Películas de culto

Repaso al 2011

2012-01-15T12:53:00.000-08:00

Otro año que se acaba y otro análisis sobre lo que éste dio de si, como viene siendo tradición, desde cuatro flancos distintos; cine, televisión, trailers y posters. Empecemos por el cine.

TOP CINE

Este año no he tenido ningún film preferido como en otras ocasiones, aunque de entre todas las producciones estrenadas durante el 2011 destacaría Insidious, Harry Potter y las reliquias de la muerte (2ª parte), El origen de los planetas de los simios y Super 8. A la hora de hablar de mal cine, tengo que admitir que este año no he encontrado demasiadas películas que me disgustasen, y considero la peor, a la última entrega de la saga de Puzzle, Saw VII 3D. Me explayaré sobre estas películas y muchas otras en los próximos párrafos.

A continuación, lo más positivo y negativo del cine del 2011, según mi opinión.

LO MEJOR:

127 horas (127 hours)
Sólo Danny Boyle es capaz de convertir la historia de un hombre atrapado en una cueva en una película fascinante.

50/50 (50/50)
Creo que nunca se había tratado el cáncer de una forma tan realista y digna en el cine, sin caer en falsos sentimentalismos ni manipulaciones. Además Joseph Gordon-Levitt borda una de las interpretaciones del año.

Attack the block (Attack the block)
De todas las invasiones alienigenas que ha habido este año (en Los Angeles, en el viejo oeste, en Rusia, ...), ésta, en los suburbios de Londres, fue sin duda, la mejor.

Camino a la libertad (The way back)
Con Peter Weir a los mandos sabes de antemano que verás una película emocionante, clásica y magistral. Camino a la libertad no es una excepción.

Cars 2 (Cars 2)
Pixar perdió la carrera por el mejor film de animación del año frente a Tintin, pero un segundo puesto tampoco es mal premio.

Código fuente (Source code)
Duncan Jones conoce el algoritmo para crear pequeñas grandes obras de ciencia ficción. Tras la excelente Moon, confirma su talento con esta película.

Cómo acabar con tu jefe (Horrible bosses)
Aunque la idea daba para mucho más, la película consigue sacarnos risas a base de un trío de secundario de lujo, mala leche y una idea que a más de uno le ha pasado por la cabeza.

Drive (Drive)
Ser durante 2 horas el copiloto de Ryan Gosling es una experiencia única, él nos conduce entre peligrosas tramas criminales, amores imposibles e historias de redención, sin dejar de pisar el acelerador ni un solo instante.

El discurso del rey (The King's speech)
Aunque un tanto sobrevalorado, este discurso consigue, con un tono firme y sin alzar demasiado la voz, ser al mismo tiempo elegante, clásico y maduro.

El origen de los planetas de los simios (Rise of the planet of the apes)
La evolución (de la historia, de los personajes, de los efectos visuales, de la saga) es la clave de esta fantástica película.

Enredados (Tangled)
Un cuento con princesas en apuros, brujas malvadas y "caballeros" al rescate, es decir, Disney en estado puro.

Fast & furious 5 (Fast five)
Olvídate de la coherencia y disfruta de esta montaña rusa repleta de atracos imposibles, peleas entre ídolos de acción y persecuciones adrenalíticas.

Harry Potter y las reliquias de la muerte (2ª parte) (Harry Potter and the deathly hallows: Part 2)
Harry dejó su mejor hechizo para el final usando como ingredientes, emoción, épica y espectáculo.

La boda de mi mejor amiga (Bridesmaids)
Escatológica, emotiva y realmente divertida. La comedia con la que más me reí en 2011.

Las aventuras de Tintin: El secreto del unicornio (The adventures of Tintin)
Una maravilla visual constante con la que no podrás parpadear desde el primer plano. Y es que uno no podía esperar menos teniendo al mejor director del cine de aventuras adaptando al mayor icono del cómic de aventuras.

Insidious (Insidious)
Los 100 minutos más aterradores del año.

Midnight in Paris (Midnight in Paris)
Un hombre atrapado en el pasado en todos los sentidos, hace sus sueños realidad (y los de Woody Allen) en la ciudad de París, ¿qué lugar mejor para hacerlo? El mejor Allen desde Match point.

Misión imposible: Protocolo fantasma (Mission: Impossible - Ghost protocol)
La misión más imposible (entretenida y divertida) de Ethan Hunt tenía un doble objetivo, devolver a la saga a la primera línea del éxito y reactivar la carrera de Cruise... misión cumplida.

Super 8 (Super 8)
Tecnología actual, espíritu 80's. La esencia de Los Goonies, Encuentros en la tercera fase y E.T., el extraterrestre se encuentra entre sus nostálgicas imágenes.

The fighter (The fighter)
La película tiene ese tono realista y cotidiano que tanto gusta, además de grandes actuaciones (con un espléndido Bale a la cabeza), una buena dirección y una historia de superación de lo más aleccionadora. Es el Rocky de esta década.

Thor (Thor)
La película no entrará en el Valhalla de las grandes adaptaciones de cómic, pero sí es una entretenida, carismática y espectacular película de superhéroes, lo que no está nada mal.

Tucker & Dale vs evil (Tucker & Dale vs. evil)
Un film en la que todos los personajes creen estar en una película de terror sin saber que están en una comedia. Terroríficamente hilarante.

Un Dios salvaje (Carnage)
El estudio de la condición humana realizado en el microcosmos de un apartamento.

X-Men: Primera generación (X-Men: First class)
En un año en el que todos los superhéroes tuvieron que salvar al mundo, fueron los mutantes los que lo hicieron con más brillantez, inteligencia y estilo.

LO PEOR:

Bajo amenaza (Trespass)
Lo que empieza siendo una distraida película de suspense, se acaba convirtiendo en un sinsentido de lo más estúpido.

Destino final 5 (Final destination 5)
La saga se repite una y otra vez, espero que esta entrega sea su destino final.

El sicario de Dios (Priest)
Scott Charles Stewart consigue que perdamos la fe en él, tras pecar con Legión, comete sacrilegio con El sicario de Dios.

Linterna Verde (Green Lantern)
Vacía, intrascendente y sin emoción, en Linterna Verde no brilla luz alguna.

Saw VII 3D (Saw 3D)
Vendida como el final del plan maestro de Puzzle demuestra que sus creadores jamás tuvieron ningún plan maestro.

TOP SERIES

La mejor serie de la temporada 2010-2011 fue Breaking bad, que se superó a si misma con su cuarta (magistral) temporada, parece casi imposible superar la tensión y complejidad que alcanzó la serie este año. Doctor Who ha sido sido la segunda mejor serie del año gracias a su mejor temporada. Y Game of thrones la tercera, siendo además el mejor estreno del año.

Este año ha habido un empate en lo que se refiere al mejor episodio, no he podido decidirme entre el "Crawl space" de Breaking bad y el "The impossible astronaut" de Doctor Who, así que lo he dejado en tablas.

El resto de las series resulto así, How i met your mother mejoró respecto a su quinta temporada, no me canso de decir que American dad! es la mejor serie de animación del momento, House sigue sacando oro de donde no hay, American horror story dio las dosis de mal rollo y terror que se necesitaban en televisión, Californication sigue en buena forma, Fringe nos regalo una tercera temporada ejemplar, Homeland asombró y es la gran apuesta del futuro, Misfits sigue siendo la serie más gamberra de la televisión, Modern family mantuvo la calidad de su primera temporada, The killing dejó un gran sabor de boca y por su parte, Dexter, Entourage y Torchwood dieron lo peor de si mismas.

Hablemos de las despedidas el año, varias series llegaron a su final como Entourage (antes de convertirse en película), Smallville (terminando así su larga agonía) y Friday night lights (al parecer tocando el cielo y digo al parecer, porque no la sigo). Y otras fueron canceladas como Stargate Universe (una lástima porque tenía potencial), Camelot (con sólo 10 episodios en su haber), Mr Sunshine (simpática, pero demasiado "chadlerizada"), Miénteme (que desde hacía tiempo arrastraba la sombra de la cancelación), The event (que fracasó en su intento de ser la nueva Lost), V (se veía venir de lejos), Escudo humano (que nunca pasó de entretenida) y The Chicago code (la injusticia televisiva del año).

Mi lista de los mejores episodios de la temporada 2010-2011 en orden alfabético:

30 rock - 5x04 - "Live show"
Aunque sobre el papel no era gran cosa, el episodio en directo supuso un soplo de aire fresco de lo más contagioso para la serie.

30 rock - 5x12 - "Operation righteous cowboy lightning"
El intento de Jack de crear un show que se anticipe a un desastre natural trae consigo momentos de lo más hilarantes (el cameo de Robert De Niro, la canción de Jenna, el desastroso programa centrado en la destrucción de la casa de Mel Gibson).

American dad! - 7x03 - "Best little horror house in Langley Falls"
Para crear una casa del terror realmente aterradora, Stan llena su casa de auténticos asesinos en serie, ¿Se os ocurre una idea mejor para un especial de Halloween?

American dad! - 7x05 - "White rice"
Ora trama hilarante más que añadir a la lista de genialidades de la serie, descubrimos que Stan lleva 20 años llevando a Francine a un hipnotizador para hacerle olvidar todas las cosas que él quiere.

American dad! - 7x08 - "For whom the sleigh bell tolls"
Un especial de Navidad con todo lo que uno podría desear, sangre, violencia, cientos de elfos muertos y un Papa Noel sediento de venganza.

American horror story - 1x01 - "Pilot"
El piloto nos muestra una casa encantada como mo ha habido otra igual y una serie que no se parece a nada que hayamos visto antes.

American horror story - 1x02 - "Home invasion"
El episodio mantiene ese tono de mal rollo y sensación de sorpresa continua del piloto.

American horror story - 1x10 - "Smoldering children"
Cuando uno piensa que esta serie ya no puede sorprenderlo más, va y descubre que Violet lleva muerta desde el sexto episodio.

Breaking bad - 4x04 - "Bullet points"
El arranque con Mike dentro del camión, Walter descubriendo todo lo que Hank está investigando y ese final en el que Mike se lleva a Jesse, le dieron a la temporada unos puntos extra de tensión.

Breaking bad - 4x07 - "Problem dog"
La sutileza e inteligencia con la que los guionistas nos han llevado al punto en que Hank sospecha que Gus es un narcotraficante, es digna del propio Walter White.

Breaking bad - 4x08 - "Hermanos"
Flashback sobre el hombre tras las gafas que sólo hace al personaje más y más grande.

Breaking bad - 4x10 - "Salud"
Un viaje a México difícil de olvidar.

Breaking bad - 4x11 - "Crawl space"
Hay tanto que destacar de este episodio (actuaciones, guión, dirección) que podría escribir un post entero sobre él. De todo, me quedo con esa imagen final de Walter bajo tierra, el mejor momento televisivo del 2011.

Breaking bad - 4x12 - "End times"
Viendo el episodio con conocimiento de causa, es de lo más perturbador y fascinante ver como Walter engaña a Jesse (y a todos nosotros) para sus propios fines.

Breaking bad - 4x13 - "Face off"
Así fue como Walter se convirtió en el villano de la serie, así fue como Breaking bad terminó su mejor temporada.

Californication - 4x02 - "Suicide solution"
Esa carta que Hank escribe al final del episodio va directa su hija, pero también a nuestro corazón, cuando la serie quiere emocionar, lo hace de verdad.

Californication - 4x09 - "Another perfect day"
Sólo por los diálogos entre Hank y Karen, este episodio merece estar en esta lista.

Californication - 4x12 - "...And justice for all"
Final de temporada que cierra en la vida de Hank un nuevo capítulo, capítulo en el que el escritor logra por fin pasar página, página en la que se escribirá con letra de oro la esperada quinta temporada.

Dexter - 6x09 - "Get Gellar"
Antes de descubrir el pasagero oscuro de la serie (con la forma de enamoramiento incestuoso), descubrimos el de Travis.

Doctor Who - Comic relief - "Space / time"
Este especial benéfico nos trajo una paradoja temporal dentro de una paradoja temporal dentro de... una cabina telefónica. Apenas 10 minutos de pura diversión, que sirvieron para abrir boca para la sexta temporada.

Doctor Who - 6x01 - "The impossible astronaut"
El mejor comienzo de temporada de todas las temporadas. Moffat pisa el acelerador de la TARDIS desde el primer minuto y crea tantas líneas argumentales e ideas que casi destruye el continuo espacio-tiempo.

Doctor Who - 6x02 - "Day of the Moon"
El Area 51, la llegada del hombre a la Luna, un enemigo que se olvida cuando dejas de verlo, una niña con poder de regeneración, todo es territorio Doctor Who.

Doctor Who - 6x04 - "The Doctor's wife"
La cabina telefónica más sexy de la televisión cobra vida a manos de Neil Gaiman y el resultado es un episodio (como diría el décimo Doctor)... ¡brillante!

Doctor Who - 6x07 - "A good man goes to war"
El episodio nos deja sin aliento, si no tuvieramos suficiente con toda la épica y emoción del universo, aun por encima termina con uno de los mayores cliffhangers de los últimos tiempos (la identidad de River Song).

Doctor Who - 6x08 - "Let's kill Hitler"
El nacimiento de River Song no podía ser más espectacular, lleno de grandes momentos (los protagonistas salvando sin querer a Hitler), frases memorables ("Estaba de camino a un bar mitzvah gitano gay para discapacitados cuando de pronto pensé: Vaya, el Tercer Reich es un asco, creo que voy a matar al Führer") y por supuesto, paradojas temporales (la mejor amiga de Amy resulta ser la propia River).

Doctor Who - 6x13 - "The wedding of River Song"
Pasado, presente y futuro se funden para crear un final de temporada genial, pero no memorable.

Family guy - 9x18 - "It's a trap"
La fuerza parece estar con Family guy, ya que una temporada más consigue su mejor episodio al parodiar/homenajear la saga galáctica de Lucas.

Fringe - 3x03 - "The plateau"
Fringe sabe crear episodios autoconclusivos fascinantes y "The plateau", en el que un hombre puede ver todos los posibles futuros y anticiparse a que sucedan, es de los mejores.

Fringe - 3x08 - "Entrada"
Un episodio perfecto de principio a fin y que cierra el mejor arco argumental que nos ha brindado la serie hasta el momento.

Futurama - 6x06 - "Lethal inspection"
Su final tiene la misma emoción y ternura que el de aquel memorable "Jurassic bark".

Futurama - 6x10 - "The prisoner of Benda"
La mayor y más loca historia sobre intercambio de cuerpos jamás contada.

Game of thrones - 1x02 - "The kingsroad"
Tras la colocación de las piezas en el tablero del primer episodio, comienza el juego de tronos...

Game of thrones - 1x08 - "The pointy end"
El resultado de George R.R. Martin adaptando a George R.R. Martin es Game of thrones al cuadrado.

Game of thrones - 1x09 - "Baelor"
Ned Stark es asesinado ¿Aun hace falta explicar porque Game of thrones es la obra maestra que es?

Homeland - 1x01 - "Pilot"
La serie comenzó con un planteamiento irresistible e inició un juego de luces y sombras que se extendió hasta el último episodio.

Homeland - 1x06 - "The good soldier"
Dos grandes momentos de este episodio, Brody frente al detector de mentiras y Carrie al final frente al coche de Brody. Tensión por partida doble.

Homeland - 1x07 - "The weekend"
Entre Brody y Carrie saltan chispas, sus secuencias juntos son de lo mejor de la temporada.

Homeland - 1x12 - "Marine one"
El episodio termina con el desesperado "No dejes que lo olvide" de Carrie y lo cierto es que es imposible olvidarse de un episodio tan redondo y brillante como éste.

House - 7x05 - "Unplanned parenthood"
Dos solteros y un biberón, o House y Wilson como pareja cómica de uno de los episodios más divertidos de la serie.

House - 7x20 - "Changes"
Un episodio que tiene todo aquello que me gusta de House, un caso complejo, un misterio a resolver, juegos de poder entre House y Cuddy y piques entre Foreman y Chase.

How i met your mother - 6x04 - "Subway wars"
El munda está loco, loco, loco modo How i met your mother.

How i met your mother - 6x09 - "Glitter"
Tres simples palabras: Robin Sparkles III.

How i met your mother - 6x21 - "Hopeless"
Los nuevos títulos de crédito, la conversación sobre los clubs, los cambios de personalidades, los falsos recuerdos de Barney, Jerry devolviéndole el pin a Barney... este episodio está lleno de grandes momentos.

Luther - 2x01 - "Episode 1"
Un episodio excelente que culmina con el momento más terrorífico del año (y no me refiero sólo a la televisión).

Misfits - 3x02 - "Episode two"
Misfits sigue mostrando y haciendo cosas que otras series no se atreven ni a pensar y el cambio de sexo de Curtis de este episodio es la prueba de ello.

Modern family - 2x09 - "Mother Tucker"
La aparición de la madre de Cam supone un buen número de situaciones embarazosas y descacharrantes.

Modern family - 2x18 - "Boys' night"
Un capítulo con 3 frentes abiertos realmente divertidos, la amistad entre Luke y su vecino, Haley haciendo de niñera de Lily y la mejor, Jay saliendo de copas con Mitch, Cam y sus amigos gays.

Modern family - 2x19 - "The musical man"
El monovolumen de Phil... no hace falta decir más.

South Park - 15x07 - "You're getting old"
Puede que la música, el cine y el mundo en general parezca una mierda, pero este episodio es genial.

Spartacus: Gods of the arena - 1x02 - "Missio"
Crixus casi vence a Gannicus, Batiatus se venga de Tullius, Gannicus es obligado a acostarse con la mujer de Oenomaus y éste mata al Doctore y sustituyéndole en la casa de Batiatus. El drama, las artimañas y la acción se suceden sin dar respiro al espectador.

Spartacus: Gods of the arena - 1x05 - "Reckoning"
Las maquinaciones de Lucretia llegan a lo más alto cuando asesina al padre de Batiatus y sin querer a Melitta, con todo lo que eso desata.

Supernatural - 6x09 - "Clap your hands if you believe"
Con Ben Edlund a los mandos del guión siempre sabemos que nos espera un gran episodio y gracias a éste, Supernatural recobró el gusto por los chorrisodios.

Supernatural - 6x15 - "The french mistake"
Una broma de puro metacine o en este caso, metatelevisión. En una pirueta sin precedentes Dean y Sam saltan a nuestra realidad y se convierten en Jensen Ackles y Jared Padelecki, protagonistas de la serie Supernatural. Lo que viene después es uno de los episodios más divertidos y originales de los últimos años.

The Chicago code - 1x01 - "Pilot"
Mundo policial, corrupción, lealtad, violencia, honor, tejemanejes políticos, es el código de la serie, es "The Shawn Ryan code".

The killing - 1x01 - "Pilot"
Aunque sabemos que la tragedia aguarda al final del episodio, no podemos evitar que el suspense, el drama y la apasionante atmósfera nos arrastren hasta él. Gran comienzo para una gran serie policiaca.

The killing - 1x12 - "Beau Soleil"
El caballero blanco de Seattle tiene un lado oscuro...

The mentalist - 3x24 - "Strawberries and cream: Part 2"
Un sorprendente final de temporada donde obtuvimos más de lo que jamás hubiéramos imaginado (aunque el comienzo de la cuarta temporada le restó interés).

TOP TRAILERS

Éste ha sido un año con grandes trailers como los de Super 8 (ochentero), Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres (puro Fincher), Harry Potter y las reliquias de la muerte (2ª parte) (emocionante) o Transformers: El lado oscuro de la Luna (espectacular), pero el mejor de todos fue el de Misión imposible: Protocolo fantasma (con el tema de Eminem) que transmitía a la perfección lo que debe ser Misión imposible, espectáculo, suspense y un mundo de espías de lo más cool.

Lista de los mejores trailers que vieron la luz en 2011:

Acero puro: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Arthur Christmas: Trailer 2 (Descarga / YouTube) / Trailer 3 (Descarga / YouTube)

Capitán América: El primer vengador: Trailer 1 (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Conan, el bárbaro: Red band trailer (Descarga / YouTube)

Cowboys & aliens: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Drive: Red band trailer (Descarga / YouTube)

El origen de los planetas de los simios: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

El topo: Trailer USA (Descarga / YouTube)

Fast & furious 5: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

G.I. Joe: Retaliation: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Harry Potter y las reliquias de la muerte (2ª parte): Trailer 1 (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Haywire: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Inmortals: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Invasión a la Tierra: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

John Carter: Trailer 1 (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

La invención de Hugo: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Las aventuras de Tintin: El secreto del unicornio: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Linterna Verde: Trailer WonderCon (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Lock-out: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Millenium: Los hombres que no amaban a las mujeres: Trailer 1 (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Misión imposible: Protocolo fantasma: Trailer 1 (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

My week with Marilyn: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Noche de miedo: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Prometheus: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Red Tails: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Rock of ages: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Shame: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Sherlock Holmes: Juego de sombras: Trailer 1 (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Snow White and the huntsman: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Super 8: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Take shelter: Trailer (Descarga / YouTube)

The amazing Spider-Man: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

The cabin in the woods: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

The Dark Knight rises: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

The mechanic: Red band trailer (Descarga / YouTube)

The pirates! Band of misfits: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Thor: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Transformers: El lado oscuro de la Luna: Trailer 3 (Descarga / YouTube)

Tucker & Dale vs evil: Red band trailer (Descarga / YouTube)

War horse: Trailer 3 (Descarga / YouTube)

Wrath of the titans: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

X-Men: Primera generación: Trailer 1 (Descarga / YouTube) / Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Bonus: The lion king rises

James Bond contra Goldfinger

2011-12-31T01:13:00.000-08:00

A James Bond se le encomienda la misión de vigilar al magnate Auric Goldfinger, quien planea en secreto asaltar la reserva federal de oro de Fort Knox, plan que Bond intentará desbaratar por todos los medios.

Tras el gran éxito cosechado con Agente 007 contra el Dr. No (1962) y Desde Rusia con amor (1963), estaba claro que poco tiempo tardaría en llegar la siguiente entrega de las aventuras del agente secreto más famoso del mundo. Sería sólo un año después del estreno de la segunda cuando llegaría a los cines James Bond contra Goldfinger (Goldfinger, 1964), que se convertiría de un plumazo en la película de cabecera de la saga, esa que con la que las demás se comparan.

Los productores intentaron contratar al director de las dos primeras entregas de la saga, Terence Young, el director llegó a trabajar en las primeras fases de preproducción y en los primeros borradores del guión, pero tras no llegar a un acuerdo económico (el director quería recibir un porcentaje de los beneficios de la película), dejó el proyecto. Entonces, el elegido por Broccoli y Saltzman fue Guy Hamilton, quien había rechazado dirigir Agente 007 contra el Dr. No (1962) en su momento.

La película reunió un excelente reparto. Sean Connery se metió en la piel del agente secreto con licencia para matar en una nueva ocasión, siendo ésta su interpretación del personaje más memorable.

Para interpretar a Goldfinger Saltzman y Broccoli querían a Orson Welles, pero como resultaba demasiado caro, se decidieron por el actor alemán Gert Fröbe tras verlo en la película El cebo (1958), donde daba vida a un asesino en serie. Fröbe apenas hablaba inglés, por lo que tuvo que ser doblado por el actor Michael Collins. El actor se dobló a si mismo en la copia alemana de la película.

Para encarnar a Pussy Galore, personaje femenino principal del film, Saltzman y Broccoli, fijaron sus ojos en Honor Blackman, la actriz estaba por aquel entonces ligada a la popular serie Los vengadores (1961-69) y para poder participar en la película tuvo que renunciar a la serie, siendo sustituida por Diana Rigg, también futura chica Bond.

El guionista Richard Maibaum (escritor fijo de la saga) se encargó de convertir la séptima novela de James Bond en su tercera aventura cinematográfica. El principal cambio que hizo respecto a la novela de Fleming fue el plan de Goldfinger, en la novela el villano pretendía llevarse todo el oro de Fort Knox, cuando, tal y como se dice en la película, serían necesarios 12 días para conseguirlo, el guionista cambio la idea del robo por la de contaminar el oro con la explosión una bomba atómica. A Saltzman no le gustó el guión y contrató a Paul Dehn (Asesinato en el Orient Express) para que lo rescribiese, fue idea de Dehn que le secuencia precréditos fuera una escena de acción si relación con el resto de la película. A Connery no le gustó el nuevo guión, por lo que Maibaum regresó a la producción. Wolf Mankowitz, guionista que había trabajado de forma no acreditada en Agente 007 contra el Dr. No, sugirió la escena en la que Oddjob usa un compactador de chatarra para deshacerse de su coche en el que hay un cadáver.

El guión final incluyó varios cambios más con respecto a la novela, el personaje de Pussy Galore en la novela es una gangster lesbiana que forma parte de un sindicato de mujeres llamadas las "hormigoneras" y al final es seducida por Bond. En la novela, Goldfinger pretende partir en dos a Bond mediante una sierra eléctrica, que fue cambiado por un láser en la película. La muerte por descompresión en la secuencia final del avión tenía como protagonista a Oddjob y no a Goldfinger, éste moría estrangulado por Bond.

El rodaje se inició el 20 de enero de 1964 en Miami, Sean Connery, quien en aquel momento se encontraba inmerso en el rodaje de Marnie, la ladrona (1964), no pudo desplazarse hasta dicha ciudad, de hecho, nunca pisó suelo americano durante la filmación de James Bond contra Goldfinger, las secuencias de Miami en las que intervenía fueron rodadas en los Estudios Pinewood de Londres. Fue allí, cuando el actor hizo su primera intervención en la película, el 19 de marzo, para rodar la secuencia precréditos que tiene lugar en el club El Scorpio. El rodaje de la película se extendió hasta el 21 de julio del mismo año.

Aparte de Miami, el rodaje tuvo lugar en otras localizaciones del mundo, como en diversos emplazamientos de Suiza (vistos en la secuencia en la que Bond conduce su Aston Martin por las montañas y conoce a Tilly Masterson o para mostrar los exteriores de la fábrica de Goldfinger) o en Kentucky (exteriores de Fort Knox), aunque el grueso del rodaje tuvo lugar en los Estudios Pinewood antes mencionados, allí Ken Adam construyó el impresionante decorado de Fort Knox, la recreación de la reserva de oro fue increíblemente precisa, algo sorprendente teniendo en cuenta que los miembros del equipo jamás accedieron al interior del lugar real por cuestiones de seguridad. Su trabajo fue tan sobresaliente que Adam y su equipo recibieron una carta de felicitación por parte del Controlador de Fort Knox.

El estreno de la película fue un auténtico bombazo, más de lo que nadie pudo preveer, el público se agolpó en la entrada de los cines deseando ver la película convirtiéndola en todo un éxito. La película se creó teniendo en el punto de mira al mercado norteamericano y dió en el blanco, sólo en los EE.UU. recaudó 51.081.062 de dólares y en el resto del mundo 73.800.000 de dólares, situándose como la película más taquillera de 1964, algo impresionante teniendo en cuenta que su presupuesto fue tan solo de 3 millones de dolares.

El éxito de la película se vió también recompensado con un Oscar a los mejores efectos de sonido, premio que recibió Norman Wanstall.

La película es una sucesión de secuencias memorables, Jilly Masterson muerta con el cuerpo cubierto de pintura color de oro, Bond a punto de ser cortado por un láser, la persecución con el Aston Martin repletó de gadgets, Oddjob cortando la cabeza de una estatua con su sombrero, la pelea entre Bond y Oddjob en Fort Knox, el contador de la bomba atómica parándose en "007", podría estar así todo el día.

En James Bond contra Goldfinger sí es oro todo lo que reluce, ya que todos los implicados dieron lo mejor de si mismos. Guy Hamilton nunca estuvo tan acertado como en esta película, le imprime un gran ritmo a la historia y la corona con pequeños detalles de buen artesano, como la introducción de Oddjob sólo con la silueta de su sombra o el plano aéreo que presenta Miami y que termina con un hombre saltando de un trampolín y que se encadena con otro plano bajo el agua en el que se encuentra Felix Leiter. El guión es un mecanismo de relojería bien ajustado, donde cada secuencia está tratada con mimo y se hace gala de un sentido del humor de lo más acertado, no como en la era Moore (la anciana que vigila la entrada de la factoría de Goldfinger, la celda de Bond repleta de esbirros tras una primera fuga del agente, la partida de golf llena de trampas). Ken Adam creó decorados que aun hoy día siguen asombrando, sobre todo el de Fort Knox. La banda sonora de John Barry es como siempre excelente, acompañada por uno de los mejores temas salidos de una película de Bond, "Goldfinger" cantado por Shirley Bassey. Y no me olvido de los actores, todos fantásticos, donde destaca Fröbe y su Goldfinger, posiblemente el mejor villano de la saga, inteligente, codicioso, astuto y despiadado a partes iguales.

Ésta fue la película en la que Bond se convirtió en Bond. Aquí tenemos el primer gadget, el primer "Un Martini, sacudido, no agitado", la primera aparición del Aston Martin DB5 y la primera vez que vemos el laboratorio de Q. Agente 007 contra el Dr. No y Desde Rusia con amor sentaron las bases, pero James Bond contra Goldfinger fue la que dio el salto de agente secreto a superagente secreto, de personaje a icono. El resto de la saga, con la excepción del reboot producido con Casino Royale (2006), se basó en imitar el modelo creado con esta película (se nota principalmente en Panorama para matar (1985), que sigue a pies juntillas el film de Hamilton).

