el actor apareciera realmente dentro de la avioneta en la secuencia inicial de la película y le pidió a Campbell si le importaría hacer él mismo la escena. Claro está, esto es Hollywood y se toman todas las precauciones, de modo que contrataron a Craig
Hoskings, uno de los mejores pilotos especialistas del mundo, para que ayudase al actor a rodar la secuencia y a afrontar sus miedos.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><i>"Había cosas que yo tenía que controlar desde la segunda cabina de la avioneta, como el bloqueo de la rueda de cola o el aceite y algunas otras cosas,"</i> recordaba el actor<i>, "cuando ensayamos la escena en el suelo, Craig tenía un micrófono por el que él daba las instrucciones y yo podía oírle (por los auriculares) bajo mi gorro. Pero cuando fuimos a rodar, el motor estaba ahogando el sonido por completo, así que lo arregle fingiendo que hacía las cosas que se suponía que debía hacer cuando se suponía que debía hacerlas, pero todo fue bien."</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCSiz48ze1qUQCcm1ocQbj6lYk8vNlRx5LYwBASEstiKFlke-Pz18B_0weLYCAIqrenxhSciilGLbom1aH72FSEtxN2p3piOuhEdP7WoLSWLti53Xq3Cym0q-8IHoyjNHaos0R/s1600/Rocketeer+16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhCSiz48ze1qUQCcm1ocQbj6lYk8vNlRx5LYwBASEstiKFlke-Pz18B_0weLYCAIqrenxhSciilGLbom1aH72FSEtxN2p3piOuhEdP7WoLSWLti53Xq3Cym0q-8IHoyjNHaos0R/s1600/Rocketeer+16.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La mayoría de las escenas de vuelo de Rocketeer fueron fruto de los efectos visuales (como veremos en unos párrafos), pero hubo determinados momentos en los que fue necesario el uso de dobles. Por ejemplo, en la escena en la que Rocketeer intenta salvar a
Malcolm y cae al vacío desde la avioneta que pilota éste, fue un doble es que saltó
desde la avioneta en una caída libre de 100 metros (llevaba el paracaídas oculto en una falsa mochila propulsora). La escena tuvo que filmarse tres veces. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDQSLfvDyrbiKiPT9dkXkqFvslURyAR9bccHnfd15xPmNPE-gFPlnz8aG-77HqR9ojOAYJ80FK_p20N-XJqkK1OSykrHMV2PINUWdZmy8Cj_2vUxpsGsa3tgmm1u6zQIvc6mnJ/s1600/Rocketeer+17.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgDQSLfvDyrbiKiPT9dkXkqFvslURyAR9bccHnfd15xPmNPE-gFPlnz8aG-77HqR9ojOAYJ80FK_p20N-XJqkK1OSykrHMV2PINUWdZmy8Cj_2vUxpsGsa3tgmm1u6zQIvc6mnJ/s1600/Rocketeer+17.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La buena química entre Campbell y Arkin (quienes se hicieron amigos a raíz de su colaboración en esta película) puede ser debida a como ambos prepararon la relación entre sus personajes, para ello se inventaron un pasado para los mismos. <i>"Peevy era amigo del padre de Cliff en la Primera Guerra Mundial,"</i> explicaba Arkin, <i>"cuando eran pilotos. Nos imaginamos que el padre de Cliff fue asesinado y yo me hice cargo de él. Nos unimos después de unos años, cuando Cliff se metió en algunos problemas (de los que no vamos a hablar, ya que no aparecen en la película). Me hice cargo de él y lo puse en forma, y nos convertimos en socios en un avión."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>EFECTOS VISUALES<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Los efectos visuales de la película corrieron a cargo de la Industrial Light and Magic, antiguo hogar de Joe Johnston, donde trabajó principalmente como director artístico en películas como <b>El imperio contraataca</b> o <b>En busca del arca perdida</b> (por esta última recibiría un Oscar).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Del presupuesto de la película, 7 millones se destinaron a efectos especiales, para poder así crear sus más de 150 planos de efectos. Bajo el liderazgo del gran Ken Ralston (<b>El retorno del jedi</b>, <b>¿Quién engañó a Roger Rabbit?</b>), trabajaron cerca de 100 empleados de la ILM, para hacer posible los vuelos y el universo de Rocketeer.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimClMMdVwKAZhSIlLd0MMbNYkvlarFykC_SIbkuSIl2fFkWV5MnJj13C5WJ-UirfoLcEj64UluAlYYQjXdQyGcxC_c9cYadO60FcZF-xOsZpz1IEAX846i-84YN3MiT315uRfZ/s1600/Rocketeer+18.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEimClMMdVwKAZhSIlLd0MMbNYkvlarFykC_SIbkuSIl2fFkWV5MnJj13C5WJ-UirfoLcEj64UluAlYYQjXdQyGcxC_c9cYadO60FcZF-xOsZpz1IEAX846i-84YN3MiT315uRfZ/s1600/Rocketeer+18.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Para hacer volar a Rocketeer se usaron diferentes técnicas, desde acción en vivo, pasando por el uso de cables, pero sobre todo se debió al inmenso trabajo de la ILM en el campo de los efectos visuales. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Para rodar algunas escenas de Rocketeer volando se utilizaron técnicas Stop-Motion y Go-Motion. El animador Tom St. Amand utilizaba una marioneta de Rocketeer a la que filmaba fotograma a fotograma mediante Stop-Motion y después con la técnica Go-Motion se añadía una distorsión en la imagen asociada<span style="color: red;"> </span>al movimiento, que la hacía más realista. Ese Rocketeer animado se insertaba posteriormente en imágenes reales en movimiento y así podemos ver a Rocketeer surcando los cielos.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><i>"Usualmente lo que quieres hacer es primero
filmar la acción de fondo, que nosotros llamamos platós de fondo, porque
si tú filmas al actor o a la marioneta primero, no tienes idea de donde
estará realmente el sol o si va a ser un día nublado o lo que sea
cuando lo hagas," </i>explicaba Patricia Blau, una de las responsables de los efectos visuales de la película<i>, "filmamos los platós de fondo por todas partes, desde
Santa Maria, que luce como el Los Angeles de 1938, a Marin County." </i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Por ejemplo para rodar el momento en el que Rocketeer aterriza más mal
que bien en un lago, no había ningún hombre dentro del traje. <i>"Era
realmente una marioneta de 18 pulgadas de alto [unos 45 centímetros
aproximadamente] con un esqueleto miniatura en el interior, uno cuyas
manos estaban articuladas hasta el último dedo. Cuando el piloto
aterriza en el estanque, es realmente la marioneta siendo arrastrada por
un cable,"</i> declaró Blau.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><i>"Ponemos la marioneta delante de las cámaras, montándola en una barra en varias posiciones y la filmamos contra una pantalla azul," </i>explicaba Blau,<i> "usamos nuestro de control de movimiento estándar, el cual es una cámara operada por ordenador que puede repetirse una y otra vez. Tenemos un animador de Stop-Motion quien entre las exposiciones entra y sólo mueve la marioneta muy ligeramente, cuando la ves en la película ves un brazo moviéndose o lo que sea. Es realmente un proceso increíble."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">También se usó pantalla azul con actores de carne y hueso. El propio Bill Campbell
llegó a rodar algunos planos de vuelo delante de la pantalla azul mientras
colgaba de cables, pero la mayoría de las veces se terminaba recurriendo
a un bailarín de ballet, porque tenía
un mejor control muscular.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Pero los mencionados cables eran otro problema, estos no podían aparecer en pantalla o toda la magia del vuelo se desvanecería. <i>"Borramos los cables en nuestro departamento de gráficos de ordenador,"</i> explicaba Blau<i>, "escaneamos el fondo original fondo de la película y entonces a través de la tecnología informática pintamos con mucho cuidado el cable. Y frecuentemente, después de deshacernos de los cables, tuvimos que llevarlo al proceso óptico para añadir llamas o la estela que deja Rocketeer."</i></span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEil0BY10e7ThyWndCm7sB9TAPMXk9SI7NmSp_VwA8mcW-t-fVbtteehXGif4GcE8giH47PZ65dl6aevQ3qDnlB3aSurIOLMS1skiTpf9c-Hxf7ajcB7fmTAOdG5lMXfw-YSXxi3/s1600/Rocketeer+19.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEil0BY10e7ThyWndCm7sB9TAPMXk9SI7NmSp_VwA8mcW-t-fVbtteehXGif4GcE8giH47PZ65dl6aevQ3qDnlB3aSurIOLMS1skiTpf9c-Hxf7ajcB7fmTAOdG5lMXfw-YSXxi3/s1600/Rocketeer+19.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Posiblemente la escena más compleja de rodar fue la de la
explosión del zeppelín, que costó por si sola 400.000 dólares. La ILM
construyó un zeppelín a escala 1:24 que tenía 35 pies de longitud (10,67
metros), para lo cual necesitaron de 63 horas de trabajo. Pero la
primera vez que lo volaron por los aires las cosas no salieron como
estaban previsto, los explosivos no se activaron en el orden preciso por
un fallo en los dispositivos de radio control, por lo que la explosión
resultante no fue la esperada. Se necesitó rodar de nuevo la escena, por
lo que la ILM tuvo que construir un nuevo zeppelín y después de 6
semanas estaban listos de nuevo para rodar. Esta vez todo salió como
estaba previsto y el resultado sencillamente perfecto, tal y como puede
verse en la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>TAQUILLA<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>Rocketeer</b> se estrenó en EE.UU. el 21 de junio de 1991, siendo su recaudación final unos correctos 46.704.056 de dólares. Cifra insuficiente para proseguir con la saga inicialmente prevista, lo
que provocó que la productora anulase las secuelas planificadas. Tal vez el que se estrenase dos semanas antes que <b>Terminator 2: El juicio final</b> (1991), el gran taquillazo del aquel año, afectase a su carrera comercial.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGw4Z_GDVU0zASB8VNQ2IswM_QKJvfpTDb_J_H1_ECbAJG06-z95epxbsPfZZo9JSyNIypXfBqg-_rk8f2rj5mRw2Ivnt5pzTLUnrYlQ5RJRgObraXWAToe4pzIvEYeOOdLr3s/s1600/Rocketeer+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjGw4Z_GDVU0zASB8VNQ2IswM_QKJvfpTDb_J_H1_ECbAJG06-z95epxbsPfZZo9JSyNIypXfBqg-_rk8f2rj5mRw2Ivnt5pzTLUnrYlQ5RJRgObraXWAToe4pzIvEYeOOdLr3s/s1600/Rocketeer+07.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Pese a no ser un gran éxito comercial, con el paso de los años se ha generado a su alrededor un cierto seguimiento, convirtiéndose en una película a reivindicar por muchos. Incluso </span><span face=""Trebuchet MS",sans-serif">en 2012 </span><span face=""Trebuchet MS",sans-serif">se habló de un <i>remake</i> por parte de Disney.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>VALORACIÓN<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Creo que <b>Rocketeer</b> es una película que ha ganado con los años, ya que durante mucho tiempo ha sido infravalorada e injustamente olvidada. </span><span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Su relativo fracaso en la taquilla la condenó al ostracismo y es una lástima porque e</span>stamos ante una buena película de aventuras, una inofensiva sí, pero no por ello menos entretenida. Y entretenimiento en <b>Rocketeer</b> hay un montón. La película contiene algunas </span><span face=""Trebuchet MS",sans-serif">secuencias y momentos
memorables, y un sentido de la maravilla con un ojo puesto en el pasado,
pero con la tecnología más puntera del momento.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Puede que a muchos su tono juvenil, marca de la Disney, les tire para atrás, pero sólo se estarán perdiendo una película cuyo objetivo es hacérnoslo pasar bien y transportarnos a una época más sencilla y elegante<strike></strike>. No se puede negar que todo está rodeado de una cierta inocencia, pero es parte del encanto de la película.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJD1wpaog94Lj7bwMJILHIXTDihgHekdVqlYcVQ_5MdqP6RgZLMBJpzqAvVfQgWsAiauuqcz84tMbWkOhkl5096WGwgbULtYPSkiBYemjKw7deBlirc-hCajesOzOq_0mv5gsk/s1600/Rocketeer+21.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJD1wpaog94Lj7bwMJILHIXTDihgHekdVqlYcVQ_5MdqP6RgZLMBJpzqAvVfQgWsAiauuqcz84tMbWkOhkl5096WGwgbULtYPSkiBYemjKw7deBlirc-hCajesOzOq_0mv5gsk/s1600/Rocketeer+21.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Tal vez Cliff no pase de ser el típico chico bueno metido en un gran lío y que está definido simplemente con un par de pinceladas (inocente, impulsivo y temerario), pero funciona perfectamente como el héroe de la función. Y eso es en gran medida al corazón que Campbell aporta al personaje, consigue así que creamos en él.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Llama la atención la participación de Timothy
Dalton como el villano Neville Sinclair, haciendo de nuevo de espía,
pero siendo esta vez la antítesis de su famoso 007. Dalton disfruta como
un enano en su papel de supervillano y se convierte con facilidad en el
mejor miembro del reparto. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Y destaca
la siempre gratificante presencia de Jennifer Connelly, aquí en uno de
sus primeros papeles adultos. La actriz está más que
correcta en su papel y hace gala de un físico espectacular que la
convierten en la perfecta traslación en carne y hueso de la Betty del
cómic.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihBG7xwKGFHSXbQtQ2B0xltog5hE8y92wgKHmnhPzodV_J7PHEMbm5HDrxlpQ0ZQ9_9X4EK_hNtkCbohbgpgaIWpzZuiP0KYJWZPOGQSHBPV1KZG-i1RPNPKVdbXH4rgLn_MJo/s1600/Rocketeer+22.png" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEihBG7xwKGFHSXbQtQ2B0xltog5hE8y92wgKHmnhPzodV_J7PHEMbm5HDrxlpQ0ZQ9_9X4EK_hNtkCbohbgpgaIWpzZuiP0KYJWZPOGQSHBPV1KZG-i1RPNPKVdbXH4rgLn_MJo/s1600/Rocketeer+22.png" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La película consigue un equilibrio directo con su productora máter, en la secuencia en la que a Cliff le proyectan una película en la que se detallan los planes de los nazis. La película es un pequeño corto de dibujos animados, filmado en blanco y negro, con una animación excelente, que crea una curiosa simbiosis entre la productora y la propia película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Durante el visionado de <b>Rocketeer</b> es imposible no pensar en <b>Superman</b> e <b>Indiana Jones</b>, tenemos a un héroe volador que se dedica a salvar a gente por un lado y por otro una aventura con nazis con ganas de apoderarse del mundo. Nunca llega a la altura de esas películas, pero tampoco lo pretende. </span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgvtq9upNd9R5lOYW518ZmIyYXYoDh3WkD-1BSqWG6yf_0kInKt5uAhdODpsRQAcjmcQcyrXysxwH7k-uDTNCX4A8JTTtzKiTINclHMujuY5dEMeOeLDyZd5TObNisSUgR_nIy/s1600/Rocketeer+23.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjgvtq9upNd9R5lOYW518ZmIyYXYoDh3WkD-1BSqWG6yf_0kInKt5uAhdODpsRQAcjmcQcyrXysxwH7k-uDTNCX4A8JTTtzKiTINclHMujuY5dEMeOeLDyZd5TObNisSUgR_nIy/s1600/Rocketeer+23.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La película captura esa fascinación que tenía el cómic original por los años 30 y también lo hace con su sentido del <i>pulp</i> y de la aventura. Tenemos estrellas de
cine, conspiraciones nazis, mochilas propulsoras, gángsters, acrobacias
aereas y a un héroe volador, ¿qué más podemos pedir? </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La película mejora el material original, sin perder un ápice del espíritu que transmitía el cómic. En las viñetas, para mí Cliff no destaca como un verdadero héroe, en muchos momentos es un ser caótico, inseguro y celoso. Su novia no es más que un cliché en las viñetas, mientras que en la película sí tiene personalidad y aporta algo a la trama. El cómic carece de un gran villano, allí simplemente son los nazis y punto, la inclusión de Neville Sinclair y su memorable <i>sidekick</i>, hacen ganar muchos puntos a la historia. En la película la historia es más grande y está mejor desarrollada. Es cierto que se pierde el tono más adulto que tiene el cómic, lógico
siendo una producción de la Disney, pero en contrapartida se aportan
muchas cosas nuevas que la mejoran (toda la trama en Hollywood con sus entresijos de estrellas y rodajes, los gángsters, Howard
Hughes, más acción, los villanos antes mencionados, un verdadero
héroe en el que creer y un clímax final de lo más potente).</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAh78DnAOMOvvATksjTtP8UTo-LIqOBheElIYynV6WJTBgFGjRUSdD048BWXcpiXPeGd10aF5D9Z97MDISbkn94y-OMkm8SNhRIYMxoG6-aRdjmUJFu2vFRC_kLImO5n6jQBg0/s1600/Rocketeer+24.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAh78DnAOMOvvATksjTtP8UTo-LIqOBheElIYynV6WJTBgFGjRUSdD048BWXcpiXPeGd10aF5D9Z97MDISbkn94y-OMkm8SNhRIYMxoG6-aRdjmUJFu2vFRC_kLImO5n6jQBg0/s1600/Rocketeer+24.jpg" width="400" /></a></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>Rocketeer</b> es </span><span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><span face=""Trebuchet MS",sans-serif">uno de los mejores exponentes del cine de imagen real de la Disney, productora </span></span><span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><span face=""Trebuchet MS",sans-serif">que normalmente tiende a infantilizar en exceso sus
producciones, pero que en este caso en particular, supo aunar
espectáculo, humor, emoción y romance, en dosis admisibles para todo
tipo de público y eso es en gran medida gracias a Johnston, quien realizó </span></span></span><span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><span face=""Trebuchet MS",sans-serif">(junto con <b>Cielo de octubre</b>) el mejor trabajo de su carrera</span>.</span></span></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>Rocketeer</b> salió triunfante de esta aventura, luchando contra productoras entrometidas, reescrituras de guión interminables, presupuestos incontrolables y efectos visuales aparatosos. El cine tenía un nuevo héroe y su nombre era Rocketeer. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><br /></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><b>CURIOSIDADES<strike></strike></b></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La cara del personaje de Lothar está inspirada en la del actor Rondo Hatton, actor que trabajó como secundario en varias películas de serie B en los años 30 y 40. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Supuestamente estaba previsto que en su estreno en cines, la película estuviese precedida de un corto de Roger Rabbit, títulado <b>"Hare in my soup"</b>, pero el corto nunca fue realizado.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Antes de rodar <b>Rocketeer</b>, Danny Bilson y Paul De Meo quisieron contar con la ayuda de Dave Stevens para una de sus películas, <b>Zone troopers</b> (1986), pero el dibujante tuvo que rechazar la oferta por tener otros compromisos. La película era también una historia de ciencia ficción ambientada en la segunda guerra mundial con nazis de por medio.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Bill Campbell y Jennifer Connelly firmaron un contrato para realizar varias secuelas, Campbell para realizar dos más y Connelly una. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">En el cómic el inventor de la mochila propulsora era el famoso personaje <i>pulp</i> Doc Savage. Los derechos del personaje pertenecían a Conde Nast, quien no los cedió a Disney para la película, lo que provocó que en el guión final la identidad del inventor del ingenio fuese cambiada por la del millonario Howard Hughes.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Dave Stevens, creador de Rocketeer tiene un <i>cameo</i>
