Saturday, June 28, 2008

Top 80 de películas de los 80 (51-60)

Los cromos de La pandilla basura nos traen la tercera entrega del top 80 de películas de los 80. Este mes mis películas preferidas del puesto 51 al 60. Un top lleno de brujas, guerreros, fantasmas, experimentos imposibles, milagros, monstruos y maldiciones, como veis no falta de nada. No me extiendo más y comenzamos.

60. Único testigo (Witness, 1985)

La interpretación de Harrison Ford (la mejor de su carrera) y su relación con el personaje de Kelly McGillis, son dos grandes alicientes para viajar hasta este pueblo amish, un lugar atípico para un thriller policial, pero donde podemos encontrar, entre su paisaje de graneros, campos de maíz y carretas, a precoces testigos de asesinatos, policías corruptos, choques culturales y una de las historias de amor más pasionales/contenidas del cine de los 80.
Impacto ochentero: El suficiente como para poner a los amish de moda.
Momento para el recuerdo: Book y Rachel bailando en el granero al son de "Wonderful world".
Frase: Esa que Book le dice a Samuel al oído y que nosotros nunca sabremos cual es.
Canción: "Wonderful world" de Sam Cooke.


59. Las brujas de Eastwick (The witches of Eastwick, 1987)

Una de las mejores comedias de los 80 y de la que nadie parece acordarse. Este ménage à quatre entre tres brujas modernas y un diablillo, es la excusa perfecta para hablar sobre las relaciones entre hombres y mujeres, poligamia, el bien y el mal, el sexo y la (falsa) moralidad. George Miller rueda con su habitual maestría el inteligente guión de Michael Cristofer, completado por un reparto insuperable y una excelente banda sonora de John Williams.
Impacto ochentero: Una película de éxito en su momento, pero injustamente olvidada hoy día.
Momento para el recuerdo 1: Daryl seduciendo a Alexandra.
Momento para el recuerdo 2: El partido de tenis.
Momento para el recuerdo 3: Felicia vomitando pepitas de cereza.
Diálogo: -"Mira, yo creo... no, estoy completamente segura de que eres el hombre menos atractivo que he conocido en todos los días de mi vida. En el poco tiempo que hemos pasado juntos has demostrado poseer todas las características más odiosas de la personalidad masculina, incluso algunas que desconocía. Físicamente eres repulsivo e intelectualmente pobre. Moralmente despreciable, vulgar, insensible, egoísta, careces de gusto, tienes un detestable sentido del humor y hueles mal. No eres ni interesante para darme asco." (Alexandra) -"¿Prefieres estar encima o debajo?" (Daryl)


58. Los Cazafantasmas (Ghostbusters, 1984)

Los Cazafantasmas es la comedia de mayor éxito de los 80, y la verdad ¿quién se iba a resistir a una película que reúne a varios talentos del Saturday night live, llena de ectoplasmas, mochilas de protones, neveras que comunican con otros mundos, un marshmallow de 50 metros, increíbles efectos visuales, canciones pegadizas y con el Apocalipsis a la vuelta de la esquina? Yo me lo paso genial con ella y lo mismo me sucede con su segunda parte.
Impacto ochentero: Altísimo. Es la comedia más popular de la década.
Momento para el recuerdo: La aparición del marshmallow gigante.
Frase: "¿A quién llamarás?"
Canción: "Ghostbusters" de Ray Parker Jr.


57. La niebla (The fog, 1980)

John Carpenter nos sienta a todos alrededor de una hoguera para contarnos una historia de terror. Mientras nos acomodamos en nuestros sacos de dormir y comemos malvaviscos, el maestro nos relata un cuento de venganzas de ultratumba, extraños fenómenos meteorológicos que ocultan algo en su interior y pueblos erigidos en la muerte y el engaño. En la historia no faltan muertes antológicas, fantasmas vengativos, fenómenos paranormales y sustos sobrecogedores. Y como en toda buena historia de terror, Carpenter nos reserva una última sorpresa para el final.
Impacto ochentero: La película confirmó a Carpenter como un maestro del terror.
Momento para el recuerdo: El prólogo con el marinero contando historias de fantasmas a los niños (el mejor comienzo que ha dado el cine de terror).
Frase: "Son las 12 menos 5, casi medianoche. Hora para contar una historia, una de esas historias que sirven para quitar el frío."