Ver el mayor robo del siglo ideado por la mente criminal de Goldfinger y con 007 intentando desbaratar sus planes es una delicia para el espectador al que le gusta el buen cine de aventuras y de acción. Recuerdo el increíble impacto que la película me causó cuando la vi siendo un crío, el mundo de Bond, era algo único, fascinante y genial, lleno de villanos megalómanos, coches repletos de gadgets, bellas mujeres, viajes alrededor del mundo y el mejor héroe de acción salvando el día, todo eso no hacía más que despertar mi imaginación. Y esa sensación me la sigue transmitiendo a día de hoy tras cada nuevo visionado y es que el paso del tiempo la ha tratado estupendamente (incluso su estética sixties le queda de maravilla) y sigue siendo tan efectiva como el primer día. Es un film irrepetible y la quinta esencia de lo que debe ser un film de 007.

Curiosidades:

El número de muertos en la película asciende a 62.

La compañía Aston Martin fue inicialmente reacia a dejar sus coches para la producción. Tras el consecuente pago, entregaron a la producción dos Aston Martin DB5, uno para las secuencias de conducción y otro para que Ken Adam y su equipo montasen los gadgets. Gracias al enorme éxito de la película el DB5 se hizo increíblemente popular, tanto que sus ventas aumentaron en un 50% después del estreno del film. Después de eso los productores nunca más tuvieron que pagar por incluir un coche sus películas.

Ésta es la única película de la era Connery en la que no se enfrenta a Blofeld o a su organización criminal SPECTRE.

Honor Blackman es la chica Bond de mayor edad de toda la saga, tenía 37 años cuando rodó la película.

Albert R. Broccoli dijo que ésta era una de sus tres películas favoritas de la saga junto con Desde Rusia con amor y La espía que me amó.

En el guión original la bomba de Fort Knox se detenía cuando el contador llegaba a 003, pero los productores decidieron que era mejor que Bond detuviera la bomba cuando llegase a 007.

Ésta es la única película de EON Productions con Connery como Bond en la que el personaje no acaba en el mar.

Sean Connery se lesionó su espalda durante el rodaje de la pelea con Oddjob en Fort Knox, lo cual retrasó el rodaje.

Ésta es la película de 007 preferida de Steven Spielberg, causó tal impacto en él que incluso se compró un Aston Martin DB5 como el que aparece en la película. Cuando rodó Atrápame si puedes, donde hay una referencia a esta película, utilizó su propio coche en las escenas en las que Leonardo DiCaprio aparece conduciendo un dicho coche.

Primera película de la saga en la que la canción suena durante los títulos de crédito iniciales.

El personaje de Sylvia Trench estaba previsto que volviese después de su aparición en las dos primeras entregas, pero tras entrada de Guy Hamilton en el proyecto se descartó esa idea.

Como en muchas de las películas de la saga, al final de los títulos de créditos finales se anunciaba el título de la siguiente entrega a estrenarse, la película anunciada fue Al servicio secreto de su Majestad. Pero cuando los productores tuvieron problemas para conseguir las localizaciones en Suiza necesarias para la película decidieron realizar en su lugar Operación Trueno. El título de la película de los créditos fue cambiado más adelante por el de Operación Trueno.

Hay varios cameos a lo largo de la película. El futuro director Garry Marshall (Pretty Woman), es uno de los gangsters que se reunen con Goldfinger cuando éste les explica su "Proyecto Grand Slam". Michael G. Wilson, futuro guionista y productor de la saga, aparece como un soldado en Fort Knox.

El presupuesto de la película fue igual a la suma de las dos primeras producciones juntas.

Primera aparición de un rayo láser en una película.

El actor Cec Linder (Felix Leiter) fue el único miembro del reparto que realmente estuvo en Florida para el rodaje de las escenas de Miami.

Primera película de la saga en la que Bond aparece en la secuencia precréditos (en Desde Rusia con amor era otro agente el que se hacía pasar por 007 y acababa asesinado).

Fue idea de Guy Hamilton que al Aston Martin se le pudieran cambiar las matrículas después de recibir una multa.

El actor Harold Sakata, que interpreta a Oddjob, se quemó su mano al rodar la secuencia de su muerte, como quería hacerlo bien, continuó hasta que el director gritó "Corten".

Primera vez que Bond aparece durante los créditos iniciales, las escenas corresponden a la propia película. Por otra parte se muestran también secuencias de las anteriores películas, la guarida del Dr. No explotando de Agente 007 contra el Dr. No y la persecución del helicóptero de Desde Rusia con amor (1963). Todas las escenas se proyectan sobre el cuerpo de Margaret Nolan, quien interpreta a Dink en la película.

Gadgets:

Aston Martin DB5 con modificaciones como ametralladoras, asiento ejectable, cortina de humo y matrículas intercambiables.

El homero, un dispositivo radar, el grande Bond lo usa para seguir el coche de Goldfinger y el pequeño lo oculta en el tacón de su zapato para que el MI6 determine su posición.

The thief and the cobbler

2011-11-30T12:17:00.000-08:00

The thief and the cobbler es un film animado que narra la historia de un zapatero que quiere conseguir el corazón de una princesa, la de un ladrón que quiere hacerse con el tesoro del reino y la de un visir que lleva la guerra a la ciudad para conseguir la mano de la princesa. Pero también es la historia de un director que durante 28 años trató de realizar la película de sus sueños, como ésta le fue arrebatada y el film quedó inacabado. Fue otro director el encargado de completarla siendo pésimos sus resultados. Podría decirse que la historia detrás de la película es incluso más interesante que la propia película. Una compleja y larga historia que paso a relataros y como toda buena historia ésta empieza con un...

ÉRASE UNA VEZ...

Una película que tardó 28 años en realizarse (lo que la convierte en la película con el mayor tiempo de producción de la historia). Sus comienzos datan de 1964, cuando el director Richard Williams tuvo la idea de hacer una película sobre Mulla Nasruddin, un personaje del folclore oriental sobre el que Williams había hecho las ilustraciones de un libro de Idries Shah que recogía cuentos sobre el personaje.

Para poder financiar su película, Williams se encargó con el paso de los años de varios proyectos, como A Christmas carol (1971) (que le reportó su primer Oscar), Raggedy Ann & Andy: A musical adventure (1977) o diversos anuncios, para de forma paulatina desarrollar su proyecto, que 1969 tenía el nombre de "The amazing Nasruddin", éste fue el primero de varios nombres por los que pasó el proyecto, después recibiría el de "The majestic fool" y más tarde el de "Nasruddin!".

En 1972 la familia Shah amenazó con demandar a Williams por los derechos del guión, ya que consideraban que eran los dueños de las historias sobre Nasruddin que recogía el libro, por lo que exigieron el 50% de los beneficios de la película. Debido a este problema, Williams decidió parar la producción. No fue hasta 1973 cuando Williams anunció que la producción tomaría un nuevo rumbo. Para esquivar las demandas de la familia Shah, se abandonó el personaje de Nasruddin y Wiliams escribió con la ayuda de su mujer un nuevo guión, que contaba con una historia original vagamente inspirada en Las mil y una noches, que sería el verdadero nacimiento de "The thief and the cobbler". Aun así Williams aprovechó casi todo el material ya creado hasta el momento que no incluyese al personaje de Nasruddin y lo utilizó para la nueva película. De todas formas, Nasruddin realiza un cameo, aparece entre la multitud sentado de espaldas en un burro cuando Zigzag entra en la ciudad (como muestra la imagen inferior).

Williams se rodeó de los mejores animadores para crear su película, nombres ligados a la era dorada de la animación como los de Art Babbitt, Emery Hawkins o Grim Natwick, y vistos los resultados de la película, el director extrajo lo mejor de todos ellos. Juntos trabajaron en los estudios de Williams en Londres en una producción que se fue haciendo cada vez más y más ambiciosa, tal y como declaró Williams "La idea es hacer la mejor película de animación de la historia, realmente no hay ninguna razón para no hacerla". No eran palabras dichas al azar, Williams y su equipo hicieron cosas increíbles, como crear efectos en tres dimensiones con escenas dibujadas a mano, cuando no existía la tecnología para generar esas imágenes por ordenador. Y como nota de la calidad de su trabajo, apostaron por realizar la película a 24 fotogramas por segundo, cuando la animación más barata lo hace a 12. Además de apostar por un glorioso formato panorámico.

En 1978 un golpe de suerte pareció tocar a la producción, un príncipe de Arabia Saudí llamado Mohammed Feisal se interesó por la película y acordó financiar a modo de prueba, 10 minutos de la misma, presupuestados en 100.000 dólares. Éste podía ser el espaldarazo definitivo que necesitaba la película para despegar. Williams se decantó por la compleja secuencia de la máquina de guerra para realizar dicha prueba. El director no cumplió el plazo establecido en dos ocasiones, finalmente logró terminar la secuencia en 1979 con un coste final de 250.000 dólares. Aunque la calidad de la misma estaba fuera de toda duda, el príncipe decidió salirse de la producción por no cumplirse los plazos y por los excesos presupuestarios. Ésta no fue la gran oportunidad que le permitió a Williams meter su película en plena fase de desarrollo, esa tardaría unos años en llegar con los nombres de Spielberg y Zemeckis ligados a ella.

En 1984 el productor Gary Kurtz (La guerra de las galaxías, Cristal oscuro) se compromete a ayudar a la película, la cual recibe un pequeño impulso económico y es promovida por estudios y fans de la animación.

Williams conoció a Jake Eberts (El nombre de la rosa, Bailando con lobos) en 1986, éste mediante su productora Allied Filmmakers financió la película poniendo 10 de los 28 millones que terminó costando la producción. Allied Filmmakers, junto con su socia de ventas, Majestic Films, comenzaron a promocionar la película en los comercios de la industria bajo el título de "Once...".

Robert Zemeckis y Steven Spielberg se hicieron eco de una exitosa proyección de 12 minutos de la película de Williams y decidieron echarle un vistazo por si mismos. Su reacción fue tan entusiasta que le encargaron a Williams que dirigiese las secuencias de animación de ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988), película que dirigiría Zemeckis con la producción de Spielberg. Williams aceptó hacerlo para así conseguir financiación para The thief and the cobbler y poder terminarla. Disney y Spielberg le dijeron que si aceptaba le ayudarían a distribuirla. ¿Quién engañó a Roger Rabbit? fue un éxito enorme y Williams ganó 2 Oscars por su trabajo, además consiguió un acuerdo de financiación y distribución con Warner Bros. para The thief and the cobbler. Williams también consiguió dinero de inversores japoneses. La película por fin entró en plena producción en 1989, dejando de ser una producción independiente. Irónicamente ese fue el principio del fin.

Por su parte Disney comenzó a trabajar en Aladdin (1992), película que guardaba varias coincidencias en tono y estilo con The thief and the cobbler. Además el personaje de Zigzag (villano de la función) tiene semejanzas con Jafar y el Genio de Aladdin. Añadiendo que Jafar tiene a Iago, un loro, como esbirro y en Zigzag tiene a su vez a Phido, un buitre. El personaje del Rey Nod de The thief and the cobbler es muy similar al Sultán de Aladdín, lo mismo que su relación con el villano, quien quiere traicionarle y tiene planes de casarse con su hija. Jasmine y Yum-Yum son mujeres de gran belleza que se enamoran de un hombre pobre, pero de buen corazón.

Con la producción de una rival directa como Aladdin en marcha, el productor Fred Calvert pidió a comienzos de 1991 que se hiciese un análisis del estado de la producción. Williams había incumplido la fecha de finalización de la película y aun le quedaban por completar entre 10 y 15 minutos de metraje, lo que implicaba varios meses más de producción. Al director se le pidió que mostrará a los inversores un borrador de la película, completando las escenas restantes con storyboards. Williams tardó dos semanas en hacer lo que los productores le habían pedido. Completó una primera versión de la película, combinando material terminado, pruebas hechas a lápiz y storyboards, esa versión es en gran medida la que se ha distribuido por internet con el nombre de "Recobbled cut" y es la que se considera como la más cercana a la película que Williams imagino.

Esa versión de prueba fue mostrada a la Warner y tuvo una mala recepción. En septiembre de 1992 la productora perdió la confianza en la película y se retiró del proyecto. La compañía Completion Bond tomó el control y Williams quedó apartado de su película. Los inversores japoneses también dejaron la producción después de una fuerte recesión que sufrió su país.

Completion Bond le encargó a Fred Calvert terminar la película de la forma más rápida y barata posible. Calvert hizo muchos cambios respecto al film de Williams. Se contrataron a nuevos guionistas y restructuraron la película, aunque intentaron incluir todo el material posible creado por Williams. El personaje de Tack, hasta entonces no hablaba paso a tener voz. Y las voces ya grabadas para los personajes fueron grabadas de nuevo. Se añadieron cuatro (horribles) canciones. Se infantilizó en un intento de "disneyzar" la película (por ejemplo, la versión de Williams incluía más de 1.000 muertes, pero tras el paso de Calvert se redujeron a menos de 100). Calvert tuvo la película terminada en 18 meses, tiempo que necesitó para echar por tierra la película de Williams, la magistral animación de éste fue sustituida por otra de pésima calidad. Aun así Calvert intentó mantener todo el metraje de Williams que pudo, pero daba igual el daño ya estaba hecho.

Dos versiones de la película fueron estrenadas, la primera en 1993 en Australia y Sudáfrica con el título de The princess and the cobbler y la segunda en 1995 en EE.UU. como Arabian knight (en su distribución en video recuperó su título original y fue vendida como The thief and the cobbler). The princess and the cobbler fue distribuida por Majestic Films Internacional y Arabian knight por Miramax Films. La película fue en EE.UU. un absoluto fracaso comercial, donde sólo recaudó 669.276 dólares.

Los actores que ponían voz a los personajes cambiaron de una versión a otra. Sean Connery fue Tack en la versión original, Steve Lively lo fue en la versión de Majestic Films y Matthew Brodderick/Steve Lively en la versión de Miramax. La Princesa Yum-Yum tuvo la voz de Hilary Pritchard en la versión original, la de Bobbi Page en la de Majestic y Jennifer Beals/Bobbi Page en la de Miramax. Vincent Price se mantuvo como Zigzag en las tres versiones. Anthony Quayle puso voz al Rey Nod en la versión original y Clive Revill en las otras versiones.

VALORACIÓN

Tras ver el "Recobbled cut" de la película, la versión más cercana a la visión de Williams, nos encontramos con un caso similar al de Superman II: El montaje de Richard Donner, la película que vemos no es más que una muestra de lo que pudo haber sido y no fue, una aproximación a una película que en realidad nunca existió. De modo que, a la hora de opinar sobre la película lo haré siendo consciente de ese hecho.

Nunca sabremos si el film hubiera sido la mejor película de animación de la historia como pretendía Williams, pero lo que sí sabemos es que se trata de una obra cumbre del género. Su animación distinta, fascinante, extraña, por momentos surrealista, de formas geométricas y de inspiración árabe, es un punto y aparte dentro del género. Cada secuencia es un intento de un "más difícil todavía", un reto constante para los sentidos, cuya base parece ser la épica por la épica. El nivel de la producción es tan monumental, que uno llega a comprender que Williams nunca lograse terminarla, la producción era demasiado ambiciosa. Hay secuencias que el director estira y estira, rizando el rizo, como si simplemente intentara epatarnos con su técnica, mostrándonos hasta donde puede llegar. Además Williams llena la pantalla de miles de detalles que se escapan en un primer visionado, que no hacen más enriquecer aun más la obra.

Se agradece su tono adulto, alejado del cine de animación de Disney, así como su apuesta de potenciar la imagen por encima de la palabra, acertadamente Williams la definió como "una película muda con mucho sonido", todo se apoya en la imagen, en contar una historia de forma visual, lo que la convierte en cine en estado puro. Lo que no quiere decir que el guión no esté a la altura, la película no bebe sólo de la animación, hay escenas genialmente escritas, como la resolución de la amputación de las manos del ladrón, tan inteligente como simpática.

Hay secuencias que son una maravilla para la vista, la persecución del ladrón y el zapatero por el palacio es una muestra constante de hallazgos visuales, unos simples clavos cayéndose al suelo se convierte en algo espectacular, el ladrón volando con unas alas improvisadas deja con la boca abierta, el travelling que va desde la ciudad dorada hasta un primer plano del villano One Eye desafía todas las leyes de la animación, pero la secuencia que se lleva la palma es la de la máquina de guerra, una sucesión inagotable de gags visuales llevadas hasta el infinito, que supone uno de los mayores hitos de la historia de la animación.

Por ponerle una pega a la película, ésta sería la falta de cohesión entre la historia del ladrón y la del zapatero, aunque ambas siguen el mismo camino, transmiten la sensación de ser dos películas distintas, que apenas parecen guardar relación entre ellas. Pero esto es simplemente por buscarle algún defecto, ya que no afecta al avance de la historia.

El ladrón termina siendo el rey de la función, aunque la historia principal es la del zapatero, termina siendo el ladrón quien roba (literalmente) cada escena, sus apariciones son lo mejor de la película (mi preferida es durante el partido de polo en la que la pelota parace tener vida propia), siempre repletas de gags. El personaje bebe a partes iguales de los cartoons de los Looney Tunes como de las estrellas del cine mudo como Charles Chaplin y Harold Lloyd.

Un canto de amor a la animación tradicional, el sueño incumplido de un director, una película sin fin perdida en el tiempo, una joya que el propio ladrón ansiaría robar, todo eso es The thief and the cobbler, y sobre todo, una película a descubrir. Aun sin importar que el "Recobbled cut" no sea esa deseada versión definitiva, merece la pena que le déis una oportunidad y os dejéis llevar por esta producción única e inolvidable, la experiencia merece la pena.

Un hombre lobo americano en Londres

2011-10-31T01:26:00.000-07:00

"Cuidado con la Luna."

Este artículo contiene spoilers no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Dos jóvenes americanos que están de vacaciones recorriendo Europa, son atacados por un lobo mientras se encuentran en Inglaterra. Uno muere, pero el otro logra sobrevivir y conforme se acerca la noche de luna llena nota que algo está cambiando en su interior, por lo que comienza a sospechar que se está convirtiendo en un hombre lobo.

John Landis escribía y dirigía en 1981 un pequeño clásico del cine de terror con toques de comedia, Un hombre lobo americano en Londres (An american werewolf in London). Licántropos, zombies, pesadillas, enfermeras, la luna llena y Londres son sus ingredientes. Y David Naughton, Griffin Dunne y Jenny Agutter son sus protagonistas.

El origen de la historia surgió en 1969, cuando Landis tenía 19 años, el director participó en el rodaje de Los violentos de Kelly (1970) en Yugoslavia, película en la que realizó tareas de ayudante de dirección. Mientas conducía por el país con un miembro yugoslavo del equipo, se encontraron con un funeral gitano. Al director le llamó la atención que el difunto fuera cubierto de ristras de ajos y rosarios y que se le enterrase de pie a gran profundidad, su compañero le explicó que según las costumbres gitanas, esto se hacía para que el difunto no regresase de la muerte.

Esa fue la semilla de la que Landis partió para desarrollar su guión, pero éste evolucionó mucho antes de dar con la historia definitiva, tal y como explicaba el director "Sabía que no quería hacer un asesino en serie o un zombie, quería algo donde realmente tuvieras que suspender tu incredulidad. Me decidí por los hombres lobo sobre todo porque, a parte de los fantasmas, son los únicos monstruos realmente internacionales, toda cultura tiene historias de hombres-bestia. ¡Incluso Drácula puede convertirse en un lobo!. Dicho eso, tuve la imagen del hombre lobo de Lon Chaney, por lo que se añadió ese elemento de tragedia". La referencia a El hombre lobo (1941) no es gratuita, Un hombre lobo americano en Londres es una puesta al día de la clásica historia del hombre lobo.

El guión tardó varios años en ser llevado a la pantalla mientras Landis conseguía el dinero para poder financiarlo. El director se ocupó de otros proyectos mientras tanto, curiosamente su debut como director fue una comedia de terror, El monstruo de las bananas (Schlock, 1973), donde conoció al alguien imprenscindible para realizar Un hombre lobo americano en Londres, al maestro de los efectos de maquillaje Rick Baker. En 1971 le entregó a Baker el guión de Un hombre lobo americano en Londres, con la idea de que éste realizase los efectos de maquillaje. Durante años estuvieron hablando sobre el proyecto y como llevar a cabo los complejos trucajes que la película requería. Cuando Baker encontró la forma realizarlos, bajo una técnica que el denomino "Change-O-Head", pero como Landis aun no había conseguido para realizar el film, esas ideas tuvieron que seguir esperando hasta que se pudiese realizar la película.

Gracias a sus éxitos de taquilla consecutivos con Made in USA (1977), Desmadre a la americana (1978) y Granujas a todo ritmo (1980) pudo conseguir el dinero necesario para su realización. De modo que, Landis se puso en contacto con Baker para ponerse manos a la obra con la película, pero éste le comunicó que ya se encontraba trabajando en otra película de hombres lobo, Aullidos (1981), en la que estaba utilizando las técnicas que había diseñado para Un hombre lobo americano en Londres, con el consiguiente disgusto para Landis. Pero Baker, que llevaba casi 10 años esperando trabajar en la película, abandonó el rodaje de Aullidos y se fue a trabajar con Landis. Su ayudante en aquella película, Rob Bottin lo sustituyó en el rodaje. Botttin terminaría siendo otro de los maestros del maquillaje (La cosa, Robocop, Desafío total) y durante un años se le atribuyeron las técnicas que había ideado Baker ya que el estreno de Aullidos fue anterior al de Un hombre lobo americano en Londres.

La técnica "Change-O-Head" antes mencionada, consistía en una cabeza retráctil gracias a un mecanismo interno y que estaba además recubierta de una piel plástica que podía estirarse el doble que el látex. Siguiendo la misma técnica, Baker creó además otras partes de un cuerpo humano como una mano, una espalda, orejas, piernas y pies. También construyó un lobo animatrónico de enormes proporciones cuyas patas delanteras eran movidas por un técnico que iba metido dentro, mientras que era empujado por detrás por dos personas a modo de carretilla. Su impresionante trabajo marcó un antes y un después dentro del campo de los efectos de maquillaje. Fue tal el impacto de sus creaciones, que la Academia de Hollywood creó la categoría de mejores efectos de maquillaje ese mismo año, premio que Baker ganó con todo merecimiento y que le permitió ganar a Un hombre lobo americano en Londres su único Oscar.

La película ofrece además nuevas ideas dentro de la temática licántropa, como lo son las apariciones fantasmales de las víctimas del hombre lobo en forma de zombies en continuo proceso de descomposición que vienen a atormentar al último hombre lobo y que no cesaran hasta que éste haya muerto. Otra idea harto interesante es el uso de los sueños como forma de mostrar como el protagonista está cambiando internamente tras la mordedura del hombre lobo y que desencadenará en su transformación cuando llegue la luna llena. Cada escena nos deja más aterrorizados, el plano casi subliminal de David convertido en su ser de largos colmillos y ojos amarillos es aterradora y la que se lleva la palma es la escena del asalto de los monstruos nazis, una pequeña joya del terror en si misma, que nos transmite una considerable dosis de mal rollo y que aun por encima termina siendo un sueño dentro de un sueño.

Pero lo que siempre será recordado de la película es la escena de la transformación, convertida en un clásico. La escena es mostrada en primer plano, sin cortes y a plena luz del día, un auténtico logro. La secuencia es perfecta y fascinante a cada plano, incluso con el paso del tiempo no ha perdido su fuerza y poder de fascinación.

John Landis también se ve transformado por la luna llena en un director desconocido, manejando con habilidad los resortes del terror, aderezándolo todo con toques de su bien conocida comedia (aquí más negra que nunca, como refleja la introducción de los protagonistas montados en un camión llenos de ovejas, ellos también están camino del matadero). Consiguiendo así, su mejor trabajo de dirección. Landis nunca ha vuelto a repetir los aciertos de esta película, momentos como el ataque en el metro (con ese plano desde lo alto de las escaleras mecánicas), el asedio del lobo fuera de cámara a David y Jack al comienzo de la película y la mítica secuencia de la transformación antes comentada. Del mismo modo éste es el mejor guión salido del puño de Landis, pese a no ser ninguna maravilla, se nota una preocupación especial por el material, como lo demuestran el diálogo entre David y sus víctimas en el cine porno o su decisión de no finalizar la película con el clásico happy end.

El estreno de la película fue acompañado de un estimable éxito comercial, los 10 millones de presupuesto se convirtieron en 30.565.292 de dólares en la taquilla norteamericana. La película ha ido ganando adeptos desde entonces, lo que la ha convertido en toda una película de culto y también en el título más recomendable de su director. No es una obra maestra, de hecho, considero que está bastante sobrevalorada, pero sí es un eficaz film de terror y que ha sido realmente influyente dentro del género (principalmente por sus avances con los efectos de maquillaje), lo cual no está nada mal. Seguro que Landis nunca esperó conseguir tanto.

Curiosidades:

Todas las canciones que suenan a lo largo de la película tienen la palabra "moon" en su título.

Landis quería que otras tres canciones más apareciesen en la película, que no pudieron usarse por diferentes razones, "Moonshadow" de Cat Stevens, que el cantante no permitió usarla porque acababa de convertirse al Islam; una versión de "Blue Moon" cantada por Bob Dylan, que el cantante no permitió usar ya que tras su conversión al Cristianismo no quería que su música fuese usada en una película calificada para el público adulto y otra versión de "Blue Moon", ésta cantada por Elvis Presley, sobre la cual pendía un pleito por sus derechos de utilización.

John Landis suele incluir la frase "Nos vemos el próximo miércoles" en la mayoría de sus películas, en ésta, es el título de la película que David y Jack ven en un cine porno de Picadilly Circus. Un póster de la película puede verse en la secuencia del metro antes de que el hombre sea atacado.

Los ejecutivos del estudio querían que Dan Aykroyd interpretase a David y John Belushi a Jack, idea que Landis rechazó.

John Landis realiza un cameo, puede vérsele brevemente al final de la película, es el hombre que es atropellado por un coche en Picadilly Circus y lanzado contra un escaparate. Landis realizó el mismo la escena sin uso de dobles, de hecho, su comienzo en el mundo del cine fue como especialista.

Landis se fijó en David Naughton tras verlo en un anuncio de televisión de Dr. Pepper.

La mujer que se encuentra a David desnudo en el zoo, no sabía al rodar la escena que David Naughton estaría desnudo, sólo sabía que un hombre saldría y diría algo, de modo que su reacción al verlo fue real.

David Naughton declaró que la escena de la cama en medio del bosque fue la más difícil y dolorosa de rodar, por aquel entonces se usaban lentes de contacto de cristal, que tuvieron que usarse para caracterizarle como el ser de ojos amarillos en el que aparece convertido en la escena.

Según Landis, la película El discreto encanto de la burguesía (una de sus películas preferidas) fue la que le inspiró la idea de la secuencia del sueño dentro del sueño.

Al finalizar los créditos hay un mensaje de felicitación por la boda del príncipe Carlos y Lady Di. Fue incluido porque hay una escena en la que David grita "El príncipe Carlos es un maricón". El anuncio de la boda coincidió con el rodaje de la película.

Al final de los créditos hay un aviso legal que indica que "Cualquier parecido con personas vivas, muertas o no-muertas es pura coincidencia". Landis usó la misma broma en los créditos del videoclip Thriller que también dirigió.

Las autoridades fueron muy reticentes con el rodaje de la escena del ataque del lobo en Picadilly Circus, ya que varios años antes durante el rodaje de una persecución en el mismo lugar para la película Atraco a la inglesa (1967) acabó con desastrosos resultados, incluso con detenciones entre miembros del equipo. Pero la buena experiencia que tuvo Landis en el rodaje de Granujas a todo ritmo (1980) con la policía de Chicago ayudó a olvidar los impedimentos iniciales.

En su momento se creyó que el fragmento mostrado de "El show de los Teleñecos" que aparece durante la pesadilla de David no era real y que había sido rodado a propósito para la película. Pero en realidad se corresponde con un programa nunca emitido en los EE.UU.

Aunque la película fue la primera en recibir el Oscar en la recién instaurada categoría de mejor maquillaje, la Academia ya había premiado anteriormente a dos películas por sus maquillajes de forma honorífica, fueron 7 faces of Dr. Lao (1964) premio que recibió William Tuttle y El planeta de los simios (1968) entregado a John Chambers.

El look final del lobo estaba basado en el perro de Rick Baker, Bosco.

Los hermanos de David se llaman Rachel y Max (que se mencionan en la llamada telefónica que hace David a su casa). Rachel y Max son los nombres de los hijos de John Landis.

La secuencia de la muerte de los tres vagabundos era más larga, mostrándose de forma explícita como eran atacados por el lobo, pero en un pase de prueba de la película, el público reaccionó tan mal a dicha escena que Landis decidió retirarla del montaje final.