en la película, se le puede ver brevemente en la película en blanco y
negro que Howard Hughes proyecta a Cliff, es el hombre que lleva un cohete a
su espalda en las pruebas que hacen los alemanes, la cual acaba en
tragedia. En la imagen inferior es el hombre de la izquierda.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5MLcwgoFYaAVtknJD5n-SF2WGfOtcvnQRB7pwSa4nl36iaxexnfsJttTt_kZRfSUWNgH5QkUGWM8T0-AxWRoYdmKG_HiM15w2zZGti9hKt8XIwOsTi5CzDZo5sGjNVtwXvj6b/s1600/Rocketeer+25.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" height="190" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh5MLcwgoFYaAVtknJD5n-SF2WGfOtcvnQRB7pwSa4nl36iaxexnfsJttTt_kZRfSUWNgH5QkUGWM8T0-AxWRoYdmKG_HiM15w2zZGti9hKt8XIwOsTi5CzDZo5sGjNVtwXvj6b/s1600/Rocketeer+25.jpg" width="400" /></a></span></div>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"></span>
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif"> </span><br />
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Se rodó una escena en la que Neville Sinclair enviaba un mensaje a Berlín codificado en una verdadera máquina Enigma (conseguida expresamente para la película), pero al final la escena fue cortada por limitaciones de tiempo en la duración de la película. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La "Academy of Science Fiction, Fantasy and Horror Films" premió a la película en la categoría de mejor vestuario (Marilyn Vance) y la nominó en las de mejor película de ciencia ficción, efectos especiales (Ken Ralston) y actriz secundaria (Jennifer Connelly). A su vez en los premios Hugo fue nominada en la categoría de mejor presentación dramática.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Frank Darabont escribió un primer borrador del guión para la película. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">"Beemans" la marca de chicle que usa Howars Hughes en la película, es el chicle de la suerte de los pilotos.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El nombre de Neville Sinclair fue tomada de una historia de Sherlock Holmes escrita por Arthur Conan Doyle de título <b>"El hombre del labio torcido"</b>, aunque el nombre del personaje era realmente Neville St. Clair. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Para rodar la película se creo un ingenio denominado "shaky-cam", utilizado con el fin de introducir vibraciones en la película. Fue usado en las escenas que acontecen dentro del zeppelín para dar la impresión del poder de los motores. Cuando la película se paso a video, el efecto se perdió en su mayoría, volviéndose la imagen mucho más estática. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Cliff usa la maqueta de un avión para huir del hangar de Howard Hughes. La maqueta corresponde al avión Hughes H-4 Hercules (también conocido como "Spruce Goose"), el hidroavión más grande jamás construido. En su momento se creía que el avión, por sus enormes dimensiones, no podría volar, de ahí que en la película Howard Hughes exclame <i>"Estaba seguro de que volaría"</i>. Algo que Hughes demostró en 1947. La Disney compró el "Spruce Goose" en 1988 con idea de que formara parte de un nunca realizado parque temático (en el que también estaría el Queen Mary que Disney compró al mismo tiempo que el hidroavión, pero prescindirían de ambos en 1992). Muchos han visto la inclusión del avión de Hughes en la película, como una autopromoción por parte de la Disney, para publicitar su adquisición. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El doble Jimmy Medearis sufrió graves daños en su cabeza durante el rodaje de una escena. Él y su compañero Michael J. Sarna se golpearon contra un árbol cuando el camión que tiraba de sus arneses los arrastró demasiado lejos.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La historia de la película acontece en octubre de 1938.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">De todas las estrellas del cine de los años 30 que se mencionan en la película, la única que estaba viva en el momento del estreno de la película era Myrna Loy. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Danny Bilson y Paul De Meo fueron co-guionistas del segundo y tercer capítulo de <b>"The Rocketeer: Cliff's New York Adventure"</b>, segundo cómic de Rocketeer.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El guionista Danny Bilson es el padre de la actriz Rachel Bilson (<b>Jumper</b>).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El zeppelín que aparece al final de la película se llama "Luxemborg" en una clara referencia al popular Hindenburg. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">En el "Club mares del sur", Neville Sinclair saluda a Clark Gable. Esto es una referencia a la anécdota de que Gable era el actor preferido de Adolf Hitler. El protagonista de <b>Mogambo</b> se alistó en el ejército durante la Segunda Guerra Mundial y el líder del Tercer Reich ofreció una recompensa a quien pudiera capturar al famoso actor y llevarlo a Alemania sano y salvo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">El "Bulldog Café" (ese restaurante con forma de perro donde se reúnen los pilotos de la película) era una réplica de un restaurante real conocido como "The Dog Café", construido en 1928 en el West Washington Boulevard de Los Angeles, que tristemente fue derribado en 1955.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">En el guión final había una escena prevista que no se llegó a
rodar y que tenía como protagonista el famoso Teatro Chino Grauman de Los Angeles. La escena se iba a filmar en los anteriormente conocidos como "Disney-MGM
Studios Theme Park" (hoy día los "Disney's Hollywood Studios") donde existe una replica del popular cine. En dicha secuencia, Cliff antes de salvar a Jenny en el "Club mares del sur", vuela cerca del Teatro Chino.
Allí tiene lugar una ceremonia para que la actriz Bette Davis deje sus
huellas en el cemento. Uno de los hombres que se encargan de los focos
que iluminan el lugar, se queda mirando a Rocketeer, pierde el
equilibrio y se cae desde lo alto del cine. Rocketeer lo ve y
vuela para salvarle, consigue agarrarle en el último momento,
pero al poner los pies en el suelo lo hace sobre el cemento fresco, que
estaba listo para Bette Davis y sin pretenderlo deja sus huellas en él. Pone al hombre a salvo y sale volando rumbo al "Club mares del sur". El
dueño del Teatro Chino coge el palo que tenía la actriz para escribir en el
cemento y escribe "Rocketeer" al lado de las huellas. Se desconoce porqué la secuencia no se llegó a filmar.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Durante la batalla final en el zeppelín, Cliff le pregunta a Sinclair <i>"¿Dónde están sus dobles de acción Sinclair?"</i> a lo que el actor le replica <i>"No necesito un dobles."</i> Esta frase era una referencia a la etapa de Dalton como 007, donde se dio a conocer como el Bond que más escenas de acción realizaba por si mismo. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">Aunque la película se basa en el primer cómic de Rocketeer, el villano Lothar, se extrajo del segundo cómic, <b>"The Rocketeer: Cliff's New York Adventure"</b>.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La escena en que Valentine se niega a seguir trabajando para Sinclair cuando descubre que éste es un espía nazi y como después ayuda al FBI en el tiroteo contra los nazis, se explica por el odio que los mafiosos italianos sentían ante el fascismo, alentada por la lucha por parte de Mussolini contra la mafia. </span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""Trebuchet MS",sans-serif">La Betty del cómic se inspiró en la <i>pin-up</i> por excelencia Bettie Page, quien con el tiempo se convirtió en amiga personal de Dave Stevens. </span></div>
Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-74408689020169554412021-11-16T08:35:00.001-08:002023-02-23T14:52:06.994-08:00Los Cazafantasmas<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI2EOtyEcd41igJhynPxHWCZpwSSgRCQI3circMOkd_X87vCrBallPMIDv7g1OMiaI_kB5gP85Fqj49OAQgaHM08VPik-ws1UUxb5egYmZBTmcfsyumTJ79ze6fCZlGCAINIoK/s1600/Los+Cazafantasmas+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="318" data-original-width="500" height="253" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgI2EOtyEcd41igJhynPxHWCZpwSSgRCQI3circMOkd_X87vCrBallPMIDv7g1OMiaI_kB5gP85Fqj49OAQgaHM08VPik-ws1UUxb5egYmZBTmcfsyumTJ79ze6fCZlGCAINIoK/s400/Los+Cazafantasmas+01.jpg" width="400" /></a></div>
<i><div style="text-align: justify;"><i>"¿A quién vas a llamar?"</i></div></i><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div>
<div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Tres investigadores paranormales deciden montar un negocio para capturar fantasmas en Nueva York. Al mismo tiempo, en la ciudad, se produce una gran aparición de espectros, que precede al fin del mundo.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>CAZAFANTASMAS S.L.</b></div></b><div style="text-align: justify;">En 1981, el actor Dan Aykroyd, todo un creyente de los fenómenos paranormales, leyó un artículo de física cuántica y parapsicología, que le dio la idea para una película. Acto seguido comenzó a escribir un tratamiento de guión de unas 70 u 80 páginas, que daría pie a <b>Los Cazafantasmas</b> (Ghost Busters, 1984), y que inicialmente se titulaba <b>"Ghost Smashers"</b>. Otra inspiración para escribir el guión, le vino a Aykroyd de su propia familia. <i>"Mi bisabuelo era un espiritista eduardiano, tomé mi historia familiar y la uní con las comedias de fantasmas de los 30, Abbott y Costello, Bing Crosby y Bob Hope, y los Bowery Boys,"</i> recordaba el actor. <i>"Sólo pensé: 'Hagamos una película de comedia de fantasmas, pero basémosla en la investigación real'."</i></div><div style="text-align: justify;">La idea de Aykroyd era protagonizar la película junto a John Belushi y Eddie Murphy, aunque la muerte del primero en marzo de 1982 podría haber echado por tierra la película, Aykroyd siguió adelante con su proyecto.</div><div style="text-align: justify;">Aykroyd le mostró el guión de los tres cazafantasmas al productor Bernie Brillstein, con quien había colaborado en <b>Granujas a todo ritmo</b> (1980) y <b>Mis locos vecinos</b> (1981). A su vez, el actor y Brillstein le entregaron el guión al agente de Aykroyd (y también de Ivan Reitman, Bill Murray y Harold Ramis), Michael Ovitz, quien admitió que cuando lo leyó, <i>"me reí tanto que me dio vergüenza."</i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRyyVHCbOwUXyWx2nZuuDsK9UWueVFiWIDVefSdKtROPKPlkcBaPLUEYjkxNXL2d-gQQ7WizYM0E2w8jUpWyfB_jkV7wNFMpVfeqHQPb3N5ddn7CHXQvAe4ZD6HIHIKzAXisZl/s1600/Los+Cazafantasmas+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="214" data-original-width="500" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRyyVHCbOwUXyWx2nZuuDsK9UWueVFiWIDVefSdKtROPKPlkcBaPLUEYjkxNXL2d-gQQ7WizYM0E2w8jUpWyfB_jkV7wNFMpVfeqHQPb3N5ddn7CHXQvAe4ZD6HIHIKzAXisZl/s400/Los+Cazafantasmas+02.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">El tratamiento le llegó al director Ivan Reitman en abril de 1983. <i>"Se establecía en el futuro y había muchos equipos de Cazafantasmas compitiendo entre si," </i>recordaba el director. <i>"Había muchos viajes por el espacio y el tiempo, y monstruos. Por supuesto, habría costado cientos de millones si pudiéramos averiguar como hacerlo. Le dije: 'Creo que esto debería ser una película del inicio de un negocio. Establecida en la actualidad, un lugar que entendemos, como un laboratorio de investigación de la universidad. Haz que estas personas empiecen allí y que después den un paso de cada vez, así al final de la película, tal vez podamos tener un </i><i>Hombre de Malvavisco</i><i> gigante caminando por una calle importante. Pero no puedes comenzar allí o perderás a la audiencia.' Él estuvo de acuerdo con eso, gracias a Dios." </i></div><div style="text-align: justify;">Fue idea de Reitman que Harold Ramis se uniera al proyecto en calidad de co-guionista, además de proponerle interpretar al tercer cazafantasma.</div><div style="text-align: justify;">En mayo de 1983, Ovitz organizó una reunión con Frank Price de la Columbia para cerrar un acuerdo, allí mismo se dio luz verde al proyecto, asignándole un presupuesto de 25 millones de dólares, y se marcó como fecha de estreno el 1 de junio de 1984. Un calendario de lo más apretado.</div><div style="text-align: justify;">Durante un plazo de dos meses, Aykroyd, Ramis y Reitman llegaron a escribir tres borradores diferentes. El primero les llevó aproximadamente un mes, que data del 6 de junio de 1983. Después los tres viajaron hasta la casa de vacaciones de Aykroyd en Martha's Vineyard, donde durante dos semanas crearon el segundo borrador. Y el tercero y definitivo, requirió de otras tres semanas aproximadamente. Y el 7 de octubre ya estaba terminado el guión de rodaje.</div><div style="text-align: justify;">Había ideas que ya estaban presentes en el tratamiento original de Aykroyd, y que se mantuvieron en el guión final, como el Hombre de Malvavisco o Moquete. Lo que sí añadió, fue la historia de amor de Venkman y una mujer.</div>
<div style="text-align: justify;"><br /></div><b><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div></b><div style="text-align: justify;">Le ofrecieron el papel de Peter Venkman a Steve Guttenberg, pero lo rechazó para protagonizar <b>Loca academia de policía</b> (1984). Chevy Chase también lo rechazó, pero la versión del guión que leyó era más oscura que la finalmente rodada. Y Michael Keaton también fue considerado para el papel. Pero si alguien debía interpretar a Venkman, ese era Bill Murray. El actor aceptó la propuesta de su amigo Aykroyd de trabajar en <b>Los Cazafantasmas</b>, pero inicialmente no se involucró demasiado en el proyecto. Durante toda la pre-producción Murray estuvo en la India rodando <b>El filo de la navaja</b> (1984), y no intervino en la escritura del guión. Sólo unas semanas antes de empezar el rodaje viajó a Nueva York para una reunión con Reitman sobre el guión, a la cual también asistió Ramis. <i>"Nunca le había visto tan animado,"</i> recordaba Ramis. Pero después el actor retrasó su llegada al rodaje, y el estudio comenzó a impacientarse, sobre todo por mala fama del actor de no dar indicaciones sobre cuando se presentará en el set. Y para complicar más las cosas, Murray realmente no había firmado ningún contrato, sólo había un trato, y su promesa a Aykroyd de que participaría en la película. Pero al final, y para alivio de todos, cumplió su palabra. El actor empalmó un rodaje con el otro. Y aunque debía presentarse en Nueva York el 25 de septiembre de 1983, no lo hizo hasta el primer día de rodaje, el 18 de octubre. <i>"Todavía no sabía si realmente había leído el guión,"</i> recordaba el director. Pero el actor cumplió las expectativas de sobra.</div><div><div><div><div style="text-align: justify;">Ramis consiguió la caracterización de Egon por casualidad. <i>"Encontré a mi personaje en la portada de una revista de arquitectura abstracta,"</i> recordaba el actor. <i>"Había una foto de un tipo y un artículo sobre su trabajo. No entendí una palabra, pero su look era genial. Llevaba un traje tweed retro de tres piezas, gafas de montura de alambre y con cabello rizado. Pensé: 'Este podría ser mi chico'. Tomé el nombre de Egon de un refugiado húngaro con el que fui a la escuela primaria, y Spengler era del [historiador] Oswald Spengler."</i></div><div style="text-align: justify;">Ernie Hudson tuvo que ir a dos pruebas para conseguir el papel de Winston Zeddemore, el cuarto cazafantasma. El papel estaba entre él y Reginald VelJohnson (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/09/jungla-de-cristal.html" target="_blank">Jungla de cristal</a></b>), y cuando Hudson fue escogido, Reitman le dio a VelJohnson un pequeño papel como guarda de la prisión como compensación. Se rumoreó que el papel de Zeddemore se escribió específicamente para Eddie Murphy, pero eso no es cierto, el protagonista de <b>Superdetective en Hollywood</b> sólo estaba previsto que protagonizase la primera versión del guión, pero Reitman nunca se llegó a reunir con él para la película finalmente realizada. El papel de Zeddemore cambió mucho con el paso del tiempo, y Hudson se encontró, cuando recibió un nuevo guión semanas antes de empezar a rodar, que el papel no era el mismo para el que había firmado. La aparición de su personaje ya no sería al principio de la película, ahora lo haría a mitad de metraje. Además todo el pasado del personaje desapareció en la mesa de montaje (como que era un ex-militar con habilidades especiales), y muchas de sus frases fueron a parar a otros personajes. <i>"El tipo que era moqueado era Winston,"</i> explicaba Hudson. <i>"El tipo que pensaba en el Hombre de Malvavisco era Winston. Entonces, pasé de todo eso a lo que terminamos [en la película]."</i></div></div><div><div style="text-align: justify;"><i>"Cuando contratamos a Ernie, éramos tan políticamente correctos teniendo a un hombre negro en la película que empezamos a darle todas las grandes frases,"</i> admitía Ramis. <i>"De hecho, tenía la mayoría de las buenas frases de Billy. Ivan Reitman lo vio y dijo, '¡Espera un segundo! ¿Qué estáis haciendo aquí? ¡Bill debería estar diciendo estas cosas!'"</i></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAjlvMoay-UR3gFrACGUN9V2TQ3zJ_EvjJdZlyBgJOCKr6Y69Ti-DW6SpWcQCME3W08Zuqx7zS96AVG4VNwlhfOQlUZeS5dm3b8JNaBSEiycfeqCGx5WMQU95wgRL-SbtT9wny/s1600/Los+Cazafantasmas+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="214" data-original-width="500" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiAjlvMoay-UR3gFrACGUN9V2TQ3zJ_EvjJdZlyBgJOCKr6Y69Ti-DW6SpWcQCME3W08Zuqx7zS96AVG4VNwlhfOQlUZeS5dm3b8JNaBSEiycfeqCGx5WMQU95wgRL-SbtT9wny/s400/Los+Cazafantasmas+03.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Para el papel de Dana Barrett, Reitman se entrevistó con muchas jóvenes actrices, entre ellas Julia Roberts. Al final le ofreció el papel a Sigourney Weaver, quien en su prueba hizo la escena de transformación en perro del terror, sin saber que en la película se utilizarían efectos especiales para dar vida al monstruo. <i>"Salté del sofá y comencé a comerme los cojines y a convertirme en un perro,"</i> recordaba la actriz. Weaver se hizo con el papel y pudo sugerir modificaciones, como por ejemplo, cambiar el empleo de Dana, de modelo a violonchelista. Además sugirió que su personaje fuera poseído, lo que le dio a Reitman la idea de la escena del sillón con las manos saliendo de él. Cuando la actriz conoció a Murray en el exterior de la Biblioteca Pública de Nueva York, él simplemente la saludó, la agarró y la colocó sobre su hombro, y se la llevó caminando por la calle. <i>"Me enamoré de él en ese mismo momento,"</i> reconocía Weaver.