56. Conan, el bárbaro (Conan the barbarian, 1982)

Conan, el bárbaro es de esa clase de películas en las que las escenas memorables se suceden con asombrosa facilidad; desde la fabricación de la espada durante los créditos, pasando por la muerte de la madre de Conan, el entrenamiento del bárbaro hasta convertirse en un guerrero, la escena con la serpiente gigante, Conan atado a un árbol y matando a un buitre de un mordisco, la batalla final contra los hombres de Thulsa o ese antológico último cara a cara entre Conan y Thulsa. Son todos momentos irrepetibles, que han convertido a la película en todo un clásico.
Impacto ochentero: Lanzó la carrera de Schwarzenegger y dignificó el género de espada y brujería.
Momento para el recuerdo: La muerte de la madre de Conan.
Frase: "Krong, jamás te había rezado antes, no sirvo para ello. Nadie, ni siquiera tú recordarás si fuimos hombres buenos o malos. Por qué luchamos o por qué morimos. No, lo único que importa en que 2 se enfrentan a muchos, eso es lo que importa, el valor te agrada Krong, concédeme pues una petición, concédeme la venganza y si no me escuchas, vete al infierno."
Diálogo: -"¿Por qué lloras?" (Hechicero) -"Él es Conan, el bárbaro, no llorará. Yo yoro por él." (Subotai)


55. El chip prodigioso (Innerspace, 1987)

Revisión de Viaje alucinante de la mano de Joe Dante. Un experimento del gobierno sobre miniaturización sale mal y el teniente Tuck Pendleton y su nave acaban en el interior de un tímido cajero de supermercado. Lo que viene después es una doble aventura, una dentro del cuerpo humano, entre órganos, glóbulos rojos y peligrosos ácidos gástricos, y otra en el exterior, con villanos de cómic (o de cartoon), atractivas reporteras, acrobáticas persecuciones en camiones y dolorosas transformaciones faciales. El conjunto no podría ser más entretenido y disfrutable. Además tiene el mérito de convertir a Martin Short en un héroe de acción.
Impacto ochentero: Injustamente no fue el éxito esperado.
Momento para el recuerdo: Tuck descubriendo que es padre.
Frase 1: "Jack, ha funcionado, acabas de digerir al malo."
Frase 2: "¡Ay Dios mío, que alguien me ayude!... ¡estoy poseido!"
Canción: ”Twistin’ the night away” de Rod Stewart (una cover cojonuda).


54. Big (Big, 1988)

Si a cualquiera de nosotros, con 13 años nos hubieran concedido el deseo de ser mayor, lo más probable es que habríamos hecho lo mismo que Tom Hanks en la película; pasarnos el día saltando en una cama elástica, ponernos ciegos de oreos, comprarnos un loft, tocar un teclado gigante con los pies y claro, perder la virginidad. Por eso la película nos mete en el bolsillo desde el primer momento, además Hanks tiene en la película el mejor trabajo de la historia... probador de juguetes.
Impacto ochentero: Fue un gran éxito y le dio a Hanks su primera nominación al Oscar.
Momento para el recuerdo: Tom Hanks y Robert Loggia tocando un teclado con los pies.
Frase: "Deseo ser mayor."


53. Lady Halcón (Ladyhawke, 1985)

Una pequeña maravilla de Richard Donner, con un trio protagonista de lujo (Rutger Hauer, Michelle Pfeiffer y Matthew Broderick), que tiene uno de los mejores argumentos del fantástico de los 80, la historia de amor entre un caballero y una mujer, condenados a estar eternamente separados por una maldición, que provoca que por el día ella sea un halcón y por la noche él un lobo. La intervención de un bribón, un cura y un eclipse cambiaran el curso de la historia. Una película entretenida, mágica y emocionante.
Impacto ochentero: Es una de las películas más infravaloradas de los 80.
Momento para el recuerdo: Navarre e Isabeau viéndose por un breve instante al amanecer.
Frase: "Siempre juntos y eternamente separados."


52. El terror no tiene forma (The blob, 1988)

Homenaje a la serie b de los años 50 con el estilo de las películas de los 80. La peli tiene lo mejor del cine de ambas épocas. De los 50, meteoritos, un monstruo viscoso venido del espacio, un pequeño pueblo en peligro, la intervención del ejército, un sheriff con una corta esperanza de vida y un cine donde se proyectan películas de serie b. Y de los 80, un delincuente con espíritu de antihéroe, una cheerleader reformulada en aguerrida heroína, locura propia de la guerra fría, acción y gotas de gore. El resultado es una joyita del terror.
Impacto ochentero: Un inmerecido fracaso de taquilla, que merece ser reindivicado.
Momento para el recuerdo: La destrucción final del pueblo por parte de la masa devoradora.
Frase: "Te dije que nevaría."


51. Diner (Diner, 1982)

El debut de Barry Levinson como director, fue esta película melancólica y entrañable, sobre un grupo de amigos en la década de los 50, en los días previos a la boda de uno de ellos, con el restaurante Diner como centro de su pequeño universo. Una nostálgica película, plagada de pequeñas historias; detalles aparentemente intrascendentes, pero de gran valor; personajes memorables (sobre todo el de Mickey Rourke); diálogos geniales y mucha camaradería entre colegas. Para redondear la película, encontramos una banda sonora de lujo (Jerry Lee Lewis, Chuck Berry, Bobby Darin, Elvis Presley, ...) y un reparto de jóvenes promesas (Kevin Bacon, Mickey Rourke, Steve Guttenberg, Tim Daly, Ellen Barkin, Paul Reiser y Daniel Stern).
Impacto ochentero: Fue la plataforma de lanzamiento de una nueva generación de actores.
Momento para el recuerdo 1: Mickey Rourke ganando una apuesta en un cine.
Momento para el recuerdo 2: La conversación entre Daniel Stern y Ellen Barkin sobre sus discos.
Frase: "¿No tienes nunca la sensación de que no sabes nada de nada?"
Canción: "Whole lotta shakin' going on" de Jerry Lee Lewis.