La duración de la banda sonora instrumental compuesta por Elmer Bernstein para la película es de tan solo 7 minutos.

En 1997 se estrenaría una secuela en la que Landis nada tuvo que ver, Un hombre lobo americano en París. Curiosamente, Landis se planteó en su momento situar la historia en París, idea que finalmente desestimó al considerar que Londres era la ciudad más adecuada para ambientar su película.

Para la escena del zoo en la que David se despierta en la jaula de los lobos, los animales fueron alimentados previamente para evitar que atacasen al actor, de todos modos, los lobos estaban acostumbrados a la presencia humana. La secuencia se rodó a la primera toma.

Inicialmente la idea de Landis era mostar al monstruo lo menos posible en pantalla, pero cambió de idea porque adoró el trabajo que había hecho Rick Baker.

Como en otras muchas películas de Landis, Frank Oz tiene un pequeño papel, aquí como el embajador americano que intenta consolar a David.

La primera secuencia de la película fue la primera en rodarse y la última fue la última en rodarse.

A Michael Jackson le encantaba esta película y tras verla se dio cuenta que Landis era el director ideal para su videocliplip Thriller. Cuando Landis se encargó de realizarlo, se llevó consigo a la mayoría del equipo de la película, a Elmer Bernstein para componer la música, al director de fotografía Robert Paymer, a la diseñadora de vestuario Deborah Nadoolman, al productor y montador George Folsey Jr., al también montador Malcolm Campbell y por supuesto a Rick Baker para crear los efectos de maquillaje.

Para la última secuencia en la que aparece el personaje de Jack, no fue posible maquillar a Griffin Dunne para que pareciese un cadáver andante, por lo que se creó un animatronic. El actor ayudó al hombre que lo manejaba diciendo sus líneas al mismo tiempo.

Baker y Landis tuvieron diferencias sobre como debía ser el diseño del monstruo, Baker quería que fuera un hombre lobo que caminase sobre sus piernas, pero Landis insistió en que quería que fuese "un perro de cuatro patas del infierno", éste fue el diseño que se realizó finalmente.

Brazil

2011-09-30T15:29:00.000-07:00

"Éste es el recibo por su marido. Y éste es mi recibo por su recibo."

Este artículo contiene spoilers no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

En un universo futurista gris y altamente tecnológico, Sam Lowry, un joven burócrata verá como su mundo cambia cuando intente corregir un error administrativo, a causa del cual trabará amistad con un fontanero considerado un terrorista, conocerá a la mujer de sus sueños y será perseguido por el Ministerio de Obtención de Información, entidad totalitaria que vigila a todos los ciudadanos.

1984+1

Única, original, subversiva, inclasificable, imaginativa, satírica, son adjetivos que le quedan como anillo al dedo a la obra maestra de Terry Gilliam, Brazil (Brazil, 1985), mezcla de ciencia ficción, futuro distópico y comedia negra, que supone una de las obras cumbres del cine de los 80.

Según relataba el director, la idea de la película le vino de la siguiente forma "Brazil empezó cuando estando sentado en una playa de Gales, en Port Talbot, la cual era una ciudad de acero. Ellos traen el carbón de los barcos en esas grandes cintas transportadoras. Así que la playa es negra. Está cubierta con polvo de carbón. Era un día triste y horrible y tuve esa imagen de un tipo solitario sentado en esa playa con la radio puesta y de repente suena esa música que el nunca a escuchado antes (no hay música como esa en su mundo) está allí. Y eso le haría creer que hay un otro mundo allí fuera, un mundo mejor. Y esa era la América de los años 40. Nosotros siempre estábamos yendo al sur, a Río y crecí en ese tiempo de sueños. Y parecía que el mundo de los sueños estaba en algún lugar de Sudamérica, donde todo sería perfecto."

Partiendo de esa imagen el ex-Monty Python comenzó a escribir el guión ayudado por Charles Alverson, coguionista de Gilliam en La bestia del reino (1977), su primera película en solitario. Aunque Alverson cobró por su trabajó, no fue acreditado por el mismo. Más tarde se sumaron Tom Stoppard (Shakespeare in Love) y Charles McKeown (El imaginario del Doctor Parnassus) para terminar de construir el guión, el cual conoció varios títulos como, "1984 ½" (un homenaje no solo a la novela de George Orwell si no también a Federico Fellini), "The ministry" o "How i learned to live with the system... so far" hasta dar con el definitivo Brazil.

El papel protagonista recayó en un actor no demasiado conocido por aquel entonces, Jonathan Pryce, papel que fue escrito especialmente para el actor y al que el actor correspondió con una interpretación excelente. Pryce se vio rodeado de un fabuloso grupo de intérpretes, donde figuraban Robert De Niro, Kim Greist, Ian Holm, Bob Hoskins, Katherine Helmond, Jim Broadbent y Michael Palin.

Es necesario hablar del increíble diseño de producción (que seguro que se llevó una buena parte de los 15 millones de su presupuesto), obra de Norman Garwood y Maggie Gray, que va desde los decorados, pasando por todos los artilugios vistos a lo largo el film y sobre todo por esa enorme ciudad, que termina convirtiéndose en un personaje más. El excelso trabajo de Garwood y Gray fue recompensado con una de las dos nominaciones al Oscar que recibió la película, la otra seria al mejor guión original para Terry Gilliam, Tom Stoppard y Charles McKeown. La película debería haber recibido varias nominaciones más aquel año y como mínimo una para Michael Kamen por su excelente banda sonora.

La idea de Gilliam era tomar elementos de diferentes épocas y ponerlos todos juntos, edificios de los años 20, vehículos de los 50, posters de propaganda similares a los de la Segunda Guerra Mundial, televisión que emite películas de cine clásico, vestuario que abarca varias décadas de mitad de siglo y alta tecnología parece diseñada en la década de los 50. Todo esto crea la sensación de un mundo futuro asentado en el pasado. Y es imposible no ver la influencia que esa estética tuvo en films posteriores como en los Batman de Tim Burton, el Dark city de Proyas o las películas que Jeunet y Caro realizaron juntos. Estos últimos fueron los que definieron (acertadamente) el estilo de la película como retrofuturismo.

Para completar la película fueron necesarios 9 meses de rodaje, 6 de montaje, conflictos con la actriz protagonista y la perdida de sensibilidad de las piernas de Gilliam causado por el estrés del rodaje. Pero la historia de Brazil sólo acababa de empezar...

LA BATALLA DE BRAZIL

En enero de 1985 Gilliam completó la película, el montaje era de 142 minutos. La productora Universal tenía los derechos de distribución de EE.UU. y la 20th Century Fox los del extranjero. Esta última aceptó el montaje de Gilliam y estrenó la película, primero en Europa, donde cosechó muy buenas críticas. Pero Universal decidió no estrenarla en suelo norteamericano, según Sid Sheinberg, presidente de la compañía por aquel entonces, el final era demasiado deprimente y suponía que la película sería un fracaso. Además Gilliam se había comprometido por contrato que la película no excedería los 132 minutos, cosa que incumplió. Por estas causas la película cayó en un embargo por parte de la productora y su estreno se vio pospuesto sine die. Así comenzó la batalla de Brazil.

Gilliam creó un nuevo montaje de 132 minutos ayudado por el editor Julian Doyle para así cumplir sus obligaciones contractuales. Universal hizo su propia versión de una duración de 94 minutos editada por Bill Gordean y Steve Lovejoy, esta versión fue posteriormente conocida como la "Love conquers all", que poseía el deseado happy end de Sheinberg. Dicha versión eliminaba varias de las secuencias de los sueños y hacía mayor hincapié en el humor usando todo el material posible de Sam y Jill. Se perdía toda la parte final de la película con el fatal destino de Sam. Todo terminaba con Jack y Jill escapando de la ciudad y viviendo felices en una casa en el campo.

Para conseguir que la Universal estrenase su versión de la película, Gilliam decidió prescindir de los abogados y atacar a la productora de una forma mucho más personal, para ello el 2 de octubre de 1985 publicó un anuncio a página completa a modo de esquela en la famosa revista Variety que decía "Querido Sid Sheinberg, ¿Cuando vas a estrenar mi película 'BRAZIL'? Terry Gilliam".

No contento con esto, Gilliam acompañado de Robert De Niro, fue al programa Good morning America para hablar sobre la película. En un momento de la entrevista el presentador le comentó a Gilliam "Bueno Terry, he oído que tienes problemas con este estudio". Gilliam respondió "No tengo problemas con este estudio. Tengo problemas con un hombre, su nombre es Sid Sheinberg y luce así" y mostró a cámara una foto de 8x10 de Sheinberg que llevaba encima. Lo que hizo enfurecer más aun a Sid Sheinberg.

Gilliam se convirtió en el Sam Lowry de la historia, pero en lugar de luchar contra la sociedad que le ha tocado vivir, lo hizo contra la industria de Hollywood.

Más tarde le invitaron a dar una clase de cine en la USC (Universidad del Sur de California), Gilliam accedió y preparó para la clase un clip de la película como ayuda audiovisual. Cuando el estudio se enteró, no permitió que se mostrase el clip de la película. Durante la clase, Gilliam fue interrumpido por llamadas telefónicas de los ejecutivos del estudio. Ellos permitieron finalmente que se mostrase el clip. El video que mostró era realmente la película entera.

Varios pases privados más tuvieron lugar, incluyendo uno para los miembros de Los Angeles Film Critics Association en un cuarto trasero del Club de Tiro de Beverly Hills. La gran apuesta de la Universal para ese año era Memorias de África y sucedió algo imprevisto el día de su estreno, Brazil recibió los premios de mejor película, mejor director y mejor guión del año por parte de Los Angeles Film Critics Association. No era necesario que la película hubiese sido estrenada, sólo que fuese realizada. Esto empañó la que debería haber sido la gran noche de la Universal. A vista de todo el mundo, se habían negado a estrenar la que era considerada la mejor película del año. Después de eso el estudio decidió estrenar el 20 de diciembre la versión de 132 minutos de Gilliam, aunque sólo en una sala de Los Angeles sin promocionarla lo más mínimo. Con el tiempo se aumentarían el número de salas, pero dentro de un marco minoritario, aun así la película recaudaría en los EE.UU. 9.929.135 de dólares.

Al final Gilliam logró algo que Lowry nunca consiguió, un final feliz y Brazil no se quedó sólo en el mundo de los sueños y de las películas perdidas. Fue el final de la batalla, la lucha por una tierra inhóspita, extraña, fértil en ideas, más allá de los límites de la imaginación y de nombre exótico, una tierra conocida como Brazil.

VALORACIÓN

Brazil siempre será recordada como la gran obra de Terry Gilliam, un reflejo de todos sus intereses, miedos, ideas, obsesiones y sobre todo, la más clara demostración de su estilo visual. Cada plano de la película guarda en si mismo una idea, un estilo propio, un algo que lo hace especial y lo diferencia del resto.

La imaginería de la película no conoce fin, las escenas memorables se suceden sin descanso, principalmente en la primera mitad de la película, la mejor, dotada de una fluidez narrativa que roza la perfección (los saltos entre el mundo real y el de los sueños se hacen de manera precisa y de tal forma que ambos hilos argumentales se complementan entre sí). En la segunda mitad, que coincide con la llegada de Sam al Ministerio de Obtención de Información y el inicio de su historia de amor con Jill, todo se vuelve demasiado caótico y bizarro y hay escenas que se desarrollan de forma atropellada, como la huida de Sam y Jill del M.O.I. en el camión de ella y la posterior persecución que envuelve a ambos, aun así, esta parte es excelente y posee un buen número de escenas antológicas (la lucha por una mesa a través de una pared, Sam inutilizando el tubo neumático de su despacho), pero no alcanza el mismo nivel que la primera mitad, aunque lo compensa su portentoso final.

Es fácil recurrir a la comparación con "1984", pero la película tiene su propio estilo y universo particular. Gilliam coge lo que más odia de la humanidad y lo usa para crear la que es posiblemente la mejor película distópica que se haya realizado. La deshumanización de la sociedad moderna por causa de la burocracia y la tecnología, la obsesión por la cirugía estética, la perdida de libertad por causa del gobierno, el terrorismo como arma política, todos esos temas conviven en la película y también otras muchas ideas que van más allá del guión (como la progresiva confusión entre sueño y realidad de la que hace gala la película).

Pero a parte de todo eso, es además una película sobre el amor, sobre uno imposible, puede que "love not conquers all", pero es lo que hace despertar al protagonista de su letargo moral (cfr. la frialdad con la que se comporta cuando conoce a la viuda de Buttle en su apartamento) y lo que le lleva a cuestionarse el mundo que le rodea. Pero en el mundo de Brazil no hay lugar para los finales felices, cuando Sam es rescatado al final de la película y huye con Jill, no es posible que lo que estamos viendo sea real, la irrupción de Lint y Helpmann en pantalla nos despierta de ese sueño idílico en el que estábamos sumergidos con una bofetada, todo ha sido un falso happy end. Sam como ese Ícaro que viene a representar en sus sueños, vuela demasiado cerca del sol y termina perdiendo sus alas, su verdadero destino es quedarse en una silla sólo con su locura, una canción que tararear y el mundo de los sueños como única forma de escape. Ese es uno de los finales más lucidos que se hayan creado. Ese es el mundo de Brazil.

Curiosidades:

Ésta era la película preferida de River Phoenix y mientras rodaba la película Dark blood con Jonathan Pryce, éste a modo de regalo, arregló un encuentro con Terry Gilliam, pero esto nunca sucedió porque el actor murió la noche anterior de una sobredosis.

Se barajaron varias actrices para interpretar a Jill, Ellen Barkin, Jamie Lee Curtis, Rebecca De Mornay, Rae Dawn Chong, Joanna Pacula, Rosanna Arquette, Kelly McGillis y Madonna fueron consideradas antes de que Kim Greist se llevase el papel. La favorita de Gilliam era Barkin.

El número de muertos en la película asciende a 25.

La Señora Buttle nunca parpadea durante la escena en la que Sam le comunica en su apartamento la muerte de su marido.

Terry Gilliam realiza un cameo en la película, es el fumador que observa escondido como Sam llega al apartamento de Buttle.

Robert De Niro quería interpretar a Jack, pero Gilliam ya le había prometido a Michael Palin el papel. Como De Niro aun quería participar en la película se llevó el papel de Tuttle.

El papel de Sam Lowry fue escrito con Jonathan Pryce en mente muchos años antes de que la película fuera filmada. En el guión original el personaje era un hombre a punto de entrar en la treintena, pero antes de realizarse la película el guión se rescribió para adaptarse a la edad de Pryce que por aquel entonces tenía 37 años.

El cinturón de herramientas y todos los gadgets de Tuttle fueron sugeridos por el propio Robert De Niro.

En una de las escenas finales puede verse entre los instrumentos de tortura de Jack Lint una pelota de goma y un chupete.

La película es, según Gilliam, la segunda entrega de su "Trilogía de la imaginación", siendo las otras Los héroes del tiempo (1981) y Las aventuras del Barón Munchausen (1988).

Gilliam declaró su desagrado con la interpretación de Kim Greist, por lo que cortó o redujo muchas de sus escenas. Algunas de esas escenas fueron usadas para la versión "Love conquers all" del estudio.

Kim Greist fue por error acreditada como "Kim Griest" en alguna de las ediciones de la película.

Están vivos

2011-08-31T05:05:00.000-07:00

"Ellos viven. Nosotros dormimos."

Un hombre normal y corriente encuentra por casualidad unas gafas de sol con las que descubre que entre los humanos cohabitan extraterrestres y como éstos los han convertido en sus esclavos mediante mensajes subliminales. El protagonista intentará por todos los medios hacer despertar a la humanidad de su condición.

Los 80 fueron una década de lo más fructífera para John Carpenter, durante esa época estrenó varios de sus mejores largometrajes, La niebla, 1997: Rescate en Nueva York, La cosa, El príncipe de las tinieblas y la película que aquí nos ocupa, Están vivos (They live, 1988).

El origen de la película lo encontramos en una interesante historia corta titulada "Eight o'clock in the morning" escrita por Ray Nelson y que fue publicada en The magazine of fantasy and science fiction en 1963, la historia de un hombre que tras despertar de una sesión de hipnosis descubre que toda la humanidad ha sido hipnotizada por una raza alienígena que la manipula a su antojo y sólo tiene hasta las 8 de la mañana del día siguiente para resolverlo. Dicha historia fue adaptada en formato cómic por Bill Wray en 1986, con el título de "Nada", publicada en el Nº 6 del cómic de antologías Alien Encounters bajo el sello Eclipse Comics. Fue la versión cómic la que conoció Carpenter y decidió comprar los derechos tanto del relato como del cómic y realizar su adaptación al cine.

Carpenter reclutó a un grupo de actores poco conocidos. El luchador de wrestling Roddy Piper se llevó el papel protagonista después de que el director lo viese en WrestleMania (lo que fue una elección no del todo acertada). Su compañero de fatigas en la película fue interpretado por Keith David, para quien Carpenter había escrito expresamente el papel, tras el buen recuerdo que tenía de él de su colaboración en La cosa (1982). El resto del reparto se completó con Meg Foster, Peter Jason y Raymond St. Jacques.

Los apuntes sobre la crítica a la sociedad de consumo que conlleva la película fueron introducidos por Carpenter, según declaró el director "Volví a ver televisión otra vez y rápidamente me di cuenta de que todo lo que vemos está diseñado para vendernos algo. Lo único que quieren hacer es coger nuestro dinero". Añadió además "Ellos quieren poseer todos nuestros negocios. Un ejecutivo de la Universal me preguntó '¿Dónde está la amenaza en eso? Nosotros vendemos todos los días'. Al final usé esa frase en la película."

Los alienígenas protagonistas son la cara de los problemas de la sociedad, aquellos que nos rodean, pero que no somos capaces de ver, ellos son la sociedad de consumo, el capitalismo a toda costa, la dependencia de la televisión y la manipulación política. Gracias a ideas como esa Están vivos se convierte en ciencia ficción de la buena, esa que nos habla de cosas trascendentales mediante una excusa o argumento fantástico (aquí regado también con grandes dosis de sarcasmo, mala leche y diversión). Carpenter nos coloca las gafas de sol de Nada para que veamos una película de ciencia ficción clásica, como las que ya no se hacen (ese blanco y negro ocasional es una prueba de ello), con invasiones extraterrestres, repugnantes aliens, antihéroes destinados a salvar al mundo y mucha crítica social. La película tiene el espíritu de la mejor serie B y desprende el gusto de la sci-fi bien entendida, de hecho, Están vivos fue posiblemente la última gran película de ciencia ficción de los 80.

La película guarda grandes momentos, pero ninguno como la brutal e interminable pelea entre Roddy Piper y Keith David, una de las mejores de la historia. Según Carpenter la razones para crear la secuencia fueron según sus palabras "Dos cosas. En primer lugar, que nunca había visto una pelea en una película durar tanto tiempo y pensé que sería genial. Y Roddy Piper viene del mundo del wrestling y quien mejor para saber sobre peleas. Así que, el gran problema con la pelea fue la cantidad de tiempo que nos llevó ensayarla. Ellos necesitaron un mes y medio y eran tan buenos que estaban golpeándose el uno al otro haciendo contacto."

La película fue un discreto éxito comercial, sus reducidos 4 millones de presupuesto se convirtieron en 13.008.928 de dólares en la taquilla norteamericana. Por otro lado, el film no supuso un éxito crítico en su momento, parece como si todo el mundo estuviese tan ciego como la humanidad en la propia película y no supieron apreciar la propuesta de Carpenter, pero poco a poco el tiempo la va colocando en el lugar que merece, hoy día ya es una película de culto, pero algún será considerada un clásico.

Curiosidades:

El único personaje de toda la película que tiene nombre y apellido es Holly Thompson, interpretada por Meg Foster.

La revista Total Film colocó a Están vivos en el puesto 29 de su lista de "The 34 greatest cult movies all time". Y la revista Entertaiment Weekly la aupó al puesto 38 de su lista "The top 50 cult movies".

La frase (de la versión original) "I have come here to chew bubble gum and kick ass, and I'm all out of bubble gum" fue improvisada por Roddy Pipper. El actor tomó la frase de una lista de ideas que él había creado para sus entrevistas como luchador de wrestling.

Durante la película nunca es mencionado el nombre del personaje interpretado por Roddy Piper, en los créditos finales indica que el personaje se llama Nada. El protagonista del relato de Ray Nelson se llama George Nada.

John Carpenter fue el autor del guión aunque aparece acreditado como Frank Armitage, personaje de El horror de Dunwich de H. P. Lovecraft.

Roddy Piper estaba casado durante el rodaje de la película y se negó a quitarse su anillo de bodas. El anillo es visible en varias escenas.

Los comunicadores que usan los guardas son los medidores PKE de la película Los cazafantasmas (1984).

El precio del poder

2011-07-26T01:01:00.000-07:00

"El mundo es tuyo."

Este artículo contiene spoilers no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Tony Montana llega desde Cuba a los EE.UU. con una idea muy clara, triunfar a cualquier precio. Pronto se adentrará en el mundo criminal de Miami e irá subiendo peldaños hasta convertirse en un importante capo de la droga, pero creará a su paso peligrosos enemigos.

El precio del poder (1983) nació como un remake del film de Howard Hawks, Scarface, el terror del hampa (1932), pero terminó siendo algo más que un remake al uso, la odisea criminal de un delincuente cubano hasta convertirse en un capo de la droga, devino en unos de los grandes clásicos del cine negro.

El origen esta nueva versión viene del interés personal de Al Pacino por interpretar al personaje principal de la película de Hawks, el actor que fascinado por la película y el papel protagonista "Era, ya sabes, una película increíble, asombrosa. Y la interpretación de Paul Muni era asombrosa e inspiradora. Y pensé que después de eso, que sólo quería, sí, quería imitarle, quería hacer algo y fue inspirado por esa interpretación. Y llamé a Marty Bregman, quien entonces juntó a algunas personas y comenzaron a trabajar en el desarrollo de esto como una película".

La idea inicial era hacer un remake ambientando la historia de nuevo en el Chicago de los tiempos de la ley seca. El proyecto le fue ofrecido a Brian De Palma, quien rechazó la oferta al no interesarle contar la misma historia que Hawks otra vez. El proyecto pasó a manos de Sidney Lumet, quien tuvo la idea de ambientar la historia en Miami, a principios de los 80, cuando se produjo el boom de la cocaína. Martin Bregman, productor de la película, contrató a Oliver Stone para que escribiese el guión de la película, quien se puso manos a la obra para investigar sobre el mundo de la droga de Miami y Colombia. Cuando Stone terminó el guión se lo mostró a Lumet, a quien no le gustó, pero que sí convenció a Pacino y Bregman. Como consecuencia Lumet dejo el proyecto, que le fue ofrecido de nuevo a De Palma, que esta vez sí acepto realizar la película.

En su investigación del mundo de los traficantes de drogas, Oliver Stone llegó a poner en peligro su vida, dado que los traficantes con los que trataba sospechaban que era un policía de la brigada de estupefacientes por todas las preguntas que les hacia sobre su negocio. Stone incorporó al guión muchos detalles reales de su investigación, así como el lenguaje y crímenes reales. Pero el grueso del guión lo escribió en Francia mientras se recuperaba de su adicción a las drogas. Su guión definitivo tenía 140 páginas, que fue sensiblemente recortado por De Palma a la hora de plasmarlo en imágenes. El director eliminó partes que acontecían en el campamento de refugiados y escenas con la madre de Tony Montana.

La película tuvo grandes problemas con la censura. De Palma presentó la película a la MPAA, que decidió ponerle la calificación por edades más alta, una X. El director recortó algunos planos de película y volvió a presentarla, la respuesta fue la misma, una X. Esto se repitió con el tercer montaje de la película. La MPAA seguía insistiendo que la película aun era demasiado violenta. Entonces De Palma y Bregman iniciaron una campaña en los medios de comunicación para luchar por su versión y como la MPAA quería recortar la película. El director volvió a presentar el primer montaje de la película a la MPAA, que finalmente puso a la película la calificación "R", por lo que al final la película estrenada fue la versión del director.

Estaba previsto que la mayoría del rodaje se realizase en Miami, pero antes de comenzar varios representantes de la comunidad de inmigrantes cubanos de Miami se hicieron con una copia del guión y se sintieron ofendidos por la imagen que daba de ellos. Sintiendo verdadero peligro por la postura de estos colectivos, el productor Martin Bregman decidió llevar el rodaje a Los Angeles. Diferentes localizaciones de la ciudad hicieron de Miami, como por ejemplo, Little Tokyo sirvió para hacer de la Pequeña Cuba y otras localizaciones de Los Angeles se usaron para recrear Bolivia (en Montecito se rodaron la escenas de la mansión de Sosa). En los estudios Universal se crearon los espectaculares decorados del Club Babylone y los interiores de la mansión de Montana. En Nueva York se rodó toda la parte del intento de asesinato al periodista. Y sólo al final del rodaje se desplazaron a Miami para rodar allí durante 2 semanas.

La película produce un curioso efecto y es que gana con cada nuevo visionado, la primera vez que uno se enfrenta a la película no puede dejar de impactarse por sus imágenes, llenas de violencia, sangre, tacos, drogas e incluso notas de incesto. La película es increíblemente excesiva y eso puede causar un cierto rechazo en su primer visionado (y es posible que esta fuera la razón de su rechazo crítico en su estreno). Pero una vez ya se ha aceptado el juego creado por De Palma/Stone/Pacino uno va descubriendo poco a poco detalles en ella que demuestran que estamos ante un gran film.

De la cámara de De Palma salen secuencias portentosas, como el plano que cruza la calle desde una habitación en la que se encuentra Tony hasta el coche donde está Manny (jugando inteligentemente con el sonido que nos muestra como Manny no puede escuchar lo que acontece en la habitación), el asesinato de Rebenga en el campo de refugiados (una muestra de suspense magistral), el intento de asesinato de Tony en el club Babylone (anticipado por el detalle de que todos los presentes se ríen menos los dos asesinos) o el portentoso y popular tiroteo final.

El guión de Stone guarda detalles formidables, el modo en que Tony descubre la traición de Lopez mediante una llamada telefónica, la resolución del intento de asesinato del periodista por parte de Tony (eliminando al hombre de Sosa demostrando que tiene principios al no querer matar a los hijos del periodista) o el asesinato de Lopez (Tony no se rebaja a asesinarlo, deja que Manny lo haga). Además la historia se sitúa en un contexto histórico de lo más interesante, el exilio de ciudadanos (y criminales) cubanos a Miami a comienzos de los 80, coincidiendo con el boom de la cocaína, el escenario perfecto para una historia criminal.

El mundo es de Tony Montana y la película también. Todo es tan excesivo, violento y enloquecido como él. Toda la película es una prolongación de él mismo que lo impregna todo. Los decoradores son tan enormes como el ego megalomaníaco de su protagonista. El color que predomina en la fotografía es el rojo, como la sangre que salpica a borbotones la pantalla. La música es tan hortera y grotesca como el propio Tony.

Montana es un personaje autodestructivo que arrasa todo a su paso y destruye a todos aquellos que le rodean. Con tal de saciar su sed de poder pasará por encima de quien sea. Es un personaje ambiguo (pese a ser despiadado posee un fuerte código moral) y a la vez fatalista (su obsesión le saldrá cara, al final lo terminará perdiendo todo).

En su estreno fue un moderado éxito comercial, sus 25 millones de presupuesto se convirtieron en 44.668.798 dólares en los EE.UU., a los que hubo que sumar los 20.476.000 dólares recaudados en el resto del mundo.

Como comenté antes, en el momento de su estreno la película no fue bien recibida por la critica, pero el paso del tiempo la ha colocado en el lugar que merece, demostrándose que fue una película adelantada a su tiempo, por su forma de mostrar la violencia (hiperrealista), por su duración (de casi 3 horas), por su espíritu megalómano, por su uso del lenguaje, por su muestra del mundo del tráfico de drogas de una forma como nunca se había visto antes (y que todo el mundo imitó después). También por todas estas razones se convirtió en una película de culto absoluto.

Escenas eliminadas:

En la edición en dvd de la película se incluyeron 20 minutos de metraje eliminado, que incluyen las siguientes secuencias:

Hay varias escenas que acontecen en el campamento de refugiados. Una conversación entre Tony y Manny en el campamento de refugiados, que desarrolla más su relación. Una escena en la que Tony intenta hablar con su hermana desde una cabina telefónica. Después hay una conversación entre Tony, Manny y Angel sobre su situación en el campamento y lo que harán cuando salgan de él.

Una escena previa al encuentro que acaba con la secuencia de la motosierra, en la que Tony, Manny y dos compinches hablan sobre las chicas de Miami.

Tony y Manny se entrevistan con un traficante de drogas de poca monta en su casa.

Durante la visita de Montana a Sosa en Bolivia, éste le muestra los jardines de su casa y le presenta a su novia Gabriela.

Tony y Manny tienen su primer encuentro con su abogado.

Tony discute sobre un trato de drogas en un restaurante.