</div></div><div style="text-align: justify;">El personaje de Louis Tully se escribió para que le diera vida John Candy, pero las ideas del actor de como interpretar al personaje (usar un fuerte acento alemán o tener rottweilers como mascotas) no gustaron a Reitman, quien en su lugar le ofreció el papel a Rick Moranis. El actor canadiense participó en el guión escribiendo con Ramis un par de escenas, además de otras que escribió él mismo. Así Moranis creó al Louis Tully de la película.</div></div><div style="text-align: justify;">William Atherton interpretó a Walter Peck, miembro de la "Agencia de la Protección del Medio Ambiente". El actor se encontró con un problema, no podía competir en una comedia con los protagonistas de la película. <i>"Así que Ivan y yo hablamos y dije: 'Tengo que ser un Margaret Dumont masculino',"</i> explicaba Atherton. Es decir, interpretar a Peck de forma seria, como lo hacía Dumont en las películas de los hermanos Marx, para que sirviera como un mecanismo cómico.</div><div style="text-align: justify;">Para el papel de Janine Melnitz, la secretaria de los Cazafantasmas, se consideró a Sandra Bernhard, pero el papel terminó recayendo en Annie Potts. Cuando la actriz llegó a Nueva York, se acercó al set para saludar al equipo, y Reitman quiso meterla en ese mismo momento en la escena, pero la actriz estaba con su ropa de calle, así que agarró un abrigo del guardarropa, y le cogió las gafas a la responsable de vestuario e hizo la escena. Esas gafas quedaron unidas al personaje durante el resto del rodaje, y la responsable de vestuario se las entregaba antes de cada escena.</div><div><div style="text-align: justify;">Inicialmente Gozer iba ser interpretado por Paul Reubens, cuando estaba previsto que tomara la forma Ivo Shandor, pero el actor rechazó el papel. Posteriormente Reitman tuvo la idea de que el personaje adoptara una forma andrógina, por esa razón se consideró a Grace Jones y a Anne Carlisle, pero el papel se lo terminó llevando la modelo yugoslava Slavitza Jovan.</div><div style="text-align: justify;">John Rothman fue contratado para dar vida al administrador de la biblioteca, inicialmente el actor dudó en si aceptar un papel tan pequeño, pero Sigourney Weaver, antigua compañera de clase del actor, le animó a participar en la película.</div><div style="text-align: justify;">Michael Ensign, que hizo una prueba para el papel de Walter Peck, terminó interpretando al gerente del hotel Waldorf Astoria.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div></b><div style="text-align: justify;">El rodaje de la película comenzó en octubre de 1983, y se extendió hasta comienzos de febrero de 1984. Tuvo lugar en las ciudades de Nueva York y Los Angeles.</div><div style="text-align: justify;">De la gran manzana se utilizaron populares localizaciones como la Biblioteca Pública de New York, la Universidad de Columbia, el Lincoln Center o el restaurante Tavern on the Green (en Central Park). La Universidad de Columbia aceptó que rodasen allí, siempre y cuando no se refirieran a ella por su nombre.</div><div style="text-align: justify;">Inicialmente el edificio infernal diseñado por Ivo Shandor estaba situado en Greenwich Village, pero al final se decantaron por otro en Central Park West. Como era pequeño se añadieron 8 plantas mediante matte paintings.</div><div style="text-align: justify;">Cuando rodaron escenas en el exterior del edificio tuvieron que cortar el tráfico en las calles adyacentes, de hecho, la producción tuvo Central Park cerrado para ella durante una semana. Y cuando rodaron el clímax de la película, lo hicieron a las cinco de la tarde, en plena hora punta y crearon un atasco monumental en Manhattan. <i>"Vi a un policía sacar una pistola a un taxista que no hacía caso,"</i> recordaba Gross. En esa situación Aykroyd pudo conocer a Isaac Asimov, que vivía en esa zona, y que estaba molesto por el caos ocasionado. El actor le explicó que estaban rodando una película.<i> "Y él dijo: 'Están incomodando a este edificio, es horrible, no sé como se salieron con la suya.' Bufó, resopló y se marchó,"</i> recordaba Aykroyd.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhadYGZ6M_VNrdbYoOQIYYy1uIShpkzHxdGP1j8V35Jo9qocJXkTK1jB0fy1sRS0_ZGkKqO_0xY6isL1YZdK-5WIvuHC9DlpxdFQrtgqzRkmEc-rPWx5_VQGnim0izr0fJZZ8dQ/s1600/Los+Cazafantasmas+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="213" data-original-width="500" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhadYGZ6M_VNrdbYoOQIYYy1uIShpkzHxdGP1j8V35Jo9qocJXkTK1jB0fy1sRS0_ZGkKqO_0xY6isL1YZdK-5WIvuHC9DlpxdFQrtgqzRkmEc-rPWx5_VQGnim0izr0fJZZ8dQ/s400/Los+Cazafantasmas+04.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Tuvieron problemas con el título de la película, ya que existía previamente un programa de televisión de título <b>The Ghost Busters</b> (1975), creado por Filmation, y no conseguían un acuerdo para usar el nombre. Probaron otros títulos, pero ninguno funcionaba, querían utilizar "Ghostbusters", pero como título alternativo tenían "Ghostbreakers", así que la película comenzó su rodaje sin tener uno definitivo, y rodaban las escenas en las que tenían que usar el nombre dos veces, una con "Ghostbusters" y otra con "Ghostbreakers". El problema se solucionó cuando Frank Price se marchó de la Columbia para ser jefe en la Universal, y casualidades de la vida, Filmation era propiedad de un estudio, que a su vez pertenecía a Universal, y Price hizo posible el acuerdo que permitió a la producción usar el título de "Ghostbusters" (<b>Los Cazafantasmas</b>).</div></div><div><div style="text-align: justify;"><i>"Reescribíamos cada escena la noche anterior,"</i> explicaba Weaver, <i>"y cuando llegábamos al set, improvisábamos otra vez."</i> Y es que la improvisación fue el <i>leitmotiv</i> de la película, con escenas en gran parte improvisadas, como la del despacho del alcalde. Otro ejemplo de ello, es el momento en que Murray sale del hotel tras haber capturado a su primer fantasma y suelta, <i>"¡Vinimos, vimos y le dimos una patada en el culo!"</i>, de ese momento se filmaron aproximadamente diez versiones diferentes con el actor improvisando distintas frases en cada una. <i>"Ivan creó un ambiente muy abierto para sus actores," </i>afirmaba Moranis. <i>"Es un gran director para un comediante, porque puedes probar todas tus ideas."</i></div><div style="text-align: justify;">Tampoco estaba prevista la reacción de la camarera en la escena del hotel, cuando los Cazafantasmas disparan accidentalmente sus armas de protones sobre su carrito. A la actriz le explicaron que debía empujar el carrito y que éste explotaría, pero no le dijeron cuan fuerte sería la explosión, por lo que su reacción fue real y su, <i>"¿Pero qué diablos hacen?"</i> no estaba en el guión.</div><div style="text-align: justify;">Fue un rodaje donde reinó el buen ambiente y la diversión, como no podía ser de otra forma. Una de las mejores anécdotas la recodaba Hudson, cuando debían rodar una escena con el Ectomóvil en las calles de Nueva York, y tenían el tráfico cortado para la producción. Justo antes de empezar a rodar, <i>"fuimos a conducir el coche y Bill Murray de repente tuvo que ir al baño, pero estábamos atrapados en medio del tráfico. Así que corrió al baño y era en medio de la hora punta. Cuando finalmente nos pusimos en posición e Ivan gritó acción, allí estaba Bill tratando de regresar corriendo al coche."</i></div><div style="text-align: justify;">Rodaron escenas para el montaje de los Cazafantamas corriendo por Nueva York en modo guerrilla, en su mayoría sin pedir autorizaciones. Una de ellas fue en el Rockefeller Center, que era una propiedad privada, cosa que el equipo no sabía, y Murray, Aykroyd y Ramis fueron perseguidos por un auténtico guarda de seguridad del lugar.</div><div style="text-align: justify;">Estuvieron filmando exteriores en Nueva York durante tres semanas y media, con un trabajo de segundad unidad de una semana. El rodaje fue tan bien en Nueva York que terminaron dos días y medio antes de lo previsto.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIRMA8zARIo6L2TGxVb5_I0C90IrtNTKStjHyGLlv3UACi8zvUnZiSI-T-Qvrvis1zlKlXznQK_uXi_Qmp0URdDyYQ1NSIihCK1rwl5MKXyau2IwgdnYO5L_txJLVlGosVqXXf/s1600/Los+Cazafantasmas+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="212" data-original-width="500" height="168" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiIRMA8zARIo6L2TGxVb5_I0C90IrtNTKStjHyGLlv3UACi8zvUnZiSI-T-Qvrvis1zlKlXznQK_uXi_Qmp0URdDyYQ1NSIihCK1rwl5MKXyau2IwgdnYO5L_txJLVlGosVqXXf/s400/Los+Cazafantasmas+05.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">De Nueva York la producción se mudó a Los Angeles para continuar con el rodaje durante nueve semanas, donde se rodaron algunos exteriores haciéndose pasar por la Gran Manzana. Y los interiores se filmaron principalmente en los Burbank Studios.</div><div style="text-align: justify;">Se utilizaron diferentes localizaciones de Los Angeles, por ejemplo, la famosa estación de bomberos base de Los Cazafantasmas, cuyos interiores se filmaron en la número 23 de la ciudad angelina, y los exteriores en la de Nueva York. </div></div><div style="text-align: justify;">Se utilizó la "Los Angeles Central Library" para los interiores de la "Biblioteca Pública de New York". Rodando la escena, una estantería se cayó de verdad, y los actores improvisaron todo el diálogo posterior.</div><div><div style="text-align: justify;">El hotel Biltmore de Los Angeles se convirtió en el ficticio Sedgewick Hotel de Nueva York. Y los decorados de los pasillos no fueron construidos para la película, habían sido creados para el rodaje de la película <b>Ricas y famosas</b> (1981), y DeCuir los compró a la MGM.</div><div style="text-align: justify;">Los apartamentos de Dana y Louis Tully se construyeron en el plató 12 de los Burbank Studios. El set fue construido a dos metros del suelo, para que los técnicos pudieran manipular a los perros del terror desde abajo.</div><div style="text-align: justify;">Y el set del templo de Gozer, en lo alto del edificio de Dana, se construyó en el plató 16 de los Burbank Studios. Para poder iluminarlo se necesitaban 50.000 amperios, era tal la demanda de electricidad, que la Columbia debía cerrar otros platós mientras se rodaban las escenas del templo.</div><div style="text-align: justify;">En el Columbia Ranch se filmaron escenas de destrucción de la entrada del edificio de Dana (en Nueva York se habían filmado planos con las consecuencias del terremoto). Se gastaron 250.000 dólares para conseguir el momento en que la calle se abre, y se traga un coche de policía y a los cuatro protagonistas. Para ello se construyó una replica de la acera y tres pisos de la fachada del edificio, sobre un sistema hidráulico que permitía destruir la calle.</div><div style="text-align: justify;">En el clímax de la película, restos del Hombre de Malvavisco caen sobre Peck. Inicialmente estaba previsto verter sobre Atherton unos 34 kilos de espuma de afeitar, pero éste sospechando que era demasiada cantidad, pidió que primero probasen con un doble para comprobar que no sufriría daño alguno. Cuando lo hicieron, el doble fue aplastado, así que decidieron utilizar la mitad de espuma con el actor.</div></div><div style="text-align: justify;"><b>Los Cazafantasmas</b> no serían los mismos sin su equipo. La diseñadora de vestuario Theoni V. Aldredge fue la encargada de diseñar sus monos de trabajo, basados en las ideas de Aykroyd. Las populares mochilas de protones fueron diseñadas por Stephen Dane, y construidas por Chuck Gaspar. Pesaban unos 14 kilos, y 23 kilos con las baterías montadas. Para las escenas de acción se hicieron otras de menor peso construidas de espuma y goma. Dane también se encargó de diseñar y modificar una ambulancia Cadillac Miller-Meteor de 1959 en el mítico Ectomóvil.</div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>EFECTOS DE OTRO MUNDO</b></div></b><div style="text-align: justify;">Dado el ajustado calendario de rodaje, conseguir una compañía que pudiera encargarse del masivo trabajo de efectos visuales que implicaba <b>Los Cazafantasmas</b>, era muy complicado. ILM no pudo hacerse cargo, ya que estaba trabajando entre otras películas en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/06/indiana-jones-y-el-templo-maldito.html" target="_blank">Indiana Jones y el templo maldito</a></b> (1984) y <b>Star Trek III: En busca de Spock</b> (1984). <b>Dune</b> (1984) estaba ocupando a otras empresas de efectos en aquel momento. DreamQuest no tenía el tamaño necesario para una empresa tan grande, y además reconocieron que había efectos que nunca habían hecho antes. En ese momento, Gross descubrió que Richard Edlund (<b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/10/poltergeist.html" target="_blank">Poltergeist</a></b>) iba a abandonar la ILM y quería fundar su propia empresa de efectos. Era el hombre perfecto para el puesto dada su gran experiencia. Por otra parte, Douglas Trumbull y Richard Yuricich, querían dejar su compañía Entertainment Effects Group, para dar un cambio a sus carreras, Edlund se asoció con ellos, de esa forma se hizo cargo de su empresa para utilizar su equipo e instalaciones, y se llevó a su propio personal con él. Edlund llegó a un acuerdo con Columbia y también con MGM, ambos estudios pondrían a partes iguales el dinero que necesitaba para arrancar la compañía, a la cual renombraron Boss Film Studios, y de esa forma realizó para cada major los efectos de una película, <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/09/2010-odisea-2.html" target="_blank">2010: Odisea dos</a></b> (1984) para la MGM y <b>Los Cazafantasmas</b> para Columbia. Edlund hizo el trato desde un hospital tras someterse a una operación de hernia de disco.</div></div><div><div style="text-align: justify;">Cuando Edlund fue contratado sólo quedaban 10 meses para el estreno de la película, un plazo de tiempo muy ajustado para realizar los casi 200 planos con efectos necesarios. <i>"Fue como hacer juntas <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2007/10/poltergeist.html" target="_blank">Poltergeist</a></b> y <b>En busca del Arca perdida</b>, en la mitad de tiempo,"</i> resumía Edlund la experiencia.</div><div style="text-align: justify;">Para poder llevar a cabo el trabajo, Boss Film tuvo que construir nuevos equipos y modificar otros ya existentes en E.E.G.</div><div style="text-align: justify;"><b style="font-weight: bold;">Los Cazafantasmas</b> es un amalgama de técnicas de la época. Tiene animatronics, stop-motion, matte painting, cables, tanques de nubes, miniaturas, pantalla azul, y títeres. Edlund estima que tuvieron un coste total de 5,6 millones de dólares.</div><div style="text-align: justify;">Boss Film rodó en 65 milímetros para después reducirlo a 35, y así conseguir composiciones de una gran calidad. Los excelentes efectos de la película fueron todo un reto y estuvieron llenos de una gran complejidad. Sólo para crear el plano de los fantasmas escapando de la base de los Cazafantasmas necesitaron 2 semanas.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHcRovw2bDKarSAkVJyiAr1ZMCbbGQtdnfBDyd9LKZwV1TPfr7RV1hjyogKb52_A2Y030Fz4wnAY2v_S96CdVRgNSpegfJMuYigQKRofnwcGc-kdrsB9S8p_rg0AOXsccmahs6/s1600/Los+Cazafantasmas+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="213" data-original-width="500" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiHcRovw2bDKarSAkVJyiAr1ZMCbbGQtdnfBDyd9LKZwV1TPfr7RV1hjyogKb52_A2Y030Fz4wnAY2v_S96CdVRgNSpegfJMuYigQKRofnwcGc-kdrsB9S8p_rg0AOXsccmahs6/s400/Los+Cazafantasmas+06.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Llamaron a John Bruno (<b>Abyss</b>) para que se convirtiera en el director artístico de efectos visuales, quien se sumó 6 semanas tarde al proyecto. Su mayor aportación fueron las escenas de los perros infernales, las cuales se hicieron mediante una combinación de títeres en miniatura y otros de tamaño completo. Estas últimas necesitaron de 12 personas para darles vida mediante el uso de cables, varillas y diferentes mecanismos mecánicos. Y las miniaturas se utilizaron para las secuencias en que las criaturas saltan y corren, efecto que se consiguió mediante animación stop-motion. Los perros fueron diseñados por Thom Enriquez, quien llegó a realizar 36 diseños hasta dar con el definitivo.</div><div style="text-align: justify;">Matthew Yuricich, asistido por Michelle Moen, creó cerca de 50 matte paintings para la película. Según declaraba el productor Michael C. Gross, <i>"son tan buenos que sólo puedo encontrar la mitad de ellos."</i></div><div style="text-align: justify;">Para crear los efectos de las nubes sobre el edificio donde vive Sigourney Weaver, se construyó a propósito un tanque de nubes de seis mil litros.</div><div style="text-align: justify;">Cuando rodaron la escena en la que Dana es atacada en su sillón por unos brazos que emergen de él, estos pertenecían a los operadores de cámara Mike Hoover, Michael Jones y al escultor Steve Neill. La escena fue incluida en el guión a última hora, y según John Bruno, el momento más tenso que surgió al rodarla, fue el miedo a que alguno de los brazos agarrara a la actriz donde no debía, pero Weaver le quitó toda la tensión a la escena cuando cogió uno de los brazos y se lo colocó sobre uno de sus pechos.</div></div><div style="text-align: justify;">Y el efecto de Weaver levitando sobre su cama se hizo en el set con trucos tradicionales de magia.</div><div><div style="text-align: justify;">Stuart Ziff fue el encargo del diseño y construcción de los fantasmas, para ello contó con un equipo de cerca de 40 artistas y técnicos. Tal vez la creación más recordada es el fantasma Moquete (cuyo nombre durante el rodaje era "Onion Head"), que estaba basado en John Belushi. Fue originalmente concebido por Aykroyd y diseñado por Michael Gross, finalmente Steve Johnson se encargó de esculpirlo. La noche antes de darle el visto bueno al diseño, le hicieron llegar a Johnson una nota que decía que el fantasma debía parecerse más a Belushi, como no tenía tiempo para hacer cambios, el artista lo dejó tal y como estaba, y consiguió igualmente el ok de los ejecutivos.</div><div style="text-align: justify;">El equipo de Ziff también creó al Hombre de Malvavisco. Originalmente fue una idea de Aykroyd, quien creó un boceto original con su amigo, el artista John Daveikis, y quería que fuera una mezcla entre el muñeco de Michelin y Poppy Fresco. Inicialmente estaba previsto que el monstruo surgiera del East River, pero para reducir los costes se decidió que apareciera directamente en Columbus Circle. También se descartó su transformación en un demonio. El monstruo simulaba tener una altura de 33,3 metros, y para el momento en el que arde en llamas crearon un traje para que pudiera incendiarse con un especialista dentro. El traje fue construido con varias capas de espuma, la capa externa era de una espuma inflamable y la interna estaba hecha de una espuma especial que detenía las llamas. Se construyeron ocho trajes, de los cuales se quemaron siete.</div><div style="text-align: justify;">Cuando llegó la hora de volar la parte superior del edificio de Dana, se hizo mediante una maqueta que replicaba las últimas plantas del mismo, y que medía 6 metros.</div><div style="text-align: justify;">Había más efectos previstos en la película (cerca de 100 planos más), pero dado el ajustado calendario no fue posible completarlos a tiempo. Edlund se reunió con Reitman y le explicó que debía quitar cosas. Así se quedaron fuera momentos como el de Louis Tully asustando a unos atracadores escupiendo energía ectoplásmica.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div>