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Sunday, June 15, 2008

La productora Cannon

“Si realizas películas americanas con un comienzo, un nudo y un desenlace, con un presupuesto menor de 5 millones, deberías ser un idiota para perder dinero.”
Menahem Golan

La productora Cannon es, tal vez, la factoría de cine más mítica de los 80, donde se forjaron estrellas como Charles Bronson, Chuck Norris o Jean-Claude Van Damme. La productora sólo puede entenderse como producto de su época, los 80, de la que fue cogida de la mano, surgió a principios de la década y desapareció a finales de la misma.

La productora Cannon fue fundada en 1967 por Dennis Friedland & Chris Dewey, se especializaron en películas de bajo presupuesto a lo largo de de la década de lo 70, pero a causa de una serie de problemas económicos tuvieron que venderla en 1979 a la pareja de primos israelíes Menahem Golan y Yoran Goblus, por tan sólo 500.000 dólares. Así comenzó la leyenda.

Desde el momento en que Golan-Goblus tomaron el control de la productora, la llevaron por un nuevo camino. Se especializaron en películas de acción de bajo presupuesto que llenaron los cines y sobre todo los videoclubs de los 80. Las ideas de estos productores eran claras, si había una película o género que tenía éxito, ellos veían allí una oportunidad de explotarlo con su "peculiar estilo". Qué decir, los 80 no habrían sido lo mismo sin la Cannon.

Empezaron estrenando títulos como El mago de Lublin (1979), La manzana (1980) (sólo distribuida), La justicia del ninja (1981), Yo soy la justicia (1982), El último americano virgen (1982) (sólo distribuida), Al filo de la medianoche (1983) y Hercules (1983).

Su apogeo se produjo entre 1984 y 1986, cuando tuvieron sus mayores éxitos y distribuyeron su mayor número de películas. La Cannon se convirtió en una de las productoras independientes de mayor éxito de los 80, que tanto distribuía, como producía sus propias películas. La Cannon tenía éxito y lo demostraba adquiriendo la compañía británica Thorn EMI y contratando a la mayor estrella del momento, Sylvester Stallone, por la cifra record de 13 millones de dólares para protagonizar Yo, el halcón.

El sueño de Golan-Goblus de convertir su productora en una de las grandes majors, se frustró a partir de 1987, cuando la productora pasó por una difícil situación económica. A lo que se sumó en 1988 una investigación por parte de la Comisión Americana de Bolsas y Valores, por una serie de irregularidades en sus informes financieros. Fue el principio del fin de la Cannon. En un intento desesperado por sobrevivir, se asociaron con Pathé Communications, una compañía holding liderada por Giancarlo Parretti. Éste pareció sanear las cuentas de la productora, pero no era así, la Cannon seguía en números rojos. Golan decidió dimitir por diferencias con Goblus y Parretti y se marchó a la productora 21st Century Film Corporation. Finalmente Cannon fue comprada por la MGM.

La productora siguió estrenando películas como El guerrero americano 3 (1989), Lambada (1990) o Delta force 2 (1990), pero ya no estaban en ellas la pareja Golan-Goblus. La Cannon dejo de existir en 1993. Goblus fundó la productora Global Pictures, junto con Christopher Pearce, que sólo tuvo 3 años de vida.


PELÍCULAS DESTACADAS:

Un repaso a las películas más emblemáticas de la productora.

Yo soy la justicia (Death wish II, 1982)

El primer gran éxito de la productora fue la segunda parte de El justiciero de la ciudad (1974). Paul Kersey ese convirtió en uno de los iconos de la Cannon, el eterno justiciero urbano interpretado siempre por el gran Charles Bronson. En esta ocasión un grupo de delincuentes violan y matan a la hija y a la criada de Kersey, quien volverá a impartir justicia pistola en mano. La película aumentó en violencia respecto a la primera entrega, pero no sería nada comparándola con la tercera.

Breakin’ (Breakin', 1984)

El breakdance era el baile de moda en aquel momento y la pareja Golan-Goblus vio la oportunidad perfecta para realizar una película de éxito. La película no es más que una revisión improbable de Flashdance a ritmo de breakdance, que pareció gustar al público (es la segunda producción más taquillera de la Cannon). Para qué un guión o una buena historia, si se puede tener en su lugar a tíos haciendo el robot, duelos entre breakdancers, una estética de lo más hortera, mientras no dejan de sonar infinidad de temas break, ¿qué más se puede pedir?

Desaparecido en combate (Missing in action, 1984)

La primera película que unió a Chuck Norris y la Cannon. Es una de las películas más populares (y entretenidas) de la productora. El rescate por parte de un soldado norteamericano de prisioneros de guerra en suelo vietnamita. En un principio, ésta era la segunda parte de la saga (las dos primeras entregas se rodaron conjuntamente), pero los productores se dieron cuenta de que la segunda era mejor, así que decidieron estrenarla primero y convertir a la primera en su precuela. Estas cosas sólo podían pasar en la Cannon.