Cuando Alberto (el hombre de Sosa) está colocando la bomba bajo el coche del periodista en Nueva York, Tony es avisado de que un coche de policía se está acercando a ellos, Tony distrae a la policía haciéndoles creer que está buscando a su perro perdido.

Curiosidades:

La película está dedicada a Ben Hecht y Howard Hawks, guionista y director de la película original.

La palabra "fuck" es dicha en la película 226 veces.

El número de muertos de la película asciende a 42.

Steven Bauer es el único actor cubano del reparto principal.

John Travolta fue considerado para el papel de Manny Ribera.

Miriam Colon, quien interpreta a la madre de Tony Montana, sólo era 4 años mayor que Al Pacino.

Oliver Stone recibió el sueldo más alto pagado hasta la fecha por un guión, una suma que ascendía hasta los 300.000 dólares.

La película fue nominada a los premios Razzie en la categoría de peor director.

La revista Entertainment Weekly la colocó en el puesto número 8 en su lista de "Las 50 mayores películas de culto".

Steven Spielberg, amigo de Brian De Palma, visitó el set de rodaje y ayudó a rodar una toma, un breve plano de los bolivianos en el tiroteo final en la mansión de Tony Montana.

Oliver Stone llamó al protagonista Tony Montana por su jugador de fútbol americano favorito, Joe Montana.

Rodando el tiroteo final Al Pacino, se quemó la mano cuando agarró la ametralladora por la culata antes de que enfriase. el cañón. El tiempo que necesito el actor para recuperarse, lo utilizó De Palma para rodar el resto de planos de la secuencia en los que Pacino no aparecía.

En la secuencia inicial, cuando Tony Montana es interrogado por unos oficiales de inmigración, los actores que los interpretan fueron doblados por Charles Durning y Dennis Franz.

Al Pacino utilizó la palabra "yeyo" cuando rodó la secuencia de la motosierra para referirse a la cocaína. Fue una improvisación del actor que le gustó tanto a De Palma, que el director decidió usarla en el resto de la película. Pacino descubrió la palabra mientras aprendía el acento cubano.

Aunque Tony Montana es cubano y supuestamente debería hablar en español, él sólo dice una frase en ese idioma en toda la película.

Las armas de fuego tenían instaladas dispositivos electrónicos de sincronización para que sólo disparasen cuando el obturador de la cámara estaba abierto. Esto permitió que los fogonazos de los disparos fuesen más visibles que en la mayoría de las películas.

Oliver Stone cobró el sueldo más alto jamás pagado por un guión, 300.000 dólares.

Al Pacino le pidió al director de fotografía John A. Alonzo (de descendencia mexicana) que le hablara siempre en español para ambientarse.

La frase "El mundo es tuyo" que aparece en dos momentos de la película (tras la muertes de Lopez y Montana) también aparecía en el film original en una cartelera cuando moría el personaje interpretado por Paul Muni.

El tiempo en sus manos

2011-06-19T06:20:00.000-07:00

Este artículo contiene spoilers no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un científico construye en 1899 una máquina del tiempo con la que pretende conocer el destino del hombre. Comenzará un viaje que le llevará por diferentes épocas de la historia hasta llegar al año 802.701, donde se encontrará un futuro como jamás había imaginado.

Subámonos en la máquina del tiempo y viajemos hasta 1895, un desconocido escritor, de nombre H. G. Wells publica su primera novela, "La máquina del tiempo", que escribió en el tiempo récord de 15 días. Parte del libro ya había sido publicado dos años antes en el "Henley's National Observer", toda la parte referida a la máquina y a los viajes en el tiempo. El éxito de esta novela fue el primer paso que Wells dio para convertirse en uno de los maestros de la ciencia ficción.

Avancemos hasta 1953, George Pal estrena su última producción, La guerra de los mundos, basada en una novela de H. G. Wells. La película se convierte en un gran éxito y la familia del escritor quiere proseguir con las adaptaciones de su obra a manos de Pal. Le preguntan por cual de sus obras está interesado y Pal se decanta por "La máquina del tiempo", según su opinión es la que tiene más posibilidades de ser adaptada. George compra la opción sobre la novela para adaptarla, pero Paramount, productora de La guerra de los mundos, no está interesada en el proyecto. Aun así Pal contrata a David Duncan (Viaje alucinante) para escribir el guión.

Las primeras discusiones fueron sobre como adaptar la novela, si llevarla a los tiempos actuales o realizarla en la época que fue escrita. Finalmente decidieron situar la historia a finales del siglo XIX porque hacía más creíble para el público la existencia de la máquina del tiempo, al mostrar acontecimientos reales (por ejemplo, la Primera y Segunda Guerras Mundiales), aceptarían más fácilmente después la existencia del mundo de los Eloi y los Morlocks.

Existen varias diferencias entre película y novela, entre las principales, en la novela los Eloi no hablan inglés, los Morlocks son blancos en lugar de azules y los Eloi nunca se revelan contra los Morlocks. En la novela el viajero deja el mundo de los Eloi/Morlocks para viajar al futuro de éstos y después realiza otro viaje más hacia el futuro antes de volver a casa, mientras que en la película avanza siempre hacia el futuro haciendo diferentes paradas hasta llegar al mundo de los Eloi/Morlocks. En la novela el protagonista no tiene nombre, simplemente es "el viajero del tiempo", en la película se le dio nombre, George (posiblemente H. G. Wells). El final de la novela es desolador, Weena muere y el viajero avanza en el tiempo hasta descubrir el destino de la humanidad, la extinción. El final de la película es mucho más positivo, George ayuda a los Eloi a liberarse de los Morlocks y destruye el mundo subterráneo de éstos y después de regresar a su hogar en 1900, viaja de nuevo al futuro para reencontrarse con Weena y para ayudar a los Eloi a crear un futuro más próspero.

Nuestra siguiente parada es 1958. Pal se encuentra en Inglaterra rodando El pequeño gigante para la MGM. Su presidente, Matthew Raymond, le pregunta a Pal si tiene en mente algún nuevo proyecto, el director lo tiene claro "La máquina del tiempo". Tras completar El pequeño gigante, Pal se puso manos a la obra con la película, reunió un reparto compuesto por Rod Taylor (excelente en la película), Alan Young y Yvette Mimieux y junto a Raymond desarrolló un presupuesto de 850.000 dólares para rodar la película, de los cuales Pal sólo gastó 827.000.

Hagamos un último viaje hasta 1959, año del rodaje de la película. Lo más complejo del mismo fue la creación de sus sorprendentes efectos visuales. Para darles vida se utilizaron diferentes técnicas, como fotografía time-lapse (las flores abriendo sus pétalos en unos pocos segundos), stop-motion (el caracol moviéndose a toda velocidad en la casa del viajero), matte paintings (los planos que muestran el futurístico palacio de los Eloi) o miniaturas (la destrucción de la ciudad en 1966). El gran trabajo técnico realizado fue recompensado con el Oscar a los mejores efectos visuales, premio que se llevaron Gene Warren y Tim Baar con todo merecimiento.

El diseño de la máquina del tiempo protagonista fue creado por William Ferrari, Mentor Huebner y George Pal. Como Wells había descrito el ingenio de una forma muy superficial en su novela, les permitió a Pal y los suyos libertad absoluta para diseñarla. Fue idea de Ferrari partir de una silla de barbero de principios de siglo XX y que después adoptase la forma de un trineo. La máquina siguió tomando forma cuando instalaron los controles en la parte frontal. Lo último en montarse fue la parte posterior giratoria, Ferrari sugirió que la máquina necesitaba algo que le diese sensación de movimiento y de ahí surgió la rueda a modo de radar.

El tiempo en sus manos guarda grandes momentos para el recuerdo, como ese libro deshaciéndose en las manos del protagonista, los cambios que el viajero percibe a su alrededor al desplazarse adelante en el tiempo (y que poseen un encanto irresistible), la destrucción del mundo en pleno 1966, el encuentro del viajero con cientos de huesos humanos en la guarida de los Morlocks (la clase obrera devorando a la clase alta) o los tres libros que el viajero se lleva al futuro y que nunca sabremos cuales son.

La película es una aventura en los confines del tiempo, donde su trama sencilla y alentadora es compensada por unos efectos visuales que valen más que cualquier paradoja temporal, un futuro más fascinante que el mayor agujero de gusano y una máquina del tiempo que nada tiene que envidiar a ningún DeLorean o cabina telefónica.

El film fue un éxito comercial y significó una de las cumbres de la ciencia ficción de los 60, creando desde su estreno una legión de fans que ha ido creciendo hasta el día de hoy, lo que la ha convertido en una película de culto. El viajero, su máquina, los Eloi y los Morlocks son ya, historia del cine.

Curiosidades:

En la placa del panel de control de la máquina del tiempo se puede leer "Manufacturada por H. George Wells".

"Eloi" significa "Mi Dios" en arameo.

Para el plano final de la casa del protagonista fue necesario usar técnicas matte paintings para conseguirlo, ya que la casa real fue destruida después de rodar las secuencias iniciales y Pal quería mostrarla al final de la película.

George Pal se hizo amigo del animador Walter Lantz, desde que éste realizó un corto del Pájaro Loco para su producción Con destino a la Luna (1950). Como tributo a su amigo, Pal intentó incluir referencias al Pájaro Loco en sus posteriores películas. En El tiempo en sus manos podemos ver como una niña pierde un muñeco del famoso cartoon durante la escena del ataque aéreo y como vuelve para recogerlo.

La lava del volcán era realmente harina de avena con colorante para alimentos de color naranja y rojo.

La primera elección de George Pal para interpretar al viajero fue Paul Scofield. También se tanteó a Michael Rennie y James Mason.

George Pal planificó durante mucho tiempo una secuela de la película, pero los guiones presentados fueron rechazados por la MGM.

Rod Taylor quería a Shirley Knight para el papel de Weena.

En 2002 se estrenó un remake de la película protagonizada Guy Pearce, Samantha Mumba y Jeremy Irons y dirigida por Simon Wells, bisnieto de H. G. Wells.

Alan Young, quien interpreta a David Filby y a su hijo James, es el único actor que de la película que trabajó también en su remake.

La cantante y compositora Peggy Lee escribió una canción para la película de título "The land of the deal" que finalmente no fue usada.

Yvette Mimieux (Weena) era menor de edad cuando comenzó el rodaje, de hecho, cumplió 18 años durante el mismo. Carecía de experiencia, pero conforme avanzaba el rodaje su trabajo era cada vez mejor, de modo que, volvieron atrás y rodaron sus primeras escenas de nuevo.

George Pal se quedó con la versión en miniatura de la máquina del tiempo que puede verse al principio de la película, pero se perdió cuando la casa de Pal fue destruida en un incendio.

La máquina del tiempo original fue vendida en una subasta de la MGM en 1971. El ganador era el dueño de un espectáculo ambulante. Cinco años después fue encontrada en una tienda de segunda mano y el historiador de cine Bob Burns, la compró por 1.000 dólares.

Rod Taylor e Yvette Mimieux volverían a trabajar juntos en la película Último tren a Katanga (1968).

La máquina del tiempo realizó cameos en otras producciones posteriores como Gremlins (1984) y El mago de la velocidad y el tiempo (1988).

El hijo más joven de George Pal, Peter, interpretó a uno de los Morlocks.

Previously in... "Películas de culto"

2011-05-30T10:19:00.000-07:00

Un lustro es el tiempo que ha pasado desde que en este blog se publicó el primer post y desde entonces de forma ininterrumpida se ha mantenido en activo todos los meses. 5 años pueden no parecer demasiados, pero en años de blog son casi una vida entera. Y por lo tanto me parece un buen momento para echar la vista atrás y hacer balance de lo que Películas de culto ha dado de si en todo este tiempo.

En 2006, cuando comenzó el blog, éste era la suma de reseñas de películas, artículos de investigación, posts sobre el cine de culto y noticias ocasionales, sin saber muy bien a donde llevaría el blog y a donde me llevaría él a mi. La idea era hablar de las cosas que otros blogs no hablaban y hacer la clase de reseñas que a mi me gustaría leer. El primer arco o tema al que le preste atención y realicé una serie de artículos fue la película Superman II: El montaje de Richard Donner, película y tema que me fascinaban, que comenzó con el que es (y posiblemente siempre será) mi artículo preferido, "Superman II" según Richard Donner, que fue también el que inauguró este blog.

Ya en 2007, poco a poco, las noticias desaparecieron para no volver más. Intenté mantener una media de publicación de 2 ó 3 artículos al mes alternando reseñas y artículos puramente cinematográficos. En ese año se publicaron algunos de mis artículos favoritos aun a día de hoy (Los Goonies, Drew Struzan, el maestro de los carteles cinematográficas, Mr. Payback: An interactive movie, Series que se podrían adaptar al cine, Películas imitadoras de "Jungla de cristal", Los trailers falsos de "Grindhouse", Tron, Película más allá de los títulos de crédito y El juego de las capturas).

El 2008 fue propiedad exclusiva de los 80, con el "Año ochentero", un especial nostálgico anual dedicado a mi década más querida, donde hubo lugar para reseñas de películas, artículos relacionados con esa década y un top de mis 80 películas preferidas de los 80, sin contar toda la música de sintetizador, hombreras, cintas Beta y gráficos de 8 bits del mundo. De este especial salieron grandes artículos (1997: Rescate en Nueva York, Beta vs. VHS, Indiana Jones y el templo maldito, Indiana Jones y el rey mono, Rambo: Acorralado, parte II, Poltergeist, La productora Cannon, Jungla de cristal, Series de culto: "Cuentos asombrosos", Doble cuerpo y Willow).

En 2009, tras pasarme un año entero dedicado a un único tema y publicando varios posts al mes, decidí tomármelo con calma y publicar sólo un artículos al mes, lo que fue el momento perfecto para publicar varios posts que tenía en la recámara y de los que estaba muy orgulloso, de esa forma vieron la luz algunos de los mejores artículos que se han publicado en este blog (Waterworld, Desafío total, Los 10 mejores trailers de la historia, Darkman, Los difíciles comienzos (I), Impacto, Moonraker y Scream queens).

En el 2010, el blog se llenó de explosiones y tiroteos con el "Especial adrenalítico", un homenaje al cine de acción donde Schwarzenegger y compañía camparon a sus anchas e hicieron de las suyas en reseñas de clásicos del género, artículos con el cine de acción como leit movit y tops de todo tipo.

Este 2011 quiero recuperar el gusto por las reseñas de películas, que en los últimos años, aunque presentes en el blog, las tenía un poco abandonadas, mi idea es publicar sólo reseñas a lo largo de este año, desde febrero a diciembre una cada mes, de modo que, la máxima de este año será "2011: 11 películas de culto".

Ha sido agradable hacer este repaso a la corta historia de este blog (aunque a mi me parece enorme). Intentaré seguir al pie del cañón todo el tiempo que me sea posible y espero que vosotros sigáis estando ahí durante ese tiempo. Gracias por leerme.

La naranja mecánica

2011-05-08T01:28:00.000-07:00

Las aventuras de un joven cuyos principales intereses son la violación, la ultra-violencia y Beethoven.

Alex y sus drugos dan rienda suelta a sus instintos más salvajes día tras día en un futuro distópico. Tras asesinar a una mujer a la que pretendía robar, Alex es enviado a la cárcel, pero allí se prestará voluntario para un experimento que modificará su conducta y que lo reinsertará en la sociedad.

En julio de 1968, tras terminar 2001: Una odisea del espacio (1968) Stanley Kubrick se dispuso a trabajar en su nueva película, su título, "Napoleón". Este proyecto contaba con un guión del propio Kubrick y pretendía que Jack Nicholson lo protagonizase (tras ver al actor en Easy rider). La película necesitaría rodarse en diversas localizaciones de Europa y 35.000 extras para las grandes escenas de batalla, para ello el director tenía un acuerdo con el ejército yugoslavo que cedería sus tropas. Tras el desastroso estreno de Waterloo (1970), de similar temática que "Napoleón", la MGM productora del film de Kubrick se echó para atrás con la producción, ya que tenía miedo que su película resultara también un fracaso.

Al frustrarse su proyecto, Kubrick tuvo que buscar otro que le atrajese y sus ojos se fijaron en la novela La naranja mecánica, que el guionista Terry Southern le había regalado. La excelente novela de Anthony Burgess ya había tenido varios intentos anteriores de ser adaptada. Años antes, el escritor había vendido los derechos de la novela a Mike Jagger por 500 dólares, Jagger quiso llevarla al cine con los miembros del grupo The Rolling Stones como los drugos, pero terminó revendiendo los derechos por una cantidad mayor. Más tarde Ken Russell estuvo durante un tiempo involucrado en el proyecto, su intención era que Oliver Reed interpretase a Alex.

Anthony Burgess escribió La naranja mecánica a raíz de un trágico suceso que le aconteció durante la Segunda Guerra Mundial. Su primera esposa y él fueron asaltados por cuatro desertores norteamericanos en las calles de Londres. Su mujer, que estaba embarazada, fue agredida y violada y a causa de la agresión perdió al bebé que esperaba. El escritor cayó en una gran depresión e incluso intentó suicidarse, Burgess escribió la novela para extirpar el odio.

El escritor convirtió su novela en toda una experiencia literaria al usar un lenguaje inventado por él mismo llamado "nadsat", que es una mezcla de inglés y ruso. Durante un viaje a Leningrado el escritor se inventó técnicas mnemónicas para aprender ruso, que más tarde le sirvieron de inspiración para crear el argot de la novela. Kubrick hizo uso de él, pero lo limitó para hacer la película más accesible al público.

Kubrick hizo de nuevo gala de su fama de director perfeccionista durante y después del rodaje. Tomó miles de fotos de potenciales localizaciones para la película durante la preproducción y repitió tomas una y otra vez (por ejemplo, la escena final fue repetida 74 veces). Una vez terminada la película siguió de cerca la campaña de publicidad, supervisando los posters, anuncios y el (fabuloso) trailer. Y para sacarle el máximo partido económico en taquilla, creó una base de datos de salas de cine y proyectó la película sólo en salas de cine donde este tipo de films generaban mayores ingresos.

Para el rodaje, que tuvo lugar entre septiembre de 1970 y abril de 1971, Kubrick y su reducido equipo (de tan solo 20 personas) no contaron con un presupuesto muy elevado (sólo de 2.200.000 de dólares), así que tuvieron que utilizar varias curiosas técnicas, por ejemplo, para realizar los travellings montaron la cámara en una silla de ruedas, además grabaron el sonido con micrófonos en el set (fue una de las primeras películas en hacerlo) y fotografiaron la película con luz natural (antes de que Alcott llevará esta técnica al límite en Barry Lyndon). Entre sus geniales ideas se encuentran, rodar planos de forma subliminal (la introducción de Mr. Deltoid en la casa de Alex) o crear en la película errores de racord a propósito para producir en el espectador la sensación de desorientación (como la situación de los drugos al caer al río).

A parte de eso Kubrick experimentó mucho con la cámara, desde usar lentes de gran angular, jugar con la velocidad de la película (rodó la secuencia de sexo entre Alex y dos chicas a 2 fotogramas por segundo y para resaltar la violencia rodó otras secuencias a cámara lenta) y filmar varias secuencias cámara al hombro. Además la película posee una narrativa simétrica (Alex recorre los mismos escenarios en la segunda parte de la película) y un estilo visual simétrico (hay planos que crean esa sensación mediante la disposición de los actores en los decorados). Todo esto le confiere a la película un estilo visual único, que ya ha pasado a la historia del cine.

La entrega de Malcolm McDowell en la película está fuera de toda duda, Stanley Kubrick llegó a decir "si Malcolm McDowell no hubiera estado disponible probablemente no habría hecho la película". Pero el actor sufrió en sus carnes la dedicación a su personaje. Durante la filmación de la escena del tratamiento Ludovico se dañó una de sus corneas y quedó temporalmente ciego. Se fisuró las costillas al rodar la secuencia en la que su personaje es humillado para comprobar que se ha curado totalmente. Y casi se ahoga en la secuencia que sus antiguos amigos, ahora policías, meten su cabeza en un abrevadero, el aparato de respiración falló cuando tenía la cabeza bajo el agua.

Tras el estreno de la película se cometieron en Inglaterra dos crímenes imitando escenas o elementos de la misma. En 1972, un chico de 16 años vestido como Alex, golpeo a un compañero de clase hasta matarlo. Y en 1973, una chica alemana fue violada por unos hombres que se pusieron a cantar "Singing in the rain". La prensa se hizo eco de estos crímenes y establecieron una relación directa con la película, como incitadora de los mismos y se creo un gran revuelo en torno a ella. Kubrick empezó a recibir cartas amenazadoras contra él y su familia. Todo esto llevó al director a pedir a la Waner Bros. que retiraran la película de las carteleras en Reino Unido y prohibieran allí su exhibición. Dadas las buenas relaciones que tenía con la productora fue posible, algo inimaginable para cualquier otro director. La película pudo verse de nuevo en tierras inglesas a partir del año 2000, una vez fallecido el director.

Existen diferencias entre la novela y la película, aunque salva decir que de todas las adaptaciones de Kubrick a lo largo de su carrera, ésta es la más fiel al material original. En líneas superficiales hay cambios respecto a personajes o situaciones (la omisión del ataque a un hombre que lleva unos libros raros, el asalto a un tendero y su mujer, el asesinato de la mujer de los gatos con un busto de Beethoven es cambiado en la película por una escultura fálica, la violación de dos niñas de 10 años por parte de Alex es cambiada por sexo consentido con dos chicas de su misma edad), pero el cambio principal viene en el final de la película que difiere del escrito por Burgess.

Kubrick adaptó la versión americana de la novela, que fue publicada sin el capítulo 21, en el que Alex tras salir del hospital curado volvía a formar una nueva banda, pero se daba cuenta que la ultraviolencia ya no le interesaba y decidía formar una familia y dejar ese mundo atrás. Esto añadía una capa más a la historia, que venía ha decir que la violencia era propia de una etapa de la vida (la adolescencia), que una vez llegada a la madurez el hombre siente la necesidad de hacer algo más que destruir, quiere crear, crear vida, un futuro, una familia.

La base de la película difiere levemente, Alex privado de la facultad de poder elegir entre el bien y el mal, pero tras ser curado y salir del hospital vuelve a tener vía libre para hacer el mal de nuevo, la imagen final de la película en la que Alex tiene sexo delante de un grupo de personas mientras suena música de Beethoven nos lo da a entender. No hay redención, Alex puede elegir de nuevo y elige el mal, ya no es una naranja mecánica.

Ver por primera vez La naranja mecánica supone una experiencia irrepetible, una nueva forma de ver y entender el cine, que gracias a un estilo visual y narrativo fascinante consigue quedarse grabado en tu mente para siempre.

Kubrick nos sienta en la misma silla que a Alex y nos somete al tratamiento Ludovico, nos proyecta continuamente imágenes de violencia (acompañadas por música clásica), pero no necesita obligarnos a mantener los ojos abiertos, sus poderosas imágenes no nos dejan cerrarlos. Dos horas de violencia que nos hacen sentir repulsión por ella. Y lo consigue sobre todo al mostrarnos las consecuencias de la misma. La segunda parte de la película, en la cual la sociedad le devuelve a Alex todo el daño que le ha causado, eleva a la película a otro nivel, asistimos a las consecuencias de vivir una vida al margen de la sociedad, incluso si se es producto de la misma.

Pero película y novela consiguen transmitir ideas que en algunos casos van más allá de lo escrito, ¿de dónde salen las imágenes de violencia que le proyectan a Alex? ¿el gobierno ha permitido la tortura y violación de personas para que otros no lo hagan?. Para sacar de las calles a los criminales, el estado los convierte en policías. El gobierno con el fin de "civilizar" a los hombres destruye todo a su paso, incluso el arte, al hacer ver a Alex las imágenes con una pieza de Beethoven provocan una aversión de Alex por la música clásica. Alex se convierte en un peón político, desde el momento que decide someterse al tratamiento Ludovico (que lo deshumaniza) hasta que se recupera en el hospital, tras eso ¿quién es peor Alex o los políticos?

La película fue un gran éxito comercial, al final de su carrera comercial en los EE.UU. recaudó 26.589.355 de dólares.

La película fue nominada a 4 Oscars en las categorías de mejor película (Stanley Kubrick), director (Stanley Kubrick), mejor guión adaptado (Stanely Kubrick) y mejor montaje (Bill Butler), pero no ganó ningún premio.

Curiosidades:

La serpiente de Alex fue introducida en la película por Stanley Kubrick cuando supo que Malcolm McDowell tenía miedo a los reptiles.

Cuando Dim y Georgie siendo policías detienen a Alex, puede verse que sus números de placa son el 665 y 667, lo que viene a indicar que Alex, que está entre ellos, es el 666.

Kubrick hizo que su asistente destruyese todo el metraje no usado.

El personaje de Alex tiene 15 años, Malcolm McDowell tenía 27 cuando rodó la película.

En la tienda de discos, donde Alex conoce a las dos chicas, puede verse el álbum de la banda sonora de 2001: Una odisea del espacio (1968).

Primer guión que Kubrick firmó en solitario.

El "Korova Milk Bar" visto al comienzo de la película fue el único decorado construido para el rodaje.

La naranja mecánica es una de las dos películas calificadas en EE.UU. como "X" que ha sido nominada al Oscar a la mejor película (la otra es Cowboy de medianoche que llegó a ganar el premio).

Según Malcolm McDowell para rodar la secuencia de sexo entre Alex y dos chicas que es mostrada a cámara rápida en un plano fijo, fueron necesarios 28 minutos para filmarla.

Cuando Alex canta "Singing in the rain" mientras ataca al escritor y su mujer no estaba escrito en el guión. Durante el rodaje de la escena Kubrick decidió experimentar con ella durante 4 días ya que la encontraba demasiado convencional. Se acercó a Malcolm y le dijo si podía cantar y bailar algo, al rodar la escena el actor se puso a cantar la única canción que podía recordar, "Singing in the rain". A Kubrick le gustó tanto que rápidamente adquirió los derechos de la canción por 10.000 dólares.

La escena de la comisaría de policía en la que Mr. Deltoid (Aubrey Morris) escupe en la cara de Alex, fue realmente Steven Berkoff quien escupió a Malcolm McDowell. Después de varias tomas Morris le dijo a Kubrick que ya no le quedaba saliva y Berkoff se prestó voluntario para rodar la escena hasta que Kubrick encontró el plano con el escupitajo que buscaba.

Antes de rodar la escena en la que tenía que cargar con Patrick Magee sentado en su silla de ruedas David Prowse le preguntó a Kubrick si podía rodar la secuencia en tan pocas tomas como fuera posible dada la dificultad de la misma usando la frase "¿No eres conocido exactamente como 'Kubrick una toma', verdad?", todo el equipo se quedó estupefacto esperando la reacción del director, pero éste se lo tomó con humor y rodó la secuencia en sólo 3 tomas.

Primer papel en cine de Pat Roach (En busca el Arca perdida), puede vérsele como un vigilante del "Korova Milk Bar".

El coche que Alex y sus drugos roban, el "Adams Probe 16", era un modelo del que sólo se fabricaron tres unidades, uno de ellas la usada en la película.

El libro nunca daba a conocer el apellido de Alex. En la escena de la entrada en prisión, cuando le preguntan su nombre, Alex dice que su apellido es "DeLarge". Pero en la escena del hospital (y puede que debido a un error) se ve publicado en los periódicos que su apellido es Burgess, como el autor de la novela.

El código "CRM-114" es una constante en el cine de Kubrick, era el nombre del decodificador de la película ¿Teléfono rojo?, volamos hacia Moscú (1964) y al número de placa del explorador de Júpiter de 2001: Una odisea del espacio (1968). En La naranja mecánica a Alex le es suministrado el "Serum 114", el cual en inglés es fonéticamente igual a "CRM-114".

El significado de "naranja mecánica" viene del lenguaje cockney y era usada en expresiones como "Ser más raro que una naranja mecánica", que vendría a decir que algo es extremadamente raro. Pero Burgess lo usaba según sus propias palabras para referirse "a la aplicación de una moralidad mecánica a un organismo que rebosa de jugo y dulzura".

Kubrick y McDowell se hicieron muy buenos amigos durante el rodaje de la película, pero cuando éste terminó, Kubrick jamás volvió a contactar con el actor.

El Instituto de Cine Americano situó a La naranja mecánica en el puesto 70 de su lista de "Las 100 mejores películas de todos los tiempos".

El cuadro de una mujer desnuda que aparece en el "Korova Milk Bar" puede verse también en la película El resplandor (1980).

Kubrick insistió durante el rodaje que la leche de los dispensadores del "Korova Milk Bar" fueran vaciados, lavados y vueltos a llenar cada hora, ya que la leche se cuajaba por el calor que desprendían las luces del estudio.

El compositor Walter Carlos (posteriormente Wendy, tras un cambio de sexo) sintetizó la banda sonora de la película usando por primera vez un vocoder.

En algo a contracorriente para una película de su época, todos los créditos están al final.

Para rodar la escena del suicidio del Alex, se creo el efecto de caída subjetivo, se utilizó una cámara Newman Sinclair dentro de una caja de plástico a modo de protección y se soltó desde lo alto de un edificio hasta seis veces. Al final sólo se rompió la lente, pero la cámara quedo intacta. Kubrick se sorprendió de la durabilidad de este tipo de cámaras.