<b><div style="text-align: justify;"><b>NO LE TENGO MIEDO A LOS FANTASMAS</b></div></b><div style="text-align: justify;">Para la escena inicial de la biblioteca, Reitman quería una pequeña canción. Lindsey Buckingham de Fleetwood Mac afirma que contactaron con él para componerla, pero que no aceptó el encargo. El director le ofreció a Huey Lewis and the News la composición de la canción, pero Lewis rechazó la oferta. Reitman, fan del Lewis, utilizó de forma temporal su canción <b>"I Want a New Drug"</b> mientras editaba la película.</div><div style="text-align: justify;">Tras cerca de un año tratando de sacar la canción adelante, el cantante Ray Parker Jr. entró en escena. Parker llegó al proyecto mediante Gary LeMel, vicepresidente de la Columbia y conocido de Parker, quien creyó que era la persona adecuada para componerla. El cantante sólo tuvo dos días para hacerlo y eso que el trabajo no era fácil. <i>"Se me ocurrió la música bastante rápido,"</i> declaró Parker en la revista <b>Esquire</b>. <i>"La letra fue la parte difícil. ¿Cómo iba a poner la palabra Cazafantasmas en la canción? Una noche estaba viendo la televisión y apareció un anuncio que me recordó a los Cazafantasmas con sus mochilas. Y se me ocurrió que la única forma de hacerlo era que nunca cantara la palabra Cazafantasmas. Y una vez se me ocurrió ese concepto, el resto fue mucho más fácil." </i>La canción sería una especie de <i>jingle</i> publicitario y un coro se encargaría de cantar la palabra "Ghostbusters", un estribillo que se hizo tremendamente popular. La palabra "Ghostbusters" fue cantada por unos niños de secundaria, que grabaron sus voces a las 7 de la mañana antes de ir a clase.</div>
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<b><div style="text-align: justify;"><b>LA COMEDIA MÁS TAQUILLERA DE TODOS LOS TIEMPOS</b></div></b><div style="text-align: justify;">A las tres semanas de haber terminado el rodaje hicieron un pase de prueba y el público se volvió loco con la película, y eso que faltaban las escenas de efectos. Era un buen presagio.</div><div style="text-align: justify;">Y es que la película fue un éxito apoteósico, tras su estreno el 8 de junio de 1984, recaudó en territorio norteamericano 229.242.989 de dólares, para sumar otros 9.389.135 en su reestreno de 1985, y 3.580.343 más cuando regresó a los salas por su 30 aniversario en 2014, sin contar reestrenos posteriores. A lo que hay que añadir los 53.000.000 de dólares del mercado extranjero. De esa forma se convirtió en la tercera película más taquillera de 1984 a nivel mundial, en la segunda más taquillera del año en Estados Unidos (sólo superada por <b>Superdetective en Hollywood</b>, aunque el reestreno de 1985 la terminó situando en el número uno) y en una de las diez más taquilleras de la década en territorio norteamericano.</div>
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<b><div style="text-align: justify;"><b>ESCENAS ELIMINADAS</b></div></b><div style="text-align: justify;">En las diferentes ediciones de vídeo doméstico, se incluyen varias escenas eliminadas del montaje original. Son las siguientes:</div><div style="text-align: justify;">1. La escena en la que Venkman, Stantz y Egon son expulsados de la universidad es más larga.</div>
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<br /><div style="text-align: justify;">2. La escena de la visita de Venkman al apartamento de Dana es más larga. Ella se da cuenta que el Cazafantasma sólo quiere ligar con ella, y cuando éste sugiere pasar la noche para ayudarla, ella lo echa de su piso.</div>
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<br /><div style="text-align: justify;">3. Una pareja de luna de miel en el Sedgewick Hotel, hablan en la cama y de pronto un reloj de su mesilla se rompe solo. El hombre entra en el baño y sale gritando con la mano llena de ectoplasma. La mujer entra tras él y se encuentra a Moquete.</div>
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<br /><div style="text-align: justify;">4. Un policía intenta ponerle una multa al Ectomóvil, pero los sensores del coche lo siguen. Cuando el policía coloca finalmente la multa en el parabrisas, ésta comienza a arder. Reitman decidió eliminar cualquier detalle que indujera a pensar que el coche tenía poderes paranormales.</div>
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<br /><div style="text-align: justify;">5. La entrevista de trabajo a Winston era más larga y se incluye un momento en que observa como Janine contesta al teléfono, y ésta le aconseja a un cliente que abandone su casa hasta que los Cazafantasmas puedan ir.</div>
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<br /><div style="text-align: justify;">6. Louis Tully se cruza con dos vagabundos en Central Park, interpretados por Bill Murray y Dan Aykroyd. Esta escena fue eliminada porque los responsables de película creyeron que podría confundir al público.</div>
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<br /><div style="text-align: justify;">7. Tully busca al Guardián de la Puerta en una calle llena de prostitutas, y cree haberlo encontrado en una de ellas.</div>
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<br /><div style="text-align: justify;">8. En Central Park, Tully se topa con unos delincuentes a los que asusta escupiendo energía ectoplásmica.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitqlN1qY_H7H68WSArb5k2y2ypnh7937w6dnQDRzRdFDa0aj4yAtrcA-0dVDvvODzmkgbUWDLhY9zJIAdwJ9aKfItayhckPSS4pillv5nDa1xmIJifayulkSj9X-JU0HEXIozn/s1600/Los+Cazafantasmas+16.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="143" data-original-width="750" height="76" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEitqlN1qY_H7H68WSArb5k2y2ypnh7937w6dnQDRzRdFDa0aj4yAtrcA-0dVDvvODzmkgbUWDLhY9zJIAdwJ9aKfItayhckPSS4pillv5nDa1xmIJifayulkSj9X-JU0HEXIozn/s400/Los+Cazafantasmas+16.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">9. Stantz y Winston visitan el conjunto histórico Fort Detmerring, Ray se quedaba dormido con un uniforme militar puesto y tiene un encuentro con una bello fantasma. Esta secuencia se omitió, según Ramis porque, <i>"era demasiado larga y estaba en la parte incorrecta de la película."</i> Al final se mantuvo parte del metraje para el montaje que narra el ascenso de los Cazafantasmas. La bella fantasma estaba interpretada por la playmate Kym Herrin.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJI_V4lAMAIG4GS12CR36r2eiVTBxnJSdtrPu7inyfCS8vtNTK9SkR7Dlacnfi_4rIDxFWbi73iSkUb5rf0Do_Xlqm8tsYAKGzSZHqWHb9-5bZAiNZuoIZnotyZPoV5G4vmKTy/s1600/Los+Cazafantasmas+17.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="283" data-original-width="750" height="150" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiJI_V4lAMAIG4GS12CR36r2eiVTBxnJSdtrPu7inyfCS8vtNTK9SkR7Dlacnfi_4rIDxFWbi73iSkUb5rf0Do_Xlqm8tsYAKGzSZHqWHb9-5bZAiNZuoIZnotyZPoV5G4vmKTy/s400/Los+Cazafantasmas+17.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">10. Tras su reunión en el ayuntamiento, y antes de poner rumbo a su enfrentamiento con Gozer, Venkman y Stantz hablan con el alcalde en la calle, y Janine le entrega a Egon su moneda de la Feria Mundial de Nueva York de 1964, para que le traiga suerte.</div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNYFpoypDsJodz4mbjzirla7o0tXdMrnl_uv1awI-Ij43zO1AAlztJ3YtP8tCHDMiWD7xEwipeItdg-KMiEmUXGLMuW-crnHnGGjBlabxqnYMjlZOhiOZHay6tHEAIG1C6VhcG/s1600/Los+Cazafantasmas+18.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="181" data-original-width="750" height="96" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgNYFpoypDsJodz4mbjzirla7o0tXdMrnl_uv1awI-Ij43zO1AAlztJ3YtP8tCHDMiWD7xEwipeItdg-KMiEmUXGLMuW-crnHnGGjBlabxqnYMjlZOhiOZHay6tHEAIG1C6VhcG/s400/Los+Cazafantasmas+18.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">11. Antes de entrar en el edificio en el clímax final, Winston bromea con que lo mejor que pueden hacer es irse a Australia, Venkman le dice que tenía pensado promocionarle en la empresa, pero que se lo está pensando.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAgVuR6hu_22P7jnIk-xXItlBQ5FpImkhn-A5du_JArebtKAjmsoklw4ATRH6yLoxNtUeAxRJosOFrZlecUkaFLfz_CWCuBHK04LHF9zbQ-KUjpTQkmeysm-ix39z-P9ExzWYn/s1600/Los+Cazafantasmas+19.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="183" data-original-width="750" height="96" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhAgVuR6hu_22P7jnIk-xXItlBQ5FpImkhn-A5du_JArebtKAjmsoklw4ATRH6yLoxNtUeAxRJosOFrZlecUkaFLfz_CWCuBHK04LHF9zbQ-KUjpTQkmeysm-ix39z-P9ExzWYn/s400/Los+Cazafantasmas+19.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">12. El sombrero de marinero del Hombre de Malvavisco cae a la calle, mientras la gente aplaude.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBCDQ2XhdAD3DH8Oy7jk0XCIrT_7ZnV4mi_THJSZOjOTHoMk6rCXtgJQiXORs7IHQZB32G8XI9dt_G9LRb1akS88-zjHMPrbe-GwCJE9Y90z7aqDh8YKkmr35mpZrh5CQ66MPO/s1600/Los+Cazafantasmas+20.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="181" data-original-width="750" height="96" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjBCDQ2XhdAD3DH8Oy7jk0XCIrT_7ZnV4mi_THJSZOjOTHoMk6rCXtgJQiXORs7IHQZB32G8XI9dt_G9LRb1akS88-zjHMPrbe-GwCJE9Y90z7aqDh8YKkmr35mpZrh5CQ66MPO/s400/Los+Cazafantasmas+20.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">13. Tras destruir a Gozer, Louis le pregunta a Dana si se han acostado, y ella le responde con un rotundo "no".</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRp-0QLHGBUNs9bb8IEzl_vd5vwhyphenhyphenN1BUG-uYxzuZEYn6xpZNpzpWEOiD6KEekunZ2l4rkd-fbYEoea0IZZ9dSBOqYPoK1pF7k4Y7CdKyqmTNq78TDXRv7Q7gie2vEMoHtmW2c/s1600/Los+Cazafantasmas+21.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="181" data-original-width="750" height="96" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgRp-0QLHGBUNs9bb8IEzl_vd5vwhyphenhyphenN1BUG-uYxzuZEYn6xpZNpzpWEOiD6KEekunZ2l4rkd-fbYEoea0IZZ9dSBOqYPoK1pF7k4Y7CdKyqmTNq78TDXRv7Q7gie2vEMoHtmW2c/s400/Los+Cazafantasmas+21.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;">14. Durante el enfrentamiento final con Gozer, Peck le grita a un policía que arreste a los Cazafantasmas.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWLFq6RSikyS-4f6JK7jMG0VBJWSRLZczsEh0qWBQ0rtxC9d0EkOXbEflrFqfi4FYwXF3BzWrCtlM51Yk1Wtedgp6naaVZHTZBulc88RJ8OwbLCOoZt3oHFkLUUNuVx7AEaKpv/s1600/Los+Cazafantasmas+22.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="181" data-original-width="750" height="96" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjWLFq6RSikyS-4f6JK7jMG0VBJWSRLZczsEh0qWBQ0rtxC9d0EkOXbEflrFqfi4FYwXF3BzWrCtlM51Yk1Wtedgp6naaVZHTZBulc88RJ8OwbLCOoZt3oHFkLUUNuVx7AEaKpv/s400/Los+Cazafantasmas+22.jpg" width="400" /></a></div>
<br /><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">Cuando se habla de <b>Los Cazafantasmas</b>, siempre se hace catalogándola de un clásico de la comedia, y si bien nunca la he considerado una obra maestra, he de admitir que es una película realmente simpática y memorable, por la que no pasa el tiempo.</div><div style="text-align: justify;">Son muchos los logros que posee. Por un lado, su enfoque es de lo más original, la idea de un grupo de hombres encargados de exterminar espectros tiene mucho gancho, y se gana nuestras simpatías de inmediato. Y además la película creó una gran mitología a su alrededor, la cual resulta icónica desde el minuto uno (en <b>Viernes 13</b>, por ejemplo, necesitaron tres entregas para ponerle una máscara a Jason). Las mochilas de protones, Moquete, Gozer, el Ectomóvil, el Hombre de Malvavisco gigante, el "¿A quién vas a llamar?", y el símbolo de "No ghost", ya forman parte de la cultura popular. Además sus responsables se preocupan por dar explicaciones técnicas a cosas que no tendrían porqué, pero se agradece que lo hagan, se nota el mimo y cuidado con el que está hecho todo.</div><div style="text-align: justify;">Otro de sus aciertos es lo bien que combina su mezcla de elementos, las escenas de terror son terroríficas, pero no se olvidan de ser divertidas, y eso es muy difícil. Además es una película de lo más espectacular, pero los efectos especiales ayudan a la historia, tienen un propósito. Y la película siempre mantiene su tono de comedia desenfadada, es decir, no trata de ser más de lo que es.</div><div style="text-align: justify;">Y la química entre los protagonistas es total, y son el corazón de la película. Murray está genial como ese canalla simpático que es Venkman. Pero es que sus compañeros de reparto le van a la zaga, con Aykroyd, Ramis y Moranis demostrando su gran vis cómica.</div><div style="text-align: justify;"><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEnlzCEl8ihXAnU6qhYDryum0XyPHPh9VK1CVV5f16krGdHV7x05fU8nWU_31I2cfiXwuYrjBzqSyKetmPGITNV6nsrUssqacIj5t9pVyPL-tXFFF8Hg7Zue2Zy7R0_vbRPpZd/s1600/Los+Cazafantasmas+24.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="214" data-original-width="500" height="170" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgEnlzCEl8ihXAnU6qhYDryum0XyPHPh9VK1CVV5f16krGdHV7x05fU8nWU_31I2cfiXwuYrjBzqSyKetmPGITNV6nsrUssqacIj5t9pVyPL-tXFFF8Hg7Zue2Zy7R0_vbRPpZd/s400/Los+Cazafantasmas+24.jpg" width="400" /></a></div></div><div style="text-align: justify;"><b>Los Cazafantasmas</b> es lo mejor que ha rodado Reitman en toda su carrera, siempre ha sido un buen director de comedia, pero aquí se nota muy cómodo en medio de una película de gran presupuesto y con notas de terror.</div><div style="text-align: justify;">La película sigue la senda del sentido de humor ya mostrado en producciones como <b>Granujas a todo ritmo</b> (1980), <b>El club de los chalados</b> (1980) o <b>El pelotón chiflado</b> (1981), lleno de improvisación y de un espíritu de lo más gamberro, pero aquí es llevado al territorio del fantástico con gran acierto.</div><div style="text-align: justify;">Pero veo en su estructura cosas que no funcionan del todo. El personaje de Winston está para dar información al público, es el típico novato que conoce el mundo de los protagonistas al mismo tiempo que nosotros, el problema es que creo que entra demasiado tarde en la historia, y que llegado un punto apenas aporta nada, si se eliminase de la película no se notaría. Supongo que es un problema arrastrado por los cambios en las sucesivas reescrituras del guión.</div><div style="text-align: justify;">Y otras cosas me parecen muy acertadas, aunque no lo parezcan a primera vista. Como lo irónico que resulta que el supuesto villano Walter Peck, en el fondo tiene razón, al creer que los Cazafantasmas son peligrosos. Manejan equipos nucleares y causan destrozos allá por donde van, por eso es más divertido ver como nadie le hace caso a Peck.</div></div><div><div style="text-align: justify;">Aunque suene a cliché, la ciudad de Nueva York se convierte en un personaje más, un lugar de diseño gótico, donde lo fantástico aguarda a la vuelta de la esquina. Pocas películas han hecho más atractiva a la Gran Manzana que ésta.</div><div style="text-align: justify;"><span style="text-align: left;">La película funciona como un tiro. Desde la excelente banda sonora de Elmer Bernstein, los efectos visuales (hay planos que hoy día siguen siendo perfectos), los actores nacieron para dar vida a sus personajes, la canción de Ray Parker Jr no podría ser más pegadiza, la historia es genial, así como la creación de los fantasmas y el diseño de producción. Parece que alguien tocó con una varita a este proyecto, es de esos raros casos donde todo encaja a las mil maravillas.</span></div><div style="text-align: justify;"><b style="text-align: left;">Los Cazafantasmas</b><span style="text-align: left;"> es un buen ejemplo de trabajo grupal, cada uno de los implicados dio lo mejor de si mismo, y el resultado fue esta divertida y entretenidísima comedia. No es una obra maestra, pero tampoco intentaba serlo. Es sólo pura diversión. Y es que cuando uno quiere pasarlo bien, ya sabe a quien tiene que llamar.</span></div><br /><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div>