Fuerza vital (Lifeforce, 1985)

Una estimable película de ciencia ficción, que fue la mayor superproducción de la Cannon (25 millones de presupuesto) y de paso uno de los mejores títulos de su director (Tobe Hooper) y de la productora. Una invasión extraterrestre por parte de vampiros del espacio, que se alimentan de la energía vital de los humanos. Para el recuerdo quedan esas imágenes apocalípticas de Londres y Mathilda May desnuda media película.

El guerrero americano (American ninja, 1985)

La Cannon produjo un buen número de películas de ninjas, que formaron parte de lo que se conoció como ninjaexploitation. De todas las películas realizadas, El guerrero americano fue la mejor, y eso que no es especialmente buena. Un ninja americano y amnésico debe enfrentarse a un traficante de armas que tiene un ejército personal de ninjas. Creó toda una saga compuesta por 5 películas, a cada cual peor.

Invasión USA (Invasion U.S.A., 1985)

Otra película legendaria del tándem Norris-Cannon. Siguiendo los pasos de Amanecer rojo (1984), la película narra la invasión de EE.UU. por parte de los comunistas, que se infiltran por la noche en el país (¡?). Un hombre (Chuck Norris, por supuesto) hace frente al ataque él solo, con un par de ametralladoras y un par de cojones. Imposible, facha, ridícula y sí, divertida.

El justiciero de la noche (Death wish 3, 1985)

Si hay una película por encima de las demás que define el estilo Cannon, esa es El justiciero de la noche. Su estilo violento, casi paródico, la convierten en una comedia involuntaria, que llega a ser disfrutable si uno la ve sin prejuicios. En esta ocasión Paul Kersey visita aun amigo en Nueva York, que vive en una barrio aterrorizado por una banda de delicuentes, cuando el amigo de Kersey es asesinado, éste no tardará en limpiar las calles a base de tiro limpio. Los 30 minutos finales de batalla campal son los más delirantes y violentos que ha dado el cine de acción.


El tren del infierno (Runaway train, 1986)

Posiblemente la mejor película salida de la productora (incluso fue nominada a 3 Oscars). Inicialmente la película iba a dirigirla Akira Kurosawa, pero finalmente Andrei Konchalovsky se hizo cargo de ella. Un enorme John Voight, secundado por Eric Roberts y Rebecca De Mornay la protagonizan. La trepidante historia de unos presos fugados de una cárcel de máxima seguridad en Alaska, que huyen en un tren desbocado que nada puede parar.

Delta force (The Delta Force, 1986)

Un grupo terrorista libanés secuestra un avión lleno de civiles norteamericanos, para su rescate, el gobierno envía un comando de la Delta Force. Tercer "clásico" de Chuck Norris y la Cannon, que supone una cierta mejoría respecto a las anteriores, más ambiciosa, mejores medios y actores más solventes (por allí vemos a Lee Marvin, George Kennedy y Shelley Winters). Lo mejor, la banda sonora de Alan Silvestri.

Cobra, el brazo fuerte de la ley (Cobra, 1986)

Sylvester Stallone impartió justicia en esta película de lo más facha, a base de ametralladora con mira láser y frases lapidarias como “Aquí es donde termina la ley y empiezo yo” o “El crimen es una plaga y yo soy el remedio”. Fue el mayor éxito de la Cannon, aunque estaba coproducida por la Warner. De todo, siempre me quedaré con el póster dibujado por John Alvin.

Yo, el halcón (Over the top, 1987)

Segunda y última película de Stallone bajo el sello Cannon. Se trata de una de esas historias de un padre que intenta recuperar el amor de su hijo, sólo que aquí lo hace a base echar pulsos. Dirigida por Menahem Golan, significó uno de los puntos más bajos de la carrera de Stallone y fue todo un fracaso de taquilla. Para resarcirse Sly volvió a la saga de Rambo, pero esa empresa tampoco le salió demasiado bien.

Superman IV: En busca de la paz (Superman IV: The quest for peace, 1987)

Cuando uno creía que no se podía realizar una película sobre el hombre de acero peor que Superman III, van los Salkynd y les venden los derechos del personaje a la Cannon. La pareja Golan-Goblus inicialmente partían con buenas intenciones, presupuesto holgado (36 millones), recuperación de Gene Hackman para el papel de Lex Luthor y de John Williams para componer la música. Pero cuando los problemas financieros afectaron a la Cannon, empezaron a abaratar costes, hasta tal punto, que los 36 millones de presupuesto se convirtieron en 17. Así entró la película en los anales del mal cine, las escenas de Superman volando son las peor imaginables, el momento de la reconstrucción de la Gran Muralla es de vergüenza ajena y los instantes de Mariel Hemingway volando por el espacio son para dar de comer a parte.