El timbre de la casa del escritor al que Alex y sus drugos asaltan, suena como las primeras notas de la "Sinfonía nº 5" de Beethoven.

El cuervo

2011-04-09T12:50:00.000-07:00

"No llueve eternamente."

Eric Draven (Brandon Lee) y su novia son brutalmente asesinados por una banda de criminales. Un año después Eric regresa de la muerte para vengarse, ayudado por un cuervo, fuente de su poder, eliminará a los criminales uno a uno.

EL CÓMIC

Los orígenes de la película El cuervo (The crow, 1994) los encontramos en el cómic homónimo creado por James O'Barr, quien lo escribió a raíz de la muerte de su prometida por culpa de un conductor borracho. En 1981 empezó a trabajar en el cómic como una forma de expiar el dolor que le producía su tragedia. El cómic no despertó demasiado interés por ser publicado, hasta que un día se lo mostró a Gary Reed, dueño de una tienda que comics, que poco después fundaría una compañía independiente de comics llamada Caliber Comics y El cuervo fue una de sus primeras publicaciones. Salió a la luz en 1989 y se convirtió en un éxito en el sector del cómic underground, vendiendo de su primer número 30.000 copias. Gracias a la película, el cómic aumentó su popularidad y a día de hoy se han vendido más de 750.000 copias en todo el mundo.

Existen cambios en la película respecto al cómic. En el cómic Top Dollar no es el villano principal y es miembro de la banda de T-Bird. No hay ninguna mención al cuervo como fuente de poder. Eric es un mecánico y su apellido nunca es mencionado. Sarah tiene un papel menor dentro de la historia y es más joven. El personaje de Albrecht también tiene una participación más reducida. Skank no está envuelto en los asesinatos de Eric y Shelly, pero sí lo está un personaje llamado Tom-Tom. El gato no pertenece a Shelly y Eric, sino a una mujer a la que Tin Tin asesina. "La noche del demonio" tampoco forma parte de la historia. El cómic comienza con Eric convertido en "El cuervo" y se descubre más adelante su pasado. T-Bird y su banda no asaltan a Eric y Shelley en su piso, sino que se encuentran con ellos por casualidad en una carretera en la que el coche de la pareja se estropea. Eric es quien pasa 30 horas en cuidados intensivos y no Shelley, y se plantea de este modo la posibilidad que todo lo narrado no sea más una fantasía de venganza inducida por el coma.

LA MUERTE

Las secuencias de Eric y Shelley en su apartamento fueron dejadas para el final del rodaje para que Brandon pudiese trabajar sin maquillaje. En el guión original Eric llega a su apartamento donde los 4 matones están violando a su novia y después es disparado por Funboy (Michael Massee). Fue en el instante en el que Michael Massee disparó el arma cuando se produjo el fatal accidente que conllevó a la muerte de Brandon.

Para una secuencia anterior, fue necesario cargar el arma y después apuntar a cámara. Las balas cargadas en la pistola eran como las reales, salvo que no tenían pólvora. Como la productora había enviado temprano a casa al especialista en armas de fuego, se le dio la responsabilidad de las armas a un ayudante, quien desconocía las normas de seguridad de manipulación de las mismas. Este ayudante disparó la pistola para amartillarla, provocando que un cartucho vacio quedase alojado dentro del cañón del arma. Cuando se rodó la escena en la que disparaban a Brandon, la pistola se cargó con balas de fogueo (que tienen más pólvora que una bala normal para hacer un mayor ruido al ser disparadas) y cuando Massee disparó el arma, la bala alojada en el cañón salió impulsada por la pólvora de la bala de fogueo e impactó fatalmente en Brandon. La bala atravesó su abdomen y se alojó en su columna vertebral, que provocó una pérdida masiva de sangre. Pocas horas después Brandon Lee moría en un hospital de Carolina del Norte, era el 31 de marzo de 1993, 8 días antes de concluir el rodaje y 17 días antes de su boda con su prometida Eliza Huntton.

Pese a que en su momento se rumoreó lo contrario, todo el material rodado perteneciente a la muerte de Brandon fue eliminado.

LA RESURECCIÓN

Tras la muerte de Brandon Lee los productores tuvieron que decidir si terminaban la película o cancelaban el rodaje. Después de dos días de deliberación, Ed Pressman, productor del film, anunció que la película sería completada, pero para ello serían necesarias ciertas modificaciones en el guión para completar las secuencias de los flashbacks que no habían sido rodadas y el uso de efectos visuales para "colocar" a Brandon en las secuencias en las que necesitaba estar allí. Para conseguirlo la compañía de efectos visuales Dream Quest Images tuvo que hacer funcionar su magia.

La compañía ya formaba parte del equipo, pero tras la muerte de Brandon su trabajo en la película cambio radicalmente, su tarea fue "revivir" a Brandon en aquellos planos que no habían sido filmados. Para ello usaron planos del actor de unas secuencias y los insertaron en las secuencias nunca rodadas. Los aspectos técnicos para completar la película aumentaron su presupuesto en 8 millones. Dos meses después del fatal accidente de Brandon, el equipo volvió al rodaje para terminar la película.

Las escenas rodadas tras la muerte de Brandon fueron las siguientes:

1. La visita de Eric a su apartamento tras salir de su tumba. Se extrajo un plano de Brandon caminando por un callejón de una secuencia anterior y se creó digitalmente el plano de Eric atravesando la puerta de su piso. Agregaron digitalmente gotas de agua al marco de la puerta para compensar las del cuerpo de Brandon del material original.

2. El plano de Eric cayendo por la ventana de su apartamento, se rodó con un doble y se insertó digitalmente sobre él la cara de Brandon. También se agregó sangre para hacer más creíble la escena.

3. La escena en la que Eric se maquilla se rodó con un doble. Se insertó la cara de Brandon en el espejo modificándola digitalmente para que se adaptasen a los trozos rotos del espejo. El plano final de la secuencia, en el que Eric mira a través de una ventana con el cuervo en su hombro fue rodado de nuevo con un doble y se insertó la cara de Brandon digitalmente sobre él. Del plano del que extrajeron la cara de Brandon, tuvieron que borrar su mano que tenía colocada en su barbilla.

4. La secuencia en la que Sarah visita el apartamento de Eric y se encuentra con él, fue rodado por un doble. A Eric nunca se le ve la cara.

LAS ESCENAS ELIMINADAS

Hay varias escenas que fueron cortadas del montaje final o de las que existen versiones extendidas, son las siguientes:

1. La escena en la que Eric sale de su tumba es más larga. Se muestra como T-Bird y su banda destrozan una tienda de recreativos, y colocan una bomba en ella, dejando a una mujer atada a una silla. Eric tambaleando llega hasta el lugar y la tienda vuela por los aires. Aturdido por la explosión ve como la mujer sale de la tienda y la toca antes de que muera y ve los recuerdos de la mujer, lo que T-Bird y los suyos le hicieron.

2. La escena en la que Eric sale de su tumba servía de introducción al personaje del Skull Cowboy, un ser sobrenatural interpretado por Michael Berryman, que envía al cuervo con Eric.

3. El asesinato de Funboy es más largo, después de que Darla salga corriendo del apartamento, Funboy apuñala a Eric por la espalda y tienen una pelea, intercambian unas cuantas palabras y Eric lo mata.

4. El tiroteo en el club de Top Dollar es más largo y violento.

5. El Skull Cowboy se aparece ante Eric antes de que éste entre en la iglesia al final de la película y le dice que su venganza se ha consumado y vuelve a ser vulnerable. De ese modo, el que Eric pueda ser herido desde ese momento no tenía nada que ver con el cuervo.

LA VALORACIÓN

El cuervo es una película rodeada por la muerte, desde su origen en forma de cómic, ideado por O'Barr por la muerte de su prometida, su rodaje, con la muerte de su principal protagonista y la película en sí que desprende un melancólico sentimiento de muerte. Y ese fatalismo que rodea a la película es una de sus mayores bazas y una de las razones por las que la película es recordada (la otra es la excelente puesta en escena de su director).

Brandon Lee/Eric Draven, actor y personaje se funden en uno solo, unidos por la tragedia. Es Eric quien muere al ser arrojado por la ventana de su apartamento, pero es Brandon quien sale de la tumba a golpes, para dejarnos su testamento cinematográfico, la que es su mejor película e interpretación.

La muerte de Brandon altera nuestra percepción al ver la película, cuando Eric es herido de bala sentimos cada impacto como si fuera en nuestras propias carnes, lo que refuerza la tragedia que acompaña al personaje y hace que empaticemos con él de una forma más fuerte, lo que convierte a la película en una experiencia emocional única.

Es posible que la recepción de la película en su momento fuese un tanto sobrevalorada, como reacción a la muerte de su protagonista. Tras sus oscuras imágenes, su recreación de un mundo oculto constantemente en la oscuridad y su fascinante estética, hay sólo una clásica historia de venganzas de ultratumba. Pero son los elementos visuales los que hacen elevar la película por encima de la media. El apartado visual de la película es excepcional, sobre todo teniendo en cuenta su limitado presupuesto.

Como he mencionado antes, Proyas hace un trabajo excelente dando muestras de lo que estaría por llegar con su obra maestra, Dark city (1998). El director crea imágenes y secuencias irrepetibles que se quedan grabadas en la retina del espectador, como ese sensacional travelling que abre la película, el regreso de Eric a su antiguo apartamento y su posterior caracterización (con un uso excelente de la cámara lenta), el tiroteo en el club de Top Dollar (uno de los mejores jamás filmados) o ese cuervo gigante que Eric crea con fuego tras eliminar a T-Bird.

La música (rock) es parte importante de la película al igual que lo era en el cómic (O'Barr encontró inspiración en la música de Joy division y The cure), siendo conscientes de ello los responsables de la película crearon una banda sonora a la altura de la misma, con temas de grupos como Nine inch nails, Rage against the machine o Pantera, siendo el mejor de todos el ya mítico "Burn" de The cure, compuesto para la película.

La película fue un gran éxito comercial, ayudada por toda la polémica en la que se vio envuelta. Recaudó en los EE.UU. 50.693.129 de dólares y a nivel mundial 94 millones de dólares. Su presupuesto fue unos ajustadísimos 15 millones de dólares.

Curiosidades:

A Cameron Diaz le ofrecieron el papel de Shelly, pero lo rechazó porque no le gustó el guión.

El creador del cómic, James O'Barr, realiza un cameo, se le puede ver robando un televisor después de que la tienda de Gideon explote.

También el guionista David J. Schow realiza uno, es uno de los primeros en morir en el tiroteo del club de Top Dollar. El poema que Eric Draven recita cuando entra en la tienda de empeños de Gideon es "El cuervo" de Edgar Allan Poe.

La muerte de Brandon Lee no fue el único accidente que aconteció durante el rodaje. Durante el primer día de rodaje un carpintero sufrió grabes quemaduras después de que su grúa golpease unas líneas de tensión. En días posteriores un camión se incendió, un escultor descontento estrelló su coche contra una tienda del estudio y un miembro del equipo se atravesó la mano con un destornillador.

Aunque no fue culpable de la muerte de Brandon Lee, el actor Michael Massee dejó de actuar durante un año, porque estaba muy afectado por lo sucedido. Nunca ha visto la película.

Cuando James O'Barr tuvo un encuentro con los ejecutivos de la película, ellos originalmente querían hacer un musical al servicio de Michael Jackson. James empezó a reírse a carcajadas pensando que era una broma, hasta que se dio cuenta de que hablaban en serio.

A los personajes de Top Dollar, Myca y Grange nunca se les llama por su nombre en la película.

Aunque no se dice en ningún momento, la película acontece en Detroit, esto lo delata un par de referencias, "Noche del diablo" y "Ciudad del motor", ligadas a Detroit.

Alex Proyas inicialmente quiso rodar la película en blanco y negro y sólo usar el color en las escenas de los flashbacks, pero los ejecutivos del estudio no aceptaron. Proyas decidió filmar la película en color monocromático mezclado con rojo y gris oscuro.

Una secuencia incluida en el guión, pero que nunca llegó a rodarse mostraba a Eric inflingiéndose heridas a si mismo con un cuchillo por la frustración consecuencia de su resurrección. Como estas heridas son autoinflingidas no se curan solas, así que para detener la hemorragia utilizaba cinta aislante que ponía alrededor de su cuerpo y en sus brazos. Esto explica porque Eric lleva a partir de cierto punto de la película la cinta adhesiva pegada.

Linda Lee Cadwell, madre de Brandon, presentó una demanda por negligencia contra 14 personas implicadas en la muerte de su hijo (entre ellos el productor Ed Pressman y Michael Massee). Ella consiguió mediante un acuerdo 3 millones de dólares.

James O'Barr se inspiró en varias figuras del rock para crear a Eric, su cara es la combinación de las del cantante Ian Curtis y del guitarrista Daniel Ash y su torso es el de Iggy Pop.

Iggy Pop también sirvió de inspiración para la creación del personaje de Funboy. De hecho le ofrecieron interpretar al personaje, pero tuvo que rechazarlo por problemas de agenda. El cantante participó en su secuela, El cuervo: Ciudad de ángeles (1996).

Eric Mabius, protagonista de El cuervo: Salvación (2000) hizo una prueba para el papel de Funboy.

Instinto básico

2011-03-14T11:52:00.000-07:00

El polvo del siglo.

Este artículo contiene spoilers no leer si no se quieren conocer partes esenciales de la trama de la película.

Un cantante de rock es brutalmente asesinado y el caso le es asignado al detective Nick Curran, quien guarda un oscuro pasado. El centro de la investigación se centra en la novia de la víctima, Catherine Tramell, quien ha escrito una novela en la que se describe un crimen idéntico al del cantante. Entre el detective y la novelista se iniciará una peligrosa relación.

EN BUSCA DE CATHERINE TRAMELL

Aunque se barajaron a varios actores para interpretar a Nick Curran (entre otros, fueron tanteados Peter Weller, Richard Gere, Tom Berenger, Mel Gibson y Kevin Costner) hasta dar con Michael Douglas. Fue el papel protagonista femenino el que conllevó más complicaciones para poner cara (y cuerpo).

El estudio tanteó el nombre de muchas actrices conocidas para interpretar al personaje, entre otras, Geena Davis, Lena Olin, Ellen Barkin, Melanie Griffith, Greta Scacchi o Kim Basinger. También se barajó a Michelle Pfeiffer, Paul Verhoeven incluso se entrevistó con ella, pero la actriz no dejaba de preguntar cuanta carne debía enseñar en cada escena. Al final la elegida fue una actriz casi desconocida por aquel entonces, Sharon Stone, quien ya había trabajado con Verhoeven en Desafío total (1990) y que para el director era la única actriz que podía interpretar el papel. Verhoeven expresó la principal ventaja de trabajar con Sharon Stone "No habría podido trabajar de esta forma con una actriz conocida. Pude impulsarla a que se entregara al máximo precisamente porque no tenía nada que perder".

EL GUIÓN MÁS CARO DE LA HISTORIA

Joe Eszterhas cobró un cheque de 3 millones de dólares por su guión, el sueldo más alto jamás pagado a un guionista hasta aquel momento, lo que no estuvo nada mal por 10 días de trabajo, tiempo que le llevó escribirlo. Hasta la fecha el guión más caro era el de Shane Black por El último boy scout, que vendió por 1 millón. Eszterhas era conocido por sus libretos para películas como F.I.S.T (1978), Flashdance (1983) o La caja de música (1989). Tras el éxito de Instinto básico se dedicó a escribir guiones partidos por el mismo patrón, pero carentes de calidad alguna, Sliver: Acosada (1993), Showgirls (1995) y Jade (1995), lo atestiguan.

En realidad, su guión para Instinto básico no es más que una copia de los elementos que Eszterhas ya había usado en un guión anterior, el de Al filo de la sospecha (1985). Son varios los puntos en común entre ambas películas. Comienzo de la historia con un brutal asesinato cometido por una persona de alta posición social, cometido con un arma blanca a una persona atada a una cama. Investigación del asesinato. Atracción sexual entre sospechoso e investigadora. Y duda hasta el final sobre su culpabilidad. Instinto básico supone la perfección de aquella historia, mejorándola en varios aspectos, el plan orquestado por Catherine Tramell es más perverso y complejo, la carga sexual es mayor, al igual que el suspense, además el final es marcadamente ambiguo, sin el típico final en el que el malo se lleva su merecido.

Eszterhas salió de la producción cuando no se puso de acuerdo con Verhoeven sobre la forma de abordar la película. Cuando fue necesario rescribir el guión, se contrató a Gary Goldman (Desafío total). Los cambios se centraron en el personaje de Nick Curran, en un intento de hacerlo menos autodestructivo (al parecer por petición del propio Michael Douglas). Tras 5 meses de reescrituras, Verhoeven se dio cuenta que el guión original era el mejor y descartó estos cambios. El director hizo las paces con Eszterhas y regresó a la producción. Los problemas volvieron cuando el guionista quiso realizar cambios en el guión para apaciguar a los grupos de gays y lesbianas que hicieron campaña contra la película. Los cambios que Eszterhas quería introducir eran que Nick pediría permiso a Beth para practicar sexo duro, el mismo personaje comentaría que las mejores personas que conocía en la ciudad eran homosexuales y al principio de la película se incluiría el mensaje "Los hechos narrados en esta película son ficticios". Verhoeven se negó a realizar esos cambios defendiendo el guión original que Eszterhas, autor del mismo, repudió públicamente. Verhoeven se llevó el gato al agua y realizó la película tal y como deseaba hacerla.

RODAJE ENVUELTO EN LA POLÉMICA

Durante el rodaje, Queer Nation y Act Up, colectivos homosexuales de San Francisco, consiguieron el guión de la película y sintiéndose ofendidos por la imagen negativa que daba de las lesbianas llegaron a realizar manifestaciones en lugares donde se filmaba la película, lanzando bombas de pintura y profiriendo silbidos. El productor Alan Marshall solicitó una orden de alejamiento contra los manifestantes, que les impedía acercarse a menos de cien metros del lugar del rodaje, algunos manifestantes la desobedecieron y fueron detenidos.

Michael Douglas declaró al respecto: "Uno de los puntos interesantes del guión original radica, sin duda, en el carácter bisexual del personaje de Catherine. Pero la sexualidad no condiciona la película, los personajes no son juzgados en función de su homosexualidad o heterosexualidad. Es su forma de ser, simplemente. Entiendo que algunos homosexuales se molesten, ya que nunca han sido tratados con realismo en el cine, pero no pienso que la película les agreda. A mí me apetecía hacerla y no creo que sea un producto reaccionario y que infravalore a los homosexuales".

Cuando se estrenó la película los manifestantes repartieron en los cines donde ésta se proyectaba folletos que decían "Catherine lo hizo", para desvelar el final de la película a la gente que disponía a verla. Pero esto no tuvo el resultado esperado, de hecho, todos estos intentos por desprestigiar a Instinto básico no hicieron más que avivar su aura de película polémica, lo que aumentó el interés del público por verla y ayudó a convertirla en un éxito comercial.

Otro de los problemas vino de la mano de Sharon Stone. La actriz declaró que Verhoeven la había engañado cuando filmaron la famosa secuencia del cruce de piernas, según ella el director le dijo que necesitaba que se quitara la ropa interior blanca porque creaba reflejos en la cámara, ella accedió a condición de que sus genitales no fueran visibles, cuando la actriz vio la película se enfadó con el director por usar esos planos específicos. Finalmente decidió dejar la secuencia tal y como estaba, ya que se sintió conforme con su personaje. Verhoeven negó todo esto. Es posible que la actriz sabiendo que el público norteamericana rechazaría esa secuencia no quisiera tener la más mínima relación con ella.

CENSURA

Dadas sus fuertes escenas de sexo y violencia, la película tuvo problemas para conseguir la calificación "R" que Verhoeven se había comprometido a conseguir por contrato. Para conseguirlo la película tuvo que ser enviada en nueve ocasiones a la MPAA hasta que ésta dio su visto bueno. Finalmente Instinto básico conoció dos versiones, la americana (censurada) y la europea (sin censurar). Lo que supuso una variación de 42 segundos de una versión a otra.

La versión censurada tenía los siguientes cambios:

1. El asesinato de Johnny Boz durante la secuencia inicial, era menos fuerte, eliminándose varios planos en el momento en que ella le clava el picahielos.

2. En la escena en la que Nick fuerza a Beth, fue recortada. En la versión americana la escena terminaba cuando él le quitaba la ropa, pasándose directamente a ambos tumbados en el suelo.

3. El primer encuentro sexual entre Nick y Catherine tiene ciertos cambios, se optaron por planos alternativos en el momento en que Nick tiene la cabeza entre las piernas de ella. En la versión americana no se sabía que es lo que sucedía, mientras que en la versión europea se sabe perfectamente lo que está haciendo Nick en cada momento.

4. La muerte de Gus en el ascensor es menos gráfica. En la versión censurada se eliminaron los planos de Gus siendo apuñalado en el cuello y la sangre saliendo a borbotones.

VALORACIÓN

El caso de Instinto básico es una rara avis en el panorama del cine moderno, que nunca se ha vuelto a repetir desde su estreno. La película creó un nuevo género, el denominado erothriller, que sólo ha funcionado bien como película de Verhoeven. Pero la película también significó una evolución de otros dos géneros, el cine negro y el suspense Hitchcockiano, ambos un tanto olvidados por aquel entonces (comienzo de los 90) y que la película revitalizó con nuevos aires, llevando el ambiente sexual de este tipo de películas hacia un terreno más explícito, hasta aquel entonces casi inexplorado.

El sexo está perfectamente integrado en la historia y al mismo tiempo es el motor de la misma. Pero no todo se queda sólo en lo explícito, sino que la película es todo un ejemplo de film de suspense, de atmósfera fascinante y de in crescendo memorable, cuya resolución no sabremos hasta después del clásico fundido en negro.

La escena más famosa de la película, la del cruce de piernas, no es en absoluto una escena gratuita, tal y como puede creerse. En ella, Catherine Tramell en lugar de sentirse amedrentada por los policías que la interrogan, le da la vuelta a la situación, al mostrarles que no lleva ropa interior, de modo que, mediante su desnudez sean ellos los que sientan incómodos, es decir, utiliza su sexo como arma y se convierte en la persona dominante de la situación, lo que demuestra que estamos ante un personaje calculador, que siempre lleva las riendas de la situación. Además el cruce de piernas tiene un segundo cometido, hacerle ver a Nick que tiene interés por él y lo hace a través del sexo, remarcado en la frase previa al cruce de piernas "¿Has follado alguna vez con cocaína, Nick?".

Del mismo modo, el resto de las escenas de sexo de la película tienen su justificación, todas están integradas perfectamente en la historia y ayudan en su desarrollo, no son rellenos que no van a ninguna parte. Como por ejemplo la escena en la que Nick fuerza a Beth para practicar sexo, la escena puede considerarse casi una violación. Toda la escena describe al personaje de Nick a la perfección, por un lado sabemos se siente atraído por Catherine, pero como no puede acostarse con ella, recurre a la mujer que tiene más cerca, para satisfacer su calentón y por otro lado nos muestra que Nick es un personaje oscuro, al borde del abismo. Del mismo modo, todos los encuentros sexuales entre Nick y Catherine tienen el interés añadido de que nunca sabemos si ella le matará o no.

La película a día de hoy sigue funcionando tan bien como el día de su estreno, así lo demuestran, su apuesta por no ser convencional (claro ejemplo es su final a contracorriente), su muestra constante de suspense bien entendido, su violencia gráfica y directa y sus escenas de sexo que aun no han sido superadas. Reforzado por ideas sensacionales como que alguien escriba un libro sobre un crimen y después lo cometa (y se salga con la suya) u otras que más allá del guión, como que el mal (Catherine) gane la partida al arrastrar al personaje de Nick a sus redes.

En gran medida, el resultado final de la película se debe al gran Paul Verhoeven, fue él quien llevó el proyecto hasta sus últimas consecuencias, pasando por encima de todos los problemas con los que se encontró. Pero donde destacó fue en su portentosa puesta en escena, creando secuencias de una soberbia planificación y mostrando una elegancia formal pocas veces vista. Ejemplos evidentes de ello son escenas como el encuentro sexual que abre la película, milimétricamente calculado para ocultar la identidad de la mujer; el asesinato de Gus (de clara inspiración Hitchcock o De Palma) o la persecución nocturna, salida de la mejor película de acción.

Hay que señalar también la gran interpretación de Sharon Stone, en el papel de su vida, su fascinante presencia llena cada uno de los planos en los que aparece. Su dedicación en cuerpo y alma al personaje, llevan al límite su interpretación como pocas veces se ha visto en el cine mainstream de Hollywood. Su Catherine Tramell siempre será recordada como uno de los personajes más memorables del cine de los 90. Y tampoco hay que olvidarse de Michael Douglas quien nos regala otro de esos personajes oscuros y al límite que tan bien se le dan interpretar.

La película fue un gran éxito a nivel mundial beneficiada por toda la polémica en la que se vio envuelta. Su recaudación en los EE.UU. fue de 117.727.224 dólares (9ª más taquillera del año) y en el resto del mundo recaudó otros 235.200.000 dólares más. Su presupuesto fue de 49 millones de dólares.

La película fue nominada a 2 premios Oscar, en las categorías de mejor montaje (Frank J. Urioste) y mejor banda sonora original (Jerry Goldsmith).

Curiosidades:

La película que Michael Douglas ve en su piso en Hellraiser (1987).

Michael Douglas no utilizó doble en la secuencia de la persecución que acontece cerca de un acantilado, realizando él mismo las peligrosas maniobras de conducción.

Fue el debut en el cine de la actriz Jeanne Tripplehorn.

Sharon Stone cobró 500.000 dólares por su participación en la película.

En el guión original el personaje de Gus tenía 64 años.

El título inicial de la película era "Love hurts", el mismo título que una de las novelas de Catherine Tramell.

Se escribieron dos finales alternativos al visto en la película, en uno Nick mataba a Catherine y en el otro era ella quien mataba a Nick, pero ninguno de ellos convenció.

La película tuvo 3 nominaciones a los premios Razzie, pero actor (Michael Douglas), peor nueva estrella (Sharon Stone) y peor actriz secundaria (Jeanne Tripplehorn).

La discoteca de Johnny Boz fue construida en los estudios de la Warner Bros.

Una cláusula del contrato Michael Douglas prohibía que su pene apareciese en la película.

En la primera secuencia de la película, en la que una rubia sin rostro practica sexo con Johnny Boz, Sharon decidió rodar ella misma la secuencia sin necesidad de dobles de cuerpo.

Brooke Shields rechazó el papel de Roxy, la novia de Catherine, porque tenía miedo que el papel le llevase a desnudarse.

Equilibrium

2011-02-20T01:09:00.000-08:00

"Este artículo contiene spoilers. No leer, si no se desean conocer partes esenciales de la trama de la película".

En el futuro, tras la Tercera Guerra Mundial, un régimen totalitario prohíbe las emociones por ser la fuente del odio. Para que la gente deje de sentir se les suministra una droga llamada Prozium. Un grupo policial, cuyos miembros son conocidos como clérigos, se dedica a erradicar todo lo que se relacione con las emociones, el arte, la música o la literatura y eliminan a aquellas personas que sienten emociones. Un día John Preston (Christian Bale), líder de los clérigos, comienza a sentir y eso cambiará su mundo para siempre.

Equilibrium (2002) es un excelente film de ciencia ficción, escrito y dirigido por Kurt Wimmer, que se convirtió en una película de culto inmediato, su estrepitoso e injusto fracaso comercial en EE.UU. la privó de una distribución en el mercado internacional condenándola al ostracismo pese a sus más que considerables elementos de interés. El descubrimiento a nivel mundial de la película fue producido por el boca a boca y gracias a su distribución en internet. Su reparto lo forman Christian Bale, Taye Diggs, Angus MacFadyen, Emily Watson, Sean Bean, William Fichtner y David Hemmings.

La película se rodó casi en su totalidad en Berlín, donde pudieron aprovechar las localizaciones únicas que posee la ciudad. La arquitectura moderna de Berlín se aprovechó para darle el aire futurista que requería la ciudad de Libria, usando lugares emblemáticos como el Estadio Olímpico, la Potsdamer Platz o el Aeropuerto Tempelhof. El exterior de la ciudad donde residen los rebeldes, un mundo oscuro y casi en ruinas, fue filmado en diferentes localizaciones de Alemania del Este.

Son muchas las influencias sobre las que se cimenta Equilibrium, las novelas Farenheit 451 de Ray Bradbury (la quema de objetos por parte de un orden policial), 1984 de George Orwell (la sociedad futurista distópica regida por un líder, las grandes pantallas diseminadas por la ciudad), Un mundo feliz de Aldous Huxley (de nuevo sociedad distópica, erradicación de elementos negativos de la sociedad a costa de otros importantes como el arte y la literatura, uso de uniformes, uso de la letra "T") y la película Matrix (el estilo de las escenas de acción).