<div style="text-align: justify;">El famoso logotipo de los Cazafantasmas fue obra de John Daveikis, un amigo de la facultad de Dan Aykroyd. Después Michael C. Gross, productor asociado a Reitman, se encargó de darle el toque final.</div><div style="text-align: justify;">Ernie Hudson inicialmente iba a poner la voz al personaje de Winston en la serie animada <b>Los auténticos Cazafantasmas</b> (1986-91), pero irónicamente no les convenció y terminaron contratando a Arsenio Hall, amigo de Hudson.</div><div style="text-align: justify;">Murray improvisó el momento que al entrar en el apartamento de Dana toca el piano y dice, <i>"No soportan esto."</i></div><div style="text-align: justify;">Weaver contaba que en una ocasión se produjo un incendio en su apartamento y que cuando uno de lo bomberos abrió la nevera le dijo: <i>"Mejor llama a los Cazafantasmas."</i></div><div style="text-align: justify;">En la portada de la revista Time que habla sobre los Cazafantasmas, se puede ver una foto del productor Michael C. Gross.</div><div style="text-align: justify;">Sigourney Weaver fue doblada por Ivan Reitman cuando es poseída por Zuul y suelta, <i>"Dana no existe, sólo Zuul"</i>. Por su parte, Paddi Edwards fue quien le puso voz a Gozer.</div><div style="text-align: justify;">Se creó un animatronic para el fantasma de la bibliotecaria que no fue usado, pero se recicló para la película <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/05/noche-de-miedo-1985.html" target="_blank">Noche de miedo</a></b> (1985).</div><div style="text-align: justify;">Rodando la escena en la que Stantz y Zeddemore cruzan un puente en el Ectomóvil, el coche se quedó sin gasolina, y ambos actores tuvieron que empujarlo para sacarlo del puente.</div><div style="text-align: justify;">La espuma que utilizaron para simular los restos del Hombre de Malvavisco era espuma de afeitar, y se volvía muy abrasiva pasadas las horas, tanto que algunos actores acabaron con erupciones y pequeños bultos en la piel.</div><div style="text-align: justify;">Está incluida en el libro <b>"1001 películas que debes ver antes de morir"</b> de Steven Jay Schneider.</div><div style="text-align: justify;">El Hombre de Malvavisco aparece en varias ocasiones a largo de la película, antes del clímax final. Dana tiene un paquete de malvaviscos al lado de los huevos que se fríen solos, y hay un anuncio de la marca Stay-Puft en un lateral de un edificio cuando los fantasmas son liberados por Walter Peck.</div><div style="text-align: justify;">Primera película del presentador Larry King, quien se interpreta a si mismo.</div><div style="text-align: justify;">La escena de la fiesta en el apartamento de Louis Tully fue prácticamente improvisada en su totalidad.</div><div style="text-align: justify;">Originalmente el Ecto-1 iba a estar pintado de negro, pero esto fue descartado cuando el director de fotografía László Kovács se dio cuenta de que la mayoría de escenas de conducción serían de noche y que costaría ver al coche. Al final se pintó de blanco.</div><div style="text-align: justify;">El encuentro entre Venkman y Dana en el Lincoln Center fue la primera escena que Murray y Weaver hicieron juntos.</div><div style="text-align: justify;">El actor porno Ron Jeremy tiene un cameo, como uno de los extras detrás de una barricada de la policía después que explote la instalación de almacenaje.</div><div style="text-align: justify;">Louis Tully, el futuro maestro de las llaves, se queda de puertas afuera en su casa hasta en tres ocasiones.</div><div style="text-align: justify;">A Kymberly Herrin, que interpreta al fantasma con el que sueña Stantz, tuvieron que hacerle un molde de su cuerpo para colocarla en una estructura y así simular que flotaba. Para ello, y según contaba John Bruno, los técnicos le aplicaron vaselina por todo el cuerpo con mucho cuidado, hasta que ella agarro la mano de uno de ellos, la colocó sobre su pecho y dijo, <i>"Venga, acabemos de una vez."</i></div><div style="text-align: justify;">Slavitza Jovan (Gozer) no podía llevar mucho tiempo las lentes de contacto rojas porque no veía nada con ellas y además le irritaban mucho los ojos.</div><div style="text-align: justify;">El ectoplasma estaba hecho de éter de metilcelulosa, un agente estabilizante, emulsionante y espesante utilizado en la industria alimentaria.</div><div style="text-align: justify;">Al público le ha costado separar a William Atherton del personaje de Walter Peck, tanto que poco después del estreno de la película, el actor se topó con varios autobuses llenos de niños, que al verle comenzaron a gritarle: <i>"¡Ey, sin pelotas!"</i>, como hace Murray en la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><b><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div></b></div><div style="text-align: justify;"><a href="https://ew.com/article/2014/11/07/1984-ghostbusters/" target="_blank"><b>1984: 'Ghostbusters'</b></a> (Entertainment Weekly, 7 nov 2014)</div><div>
<div style="text-align: justify;"><a href="https://www.esquire.com/entertainment/movies/news/a27498/ghostbusters-oral-history/" target="_blank"><b>An Oral History of Ghostbusters</b></a> (Esquire, 24 feb 2014)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/ivan-reitman-1798208079" target="_blank">Ivan Reitman</a></b> (AV Club, 17 may 2000)</div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/william-atherton-1798219915" target="_blank">William Atherton</a></b> (AV Club, 21 abr 2010)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/ernie-hudson-talks-oz-and-losing-out-on-the-ghostbuster-1798231857" target="_blank">Ernie Hudson talks Oz and losing out on the Ghostbusters cartoon</a></b> (AV Club, 13 jun 2012)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.avclub.com/one-mississippi-s-john-rothman-on-playing-lawyers-libr-1798254694" target="_blank">One Mississippi’s John Rothman on playing lawyers, librarians, and chess with Keanu Reeves</a></b> (AV Club, 18 nov 2016)</div></div><div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.vanityfair.com/hollywood/2014/06/ghostbusters-making-of" target="_blank">The Making of Ghostbusters: How Dan Aykroyd, Harold Ramis, and “The Murricane” Built “The Perfect Comedy”</a></b> (Vanity Fair, 4 jun 2014)</div></div><b><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (nº 41, 86, 87, 109, 145, 229)</div></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://graham-edwards.com/2012/04/10/revisiting-cinefex-17-ghostbusters-the-last-starfighter/" target="_blank">Revisiting Cinefex (17)</a></b> (Graham Edwards)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0087332/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.normaeditorial.com/ficha/libros-ilustrados/los-cazafantasmas-la-historia-visual-definitiva" target="_blank">Los Cazafantamas: La historia visual definitiva</a></b> (Daniel Wallace, 2015)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.gq.com/story/bill-murray-dan-fierman-gq-interview" target="_blank">Bill Murray Is Ready To See You Now</a></b> (GQ, 18 jul 2010)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.fromscripttodvd.com/richard_edlund_page_two.htm" target="_blank">Raiding The Mind Of Richard Edlund</a></b> (From Script to Dvd, 2002)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.rollingstone.com/movies/movie-news/bill-murray-the-rolling-stone-interview-39596/" target="_blank">Bill Murray: The Rolling Stone Interview</a></b> (Rolling Stone, 6 ago 1984)</div><div style="text-align: justify;"><b>Starburst Magazine</b> (nº 076)</div><div style="text-align: justify;"><b>Making Ghostbusters</b> (Don Shay, 1985)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.hollywoodreporter.com/tv/tv-news/reginald-veljohnson-talks-comedy-action-840152/" target="_blank">‘Family Matters’ Actor Reginald VelJohnson Says Everyone Still Thinks He’s a Cop</a></b> (The Hollywood Reporter, 16 nov 2015)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://nypost.com/2019/05/16/new-book-reveals-all-the-drama-behind-classic-comedy-movies/" target="_blank">The most hilarious comedies, from ‘Coming to America’ to ‘Ghostbusters,’ had a dark side: book</a></b> (New York Post, 16 may 2019)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.songwriteruniverse.com/ray-parker-jr-interview-2016.htm" target="_blank">Special Interview with Ray Parker Jr.</a></b> (Songwriter Universe, 18 dic 2016)</div><div style="text-align: justify;"><b>The Movies That Made Us</b> (Netflix, T1 E3)</div></div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com8tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-26397837821248868292019-07-01T10:05:00.003-07:002023-02-21T13:29:57.180-08:00El maquinista<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8p5291K4fkBIyaLngea7Vp-FouYcubWaI9xTYkRfOM3Chx8VsIKvafwUKvYJD9U7XFi8625Pio3pOG3CPg3YwwdaU5sqSlBnEn3rpI1bpJ-zej4GULITXNgoLwTNqOgrGmlwy/s1600/El+maquinista+01.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="366" data-original-width="720" height="202" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh8p5291K4fkBIyaLngea7Vp-FouYcubWaI9xTYkRfOM3Chx8VsIKvafwUKvYJD9U7XFi8625Pio3pOG3CPg3YwwdaU5sqSlBnEn3rpI1bpJ-zej4GULITXNgoLwTNqOgrGmlwy/s400/El+maquinista+01.jpg" width="400" /></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<i><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">"Si estuvieras más delgado ya no existirías."</span></i></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Trevor Reznik lleva un año padeciendo insomnio y experimenta una extrema delgadez, en ese momento comienza a dudar de su propia cordura.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">INSOMNIO</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El guionista Scott Kosar escribió el libreto que daría pie a <b>El maquinista</b> (The Machinist, 2004) en el año 2000, mientras estudiaba en un programa de escritura de guiones en UCLA, y tomó como referencia las novelas de Dostoevsky que estaba leyendo. <i>"No lo concebí como tarjeta de presentación para conseguir un representante,"</i> declaraba el guionista. <i>"Tampoco como una película de éxito veraniego. Fue algo más parecido a una confesión."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><i>"La idea se me ocurrió una noche en que regresaba a casa desde la parada del autobús,"</i> recordaba Kosar. <i>"En mi barrio hay una zona que siempre me ha parecido poéticamente desolada, un parque industrial atravesado por vías de tren. Al pasar por una de las factorías que hay allí, me detuve y eché una ojeada al interior. Recuerdo haber visto varios operarios anónimos trabajando en sus máquinas como si fueran meras extensiones de éstas. Me pregunté qué tipo de historias personales se cocían debajo de aquellos cascos protectores y monos grasientos. ¿Tienen los operarios crisis existenciales?"</i> Esa idea sumada a las novelas de Dostoevsky darían forma a su excelente guión.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El libreto le llegó a Brad Anderson a través de su agente y en seguida le encantó. El director buscaba dirigir un guión que no hubiera escrito, ya que hasta aquel momento todas sus películas habían sido escritas o co-escritas por él mismo. Según el director, Kosar, <i>"tenía esa manera de crear una especie de estado de ánimo y una atmósfera que era lo que yo buscaba hacer. Quería hacer una película que fuera en gran parte una obra de un personaje, pero que realmente se guiara por su atmósfera y por su tono. Así que me involucré en el proyecto desde el principio."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Anderson y Kosar llevaron el proyecto a diferentes estudios durante cerca de dos años y medio buscando financiación, pero la respuesta siempre fue la misma, que la película era demasiado oscura y ambigua.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJNOSmfQiMGV-PHbdda1_RtUZj1Fu8XFjRtPqnuLahkd_A3gq0r6LrjGZdYwCcvP_X_hh_hh34QMZOLZX3k8PfU35TSBWPsR9DR4cbQSFJc6-glYS_yJmsauEHpFfOUAS_P13Q/s1600/El+maquinista+02.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="720" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjJNOSmfQiMGV-PHbdda1_RtUZj1Fu8XFjRtPqnuLahkd_A3gq0r6LrjGZdYwCcvP_X_hh_hh34QMZOLZX3k8PfU35TSBWPsR9DR4cbQSFJc6-glYS_yJmsauEHpFfOUAS_P13Q/s400/El+maquinista+02.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Cuando empezaron a buscar actores para el papel de Trevor Reznik, se dio la causalidad que Christian Bale acababa de leer el guión y quería hacerlo. El actor estaba atravesando en aquel momento una depresión y después de leer el guión, <i>"soñaba con el personaje y no podía parar de pensar en ello. Me sentí como si esto fuera a salvarme el culo, y sacarme del estado de depresión en el que estaba metido." </i>Según reconocía el actor le llamó la atención la complejidad del guión. <i>"Me atrajo el hecho de que tuviera que leerme el guión tres y cuatro veces para hacerme mi propia idea de cuál era el significado profundo de la historia,"</i> afirmaba Bale.<i> "O por lo menos, el que yo quería darle."</i> Tras hablar con Anderson el papel fue suyo. El actor aceptó participar en la película a cambio de sólo 250.000 dólares.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La entrada de Bale no facilitó la realización de la película, la cual seguía sin financiación. Pero la ayuda llegó de España a través de la productora Filmax, donde había gustado la anterior película de Anderson, <b>Session 9</b> (2001). Antonia Nava, futura productora ejecutiva de la película, recibió el guión a través de un amigo que sabía de su deseo de trabajar con Anderson. Tras leerlo, Anderson recibió una propuesta de Filmax de financiarle su película a cambio de rodarla en España, algo que de entrada dificultaba la viabilidad del proyecto porque el guión de Kosar se situaba en San Pedro (Los Angeles).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Anderson viajó a España para hacer una exploración preliminar para ver si era posible rodar la película allí, y cuando se dio cuenta que podría hacerlo, dijo sí a Filmax.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El cambio de emplazamiento para el rodaje hizo que el guión tuviera que ser reescrito para tener lugar en un lugar indefinido de California. Además el bajo presupuesto con el que contó la película (5 millones de dólares) hizo que el guión tuviera que adaptarse a él, ya que estaba escrito para ser una película de mayor presupuesto.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7CzC_gIXhDRj8VoRfIbSgCrU1bS72zSNWkUP3A3VWxSbVCyjNDhfhyAskHqodER_5SlianGYjBMiDtFOsGJCeKD_2GuiDzninxiZ6p6IE9frpSvK-Rz7_AjbnuwDkn9pCC7ap/s1600/El+maquinista+03.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="720" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh7CzC_gIXhDRj8VoRfIbSgCrU1bS72zSNWkUP3A3VWxSbVCyjNDhfhyAskHqodER_5SlianGYjBMiDtFOsGJCeKD_2GuiDzninxiZ6p6IE9frpSvK-Rz7_AjbnuwDkn9pCC7ap/s400/El+maquinista+03.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Pronto se fue dando forma al reparto. Jennifer Jason Leigh fue una de las primeras actrices en las que pensó Anderson para el papel de Stevie. La actriz aceptó el papel aunque su manager le recomendó que no interpretase de nuevo a una prostituta, cosa que había hecho en el pasado varias veces, pero según la actriz, <i>"pensé que Stevie era una clase diferente de prostituta."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El canadiense Michel Ironside consiguió interpretar a Miller gracias a que era amigo de Kosar, quien lo recomendó para el papel.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La española Aitana Sánchez-Gijón fue contratada para el papel de Marie. Según la actriz lo que le atrajo de su papel fue que su personaje representaba, <i>"el contrapunto onírico a la desesperación del protagonista. Ella es una figura placentera, acogedora y comprensiva."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Y John Sharian se hizo con el papel del misterioso Ivan tras llamar la atención de Anderson en una audición, aunque también, como reconocía el director, influyó que,<i> "había algo realmente perverso en el hecho de que se parece a un joven Marlon Brando en <b>Apocalypse Now</b>."</i></span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El resto del reparto lo formaron Lawrence Gilliard Jr. (Jackson), Reg E. Cathey (Jones), Anna Massey (Mrs. Shrike), Matthew Romero Moore<span style="white-space: pre;"> </span>(Nicholas) y Craig Stevenson (Tucker).</span></div>
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<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
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<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">RODAJE</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La película inició su rodaje el 26 de mayo de 2003 y se prolongó hasta el 22 de julio del mismo año. Tuvo lugar en diferentes localizaciones de la ciudad de Barcelona, así como en sus proximidades, como en San Adrián de Besós, el Parque de Atracciones Tibidabo, el Hospital del Torax de Tarrasa (utilizado para escenas de interiores) o el Aeropuerto del Prat. <b>El maquinista</b> es una película con sangre española, ya que parte del compromiso de rodar la película en España incluía que tenían que utilizar a un número determinado de actores y miembros del equipo del país. Esto provocó que algunos actores tuvieron que ser doblados dado su acento marcadamente español.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El rodaje tuvo lugar en el inicio del verano y se llegaron a alcanzar temperaturas de hasta 40º, que no hicieron nada fácil la filmación. Quien mejor lo llevó fue Bale, cuya delgadez le ayudó a soportar mejor las altas temperaturas.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Recrear California en Barcelona no fue tarea fácil y tuvieron que llenar las localizaciones de objetos típicos de Estados Unidos, desde señales de tráfico, teléfonos públicos, matrículas, cigarrillos, y bebidas alcohólicas. Pero lo más difícil fue encontrar coches americanos en España. La mayoría los consiguieron de una base militar americana, ya que era costumbre importar coches de Estados Unidos para usarlos allí. El más complicado de conseguir fue el Firebird que conduce Ivan, el cual fue cedido a la película por un coleccionista privado (era uno de los dos únicos Firebirds que pudieron encontrar en España), quien para su arrepentimiento, el coche terminó sufriendo algunos desperfectos.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTIvDxyYwpkaYgUckaaYsCOnhTswCfqtWzmHz8o8Nz28vaiV7xu_ooyYvhlyH4724fWCregYk8FM0wXh5BGzDrfi63jgcjTraYyapQvTo0lj0wadBj4_2ibqhlHNggV_zZYt0_/s1600/El+maquinista+04.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="720" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgTIvDxyYwpkaYgUckaaYsCOnhTswCfqtWzmHz8o8Nz28vaiV7xu_ooyYvhlyH4724fWCregYk8FM0wXh5BGzDrfi63jgcjTraYyapQvTo0lj0wadBj4_2ibqhlHNggV_zZYt0_/s400/El+maquinista+04.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Lo más recordado de la película es la asombrosa transformación física de Bale, quien para meterse en la piel de Reznik (descrito en el guión como un esqueleto viviente), llegó a perder cerca de 28 kilos para quedarse en unos escasos 54 kilos de peso. El papel no exigía una reducción de peso tan extrema, de hecho, Anderson nunca lo alentó a hacerlo, pero según reconocía el actor, <i>"cuando acabé de leer el guión comprendí que si no lo hacía, el personaje no tenía ningún sentido para mí."</i> En el guión estaba indicado ese peso, pero Kosar había escrito el papel para alguien de estatura más baja que Bale (el guionista se tomó a si mismo como referencia), pero el actor lo afrontó como un desafío para ver si podía conseguirlo. Además Bale utilizó como referente una foto del cantante Hank Williams demacrado, en cuya imagen se basó para componer, según el actor, <i>"lo que Trevor debería ser."</i> Su "dieta" se basó básicamente en café, una manzana y una lata de atún al día, además de algún suplemento de vitaminas y minerales. No consultó a ningún médico, pero tuvo siempre a su lado a un dietista que le aconsejaba que tenía que hacer. Bale necesitó de cuatro meses para perder todo el peso. Su voz cambió, y al igual que su personaje, comenzó a padecer de insomnio. <i>"Todo ello contribuyó a que pudiera profundizar mejor en mi papel,"</i> declara el actor. <i>"Porque no tenía más remedio que estar 24 horas en su piel. Cuando llegaba a casa y me miraba en el espejo, era a él a quien veía."</i></span></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Después de rodar la escena en la que Reznik se burla delante de Stevie de su delgadez, Bale empezó a ganar peso. El actor recuperó su masa muscular a tiempo para el rodaje de <b>Batman Begins</b> (2005).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Anderson no tuvo un rodaje tan placentero como cabría esperar, ya que pasó la mayor parte del mismo con muletas debido a que se había torcido un tobillo y se lastimó un tendón. Después de terminar con las muletas, el director se dañó la espalda llegando a rodar la película desde una camilla.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Rodaron en las auténticas alcantarillas de Barcelona la escena en la que Trevor escapa de la policía. Bale demostró una vez más su entrega a la película, al negarse a utilizar un calzado especial, así que rodó la escena caminando por aguas con desperdicios reales con un calzado corriente y sin protección</span></div><div style="text-align: justify;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Una vez pasaron seis meses del final de la fotografía principal, y </span>Christian Bale se encontraba ya trabajando en <b>Batman Begins</b>, rodaron la escena del atropello con el actor habiendo recuperado su peso normal.</span></div>