Masters del universo (Masters of the universe, 1987)

Vendida por la Cannon como "El Star Wars de los 80", fue una de las mayores superproducciones de la productora (22 millones de presupuesto), donde quisieron hacerlo todo a lo grande, primero le ofrecieron el papel de He-Man a Stallone (papel que recayó en su rival de Rocky IV, Dolph Lundgren), luego contrataron a Richard Edlund para crear los efectos visuales, consiguieron a Anne V. Coates para montar la película y a Bill Conti para componer la banda sonora. Todo eso no fue suficiente para convertirla en un éxito, pese a ser una de las películas más aceptables de la productora. Los muñequitos de Mattel tuvieron que volver a sus respectivos envoltorios y esperar a una nueva adaptación.

Contacto sangriento (Bloodsport, 1988)

La mejor película de artes marciales de la productora, que significó el debut de Jean-Claude Van Damme en la Cannon. La clásica historia de un torneo ilegal de artes marciales, donde sólo participan los mejores luchadores del mundo. La película, a modo de Street fighter (y mucho mejor que su adaptación protagonizada también por Van Damme), muestra un plantel de luchadores y peleas que no tiene desperdicio. Además la película tiene toda la mítica de las pelis de Van Damme, patada voladora a cámara lenta, escena innecesaria donde enseña el culo, abertura de piernas, etc.


PROYECTOS NO REALIZADOS:

Spider-Man

Golan-Goblus se hizo con los derechos de Spider-Man en 1985 por 225.000 dólares. Tobe Hooper fue el primer director elegido para hacerse cargo del proyecto. Después éste paso a Joseph Zito (Desaparecido en combate), que trabajó durante 1 año en el proyecto, que contaba con un presupuesto comprendido entre los 15 y 20 millones de dólares. El reparto lo formarían el stunt man Scott Leva como Peter Parker/Spider-Man, Bob Hoskins como el Dr. Octopus, Stan Lee estaba interesado interpretar a J. Jonah Jameson y se consideró a Lauren Bacall y Katharine Hepburn para de papel de la tía May. Los problemas financieros de la productora hicieron que su presupuesto se rebajase hasta los 10 millones, el guión sufrió varias reescrituras para adaptarse al nuevo presupuesto, en esas condiciones Zito decidió dejar el proyecto. Éste recayó en las manos de Albert Pyun, que convenció a la Cannon para rodar simultáneamente Spider-Man y Masters of the universe II, para intentar filmar ambas películas antes de que los derechos sobre los personajes espirasen, pero las continuas reescrituras del guión postergaron demasiado el rodaje, hasta el punto en que la Cannon perdió los derechos sobre Spider-Man a dos semanas empezar el rodaje.

Escape from beyond

Película de ciencia ficción que narraría las aventuras del cazarrecompensas espacial Jimbojudd, que mientras viaja por el espacio su nave se estropea y termina engullido por un agujero negro, siendo transportado a otra dimensión, donde tendría que enfrentarse a todo tipo de monstruos. Tenían previsto rodar una trilogía, pero al final no llegaron a rodar ni la primera. Contaban con un presupuesto de 10 millones y rodaje previsto en México. Ferninando Baldi iba a ser su director.

Masters of the universe II

Como comenté antes, Albert Pyun tenía previsto rodar Spider-Man y Masters of the universe II simultáneamente. Pero antes de empezar el rodaje y coincidiendo con la cancelación de Spider-Man, se descubrió que la Cannon debía dinero a Mattel por los derechos de los personajes, por lo que también se canceló esta película. Albert Pyun le ofreció a la productora la posibilidad de realizar una nueva película donde se utilizarían los decorados y vestuario construidos para ambas películas. Una vez aceptaron, Pyun rescribió el guión de Masters II en un fin de semana y así nació la película Cyborg, protagonizada por Jean-Claude Van Damme.


TAQUILLA:

Las 10 películas más taquilleras de la Cannon en EE.UU.

49.042.224 - Cobra
36.100.000 - Breakin'
22.812.411 - Desaparecido en combate
17.536.256 - Invasión USA
17.336.370 - Masters del universo
17.005.599 - Delta force
16.116.878 - El justiciero de la ciudad
16.100.000 - Yo soy la justicia
16.057.580 - Yo, el halcón
15.681.020 - Superman IV


ESTRELLAS DE LA CASA:

Charles Bronson

El actor vivió una segunda época de fama en los 80, donde, por obra y gracia de la Cannon, se convirtió en el justiciero urbano por excelencia y es que nadie impartía justicia mejor que él. Atrás quedaban títulos como Hasta que llegó su hora, Los siete magníficos o La gran evasión y se abrían paso nuevos como El justiciero de la noche o Justicia salvaje. ¿Salimos perdiendo? Claro que no, fueron esas películas de los 80, las que convirtieron a Bronson en actor mítico que es. A falta de su recuperación por parte de Tarantino, ésta llegó de la mano de Sean Pean con Extraño vínculo de sangre (1991), su último gran papel.
Cannon films: Yo soy la justicia, Al filo de la medianoche, El justiciero de la noche, La ley de Murphy, El guardaespaldas de la primera dama, Yo soy la justicia II, Mensajero de la muerte y Kinjite: prohibido en occidente.