Según palabras del propio Wimmer "Para mi, la cosa más importante en esta película es que trata sobre las emociones y no sobre la política. El elemento más importante de esta película es que es la historia de un hombre que despierta al mundo sensorial que hay alrededor de él por primera vez". Y ese punto de partida es lo que hace tan interesante la película, en una sociedad distópica en la que está prohibido tener sentimientos, uno de los hombres que se encargan de mantener el orden establecido, comienza a sentir, lo que le convierte en una persona normal, pero a sabiendas que si es descubierto significará su fin, debe fingir que carece de sentimientos para sobrevivir. La tensión que crea dicha situación, acentuada por la continua presencia del clérigo Brandt, convierten a Equilibrium en una experiencia fascinante.

La película consigue convertirse en una obra sobresaliente gracias a pequeños detalles que riegan el relato de principio a fin, como Preston intentando evitar que maten a un perro sin descubrir sus auténticos sentimientos, Preston no pudiendo evitar llorar tras la muerte de Mary, la revelación del hijo de Preston cuando éste se cree atrapado o ese arrebatador momento en el que Preston escucha música (clásica) por primera vez.

Pero el aliciente de la película es que todo está adornado por excelentes escenas de acción. Aunque puedan compararse con las de Matrix (1999), Equilibrium se sale por la tangente y crea su propio estilo. Wimmer inventó un arte marcial al que denominó Gun Kata (algo así como artes marciales con armas de fuego) y prácticamente todas las escena de acción de la película giran en torno a él. El Gun Kata mostrado en la película es la mezcla del estilo de Wimmer (más fluido) y el de Jim Vickers, coreógrafo de la película (más rígido). Ambos tuvieron discrepancias por que estilo decantarse, finalmente fue el estilo de Vickers el usado en la mayoría de secuencias. Wimmer tuvo la oportunidad de poner en práctica sus ideas en su siguiente película, Ultravioleta (2006).

Aunque las escenas de acción apuestan por un estilo intrascendente, yo disfruto como un enano con cada una de ellas, desde la secuencia en la que Preston se enfrenta a un grupo policial que le descubre con el perro que ha acogido, pasando por la lucha cuerpo a cuerpo con otro grupo de policías con casco a los que golpea con sus pistolas, hasta el encadenado de escenas del clímax final, que supone una apoteósica explosión de violencia, donde una escena de acción sucede a la siguiente todavía más espectacular y que pone el broche perfecto a esta gran película de ciencia ficción.

El presupuesto de Equilibrium fue de unos reducidos 20 millones de dólares (que aparentan 3 veces más en pantalla). Pese a su escaso presupuesto la película fue un estrepitoso fracaso de taquilla, se estrenó de forma reducida en EE.UU. (en tan solo 301 salas), donde recaudó 1.203.794 de dólares. Esto provocó que su éxito en el mercado internacional fuese casi nulo, haciendo una taquilla de tan solo 4.155.851 de dólares.

Curiosidades:

Kurt Wimmer originalmente quería a Christian Bale para interpretar a John Preston tras verle en American psycho (2000), pero el actor no estaba disponible en aquel momento, por lo que consideró ofrecerle el papel a Dominic Purcell. Al final Bale estuvo disponible y Purcell terminó interpretando a Seamus, un miembro de la Resistencia que aparece al comienzo de la película.

La pieza musical que Preston escucha en un gramófono, es el primer movimiento de la "9ª sinfonía" de Beethoven.

Kurt Wimmer inventó el Gun Kata en el patio trasero de su casa.

En algunas escenas, cuando los clérigos disparan el fogonazo de sus armas forman el símbolo del Tetragrammaton.

El body count de la película asciende a 236 muertos. 118 de ellos atribuidos a John Preston.

Originalmente, el Prozium, la droga usada para eliminar los sentimientos, era llamada Librium, pero ese nombre estaba registrado (conocido como Clordiazepóxido, es ansiolítico usado como antidepresivo), el nombre fue cambiado por el de Prozium, que a su vez es la combinación de los nombres Prozac y Valium.

El poema que Partridge lee en la iglesia es "Él desea las telas del cielo" de William Butler Yeats, incluido en la colección "El viento entre los juncos".

Para las escenas de acción no se usaron cables realizar para las acrobacias de los actores. En su lugar se usaron técnicas más convencionales, por ejemplo, para la voltereta hacia atrás en la moto se hizo mediante un trampolín.

Dos actrices diferentes interpretaron el papel de la mujer de Preston. Esto sucedió porque primero Alexa Summer rodó las escenas que muestran imágenes de archivo de su captura, pero cuando se quiso rodar la secuencia de su arresto, la actriz ni pudo ser encontrada, de modo que, tuvo que contratarse a Maria Pia Calzone para completarla. Ambas actrices fueron acreditadas, Alexa como "Viviana Preston" y Maria como "Mujer de Preston", aunque ambos personajes eran el mismo.

Kurt Wimmer realiza dos cameos en la película, el primero como una silueta que explica en la narración inicial el origen de los clérigos y el segundo como un rebelde que es ejecutado durante la redada al almacén de la Resistencia.

En el guión original Mary (Emily Watson) vivía y regresaba al final de la película. Kurt Wimmer y Lucas Foster lo cambiaron durante el rodaje.

La lucha entre John Preston y los oficiales, cuando el primero usa sus pistolas para golpearles, sólo tardó 30 minutos en filmarse.

200 actores fueron entrevistados para el papel de Partridge, el rodaje ya había comenzado, cuando el productor Lucas Foster trajo a Sean Bean.

Me parece que tu blog se parece al mío

2011-02-05T10:50:00.000-08:00

Os voy a contar algo curioso que me ha pasado hoy, estaba buscando por la red fotos para un nuevo artículo que estoy escribiendo y llegué sin querer a un blog (El almacén del Badulaque), allí encontré un post sobre el videoclip Thriller de Michael Jackson (yo mismo había escrito un artículo sobre él hace más de 2 años), como me encanta el videoclip me dispuse a leerlo, a las pocas frases me doy cuenta de que todo lo que leo me suena a conocido, hago un repaso rápido al artículo y rápidamente su estructura, opiniones y curiosidades me resultan "demasiado familiares", lo cual no podía ser de otra forma porque era mi ¡¡¡Puto artículo!!! Un caso de copy/paste en toda regla. He de admitir que el elemento responsable del blog (llamado BeToNaNo) se molestó en hacer algún "cambio significativo", lo que se resume en cambiar alguna de las fotos que yo había publicado, poner en cursiva algunas frases y separar las curiosidades con viñetas, supongo que para darle su "toque personal" (prometo que será la última frase que ponga entre comillas).

Echando un vistazo a los posts anteriores que aparecían a la derecha del blog, encuentro el nombre de reseñas de películas que yo había publicado anteriormente, con la mosca tras la oreja comienzo a leerlos y descubro que este fulano tiene por práctica habitual coger artículos de mi blog y publicarlos en el suyo como si fueran propios. La cosa llega hasta tal punto, que no sólo copia mis reseñas de películas, sino que incluso se marca un mini especial sobre el cine de acción a mi costa (publicando prácticamente todos mis tops haciendo variaciones mínimas), se lanza con un "Top 90 de películas de los 90" que se parece sospechosamente a mi "Top 80 de películas de los 80" y hace un repaso al 2009 que recoge lo mejor de los míos del 2008 y 2009.

Buscad las 7 diferencias entre mis artículos y los suyos (os lo digo ya, lo lleváis jodido para encontrarlas).

Reseñas:

Casino Royale vs. Casino Royale (2006)

Jungla de cristal vs. Jungla de Cristal (1988)

La jungla 2: Alerta roja vs. La Jungla 2: Alerta Roja (1990)

Jungla de cristal. La venganza vs. Jungla de Cristal: La venganza (1995)

Los Goonies vs. Los Goonies (1985)

Regreso al futuro vs. Regreso al Futuro (1985)

Speed vs. Speed (1994)

Tron vs. Tron (1982)

Especial adrenalítico:

Héroes de acción vs. Los mejores héroes del cine de acción

Top 10 de tiroteos vs. Los mejores tiroteos del cine de acción

Top 10 de muertes del cine de acción vs. Las mejores muertes del cine de acción

12 cosas que hemos aprendido del cine de acción vs. Reglas básicas en una peli de acción

Top 10 de frases lapidarias del cine de acción vs. Las 10 mejores frases del cine de acción

Otros:

0880 vs. "Back to the 90's"

Beta vs. VHS vs. Aquellos maravillosos 80: "Beta vs VHS"

Cortometrajes de culto: "Batman: Dead end" vs. "Batman: Dead End"

Episodios de culto: "Angel: Not fade away" vs. Episodios de culto: "Angel: Not Fade Away"

Repaso al 2009 / Repaso al 2008 vs. "Se acabó lo que se daba: Adios 2009"

Top 10 de canciones de los 80 vs. Otra lista: "Top-10 canciones de los 80"

Videoclips de culto: "Thriller" vs. 'Thriller'

Supongo que su blog está prácticamente basado en la copia de otros, en él he encontrado por ejemplo un post, "Me parece que tu peli se parece a la mía" que no es más que la copia de Dossier: Tu peli se parece a la mía, publicado por Kalimero hace un par de años (yo también admito que cuando leí en su momento me entraron unas ganas increíbles de que fuera mío, pero BeToNaNo llevó esa idea un poco más lejos).

Tal vez no debería perder mi tiempo hablando sobre este elemento, ¿pero que queréis que os diga? Me toca los cojones que otra persona se apropie de mi trabajo y lo haga pasar por suyo, sin en ningún momento hacer referencia alguna a mi blog. Me cuesta bastante escribir un artículo, les dedico su tiempo y me jode que otro se lleve el mérito por mi trabajo. Claro que me sería mucho más fácil ir a otros blogs copiar un artículo entero y pegarlo en el mío, ¿pero qué valor tiene eso? Para mí, lo importante cuando escribo un post es expresar mi opinión, mi punto de vista. ¿Qué sentido tiene publicar las opiniones de otras personas y hacerlas pasar por propias?

Yo mismo busco información en otras páginas para mis artículos, como imdb o wikipedia, de donde saco datos, repito datos, no opiniones y las publicó en mi blog, pero creo que no es lo mismo. Incluso admito que a veces he tomado prestada una idea que otros han tenido, pero siempre lo he hecho con respeto y mencionando al responsable de la misma, recuerdo mi top sobre el cine de los 80 que fue una clara inspiración de Kalimero (la segunda vez que sales en este post, de nada por la publicidad, amigo).

Y no puedo hacer más que reírme cuando leo en el blog de BeToNaNo un post en el que habla sobre un momento de crisis por el que pasa, donde dice textualmente (en un momento de gran ironía hago un copy/paste de su post): "Siempre he considerado este blog como una vía de escape a través de la cual poder expresar mis inquietudes (serán en todo caso, las de otros) y hablar largo y tendido de las cosas que me gustan, sobretodo de cine. Desde hace un par de meses mi actividad 'outline' es tremenda (debe estar cansado de pulsar el botón derecho del ratón y darle a Copiar) y me deja muy poquito tiempo libre, lo que se refleja en la bajada de post al mes y tener esto algo abandonadillo. En ningún momento ha pasado por mi cabeza la idea de echar el cierre, pero sí que es cierto que voy a introducir algunos cambios en el mismo. Uno de ellos será el número de post al mes, que será de unos 10-15 lejos de la media que suele ser unos 20-25 pero que me permitirá hacer unos 3 ó 4 post semanales (normal que tenga que reducir el número de posts al mes, ya apenas le quedan post míos que plagiar, por suerte para él hay otros muchos blogs geniales). Otro serán los análisis extensos a las pelis, a partir de ahora sólo haré 1 ó 2 al mes, aunque eso sí estarán hechos como dios manda (de eso estoy seguro). Y por último, el tema noticias, trailers y críticas. No me limitaré a poner la nota a la peli en cuestión y punto pero sí que reduciré mi impresión personal a un parrafo o dos, que para explayarme ya tengo la sección 'Películas imprescindibles' (o lo que es lo mismo, ya hay suficientes blogs en activo de donde extraer entradas).

BeToNaNo, no te voy a recomendar que escribas tus propios artículos y des tus propias opiniones, ya que veo que careces de ellas, en su lugar te voy a recomendar algunos artículos míos que todavía no has plagiado y que puede que te interese hacerlo. Como por ejemplo, mi reseña de Waterworld, creo que es muy completa; no recuerdo ni el tiempo que me llevó escribirla, pero seguro que a ti no te lleva más de un minuto. También estoy muy orgulloso de mi artículo sobre la película de Superman II que nunca existió, seguro que serás capaz de imprimirle tu peculiar estilo (cambiando un par de fotos y poniendo en cursiva algún texto). Y como veo que te gusta el cine de acción y la saga de la Jungla de cristal ¿por qué no le echas un vistazo a mi artículo sobre las Películas imitadoras de "Jungla de cristal"?, seguro que te gustará.

Espero seguir disfrutando de los artículos publicados en tu blog, ya que seguro serán una continua muestra de talento, esfuerzo y de un trabajo bien hecho.

Dicen que el plagio es una forma de admiración, tengo que decirte, que me siento terriblemente halagado.

Repaso al 2010

2011-01-29T01:35:00.000-08:00

Con un poco de retraso este año, toca hacer revisión de lo que nos trajo el 2010 en lo referente a cine, televisión, trailers y posters. No lo demoremos más y vamos allá.

TOP CINE

El pastel cinematográfico se repartió entre EE.UU. y Europa, DiCaprio demostró ser el actor con mejor olfato y con la mejor carrera en la actualidad, David Fincher consolidó su maestría, Nolan revolucionó el cine (otra vez más), Shyamalan se hundió de fango hasta el cuello, Daft Punk compuso la mejor banda sonora del año, la película más taquillera fue Toy story 3 y el 3D llenó las pantallas.

LO MEJOR:

Mis tres películas favoritas del 2010 son, por orden, Origen, Kick-Ass y La red social, cada una de ellas una gozada en sus respectivos géneros. Éstas y todas las demás grandes películas del 2010 se resumen a continuación.

Buried (Enterrado) (Buried)
Un hombre encerrado en un ataúd, un móvil y un mechero son básicamente los recursos que necesita Rodrigo Cortés para construir el mejor film de suspense del año. Hitchcock estaría orgulloso.

Cisne negro (Black swan)
Imaginaos por un momento que Brian De Palma hubiese dirigido Suspiria, es la explicación más cercana de la experiencia (fascinante, terrorífica, onírica, adictiva) que supone ver Cisne negro.

Como entrenar a tu dragón (How to train your dragon)
Aventura, emoción y espectáculo se dan la mano en la mejor película de Dreamworks hasta la fecha, que curiosamente más se acerca a Disney.

El equipo A (The A-team)
El equipo A fue la película más refrescante del verano, diversión a raudales, que nos traen lo mejor de una serie de televisión nostálgica y todos los excesos del cine de acción actual. Y además con el mejor reparto que podríamos desear.

El escritor (The ghost writer)
Polanski es el verdadero fantasma del título original de la película, su presencia y persona están presentes en cada plano de su último y excelente film.

Four lions (Four lions)
Nunca creerás que una película sobre terrorismo islámico pueda ser tan divertida.

Green zone: Distrito protegido (Green zone)
No es el Jason Bourne es Afganistán que muchos esperaban, pero en su lugar tenemos una película de acción con trasfondo político y una parte final ejemplar en la que Greengrass da rienda suelta a su frenético estilo.

Harry Potter y las reliquias de la muerte (1ª parte) (Harry Potter and the deathly hallows: Part 1)
Por fin la saga de Harry Potter comienza a despegar y a poner toda la carne en el asador, consiguiendo algo que las anteriores entregas no hicieron, que tenga ganas de ver la siguiente aventura.

Jacuzzi al pasado (Hot tub time machine)
The 80's rules.

Kick-Ass: Listo para machacar (Kick-Ass)
Escenas de acción llenas de humor y momentos cómicos repletos de violencia, Kick-Ass fue el disfrute más salvaje del año y en eso tuvo mucho que ver Hit Girl.

La red social (The social network)
Marcar esta película con un "Me gusta" sería decir poco, ha conseguido que me haga fan de ella y no es para menos, su dirección, guión, interpretaciones, banda sonora, montaje y fotografía rozan la perfección.

Mesrine: Instinto de muerte + Mesrine: El enemigo público Nº 1 (L'instinct de mort + L'ennemi public n°1)
Por separado son dos excelentes películas de gangsters, pero juntas son una epopeya criminal de las que hacen historia.

Micmacs, un gran follón (Micmacs)
Otra maravilla visual de Jeunet, un cuento de hadas con empresas fabricantes de armas de por medio, hombres bala, contorsionistas, maravillas mecánicas hechas con chatarra, balas perdidas en cabezas y venganzas de lo más imaginativas.

Origen (Inception)
La más original (y mejor) película del año, que te lleva de una secuencia cumbre a otra, hasta un final abierto que sigue dando vueltas en tu cabeza hasta mucho después de terminar la película. Christopher Nolan está haciendo todo lo posible para convertirse en mi director favorito.

Philip Morris ¡Te quiero! (I love you Phillip Morris)
La comedia más incomprendida del año, esperemos que el tiempo la ponga en el lugar que merece.

Predators (Predators)
No sé donde termina el homenaje y comienza la secuela, pero esta continuación del universo Predator dignifica una saga necesitada de ello, teniendo además el mejor arranque del año.

Scott Pilgrim contra el mundo (Scott Pilgrim vs. the world)
Una adaptación de cómic... épica.

Shutter island (Shutter island)
Podría hacerse una sesión doble con los dos films que DiCaprio estrenó en 2010, Origen y la que aquí nos ocupa, ambos tratan sobre la mente, los sueños y la perdida de un ser querido y ambas son, en sus respectivos géneros, obras maestras.

The crazies (The crazies)
Scott Kosar continua mejorando films de terror del pasado con sus nuevas versiones, aquí pone al día un olvidado film de Romero, apoyado por la precisa cámara de Breck Eisner.

The town (Ciudad de ladrones) (The town)
Tras ver la película dos cosas me quedaron claras, que Ben Affleck es uno de los directores con mayor proyección de futuro y que no hay mejor actor para interpretar a un psicópata que Jeremy Renner.

Tiana y el sapo (The Princess and the frog)
Disney regresa a la animación tradicional y con ella vuelve la magia de sus mejores clásicos.

Toy story 3 (Toy story 3)
El público que vio en su momento Toy story ha crecido y Pixar lo ha hecho con él, cada una de sus películas ha superado en madurez a la anterior, llegando con esta película a la cima de su cine.

Triangle (Triangle)
Pirueta argumental que consigue atraparnos poco a poco en un bucle infinito de horror. Una joya desconocida.

Un ciudadano ejemplar (Law abiding citizen)
Una película construida sobre giros argumentales imposibles y venganzas de lo más disfrutables. El placer culpable de la temporada.

Un profeta (Un prophète)
El precio del poder, Érase una vez en América, Uno de los nuestros, Ciudad de Dios y ahora Un profeta.

LO PEOR:

La peor película del año fue Skyline, una tontería sin mayor sentido que podría haber sido una correcta serie B, pero se quedó en un simple bodrio. Los grandes títulos que más me han decepcionado han sido Airbender (tal vez el último clavo en el ataúd de la carrera de Shyamalan) y Alicia en el país de las maravillas (una apuesta segura que ha salido por la culata, no comercialmente hablando). A continuación el listado de las peores películas del 2010.

Airbender, el último guerrero (The last airbender)
Shyamalan ha perdido su sexto sentido para hacer buen cine.

Alicia en el país de las maravillas (Alice in Wonderland)
El regreso de Burton a la casa que lo vio nacer se salda con su peor película hasta la fecha, y es que su Alicia nunca debió viajar a Wonderland.

Jonah Hex (Jonah Hex)
El Wild wild west de esta década.

Legión (Legion)
Esta historia de ángeles en pie de guerra no ofrece nada que no se haya visto ya antes. Para ver una buena historia apocalíptica con ángeles de por medio me quedo con la serie Supernatural.

Los mercenarios (The expendables)
La película no pasa del hype de su reunión de héroes de acción.

Prince of Persia: Las arenas del tiempo (Prince of Persia: The sands of time)
Un Indiana Jones sin sentido de la aventura, un Aladdin sin sentido del humor y un Piratas del Caribe sin un protagonista con carisma. Mejor jugar a la PlayStation.

Resident evil: Ultratumba (Resident evil: Afterlife)
La saga es como los zombies que la pueblan, está muerta, pero se empeña en levantarse y seguir arrastrándose una y otra vez.

Salt (Salt)
Thriller que de tanto giro argumental para sorprender al público acaba estrellándose estrepitosamente.

Saw VI (Saw VI)
La saga genera una sensación de constante déjà vu. Podría ver cualquiera de las entregas sin poder diferenciarlas entre ellas.

Skyline (Skyline)
Esta película de ladrones de cerebros del espacio exterior comienza de forma atractiva, pero termina siendo un gran WTF.

TOP SERIES

Aviso que hay spoliers, así que mucho cuidado.

Las cuatro mejores series de la temporada 2009-2010 fueron, por orden, Terriers, el descubrimiento del año y una joya de la televisión incomprendida, sus 13 episodios son un ejemplo de la calidad y regularidad. Dexter, que sigue sin caerse del Olimpo de las mejores series, su quinta temporada siguió innovando y desarrollando a su personaje principal por nuevas vías. Breaking bad, que se supera a si misma temporada tras temporada, alcanzando con la tercera la perfección. The walking dead, que llevó a la televisión el mundo zombie, algo que tenía que existir por fuerza y además suyo fue el mejor episodio del año "Days gone bye".

Éste ha sido una año televisivo interesante, ¿cuál no lo es? En estos últimos 365 días se han producido grandes hitos de la televisión, el final de dos de las series más importantes de los últimos años, Perdidos y 24, el largamente esperado estreno, valga la redundancia, de la serie hermana de Hermanos de sangre, el regreso de Futurama, los estrenos de Treme, Boardwalk empire y The walking dead, con las cabezas visibles de David Simon, Martin Scorsese y Frank Darabont correspondientemente detrás de ellas.

El balance de las series del 2010 es el siguiente, Fringe se corona como la mejor serie fantástica del momento, Damages repitió la calidad de sus temporadas anteriores, 24 empezó a trompicones para ir subiendo en una recta final de infarto, Lost decepcionó aunque siempre será recordada como una de las más grandes, American dad! ofreció su mejor temporada, House sorprendió gratamente con otra temporada excelente (y van 6), Sherlock es la nueva gran apuesta británica, Spartacus: Blood and sand empezó como una copia de 300 para con el paso de los episodios demostrar tener personalidad propia, Supernatural cerró su historia principal de una forma ejemplar y The Pacific demostró que la espera mereció la pena.

Hablemos de cancelaciones, Heroes terminó su andadura con su cuarta temporada (que son 3 más de lo que debió durar) y Dollhouse levantó el vuelo con su segunda temporada, pero aun así no se libró de la cancelación. Hubo varias series que empezaron su andanza en la temporada 2009-10 y que fueron canceladas en su primera temporada, como Flashforward (algo fácil de prever), Undercovers (que nunca llegó a despegar), Rubicon (que ha terminado siendo una miniserie excelente), Terriers (la injusticia del año), The good guys (la serie más simpática de la parrilla), Caprica (que no hizo olvidar a Battlestar Galactica) y Lone star (que no pasó de su segundo episodio).

Y estos son para mí los mejores episodios del año, el orden es meramente alfabético.

24 - 8x15 - "Day 8: 6:00 AM - 7:00 AM"
Puede parecer un episodio más de 24, pero devolvió la tensión a la serie desde el primer minuto.

24 - 8x16 - "Day 8: 7:00 AM - 8:00 AM"
El episodio empieza fuerte (con el descubrimiento de Dana como topo) y termina mejor (con la muerte de Hassan).

24 - 8x21 - "Day 8: 12:00 PM - 1:00 PM"
Después de destripar al asesino de Renee, Jack usa su móvil y descubre que la última persona que le llamó fue el ex-Presidente Logan, decir que me entraron ganas de dar gritos de euforia, es decir poco.

24 - 8x22 - "Day 8: 1:00 PM - 2:00 PM"
Gracias a un Jack Bauer sediento de venganza este episodio entró directo en el top 5 de los mejores de la serie, sólo la secuencia del asalto al convoy es de esas que apetece ver una y otra vez.

24 - 8x23 - "Day 8: 2:00 PM - 3:00 PM"
Jack apunta con su rifle al edificio de las Naciones Unidas, todos creemos que espera asesinar al Presidente ruso, pero en realidad a quien apunta es a Logan. El último gran cliffhanger de 24.

30 rock - 4x05 - "The Problem Solvers"
El emparejamiento cómico de Tracy y Jenna en esta temporada trajo consigo grandes momentos y en "The Problem Solvers" llegó a su máxima expresión.

30 rock - 4x21 - "Emanuelle goes to dinosaur land"
Momento mítico de la serie: Tracy recordando su pasado en su barrio natal.

American dad! - 6x06 - "Shallow vows"
Si la trama principal sobre la verdadera apariencia de Francine no fuese lo suficientemente divertida, aun por encima tenemos a un Roger pletórico, cuyas apariciones son oro puro, mi preferida el cartel "Jeannie Gold planner de weddingos / prostituta".

American dad! - 6x09 - "Rapture's delight"
Un especial navideño a medio camino entre Mad Max, !Qué bello es vivir!, Heavy metal y una buddy movie enloquecida, que no se parece a nada que se haya visto antes en American dad!.

American dad! - 6x10 - "Don't look a Smith horse in the mouth"
Stan compra un caballo... ¿Os suena a Los Simpson? No importa, porque el episodio es tan divertido que os olvidaréis en seguida de la serie de la familia amarilla.

American dad! - 6x16 - "Bully for Steve"
Con episodios como éste, en el que Stan le hace bullying a Steve, American dad! demuestra porqué es la mejor serie animada del momento.

Breaking bad - 3x06 - "Sunset"
Tensión en una caravana.

Breaking bad - 3x07 - "One minute"
La secuencia final, en la que los hermanos mexicanos intentan asesinar a Hank, pasará a los anales de la televisión.

Breaking bad - 3x12 - "Half measures"
Walt da un nuevo paso para convertirse en ese peligroso criminal que acabará siendo, cuando le salva la vida a Jesse. La secuencia pone la piel de gallina.

Breaking bad - 3x13 - "Full measure"
Gilligan y los suyos tienen la fórmula para hacer episodios perfectos y "Full measure" es la prueba empírica de ello.

Burn notice - 3x04 - "Fearless leader"
Michael haciéndose pasar por un matón de poca monta nos depara algunos de los momentos más divertidos de la serie.

Burn notice - 3x09 - "Long way back"
Cuando Fi es secuestrada, Michael muestra su lado más oscuro, algo que Matt Nix y los suyos deberían hacer más a menudo porque resulta una gozada.

Damages - 3x12 - "You were his little monkey"
Todas las piezas se colocan para la season finale, donde destaca el mejor nuevo personaje de esta temporada, Lenny (interpretado por un estupendo Martin Short).

Damages - 3x13 - "The next one's gonna go in your throat"
Damages siempre acostumbra a dejar lo mejor para el final y esta temporada no ha sido la excepción. La season finale ha sido la más dramática hasta la fecha y se han cerrado muchos arcos argumentales, lo que podría haber servido como final para la serie, si no supiéramos ya que habrá 4ª y 5ª temporadas.

Dexter - 5x06 - "Everything is illumenated"
El episodio guarda varios momentos memorables, Dexter y Lumen siguiendo el rastro de sangre dejado por un asesino, Dexter persiguiendo a una de sus víctimas a punto de ser descubierto por la policía, la forma que tiene el asesino en serie de resolver el problema con los dos cadáveres (con la hilarante representación de Masuka incluida) y por supuesto el "Die, die" de Harrison.

Dexter - 5x11 - "Hop a freighter"
Tensión, tensión y más tensión previa a la season finale.

Dollhouse - 2x04 - "Belonging"
El más adulto, complejo y duro episodio que pudo verse en televisión en la pasada temporada.

Dollhouse - 2x06 - "The left hand"
El mundo no está preparado para dos Topher Brink.

Dollhouse - 2x10 - "The attic"
Si os gustan las historias que tienen giros argumentales que lo ponen todo patas arriba toda y te hacen replantearte lo que has visto hasta ese momento, entonces éste es tu episodio.

Dollhouse - 2x11 - "Getting closer"
La segunda temporada siguió dejándonos con la boca abierta a cada episodio, aquí con dos momentos memorables, el asesinato de Bennett por parte de la Dra. Saunders y el descubrimiento de la identidad de Rossum.

Family guy - 8x01 - "Road to the multiverse"
Brian y Stewie como personajes de Disney, no hace falta decir más.

Family guy - 8x19 - "The splendid source"
Con Peter, Quagmire, Joe y Cleveland juntos de nuevo, el episodio supone un regreso a los mejores tiempos de la serie.

Family guy - 8x20 - "Something, something, something, dark side"
Alert spoiler! Pese a no llegar a la genialidad de "Blue harvest", esta nueva parodia de Star Wars se corona fácilmente como el mejor episodio de la temporada.