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<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbT1Kh4vjTe9XyAepJ595VsgcUtJfktzB29YhMj4JwYIUqmxBKAVz0fFS4fNge2CySrdodX1pbzEhz9S0kAmc-N4cDIHMIKynxvjZZzhgpq1hvK8PfOi71Noy_XI2ysRXKzoSG/s1600/El+maquinista+05.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="720" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjbT1Kh4vjTe9XyAepJ595VsgcUtJfktzB29YhMj4JwYIUqmxBKAVz0fFS4fNge2CySrdodX1pbzEhz9S0kAmc-N4cDIHMIKynxvjZZzhgpq1hvK8PfOi71Noy_XI2ysRXKzoSG/s400/El+maquinista+05.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><i>"El look de la película se inspiró en la austeridad expresionista de los primeros films de terror,"</i> afirmaba Anderson. <i>"Como <b>El gabinete del Dr. Caligari</b>, <b>Nosferatu</b> y <b>Vampyr</b>, así como en las sombrías y sugerentes películas producidas por Val Lewton en los años cuarenta, como <b>Yo anduve con un zombie</b> y <b>La 7ª víctima</b>."</i> De esa forma el director de fotografía de la película, Xavi Giménez (<b>Darkness</b>), trabajó con una paleta de colores muy poco iluminada, que le sentó como anillo al dedo al tono oscuro buscado para la película. Ese estilo visual tan peculiar se terminó consiguiendo al filmar primero la película en 35mm para después pasarla a HD y hacer una corrección digital del color. De esa forma pudieron extraer el color y darle a la película un aspecto metálico. La idea era conseguir, <i>"que la película fuera la combinación de colores del metal de una máquina, ese tipo de brillo púrpura-gris-azulado,"</i> explicaba Anderson. Así la fotografía se acercaba a como ve el mundo alguien quien padece insomnio, ya que esas personas pierden la capacidad de ver colores brillantes. Lo que es un acierto genial por parte de los responsables de la película.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Roque Baños (<b>No respires</b>) fue recomendado a Anderson por la gente de Filmax, para componer la banda sonora, y nada más conocerse ambos congeniaron. Inicialmente Anderson tenía previsto utilizar una partitura similar a la de <b>Session 9</b>, <i>"casi sería un collage de sonido,"</i> según afirmaba el director. Pero tras ver <b>Ultimátum a la Tierra</b> (1951) en televisión, la banda sonora de Bernard Herrmann con su ya clásico uso del theremín, hizo que Anderson quisiera utilizar ese instrumento en la partitura de su película. <i>"Pensé que la música necesitaba tener una especie de locura, una cualidad paranoica, y el theremín definitivamente captura eso,"</i> explicaba Anderson. Baños guiado por el director compuso una banda sonora con influencias de Herrmann.</span></div><div style="text-align: justify;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Anderson escogió a Luis de la Madrid como montador para la película por ser un habitual de Filmax. El español editó la película en Nueva York con el director durante varios meses</span>.</div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW5JWP4kbA1yyPLf2NuU7r4y-DxLPrA2xS7tzfxyBmd5oSgJXHjaynQXey2lw1YzQ1xEk4HGPw319lTv6y7BNvy2XBgKJbazs7htsfCO2_ZFgt3nUbEbNQ3x9OMSfvOK8wC8Dt/s1600/El+maquinista+06.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="720" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgW5JWP4kbA1yyPLf2NuU7r4y-DxLPrA2xS7tzfxyBmd5oSgJXHjaynQXey2lw1YzQ1xEk4HGPw319lTv6y7BNvy2XBgKJbazs7htsfCO2_ZFgt3nUbEbNQ3x9OMSfvOK8wC8Dt/s400/El+maquinista+06.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La película tuvo un estreno limitado en Estados Unidos el 22 de octubre de 2004, después de haber pasado por varios festivales como los de Sundance, Berlin o Toronto. Tuvo una tibia acogida en la taquilla recaudando en territorio norteamericano tan solo 1.082.715 de dólares. Siendo su recaudación a nivel mundial de 8.203.235 de dólares. En España congregó a 156.268 espectadores y recaudó 793.984€.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Tuvo una mejor acogida crítica, recibiendo alabanzas de forma unánime. Increíblemente la interpretación de Bale fue ignorada por los Oscar, aunque la película pronto se convirtió en un film de culto gracias al boca a boca propiciado por méritos propios, e impulsado por el gran trabajo del actor.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
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<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">VALORACIÓN</span></b></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><b>El maquinista</b> nos habla de un hombre consumido por la culpa y como su cuerpo es el reflejo de ello. Su extrema delgadez le provoca el insomnio, y el no dormir le provoca a su vez alucinaciones, llegando a un punto que no sabe diferenciar lo que es realidad y que es fantasía.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La película se mueve en un mundo onírico que va tendiendo hacia la pesadilla. ¿Nunca habéis tenido un sueño en el que habéis hecho algo horrible y cuando os despertáis por un momento dudáis de si ha sucedido realmente o no? La película pone en imágenes esa angustiosa idea.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El giro final es todo un shock cuando descubrimos, no sólo que Trevor atropelló al hijo de Marie y se dio a la fuga, si no que es él mismo, o mejor dicho su conciencia, quien estuvo siempre haciéndole la puñeta. Hay algo latente en su subconsciente, una verdad que quiere salir a la superficie y que simplemente busca la forma de hacerlo.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La primera frase de la película es la pregunta a Trevor, <i>"¿Quien eres?"</i> Él no lo sabe. ¿Es un muerto en vida? ¿La víctima de una conspiración? ¿Una buena persona? La película es un viaje de autodescubrimiento. Trevor trata de averiguar quien le está haciendo la vida imposible para terminar descubriendo que esa persona es él mismo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj44xn0gz6_aSu_4JlntaHuZ-X__M8PR1EtiewJgs6s8FDIexiPZnzQ7KeL-lM_s1PaFGqVWUCQLOVNy9Jzlh6bP92d7HZorRp4zH2_KHdecoOl79qRr75gzyYNnGUHain0xLoG/s1600/El+maquinista+07.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="720" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEj44xn0gz6_aSu_4JlntaHuZ-X__M8PR1EtiewJgs6s8FDIexiPZnzQ7KeL-lM_s1PaFGqVWUCQLOVNy9Jzlh6bP92d7HZorRp4zH2_KHdecoOl79qRr75gzyYNnGUHain0xLoG/s400/El+maquinista+07.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Toda la película ocurre en la cabeza de Trevor y vemos la historia según su punto de vista. Todas las piezas del rompecabezas encajan perfectamente y todas las pistas están siempre ahí. Ya en la atracción de la "Ruta 666", Trevor atropella a un niño de cartón. Además el protagonista siempre se deja post-its a si mismo con recordatorios, y el misterioso juego del ahorcado no deja de ser uno más. Ivan se aparece por primera vez ante Trevor cuando éste se queda dormido en su furgoneta y no descubrimos que le falta una mano hasta después de que Miller pierda la suya, lo que nos demuestra que Ivan es la representación de la conciencia de Trevor, un reflejo deformado de si mismo, que trata que la verdad salga a la luz.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Hay detalles que denotan la presencia en la sombra de la conciencia del personaje. Así se explicaría que es Trevor quien activa la máquina en la que tiene metido el brazo, ya que se siente culpable por haberle hecho perder el suyo a Miller y su conciencia quiere hacer que él también pierda uno.</span></div>
<div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Hay otros detalles que me gustan, como la sugerencia de que Trevor seguramente extrajo los nombres de Marie y su hijo Nicholas, de la novela de <b>"El idiota"</b> (libro que lee en un momento de la película), donde hay dos personajes con esos nombres. Los relojes eternamente parados a la 1:30 (la hora de su crimen). O que durante toda la película vayan apareciendo sutilmente objetos de Trevor en diferentes lugares presagiando el final (como el tocadiscos, el muñeco rojo y el bol de cristal en el piso de Marie, o el coche de juguete rojo visto en una foto de Trevor que está en el pasillo donde vive Stevie).</span></div>
</div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Trevor se niega a ser feliz por los remordimientos que guarda en su interior, Stevie puede ser su salvación, ella quiere estar con él, pero él se sabotea a si mismo y también la pierde. Sólo encuentra la paz cuando se entrega a la policía y confiesa lo que ha hecho, así por fin consigue dormir y estar en paz consigo mismo.</span></div>
<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;">
<a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOyiWxkWtwt7b57FiRpgDrxAzzopcoIchxA-tKiKyb1pukH6IXD9ASOKZkKpYyElVsQnbmnTDW2mD6a1t05Qp0Yu0zKlrgBHLlAW9-nGeff19Cs-GliJuWXvWmK9MTcxw0O61B/s1600/El+maquinista+08.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><img border="0" data-original-height="320" data-original-width="720" height="177" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhOyiWxkWtwt7b57FiRpgDrxAzzopcoIchxA-tKiKyb1pukH6IXD9ASOKZkKpYyElVsQnbmnTDW2mD6a1t05Qp0Yu0zKlrgBHLlAW9-nGeff19Cs-GliJuWXvWmK9MTcxw0O61B/s400/El+maquinista+08.jpg" width="400" /></span></a></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La interpretación de Bale es increíble, y su entrega al papel es encomiable. El británico nos hace sentir su dolor y angustia de una forma única, y hay que reconocer que el haber perdido todo ese peso hace más auténtica e impactante su interpretación. Es fascinante verlo en pantalla siendo un esqueleto andante. Él hace que la película sea especial y siempre será recordada por su impresionante transformación física.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Con <b>El maquinista</b> Anderson filmó la que es su mejor película y se consolidó como un talento en alza. Después nunca realizaría una película tan brillante, pero aquí dio en el clavo, creando una obra oscura y adulta con múltiples lecturas y matices.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><b>El maquinista</b> es uno de los mejores thrillers psicológicos que se hayan filmado (y una de las mejores películas producidas en España). Juega a deambular entre la realidad y la ficción sin que sepamos hasta su inolvidable final que es real y que no. Oscura, kafkiana y siempre fascinante. Es una película que consigue quitarte el sueño.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif"><br /></span></div>
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<b><span face=""trebuchet ms" , sans-serif">CURIOSIDADES</span></b></div>
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<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">En la escena del metro se puede ver un póster de la película <b>Rottweiler</b> (2004), otra producción de Filmax Group y Julio Fernández.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Para ayudarse a perder el apetito Christian Bale comenzó a fumar durante su dieta extrema.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">El personaje de Michael Ironside sufre una amputación, como le sucede en otras películas de su carrera como <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/05/desafio-total.html" target="_blank">Desafío total</a></b> (1990), <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com.es/2015/02/starship-troopers.html" target="_blank">Starship Troopers</a></b> (1997) y <b>Guy X</b> (2005).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Hay en la película un par de referencias a Dostoevsky. En un momento de la película Trevor lee <b>"El idiota"</b>. Y dentro de la atracción de la "Ruta 666" se ve un cartel que indica "Crimen y castigo", título de otra de las novelas del escritor ruso.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Cuando Bale empezó a recuperar su peso, lo cual hizo demasiado rápido, descubrió que tenía el colesterol de una persona de 90 años.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Fue nominada a los Premios del Cine Europeo y Saturn en la categoría de mejor actor (Christian Bale). En los premios Goya fue nominada en la categoría de mejor música original (Roque Baños). Y en el Festival de Sitges se llevó los premios al mejor actor (Christian Bale) y mejor fotografía (Xavi Giménez).</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La matrícula del coche de Ivan es "743CRN", justo el contrario que la de la furgoneta de Trevor "NRC347".</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Cuando Trevor introduce el nombre de Miller en el juego del ahorcado, al muñeco le falta el mismo brazo que a Miller.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Dada su delgadez Bale encontró difícil realizar tareas tan simples como correr porque básicamente no tenía músculos en las piernas.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">En la escena en la que Trevor lleva a Marie y su hijo conduciendo a casa en su furgoneta, cuando se detienen, se puede ver al fondo a dos hombres sentados. Según Brad Anderson, se trataba de dos drogadictos que estaban inyectándose heroína mientras rodaban la escena.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">La 1:30 es importante en la trama de la película, curiosamente aproximadamente a la hora y treinta minutos de película se revela el gran giro de la historia.</span></div>
<div style="text-align: justify;">
<span face=""trebuchet ms" , sans-serif">Scott Kosar, fan del grupo Nine Inch Nails, tomó el nombre de su líder Trent Reznor para dar nombre a su protagonista Trevor Reznik. Incluso en el guión original había una cita de sus letras en la primera página. Además el guionista quería una banda sonora del grupo para la película, pero Anderson tomó otro camino.</span></div>
Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com9tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-68296309547543313072023-01-21T01:00:00.001-08:002023-01-21T16:09:37.237-08:00El único<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPJ-ISSgR3ROz20_4P8BTFc_YMq8vlW4-EQI1rMjV4FLidO5qfxJ0Hc5zHQo4_wSXRvo4Q6weFoAipiME-3UNDuPjT3k2bqQPab24BHXKKP91D9l2ywYFA5mDC6VMiXenre_-LC0cqhF-Wve2SoL28n7Pw7BeUzgTfxYVp8V3AWZj-6IVU/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2001.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="375" data-original-width="500" height="300" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgPJ-ISSgR3ROz20_4P8BTFc_YMq8vlW4-EQI1rMjV4FLidO5qfxJ0Hc5zHQo4_wSXRvo4Q6weFoAipiME-3UNDuPjT3k2bqQPab24BHXKKP91D9l2ywYFA5mDC6VMiXenre_-LC0cqhF-Wve2SoL28n7Pw7BeUzgTfxYVp8V3AWZj-6IVU/w400-h300/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2001.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Este artículo contiene <span style="color: red;">spoilers</span>, no leer si no se quiere conocer partes esenciales de la trama de la película.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Un hombre salta de un universo a otro matando a otras versiones de si mismo para asumir sus poderes. Sólo la última versión de si mismo puede detenerle.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">El multiverso se ha puesto moda gracias a <b>Spider-Man: Un nuevo universo</b> (2018), <b>Spider-Man: No Way Home</b> (2021), <b>Doctor Strange en el multiverso de la locura</b> (2022) y <b>Todo a la vez en todas partes</b> (2022), pero años antes de todas estas películas, hubo una que ya trató el tema de los universos paralelos, y esa fue <b>El único</b> (The One, 2001). Como la propia película esta reseña formará parte de un multiverso, ya que el mismo día que se publica también lo hará otra reseña de <b>El único</b> en el universo de <a href="https://cinemadreamer.wordpress.com/2023/01/21/el-unico-the-one-de-james-wong/" target="_blank">Cinema Dreamer</a>, de esa forma tendréis la oportunidad de tener dos reseñas distintas sobre la misma película, pudiendo comparar opiniones y diferentes puntos de vista. Un multiverso a la medida de la película. Espero que lo disfrutéis.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>EL MULTIVERSO DE LA LOCURA</b></div><div style="text-align: justify;">En abril de 2000, James Wong y Glen Morgan (artífices de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/07/destino-final.html" target="_blank">Destino final</a></b>) asistieron a un partido de béisbol en compañía de su agente, quien durante el juego les propuso que hicieran una película con Dwayne Johnson, el cual era también cliente suyo. Inicialmente ambos se negaron, pero tras la insistencia de su agente aceptaron darle una oportunidad. En aquel momento Johnson aún no había estrenado el que fue su debut como actor <b>The Mummy Returns</b> (2001), y era principalmente conocido por ser un luchador de la WWF.</div><div style="text-align: justify;">Wong y Morgan tuvieron la idea de enfrentar a la estrella contra si misma gracias a la existencia de los universos paralelos. Morgan había estado leyendo sobre el tema, y durante un viaje en coche a Las Vegas, él y Wong comenzaron a darle vueltas sobre realizar una película partiendo de ese punto de partida. Le presentaron la idea a Joe Roth de Revolution Studios, a quien le gustó de inmediato e hizo una oferta para producir la película. Escribieron el guión de <b>El único</b> en tan solo cinco o seis semanas, y lo presentaron un viernes, el martes ya tenían luz verde. La película sería distribuida por Columbia Pictures. El problema surgió cuando Dwayne Johnson salió del proyecto, en unas declaraciones Morgan dijo que Vince McMahon, jefe de la WWF no permitió que Johnson hiciera la película, y en otras que la razón de que la estrella dejara el proyecto fue que decidió hacer <b>El rey escorpión</b> (2002). Sea como fuere, esto podría haber sido el final de la película, pero Revolution Studios creía en el proyecto y Todd Garner, jefe de producción del estudio, creyó que podía ser el vehículo perfecto para Jet Li, así que voló a París para reunirse con el actor, quien se encontraba rodando allí <b>El beso del dragón</b> (2001). Por suerte a Li le gustó el guión, y en tan solo unos días aceptó protagonizar la película.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLvduU41FWEOcqt6v-vTyJelPm1FHUJDk4VeIXRIaxE-r7ous7isq2TZQOXloypzFPUfzAhngP2bEgIxIGFCkixglXWLiFASGrzbuKed76jHlSgKFDeD3wDpjsrvpoUwfzVUpASlURyBpBNHuTDEZRk_zeaALjEf7W3ihg2fvSt8Km6LND/s716/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2002.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="292" data-original-width="716" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhLvduU41FWEOcqt6v-vTyJelPm1FHUJDk4VeIXRIaxE-r7ous7isq2TZQOXloypzFPUfzAhngP2bEgIxIGFCkixglXWLiFASGrzbuKed76jHlSgKFDeD3wDpjsrvpoUwfzVUpASlURyBpBNHuTDEZRk_zeaALjEf7W3ihg2fvSt8Km6LND/w400-h164/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2002.