Chuck Norris

El famoso karateka barbudo y con cara de palo, fue junto a Charles Bronson, el actor emblema de la Cannon. Saltó a la fama gracias a su mítica pelea con Bruce Lee en El furor del dragón (1972), lo que le dio la oportunidad de realizar un buen puñado de películas de artes marciales. En el 84 empezó a trabajar para la Cannon, donde a base de películas de acción se consolidó como uno de los duros del cine de los 80. Ya en los 90, su estrella se fue apagando hasta que, tuvo otro atisbo de fama, gracias a la serie de televisión Walker, Texas Ranger (1993-2001). En los últimos años se ha generado un fenómeno en torno al actor, que ha terminado cobrando vida propia, como lo demuestran los ”Chuck Norris facts”.
Cannon films: Desaparecido en combate, Desaparecido en combate 2, Invasión USA, Delta Force, El templo del oro, Braddock: Desaparecido en combate 3, El héroe y el terror, Delta Force 2, Hitman y El mensajero del infierno.

Jean-Claude Van Damme

Tras un par de papeles poco prometedores (incluido un fugaz cameo en Breakin'), "Los músculos de Bruselas" encontraron su sitio en el cine gracias a la Cannon. Su gran oportunidad le llegó con Contacto sangriento, a partir de entonces, se convirtió en uno de los reyes del cine de acción de serie b, realizando películas tan disfrutables como Libertad para morir (1990), Doble impacto (1991) o Blanco humano (1993). Tocó techo con Timecop (1994), para luego caer en los directos a video. Su regreso triunfal pude ser JCVD (2008) donde se interpreta a si mismo, una idea que no puede fallar.
Cannon films: Contacto sangriento, Cyborg y Kickboxer.

Michael Dudikoff

Tal vez el menos popular de las estrellas de la casa. Se inició en el cine en pequeños papeles en producciones como TRON (1982), Más allá del valor (1983), Despedida de soltero (1984) y Radioactive dreams (1985). Su gran oportunidad le llegó con El guerrero americano, como curiosidad, Dudikoff no tenía ni idea de artes marciales cuando hizo la película. Después vino mucha serie b y directos a video, hasta su reciente retiro del cine.
Cannon films: El guerrero americano, La fuerza de la venganza, El guerrero americano II, El río de la muerte, Midnight ride, El guerrero americano 4, Escudos humanos, Rescátame y Chain of command.

Sylvester Stallone

La superestrella de los 80 también formó parte de la Cannon, aunque tan sólo lo fuese con dos películas. Tras los megaéxitos de Rambo: Acorralado, parte II y Rocky IV en 1985, Sly hizo su entrada en la Cannon por la puerta grande con Cobra y la dejó por la pequeña con Yo, el halcón. No hizo falta mucho más para joder su racha de éxitos, fue el comienzo del declive de su carrera, que no volvió a recuperarse hasta Máximo riesgo (1993).
Cannon films: Cobra y Yo, el halcón.

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Sunday, June 08, 2008

Poltergeist

"Están aquí..."

Los Freeling son una familia que vive feliz en un tranquilo barrio residencial, hasta que en su hogar comienzan a producirse extraños fenómenos paranormales. Una noche la hija pequeña del matrimonio, Carol Anne, desaparece, ese será sólo el comienzo de su pesadilla.

Poltergeist (1982) se ha convertido con el paso del tiempo en un clásico del terror de los 80 y una de las mejores películas sobre casas encantadas que ha dado el género. Aunque al final es más recordada por la polémica sobre quien fue su verdadero director, que por sus méritos cinematográficos. Pero antes de hablar sobre eso, empecemos por los orígenes del proyecto.

Existen dos versiones. La primera, el interés de Steven Spielberg por realizar una película sobre fenómenos paranormales, donde se reflejasen algunos de sus miedos infantiles. La segunda, proviene de Tobe Hooper, según contaba él, encontró un libro de título "Poltergeist" y le ofreció a Spielberg el proyecto de realizar una película sobre lo narrado en el libro.

Se desconoce cual de ambas versiones es la auténtica, o si ambas tienen algo de cierto. Lo que sí se sabe es que Spielberg se puso en contacto con el famoso escritor Stephen King, para la realización del guión, pero esta colaboración nunca llegó a iniciarse dado el alto sueldo pedido por los representantes de King. Spielberg contactó entonces con dos guionistas casi desconocidos, Michael Grais y Mark Victor, para que escribiesen el guión, pero su trabajo finalmente no le convenció, por lo que el propio Spielberg se encargó de rescribir el guión.

Una vez iniciado el rodaje Spielberg se ocupó de las decisiones creativas de la película, realizó el storyboard (con la ayuda de Ed Verraux), supervisó el montaje (el montador fue Michael Kahn, habitual colaborador de Spielberg), los efectos visuales, eligió al reparto, la situación de la cámara, el diseño de algunas criaturas y también eligió al compositor de la banda sonora (Jerry Goldsmith).