FlashForward - 1x22 - "Future shock"
El día D llegó y con él, la emoción, la acción y un nuevo flashforward que nos lleva 6 años en el futuro... que nunca sabremos a donde nos quería llevar.

Fringe - 2x04 - "Momentum deferred"
Olivia recuerda su encuentro con William Bell, se descubre la identidad del cambiaformas y se colocan nuevas piezas para la guerra interdimensional, en resumidas cuentas, Fringe en estado puro.

Fringe - 2x08 - "August"
Todo lo que siempre quisiste saber sobre los observadores y nunca te atreviste a preguntar.

Fringe - 2x18 - "White tulip"
El mejor homenaje a Atrapado en el tiempo jamás realizado y con un final sencillamente memorable.

Fringe - 2x22 - "Over there: Part 1"
Desde que descubrimos la existencia del universo alternativo en la primera temporada, deseábamos el viaje al otro lado y la experiencia ha sido tan increíble como esperábamos. El resultado es uno de los mejores relatos de ciencia ficción jamás vistos en televisión.

Fringe - 2x23 - "Over there: Part 2"
La segunda parte del viaje alucinante al universo alternativo no mantuvo el interés de la primera parte, pero fue un cierre espectacular y prometedor para la tercera temporada.

House - 6x12 - "Moving the chains"
Alguien se dedica a hacerle la vida imposible a House y Wilson, lo que deriva en el episodio más divertido de la temporada.

House - 6x21 - "Help me"
Todo hacía presagiar un final de temporada dramático y fatalista, pero en el último momento descubrimos que House es una serie kármica.

How i met your mother - 5x03 - "Robin 101"
En una temporada que sólo llegó al aprobado, este episodio en el que Ted imparte clases a Barney sobre Robin para que sea mejor novio, se lleva un 10.

How i met your mother - 5x08 - "The playbook"
Barney como absoluto protagonista y sus trucos para ligar como hilo conductor de la historia dan como resultado un episodio... legendario.

Lost - 6x04 - "The substitute"
Comienzan las respuestas...

Lost - 6x09 - "Ab aeterno"
Tuvimos que esperar una eternidad para ver el episodio de Richard Alpert, pero la espera mereció la pena.

Lost - 6x11 - "Happily ever after"
El episodio demuestra que Desmond es especial, sólo él consiguió que el universo alternativo fuese interesante. Desde aquí todo fue una caída libre hasta The end.

Lost - 6x14 - "The candidate"
Descubrimos los planes de BadLocke. Pese a ser un episodio con pocas revelaciones está lleno de emoción, acción y despedidas a varios personajes fijos.

Lost - 6x15 - "Across the sea"
Desde su emisión, el episodio mitológico de la serie por excelencia.

Modern family - 1x01 - "Pilot"
Un episodio brillante, divertido y entrañable. Para mi, el mejor momento es cuando descubrimos que todos estos personajes que pueblan la serie son familia.

Modern family - 1x02 - "The bicycle thief"
Si el primer episodio era divertido, éste lo es todavía más. Risas garantizadas de principio a fin.

Modern family - 1x04 - "The incident"
La irrupción de la ex-mujer de Jay, Many mesando su barba pintada, el video de la accidentada boda de Jay y Gloria y la canción de Dylan, son unos pocos de los grandes momentos que guarda este episodio.

Psych - 4x06 - "Bollywood homicide"
El clásico episodio de la serie, caso absurdo, referencias a los 80 y simpatía, mucha simpatía.

Rubicon - 1x12 - "Wayward sons"
El mundo de luces y sombras de Rubicon comienza a disiparse cuando las dos tramas de la serie confluyen (inteligentemente) en una sola. La teoría de la conspiración pasa a la práctica.

SGU Stargate universe - 1x11 - "Space"
Ciencia ficción de la que me gusta, repleta de batallas en el espacio, encuentros en la tercera fase y personas en situaciones límite.

Sherlock - 1x01 - "A study in pink"
Olvidaos del Sherlock Homes de Guy Ritchie, éste es el auténtico. Moffat consigue trasladar con increíble acierto los personajes de Arthur Conan Doyle al siglo XXI.

Sherlock - 1x03 - "The great game"
Enter Moriarty.

South Park - 14x04 - "You have 0 friends"
El crossover del año, Facebook y TRON.

South Park - 14x05 - "200"
El doble episodio especial 200/201 fue el acontecimiento southparkiano del año y nadie se lo quiso perder, no faltaron ni Tom Cruise, George Lucas, Steven Spielberg, Rob Reiner, Mitch Conner, Bin Laden, Michael Bay, Ben Affleck, Liza Minnelli, Bono, los Super Mejores Amigos, Mahoma, el señor Sombrero, Barbra Streisand...

South Park - 14x06 - "201"
... Mel Gibson, Steve Irwin, David Letterman, David Blaine, Phil Collins, Michael Douglas, John Travolta, Tiger Woods, Mickey Mouse, Tim Burton, Sarah Jessica Parker, Russell Crowe, Paris Hilton, Santa Claus, el señor Mojón, Pipi, el Dr Mefisto, ni tampoco Scott Tenorman.

South Park - 14x08 - "Poor and stupid"
Hoy he aprendido una lección, la Nascar no es sólo para gente pobre y estúpida y este episodio es sólo para gente que quiera pasárselo en grande.

Spartacus: Blood and sand - 1x05 - "Shadow games"
Spartacus y Crixus contra Theokoles, el combate del siglo... I a.C.

Spartacus: Blood and sand - 1x09 - "Whore"
Lucretia hace que Spartacus e Ilithyia se acuesten juntos, lo que traerá imprevisibles y dramáticas consecuencias.

Spartacus: Blood and sand - 1x13 - "Kill them all"
El episodio hacer honor a su título y se convierte en la mayor explosión de sangre y violencia jamás vista en televisión, lo que, siendo sinceros, es toda una gozada.

Supernatural - 5x08 - "Changing channels"
El 4º chorrisodio consecutivo de la temporada, fue sin duda el mejor y más divertido. Dean y Sam a lo Permanezca en sintonía deben sobrevivir durante un día entero saltando de un programa de televisión a otro. En una palabra... hilarante.

Supernatural - 5x22 - "Swan song"
Éste siempre será el verdadero final de la serie.

Terriers - 1x04 - "Fustercluck"
Si tu enemigo te pide que le hagas un favor, no puede traer nada bueno, pero si aun por encima te pide le robes 250.000 dólares lo que tenemos entonces es un gran episodio de Terriers.

Terriers - 1x05 - "Manifest destiny"
Diálogo entre Hank y su ex, Hank: "Gretch, todavía te amo", Gretchen: "No sé que se supone que voy a hacer con eso", Hank: "Yo tampoco lo sé". Con momentos así, cuesta entender como cancelaron esta serie.

Terriers - 1x08 - "Agua caliente"
Britt es secuestrado y obligado a cometer un robo en una comisaría en México, Hank y Gustafson tienen que trabajar juntos para rescatarlo, Britt ayuda sin saberlo al hombre que se acostó con Katie y Hank salva el día, ¿qué más se le puede pedir a un episodio de Terriers?

Terriers - 1x10 - "Asunder"
Al comienzo del episodio Hank y Britt están en polos opuestos y cuando acaba el episodio uno termina de nuevo a 180º del otro, entre medias suceden muchas cosas y todas son territorio Terriers.

Terriers - 1x11 - "Sins of the past"
Lo que parecía el típico episodio que narra los orígenes de los protagonistas termina siendo más, mucho más.

Terriers - 1x12 - "Quid pro quo"
Si la historia no era lo suficientemente enrevesada, en este episodio da 3 ó 4 vueltas de tuerca más. El mejor episodio de Terriers, lo que es decir mucho.

The Cleveland show - 1x08 - "From bed to worse"
Fue a partir de este episodio cuando la serie encontró su propio estilo y humor.

The good guys - 1x01 - "Pilot"
Esta parodia/homenaje de las buddy movies tiene todo lo que se podía esperar de ella, tiroteos con pistolas a dos manos, delincuentes estúpidos, policías aun más estúpidos, alocadas persecuciones y policías con bigote.

The mentalist - 2x06 - "Black gold and red blood"
Aun estando en la cárcel, Jane sigue haciendo de las suyas. Uno de los episodios que mejor definen el estilo de la serie.

The mentalist - 2x08 - "His red right hand"
John el Rojo siempre es bien recibido en The mentalist, sus episodios traen consigo lo mejor de la serie y dejan un rastro de sangre y muerte a su paso, como descubrió Bosco en este episodio.

The Pacific - 1x02 - "Basilone"
El episodio recuerda a los mejores de Hermanos de sangre, la acción, la camaradería, la violencia y el espectáculo, impregnan cada plano del episodio.

The Pacific - 1x09 - "Okinawa"
El más oscuro, dramático y mejor episodio de la serie.

The walking dead - 1x01 - "Days gone bye"
Más que un episodio de televisión parece que estemos ante una película en toda regla, los medios, pretensiones y calidad van más allá de una serie al uso. Repleto de momentos icónicos y memorables, se colocó por méritos propios como el mejor episodio del año.

The walking dead - 1x04 - "Vatos"
El episodio comienza placidamente con una emotiva conversación sobre pesca entre dos hermanas y termina de forma brusca con una masacre. El mejor reflejo de la dualidad de The walking dead, gente normal frente situaciones extraordinarias.

V - 1x01 - "Pilot"
Estos lagartos del espacio exterior comenzaron su invasión con fuerza (que fueron perdiendo conforme pasaban los episodios).

TOP TRAILERS

El mejor trailer del año fue el de The tree of life, toda una experiencia sensorial de 2 minutos. Otros grandes trailers fueron los de Super 8 (rodado a propósito para la ocasión) o La red social (con la canción "Creep" de fondo).

127 horas: Trailer 1 (Descarga / YouTube) y Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Battle: Los Angeles: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

El equipo A: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Fast five: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Kick-Ass: Trailer 2 (Descarga / YouTube), Red band UK (Descarga / YouTube) y Red band USA (Descarga / YouTube)

La red social: Teaser (Descarga / YouTube) / Trailer 1 (Descarga / YouTube)

La trampa del mal: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Origen: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Predators: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Scott Pilgrim contra el mundo: Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Sucker punch: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Super 8: Teaser (Descarga / YouTube)

The town: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

The tree of life: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Thor: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

TRON legacy: Trailer 1 (Descarga / YouTube) y Trailer 2 (Descarga / YouTube)

Wall street 2: El dinero nunca duerme: Trailer 1 (Descarga / YouTube)

Your highness: Red band (Descarga / YouTube)

Un pueblo llamado Dante's Peak

2010-12-13T11:03:00.000-08:00

El vulcanólogo Harry Dalton (Pierce Brosnan), detecta una peligrosa actividad sísmica en las cercanías de Dante’s Peak, un tranquilo pueblecito situado al pie de un volcán. A pesar de sus avisos sobre una posible erupción, nadie le toma en serio hasta que es demasiado tarde. El volcán entra en erupción y a partir de entonces la huida del pueblo se hace desesperada. Harry intentará escapar junto a la alcaldesa (Linda Hamilton) y sus hijos.

Un pueblo llamado Dante's Peak es la digna continuación al género catastrofista surgido en la década de los 70 con títulos como La aventura del Poseidón (1972), El coloso en llamas (1974), toda la saga de Aeropuerto (1970-79) y El día del fin del mundo (1980), con esta última guarda el mismo punto de partida, un volcán en erupción, pero sus resultados son desiguales.

Dante's Peak no posee un gran guión, ni un reparto plagado de estrellas (las únicas son Pierce Brosnan y Linda Hamilton) y su metraje está lleno de tópicos, pero aun así se convierte en un entretenimiento de primer orden, principalmente porque su objetivo primordial es hacer disfrutar al público de un espectáculo impresionante, resuelto por un sucesión de excelentes set pieces (la pareja en las aguas termales, el accidente del helicóptero, la destrucción de la presa, el puente arrastrado por la corriente del río, la barca cruzando el lago de ácido, etc.). Además aprovecha al máximo el material que maneja, erupciones volcánicas, terremotos, lluvia de ceniza, tormentas eléctricas, lagos de ácido, inundaciones, nubes piroplásticas, todo consecuencia del volcán protagonista.

Como suele suceder en este tipo de producciones, los efectos visuales son lo más sobresaliente de la función, las imágenes de la destrucción del pueblo de Dante's Peak, son de un realismo increíble y toda una gozada para la vista, destacan momentos como la erupción del volcán en medio de una reunión del pueblo o la nube piroplástica final. Los excelentes efectos visuales creados por la compañía Digital Domain, incluyen técnicas tradicionales, como el uso de miniaturas (la secuencia del puente arrastrado por la corriente), matte paintings (los planos del volcán) o elementos a escala real (la destrucción de los edificios del pueblo) y también técnicas más modernas, como imágenes CG, utilizadas para la recreación de la lava.

Su director, Roger Donaldson, siempre ha sido un director irregular, tanto filma producciones excelentes (Trece días o Burt Munro: Un sueño, una leyenda) como otras mediocres (Cocktail o Species). Dante's Peak supuso la mayor producción de su carrera donde dio muestras de su forma de entender el cine espectáculo. En la primera parte de la película utiliza constantemente movimientos de cámara mediante grúas (clara inspiración de la producciones de los 70 del género), adoptando una puesta en escena menos mecánica en la segunda parte cuando se inicia el caos volcánico. Donaldson nos regala momentos como, el plano del volcán entrando en erupción con el reflejo en la ventanilla de Linda Hamilton, el picado que va desde un plano del volcán hasta unas burbujas en el agua del lago (premonición de la futura catástrofe) o el reflejo en un espejo retrovisor de la nube piroplástica.

El ritmo no decae prácticamente nunca, hay alguna escena de relleno como la del robot dentro del volcán o el desenlace en la mina, que carece de la tensión necesaria. Pero en el momento en que el volcán entra en erupción, todo se dispara a una velocidad increíble y un caos de puro espectáculo se apodera de la pantalla (esas imágenes de la destrucción del pueblo son memorables). La cámara de Donaldson lo muestra todo de la forma más clara y precisa posible. La mejor secuencia de todas es la de la barca en medio de un lago de ácido, con ese momento final de la abuela de la familia dando su vida por salvar a los demás.

Él guión de la película tiene claras inspiraciones del cine catastrofista de los 70, pero principalmente en la película Tiburón. El personaje de Brosnan es un profesional que tiene razón sobre una futura catástrofe a quien nadie le hace caso, hasta que es demasiado tarde (como Richard Dreyfuss en Tiburón). El rechazo de los políticos del pueblo a las advertencias de Brosnan recuerda al alcalde del pueblo de la película de Spielberg. También se ven claras similitudes con Twister, los compañeros de Brosnan recuerdan a los compañeros de Bill Paxton por la diversidad de sus personalidades. También recuerda a Twister por el ingenio que los protagonistas utilizan, en la película de Jan de Bont era un sistema para medir tornados y en el film de Donaldson un robot experimental que se introduce en los volcanes. Además como en Independence day y el resto de producciones catastrofistas posteriores, se incluye el personaje de un perro, que se salva en el último momento.

Dante's Peak es una dramatización en forma de superproducción de la catástrofe real del Monte Santa Helena de 1980. Si uno ha visto las imágenes emitidas por televisión de la erupción del volcán, encontrará grandes similitudes con las escenas de destrucción de Dante's Peak. Está claro que sus creadores se inspiraron en aquel suceso para realizar la película, para empezar, la localización es la misma; una bella ciudad al pie de un volcán supuestamente dormido (la ciudad de Olympia en el caso real), que tras la erupción de un volcán queda totalmente desbastada. Y por consecuencia los escenarios se repiten, casas arrasadas, árboles derribados, ríos desbordados, etc. La similitud es tal, que las imágenes de los puentes anegados y taponados por troncos parecen extraídas del suceso real.

En 1996 se inició una lucha entre Dante's Peak de Universal Pictures y Volcano de 20th Century Fox, por ser la película con volcán del año. Ambas producciones se rodaron casi de forma simultánea, siendo Dante's Peak la primera en iniciar su rodaje, en Junio de 1996. Los productores sabían que el primer volcán en entrar en erupción sería el que tendría más éxito. Universal Pictures adelantó el estreno de Dante's Peak para ser la primera estrenarse, para ello se gastaron 30 millones de dólares adicionales. El presupuesto final de Dante's Peak (104 millones de dólares) la colocó como una de las 5 producciones más caras de la historia. Al final Dante's Peak consiguió su objetivo, llegó primero a los cines, estrenándose el 7 febrero 1997. Volcano lo haría el 25 abril 1997. La cifras colocaron a Dante's Peak como vencedora con una recaudación de 67.163.857 de dólares en EE.UU. y 178.800.000 a nivel mundial, mientras que Volcano amasó 49.323.468 de dólares en EE.UU. y 120.500.000 a nivel mundial.

Lo que al final queda es una de las películas más espectaculares de los 90. Una producción que da al público lo que espera ver, 100 minutos de puro entretenimiento. El que no se lo pasa bien con ella, es porque no quiere.

Curiosidades:

La lluvia de ceniza volcánica eran realmente periódicos quemados.

Las secuencias de exteriores de la película se filmaron en Wallace, Idaho, añadiéndose digitalmente el volcán.

Las escenas que acontecen en el cráter del volcán (cuando Pierce Brosnan tiene que rescatar a un compañero que se ha roto una pierna) fueron filmadas en el Monte Santa Helena.

El guionista de la película, Leslie Bohem, cobró 1.250.000 de dólares por su guión.

Se barajó a Michael Douglas para interpretar el papel protagonista.

En un momento de la película un autobús escolar es aplastado por el campanario de una iglesia. El autobús tiene escrito en un lateral "Hurd county school district", que es un guiño a su productora Gale Anne Hurd.

En la película puede escucharse el famoso grito Wilhelm en la secuencia de la muerte de Paul Dreyfus (Charles Hallahan), cuando cae desde un puente a un río de lodo.

Nunca digas nunca jamás

2010-11-13T07:00:00.000-08:00

La organización criminal SPECTRE roba dos armas nucleares y amenaza con usarlas si a cambio no se le entrega una gran suma de dinero. Al agente del servicio secreto británico, James Bond, le asignan el caso, su primera pista es el industrial Maximilian Largo.

LA MÁS ARDUA AVENTURA DE JAMES BOND

Los orígenes de Nunca digas nunca jamás (Never say never again, 1983) son bastante complejos. La película es un remake de Operación Trueno (Thunderball, 1965), cuarta producción oficial de la saga de James Bond llevada al cine por EON Productions (productora de todas las películas del agente 007) y protagonizada por Sean Connery, protagonista también de Nunca digas nunca jamás. Esta nueva versión se trata de una película no oficial de 007 y las razones de su existencia intentaré explicarlas en los siguientes párrafos.

Inicialmente Operación Trueno iba a ser el debut en el cine del personaje creado por Fleming. La productora Xanadu Productions sería la encargada del proyecto, bajo el título "James Bond, secret agent". Ernest Cuneo, uno de los dueños de la productora, escribió un relato corto basado en una idea de Kevin McClory, que sería la base de la historia y Ian Fleming sería el encargado de novelizar el guión.

Nunca se ha sabido realmente quien fue el responsable de la creación de la organización SPECTRE en la historia, si Fleming o McClory. Pero sí se sabe que Fleming aportó a la historia detalles como la creación del villano Henrico Largo, el personaje de Domino, la idea del robo de las armas nucleares y la lucha final submarina que envuelve a Bond y Leiter contra los hombres de Largo.

Jack Whittingham fue contratado en 1959 para escribir el guión final. Durante dos años Fleming, McClory y Whittingham estuvieron trabajando en el libreto, pero Xanadu Productions dejo de existir y el proyecto se paralizó temporalmente.

Tiempo después, Fleming conoció a los productores a Harry Saltzman y Albert R. Broccoli, a los que vendió los derechos de las novelas de Bond, tanto los escritos como los que publicará en el futuro, todos, excepto Casino Royale, cuyos derechos ya habían sido vendidos anteriormente a otros productores.

Fleming tomó todo el material que se había desarrollado para la frustrada película "James Bond, secret agent" y lo convirtió en una novela de título Operación Trueno. Pero antes de ser publicada McClory consiguió una copia y junto con Whittingham impuso una demanda contra Fleming por "plagio y falsa atribución". La demanda no impidió que la novela fuese publicada.

Durante el tiempo que duró la demanda Whittingham cedió sus derechos del guión a McClory. En 1963 Fleming y McClory llegaron a un acuerdo extrajudicial, en él se estableció que en las posteriores ediciones que se publicasen de la novela debía aparecer una página en la que figurase la frase: "Basado en una adaptación para la pantalla de Kevin McClory, Jack Whittingham y Ian Fleming", exactamente en ese orden. Además se estableció que McClory tenía derechos sobre todos los aspectos de la novela y que podría realizar su propia adaptación al cine, aquí es donde surgió Nunca digas nunca jamás. Pero aun no estaba todo decidido.

McClory intentó conseguir financiación para filmar su película, pero tras una serie de intentos fallidos no le quedó más remedio que recurrir a Harry Saltzman y Albert R. Broccoli. Con Eon Productions realizó en 1965 Operación Trueno, cuarta entrega oficial de la saga Bond y que contó con un apoteósico éxito comercial. McClory apareció acreditado como productor de la película, mientras que Saltzman y Broccoli sólo aparecieron con un "Harry Saltzman y Albert R. Broccoli presentan". Richard Maibaum y John Hopkins fueron acreditados como guionistas, pero se indicó "basado en un guión original de Jack Whittingham", añadiendo "basado en una historia original de Kevin McClory, Jack Whittingham e Ian Fleming".

En su acuerdo con Eon Productions, Kevin McClory renunció a realizar otra versión de Operación Trueno en un plazo de 12 años. No fue hasta 1976 que McClory intentó realizar su propia película sobre James Bond, para ello se asoció con Sean Connery e intentaron crear una película original sobre el personaje, de título Warhead, pero una demanda de United Artists paralizó el proyecto. Con el apoyo del productor Jack Schwartzman y la major Warner Bros. McClory ganó una decisión del Tribunal Superior contra la United Artists y pudo realizar por fin su película sobre 007, bajo unas condiciones que le obligaban entre otras cosas, que sólo podía basarse en los guiones originales o en la novela Operación Trueno, pero no en la adaptación cinematográfica estrenada en 1965.

Pero la historia no acabó todavía ahí, aun tuvo un capítulo más. En los 90 McClory intentó realizar una nueva versión de Operación Trueno bajo el título de Warhead 2000 A.D. y bajo el sello Sony (al parecer con la intención de que Liam Neeson o Timothy Dalton la protagonizasen), pero una demanda de la MGM (dueña de los derechos de distribución de la saga) y Danjaq LLC (dueños de Eon Productions) impidió que se realizase. En 1999 MGM y Sony llegaron a un acuerdo extrajudicial por el cual Sony cedió sus derechos sobre Bond a la productora del león, en el mismo acuerdo la segunda cedió sus derechos parciales sobre Spider-Man a Sony. Y en 1997 MGM obtuvo a cambio de 15 millones de dólares los derechos de Nunca digas nunca jamás tras la compra de Orion Pictures. Esto puso punto y final a la odisea que vivió la película.

Nunca digas nunca jamás vio la luz finalmente en 1983 siendo dirigida por Irvin Kershner (El imperio contraataca), con guión de Lorenzo Semple Jr (Los tres días del Cóndor, Flash Gordon) y protagonizada por Sean Connery, Kim Basinger, Klaus Maria Brandauer, Barbara Carrera, Max von Sydow, Bernie Casey, Alec McCowen y Edward Fox.

LA BATALLA DE LOS BONDS

Nunca digas nunca jamás no sólo tuvo que competir con las comparaciones que se hicieron con Operación Trueno, sino que además tuvo que verse las caras con otra película de James Bond, ésta producida por Eon Productions, Octopussy, estrenada el mismo año que el film de Kershner. En un principio ambas películas iban a estrenarse en la misma fecha, se iban a estrenar dos películas de James Bond, protagonizadas por los dos actores que más popular han hecho al personaje, Sean Connery y Roger Moore. Los medios se hicieron eco del acontecimiento, denominándolo "La batalla de los Bonds" y no hicieron si no aumentar la polémica sobre el mismo.

La prensa partía que la película que saldría victoriosa sería la de Connery, por significar su regreso al personaje, siendo siempre el Bond original, además Nunca digas nunca jamás partía de un presupuesto mayor (36 millones) que Octopussy (27,5 millones) y fue más publicitada. Tras el exitoso estreno de ambas, finalmente con 4 meses de diferencia, Octopussy se sitúo como la vencedora con 67.893.619 de dólares de recaudación en EE.UU. y 119.600.000 de dólares en el resto del mundo, frente a los 55.432.841 en terreno norteamericano y los 104.600.000 de recaudación mundial de Nunca digas nunca jamás. Lo mismo sucedió en conceptos de alquiler en EE.UU., la película de Roger Moore recaudó 34.031.000 de dólares y la de Sean Connery 28.200.000 de dólares. Pero el tiempo ha colocado a Octopussy en su lugar (y pese a ser la más entretenida de la saga) está claro que es inferior a Nunca digas nunca jamás.

VALORACIÓN

Está claro que cuando los creadores de Nunca digas nunca jamás decidieron llevar la producción al cine, lo hicieron con un ojo puesto en las películas de la Eon Productions, ya que el film sigue la línea marcada por las películas de la saga oficial de James Bond, repitiendo los esquemas de la misma. No falta la canción original de mismo título que la película que suena en los títulos de crédito, el prólogo de acción para introducir al personaje, la escena en la que Q le entrega a 007 sus gadgets o el clásico "Mi nombre es Bond, James Bond". Pero pese a ser una imitación de aquellas películas, lo hace con todo el respeto al personaje. Los productores sabían cual era la fórmula del éxito y decidieron apostar por usar todos los mecanismos que habían hecho de 007 un éxito en el cine, en lugar de apostar por nuevos caminos más arriesgados. Es cierto que el germen del Bond cinematográfico ya estaba presente en el guión escrito por Fleming, McClory y Whittingham años atrás (SPECTRE, la trama del robo de las bombas, el emplazamiento en la Bahamas, el barco de Largo, etc.), pero los responsables de Nunca digas nunca jamás toman descaradamente los elementos que hicieron más populares al Bond de EON Productions y que no estaban presentes en el Bond literario y esto se ve reforzado con la presencia de Sean Connery en la película. Aunque no podemos obviar que si un actor podía en aquel momento presentar cara al Bond de la saga oficial, ese era Connery.

Como remake de Operación Trueno la película de Kershner la supera en todo (la única excepción sería la banda sonora de Michael Legrand, que en muchas escenas resulta anticlimática). Para empezar la dirección del responsable de Robocop 2 siempre se muestra como clásica, elegante y artesanal, que supera a la fría y funcional de Terence Young. Una escena me lo demuestra, el vals que Bond y Domino bailan mientras éste le revela que su hermano ha sido asesinado por orden de Largo, en dicha escena el director aprovecha de una forma excelente el formato panorámico y demuestra un uso excepcional de su impresionante decorado y sienta las bases de lo que debe desprender una película de 007, elegancia y espectáculo. También destacaría otros momentos igual de brillantes, como la introducción de Fatima Blush o la elipsis que pasa de Bond y Fatima haciendo el amor en el barco a su inmersión en el mar.

El guión de Lorenzo Semple Jr es también superior al de Maibaum y Hopkins, los diálogos y su construcción es superior, pese a seguir los mismos pasos, el avance de la historia está mejor desarrollado, las notas de humor están bien insertadas y pese a algunas concesiones cara a la galería o fuera de tono (la escena del videojuego, la muerte de Fatima, el porqué Largo no mata a Bond en lugar de abandonarlo en una fortaleza en Palmyra o la aparición final submarina de Domino con el ejército), el relato es siempre entretenido y eficaz. Y es de agradecer que en ningún momento se intente ocultar la edad de Bond, a diferencia de los films de Roger Moore, aquí se hacen continuas referencias a la madurez de 007 e incluso el final de la película marca su retiro como agente con ese "nunca" (aunque su guiño a cámara y el inicio de la canción "Never say never again" dejaban la puerta abierta a nueva aventura).

El Largo de Klaus Maria Brandauer le gana por goleada al de Adolfo Celi. Kim Basinger seduce más con su Domino que Claudine Auger. Barbara Carrera se convierte en toda una roba escenas. Max Von Sydow como el líder de SPECTRE es el mejor Blofeld que uno se pudiera imaginar. Y Sean Connery sigue siendo tan buen Bond como siempre, pese a tener unos cuantos años más encima.

Como toda película de 007, no falta su dosis de espectáculo. Las escenas de acción son solventes, algunas vibrantes (la persecución en moto), otras divertidas (la pelea en la clínica) y otras con la tensión justa (la emboscada submarina con tiburones). Las localizaciones están aprovechadas al máximo (principalmente Las Bahamas y Niza) y no nos podemos olvidar de los efectos visuales, excelentes para su época.