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;"><i>"Me interesé de inmediato,</i>" explicaba Li a <b>Starlog</b>. <i>"Me gustaron los aspectos de ciencia ficción y el hecho de que interpretaría a un personaje real. También percibí la espiritualidad y la filosofía de la historia."</i></div><div style="text-align: justify;">Dadas las diferencias entre Li y Johnson, las escenas de acción y peleas cambiaron para adaptarlas al actor asiático. <i>"Cuando vi el guión por primera vez, era una típica película de acción-ciencia ficción estadounidense,"</i> contaba Li a <b>Cinefantastique</b>. <i>"Pero después de que me contrataran, dije: 'Espera un momento. Me gusta la idea, pero tenemos que hacer algo con las artes marciales'."</i></div><div><div style="text-align: justify;">Li se trajo al guionista Robert Mark Kamen, amigo suyo y con quien había trabajado en <b>El beso del dragón</b> (2001), para realizar una reescritura. Kamen se preocupó en desarrollar a los personajes y sus motivaciones. Se le atribuyó a los dos personajes interpretados por Li, un arte marcial especifico, que encajaba con la filosofía y forma de ser de cada uno. El villano utiliza el 'Hsing Yi', de movimientos agresivos y de rango corto, ya que es alguien que va directo para conseguir su objetivo; y el bueno usa el 'Ba Gua', que se basa en realizar trayectorias circulares y en mantener el equilibrio como el yin y el yang, ya que el personaje trata de estar centrado y en calma a lo largo de la película.</div><div style="text-align: justify;">Así se incluyeron las creencias budistas del actor en la película, y además se redujeron los diálogos de sus personajes, dadas sus dificultades con el inglés. <i>"Con The Rock, no tenías que escribir muchos diálogos,"</i> explicaba Morgan a <b>Entertainment Weekly</b>. <i>"Con Jet, son incluso menos."</i></div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>REPARTO</b></div><div style="text-align: justify;">Jet Li se encargó de dar vida a tres personajes distintos, Gabe, el bueno de la historia; Yulaw, su doble malvado de otro universo; y Lawless, otro de sus dobles en el universo visto al comienzo de la película. El actor cobró un sueldo de 7,5 millones de dólares por su participación en la película.</div><div style="text-align: justify;">Delroy Lindo se hizo con el papel de Roedecker, un agente de la policía del multiverso con la misión de atrapar a Yulaw. A Wong le había gustado su interpretación en <b>Las normas de la casa de la sidra</b> (1999), y por suerte para él, el actor aceptó participar en la película. Lindo y Li habían trabajado juntos previamente en <b>Romeo debe morir</b> (2000).</div><div style="text-align: justify;">Jason Statham se encargó de interpretar a Funsch, compañero de Roedecker. Wong quiso que el británico cambiase su acento, lo que fue un reto para el actor.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK0ldxnjhIp9NNaU5d7makb5gLMk4IVm4CjOG4fEy3V2Zw_V-x9d1RHJ-uykPUVc4vpi41UgAVaJmH5dtiJFcSxIeQ6DBmU2PjUQLv43_XRLHVPekBgK3AEp0fdsXN9z7sJUCPmkY50V2q_82fZEtTZN-iS1khOtiz29hXk1U6df3jOcSW/s716/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2003.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="292" data-original-width="716" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjK0ldxnjhIp9NNaU5d7makb5gLMk4IVm4CjOG4fEy3V2Zw_V-x9d1RHJ-uykPUVc4vpi41UgAVaJmH5dtiJFcSxIeQ6DBmU2PjUQLv43_XRLHVPekBgK3AEp0fdsXN9z7sJUCPmkY50V2q_82fZEtTZN-iS1khOtiz29hXk1U6df3jOcSW/w400-h164/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2003.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Carla Gugino fue escogida para trabajar en la película sin hacer ningún tipo de audición, y se unió a la producción en el último minuto. Como Li, la protagonista de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2019/06/snake-eyes.html" target="_blank">Snake Eyes</a></b> interpreta a tres personajes distintos a lo largo de la película; a T.K., la mujer de Gabe; en otro universo interpreta a una veterinaria; y por último a la femme fatale Massie, socia de Yulaw, y que la actriz definía como, <i>"una versión humana de Jessica Rabbit."</i></div><div style="text-align: justify;">El resto del reparto lo formaron James Morrison (Aldrich), Dylan Bruno (Yates), Richard Steinmetz (D'Antoni), Steve Rankin (supervisor de la MVA), Tucker Smallwood (como un guardia de prisión), Harriet Sansom Harris (enfermera Besson), Dean Norris (sargento Siegel).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>RODAJE</b></div><div style="text-align: justify;">La fotografía principal comenzó el 29 de enero de 2001, y se extendió durante más de 70 días. La película se rodó en California, utilizando localizaciones como por ejemplo, la planta de energía de Redondo Beach (para la pelea final entre Gabe y Yulaw), el "Sybil Brand Institute" de Monterrey (la cárcel vista al comienzo de la película), y el "North Hollywood Medical Center" (escenas del hospital), además de utilizar localizaciones de Glendale, Torrance, Valley Village y del centro de Los Angeles. También se filmó en el "Los Angeles Center Studios". Y en el estudio 27 de los Universal Studios, se construyó la "Penitenciaria Stygian" del Universo Hades.</div><div style="text-align: justify;">Rob McLachlan fue el director de fotografía, quien ya había trabajado con Wong en <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/07/destino-final.html" target="_blank">Destino final</a></b>. Para crear diferencias entre los distintos universos, jugó con los colores que utilizaban. En el universo con el que empieza la película (Universo A o Universo Anubis), usó geles lavanda que reforzaban la imagen de un mundo futurista. En el universo al que pertenecen Yulaw y Roedecker (simplemente conocido como Multiverso), McLachlan modificó en post-producción los colores para que tuviera un aspecto monocromático. Y en el que denominaron como Universo Feliz decidió usar colores saturados.</div><div style="text-align: justify;">Para mostrar a Yulaw como un ser superpoderoso que se mueve a gran velocidad, McLachlan tuvo la idea de utilizar luces estroboscópicas combinadas con luz normal, y lo puso en práctica en la escena en la que el villano adelanta corriendo a un coche. Para ello colocó en línea treinta luces estroboscópicas, que crearon el efecto de ver a Yulaw moviéndose a toda velocidad.</div><div style="text-align: justify;">El diseñador de producción fue David L. Snyder (<b>Blade Runner</b>, <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/08/demolition-man.html" target="_blank">Demolition Man</a></b>), y se encargó de crear los cinco universos vistos en la película. Para los universos A (que durante la producción llamaron "tiempo presente") y C (denominado "futuro cercano"), que son muy similares, Snyder hizo pequeños cambios apenas perceptibles en cada uno. Hay una escena que se repite en ambos universos, que fue rodada en el mismo lugar, pero en la que se cambiaron los vehículos, las señales, las armas, y los uniformes, además de la textura de la imagen mediante la iluminación, para crear pequeñas diferencias.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYqVyIx2vxlGu1-wDC1QPQW45FQKzT8nGGVX9UhcjxEiPFTs_6XTe-0xXjkoQi0eejbuLyW0rKscAjgMdJ9nKB98Hve6mbYStkFRt3pZA2yYl9hPMylEpK09blyz9Lp9ocxrj-rqw5AQcN8zeIeifaFhLjpx2GUuli9iY0A0mFRRESdQXN/s716/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2004.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="292" data-original-width="716" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEiYqVyIx2vxlGu1-wDC1QPQW45FQKzT8nGGVX9UhcjxEiPFTs_6XTe-0xXjkoQi0eejbuLyW0rKscAjgMdJ9nKB98Hve6mbYStkFRt3pZA2yYl9hPMylEpK09blyz9Lp9ocxrj-rqw5AQcN8zeIeifaFhLjpx2GUuli9iY0A0mFRRESdQXN/w400-h164/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2004.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Lo más importante de la película son sus espectaculares escenas de lucha. El encargado de coreografiarlas fue el gran Corey Yuen (<b>Transporter</b>, <b>Lord Dragón</b>). Como Yuen se encontraba trabajando en <b>El beso del dragón</b> en Francia, sólo comenzó a trabajar en las escenas de <b>El único</b> tres semanas antes de que empezara el rodaje. El equipo de Yuen era totalmente chino, así que el asistente del director de peleas Jonathan Ke Quan (el recordado Data de <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2006/11/los-goonies.html" target="_blank">Los Goonies</a></b>), y el asistente del coordinador de peleas, David Lai, hicieron de traductores entre los actores de habla inglés y el equipo de Yuen.</div><div style="text-align: justify;">Incluso aquellos actores que no estaban familiarizados con la artes marciales quisieron realizar por si mismos las escenas de lucha. Para eso fueron sometidos a entrenamiento. Lindo no quiso que un doble le sustituyera en la pelea que tiene con Li. Por su parte Statham quiso aprender kung fu, y Yuen le enseñó algunos movimientos. El británico llegó a realizar la mayoría de sus escenas de riesgo, como aquella en la que tiene que caminar sobre una tubería a 5 metros de altura, que hizo sin utilizar ningún tipo de protección.</div><div style="text-align: justify;">La escena más compleja de la película fue la pelea final entre los dos Jet Li, que requirió de cuatro semanas de rodaje. La dificultad no sólo erradicaba en tener al mismo actor peleándose consigo mismo, además debía producirse contacto entre ambos personajes y para rizar más el rizo, ambos estarían moviéndose a diferentes velocidades. Normalmente rodaban durante un día las tomas de Li interpretando a uno de los personajes, para el día siguiente rodar las del otro. Para hacer realidad esta escena y los otros enfrentamientos entre el bueno y el villano, entró el equipo de efectos visuales, supervisado por Eric Durst. Utilizaron una técnica mediante la cual podían colocar digitalmente la cara del actor sobre la de un doble, el cual llevaba una máscara de color verde. También gracias a los efectos visuales consiguieron en un mismo plano tener a diferentes personajes moviéndose a distintas velocidades, y pudiendo tocarse entre ellos. Para la secuencia inicial en la que Yulaw pega a cuatro policías que se mueven más despacio que él, decidieron después de realizar varias pruebas, que la mejor solución era crear a los policías mediante CGI. A la hora de rodar esta escena, Li tenía como referencia unas pelotas de tenis. Utilizaron otro método para el momento en que Gabe lucha contra Yulaw en la fábrica, y hay una lluvia de chispas a su alrededor, que se produce a una velocidad más lenta, para ello filmaron a Li y a un doble a 24 fotogramas por segundo, y el fondo con las chispas lo filmaron a 120 fotogramas por segundo.</div><div style="text-align: justify;">Yuen trabajó mano a mano con Gary Hymes, el director de segunda unidad y coordinador de especialistas, quien para ayudar en las escenas de lucha utilizó todo tipo de técnicas, como el uso de cables, morteros de propano para crear bolas de fuego o trinquetes.</div><div style="text-align: justify;">Para la escena en la que Yulaw huye de la policía y salta de un puente de la autopista a otro, se hizo mediante el uso de una grúa y un trinquete neumático, que sumado a un dispositivo desacelerador permitió a un doble de Li realizar tan imposible salto.</div><div style="text-align: justify;">El presupuesto fue siempre un problema, ya antes de empezar a rodar tuvieron que recortarlo en 10 millones de dólares. Para conseguirlo se eliminó una persecución automovilística que sucedía tras el asesinato de T.K., cuando Funsch recoge en su coche a Gabe. Y durante el rodaje siguieron los problemas con el dinero, estaba previsto una gran pelea entre Funsch y Gabe en la estación de tren, pero como la película se estaba yendo de presupuesto, tuvieron que reducirla a una simple patada.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkQumbU_CP6IOy3vkkacQKyJYod9-2AbEUCbUEATWjREj3wlIcj2aPKvIOEQLupdTiaMkyzHU2SDMUFKUfp47-Z8A4_37Rz8XqLJzD4fpe88gOeaBZP4ycr6Il_0U_ZxLnSjUiCTC8vedi2XuHLLI-l3nWg9woQuoo4I11KfbUndVlOJ8T/s716/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2005.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="292" data-original-width="716" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEjkQumbU_CP6IOy3vkkacQKyJYod9-2AbEUCbUEATWjREj3wlIcj2aPKvIOEQLupdTiaMkyzHU2SDMUFKUfp47-Z8A4_37Rz8XqLJzD4fpe88gOeaBZP4ycr6Il_0U_ZxLnSjUiCTC8vedi2XuHLLI-l3nWg9woQuoo4I11KfbUndVlOJ8T/w400-h164/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2005.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Tras los primeros pases de prueba, se realizaron varios cambios en la película. Se añadió la escena del prólogo con la explicación de como funcionan los multiversos, ya que los ejecutivos de Revolution Studios creyeron que así el público se perdería menos con la película. Y se rodó la escena en la que Yulaw se enfrenta a unos policías y utiliza sus motos como arma, ya que Todd Garner creyó que la película necesitaba más acción en la parte central de la película.</div><div style="text-align: justify;">La producción se terminó a marchas forzadas para tenerla lista para la fecha del estreno. Los efectos visuales de la escena en la que Yulaw, Roedecker y Funsch viajan a través de la puerta estelar se terminaron sólo dos semanas y media antes del estreno de la película.</div><div style="text-align: justify;"><b>El único</b> se estrenó en territorio norteamericano el 2 de noviembre de 2001, y resultó ser un fracaso de taquilla recaudando 43.905.746 de dólares. La recaudación final a nivel mundial fue de 79.838.352 de dólares. Su presupuesto fue según unas fuentes de 49 millones de dólares y según otras llegó a alcanzar los 70 millones.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>VALORACIÓN</b></div><div style="text-align: justify;">El gran acierto de <b>El único</b> es que supo ver antes que nadie las posibilidades que existían de utilizar la idea de los universos paralelos. Por una parte, le saca bastante partido a su interesante planteamiento (más que por ejemplo <b>Doctor Strange en el multiverso de la locura</b>), y por otra, muestra algo nuevo, ya nunca se había visto antes a un actor luchando contra sí mismo de una forma tan realista y espectacular. </div><div style="text-align: justify;">Su principal problema es que más allá de ese gran punto de partida, la película no resulta demasiado original. Vemos influencias de <b>Matrix</b> (con su historia que mezcla artes marciales y ciencia ficción, personajes moviéndose a diferentes velocidades, el tiempo bala, el uso de canciones nu metal) y de <b>Los inmortales</b> (con esos enfrentamientos entre seres poderosos hasta que sólo quede uno). Esa falta de originalidad juega un poco en su contra.</div><div style="text-align: justify;">El guión tiene demasiados agujeros, que no se molesta en explicar. Primero dicen que Yulaw mató a uno de sus dobles en otro universo y el poder de éste se transfirió a él (y por ende al resto de dobles de los demás universos), y de esa forma se dio cuenta de que si los mataba a todos su poder aumentaría. Pero en todos los universos que existen, en algún momento alguien morirá, por lo que según las leyes de la película, su poder se transmitirá a los otros, así que debería ser normal que la gente experimentara un aumento de su fuerza y velocidad, y Yulaw es poderoso porque ha matado a 123 dobles, por lo que cuando mató al primero apenas tuvo que adquirir poderes, ya que tampoco es tan fuerte. Pero básicamente es una excusa sin la que no habría película, así que la damos por buena.</div><div style="text-align: justify;">Cuando Yulaw mata a Lawless al comienzo de la película simplemente sabe que adquirió su poder cuando ve que éste está muerto, no antes, por lo que no queda claro como funciona la transferencia de poderes, deberían reflejarlo de alguna forma, por ejemplo como sucedía en <b>Los inmortales</b>, en la que tras cada muerte el vencedor recibía una descarga de energía, quedando perfectamente claro para el espectador.</div><div style="text-align: justify;">Otro momento que me chirría es en la escena del hospital, cuando Statham y Lindo dudan sobre si se han encontrado con el Jet Li bueno o el malo, pero en ningún momento han visto que Gabe se haya cambiado de ropa. Intentan jugar con la confusión de sus identidades al ser iguales, pero no está bien llevado. Mejor resuelto está la escena en la casa de Gabe, con Yulaw haciéndose pasar por Gabe ante T.K.</div><div style="text-align: justify;">Yulaw se justifica diciendo que no es un asesino porque básicamente se mata a si mismo en los diferentes universos, pero a lo largo de la película vemos como no tiene problemas en matar a cualquiera que se ponga en su camino, incluso a veces por pura maldad, como el asesinato de T.K. Lo que hace que el personaje quede más desdibujado y se convierta en un villano más unidimensional.</div><div style="text-align: justify;">Al final todo se reduce a la lucha entre el bien y el mal. Gabe y Yulaw son opuestos como el yin y el yang, y están destinados a enfrentarse, Yulaw quiere ser un dios y Gabe sólo quiere vivir tranquilo con su mujer, uno no existe sin el otro, y tal vez por eso al final ninguno de los dos muere.</div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo6ynu4yI3s2fcMZtc5mjtE7X1BwPSIgwO_U5BNFBamCApjGAFtyGtZE8lWaJMmpeYqiuJX64eo0E0QzINI6VTS81uDxBGlMuM1i3M7oyx433cPl9w9BfsJa08nh8-KeZ0KQmZ2qQjE6qsM56BP9DAwF86tj6YVJpoUzfoFb2-sph6AzdQ/s716/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2006.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="292" data-original-width="716" height="164" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgo6ynu4yI3s2fcMZtc5mjtE7X1BwPSIgwO_U5BNFBamCApjGAFtyGtZE8lWaJMmpeYqiuJX64eo0E0QzINI6VTS81uDxBGlMuM1i3M7oyx433cPl9w9BfsJa08nh8-KeZ0KQmZ2qQjE6qsM56BP9DAwF86tj6YVJpoUzfoFb2-sph6AzdQ/w400-h164/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20El%20%C3%BAnico%2006.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">La coda final funciona para darle a Gabe un final feliz, con éste siendo enviado a un universo donde se encuentra con una doble de su mujer, pero está cogido con pinzas, ya que no tiene mucho sentido.</div><div><div style="text-align: justify;">Lo que sí funciona de maravilla es la secuencia final, con ese excelente travelling de Yulaw peleando contra todos los presos de la cárcel futurista, mientras suena <b>"Last Resort"</b> de <b>Papa Roach</b> (la mejor canción de la película).</div></div><div style="text-align: justify;">Hablando de la música, el uso de canciones nu metal y hardrock llega a resultar cansino y molestan considerablemente. La película habría ganado eliminando la mayoría de las mismas. Es una película muy de comienzos del 2000, con ese espíritu de tratar de molar constantemente, además de su banda sonora, tiene ciertos tics de la época, como algunos recursos visuales que imperaban en el momento (la sombra de <b>Matrix</b> es alargada), y por esa razón la película no ha envejecido bien.