Así comenzó la polémica sobre quien fue el verdadero director de la película. Es obvio que aunque Hooper se sentase en la silla del director, era Spielberg quien tomaba las decisiones importantes. El porqué se comportó así, en lugar de dejar las riendas del proyecto a Hooper, puede ser debido, desde mi punto de vista, a dos razones, un afán del director por granjearse un gran éxito de taquilla que lo afianzase aun más en la industria y lo personal que era el proyecto para él. Spielberg no podía despedir a Hooper y ocupar su lugar porque la Director's Guild of America prohíbe a un director filmar dos películas al mismo tiempo (él ya estaba trabajando en E.T.) o a un productor quitarle los créditos a un director, ambas situaciones desfavorecían a Spielberg. De modo que lo más probable es que Spielberg se excediera en sus funciones dentro de la película, al mismo tiempo que Hooper perdía su poder dentro de ella.

Por lo tanto, no es exagerado afirmar que Poltergeist es una película más de Spielberg que de Hooper, sólo hace falta visionar la película para darse cuenta. Es fácil apreciar su estilo a lo largo de todo el metraje, vemos notas del "estilo Spielberg" no sólo en la historia sino también en la puesta en escena, con sus característicos movimientos de cámara o grandes hallazgos visuales, ejemplos de ello son escenas como, la presentación de la familia protagonista a través de su perro que va entrando en cada una de las habitaciones de la casa, la escena en que el padre de familia le expone a los parapsicólogos lo sucedido en su casa (filmado con elegantes movimientos de cámara) o ese plano imposible en el que Diane corre por un pasillo mientras la puerta hacia la que se dirige se aleja más y más; son todos momentos de una gran sabiduría visual. Por su parte Tobe Hooper siempre se ha revelado como un director poco elegante y cuya forma de entender el terror es por el camino de lo violento y grotesco y Poltergeist se aparta diametralmente de esa forma de hacer cine.

Spielberg trabajó en Poltergeist y E.T., el extraterrestre de forma simultánea. La fotografía principal de Poltergeist terminó el 4 de agosto de 1981, entonces Spielberg se fue a rodar E.T., cuyo rodaje comenzó oficialmente un mes después, exactamente el 8 septiembre. Supervisó los efectos visuales de ambas películas al mismo tiempo, éstos fueron creados por la misma compañía, la Industrial Light & Magic. Al final Poltergeist llego a los cines el 4 junio 1982 y E.T. se estrenó una semana después, el 11 junio.

Poltergeist no intenta dar miedo a través de un entorno aterrador, sino a través de lugares cotidianos y familiares, aquí una casa de un tranquilo barrio, un juguete, un árbol del jardín o un televisor, son usados como mecanismos de terror. De ese miedo en lo cotidiano surgen los mejores momentos de la película, como el ataque del payaso, la escena de la piscina llena de cadáveres o el momento en que un bistec cobra vida en la cocina. Gran parte de los miedos que presenta la película son reflejos de los terrores infantiles, el siniestro payaso de juguete, el armario que oculta algo maligno en su interior o el aterrador árbol del jardín, eso hace que la película sea más universal, ya que se trata de miedos comunes para todo el mundo.

La película habla sobre la desmitificación del "modo de vida americano" tantas veces exaltado por el cine norteamericano (cosa que también hace la película, puede que a propósito, con detalles como el comienzo con el himno norteamericano sonando o el momento en que Craig T. Nelson lee el libro "Reagan. The man, the President"). La película nos muestra a una familia americana feliz, que vive en uno de esos barrios residenciales tan típicos de EE.UU. y poco a poco asistimos a su desmoronamiento, tras la desaparición de la pequeña Carol Anne. La historia nos deja entrever que ese tipo de vida perfecto, en el fondo, no lo es tanto, remarcado por esa antológica idea de la urbanización construida sobre un antiguo cementerio, la base de la cultura americana cimentada sobre los muertos de su pasado.

Una leyenda negra rodea a la saga de Poltergeist, por una serie de muertes producidas tras los rodajes de las 3 entregas de la saga. Este hecho se denominó como "La maldición de Poltergeist". Todo empezó con la muerte de Dominique Dunne (Dana), hermana de Griffin Dunne y quien al poco tiempo de estrenarse la primera parte fue estrangulada por su novio. Tras el rodaje de la tercera parte, Heather O'Rourke, que interpretó a Carol Anne en las tres entregas, murió repentinamente de estenosis intestinal. Ambas actrices están enterradas en el mismo cementerio, el Westwood Memorial Park de Los Angeles. Pero la cosa no quedó ahí, dos actores que trabajaron en la segunda parte también fallecieron tras finalizar el rodaje, Julian Beck (Kane) falleció de cáncer de estómago (ya se le había diagnosticado antes del rodaje) y Will Sampson (Taylor), actor de origen indio famoso por su papel en Alguien voló sobre el nido del cuco (1975), murió en 1987 tras una operación de corazón en la que surgieron complicaciones. Además se sabe de accidentes y muertes sufridas por otros miembros del equipo (incluso la casa donde se rodaron los exteriores de la primera parte sufrió daños durante un terremoto en 1994). Todo esto no hizo más que aumentar la leyenda negra tras la saga, aunque, como es obvio, todo se trata de una serie de hechos desafortunados.