Nunca digas nunca jamás es una película incomprendida por su condición de film "no oficial", el resultado está por encima de muchas de las películas de la saga oficial y merece ser reconocida como la película digna, espectacular y entretenida que es.

Curiosidades:

Hay cambios en el nombre de algunos personajes entre Operación Trueno y Nunca digas nunca jamás. En la primera el personaje interpretado por Claudine Auger se llamaba simplemente Domino, mientras que el interpretado por Kim Basinger en Nunca digas nunca jamás se llama Domino Petachi, a su vez el personaje interpretado por Adolfo Celi en la primera película era Emilio Largo, mientras que éste pasa a llamarse Maximillian Largo en la segunda.

A Richard Donner le ofrecieron la dirección de la película, pero declinó la oferta.

Steven Seagal fue instructor de artes marciales en la película. Durante una explicación le rompió la muñeca a Sean Connery al enseñarle como realizar un movimiento.

Al compositor John Barry le fue ofrecida la composición de la banda sonora de la película. Él compuso la banda sonora de 10 películas de James Bond de la saga oficial. Pero declinó la oferta por respeto a Albert R. Broccoli.

El casino donde Bond y Largo se enfrentan en el videojuego "Dominación" se llama Casino Royale.

Barbara Carrera declinó usar una doble de cuerpo para rodar sus escenas de sexo con Sean Connery.

Éste fue el debut en el cine de Rowan Atkinson. Años después el actor realizaría Johnny English (2003), película que parodia los films de James Bond.

La mujer que "pesca" a James Bond en Las Bahamas está interpretada por Valerie Leon, quien también trabajó en La espía que me amó (1977) en el papel de recepcionista de un hotel.

Fue la primera película de James Bond cuyo título original no fue escrito por Ian Fleming.

El actor Robert Rietty que interpreta al ministro italiano trabajó en Operación Trueno (1965) poniendo voz al personaje de Emilio Largo.

Kim Basinger nunca había visto una película de James Bond cuando aceptó intervenir en el film.

La participación de Max von Sydow en la película se vio reducida considerablemente, al ser sólo unas pocas de sus escenas incluidas en el montaje final.

La actriz Amy Irving tuvo una participación no acreditada como la voz del ordenador que usa Jack Petachi para escanear su ojo.

La actriz Marsha A. Hunt trabajó en la película interpretando a una asistente de Blofeld, pero todas sus escenas fueran cortadas. Lo mismo le sucedió a la actriz Brenda Cowling (vista en Octopussy).

El actor Max von Sydow trabajó en 4 películas escritas por Lorenzo Semple Jr, Los tres días del Cóndor (1975), Huracán (1979), Flash Gordon (1980) y Nunca digas nunca jamás (1983).

La película reutilizó planos de efectos visuales submarinos del film Estación polar Zebra (1968).

Nunca digas nunca jamás fue la única película de los 80 que se basó en un novela completa de Ian Fleming, el resto de películas se basaban en partes de novelas o en relatos cortos.

El título original de la película (Never say never again) está supuestamente basado en un conversación entre Sean Connery y su mujer, a quien le dijo que tras participar en Diamantes para la eternidad (1971) nunca más volvería a interpretar a James Bond. El actor se contradijo así mismo cuando aceptó participar en Nunca digas nunca jamás. Su mujer le dijo "Never say never again" (nunca digas nunca otra vez).

Klaus Maria Brandauer iba a interpretar a Marko Ramius en la película La caza del Octubre Rojo (1990), pero se rompió una pierna antes de comenzar el rodaje y fue él quien sugirió a su amigo Sean Connery para el papel.

El productor Jack Schwartzman quería a James Horner para componer la banda sonora de la película, pero Sean Connery se opuso. Michael Legrand fue contratado tras un encuentro casual con Connery en los pasillos del estudio.

Gadgets:

Moto propulsada con cohetes, que le permite saltar grandes distancias.

Pluma dispara proyectiles.

Reloj con láser incorporado.

Misil con dispositivo volador XT-7B.

Juego secreto

2010-10-25T06:50:00.000-07:00

Este artículo contiene spoliers, no leer si no se desean conocer partes importantes de la trama de la película.

Davey, un niño de once años, de gran imaginación y fan de las historias de espías, comparte sus aventuras con un amigo imaginario, Jack Flack, un superespía heroico y fanfarrón, protagonista del videojuego Cloak & dagger. Un día Davey presencia el asesinato de un agente del gobierno, que le entrega un videojuego que contiene datos de alto secreto. Davey se ve metido en una aventura real de espionaje, al ser perseguido por varios espías que quieren el videojuego. Como ningún adulto cree su historia su única ayuda será su amigo Jack Flack.

Juego secreto (1984) es un remake de la película La ventana (Ted Tetzlaff, 1949), cambiando el suspense por el estilo de las películas juveniles de los 80, tomando los elementos más característicos de esa década, protagonista menor de edad (Henry Thomas recién salido de E.T., el extraterrestre), que se mete en un gran lío (unos espías quieren conseguir algo que sólo tiene él), añadiendo elementos de la cultura popular (los videojuegos juegan un papel importante en la historia), incluyendo escenas de acción (la persecución en el aparcamiento o el final en el aeropuerto) y gotas de sentimentalismo, que nunca resultan molestas (al final el padre del niño se convierte en su verdadero héroe).

La película es la clásica producción de los 80 y en gran medida se beneficia de ello. Sería casi imposible realizar esta película a día de hoy, principalmente porqué gran parte de su encanto es producto de la época en que se realizó, una historia inofensiva de un niño metido en una intriga de espías, algo que todos de pequeños imaginábamos vivir. El personaje de Davey Osborne representa todo lo que significa la niñez, la imaginación desmedida y el espíritu por la aventura, cosas que se pierden al crecer. Otro detalle por el que nunca se podría realizar esta película hoy en día, es por ciertas reacciones violentas de los personajes, en estos tiempos conservadores, las películas enfocadas al público juvenil son muy infantiles, se trata al público como a idiotas, intentando eliminar de la pantalla todo aquello que resulte medianamente violento, no vaya a ser que los niños se vuelvan locos. En Juego secreto los villanos de turno intentan matar al niño y a su amiga en repetidas ocasiones, ya sea disparándoles o mediante una bomba, al comienzo de la película Davey presencia un horrible asesinato; en otra escena el amigo del niño interpretado por William Forsythe es asesinado; en otra Davey se mete en el maletero de un coche con el cadáver de su amigo dentro y en otra secuencia Davey mata a uno de los villanos con una pistola (aunque la secuencia resulte un tanto ridícula no deja de ser sorprendente ver a un niño cometer un crimen, siendo además ésta, una película para todos los públicos).

Por otro lado la película intenta ser tan solo un entretenimiento sin pretensiones, que pese a no estar a la altura de otras películas de la época como Gremlins (1984), Regreso al futuro (1985) o Los Goonies (1985), se deja ver sin problemas. Sus 101 minutos de duración pasan rápidos e incluso tiene alguna idea brillante como que Jack Flack (el ídolo del niño) y su padre sean interpretados por el mismo actor o que Davey deje de ver a Jack Flack cuando abandone de golpe la niñez (después de matar a un hombre). Se le pueden achacar ciertos problemas principalmente a su guión, que sigue derroteros demasiado conocidos, dándole un aire funcional a la historia; el niño presencia un asesinato y la víctima le entrega algo antes de morir; los malos, supuestos espías, no consiguen ganarle a un chaval de un 11 años; nadie cree la increíble historia de Davey por estar siempre imaginándose cosas; aunque al final por supuesto, terminan creyéndole, etc.

La película pierde fuelle y coherencia en sus últimos 30 minutos, se suceden varias escenas que rompen el ritmo de la historia y que provocan que sintamos un cierto rechazo hacia lo que estamos viendo; los malos colocan una bomba en el walkie-talkie de la niña (el porqué ellos saben que la niña no se separará del aparato es un misterio), el absurdo momento antes mencionado en el que Davey mata a uno de los malos porque éste acaba de disparar a su amigo imaginario o que el padre del niño salga con vida de la explosión del avión.

El decir que la película se ha quedado anticuada en el mundo de los videojuegos, es más que evidente, pero no es en ningún momento un problema, y además le da un mayor encanto al film. El videojuego Cloak & dagger que aparece en la película fue creado por la compañía Atari. Inicialmente dicha compañía estaba trabajando en un videojuego titulado Agent X, pero cuando la productora de la película y Atari iniciaron su colaboración, se cambió el título del juego por Cloak & dagger (hay un momento en la película en el que Dabney Coleman dice "Entonces me llamaban el Agente X" y en otro momento Davey llama a Jack Flack, Agente X). Aunque en la película, se muestra que el juego pertenece a la consola Atari 5200, nunca existió realmente para dicho soporte, sino para máquinas recreativas de forma muy limitada. Aunque se pretendía poner a la venta Cloak & dagger nunca pudo hacerse, porque Atari fue vendida antes de terminar el juego (sólo se habían creado las pocas fases que se ven en la película). En su momento, mucha gente después de ver la película busco el juego sin saber que no podía comprarse.

La película está dirigida por Richard Fraklin, que gozo de cierta fama en la década de los 80 al realizar películas como Psicosis, 2ª parte: El regreso de Norman (1983), Link (1986) y FX 2: Ilusiones mortales (1991). Su estilo es bastante convencional, sin intentar demasiados virtuosismos con la cámara. Muestra sus mejores armas en los primeros minutos de la película, así como en las continuas apariciones de Jack Flack.

El guión corre por cuenta de Tom Holland, otra figura de cierto renombre en el cine de género de los 80. Empezó como guionista para películas como Curso 1984 (1982), Psicosis, 2ª parte: el regreso de Norman (1983) y Scream for help (1984), pero después se convertiría en director, dirigiendo en ocasiones sus propios guiones, Noche de miedo (1985), Belleza mortal (1987), Muñeco diabólico (1988) y la miniserie para televisión Langoliers (1995) son sus trabajos más conocidos. Su guión para Juego secreto no se encuentra entre lo mejor que ha realizado, siempre se le ha visto más suelto en relatos de terror como en Noche de miedo.

La película no fue un gran éxito en su momento, recaudando unos correctos 9.719.952 de dólares en EE.UU.

En resumidas cuentas, una película entrañable y correcta, un tanto olvidada por el tiempo, que merece una recuperación. Imprescindible para los criados en los 80.

Curiosidades:

Su título original, Cloak & dagger, es un termino empleado en historias de espías, misterio o de asesinatos. La frase se relaciona con Shakespeare y su obra Hamlet, y viene del momento en que Hamlet apuñala a Polonio que estaba escuchando a escondidas detrás de un tapiz.

Cuando se ve a Henry Thomas jugando al Cloak & dagger realmente él no jugaba, en su lugar lo hacía Rusty Dawe, el desarrollador de software del juego. Se mostraba un plano de Thomas haciendo que jugaba, pero los controles reales los tenía Dawe.

El juego que originalmente iba a aparecer en la película era Donkey Kong.

En la película el juego es de la consola Atari 5200, pero el juego nunca se realizó para esa consola, cuando se ve expuesto en la tienda de videojuegos, se aprecia como pertenece a la 5200, pero simplemente imitaron el estilo de las cajas de esa consola y le pusieron el nombre del juego.

La pareja de ancianos que aparecen en la película (John McIntire y Jeanette Nolan) también trabajaron juntos en Psicosis (1960). Richard Franklin fue el director de Psicosis, 2ª parte: El regreso de Norman (1983). Ambos actores se casaron en la vida real y fueron matrimonio durante 56 años hasta la muerte de John en 1991.

Los mercenarios

2010-09-14T04:07:00.000-07:00

Barney Ross lidera a un grupo de mercenarios llamados "The expendables" quienes son contratados por Mr. Church para un trabajo que nadie más aceptaría, derrocar al General Garza, dictador de la isla de Vilena. Una vez en la isla, Barney y sus hombres descubrirán que su verdadero enemigo es Munroe, un ex agente de la CIA, que lidera el negocio de la droga del lugar y que está decidido a acabar con ellos.

BUSCANDO A LOS PRESCINDIBLES

Los mercenarios (The expendables, 2010) supone la octava incursión de Sylvester Stallone como director. Para esta ocasión y como se ha publicitado hasta la extenuación, el también protagonista y guionista del film se ha rodeado de un sin fin de estrellas del cine de acción, completando un reparto impresionante, donde podemos encontrar a Jason Statham, Jet Li, Mickey Rourke, Randy Couture, Terry Crews, Eric Roberts, Steve Austin, Gary Daniels y realizando un cameo a Bruce Willis y Arnold Schwarzenegger.

Los personajes de Barney Ross, Lee Christmas y Yin Yang, siempre fueron para Stallone, Statham y Li, pero otros sufrieron un largo camino hasta dar con los actores que finalmente los encarnaron. Estos fueron los vaivenes que dieron algunos personajes y actores:

Gunnar Jensen: El papel se le ofreció inicialmente a Jean-Claude Van Damme, pero el actor rechazó el papel alegando que el personaje no tenía sustancia. Stallone rescribió el personaje con Dolph Lundgren en mente.

Hale Caesar: Wesley Snipes fue la primera opción para el papel, pero no pudo aceptarlo dados sus problemas legales, el actor cumplió recientemente condena por evasión de impuestos y no puede salir de los EE.UU. El papel fue rescrito para Forest Whitaker, pero tuvo que rechazarlo por problemas de agenda. Stallone se lo ofreció al rapero 50 cent., pero tras el rechazo y críticas mostradas por los fans del proyecto, cambio de idea y se lo ofreció a Terry Crews, que sí aceptó.

Mr. Church: Arnold Schwarzenegger fue el primer actor al que se le ofreció este papel, pero lo rechazó por uno más pequeño para así poder compaginarlo con su carrera política. El papel pasó a Kurt Russell, pero lo rechazó alegando que no quería participar en "un desfile de actores". Stallone esperó hasta varios meses después de completar la fotografía principal para encontrar a un gran actor del cine de acción para el papel. Finalmente recayó en Bruce Willis, quien en aquel momento estaba rodando Vaya par de polis (Cop out, 2010).

Munroe: El papel le fue inicialmente ofrecido a Ben Kingsley, pero por razones desconocidas esta idea no cuajo y Eric Roberts se hizo con el papel.

Paine: El papel se le ofreció al experto en artes marciales Scott Adkins, pero tuvo que rechazarlo por problemas de agenda y terminó llevándoselo Steve Austin.

Varios personajes inicialmente previstos en el guión fueron eliminados en diferentes momentos de la producción:

Richard: A Robert Knepper y Alan Tudyk les ofrecieron el papel, el primero lo rechazó por problemas de agenda y el segundo porque estaba trabajando entre proyectos y quería descansar. Finalmente el personaje fue eliminado durante el rodaje.

Emmanuel: El personaje iba a ser interpretado por Danny Trejo, pero por limitaciones presupuestarias y de tiempo el papel fue combinado con los de Tool (Mickey Rourke) y The Brit (Gary Daniels).

Agent Will Sands: El papel tenía cierto peso dentro de la historia, pero finalmente fue cortado tras la entrada de Eric Roberts en el proyecto. Stallone quería a Denis Leary para interpretarlo, pero el contrato que ligaba al actor con la serie Rescue me no se lo permitió. Stallone le ofreció el papel a John Lurie, quien lo rechazó, de modo, que Sly optó por rescribir el guión eliminando totalmente el personaje.

Britanny Murphy iba a interpretar a la novia de Tool (Mickey Rourke), una cantante, pero tras una rescritura del guión su personaje fue eliminado.

Además a Steven Seagal le fue ofreció realizar un cameo en la película, pero el actor rechazó la propuesta por su mala relación con el productor Avi Lerner en el pasado.

VALORACIÓN

El propio Stallone definió Los mercenarios como "una película de acción de los años ochenta con tecnología actual", sin bien es cierto en cuanto a estilo e intenciones, ésta no llega en ningún momento a la altura de los clásicos del género de la época como Acorralado (1982), Arma letal (1987), Depredador (1987) o Jungla de cristal (1988). Por su estilo casi descerebrado se acerca a los films de la productora Cannon, como Delta force (1986) o Cobra, el brazo fuerte de la ley (1986). El punto de partida es de manual y como tal, la película se construye en base a tópicos y más tópicos del cine de acción.

Todo el hype creado se basaba en la reunión de estrellas y en eso se ha quedado la película, un film construido para el lucimiento de su reparto de grandes nombres y estructurado como una serie de escenas que funcionan bien de forma independiente, pero que no crean un todo. Cada actor tiene su momento de lucimiento, Statham y su pelea en la cancha de baloncesto, Rourke y su monólogo sobre Bosnia, Couture y su pelea con Austin, Crews con su ametralladora en el túnel, la pelea entre Lundgren y Li, todas son escenas que funcionan por si mismas a la perfección, pero que nunca logran dar una idea de conjunto, de un film sólido. Su guión esquemático nunca le permite ir más allá.

Su reparto ofrece más o menos lo que se espera de él, para que nos vamos a engañar, es una película de acción al uso, sin más pretensiones que entretener a los fans del género. Stallone y Statham, son el motor de la película, el peso de la historia recae sobre sus personajes, aunque los actores que mejor impresión me dejaron fueron Mickey Rourke, Eric Roberts y Gary Daniels, el primero pasándoselo en grande, el segundo disfrutando con su eterno papel de villano y el tercero demostrando que tiene potencial para ser algo más que un héroe de acción de serie B. En el lado opuesto David Zayas es el que sale claramente perdiendo, su villano no resulta más que ser un pelele sin la menor profundidad (es superado por Roberts desde la primera escena), pero el actor poco podía hacer con un papel así.

La película recoge varios momentos míticos para los amantes del cine de acción, la lucha entre Lundgren y Li, la escena del túnel que tiene a Terry Crews y su ametralladora como protagonistas, la pelea entre Sly y Steve Austin y por supuesto la secuencia en la iglesia con Stallone, Schwarzenegger y Willis juntos en el mismo lugar y al mismo tiempo. Son escenas, momentos que destacan por encima del resto, pero que no levantan la película. Ni toda su violenta parte final consigue hacerlo, ya que termina funcionando sólo por acumulación más que por otra cosa.

La película se ha convertido en todo un éxito en taquilla. Lleva recaudados en los EE.UU. cerca de 100 millones de dólares y en el resto del mundo otros 90 millones. El presupuesto inicial de la película fue de 60 millones de dólares, pero éste se incrementó hasta los 80 millones. Tras la gran acogida de la película, Stallone ha anunciado que su secuela ya está en marcha.

Curiosidades:

Jet Li y Jason Statham habían coincidido antes en El único (2001) y War (El asesino) (2007).

Dolph Lundgren y Sylvester Stallone habían trabajado juntos en Rocky IV (1985), película también escrita y dirigida por Stallone.

Sylvester Stallone y Eric Roberts trabajaron juntos previamente en El especialista (1994).

Antes de Los mercenarios, Mickey Rourke y Sylvester Stallone ya habían compartido cartel en Get Carter (2000).

Steve Austin y Terry Crews habían coincidido juntos en El clan de los rompehuesos (2005).

Mickey Rourke y Bruce Willis participaron en Sin city (2005), aunque sólo coincidían unos segundos en la misma escena.

Randy Couture tuvo un pequeño papel en Nacer para morir (2003), película protagonizada por Jet Li.

La actriz Julie Benz le sugirió a Stallone que fichará a Charisma Carpenter para interpretar a Lacey. Julie y Chariisma trabajaron juntas en las series Buffy, cazavampiros (1997-2003) y Angel (1999-2004). La escena final del episodio de Angel, "You're welcome" convenció a Stallone para contratarla.

Jason Statham protagonizó Death race (2008), remake de La carrera de la muerte del año 2000 (1975), en la cual Sylvester Stallone realizó uno de sus primeros papeles importantes.

El personaje interpretado por Jet Li originalmente se llamaba Kong Kao.

Esta película es el regreso al cine de Arnold Schwarzenegger tras seis años de ausencia. Su última aparición fue en La vuelta al mundo en 80 días (2004). Schwarzenegger participó en Los mercenarios gratis.

Sylvester Stallone sufrió 14 lesiones durante el rodaje la película, entre otras, la rotura de un diente, también la de un tobillo y una fractura en el cuello (que se produjo rodando su pelea con Steve Austin). El actor lleva ahora una placa de metal en el cuello. También tuvo bronquitis y herpes durante el rodaje.

Según Stallone, el villano y trama de la película se basan en Manuel Noriega, ex dictador de Panamá, que mantuvo una relación corrupta con la CIA y también estuvo relacionado con los cárteles de drogas.

El productor del film, Avi Lerner, decidió realizar dos montajes distintos de la película, uno con calificación "PG-13" y otro "R", para decidir la versión final a estrenar en función de los resultados obtenidos en los pases de prueba de ambos montajes. Por suerte el elegido fue el de calificación "R".

Esta es la primera película dirigida por Stallone desde Staying alive: La fiebre continúa (1983) que no tiene que ver con las sagas de Rambo o Rocky.

Top 10 de películas de acción

2010-08-26T02:17:00.000-07:00

Casi como cierre de este especial del cine de acción no podía faltar un top sobre las 10 mejores películas del género. Para ser fiel al cine de acción puro y duro he decidido no incluir películas que se adentren en otros géneros, así que en esta lista no encontraréis títulos como Terminator 1 y 2, Aliens, Matrix, Robocop, Depredador o Desafío total. Comienza el top, comienza la acción.

10. Negociador

Un guión inteligente y prácticamente perfecto, dos actores inusuales para encabezar una película de acción, una puesta en escena impecable y mucha tensión, son los pilares que sustentan Negociador, un film incompresiblemente olvidado y que supuso la última gran película de acción de los 90. Poco tiempo después su director, F. Gary Gray, nos regalaría otra joyita, The italian job (2003), esperemos que no sea la última.
Escena de acción: El segundo asalto al edificio por parte de la policía.
Frase lapidaria: "¿Queréis mi sangre? Tomadla."

9. Arma letal

La buddy movie por excelencia tenía que estar en este top. El policía loco y el policía sensato era una combinación que no podía fallar y no lo hizo, Arma letal fue un rotundo éxito, como lo fue el resto de la saga. De las posteriores entregas, sólo la segunda puede medirse cara a cara con la original. Aquí quedó una película de acción perfecta, repleta de momentos memorables, mucha química, sólidas escenas de acción, grandes frases lapidarias y a Mel Gibson haciendo el loco como nunca.
Escena de acción: La pelea entre Riggs y Joshua.
Frase lapidaria: "Soy muy bueno ¿sabes? A los 19 años mate a un hombre en Laos a 1 kilómetro de distancia y a contraviento... de un solo disparo. Puede que haya 8 ó 10 personas en el mundo capaces de hacerlo."

8. La Roca

La película tiene un punto de partida genial, un grupo de terroristas asalta la antigua Prisión de Alcatraz y amenaza con atacar San Francisco con armas bacteriológicas si no atienden a sus peticiones. El gobierno tiene que recurrir al único reo que consiguió escapar de la prisión para que guíe a su interior a un comando del ejército. A la película no le faltan planos circulares alrededor del protagonista "made in Bay", una persecución por San Francisco que lo revolucionó todo, a Nicolas Cage como héroe de acción inesperado, un Sean Connery de armas tomar con 65 años encima, a Ed Harris como villano de lujo y por supuesto, no podemos olvidarnos del Rocket Man.
Escena de acción: La persecución entre el Hummer y el Ferrari.
Frase lapidaria: "Tú eres el Rocket Man."

7. Máximo riesgo

Tras varios años alejado de la acción en un fallido paso por la comedia con Óscar, quita las manos (1991) y ¡Alto!, o mi madre dispara (1992), Stallone volvió a lo que mejor sabe hacer, ser un héroe de acción. Y la cosa no podía empezar mejor con ese atraco a 15.000 pies de altura y lo que viene después no baja el listón ni un momento, un avión se estrella al borde de un barranco, una avalancha se lleva por delante 30 millones de dólares, Sly ensarta a uno de los ladrones en una estalactita y John Lightgow tiene una de las muertes más espectaculares del cine de acción. Además, el título original, "Cliffhanger", es uno de los mejores títulos imaginables para una película de acción.
Escena de acción: El robo del dinero en pleno vuelo.
Frase lapidaria: "Y recuerda mamón, no saques los brazos ni las piernas del vehículo en ningún momento."

6. Acorralado

La primera entrega está a años luz del resto de la saga, por planteamiento (un pueblo de los EE.UU. convertido en un Vietnam improvisado), crítica (la denuncia por los soldados que lucharon en Vietnam y que a su regreso fueron ignorados) y drama (Rambo torturado por sus recuerdos de guerra). Todas esas razones colocaron a la película en el Olimpo del cine de acción. El final perfecto habría sido la muerte de Rambo (final que llegó a filmarse, pero que se descartó), pero eso nos habría privado de uno de los mayores iconos del género.
Escena de acción: Rambo descendiendo por un barranco mientras es asediado por la policía y su salto final.
Frase lapidaria: "Márchense o se verán envueltos en una guerra que no olvidaran."

5. El ultimátum de Bourne

Greengrass perfeccionó con El mito de Bourne el estilo de la saga haciéndola suya, pero con El ultimátum... la elevó a otro nivel. Convirtió al film en el modelo de película de acción de las nuevas generaciones, una lección constante de estructura narrativa, ritmo, montaje y puesta en escena. Desde el primer segundo la película es una descarga continua de adrenalina y acción, que no decae ni un solo segundo hasta el final. Final, circular y conclusivo, que cierra la mejor trilogía de acción de la historia. Para que luego digan que terceras partes nunca fueron buenas.
Escena de acción: Persecución a pie por tejados de Tánger + Salto a través de ventana + Pelea.
Frase lapidaria: "Aquí empezó mi vida a cambiar y aquí acabará."

4. Mentiras arriesgadas

Revolución del cine de espías en particular y del cine de acción en general. James Cameron volvió a demostrar que nadie rueda como él escenas de acción e hizo suya la premisa del "más difícil todavía", construyendo su película sobre una serie de increíbles set pieces adornadas con un acertado sentido del humor. Schwarzenegger se quitó la mala espina de El último gran héroe y Jamie Lee Curtis deslumbró a todo el mundo. Aun recuerdo ir a verla al cine sabiendo que era el acontecimiento del año y como los ojos se me quedaron como platos mientras veía una moto saltar entre edificios, puentes destruidos por aviones de guerra, besos deslumbrados por explosiones nucleares, a Schwarzenegger pilotando un Harrier o a Jamie Lee Curtis haciendo un striptease (aquí si que se me quedaron los ojos como platos). Y todo sin necesidad de 3D.
Escena de acción: Cierto terrorista colgado de un misil, bueno ya os sabéis el resto... ya sabéis como sigue.
Frase lapidaria: "Estás despedido."

3. Jungla de cristal. La venganza

John McTiernan volvió a la saga tras el paso de Renny Harlin, John McClane volvió a su querida Nueva York, la familia Gruber volvió para hacerle la vida imposible al policía y nosotros volvimos a pasárnoslo como nunca en una sala de cine, ya que la tercera parte de Jungla de cristal es una de las películas más entretenidas que se hayan filmado, y no es para menos, entre su metraje nos encontramos el mayor atraco de la historia, a Nueva York puesta patas arriba y convertida en un enorme campo de juego, a Sam Jackson diciendo "Sí, Zeus, como el padre de Apolo, el del Monte Olimpo, el de no me toques los cojones que te meto un rayo por el culo", enigmas y pruebas de lógica en forma de bomba, un tiroteo en un ascensor desencadenado por un número de lotería y a John McClane con una resaca de puta madre. Así es imposible no pasárselo bien.
Escena de acción: El tiroteo en el ascensor.
Frase lapidaria: "Da recuerdos a tu hermano."

2. Collateral

Mucho más que una película de acción al uso, una experiencia sensorial, un viaje de muerte y descubrimiento durante una noche interminable, donde dos personajes antagónicos, pero complementarios, se conocen, se engañan, se persiguen y realizan juntos una travesía inolvidable, siendo un taxi el epicentro de su universo particular. Vincent y Max, o lo que es lo mismo, Tom Cruise y Jamie Foxx realizan un tour de force memorable e irrepetible en otra obra maestra de Michael Mann, que sería la mejor película de acción de la historia para un servidor de no ser por cierto policía de Nueva York.
Escena de acción: El tiroteo en el club Fever.
Frase lapidaria: "Yo sólo le he disparado, las balas y la caída le han matado."

1. Jungla de cristal

¿Esperabais otra película en este puesto?... Imposible. Jungla de cristal es la definición de lo que debe ser una película de acción. Desde el momento en el que Hans y sus chicos ponen el pie en el edificio Nakatomi todo es ir de una secuencia mítica a otra, pasamos de McClane sacándose cristales de los pies a Hans cayendo a cámara lenta del edificio, de una explosión en el hueco del ascensor al Yippee-ki-yay, de McClane huyendo por los conductos del aire acondicionado al Ho-ho-ho ahora tengo una ametralladora. Mil veces imitada, pero nunca superada, una obra maestra irrepetible.
Escena de acción: McClane saltando desde lo alto del edificio mientras éste vuela por los aires.
Frase lapidaria: "¡Yippee-ki-yay, hijo de puta!"