</div><div style="text-align: justify;"><b>El único</b> tiene a su favor un gran ritmo, la película es un no parar, sus 87 minutos de duración lo atestiguan, va directa al grano y no pierde ni un segundo en tiempos muertos.</div><div style="text-align: justify;">El gimmick de ver a Li luchando contra Li sigue funcionando de maravilla, las coreografías son espectaculares y resultan vistosas sacando provecho de los superpoderes del bueno y del villano.</div><div style="text-align: justify;">El mejor momento de la película sucede durante la pelea final, cuando parece que Gabe ha muerto y de repente abre los ojos y ve la marca del anillo en su dedo, que le recuerda a su mujer asesinada. Es un detalle sutil que lo dice todo sobre las motivaciones del personaje sin utilizar palabras. Me gusta que la película desarrolle a los personajes durante las escenas de acción, incluso su forma de luchar les define, y me parece todo un acierto.</div><div style="text-align: justify;"><b>El único</b> supuso para Wong y Morgan bajar un escalón tras la excelente <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/07/destino-final.html" target="_blank">Destino final</a></b>, aquí sólo trataban de realizar una película de acción entretenida y lo consiguieron. Wong sabe darle vistosidad a algunas escenas, como por ejemplo, la pelea final con el uso de chispas para reflejar la velocidad a la que se mueven ambos personajes, y que visualmente luce espectacular.</div><div><div style="text-align: justify;">Jet Li me convence como villano (aunque me sobre alguna pose) y también como héroe (se le ve algún momento dramático donde está a la altura). Carla Gugino siempre eleva cualquier película en la que trabaja, y es un placer verla en pantalla interpretando a tres personajes distintos. Y Lindo y Statham son unos excelentes secundarios, que siempre animan la función.</div></div><div><div style="text-align: justify;"><b>El único</b> es una correcta película de acción y ciencia ficción, tal vez el planteamiento podría haber dado para más, pero la película no toma un camino ambicioso, si no uno de pura evasión. Sólo el tener a Jet Li luchando contra si mismo ya merecía el precio de la entrada. Fue la primera en tratar el tema de los multiversos, adelantándose muchos años a la moda actual. Hay que reconocerle que eso sí la hace única.</div></div><div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>CURIOSIDADES</b></div><div style="text-align: justify;">En la escena de la morgue, tiene un pequeño papel Darin Morgan, uno de los guionistas de <b>Expediente X</b>, y hermano de Glen Morgan. Los tres trabajaron juntos en la popular serie. </div><div style="text-align: justify;">Doug Savant (<b>Melrose Place</b>) tiene un pequeño papel como uno de los policías que tratan de atrapar a Yulaw sin éxito.</div><div style="text-align: justify;">En una versión del guión, se mostraba como en unos de los universos el equipo de los Clippers había ganado el campeonato, pero la NBA no se lo permitió.</div><div><div style="text-align: justify;">En la escena de la casa de Gabe y T.K., mientras hablan después de que él llegue tras ser disparado, se oye de fondo una película, que no es otra que <b><a href="http://peliculasdeculto.blogspot.com/2020/07/destino-final.html" target="_blank">Destino final</a></b>, el anterior trabajo de Wong y Morgan.</div></div><div style="text-align: justify;">Algunos personajes llevan el apellido de directores de cine como (John) Woo, (Robert) Aldrich, (Peter) Yates, (Luc) Besson, o (Don) Siegel.</div><div style="text-align: justify;">En la planta de energía de Redondo Beach se pasaron rodando durante nueve semanas.</div><div style="text-align: justify;">La primera escena que se rodó de la película fue la de Gabe y T.K. en la habitación del hospital.</div><div style="text-align: justify;">Fue nominada a los premios Saturn en la categoría de mejor película de ciencia ficción.</div><div style="text-align: justify;">Jonathan Ke Quan asistente del director de peleas de <b>El único</b>, protagonizaría su propia película de multiversos con <b>Todo a la vez en todas partes</b> (2022).</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>BIBLIOGRAFÍA</b></div><div style="text-align: justify;"><b>Starlog Magazine</b> (Nº 292, 293)</div><div style="text-align: justify;"><b>Cinefantastique Magazine</b> (Vol 33 Nº 6)</div><div style="text-align: justify;"><b>Notas de producción</b></div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.ign.com/articles/2001/04/06/interview-with-spy-kids-carla-gugino" target="_blank">Interview with Spy Kids' Carla Gugino</a></b> (IGN, 21 may 2012)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.cheatsheet.com/entertainment/the-office-has-this-surprising-connection-to-scrubs.html/" target="_blank">‘The Office’ Has This Surprising Connection to ‘Scrubs’</a></b> (Showbiz Cheat Sheet, 9 jun 2020)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="http://www.boxofficeprophets.com/hamann/nov04wrapup.asp" target="_blank">John Hamann's Weekend Wrap-Up</a></b> (Box Office Prophets, 4 nov 2001)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.imdb.com/title/tt0267804/" target="_blank">IMDb</a></b></div><div style="text-align: justify;"><b>Comentarios del director</b> (DVD extra)</div><div style="text-align: justify;"><b>Jet Li Is 'The One'</b> (2002)</div><div style="text-align: justify;"><b>About Face</b> (2002)</div><div style="text-align: justify;"><b>Multiverses Create 'The One'</b> (2002)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://ew.com/article/2001/10/24/one-4/" target="_blank">The One</a></b> (Entertainment Weekly, 24 oct 2001)</div><div style="text-align: justify;"><b><a href="https://www.kungfumagazine.com/magazine/article.php?article=143" target="_blank">The Big Jet Li Interview</a></b> (Kung Fu Magazine)</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com6tag:blogger.com,1999:blog-28403222.post-34671276107002027702023-01-03T03:48:00.004-08:002023-01-03T15:07:58.928-08:00Repaso al 2022<div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAGFsh9bg3vVoYiVGXZbxtEzet4vHElbpnrpOJ_7G2_pA7RaMnAJeRcZAf3HZWbb336OHEzC3J8eFTQ75lmotXC6EwduAwUHIymBUABBOKeNEscfkR7tZbEj1BbLgeykdFa2xCg8AsgCqjBOXqb4eZbhQUoqgRl7w1pI3ZthCjM8sQyje4/s971/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Repaso%20al%202022.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="430" data-original-width="971" height="178" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEgAGFsh9bg3vVoYiVGXZbxtEzet4vHElbpnrpOJ_7G2_pA7RaMnAJeRcZAf3HZWbb336OHEzC3J8eFTQ75lmotXC6EwduAwUHIymBUABBOKeNEscfkR7tZbEj1BbLgeykdFa2xCg8AsgCqjBOXqb4eZbhQUoqgRl7w1pI3ZthCjM8sQyje4/w400-h178/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Repaso%20al%202022.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">El 2022 ha sido un año para olvidar, pero en lugar de enumerar los grandes acontecimientos del año (casi todos negativos), prefiero recordar los más positivos (que también los hubo). Como el descubrimiento del virus que causa la esclerosis múltiple, la derogación de la reforma laboral de España por un voto (erróneo), el avance en la cura del alzeimer, que Bolsonaro perdió las elecciones en Brasil, la lucha en Irán contra el régimen islámico, el aluvión de memes que originó la compra de Twitter por parte de Elon Musk, el descubrimiento de un medicamento que frena el cáncer de mama en un 75%, la dimisión de Boris Johnson, que España escapó a la anunciada crisis, y para postre, el año terminó con esta gloriosa <a href="https://www.infolibre.es/internacional/detenido-rumania-streamer-andrew-tate-acusado-trata-personas-violacion_1_1396886.html" target="_blank">historia</a> que implicó a Greta Tchunberg.</div><div><br /></div><div style="text-align: center;"><b><span style="font-size: medium;">TOP CINE</span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4rrtluKv_SpLDiPkch_Z8dt3GedkedIVzX3fuuQqVTNVAhgsDxtregfxgxi2mZwCJb8Pkj9s-lzDu9mOTF0ihwmKcAWonVIafZW5CtAi_v4UHL9zw8Wj4lv6YedQWdn7s1aEa3QDxcoRLD3fEsjVOlK9q2IbLJzPREiYIl9OcUEDJYZbM/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Repaso%20al%202022%20-%20Top%20cine.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="500" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEh4rrtluKv_SpLDiPkch_Z8dt3GedkedIVzX3fuuQqVTNVAhgsDxtregfxgxi2mZwCJb8Pkj9s-lzDu9mOTF0ihwmKcAWonVIafZW5CtAi_v4UHL9zw8Wj4lv6YedQWdn7s1aEa3QDxcoRLD3fEsjVOlK9q2IbLJzPREiYIl9OcUEDJYZbM/w400-h240/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Repaso%20al%202022%20-%20Top%20cine.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">Cinematográfiamente el 2022 se recordara como el año que <b>Coda</b> ganó el Oscar, aunque lo más recordado de la gala fue la bofetada de Will Smith a Chris Rock. James Cameron fue muy James Cameron al convertir el esperado fracaso de <b>Avatar: El sentido del agua</b> en la película más taquillera del año. El rodaje y promoción de <b>No te preocupes, querida</b> fue la comidilla de Hollywood. James Gunn y Peter Safran fueron nombrados los CEO de DC, lo que implicó el reseteo del DCCU. Amazon compró la MGM. Y Discovery por su parte compró Warner Media.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Ha sido un buen año en general para el cine, el público ha vuelto a las salas de cine, no así el más adulto. Aunque creo que el nivel de los blockbusters ha sido un tanto mediocre, en producciones más pequeñas se han encontrado auténticas maravillas. Por ejemplo, fue un gran año para el cine español y para la animación. A continuación comento en orden alfabético las diez películas que más me gustaron del año (sólo películas estrenadas en España durante el 2022), siendo la que encabeza esa lista <b>Red</b> de Pixar:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>As bestas</b> (As bestas)</div><div style="text-align: justify;">Sorogoyen se confirma como el director más interesante del cine español actual y el que mejor maneja el suspense. Historia de un crimen rural, con una gran tensión y con momentos de auténtico terror (en eso tiene mucho que ver un enorme Luis Zahera). Se va un poco en el tercer acto, pero es un gran film, rodado del carallo.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Barbarian</b> (Barbarian)</div><div style="text-align: justify;">De todas las películas de terror del año, y este año tuvo muchas destacables, me quedo con ésta, divertida, original, juguetona y de estructura curiosa, con un giro a los 40 minutos que amas u odias.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Cinco lobitos</b> (Cinco lobitos)</div><div style="text-align: justify;">Es posiblemente la película que mejor capta lo que es ser madre (e hija al mismo tiempo) en los tiempos actuales. Una película pequeña, emotiva y cercana.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>El monstruo marino</b> (The Sea Beast)</div><div style="text-align: justify;">Tal vez la película de animación más infravalorada del año, ya que fue mejor película Disney que la propia película que Disney estrenó este año. Una gran historia de aventuras marinas, monstruos gigantes, sobre falsos mitos y con mensaje ecologista incluido.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Elvis</b> (Elvis)</div><div style="text-align: justify;">Un muy entretenido e hipercinético biopic sobre el rey del rock. Excesivo, cursi, adrenalítico, trágico, romántico, exagerado, puro Baz Luhrmann. 159 minutos que se pasan volando.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Pinocho de Guillermo del Toro</b> (Guillermo del Toro's Pinocchio)</div><div style="text-align: justify;">Todo un logro de Guillermo Del Toro, el coger un cuento clásico, pasarlo por su filtro, y que el resultado sea al mismo tiempo respetuoso con la obra original, como con su universo personal. Y además está el maravilloso stop-motion. Una pequeña maravilla.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Puñales por la espalda: El misterio de Glass Onion</b> (Glass Onion: A Knives Out Mystery)</div><div style="text-align: justify;">Rian Johnson lo ha vuelto a hacer y ha creado otro ingenioso whodunit, que le da una nueva vuelta de tuerca al género. Muy divertida, y con una crítica cargada de mala leche hacia los poderosos. Quiero veinte casos más de Benoit Blanc.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div></div><div style="text-align: justify;"><b>Red</b> (Turning Red)</div><div style="text-align: justify;">La película de Pixar que más me ha gustado en años. Una historia sobre la madurez y escoger quien deseamos ser, y de paso habla de los extraños cambios que experimenta nuestro cuerpo al llegar a la adolescencia. Todo contado de la forma más divertida posible, con una animación exquisita, y pandas gigantes. Poco más se puede pedir.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Sin novedad en el frente</b> (Im Westen nichts Neues)</div><div style="text-align: justify;">Una nueva vuelta de tuerca al tema del sinsentido de la guerra, de la deshumanización de los soldados, y como estos sufren, mientras lo que deciden sobre la guerra lo hacen desde la distancia. Llena de bellas y trágicas imágenes, con unas escenas de guerra espectaculares.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Top Gun: Maverick</b> (Top Gun: Maverick)</div><div style="text-align: justify;">No lo sabíamos, pero todos teníamos necesidad, necesidad de velocidad. El mejor blockbuster del año, con un <i>fan service</i> bien entendido, y que mejora en todo a la película original.</div><div><br /></div></div><div><br /></div><div style="text-align: center;"><b><span style="font-size: medium;">TOP SERIES</span></b></div><div class="separator" style="clear: both; text-align: center;"><a href="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWYA7ttpYB85G0_ycBbotQk-ZOtr0L4d1TtwOhszCiyfQc1hFkqBHL6o6W03NPnOVkL1IIVVWGFF5jZDSVvjw5GClsoNvgBxGM_HOgfGqjAg3oWl8Wpf1a80G_V9hym6HCtn8OCid8CGG7rXkqhfadtpQFiEzZrB4JL3Fs73du6Fu78ds_/s500/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Repaso%20al%202022%20-%20Top%20series.jpg" style="margin-left: 1em; margin-right: 1em;"><img border="0" data-original-height="300" data-original-width="500" height="240" src="https://blogger.googleusercontent.com/img/b/R29vZ2xl/AVvXsEhWYA7ttpYB85G0_ycBbotQk-ZOtr0L4d1TtwOhszCiyfQc1hFkqBHL6o6W03NPnOVkL1IIVVWGFF5jZDSVvjw5GClsoNvgBxGM_HOgfGqjAg3oWl8Wpf1a80G_V9hym6HCtn8OCid8CGG7rXkqhfadtpQFiEzZrB4JL3Fs73du6Fu78ds_/w400-h240/Pel%C3%ADculas%20de%20culto%20-%20Repaso%20al%202022%20-%20Top%20series.jpg" width="400" /></a></div><div style="text-align: justify;">En el 2022 continuó la guerra de las plataformas de streaming, en la que hubo importantes acontecimientos. La pérdida de suscriptores de Nexflix provocó una caída en bolsa que hizo temer por el futuro de la compañía (del que después se recuperó), y que traerá consecuencias como la inclusión de anuncios o el fin de poder compartir contraseñas para el 2023. HBO Max y Discovery+ se fusionarán el próximo año. Y Bob Chapek fue despedido como CEO de Disney y regresó Bob Iger (una de las posibles razones son las enormes perdidas que generó Disney+). El 2023 se prevé movidito.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">En lo referente a series, cada vez hay más cantidad y por mi parte menos tiempo para verlo todo. Pero aún así he podido disfrutar de muchas buenas series, siendo mis cinco preferidas las siguientes:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Derry Girls - 3ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">La serie con la que más me reí este año, en un año en el que hacía falta justo eso. </div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>¡García! - 1ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">Una de las mejores series españolas de los últimos años, una mezcla entre James Bond, el Capitán América y Roberto Alcázar y Pedrín, con elementos de la historia de España. Puro pulp bien entendido.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Severance - 1ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">Gran high concept, mejor llevado y todavía mejor filmado. De múltiples lecturas, que mejora episodio a episodio, y culmina con un gran final. De culto inmediato. Mi serie preferida del año.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Stranger Things - 4ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">La serie se volvió más oscura y más adulta en su cuarta temporada. Espectacular, entretenidísima, y con algunos de los mejores momentos televisivos del año.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>The Bear - 1ª temporada</b></div><div style="text-align: justify;">Una serie pequeñita sobre los entresijos de un modesto restaurante, sazonado con unos buenos personajes y aderezado con una gran dirección. Nunca cocinar fue tan tenso.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">Y estos son los que considero fueron los cinco mejores episodios que vi este año:</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><b>Andor - 1x10 - "One Way Out"</b></div><div style="text-align: justify;">Contiene mi momento preferido de ficción del año (más allá del televisivo), ese monólogo de Stellan Skarsgård hablando sobre lo que ha sacrificado por formar parte de la revolución. Y claro, también está la fuga de la prisión que está muy bien.</div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Derry Girls - 3x01 - "The Night Before"</b></div><div style="text-align: justify;">Cuando crees que no pueden ser más idiotas las Derry Girls te sorprenden (ayudando a unos ladrones a robar en su colegio). Es posiblemente unos de los episodios más divertidos de la serie, con un genial cameo que me pilló por sorpresa.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Severance - 1x09 - "The We We Are"</b></div><div style="text-align: justify;">Hay formas de cerra una temporada y luego está lo que hizo <b>Severance</b> con este episodio, no sólo dejó lo mejor para el final, es que termina con un cliffhanger de los que hacen historia.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>Stranger Things - 4x04 - "Chapter Four: Dear Billy"</b></div><div style="text-align: justify;">Un episodio lleno de momentos memorables, el tiroteo en plano secuencia, la fuga de la cárcel rusa, y sobre todo ese increíble final con <b>"Running Up That Hill"</b> sonando. Episodios así hacen grande a <b>Stranger Things</b>.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div><div style="text-align: justify;"><b>The Bear - 1x07 - "Review"</b></div><div style="text-align: justify;">Christopher Storer utiliza un increíble plano secuencia para crear una tensión que siempre va in crescendo. Continente y contenido casan perfectamente en el episodio mejor cocinado de <b>"The Bear"</b>.</div></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;"><br /></div><div style="text-align: justify;">¡Feliz año a tod@s!</div>Rodihttp://www.blogger.com/profile/14915860964367185054noreply@blogger.com6