La película guarda un montón de momentos e imágenes memorables, la primera aparición de los fantasmas en la pantalla del televisor (rematado con el popular "Están aquí..."), Diane arrastrándose por las paredes y el techo de su habitación, el payaso de juguete que intenta estrangular a Robbie, el parapsicólogo que se arranca la piel de la cara, el momento en que las sillas de la cocina forman una pirámide, la grabación nocturna que los parapsicólogos hacen de los fantasmas, el árbol del jardín que intenta comer a Robbie, la cabeza de la Bestia emergiendo del armario de los niños, Diane en medio de una piscina llena de esqueletos o el apoteósico final donde emergen los cadáveres, seguido de ese instante espectacular en el que la casa de los Freeling desaparece en la nada.

Spielberg acertó con sus decisiones, ya que Poltergeist fue un rotundo éxito de taquilla, recaudando tan solo en EE.UU. 76.606.280 de dólares. Su presupuesto fue de 10,7 millones de dólares.

Su éxito se vio recompensado con 3 nominaciones al Oscar, mejor banda sonora original (Jerry Goldsmith), efectos visuales (Richard Edlund, Michael Wood y Bruce Nicholson) y montaje de efectos sonoros (Stephen Hunter Flick y Richard L. Anderson), aunque al final no se llevó ningún premio.

Curiosidades:

Las manos que arrancan la piel de la cara del investigador en la escena del baño, son las de Steven Spielberg.

Como homenaje a George Lucas, Spielberg llenó la habitación de los niños con juguetes de Star Wars. Lo mismo hizo en E.T., el extraterrestre (1982).

Los esqueletos que emergen de la piscina cuando Diane (JoBeth Williams) cae en ella, eran esqueletos reales. La actriz no lo supo hasta después de haber filmado la escena.

Drew Barrymore fue considerada para el papel de Carol Anne, pero Spielberg quería a alguien más angelical. Esa audición fue la que la ayudó a Drew para participar en E.T., el extraterrestre (1982).

La escena en la que Diane (JoBeth Williams) abre la puerta de la habitación de los niños y se oye un grito estremecedor, fue la primera en filmarse de la película. Y la escena en la que el investigador paranormal se arranca la piel de la cara fue la última.

La película que el matrimonio Freeling ve en la televisión mientras fuman, es Dos en el cielo (1943), historia de un piloto que regresa al mundo como un fantasma. En 1989, Steven Spielberg realizó su remake con el título de Always.

A Shirley MacLaine le ofrecieron un papel en la película, pero lo rechazó para trabajar en La fuerza de la ilusión (1983).

El efecto visual de la casa de los Freeling engullida por un agujero negro, se consiguió construyendo una miniatura de la casa, con un sistema de 100 cables conectados en diferentes puntos de su estructura para provocar su destrucción y otro sistema de luces en su interior que simulaba luces fantasmales. Se rodó la secuencia con una cámara que filmaba a 720 fotogramas por segundo, mientras un sistema de succión por aire comprimido aspiró la casa en tan solo 2 segundos. Al pasar lo filmado de 720 a 24 fotogramas por segundo, se simuló el efecto de una secuencia de mayor duración y más espectacular.

La película inicialmente obtuvo una calificación "R" (que no permite la entrada en cines de menores de 17 años que no estén acompañados de un adulto), los creadores de la película apelaron la decisión y consiguieron una clasificación "PG" (que sólo recomienda la presencia de padres). La clasificación "PG-13" aun no existía por aquel entonces.

Cuando Steven Spielberg era niño tenía miedo a los payasos y un árbol de su jardín, los mismos miedos de Robbie en la película.

Craig T. Nelson y JoBeth Williams sólo eran 14 y 11 años mayores que Dominique Dunne, que interpreta a su hija mayor.

Poltergeist es una palabra alemana que significa espíritu ruidoso.

Para que los movimientos de los fantasmas pareciesen más etéreos en la escena que bajan por las escaleras, se hizo que los actores que interpretaban a los fantasmas subieran las escaleras caminando lentamente hacia atrás y después se invirtió el sentido de la escena durante el montaje. La misma técnica se uso en la escena inicial de la película cuando los Freeling bajan por las escaleras.

El nuevo rugido del león de MGM fue sacado del efecto de sonido que se oye cuando la Bestia ataca la casa de Freeling al final de la película.

La trama de la película se asemeja a un episodio de la serie The twilight zone de título "Little girl lost" (temporada 4, episodio 26), que narraba la angustia de un matrimonio que perdía a su hija en un portal dimensional que se encontraba en su propia casa. Al final del episodio el padre cruza ese portal atado a una cuerda para rescatar a su hija.

El efecto de la silla que se mueve sola por el suelo de la cocina se consiguió con el sencillo trucaje de atar un alambre a una de las patas y después tirar de él.

JoBeth Williams (Diane Freeling), tenía serias dudas de rodar la escena de la piscina con todo el equipo eléctrico alrededor de la piscina. Para que se tranquilizase, Spielberg se metió en la piscina con ella.

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